teatro

George Clooney se fue con las manos vacías pero fue uno de los más aplaudidos de la noche del teatro

Celebrar la excelencia, abogar por las artes escénicas y entretener a los espectadores mirando desde sus casas. La tarea de hacer una ceremonia de entrega de premios un espectáculo televisivo no es sencilla como bien lo saben los productores de la mayoría de las tediosas galas hechas en Hollywood. En comparación con esas fiesta la de los premios Tony, los galardones que destacan a las mejores puestas teatrales estrenadas durante el último año en Broadway, cuenta con una ventaja fundamental frente al resto de las ceremonias de su tipo. Es que en el caso de la gala neoyorquina los números musicales, las canciones más significativas interpretadas por los cantantes más talentosos y las coreografías más brillantes que toda entrega de premios necesitan son la columna vertebral de la transmisión. Si a eso se le suma, como este año, un grupo de nominados integrado por veteranos y nuevos talentos del teatro y también por un tal George Clooney, la diversión está asegurada. "Un nuevo muchacho que promete", lo presentó Cynthia Erivo, la actriz y cantante británica protagonista de la versión cinematográfica de Wicked que anoche fue la maravillosa anfitriona de la ceremonia. Nominado en cinco categorías por Good Night and Good Luck, la obra que adaptó-y protagonizó- a partir del film mismo nombre estrenado en 2005 por el que recibió seis nominaciones al Oscar aunque no ganó ninguna. Anoche, Clooney que competía en el rubro de mejor actor -lo ganó el intérprete y creador de la obra Oh, Mary, Cole Escola-, volvió a quedarse sin premios pero desde el comienzo el actor estuvo en el centro de la escena. Tal vez porque su excursión por el teatro contribuyó a que esta fuera "la temporada más redituable en la historia de Broadway" según mencionó Erivo. "Y mientras no nos quedemos sin actores de Succession, las cosas seguirán yendo bien", bromeó la conductora minutos antes de que el chiste se volviera realidad cuando Sarah Snook, la maravillosa Shiv de la serie de HBO, ganó el premio a la mejor actriz de una obra por su trabajo en El retrato de Dorian Grey, categoría en la que competía con Mia Farrow y Sadie Sink, de Stranger Things.Los lazos entre Broadway y el cine no son nuevos pero en esta temporada teatral parecen más robustos que nunca: entre los musicales nominados que presentaron sus mejores números en la entrega de premios estuvieron Buena Vista Social Club, inspirado en el documental de Wim Wenders, La muerte le sienta bien, adaptado de la comedia negra protagonizada por Meryl Streep y Goldie Hawn en 1992, y Sunset Blvd, la puesta creada por Andrew Lloyd Webber-aunque en una nueva versión minimalista-, a partir de la película del mismo nombre dirigida por Billy Wilder.Con Clooney y su esposa Amal sentados en primera fila y la aparición de Keanu Reeves -junto a Alex Winters con quién en septiembre estrenará Esperando a Godot en Broadway-, para presentar una de las primeras categorías de la noche, estos Tony le sacaron provecho a su cartelera repleta de estrellas. Pero más allá de las caras conocidas -por ahí estuvo también Ben Stiller-, el alma de estos premios siempre fueron y siguen siendo los números musicales, la publicidad más convincente para el teatro hecho en Broadway. Darren Criss and Helen J. Shen perform a piece from the Broadway show #MaybeHappyEnding at the 2025 #TonyAwards pic.twitter.com/sikZTHZpbw— The Hollywood Reporter (@THR) June 9, 2025Del despliegue orquestal de Buena Vista Social Club y Just in Time, al colorido de La muerte le sienta bien, la emoción de Sunset Blvd. y la originalidad de Maybe, Happy Ending, el musical de Corea del Sur que este año debutó en el escenario estadounidense y logró diez nominaciones al Tony. Inimitable. The original. #Hamilten pic.twitter.com/r5YpwujkUw— Hamilton (@HamiltonMusical) June 9, 2025En una ceremonia repleta de emoción la reunión del elenco original de la premiada Hamilton a diez años de su estreno fue uno de los momentos más festejados de la noche que también tuvo pasajes de comedia como la presentación de Bryan Cranston y Alison Janney de las categorías de dirección. Para el final de la noche quedaron los premios para los musicales. Entre las reposiciones la ganadora fue Sunset Blvd mientras que su protagonista, Nicole Scherzinger, se llevó la estatuilla como mejor actriz de musical y Darren Criss, al que algunos recordarán como uno de los protagonistas de Glee, ganó el premio al mejor actor de un musical por Maybe Happy Ending que con seis galardones, incluyendo el de mejor musical, fue la gran ganadora de la noche.

Muere Susana Garfel, reconocida actriz de teatro y cine mexicanos

Susana Garfel Durazo deja un legado artístico que marca la escena teatral, cinematográfica y televisiva en el país

Majo Aguilar conquista el Teatro Metropólitan de CDMX con su gira 'Mariachi Mío'

La integrante de la dinastía Aguilar deleitó a más de 3 mil personas con sus éxitos

La pelea más sentida del teatro argentino

Nicolás Vázquez y Dai Fernández, protagonistas de la adaptación del clásico de Sylvester Stallone, hablan sobre la pasión que marca a esta puesta, fiel al film original. El actor, también codirector y coproductor, habla con corazón de un sueño como pocos. Ambos celebran la resistencia del mito y como llega a Buenos Aires de manera épica. Leer más

Gian Marco presenta 'Mi Vida en Sol Mayor' en el Gran Teatro Nacional: fechas, precios y cómo comprar entradas

El cantautor peruano regresa al Gran Teatro Nacional con tres funciones especiales donde el público elige canciones en vivo. Entradas disponibles en Teleticket.

Incidente en Vichy: un clásico de Arthur Miller en versión teatro documental

Incidente en Vichy. Autor: Arthur Miller. Adaptación y dirección: Pablo Gorlero. Intérpretes: Mateo Chiarino, Patricio Coutoune Leduc, Rubén de la Torre, Mario Petrosini Monceau, Junior Pisani Lebeau, Rodrigo Raffetto Bayard, Pablo Turchi, Enrique Iturralde, Santiago Lozano, Jerónimo Dodds, Marcelo Rodríguez, Julián Mardirosian, Mauricio Méndez, Mariano Sgallini, Marcelo La Valle. Escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics. Iluminación: Ricardo Sica. Música y diseño sonoro: Fernando Nazar. Sala: Espacio Callejón (Humahuaca 3759). Funciones: jueves, a las 20.30 hs. Duración: 80 minutos. Nuestra opinión: muy buena. En Incidente en Vichy, un grupo de hombres es detenido en la calle y trasladado a una repartición policial, para averiguación de antecedentes. Entre ellos hay un artesano, un gitano, un psiquiatra, un actor, un hombre de negocios y hasta un príncipe austríaco. Todos son sospechosos de ser judíos. La pieza está ambientada en la Francia de 1942, apogeo del nazismo y en una ciudad que, se dice, se convirtió en paradero de indocumentados y aliada de ese hombre de corto bigote que acusaba a los judíos por haber perdido la Primera Guerra Mundial.A la espera a ser interrogados en ese lúgubre ambiente gris cada uno se enfrenta a sus más profundos temores, a sus culpas, a aquello que esconden o no, y a las ideas que se defienden. La intención es que esa espera se convierta en un mea culpa individual, que convierta a esos hombres en seres indefensos, ante un antropólogo racial, joven y algo iracundo; un comandante o un capitán de policía. La espera despierta en cada futuro interrogado sus más profundas contradicciones. Así un actor, acusa, sin certeza, a un gitano de ser el ladrón de un pequeño cacharro. O un príncipe austríaco dice no entender por qué su sirvienta o su jardinero son fanáticos de Hitler. En ese ámbito de una espera que se sabe puede terminar en la muerte, el temor se adhiere a la piel y se transforma en desesperación. La víctima y el verdugo, se sabe, anidan en el hombre, mal que nos pese. Y de eso hay un aprovechamiento continuo y cíclico, que se da a través de los regímenes dictatoriales que cada tanto proliferan en el mundo y provocan un genocidio. El teatro de Arthur Miller enfrenta al hombre a la adversidad de los poderes políticos, la injusticia social, racial, económica y lo ubica en el rol de víctima y victimario. Esto es lo que sucede en Incidente en Vichy (1964). Hijo de inmigrantes judíos polacos, Arthur Miller (El precio, Todos eran mis hijos), en 1964 escribe Incidente en Vichy, luego de visitar con su mujer los campos de concentración de Mauthausen y cubrir para un diario estadounidense los juicios nazis en Francfort, Alemania. Pablo Gorlero apostó a una idea de teatro documental. Su puesta despojada, minimalista, permite que cada personaje se recorte -con sus cualidades innatas, excelentes en su diseño interpretativo y desnudando su propia identidad- en casos de una lacerante emocionalidad. Mateo Chiarino, Patricio Coutoune, Junior Pisanu, Santiago Lozano, Enrique Iturralde, Marcelo Rodríguez y Julián Mardirosian se juegan en una gestual de emoción y movimientos sutilmente elaborada y de contundentes efectos. Posibilitando un crescendo dramático tan visceral como paralizante para el que observa, debido al tema abordado, al que cada uno puede asociar con sus propias circunstancias personales o colectivas.

Marcelo Cezán habló sobre el equilibrio entre el teatro, la televisión y su familia: "A veces mi hijo me reclama"

El actor, cantante y presentador dialogó con Infobae Colombia sobre el desafío de cumplir su intensa agenda profesional con su rol como padre y esposo

Construir ilusión: entre el cine y el teatro

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Un fin de semana a puro teatro: de la transmisión en vivo de la obra de George Clooney a la glamorosa gala de los Premios Tony

Broadway está de fiesta. Este fin de semana marcará un antes y un después para los amantes de las tablas. Por primera vez en la historia, una obra del corazón del teatro norteamericano se transmitirá en vivo por televisión. Good Night, and Good Luck, protagonizada por George Clooney como Edward R. Murrow, será emitida el 7 de junio por CNN.Y si eso no fuera suficiente, los Premios Tony se celebrarán al día siguiente, el domingo 8 de junio, en vivo desde el Radio City Music Hall.Un fenómeno sin precedentesGood Night, and Good Luck se convirtió en un suceso del teatro neoyorkino: nominada a cinco premios Tony y dirigida por el ganador del Tony, David Cromer, recientemente hizo historia al convertirse en la obra de mayor recaudación en la historia de Broadway y la primera en superar los 4 millones de dólares recaudados en una sola semana.La pieza, que comenzó el 12 de marzo con estreno oficial el 3 de abril será transmitida de forma gratuita por CNN antes de que baje el telón el 8 de junio. El precio promedio del ticket para disfrutar de la obra en Nueva York es de 300 dólares. El teatro de Broadway resurgió con fuerza después de la pandemia. La temporada 2024-2025 destacó con una recaudación récord de $1900 millones de dólares: la más alta registrada en la historia. La taquilla se mantiene encendida y Broadway brilla, una vez más, como el epicentro indiscutido del espectáculo en vivo.Premios TonyClooney no fue la única estrella que recibió su primera nominación a los Tony. También lo hicieron la excantante de Pussycat Dolls Nicole Scherzinger, por su rol en Sunset Boulevard; Sarah Snook -conocida por su trabajo en Succession- por su protagónico en El retrato de Dorian Gray; Bob Odenkirk -el abogado de Breaking Bad y Better Call Saul- por su papel en Glengarry Glen Ross y Mia Farrow, por The Roommate.La Argentina dirá presente en los Premios Tony de la mano del productor Diego Kolankowsky y dos de sus espectáculos: Maybe Happy Ending y Sunset Boulevard, que reúnen 17 nominaciones en la entrega de los galardones que reconocen a lo mejor del teatro norteamericano.DecepcionesHubo algunas figuras reconocidas que se quedaron fuera de competencia, como Denzel Washington y Jake Gyllenhaal, que encabezan el reparto de Otelo, una de las producciones más caras de Broadway; Robert Downey Jr., cuyo debut en Broadway, McNeal, no recibió ninguna nominación; Idina Menzel, protagonista del nuevo musical Redwood; el cantante de los Jonas Brothers Nick Jonas, con The Last Five Years; David Hyde Pierce, que tampoco fue ternado por su rol en Pirates! The Penzance Musical; o Rachel Zegler y Kit Connor, que no fueron considerados por su performance en Romeo + Julieta.Los musicales Buena Vista Social Club, Death Becomes Her y Maybe Happy Ending son los que lideran la lista con 10 nominaciones cada uno de cara a la 78ª edición de los Tony. La categoría principal, Mejor obra, incluye a English, The Hills of California, John Proctor Is The Villain, Oh Mary! y Purpose.Audra McDonald recibió su undécima nominación -por su papel de Rose en Gypsy- y se convirtió en la artista con más nominaciones en la historia de los Premios Tony. Asimismo, Harvey Fierstein será reconocido con un premio a la trayectoria, mientras que Celia Keenan-Bolger recibirá el Premio Tony Isabelle Stevenson 2025 por su labor de defensa de las artes.¿Cómo ver en vivo Good Night, and Good Luck?CNN transmitirá en vivo la penúltima función de la puesta Good Night, and Good Luck, con la actuación de George Clooney, desde el Teatro Winter Garden de Broadway, el sábado 7 de junio. La cobertura especial comenzará en vivo a las 19.30 (hora Argentina), desde el exterior del Teatro Winter Garden, conducida por Pamela Brown y a las 20 (hora Argentina) se levantará el telón. Good Night, and Good Luck no es solo una celebración de una época dorada del periodismo televisivo", afirmó Mark Thompson, director ejecutivo de la CNN, en el comunicado de prensa. "También trata sobre la importancia de la prensa libre y la necesidad de que los medios de comunicación competentes informen de los hechos con imparcialidad. Eso es algo que todavía nos importa profundamente". Inmediatamente después de la transmisión, y en sintonía con el contenido de la obra, CNN presentará un especial exclusivo para reflexionar sobre la producción y el estado del periodismo global, presentado por Anderson Cooper. Curiosamente, el 7 de junio se celebra el Día del Periodista en la Argentina y la cobertura de la obra resuena aún más en la agenda de nuestro país.Para agendarGood Night, and Good Luck: la obra se transmitirá en vivo por CNN, CNN International y a través de CNN.com/GoodNightGoodLuck. El 7 de junio, desde las 19.30 hora argentina.Premios Tony: el domingo 8 de junio a las 21 (hora argentina), Film&Arts emite la ceremonia, desde el Radio City Music Hall y con Cynthia Erivo como conductora.

El Teatro Colón recibe a la pianista Yuja Wang que estará acompañada por la Mahler Chamber Orchestra

En las próximas fechas del ciclo Grandes Intérpretes se presentarán Benjamin Bernheim junto a Carrie-Ann Matheson (18 de junio) y Jessica Pratt, con Kamal Khan (27 de junio). Leer más

El teatro se parece cada vez más a la televisión

Producciones de Broadway integran cámaras en vivo, montaje digital y figuras de la pantalla chica para atraer nuevos públicos

Reflejos de Macondo: una dimensión desconocida de la obra de García Márquez en el Teatro Colón

"Un homenaje a esa faceta desconocida de Gabriel García Márquez en relación con la música". En eso consiste, entre otras motivaciones, la propuesta de fusión planteada por el destacado fotógrafo colombiano Oscar Perfer junto a la pianista española María José de Bustos, titulada Reflejos de Macondo, obra que el Teatro Colón presenta este sábado en una función única en el Centro de Experimentación (CETC).Los ojos de García Lorca en los de su sobrina, Laura, gran custodia del legado del poeta andaluzNo solo en el formato del concierto-exposición surge la originalidad de este proyecto artístico que lleva varios años de vida, sino también en su contenido y en el ingenio sorprendente con que, lejos de cualquier obviedad, vincula elementos literarios, visuales y sonoros, en una trama sutil a partir de Cien años de soledad.Primero por la idea fantástica de Perfer de ir en busca de los rostros que dieran vida real a los personajes de Macondo, en un trabajo paciente, minucioso y creativo al que se dedicó durante una década, estudiando el perfil, los rasgos y los gestos que más cabalmente humanizaran a los protagonistas de la célebre novela, ícono del Boom Latinoamericano."Comencé con los retratos en 2014 seleccionando los mejores registros que decantaron en la serie de esta muestra â??explica el fotógrafo y diseñador gráfico en diálogo con LA NACIONâ??. Fue un proceso muy personal que comenzó con las fotos del coronel Aureliano Buendía, para las que tuve varios candidatos. Las imprimí en una tarjeta de presentación en cuyo reverso decía que estaba trabajando para una serie de imágenes macondianas. Así las entregaba a toda persona que tuviera un parecido en la ficción.Leon XIV en Buenos Aires"Mi búsqueda constante es por la estética de las fotografías y por el abordaje de las imágenes sin pecar de demasiado 'atropical' porque siendo Macondo un pueblo del Trópico, también podría estar en cualquier parte del mundo. Luego de haber trabajado varios tipos de construcciones â??cuenta Perferâ??, he desarrollado un estilo que se define por un tipo de luz que es mi sello personal: la 'iluminación pictórica'. Una iluminación clásica inspirada en la luz del Barroco y del Renacimiento que va de la mano, y esto lo digo abiertamente, a diferencia de muchos fotógrafos que no reconocen sus influencias, de lo que aprendí del Siglo de Oro holandés porque estuve allí y crecí con ese arte, estudiando también al gran pintor colombiano de temas religiosos Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos [1638-1711]. Todo esto caló profundo en el imaginario que volqué en estas fotografías impresas luego sobre lienzos italianos de gran formato, en altísima resolución y en la calidad expositiva de una galería de arte".En cuanto a la selección de las composiciones musicales que van desde el Romanticismo vienés al Impresionismo francés y el Nacionalismo húngaro, de Debussy, Satie y Ravel, a Schubert, Chopin y Brahms, de Sibelius y Bartók a Turina y Mompou, agrega la pianista originaria del País Vasco: "Es la intención de atribuirle a las fotografías un carácter a través del sonido porque si bien a cada personaje lo dibuja el texto que le corresponde, el piano completa el color y el alma de esas figuras."¿Por qué esas músicas que a priori no tendrían conexión con el paisaje típico del Realismo Mágico? "Porque precisamente no quisimos recurrir a la música popular â??responde Perferâ??. Aún cuando para todos funcione así, no fue el sentido artístico que quisimos darle." Y añade Bustos sobre la identificación del Premio Nobel con el Caribe colombiano: "Gabo era un vallenatero de toda la vida. Sabemos, sin embargo, que en la intimidad de la escritura le gustaba la música clásica. El compositor húngaro Béla Bartók fue el punto de partida porque se sabe con certeza cuánto disfrutó de su música al escribir la novela. Pensamos el programa con Bartók exclusivamente, pero era imposible de modo que nos abrimos a otras posibilidades y le dimos un aire nuevo a este producto que es un hecho artístico, una propuesta diferente, íntima, acogedora e inmersiva. Es un homenaje a esa faceta desconocida de García Márquez en relación con la música que solo compartió con amigos y allegados."Los textos que aparecen recitados en off son extractos de la novela publicada en Buenos Aires por Editorial Sudamericana allá por junio de 1967 convirtiendo la fecha en un hito de la literatura mundial. "Son pasajes que llegan al auditorio como una marea tranquila", describe Bustos sin revelar detalles de esta puesta en escena adaptada al espacio del CETC que marca la cercanía e inclusión del espectador. "Hay que dedicar la atención a la mirada de los personajes porque es impactante el efecto de estas fotografías que cobran vida a lo largo de la aventura que es Reflejos de Macondo â??promete la pianistaâ??, que no pasará desapercibida para la sensibilidad del público porque aquí las fotografías se escuchan y la música se ve".Cada uno tendrá sus propios Melquíades, las Úrsulas y los Aurelianos de su imaginación. "Pero esta propuesta es la nuestra, meramente artística y personal. Es una oportunidad â??concluye el retratistaâ??, que nos llena de orgullo por el honor de ofrecerla en el Teatro Colón, de descubrir en un encuentro estético visual, literario y sonoro, la soledad infinita de los cien años."Para agendarConcierto-instalación Reflejos de Macondo, con producción del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. En el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC). Sábado 7 de junio, a las 20.

Teatro porteño: de la baja del 15% de espectadores y el récord de La sirenita a los nuevos precios amigables

El mes de junio anticipa la llegada de la temporada fuerte del teatro comercial porteño, que tiene su pico histórico de audiencia durante las vacaciones de invierno. En las marquesinas de los grandes teatros de la Avenida Corrientes y sus alrededores conviven figuras como Moria Casán, Julio Chávez, Pablo Echarri, Laurita Fernández, Florencia Peña, Soledad Silveyra, Eduardo Blanco, Diego Peretti, Betiana Blum, Roberto Moldavsky, Verónica Llinás o Lorena Vega, protagonizando títulos destacados de la cartelera actual con sus múltiples propuestas, que van de las comedias y los musicales a las comedias dramáticas.Pero más allá de los títulos y las figuras, en la escena del teatro comercial conviven signos contrapuestos. Según recientes datos de Aadet, la cámara que agrupa a dueños de salas y productores de este sector, durante mayo se produjo una caída del 15 por ciento en cantidad de espectadores, en comparación con el mismo mes de la temporada pasada. En lo que hace al acumulado del año, según cifras que dio a conocer Sebastián Blutrach, presidente de Aadet, se presenta una caída del nueve por ciento y una disminución del 10 por ciento en la cantidad de funciones en su comparación interanual. Esta foto convive con otras dos que ayudan armar la panorámica del teatro comercial: en lo que va de 2025 se produjo un récord de obras estrenadas y reestrenadas, 319 espectáculos, lo cual significa un incremento del 13 por ciento en relación con el 2024. Y otro dato de la actualidad: con 35.000 entradas adquiridas antes del estreno, La sirenita instaló un récord de preventa en comparación con Matilda y School of rock, las otras dos grandes superproducciones que desde hace tres temporadas vienen ocupando el imponente Teatro Gran Rex. En lo que va de este año, en contraposición a lo que sucedió con la cartelera de verano en Mar del Plata, el circuito comercial porteño viene atravesando una situación compleja en lo que hace a afluencia de público. Durante los primeros meses del año dos títulos se alternaron el liderazgo, tanto del que hace referencia a taquilla como al de público: Empieza con D, 7 letras, el espectáculo con Eduardo Blanco que dirige Juan José Campanella; y ¿Quién es quién?, con Soledad Silveyra y Luis Brandoni. En el último registro de audiencia de Aadet, ambos montajes siguen figurando en el top ten aunque ¿Quién es quién? haya realizado apenas tres funciones la semana pasada debido a que Brandoni está filmando Parque Lezama. En las estadísticas actuales, la comedia La cena de los tontos con Martín Bossi, Mike Amigorena y Laurita Fernández lidera la tabla. Le siguen El jefe del jefe, con Diego Peretti y Federico D`Elía; y Pretty Woman, la comedia musical que acaban de estrenar Florencia Peña y Juan Ingaramo junto con un numeroso elenco.Del fondo del mar al ring Dentro de una semana, la cartelera sumará un título fuerte como Rocky, con Nicolás Vázquez en medio de una gran producción. Desde hace ya varios años el actor y productor que hizo de Dorita en Tootsie, y que se pondrá ahora en la piel de Rocky Balboa viene encabezando títulos que se convierten en verdaderos tanques de la cartelera. De hecho, la preventa de Rocky da clara señales de que es trata de otro peso pesado del teatro de la Avenida Corrientes. Ya vendieron más de 12.000 entradas. En este panorama, La sirenita, en la versión de Disney, ya está dejando su marca en el panorama del circuito comercial. "La preventa arrancó muy bien. Luego se estancó y ahora está alcanzando un registro verdaderamente increíble que nos permite anunciar que, dentro de dos sábados, haremos tres funciones en vez de dos; algo que ni Matilda ni School of rock pudieron concretar. ¡Qué Argentina contradictoria!", reflexiona Carlos Rottemberg, el señor de los teatros, en diálogo con LA NACION. La misma contradicción la vive a diario él mismo, ya que el movimiento de boletería del Gran Rex difiere de lo que ocurre en el Multitabarís, una de sus salas en Buenos Aires. Y vale una aclaración: entre ambas hay, apenas, una pared medianera. La última vez que el Gran Rex, la sala con mayor capacidad de Buenos Aires, programó tres funciones diarias fue con Casados con hijos, cuando en la temporada de 2023 había más cantidad de espectadores y llegaba a Buenos Aires turismo de países limítrofes. "Los números de ahora son con puro consumo local, en medio de una plaza deprimida. Sin embargo, creo que con La sirenita estamos cosechando lo que hicimos con Matilda y School of rock. A punto que mantendré una reunión con Mariano Pagani [otro de los productores de este tríptico de gran escala] para evaluar un cuarto título para el año próximo", señala Rottemberg. A favor del bolsilloSiempre atento a sostener el movimiento teatral en todo su conjunto, para la temporada 2023/2024 de Mar del Plata impulsó y patentó aquello que denominó como Precios amigables, iniciativa que fijó un valor máximo a las entradas. La estrategia adoptada por todo el sector logró un incremento del 33 por ciento en la venta de tickets en relación con la temporada de verano anterior. Ahora, sin haberle puesto una fecha límite, está vigente para sus salas porteñas (Multiteatro, Multitabarís y Liceo). "Quiero a la gente adentro de los teatros. El tipo que está en Catamarca o San Juan ya sabe que para las vacaciones, en nuestros teatros puede ver las obras con un precio máximo de 38.000 pesos. Es un momento para estar muy atento a la gente. El caso de las 'empanadas de Darín' me llevó a anunciar Precios amigables en nuestras salas. Ese comentario que generó que otras casas de empanadas aclararan el valor del producto armó toda una discusión sobre el valor de una empanada. En medio de esa confusión anunciamos Precios amigables en Buenos Aires, como una forma de aclarar las cosas", confiesa el reconocido productor, que celebra sus 50 años en la actividad teatral. En términos de precios máximos, Rocky y La sirenita cuentan con los precios más elevados de la actualidad, unos 60.000 pesos. Pero en ambos casos hay localidades a 20.000. El precio promedio de la escena comercial actualmente en cartel va de los 33.000 a los 41.000 pesos. Martes a las 19. A la salida de la primera función para invitados de La sirenita al público colmó al Gran Rex se le suma el que está por entrar a ver la segunda. La Avenida Corrientes al 800 cumple el mágico rito de miles de espectadores teatrales circulando por el lugar. Muchos de los que caminan por la vereda lo hacen imitando el desplazamiento acuático de Albana Fuentes, la protagonista de este historia basada en el cuento de Hans Christian Andersen. Del otro lado del Obelisco, la producción de Rocky está ajustando sus piezas. En ese caso, la historia de amor tendrá como telón de fondo un cuadrilátero. En simultáneo, actores, productores, directores ajustan la compleja maquinaria de las vacaciones de invierno. De ese momento esperado también habla Sebastián Blutrach, el presidente de Aadet y quien gestiona desde hace más de una década el teatro El Picadero. "Siento que lo que viene para el resto del año es alentador -señala a este cronista-. En lo que refiere al circuito de Aadet, ya hemos salido al ruedo con todo, con propuestas atractivas para todos los públicos. Falta ver con más precisión los títulos para chicos que se sumarán para las vacaciones; pero se hace complejo marcar un tendencia sobre lo que pueda suceder. El clima social es muy particular. Pensábamos que con el repunte que logramos en abril mayo iba a ser fuerte, sin embargo no lo fue. En junio, con La sirenita y Rocky debería revertirse la situación, pero está todo muy errático. Desde la parte empresarial se hicieron los deberes, se hizo un buen trabajo. En medio de un país inestable, con un humor tan cambiante y con calle intranquila, es difícil saber cómo va por seguir todo".

Lourdes Sánchez confirmó la fecha de apertura del Teatro Vera con un espectáculo de más de 80 artistas

La directora a cargo del coliseo brindó detalles de cómo será el acto oficial. Además, dijo que ya está programada una cartelera hasta fin de año. Leer más

La historia de Pablo Turturiello: de descubrir el teatro musical gracias a su abuela a ser Eric en La Sirenita

El actor uruguayo habló con Clarín y contó todo sobre cómo llegó a protagonizar la obra inspirada en el clásico de Disney en el Gran Rex."Cuando me confirmaron en el papel quebré en llanto", reconoció.Además, sus sueños profesionales y su relación con Fer Dente.

Cómo conseguir 2x1 en entradas para teatro Picadero: todos los detalles del beneficio

Hay un cupo limitado de entradas con el descuento especial para quienes tienen tarjeta Clarín 365.Una oportunidad ideal para disfrutar de teatro porteño sin gastar de más.

West-Eastern Divan Ensemble en el Teatro Colón: el drama de la intimidad

West-Eastern Divan Ensemble. Michael Barenboim (director). Integrantes: Michael Barenboim y Hisham Khoury (violines), Sindy Mohamed (viola), Izak Nuri (violonchelo), Omar Farjoun Bishara (contrabajo), Aleksander Gurfinkel (clarinete), Ben Goldscheider (corno) y Benya Ã?nal (fagot). Programa: Cuarteto para cuerdas n° 11 en fa menor, opus 95, de Ludwig van Beethoven; Octeto para clarinete, corno, fagot y cuerdas en fa mayor, D. 803, de Franz Schubert. En el Teatro Colón. Nuestra opinión: excelente. Pocas cosas hay musicalmente más difíciles de lograr que el hecho de que el oyente se demore, incluso después de concluida la función, en acontecimientos mínimos -pueden ser apenas un par de compases- y que los integre aun tácitamente en el diseño general de la obra; más todavía, que se demore en ellos porque consiga ver lo que traen y hacia dónde llevan. El ensamble West-Eastern Divan -integrado por músicos de la Orquesta West-Eastern Divan, que fundaron Daniel Barenboim y Edward Said- dio con su Beethoven y su Schubert una clase realmente inolvidable de cómo en la atención al detalle está cifrada ya la forma mayor de la que es parte. El Cuarteto de cuerdas opus 95, al que el propio Beethoven decidió llamar "Serioso", es un campo de batalla entre la retórica y la expresividad, o dicho de otra manera, entre la condensación y la expansión. El golpe de genio de Beethoven en este cuarteto consiste en demostrar que solo se llega a la expansión por la vía de la máxima condensación. Ya en el "Allegro con brio" inicial, el cuarteto que formaron Michael Barenboim -bastante más que un primus inter pares-, Hisham Khoury, Sindy Mohamed e Izak Nuri desplegó el movimiento como un tapiz muy apretado, un tapiz cuya figura resulta no sólo de una fricción -la fricción que deparan la impaciencia rítmica y el pasaje lírico contrastante-, sino sobre todo de su cromatismo. El cuarteto no ahorró ninguna de estas asperezas, cuyo colmo es la disonancia en el final de la exposición. Fue crucial aquí la caracterización estricta, minuciosa, de las voces. Esta minuciosidad brilló también en el Allegretto, con su fuga ortodoxamente escalonada. Una vez más, el cuarteto dejó al desnudo el amenazante espiralamiento cromático. No importa cuánto se conociera el "Serioso", la versión guiada por Barenboim instaló un suspenso que cortaba la respiración. Los mundos del arquitecto Beethoven y del sonámbulo Schubert -para usar la comparación del pianista Alfred Brendel- no podrían ser más cercanos y, a la vez, más diferentes. Sin embargo, Schubert también reclama en el Octeto su propia y particular microscopía. Se ha dicho con bastante verosimilitud que el Octeto procede del Septeto opus 20 de Beethoven: uno y otro comparten el modo mayor, los seis movimientos y el orgánico, salvo por el añadido de otro violín. La presunción es cierta pero parcial. Podría pensarse que, en realidad, Schubert no expandió el septeto con un violín; más bien, su matriz fue el cuarteto de cuerdas, al que expandió con el contrabajo, el corno, el fagot y el clarinete, proyecciones tímbricas de un pensamiento musical vuelto hacia el cuarteto. Esto explica que el color del Octeto, aun con los mismos instrumentos, difiera tanto del Septeto. Si se lo toca -y así se lo tocó- y se lo escucha de esta manera, el Octeto entra en diálogo con otras piezas de Schubert como el Cuarteto en sol mayor D. 887 y el Quinteto con dos cellos. El ensamble consiguió una administración admirable de la reticencia schubertiana, con un drama contenido en el borde de la catástrofe y el énfasis, sin vulnerarlo nunca. Todo es intimidad en el Octeto, y no puede imaginarse una versión más íntima que la del ensamble de la West-Eastern Divan: cada cambio de luz, cada enrarecimiento armónico en el movimiento final, cada variación del Andante, todo transcurrió en un recogimiento que cualquier extroversión habría ultrajado. No hubo ninguna pieza fuera de programa: después del Octeto de Schubert cualquier otra cosa habría ofendido lo escuchado y a su recuerdo en el silencio.

Martín Fierro de Teatro: la más nominada, las sorpresas y quién será el conductor de la primera entrega

Finalmente se dieron a conocer las ternas con los nominados a los premios Martín Fierro de Teatro 2025, la nueva distinción de Aptra dedicada a reconocer exclusivamente los grandes valores de la escena teatral, tanto de la escena comercial como de la oficial y del off. En esta ocasión y por única vez, dedicada a dos temporadas: 2023/24 y 2024/25.El espectáculo más reconocido, con cinco nominaciones, resultó ser El trágico reinado de Eduardo II, la triste muerte de su amado Gaveston, las intrigas de la Reina Isabel y el ascenso y caída del arrogante Mortimer, que produjo el Complejo Teatral de Buenos Aires en el Teatro San Martín. Luego, muy de cerca, con cuatro nominaciones cada uno, le siguen las comedias Tootsie, Antígona en el baño y Empieza con D, 7 letras; más los musicales Cuando Frank conoció a Carlitos, School of Rock y Legalmente rubia. Si bien la votación final quedará en manos de los asociados de la entidad, las nominaciones fueron fruto del consenso de un nutrido jurado de honor conformado por José María Muscari, Alejandro Tantanian, Marilú Marini, Patricio Binaghi, Erica Rivas, Cynthia Edul, Julián Lucero, Silvia Gómez Giusto, Ángela Torres, Paul Kirzner, Alejandra Flechner, José Miguel Onaindia y Jorge Telerman.Cabe recordar que la entrega se llevará a cabo el lunes 23 de junio en La Usina del Arte y que será transmitida en vivo por América TV. El espacio dedicado a la alfombra roja comenzará a las 20 y la ceremonia oficial a las 21.30. El conductor de la gala será Martín Bossi. El listado completo de las ternas es el siguiente:1. Mejor Obra Teatro OficialLos añosEl trágico reinado de Eduardo II...CyranoJames Brown usaba rulerosJuana2. Mejor Obra Teatro Comercial 2023/2024El corazón del dañoTootsieAntígona en el bañoVotemosMade in Lanús3. Mejor Obra Teatro Comercial 2024/2025Esperando la carrozaQuiero decir te amoDrukFelicidadesMejor no decirloQuién es quién?Empieza con D, 7 letras4. Mejor Obra Temporada estrenada en Mar Del Plata / Villa Carlos PazMamma Mia!Caer (y levantarse)Argentina La RevistaKinky Boots100% FátimaMuerdeUn viaje en el tiempo5. Mejor Obra MusicalCuando Frank conoció a CarlitosSaraos UranistasRentLegalmente RubiaLas mujeres de LorcaSchool of Rock6. Mejor InfantilFamilia No Tipo y la nube malignaVivitos y ColeandoTopa, es tiempo de jugarPlim Plim en vivo, energía musical7. Mejor Obra Teatro OffModelo Vivo MuertoIrreverentesLa fuerza de la gravedadParlamento8. Mejor UnipersonalSuavecitaMika Solo SetPrima FacieViento BlancoGayola en ParísOkasan9. Mejor Stand UpMoldavsky: Lo Mejor de míExperiencia Gutmann DaliaConnie Ballarini Stand UpPablo Cordonet, Multiverso Megashow10. Mejor Actriz Protagónica OficialFlorencia Otero (Personas, Lugares y Cosas)Analía Couceyro (¿Qué de magnífico tiene que ser yo?) y (Einstein on the Beach)Ana María Cores (Las mujeres de Lorca)Ingrid Pelicori (Yo, Fedra)Juana Viale (Juana)Belén Blanco (Clandestina)Miranda de la Serna (Potencia Gutiérrez)11. Mejor Actor Protagónico OficialMarcelo Subiotto (Los Años) y (La gran Ilusión)Arturo Puig (Largo viaje de un día hacia la noche)Guillermo Angelelli (Las Lágrimas de los animales marinos)Gabriel Puma Goity (Cyrano)Luciano Cáceres (Elsa Tiro)12. Mejor Actriz Protagónica Comercial de obra estrenada en 2023/2024Marilú Marini (El corazón del daño)Verónica Llinás (Antígona en el baño)Carla Peterson (Reverso)Soledad Silveyra (Pasta de estrellas)Laura Fernández (Matilda) y (Legalmente rubia)13. Mejor Actriz Protagónica Comercial de obra estrenada en 2024/2025Paola Barrientos (Esperando la carroza)Mercedes Morán (Mejor no decirlo)Lucia Aduriz (Quiero decir te amo)Gimena Accardi (En otras palabras)Flor Peña (Mamma Mía!)Griselda Siciliani (Felicidades)14. Mejor Actor Protagónico Comercial de obra estrenada en 2023/2024Nicolás Vázquez (Tootsie)Alberto Ajaka (Made in Lanús)Marco Antonio Caponi (Reverso)Juan Gil Navarro (Votemos)Héctor Díaz (Antígona en el baño)Agustín Rada (Matilda) y (School of Rock)15. Mejor Actor Protagónico Comercial de obra estrenada en 2024/2025Juan Pablo Geretto (Exit)Luis Brandoni (Quién es quién?)Carlos Portaluppi (Druk) y (Jardines salvajes)Adrián Suar (Felicidades)Pablo Echarri (Druk)Eduardo Blanco (Empieza con D, 7 letras)Marcelo De Bellis (Mamá)16. Mejor Actriz Protagónica offPilar Gamboa (Sombras, por supuesto) y (Parlamento)Camila Peralta (Suavecita) y (Un tiro cada uno)Laura López Moyano (La fuerza de la gravedad)Natalia Cociuffo (María, es Callas)Ingrid Pelicori (Yo, Fedra)17. Mejor Actor Protagónico offMiguel Ángel Rodríguez (Quieto)Mariano Saborido (Viento blanco)Lautaro Delgado Tymruk (Seré)Esteban Lamothe (Sombras, por supuesto)18. RevelaciónAgustín Pardella (El trágico reinado de Eduardo II...)Milva Leonardi (Esperando la carroza)Jorge Thefs (Las lágrimas de los animales marinos) y (Cantata para una rumia mental)Angela Leiva (School of Rock)Alan Madanes (Querido Evan) y (Cuando Frank conoció a Carlitos)19. Mejor Actriz RepartoClaudia Cantero (James Brown usaba ruleros)Carola Oyarbide (Modelo Vivo Muerto)Maida Andrenacci (Tootsie)Ana Katz (Esperando la carroza)20. Mejor Actor RepartoManu Fanego (Modelo Vivo Muerto)Iván Moschner (Cyrano)Gastón Cocchiarale (Empieza con D, 7 letras)Tomás Wicz (Saraos Uranistas)Germán Tripel (Kinky Boots)21. Mejor DirecciónAlfredo Arias (James Brown usaba ruleros)Javier Daulte (El sonido) y (Druk)Alejandro Tantanian (El corazón del daño), (El trágico reinado de Eduardo II...) y (Como nunca...¡Otra vez!)Ricky Pashkus (Mamma mia!)Natalia del Castillo (Cuando Frank conoció a Carlitos)22. Mejor dramaturgiaMariano Pensotti (Los Años)Verónica Llinás (Antígona en el baño)Cecilia Monti y Juan José Campanella (Empieza con D, 7 letras)23. Mejor diseño de vestuarioUriel Cistaro (Saraos Uranistas)Oria Puppo (El trágico reinado de Eduardo II...)Renata Schussheim (Tootsie)24. Mejor diseño de maquillaje y peinadoRenata Schussheim y Patricia Falvella (La Gran Ilusión)Adam Efron y Uriel Cistaro (Saraos Uranistas)Matías Nazareno / Miguel A. González / Claudia Zucchi (Kinky Boots)25. Mejor diseño de coreografíaDiana Szeinblum (Obra del demonio)Carlos Casella (Einstein on the Beach)Analía González (Matilda)26. Mejor diseño de iluminaciónFernando Chacoma (Suavecita)Anteo del Mastro (Legalmente Rubia)Ariel Ponce y Leandro Fretes (Rent)27. Mejor música originalZypce (Parlamento)Sebastián Furman (Modelo vivo muerto)Ian Shifres (Quiero decir te amo) y (Derecho de piso)28. Mejor diseño de escenografíaOria Puppo (El Trágico reinado de Eduardo II...)Gonzalo Córdova Estévez (Cuando Frank conoció a Carlitos) (Las lágrimas de los animales marinos) y (Carnicera)Jorge Ferrari (School of Rock)29. Mejor Café ConcertMartín Pugliese. Vengan con alegríaFederico Simonetti. Solo PolíticaSilvina Connor y Martin Paglia en Stand up de parejas. Vamos a terapiaTin Pan Alley, noches de Broadway30. Mejor espectáculo de Experiencias y reflexionesPaola Kullock (Te Deseo)Noelia Pace (Mediumnidad / Sesión abierta)Valeria Schapira (Todas Somos: muchas mujeres en una y es un quilombo)

Se realizó un masivo acto en defensa del Instituto Nacional del Teatro y en rechazo a las medidas del gobierno

Hoy al mediodía se llevó a cabo el primer accionar callejero convocado por diversas entidades ligadas a la actividad teatral en defensa del Instituto Nacional del Teatro (INT), que se oponen al decreto 345 del Poder Ejecutivo en su intención de modificar el funcionamiento interno de este organismo rector en lo que hace a ayuda y fomento estatal para el circuito independiente de todo el país. "El decreto es un intento de desmantelar a una institución que construyó durante décadas una red federal de creación, producción, formación y circulación del teatro en todo el país. El INT es un derecho conquistado que hoy está en riesgo", habían anticipado los organizadores el jueves, en el marco de una conferencia de prensa en la que habían planteado su plan de acción para revertir la iniciativa del gobierno de Javier Milei.En ese marco, hoy, en medio de un sol otoñal, se realizó la primera acción callejera en la puerta de la sede central del INT, ubicada en la Casa del Teatro, al 1300 de la avenida Santa Fe; mientras convocatorias similares están teniendo lugar en distintas localidades provinciales. A partir de las 12 del mediodía, el horario previsto, fueron llegando al lugar actores, directores, gestores de salas, dramaturgos, escenógrafos y productores, junto a encargados de salas o grupos de la ciudad de Buenos Aires como del interior (la delegación de La Plata fue una de las más numerosas del abrazo al INT). Entre la multitud circularon por el lugar Osmar Nuñez, Georgina Barbarossa, Marcelo Subiotto, Elisa Carricajo, Juan Onofri Barbato, Alejandro Tantanian, Beatriz Spelzini, Diego Velázquez, Santiago Losa, Lisandro Rodríguez, Maruja Bustamante, Rubén Szuchmacher, Marisel Álvarez, Carlos Belloso, Osqui Guzmán, Osvaldo Santoro, Juan Pablo Gómez, Mariano Pensotti, Nicolás Goldschmidt, Javier Margulis y Emilio García Wehbi, entre tantas otras personalidades teatrales ligadas al entramado de este organismo fundado hace 27 años. A la hora de iniciado el abrazo el organismo creado por la Ley 24.800, una multitud cortaba todos los carriles de la avenida Santa Fe. En la puerta del INT se fueron pegando carteles expresando el rechazo a la medida. Al acto asistieron también Gonzalo Pérez y Luis Rivera López. El primero es quien preside Artei, la asociación que agrupa a las salas independientes. El segundo, quien encabeza la Asociación Argentinas de Actores. Las dos entidades, junto a otras ligadas a la actividad escénica y junto al gremio de ATE/Cultura, fueron quienes convocaron al acto de hoy, al cual también dieron su presente algunos de los 90 trabajadores de la sede del Instituto Nacional del Teatro que están atravesando un momento de extrema incertidumbre: hasta el momento, la Secretaria de Cultura que preside Leonardo Cifelli no dio a conocer el nuevo organigrama que, por lo pronto, no contempla la estructura de delegados provinciales que establece la ley.En medio de cánticos en defensa del Instituto y abucheos al presidente Milei, Gonzalo Pérez habló a la gente reunida remarcando que este plan de acción recién comenzaba. "Este abrazo al INT es el inicio de la pelea", señaló en medio del griterío. Es que, en paralelo, para torcer la postura del gobierno de transformar el INT en una unidad organizativa que dependa directamente de Cultura de la Nación (lo que implica disolver su Consejo de Dirección que está integrando por representantes regionales y provinciales elegidos por concursos), los otros dos frentes que trazaron las organizaciones y el gremio fueron dar la pelea en la Justicia (Artei presentará un recurso de amparo) y en el Congreso Nacional. De hecho, plantean iniciar contactos con diputados y senadores de la oposición para que se derogue el decreto (la diputada Vanina Biasi, FITU-PO, ya presentó el jueves un proyecto de derogación).Pasadas las 13, luego de unas acciones que tuvieron lugar en la escalinata de acceso a la sede del INT y en medio de un clima de suma tranquilidad, la multitud (algunos observadores calcularon unas 4.000 personas) entonó a viva voz el Himno Nacional Argentino. Luego de aplausos y cánticos todo hacía suponer que la primera acción callejera llegaba a su fin. Pero un desmedido despliegue policial fue avanzando desde la avenida 9 de Julio y la calma reinante cambió rotundamente. Aquel que se estaba despidiendo, se quedó. A los minutos, una fila de efectivos policiales de la Ciudad con cascos y escudos cubrieron toda la cuadra para permitir el tránsito vehicular. La acción policial generó nuevos cánticos en el marco de un encuentro que se venía realizando de manera pacífica. Pasada las 14, la cuadra de avenida Santa Fe al 1300 fue recuperando su normalidad en medio del domingo otoñal. Mañana, a las oficinas del Instituto volverán a sus puestos de trabajo los empleados de este organismo de fomento del teatro independiente. La última reunión de su Consejo de Dirección fue hace unos días, cuando ya había sido publicado en el Boletín Oficial la medida que había anticipado Manuel Adorni, el vocero presidencial. "El Consejo de Dirección expresa su completo desacuerdo respecto de los términos del decreto 345/2025, el cual genera una reforma estructural integral del Instituto Nacional del Teatro, anulando en los hechos la vigencia de la Ley Nº 24.800. La medida elimina los aspectos troncales de la norma votada por unanimidad en el año 1997, cuya implementación significó a lo largo de 27 años un desarrollo cuantitativo y cualitativo innegable del teatro independiente en todo el territorio nacional", señala el acta.En los planes del gobierno, quien asumirá la dirección del Instituto Nacional del Teatro será Federico Brunetti, actor y cantante que fue parte de diversas producciones de la dupla Pepe Cibrián y Ángel Mahler, que contó con producción del actual secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli. En paralelo, en la calle, en la Justicia y en el Congreso de la Nación, la comunidad teatral intentará modificar ese escenario. Por ahora, nadie se anima a vaticinar el final de todo esto.

¿Cuáles son las 10 obras de teatro más famosas?

Esta rama del arte es muy importante para la cultura.Qué piezas se convirtieron en las más exitosas de la historia.

La Revista porteña, recuperada por el Teatro Cervantes

El límite es el strass", ironiza el actor y bailarín Carlos Casella, en la interpretación que hace de una de las cabezas del águila bicéfala, justamente, la que representa a la comedia, en la La Revista del Cervantes, la obra que se está presentando en la sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes, de miércoles a domingo a las 20. Y esa referencia no pasa desapercibida, sino que anticipa la centralidad que a lo largo de la puesta van a tener los atuendos y los materiales suntuosos. Mérito de María Emilia Tambutti, a cargo del diseño de vestuario de más de 50 artistas en escena. Dirigida por Pablo Maritano, además del nombrado Casella, en su elenco La Revista... cuenta con Mónica Antonópulos, Marco Antonio Caponi, Alejandra Radano, María Rojí y Sebastián Suñé, entre otros. Eso sumado a los músicos de la Orquesta del Cervantes y los bailarines de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea.¿El propósito? Retomar los orígenes de la revista en los albores del siglo XX y, sobre todo, poner en valor el legado para la cultura nacional de un género tantas veces denostado. Así es que recrea números musicales históricos como "Quién dijo miedo" y "El tango candombero", además de la ingeniosa idea de volver a traer al escenario a la francesa Madame Rasimi -factótum en los comienzos de este modo teatral- y, aunque más cercanos en el tiempo, también hace lo propio con los capocómicos Tato Bores y Enrique Pinti.Se destaca  que al menos un noventa por ciento de esas piezas -con referencias a un momento fundacional para la historia de la indumentaria- fueron confeccionadas especialmente para este estreno; también se recuperaron prendas de los depósitos del teatro, algunas que ni siquiera habían sido usadas con anterioridad. "Soy muy detallista", asevera Tambutti, quien antes despuntó en los vestuarios para numerosas obras del off Corrientes, el Teatro Argentino de La Plata y el Teatro Colón, además de haber ganado un premio ACE por Siglo de Oro Trans. En esta ocasión se valió de La Revista Porteña, libro de investigación escrito por Gonzalo Demaría y editado por el Instituto Nacional del Teatro, para desentrañar cómo eran los atuendos de la época. Eso sumado al exhaustivo rastreo que llevó a cabo para diseñar las ropas y los accesorios típicos de los años locos, con el ojo puesto en figuras de la talla de Josephine Baker, Romain de Tirtoff -más conocido como Erté, el padre del Art Decó- y el diseñador de moda Paul Poiret.Labor que desarrolló conjuntamente con los hacedores de los talleres del Cervantes, y realizadores específicos en calzado y sombreros, entre otros elementos vestimentarios. Se destaca que al menos un noventa por ciento de esas piezas -con referencias a un momento fundacional para la historia de la indumentaria- fueron confeccionadas especialmente para este estreno; también se recuperaron prendas de los depósitos del teatro, algunas que ni siquiera habían sido usadas con anterioridad. Tal es la repercusión del vestuario y el anclaje fashionista, que además de la función de apertura, contó con una gala especial, convocada por la Asociación de Amigos del Teatro Cervantes, que incluyó la presencia de diseñadores de moda como Adrián Brown, Gino Bogani y Gabriel Lage, entre otros. Aún con los ecos del estreno y la gala presentes, María Emilia Tambutti conversó con la nacion sobre esta experiencia en el Cervantes. -Si bien la revista fue considerada como un "género ínfimo", ¿cuáles fueron los hallazgos de ropa que encontraste en el archivo?-Encontré uno en particular. Por un lado, porque es un ítem maravilloso y por otro, porque lo lleva un personaje que es por demás importante: Madame Rasimi. Es el tapado estilo años 20, como si lo hubiese hecho Paul Poiret. Muy loco porque nunca se usó, parece que estaba destinado a esta obra. Lo dejamos tal cual. Podría contar las complicaciones, pero también los momentos mágicos, como esto de encontrar un saco sin usar, acorde al personaje, a la fisonomía de la actriz, y las características que yo hubiese queridoâ?¦ ¡voilà, lo teníamos ahí, en el depósito del teatro!-Los más místicos podrían decir que algún fantasma hizo lo suyoâ?¦-¡Totalmente!-Y teniendo en cuenta la envergadura de la obra, ¿cuál fue el abordaje?-Tuvimos una instancia de conversación con Pablo Maritano, el director. Hubo escenas fijas que sabíamos que iban a existir, pero del anteproyecto a la obra parecen dos obras completamente distintas. -¿En qué sentido?-Algunas escenas que no iban a tener vestuario y finalmente lo tuvieron. Eso pasó muchísimo e hizo que lleguemos a este nivel de complejidad. Pablo es un gran puestista, tiene una forma de laburar muy versátil. Él va creando y en el proceso puede sumar un traje en una escena que no está. Le tengo mucho respeto y como lo acompaño hace muchos años, trato de consentirlo. La construcción siempre se va dando hasta el último día. -¿Cómo se fue dando en este caso el ida y vuelta con el equipo en general?-Orfeo en los infiernos (en el Teatro Colón) fue una buena antesala para lo que sucedió con La Revista del Cervantes. Pude prever los cambios rápidos y si los bailarines necesitan tal o cual cosa. Eso por un lado y por otro, cuando me contaron sobre el elenco, vi que era súper variopinto, pero también difícil porque son personalidades muy fuertes. Siempre trato de resolver, soy muy respetuosa y conciliadora. Quiero escuchar al actor, la actriz o el cantante, porque si ellos no están cómodos con el vestuario, no pueden hacer una buena interpretación. Además, al representar personajes que realmente existieron, hay algo por respetar, si no es la comodidad del intérprete, es ser fiel a quien están interpretando. -Tato Bores y Enrique Pinti fueron dos de esos personajes, ¿cómo resultó caracterizarlos?-Marco Antonio Caponi, en el rol de Tato Bores, fue el primer actor con el que comencé a vincularme, a hablar y al que le probamos el vestuario. El frac que tiene es del archivo del teatro, y otro detalle es que tampoco se había usado. Él pidió específicamente que le quede un poco grande para poder achicarse o hacer un physique du rôle con el personaje. Realmente es muy lindo trabajar con gente que está comprometida para alcanzar el nivel máximo al que se pueda llegar.-Ellos, Tato Bores y Enrique Pinti, fueron dos próceres del teatro, todos los recuerdan por algo. ¿Qué tuviste en cuenta desde lo emotivo?-A Pinti sabíamos que lo queríamos llevar al Pinti de Salsa Criolla, con el equipo de jogging. Buscamos que sea lo más exacto que se pudiera respecto del original. Lo único que no pudimos lograr fue que usara las zapatillas Pony porque no existe el número de Sebastián [Suñé] y el modelo que usaba Enrique Pinti, tampoco. Usamos otra marca.UN HOMENAJE-Los años 20 fueron muy sintomáticos para la vestimenta. ¿Con qué material de registro trabajaste y qué licencia tomaste?-Ese fue un tema, porque a la hora de buscar referencias visuales, no hay mucho archivo. Entonces rastreé fotos de personajes puntuales. Por ejemplo de Josephine Baker, y ahí hallé otras joyitas. Lo mismo con Erté [Romain de Tirtoff]: encontré muchos diseños de él, y esa cosa medio exótica oriental que era otra pata que había en el teatro de esa época. Busqué más que nada homenajear, y no tanto ser respetuosa de lo que debería haber puesto en tal escena de acuerdo a lo que representaba a nivel texto.-La obra está situada en la época en la que se dejó de usar el corsé y las mujeres empezaron a usar pantalón. ¿Tuviste en cuenta alguna de esas referencias que tienen que ver netamente con la historia de la ropa?-Sí o sí tuve que investigar más de la cuenta, porque no estaba muy facilitada la información. Investigué de acuerdo a los géneros y los recursos a los que recurrían para hacer algo. También me pasó que todo lo que era vestuario en ese momento estaba hecho con hilos dorados y telas que hoy no podemos ni imaginar porque estamos en una era muy del poliéster. Es difícil lograr algo que remita a un siglo atrás, sin tener esas herramientas que en realidad no existen. Por eso fue muy importante poder contar con el depósito del Teatro Cervantes, más allá que el noventa por ciento del vestuario de la obra se realizó desde cero. -En la ficha de la obra hay un desglose sobre quiénes hicieron los sombreros y los zapatos, algo que pone en valor el oficio. ¿Cómo se dio esa decisión?-A mí me gusta hablar de un trabajo de equipo real. No siento que el diseño de vestuario sea solo mío. Es un proceso que se construye y en este caso con muchas personas involucradas. Obviamente soy la cabeza del equipo, pero hubo un taller de sastrería que se puso al hombro la producción para llevarla a cabo. Eso necesito enfatizarlo. En todos los teatros en los que trabajé siempre tengo buena onda con los talleres porque entiendo el rol importante que tienen. Podés tener los mejores figurines, pero si no tenés un trabajo de campo, no es posible. Este laburo es tan mío como de ellos y es gratificante que se los reconozca. -Ahora que tenés más conocimiento del género de la revista, ¿qué le aporta el vestuario?-Es una pata fundamental. No quise perderme ni un detalle, desde algo tan fácil de construir como puede ser el número de "Wall Street", que es muy icónico, hasta algo pensado desde cero como la escena final o la de "Bienvenidos al Cervantes". Trato de comunicar, de transmitir algo. Por ejemplo, con el homenaje que le hago al jazz o al charleston, hasta Erté o [Paul] Poiret en los diseños de Jessica [Abouchain] y Romina [Groppo].-Haciendo otro paralelo con el mundo de la moda, más allá de que haya un acervo del teatro, ¿la reutilización del vestuario es parte de tu modus operandi? -Sí, en todas las producciones siempre reutilizo algo. Más que nada porque antes había cierta riqueza visual que es difícil de alcanzar, no por una cuestión de realización o construcción, sino por las materialidades. Por ejemplo, el saco que le pusimos a Madame Rasimi, un personaje icónico de la obra, si lo hubiese hecho desde cero con un terciopelo o pana, quizás no hubiera encontrado ese nivel de género, y lo encontré en el depósito del teatro. ¿Por qué hay que dejarlo ahí? Siempre dentro de los recaudos que se necesiten, hay que reutilizar. -A partir de esta obra, ¿en qué se modificó tu carrera?-Fue el desafío más grande que tuve. Es un género al que le tenía prejuicio, sumado a la mirada minuciosa del detalle. Eran como dos mundos que temí que no congeniaran: mi mirada y el mundo de la revista. Además del volumen que significó hacer esta producción y de todas las adversidades que tuvimos durante el proceso, ahora me siento envalentonada para mucho.

Teatro Comedia: acéfalo y con deudas de más de 30 millones de pesos desde 2023

En el marco de la reestructuración del organigrama municipal que culminó con la eliminación de la Secretaría de Cultura como tal, la situación general del área sigue sumando complicaciones. El 20 de mayo pasado, Leandro Olocco presentó su renuncia como director del Teatro Comedia, tras la desaparición del cargo de subdirector de Elencos Artísticos. Leer más

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Maestro de teatro en Arizona es acusado de forzar a alumnos a desnudarse en clase y mostrarles pornografía

Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana: 55 planes para disfrutar del viernes 30 de mayo al domingo 1 de junio, con recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis

Desde el estadio de River hasta el sillón de casa: planes para todos este finde en Buenos Aires.Viernes, sábado y domingo hay una gran oferta de recitales, obras y películas.

La iniciativa del Gobierno de modificar al Instituto Nacional del Teatro pasará a la calle y a la Justicia

La iniciativa del Poder Ejecutivo de modificar el funcionamiento interno del Instituto Nacional del Teatro (INT) se enfrenta con la reacción y el rechazo de la comunidad teatral que disputará su lucha en defensa del organismo en tres terrenos: la calle, el Poder Legislativo y la Justicia. Así lo señalaron representantes de organismos ligados al teatro independiente y de ATE Cultura en un encuentro con la prensa que tuvo lugar hoy en la sede de la Asociación Argentina de Actores. Desde diciembre del año pasado, corrían rumores sobre una drástica reformulación interna en el funcionamiento del Instituto Nacional del Teatro (INT), organismo estatal de eminente carácter federal destinado al fomento de las artes escénicas del circuito independiente. Pero hace poco más de una semana, cuando el vocero presidencial Manuel Adorni anunció "el cierre, la centralización y la fusión de organismos" dependientes de la Secretaría Cultura de la Nación a cargo de Leonardo Cifelli, por las atribuciones que concede al Gobierno la ley Bases, lo que corría entre pasillos pasó a ser realidad para el INT.Sobre el organismo de fomento clave para la actividad teatral, Adorni dijo que estaba "sobredimensionado y con funciones duplicadas" y que pasará a ser un organismo centralizado perdiendo así su autonomía. "Se gastaba un 65% del presupuesto en sueldos y funcionamiento y solo un 35% llegaba efectivamente al teatro", dijo. Al otro día, la medida que implica una profunda modificación a su estructura interna de este instituto creado por la a Ley 24.800 fue publicada en el Boletín Oficial. Para justificar la medida, el decreto toma como base un informe de la Sindicatura General de la Nación (Sigen) de octubre de 2023. A partir de esos datos, el Ejecutivo llega a la conclusión de que los sistemas de control interno del INT "son débiles, en la medida en que presentan falencias que afectan a sus principales operaciones" y, a la luz de este panorama, se requieren medidas correctivas. La justificación de la medida no toma en cuenta el informe del mismo organismo de control datado este mismo año que difieren sustancialmente al de 2023.Apenas fue publicado el decreto 345/2025 fue cuestionado por lorganismos vinculados con la actividad teatral como Artei, Argentores y la Asociación Argentina de Actores; por el mismo Consejo de Dirección del INT en un acta que lleva la firma también de Mariano Stolkiner, el director ejecutivo designado por el Secretario de Cultura; por los últimos 5 directores del INT que fueron designados por gobiernos de distintos signos políticos, y por distintos hacedores teatrales. Ayer, las medidas adoptadas por el presidente Javier Milei fueron debatidas en la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados. En ese ámbito, una mayoría entre la veintena de los expositores se opusieron a los decretos 345 y 346 que despojan de autonomía a la Comisión Nacional de Bibliotecas Populares (Conabip) y al INT, entre otros organismos del ámbito de la cultura.En este marco de tensiones, hoy a la tarde se realizó una conferencia de prensa en la sede Actores presidida por varias de estas voces que se oponen a que el INT pierda su autonomía y que deja a su comisión directiva sin la presencia de delegados regionales designados por concursos. Frente a una audiencia compuesta por representantes de salas alternativas, actores como Alejandra Flechner, Federico Lehmann y Horacio Roca; el productor teatral Sebastián Blutrach y Pablo Echarri, en representación de Sagai. "Queremos decir con claridad y sin rodeos: no al fin del Instituto Nacional del Teatro. El decreto es un intento de desmantelar a una institución que construyó durante décadas una red federal de creación, producción, formación y circulación del teatro en todo el país. El INT es un derecho conquistado que hoy está en riesgo", se leyó un texto que ofició de manifiesto de en encuentro con la prensa presidido por representantes de agrupaciones vinculadas con el teatro independiente en nombre de directores, dramaturgos, circuitos de salas, docentes e investigadores, productores y gestores.En ese marco, uno de los que tomó la palabra fue el presidente de Actores, Luis Rivera López. "La transparencia en el INT era una realidad, no son palabras. La vez que fui jurado del Instituto nunca recibí presión para aprobar un proyecto o dejar afuera otro. El Instituto, algo muy bueno que dijo Mauricio Kartun, es como un piano que fue afinándose a lo largo de todos los años y que estaba sonando realmente bien. Estamos tirando por la ventana a un piano muy valioso. Cuando después intentemos rehacerlo, si es que tendremos que empezar de nuevo, es mucho lo que pierde. Este es el momento de frenar la iniciativa", apuntó en referencia a la eliminación de su autarquía y el federalismo en lo que hace a su funcionamiento que propone el decreto cuestionado.Gonzalo Pérez, el presidente de Artei, planteó la estrategia a seguir. "Necesitamos una hoja de ruta a partir del domingo, cuando realicemos el primer abrazo al INT. Tenemos que recuperar tal cual era la Ley Nacional del Teatro porque, a partir de la vigencia de este nefasto decreto 345, la Ley ya no es lo que era. Fue totalmente amputada", señaló. Y agregó en relación con las acciones a tomar: "Hay una estrategia legislativa para presionar a diputadas y diputados para frenar este norma y hay una estrategia judicial que vamos a impulsar. Hacemos un llamamiento a jueces y juezas honestas que tienen que ver la alevosía de la inconstitucionalidad de todo esto. Por eso vamos a presentar un amparo de Artei para que algún juez frene este decreto. La justicia es el otro camino a seguir". En términos legislativos la estrategia comenzó ayer y, de no prosperar, el incierto escenario deberá esperar a la reunión de diputados y senadores que se realizará a fin de junio. Por su parte, el actor Luciano Linardi, delegado de ATE y trabajador del INT, apuntó que la situación es, sencillamente, "dramática". "Hago un llamamiento a los partidos políticos que están del lado de la cultura, de los derechos humanos, de la educación pública, de la justicia social y de la salud pública [...]. Es urgente la unión de todos nuestros dirigentes". destacó como manera de convocar a la oposición para le de marcha atrás a la norma. Al abrirse el juego, Pablo Echarri tomó el micrófono como miembro de Sagai para sumar a la entidad al plan de lucha en defensa del INT.En este mapa de tensión, la comunidad teatral realizará el domingo, a las 12 del mediodía, un abrazo a la sede del Instituto Nacional de Teatro (Santa Fe 1235) para expresar la oposición del sector al intento del gobierno de Javier Milei.

Claribel Medina: "El teatro tiene una cosa viva que traspasa cualquier cosa"

La reconocida actriz habló sobre el éxito de la obra dirigida por Ernesto Medela y contó cómo es trabajar junto a su expareja, el actor Pablo Alarcón.

Es hija y nieta de dos grandes del teatro, heredó la misma pasión y trabaja como profesora de inglés: "Gente obsesionada"

Como actriz, dramaturga y directora teatral, Renata Marrone (38) integra la tercera generación de artistas de su familia: es nieta del grandioso Osvaldo Terranova, a quien no llegó a conocer porque murió tres años antes de su nacimiento, e hija de la prolífica actriz Rita Terranova. Lejos de escaparle a ese resonante e inexorable legado artístico, Marrone empezó a estudiar teatro en el colegio a los ocho años, y a los 15 dio sus primeros pasos profesionales como actriz y asistente de dirección en una adaptación de Otra vuelta de tuerca, de Henry James, dirigida por su madre. "Mi familia era como un clan de gente obsesionada por el teatro; en mi casa no se hablaba de otra cosa", dirá en esta entrevista con LA NACION por el estreno en el Teatro Nün de la comedia satírica Las hermanas Feller, su segunda puesta como dramaturga y directora, protagonizada por Malena Finamore, Mora Segade [la hija de Laura Novoa] y Laura Amatto Loyarte.La obra cuenta la historia de tres hermanas adolescentes que son abandonadas abruptamente por sus padres artistas, que se van a Europa a perseguir sus sueños profesionales. "Ellas son excéntricas, se aferran mucho entre sí y tratan de que nadie se entere que están solas. Y lo que pasa es que están invertidos los roles: las niñas son como adultas y los adultos son como niños. Después, vuelve la madre y, bueno, no les cuento más así la van a ver", dice la autora, y adelanta que la estética de esta obra está inspirada en el cine de Wes Anderson.-¿Cómo fue el proceso de creación de Las hermanas Feller?-Yo estudié actuación con Cristina Banegas; escritura, con Hebe Uhart, y dramaturgia, con Sol Rodríguez Zeobane. En este último taller escribí dos obras: una, que ahora salió seleccionada para una feria de dramaturgia, que se llama La fabulosa historia de Sarita, y Las hermanas Feller, que elegí montar primero porque es la que me parece más aprehensible, más de este momento, la que más me resonaba. El proceso fue largo. En marzo del año pasado, cuando empecé a hacer las audiciones para las chicas [los personajes protagonistas], todavía no la había terminado de escribir, me faltaba el final y algunas escenas del medio, y quedó lista en mayo, al inicio de los ensayos.-La puesta en escena tiene condimentos muy particulares. -El concepto que acuñé mientras se iban desarrollando los ensayos fue de biodrama de ficción. Entonces, se trabaja mucho con proyecciones y hay mucho trabajo lumínico. Además, está inspirada en el cine de Wes Anderson. Hay una referencia estética notabilísima para mí con un trabajo enorme sobre la precisión de los movimientos, de las imágenes, de la luz, de la simetría y del color. Las chicas están vestidas en una gama de colores que son el rojo, el naranja y el amarillo, y las paredes son del mismo color, como que ellas, en cierta forma, son la casa.Renata Marrone estrenó Las hermanas Feller en teatro-¿Te interpela la temática de la familia?-Los temas que me interpelan a la hora de escribir tienen que ver un poco con lo que va apareciendo, con lo que uno se obsesiona, lo que a uno le interesa. El denominador común que veo en mis trabajos es la orfandad y la construcción de nuevos espacios, de nuevas familias, de nuevos modos de vincularse.-¿Eso lo relacionás con tu historia? -No sé si lo relaciono particularmente; es algo medio inconsciente, quizás."El teatro es mi casa" -¿Cómo fue crecer en un ambiente marcadamente artístico, con el trabajo de tu madre y el legado de tu abuelo? -Mi abuelo murió antes de que yo naciera, pero mi casa era un teatro. Porque, además, el móvil de todos los integrantes de mi familia siempre fue el teatro, en mi casa no se hablaba de otra cosa. Era como un clan de gente obsesionada por el teatro, y fue muy fuerte crecer alrededor de gente tan apasionada, como de locos, en un buen sentido, pero tan arrastrados por un único objetivo. Además, mi abuelo tuvo una historia muy dura hasta que llegó a dónde llegó. Él siempre trabajaba, pero sufría mucho, era muy pobre, y se consagró después de los 50 años. -¿Sentís que algo de eso marcó tu historia? -Lo que a mí me pasa es que es que el teatro es mi casa. Yo me crié entre camarines, estuve siempre ahí, repetía la letra de mi mamá y la acompañaba a los ensayos y a las funciones. En mi casa se hablaba de teatro día y noche; vivían de noche y dormían a la mañana. -¿Siempre supiste que querías dedicarte a esto, al igual que tu familia, o en algún momento pensaste en romper con ese legado artístico?-Siempre supe, no hubo ninguna duda. Desde que tengo memoria decía "quiero ser actriz y escritora". De hecho, hice otras cosas y trabajo como profesora de inglés como para tener cierta estabilidad económica, sobre todo cuando las cosas están muy duras, que es algo que también vi muchísimo en mi casa, desde muy chica, cuando no había trabajo. Y ellos no tenían herramientas para poder hacer otras cosas. -¿Por eso quisiste ampliar tu abanico profesional?-Como para tener más libertad de elección. Poder decir "esto lo quiero hacer y esto no". De alguna manera, esa estabilidad te da libertad. View this post on Instagram A post shared by Rita Terranova (@terranovarita)-A tu abuelo le costó un poco aceptar que tu mamá se dedicara a la actuación, igual que él, justamente por la inestabilidad de la profesión. ¿A vos te pasó lo mismo? -No, para nada. Quizás, muy al principio, pero creo que siempre vio tanta determinación en mí que no hubo mucha manera de correrme.-¿Cómo es trabajar con ella? -Con mi mamá nos llevamos muy bien trabajando, porque estar juntas en el teatro es como estar en nuestra casa. Y nos nutrimos mucho, somos muy complementarias, es realmente placentero. Trabajamos juntas varias veces. -Una frase de ella dice: "Uno renueva la vocación en cada trabajo"â?¦ -Sí, claro, porque la vida es dura y porque el trabajo es duro, y uno puede tener mucha determinación, pero a la vez decir: "Che, esto es muy inestable". Por ahí es mucho más fácil ir a la facultad, estudiar abogacía y trabajar de eso. A todos nos pasa en mi familia, pero es tan grande el fuego que es como un ritornello, siempre está volviendo, el teatro siempre vuelve a uno, siempre te viene a buscar. Yo siento eso, una relación muy inevitable, muy apasionada.-Tenés una hija de nueve años. ¿Ella también sigue los pasos artísticos de los Terranova?-Sí, bastante, muy a mi pesar [se ríe]. Hace danza y es muy buena con las manos, con las artesanías, igual que mi mamá. -¿Ya querés que se termine la generación de artistas?-Uno tiene la fantasía, pero me parece que es una es una fantasía de protección que tenemos los padres de querer asegurar [el futuro], cuando nada puede asegurarse. Uno se vuelve muy conservador cuando tiene hijos.-¿Cómo ves la escena cultural actual?-Es un momento muy desolador del país y del mundo, y uno siente muchísimo aislamiento, aparte de lo dura que está la economía. Lo que pasa es que justamente por eso uno necesita generar más resistencia a través de la creación. La cultura está siendo atacadísima desde todo punto de vista por este gobierno. Entonces, hay que producir más cultura. Y hay que estar con otros. Todo apunta a que estemos solos o que estemos aislados. Y el teatro lo que tiene de bueno es que vos te fugás de la identidad individual, que es una carga tan pesada, para tener una identidad colectiva. Entonces, la única manera de salir adelante es estando con los demás, creando identidades colectivas.

Carlos Belloso: "El teatro me enseñó a ponerle el cuerpo a lo que pienso"

El actor protagoniza una comedia histórica sobre la odisea de Pedro Conde Magdaleno, el sindicalista que fue enviado a Moscú como Agregado Obrero de la embajada argentina en tiempos de Stalin: "Un peronista haciendo quilombo en la URSS".

"Escena Compartida" en el Teatro Colón de Mar del Plata

El ciclo propone cuatro funciones con lo mejor de la danza local. Grupo Mater encabeza las fechas con "Durga", una obra que fusiona danza contemporánea y folklore.

3 obras bien distintas para disfrutar del buen teatro off

Ana por la ventana, Afuera hace mucho frío y Enrique IV de Pirandello son las tres propuestas seleccionadas para recomendar y aprovechar las propuestas de calidad que tiene la cartelera porteña. Leer más

Una producción de danza teatro

Dirigida por Andrea Ramos e inspirada en el universo de Antonio Berni, la obra fue producida en el marco de un programa municipal.

La segunda apuesta del año de Julio Bocca suma variedad al repertorio del Ballet Estable del Teatro Colón

Triple Bill se le llama en el mundo de la danza a lo que en español conocemos lisa y llanamente como Programa mixto: un espectáculo que reúne en una misma noche a tres obras distintas y que cobra cierto sentido estratégico dentro de una temporada. ¿Por qué estratégico? Por el lugar que ocupa y la misión que tiene, en este caso, en los planes de este año para el Ballet Estable del Teatro Colón. Un Programa mixto reparte la atención de la audiencia en diferentes títulos (lo que, a su vez, tiene el potencial de generar nuevos públicos), conjuga obras de repertorio con novedades (ampliando de este modo el espectro de lo que se ve habitualmente) y permite a una compañía entrenar su ductilidad. Un chef diría que sirve para "dar de probar sabores variados y, así, educar el paladar". Julio Bocca confía en que, además, esta vez tendrá un condimento extra: "Espero que vayan viendo el cambio en el nivel de los bailarines", decía el lunes en un desayuno con la prensa, donde presentó a los coreógrafos y repositores que trabajaron en las obras que se verán a partir de este jueves, durante diez funciones. A saber: una suite del clásico Paquita, en versión de Luis Ortigoza; el estreno de Chacona, pieza de danza contemporánea del español Goyo Montero; y la reposición de Por vos muero, que en ausencia de su autor, el famoso Nacho Duato, remontó aquí África Guzmán, mano derecha de Bocca en el equipo artístico y exbailarina del primer elenco que tuvo este título, en 1996."Es un trío increíble y han trabajado maravillosamente con Luis y con África, que son parte de un equipo artístico más grande -siguió el director-. Recién llegué de Estocolmo [adonde viajó a montar Romeo y Julieta, parte de sus compromisos adquiridos antes de su nombramiento] así que en estos días, desde acá, me iban mandando los videítos de todo el proceso, y la verdad me dio mucho placer poder mostrarlo allá y tener una buena respuesta; me hace muy feliz", dijo, orgulloso de los resultados. "Se está dando un cambio en los bailarines, con ganas de aprender, de hacer cosas nuevas y diferentes, y eso hace que el ambiente sea otro; la mayoría está haciendo las clases, lo que señala un cambio de aceptación a la forma nueva de trabajar. La evolución la van a notar en el escenario: por ejemplo, la obra de Goyo es muy complicada en sus diagonales, por dinámica, canon y rapidez, y estoy viendo cómo poco a poco empiezan a bailar más rápido, algo que personalmente me gusta. Siempre cuando voy a las escuelas y hablo de esto, pregunto: "¿A vos te gusta que Internet sea lenta? No, ¿no? [risas] A mí me gusta que el baile tenga una dinámica".Durante la conferencia -de la que participó además la ministra de cultura porteña Gabriela Ricardes-, el director general del teatro, Gerardo Grieco, adelantó que en las próximas funciones se advertirá más sangre joven en la sala. El Programa mixto, de una hora y media de duración, les pareció ideal para invitar a alumnos de 4° y 5° año de secundarios de la ciudad a vivir una experiencia de ballet en el Colón, y de algún modo darle continuidad al ciclo de "guardapolvos blancos" con chicos de primarias que hace pocos días asistió a un concierto. Grieco se refirió también a convenios para generar nuevos ingresos (alianzas con agencias de turismo para ventas de entradas para grupos) y anticipó una subasta que se hará a fin de año de los originales de las obras de arte comisionadas para cada espectáculo: "Vayan preparando los bolsillos". Esta vez, la creatividad corrió por cuenta de Jorge Pomar, un muralista que tomó el desafío de acotarse a los 80 x 60 centímetros de la tapa de los programas de mano para sintetizar en una pintura abstracta su concepto de este espectáculo.¿Qué se va a ver? Las tres obras, una por unaEl telón se abrirá con Paquita: pieza del repertorio académico, es la que menos precisa presentación, aunque la que más historia tiene. Originalmente creada por Joseph Mazilier y estrenada en 1846 en la Ópera de París, fue la versión posterior de Marius Petipá en Rusia la que atravesó siglos y fronteras. Corresponde a aquella primera y más importante mutación, con música de Ludwig Minkus, la inclusión de un pas de trois en el primer acto y el grand pas classique y la mazurka en el último, que es lo que más y mejor sobrevive hasta hoy. Es decir que, excepto por las compañías que tienen en su repertorio una versión completa (en San Petersburgo; o la OP, que posee la que Pierre Lacotte hizo en 2007; o la de Alexei Ratmansky, experto en reconstruir a partir de la notación original piezas históricas), el argumento de la gitana que le da título al ballet se fue perdiendo. Así, por todo concepto, el grand pass classique (el final) cobró autonomía y ganó popularidad como un condensado de virtuosismo de media hora que permite el lucimiento de la compañía."Es la danza por la danza misma", dice Luis Ortigoza a LA NACION, que creó su versión en 2010 para el Ballet de Santiago -donde por décadas el argentino fue estrella hasta llegar a director-, para la gala de reapertura del Teatro Municipal tras aquel terremoto que lo mantuvo varios meses cerrado. "Me lancé a poner a los varones en el cuerpo de baile a la par de las mujeres. Es darle otro aire, una cosa sorpresiva, la gente no espera ver hombres en esta obra. Mi punto de partida es la versión de Petipá, la que tiene el Mariinsky; con esa misma estructura, los matices que le fui dando y la escena que abre hace que desde el comienzo se vea diferente", señala.Es bastante habitual ver el grand pass classique de Paquita en un programa mixto. "Enriquece a los bailarines y el público, al mismo tiempo", reflexiona Ortigoza. Además de los elencos de la casa, siempre con la Orquesta Filarmónica y la batuta de Ezequiel Silberstein, las noches del 3, 4, 6 y 7 de junio participará el bailarín invitado Patricio Revé, que el fin de semana se estuvo presentando en el escenario de la Royal Opera House de Londres como el Romeo de Natalia Osipova. El cubano es figura principal del Queensland Ballet de Australia aunque, después del próximo receso de verano en el hemisferio norte, se incorporará al San Francisco Ballet que dirige Tamara Rojo. (Azar o destino, el debut de otro cubano en Buenos Aires se hizo con Paquita. Fue en 1997, cuando un muy joven Carlos Acosta, todavía en Houston Ballet, era una promesa. Otra casualidad: Bocca también bailaba en aquel Programa mixto del Ballet Estable que dirigía Raquel Rossetti: hizo con Eleonora Cassano Other Dances, de Jerome Robbins, y El joven y la muerte, de Roland Petit).Chacona, de Goyo Montero, es la gran novedad de la noche para los espectadores del Teatro Colón. ¿Una obra de quince minutos, la gran novedad? Exactamente. Antes de apresurarse a emitir un juicio, mejor hacer memoria del impacto que dejó en el mismo tiempo de reloj el Bolero del israelí Shahar Binyamini que se vio en el Programa mixto del Colón el año pasado.Creada por el coreógrafo español sobre la Partita N°2 de Bach (con violín, guitarra y piano en escena), la obra es -al decir de propio Montero-, "una catedral musical", un reto para todos los intérpretes. "Intenté acercarme a esa forma matemática, pero altamente emocional, que tiene Bach: está construida con una perfección absoluta y hecho como antena para emitir emociones. En este caso, la emoción es la comunicación entre los músicos y los bailarines, de principio a fin, 'encerrados' en los espacios que determinan las luces, a veces de comunicación y otras de aislamiento", sintetiza el autor, manifiestamente feliz de haber cumplido su deseo de estar en Buenos Aires y en el Teatro Colón. De hecho, usa los adjetivos épico, histórico e icónico, para referirse al teatro, a su compañía y a Bocca, artista que admira desde pequeño. En diálogo con LA NACION Montero revela su ilusión de recorrer de primera mano la ciudad que primero conoció a través de Borges. "Es un escritor al que vuelvo todo el tiempo, porque tiene esa cosa tan universal; siempre vas a encontrar nuevas interpretaciones cuando va cambiando tu edad", observa el madrileño, que ya cumplió los cincuenta.Como decíamos del grand pas classique, esta "chacona" también es el colofón de otra obra más grande (Vasos comunicantes) creada para un seleccionado de ocho bailarines españoles que brillaban en el mundo. Con los años, creció a 16 intérpretes, se independizó y viajó desde Nuremeberg -donde el español dirige la compañía del teatro estatal desde hace 17 años- hasta otros escenarios de Europa, el Sodre en Montevideo y ahora Buenos Aires. Al Ballet Estable lo encuentra, coincide con sus colegas, "increíblemente motivado". Observa: "Hay gran talento, pero sobre todo mucho fuego, ganas de evolucionar, tomar nuevos caminos". View this post on Instagram A post shared by Teatro Colón (@teatrocolon)"Primero vino la música de Jordi Savall y al oírla pensé en poner poemas en el medio, y para eso fui a los cánticos del Inca. Escogí su obra ligada al amor, la muerte y el baile", rememora Nacho Duato, en una llamada telefónica desde Madrid, cómo fue aquel proceso creativo hace ya casi tres décadas para hacer Por vos muero. Las máscaras, los versos de Garcilaso que funcionan de hilo conductor en la voz de Miguel Bosé y la música del Siglo de Oro han hecho de este título una insignia reconocible del estilo de un coreógrafo que en su prolífica carrera ya ha superado las cien piezas.Ausente con aviso para el montaje, Duato delegó con gran confianza en África Guzmán la tarea de la reposición. En la conferencia del lunes, ella se explayó, por un lado, en las bondades de este lenguaje que "estira al ballet clásico hasta puntos que le dan libertad, con una estética maravillosa", y enfatizó sobre el estimulante trabajo de ida y vuelta que atravesó con los bailarines: "Poder ayudarles, contarles la experiencia, enseñarles materiales nuevos para ellos ha sido muy motivador; están trabajando con muchas ganas para dar su máximo y es muy bonito cuando del otro lado podés nutrirte de eso también".Si bien Duato no regresó a la Argentina desde que en 2009 dio ese megabanquete de seis piezas propias con la Compañía Nacional de Danza de España en el Teatro San Martín, su obra sí siguió volviendo y varias veces más. Por vos muero le queda muy bien al Ballet del Colón, como se puedo comprobar durante las direcciones anteriores de Maximiliano Guerra y de Paloma Herrera. "Por vos nací, por vos tengo vida, y por vos muero": ya se oyen los versos del soneto del Inca de la Vega en el final del Programa mixto.Para agendarPrograma mixto, por el Ballet Estable del Teatro Colón, con dirección de Julio Bocca. Estreno el jueves 29, a las 20. Funciones, viernes 30 y sábado 31, y del martes 3 al sábado 7 a las 20; domingos 1° y 8 de junio, a las 17.Perifoneos. Conversaciones previas a cada función con los coreógrafos, músicos y bailarines que intervienen en las diferentes obras. Ingreso por la puerta de la calle Libertad, una hora antes del espectáculo.

La FotoGalería del Teatro San Martín se llamará "Sara Facio"

El espacio será renombrado en honor a la fotógrafa, que dejó una marca imborrable en la cultura argentina. El acto se realiza en el marco del 40° aniversario de este emblemático espacio cultural.

Julio Bocca presentó el nuevo Programa Mixto del ballet del Teatro Colón: "Paquita", "Por vos muero" y "Chacona"

"Desde que ha llegado Julio hay un cambio en el querer", destacó la repositora África Guzmán sobre los bailarines. La propuesta novedosa de "Paquita" es que incluirá más papeles de varones. Leer más

Presidente Roca, la escuela que parece un templo y es anterior al teatro Colón

Anteriormente, el terreno fue un triste albergue de mendigos, más tarde sede del Batallón del Regimiento 1 de Infantería, luego cuartel del cuerpo de bomberos y hasta lugar de diversión cuando llegaba a estas costas el famoso circo italiano Chiarini, allá por 1869.Mucho después, aunque hace 121 años, se daba la primera clase en la Escuela Primaria N° 7 (luego llamada Presidente Roca), en calle Libertad 581, frente a Plaza Lavalle, la cual formó parte del plan del Consejo Nacional de Educación de 1899 que proyectó las llamadas "escuelas palacio" y "escuelas templo" pensadas por Sarmiento para educar al soberano de manera pública, gratuita y laica en ámbitos magníficos y lujosos. Los planos se aprobaron en 1901 y en octubre de 1903, el presidente Julio Argentino Roca visitó las obras en compañía de los miembros del Consejo y del autor, el prolífico arquitecto e ingeniero militar italiano Carlo Morra Manhes (1854-1926), quien descendía de una familia noble de antigua tradición y se afincó en la Argentina en 1881. La construcción estuvo a cargo de la empresa Félix R. Rojas y Compañía.El edificio escolar se inauguró el 15 de noviembre de 1903 con la presencia del primer mandatario y al año siguiente, el 14 de abril, ingresaron los primeros alumnos. Aún se estaba construyendo al lado (separado por la calle Tucumán) el reino del bell canto: el Teatro Colón, que abrió sus puertas en 1908.Declarado Monumento Histórico Nacional en 2017, el imponente colegio de 4.207 m2 de superficie incluyó aulas espaciosas con amplios ventanales que regaran de luz y ventilación, acústica excelente, patios abiertos y uno cubierto, jardín al fondo, biblioteca, talleres, coloridos techos en un contexto neoclásico italianizante y una terraza con rejas termales romanas (barandas que esperan una restauración para poder usar esa azotea en los recreos).En lo exterior, lo espectacular es simétrico: una altísima fachada impresionante con cuatro principales columnas jónicas de granito de Tandil de una sola pieza que fueron esculpidas en un obrador instalado al pie de la obra en la Plaza Lavalle. Para ubicarlas se apeló a un sólido andamio y una grúa a vapor ya que pesaban 19 toneladas y medían 8,30 m de alto. Otro aspecto sobresaliente es el frontis con seis esculturas (cuyas imágenes no han sido identificadas) creadas por el escultor italiano Giovanni Arduino (el mismo artista de la fuente con delfines de Barrancas de Belgrano). Son apreciables además los variados ornamentos, faroles, verjas de doble cruz en hierro forjado...Dentro de la misma sintonía estética están también las inscripciones a la vista de los transeúntes y escritas en latín que fueron seleccionadas por el intelectual francés radicado en la Argentina Paul Groussac: "Liber liberat" (el libro libera) y "Spiritus litteram vivificat" (el espíritu da vida a la letra). Implantar la igualdad de oportunidadesLa idea era proporcionar un contexto estructural que enriqueciera y homogeneizara al diversificado alumnado compuesto por alumnos varones humildes, o de clase media, o ricos, argentinos, o hijos de extranjeros en tiempos de creciente llegada de europeos que escapaban del hambre y la desocupación. Había que formar ciudadanos argentinos y acompañar el ascenso social.Entre los hitos de su pasado extra curricular estuvo el velatorio del alumno Esteban Garaycoechea, cuyo deceso fue provocado por un atentado anarquista a un tranvía en 1909. El chico era canillita y sostenía a su familia. El impacto social de tan dolorosa tragedia motivó que la gente se congregara acompañando el luto. Desde otro ángulo, la excelencia del palacio era tanta que ese mismo año se utilizó el edificio para un homenaje a Francia con la asistencia del embajador galo y de un ministro arribado al país. Asimismo, un año después, se desarrolló el evento de cierre del trascendental Primer Congreso Femenino Internacional, a instancia de la prestigiosa médica y política ítalo argentina Julieta Lanteri (una arteria de Puerto Madero la honra). El cursado primero fue solo para varones y se hizo mixta en la década del 70. Actualmente, con prescolar de 4 y 5 años y primaria de jornada completa, recibe a 320 alumnos, de los cuales un 50% proviene de vecindarios populares de Retiro, en tanto que el 30% de los alumnos son principalmente venezolanos, paraguayos, rusos y bolivianos.Roxana Dobrusky, directora de la Escuela, asumió en febrero. "Si bien soy ex alumna del Instituto Félix Fernando Bernasconi, que es una joya arquitectónica, cuando asumí en febrero la dirección del Roca me encantó, me pareció maravillosa con sus columnas en la entrada que ya te invitan a conocerla. Y en lo pedagógico, está intensificada en artes, con lo cual los chicos y chicas tienen danza, teatro, música, plástica y medios audiovisuales, además de informática, desde primer grado, con profesores especializados en cada disciplina artística y una gran variedad de materiales"."Esta no es una escuela común, brinda otra formación, es muy completa, no le falta nada. Y a fin de año se hace una muestra donde participan los alumnos en el cierre del ciclo lectivo, así como intervienen en los actos escolares de las efemérides con presentaciones de todo tipo... y alguien interpreta a algún prócer", destacó a LUGARES.La experiencia en primera personaGuillermo Rutz, bibliotecario y profundo conocedor de la historia de establecimiento e impulsor del acercamiento de los niños a los libros (como pregonan los lemas en latín de la fachada), habla con pasión de los espacios de encuentro, así como actividades conexas. "Dentro del plan de experiencia directa, en ese pizarrón tenemos marcadas las fechas de visita al Teatro San Martín, a museos, al Cine Gaumont, al Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken... Así como van al Teatro Colón, a la Reserva Ecológica o al Jardín Botánico", informó. "Y el 19 de junio tendrán que cruzar calle Tucumán para el acto de jura de la Bandera ya que se realizará en el Teatro Colón con la presencia de autoridades", acotó la conductora del templo educativo.En cuanto a la alimentación, Raquel Cabañas, encargada del comedor desde 2010 explicó que "se sirven desayuno y almuerzo en tres comedores, con comida que viene preparada cada día con diferentes menús". Preguntada por eventuales críticas de los comensales, contó sonriente: "Reprochan que la comida tenga verduras porque aquí se cuida que tengan una dieta equilibrada y se ve que en sus casas no es tan así... Ganan las milanesas o el pollo y piden repetir; pero si es verdura, nada. También tenemos muchos chicos extranjeros que están acostumbrados a otro tipo de ingredientes o condimentos".Desde luego, como suele ocurrir en edificios antiguos, hay anécdotas esotéricas. Norma Pastrana, la casera desde 1986, que se considera "enferma de la limpieza" contó apasionada: "Un día, a las doce de la noche estaba haciendo mis tareas en el primer piso, no había nadie y de repente una voz me dijo '¡basta de limpiar!'. Así como estaba vestida, con botas y todo, me metí en la cama, aterrada". "Y un par de veces -agregó Norma- me ocurrió que alguien me tira una pelota, interrumpiéndomeâ?¦ pero no hay nadie". Por otra parte, la emocionan las visitas de exalumnos de edad avanzada que recorren las instalaciones con nostalgia y traen a sus nietos. Marcela Odriozola, asistente técnica pedagógica en artes, detalló que se organizan reuniones semanales para trabajar en equipo con los docentes de grado a fin de generar proyectos entre las diversas áreas, complementándose. Mientras que para la docente de grado Analía Sandoval es "emotivo educar familias, ya que conocemos a abuelos, hijos y nietos que han pasado por estas aulas. El otro día vino una ex alumna con un bebé en brazos y me avisó que pronto iba a ser también mi alumno. El nivel de asistencia es muy elevado y les gusta la orientación pedagógica, las materias artísticas".Hace más de un siglo, Roca dijo: "Los niños al pasar los umbrales de estos magníficos monumentos serán iguales a los ciudadanos más dignos de la Nación". Y la historia continúa. La altiva y añosa palmera del jardín interno es testigo.

El teatro invade Dolores

Cultura con historia: Córdoba conmemora el Cordobazo con teatro, fotografía y danza

Durante la última semana de mayo, la Agencia Córdoba Cultura ofrece una programación gratuita con propuestas que recuperan la memoria histórica a través del arte. Fotografía, teatro y danza se combinan en una agenda que conmemora el 56.º aniversario del Cordobazo. Leer más

Murió Ángel Mahler, figura central del teatro musical argentino y exministro de Cultura porteño

Fue un personaje clave del teatro musical argentino, y luchaba desde hace un tiempo con un cáncer. Compuso éxitos memorables, como Drácula, el musical, dejando una huella imborrable en la cultura nacional. Leer más

La compañía andaluza 'La Intriga Teatro' gana el certamen 'Teatro con Diamante en La Rioja

En medio de la batalla cultural, el Instituto Nacional del Teatro debate su futuro

En sus 27 años de vida, el Instituto Nacional del Teatro (INT) -organismo de eminente carácter federal destinado a promover la escena independiente que fue creado por la Ley 24.800- ha transitado por diversas crisis internas, batallas ganadas, ampliación de sus líneas de subsidios, una pandemia que trastocó el sentido común, un intento fallido de modificar su funcionamiento interno durante la presidencia de Eduardo Duhalde y más. También ha publicado libros fundamentales para la actividad y cumplido con el rito anual de realizar un festival en el que convivieron artistas escénicos de todos el país en una misma ciudad o pueblo provincial. En ese recorrido histórico, el decreto publicado el pasado jueves 22 de mayo por el gobierno de Javier Milei -y que había adelantado el miércoles el vocero presidencial Manuel Adorni- marca un antes y un después en este organismo clave para el entramado del teatro de la escena independiente. En el marco del "cierre, la centralización y la fusión de organismos" dependientes de la Secretaría Cultura de la Nación, el Gobierno planea convertir al INT en una dependencia centralizada, lo cual haría que pierda su autonomía. El hecho generó el inmediato rechazo de entidades ligadas a la actividad teatral, como Artei o la Asociación Argentina de Actores o Argentores, entre tantas otras voces. View this post on Instagram A post shared by ARTEI (@artei_asociacion)La publicación en el Boletín Oficial del decreto 345/2025 aporta nuevos datos (e incertidumbres) sobre el futuro del organismo. Para justificar el nuevo funcionamiento del INT, el decreto toma como base un informe de la Sindicatura General de la Nación (Sigen) de octubre de 2023. Éste llega a la conclusión de que los sistemas de control interno del INT "son débiles, en la medida en que presentan falencias que afectan a sus principales operaciones", que requieren de medidas correctivas debido al "escaso volumen de rendiciones de subsidios recibidos y su limitado análisis por parte del área competente". Además se hace mención a los subsidios otorgados por el Plan Podestá en plena pandemia que estuvieron destinados tanto a salas como a grupos y que incluyeron incentivos para la vuelta a la actividad luego de la etapa más dura del Covid. En aquella oportunidad se destinaron 75 millones de pesos que fueron a parar a unos 1500 beneficiarios. Según la Sigen, en el informe que cita el decreto, solamente el 46% del total fueron rendidos correctamente. Si se toma el último informe del organismo de control del Poder Ejecutivo, de mayo de este año, el porcentaje de las rendiciones completadas durante todo el registro de 2022, que incluye al Plan Podestá, llega al 92%. En ese mismo informe se detallan los montos de los subsidios que no se tramitaron por motivos ajenos al organismo: los beneficiarios que renunciaron, solicitaron prórroga o devolución y los que aún se encuentran en plazo para rendir como los inhabilitados. Lo cual marca un contrapunto muy notorio entre ambos informes. "La autarquía funcional del INT no es un requisito indispensable para el cumplimiento de sus objetivos institucionales -asegura el decreto- y, además, se evidenció una gestión deficiente en la administración y el control de los recursos públicos que pudo haberse visto favorecida en virtud del mayor grado de autonomía derivado de la descentralización del organismo". Con base en los datos de la Sigen de aquel informe de 2023, el decreto especifica que "deviene necesario transformar el INT en una unidad organizativa de la Secretaría de Cultura de la Nación y, por ende, corresponde disolver su Consejo de Dirección". Por ley, dicho consejo está conformado por representantes regionales y provinciales elegidos por concurso.En función de este panorama trazado es que el Gobierno decide crear un "Consejo Asesor con carácter ad honorem que se integrará con un representante del quehacer teatral por cada una de las regiones, que asesorará con carácter no vinculante a la unidad organizativa a crearse en función de lo dispuesto en el considerando precedente". Según adelantó Adorni, el INT será dirigido por Federico Brunetti, quien como actor y cantante fue parte de diversas producciones de la dupla conformada por Pepe Cibrián y Ángel Mahler, que contaron con producción del actual secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli. En el artículo 16 del decreto antedicho se especifica que los órganos y organismos alcanzados por esta nueva normativa mantendrán a sus directivos hasta que se aprueben las próximas estructuras. El nuevo organigrama del Instituto Nacional del Teatro entraría en vigencia en unos 15 días hábiles cuando salga publicado un nuevo decreto con su estructura.DesacuerdoEn medio de este tiempo entre la actual y la nueva estructura, como estaba previsto con anterioridad, se reunió el Consejo de Dirección del INT que expresó su total desacuerdo con las medidas anunciadas. Del encuentro también participó Mariano Stolkiner, el actual director ejecutivo del organismo. "El Consejo de Dirección expresa su completo desacuerdo respecto de los términos del decreto 345/2025, el cual genera una reforma estructural integral del Instituto Nacional del Teatro, anulando en los hechos la vigencia de la Ley Nº 24.800. La medida elimina los aspectos troncales de la norma votada por unanimidad en el año 1997, cuya implementación significó a lo largo de 27 años un desarrollo cuantitativo y cualitativo innegable del teatro independiente en todo el territorio nacional", señala el texto consensuado.En paralelo, Rubens Correa, Raúl Brambilla, Guillermo Parodi, Marcelo Allasino y Gustavo Uano (todos exdirectores ejecutivos del INT durante diversos gobiernos nacionales) manifestaron su repudio al contenido del decreto. "Estas medidas no solo implican la desfinanciación del sector y la paralización de su actividad sino, también, una enorme pérdida de fuentes de trabajo en todo el país. Consideramos que se trata de un nuevo y grave ataque a la cultura nacional, a nuestra identidad y a los valores de inclusión, diversidad y acceso que el teatro independiente encarna", sostienen quienes en otros momento estuvieron cargo del INT. Otros tiemposEn abril de 1997 no se hablaba de batalla cultural. La capacidad de lucha y de organización de los creadores teatrales organizados fueron lo que posibilitaron la promulgación de la Ley 24.800 que, en uno de sus artículos, estipulaba la creación del Instituto Nacional del Teatro, hecho que se concretó al año siguiente. En aquel momento histórico, cuando se aprobó la norma, estuvieron en el Senado de la Nación varias figuras capitales del teatro argentino, como Alejandra Boero, María Rosa Gallo, Alberto Segado, Osvaldo Bonet, Pepe Soriano, Juan Carlos Gené y Lito Cruz, quien al que al poco tiempo fue designado como el primer director ejecutivo del INT. En medio de una jornada de festejos, el recordado actor Pepe Soriano se refirió al desafío que se abría. "Durante estos 50 años de espera hemos protestado y luchado tanto [...]. Ahora, poner la rueda en marcha va a ser muy duro. Los interrogantes se abrieron: hay una zona maligna en cada individuo. Hay que ver si esa zona maligna alcanza a perjudicar el funcionamiento de una Ley. Hablo de los intereses personales y mezquinos", alertó el desaparecido actor. Su amigo y compañero de tantas batallas, Juan Carlos Gené, agregó en aquella oportunidad: "Creo que tenemos que ser nosotros, la gente de teatro, los que tenemos que estar muy atentos y vigilantes para que [el INT] no se desvíe de los verdaderos y originales objetivos y preste un servicio al teatro del país".En el actual escenario, a casi 30 años de aquello, las entidades ligadas a la actividad teatral están en estado de asamblea definiendo un plan de lucha, como posibles acciones legales para frenar la iniciativa del Poder Ejecutivo.

Ed Maverick presentará 'La Nube en el Jardín' en el Teatro Metropólitan: estos son los precios de los boletos

El joven cantante presentará su proyecto más ambicioso con un concierto que promete ser tan icónico como innovador

Evelyn Botto: con terapia superó miedos y prejuicios y ahora está lista para hacer de villana en teatro

Es locutora y conductora. Está en dos programas de streaming en Olga.Sus ganas de enamorarse.

En fotos. Todos los invitados a la gala años 20 en el Teatro Cervantes

'Mihura, el último comediógrafo', una mirada joven sobre un clásico del teatro

Adrián Perea y Beatriz Jaén presentan 'Mihura, el último comediografo', un homenaje a la vida y obra de Miguel Mihura en el contexto teatral español del siglo XX, con funciones hasta el 15 de junio

Obra de teatro 'Secuestro' simula uno en plena calle y provoca movilización policiaca

La puesta en escena del productor Omar Suárez está siendo objeto de duras críticas por su 'realista' promoción

Apagón en la avenida Corrientes: restaurantes en penumbras y funciones de teatro suspendidas

Los cortes de energía afectan a los barrios de San Nicolás y Monserrat.Es el segundo corte generalizado de avenida Corrientes en lo que va de mayo.

Maite Velo: "El teatro genera un cambio irremediable en quien lo hace"

"Yo siento que, dando clases, veo la transformación en cada uno, porque hacer teatro es un hecho artístico, colectivo y permanente", señaló en diálogo con la 750.

Anuncios y repercusiones: el Instituto Nacional del Teatro dejará ser un organismo autónomo

Este miércoles por la mañana, el vocero presidencial Manuel Adorni anunció "el cierre, la centralización y la fusión de organismos" dependientes de la Secretaría de Cultura de la Nación, que preside Leonardo Cifelli, como parte de las atribuciones que concede al gobierno la Ley Bases. Durante su encuentro con la prensa, el futuro legislador de la ciudad de Buenos Aires por La Libertad Avanza nombró al Instituto Nacional del Teatro (INT), el organismo madre dedicado al fomento a la actividad escénica independiente en todo el país.Se refirió al Instituto creado por la Ley Nacional del Teatro 24.800 de 1997 luego de una larga lucha del sector teatral, como un ente "sobredimensionado y con funciones duplicadas". Según los anuncios, el gobierno central planea convertirlo en un organismo centralizado, que le haría perder de este modo su autonomía. "Se gastaba un 65% del presupuesto en sueldos y funcionamiento y solo un 35 por ciento llegaba efectivamente al teatro [cuando la premisa era que el 90% se destinara al fomento del teatro]; la planta ya se redujo en un 20 por ciento", señaló el vocero. Desde su creación, el INT se financia con el 10 por ciento de los ingresos recaudados por la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual y el 31 por ciento sobre los premios ganados en juegos de sorteo (LOTBA). Esa asignación, al parecer, no se verá afectada.El plan del gobierno de Javier Milei implicará que deje de funcionar el consejo directivo, conformado por los representantes de las seis regiones del país que son elegidos en concursos públicos, como representantes provinciales del INT. En su lugar se nombrará un consejo asesor ad honórem. Desde el Gobierno, comunicaron que con esta medida se ahorraría más de $150.000.000 anuales. Vale aclarar que, hasta el momento, la planta de trabajadores del Instituto ronda las 160 personas, de las cuales 90 cumplen sus tareas en la sede central ubicada en el edificio de la Casa del Teatro. Más de 20 de esos 160 trabajadores cumplen funciones estipuladas por la misma ley. Con la nueva hora de ruta, la dirección del INT quedaría en manos del director Federico Brunetti, quien como actor y cantante fue parte de diversas producciones de la dupla conformada por Pepe Cibrián y Ángel Mahler, como El Jorobado de París y Drácula, el Musical, que contaron con producción del actual secretario de Cultura de la Nación. Esto da a entender que el futuro de Mariano Solkiner, el director, dramaturgo y gestor que asumió la dicción ejecutiva del INT con el actual gobierno nacional, dará un paso al costado en un futuro cercano. En el Boletín OficialDe todas maneras, estos cambios con sus detalles -que por el momento se desconocen- se formalizarán en un decreto que será publicado en el próximo Boletín Oficial. Por el momento, no hay información sobre el nuevo organigrama del INT ni de cuándo estos cambios se harían efectivos. En paralelo a esta noticia, Artei, la Asociación Argentina de Teatro Independiente, dio a conocer un comunicado en rechazo de los cambios anunciados hoy pero que circulaban desde el mes de diciembre. "Tanto dicha Ley como el INT fueron fruto de la lucha histórica de teatristas que pelearon por esas conquistas. El decreto anunciado esta mañana por el vocero presidencial es una nueva afrenta a la cultura y al trabajo de toda la comunidad teatral que, por décadas, se desarrolló y creció alrededor de esta política de Estado defendida, hasta hoy, por los más diversos gobiernos desde 1997â?³, afirma el comunicado, al mismo tiempo que señalan que la planta de trabajadores del INT no está sobredimensionada. "Esto es como volver a la Dirección Nacional de Teatro que dirigió Lito Cruz, quien fue uno de los impulsores del INT y su primer director ejecutivo", apuntó Gonzalo Pérez, presidente de Artei y gestor de la sala independiente Tole Tole a LA NACION. Su espacio es uno de los tantos para los cuales el aporte del INT es clave para su existencia. El circuito alternativo es un amplio y diverso entramado compuesto por unas 416 salas que el año pasado contaron con planes de fomento del INT (113 de ellas, en la ciudad de Buenos Aires) en todo el mapa nacional, con representantes en cada provincia, como una forma de evitar que todo se decida en las oficinas de la avenida Santa Fe, de Buenos Aires.La opinión de RottembergEl productor Carlos Rottemberg es una figura clave del teatro comercial a nivel nacional y un referente en lo que hace a la actividad escénica en su conjunto. Consultado por los posibles alcances de esta iniciativa, opta por la cautela. "No quiero adelantarme a opinar apresuradamente antes de evaluar los considerandos en su conjunto. Sí soy de los que acompañó personalmente con mi voz en el Congreso, en 1997, los postulados que generaron la creación del INT, aún sin pertenecer al sector beneficiado por su creación, y tengo en claro su importancia desarrollada en beneficio del teatro independiente en estos más de 25 años". En diciembre de hace dos años, el actual gobierno nacional tenía pensando derogar la Ley 24.800 que, en su artículo 7, implicó la creación del Instituto Nacional del Teatro. Ahora, luego de meses de rumores, se anunciaron nuevos cambios en el organismo de fomento de la escena independiente de todo el país cuyos detalles se irán conociendo en los próximos días.

Cali celebra en 2025 una década del 'Festival Internacional de Teatro' y 70 años de historia cultural con programación masiva y descentralizada

El 'FITCali 2025', organizado por la Secretaría de Cultura Distrital, ofrece más de 88 funciones que llegarán a todas las comunas y corregimientos de la ciudad, consolidando su legado en las artes escénicas con invitados internacionales

Carolina Kopelioff: la chica Disney que hoy brilla en teatro con Julio Chávez y sueña con el cine de Almodóvar

En pleno boom del "Nadie se salva solo", un concepto extraído de la serie del momento, El Eternauta, y que denota que detrás de todo logro hay un trabajo mancomunado, Carolina Kopelioff pareciera ser un bastión de esa idea. Es que su bajo perfil, su elasticidad artística para tocar a la vez las más diversas cuerdas de la actuación y su talento probado para no desentonar frente a ninguna estrella la convierten en una pieza fundamental para contar cualquier historia con contundencia, credibilidad y emoción. En su pasado inmediato, la exprotagonista de Soy Luna apuntaló desde roles secundarios series como Cris Miró (Ella), Cromañón y Un león en el bosque, pero también supo ser reparto del exigente musical Aladín, será genial y protagonizó en cine Virgen rosa junto a Juana Viale. Hoy, a sus 28 años, es quien se le planta al mismísimo Julio Chávez como una hija enojada en la obra La ballena, una de las grandes apuestas de la abarrotada cartelera teatral porteña. Y pese a que la marquesina del Paseo La Plaza solo muestra el impactante cuerpo del personaje principal, es ella con sus sólidas intervenciones quien certifica que en ese escenario de la sala Pablo Picasso, las actuaciones, el drama y el dolor, van en serio.-¿Cómo llegaste a La ballena?-Por casting. Mi representante me dijo que estaba la audición de la nueva obra de Julio Chávez y me interesó. Fueron tres instancias de audición. Primero un monólogo, después una de las escenas con el personaje del que trae la palabra de Dios y después una a solas con Julio, quien estuvo presente en toda esa jornada de audiciones. Éramos ocho chicas y ocho chicos, todos juntos ahí esperando. Todos talentosos, pero en esos momentos es donde te das cuenta que cada uno tiene una particularidad y que no somos todos para todos los personajes. -¿Ya habías trabajado con Chávez?-No, nunca. Y eso me entusiasmaba por sobre todo. Reconozco que en nuestro primer encuentro en escena estaba muy nerviosa. Siempre me pongo nerviosa, la pasó mal y disfruto a la vez, pero con Julio enfrente todo se multiplicó. Pasamos la letra, hicimos una buena escena y lo sentí muy generoso como compañero.-¿Una audición de semejante magnitud, requiere mucha preparación?-Siempre preparo mis audiciones con anticipación y con alguien. Nunca trabajo sola. No puedo ir a una audición sin haber elaborado el personaje antes. Justo se dio que en ese momento estaba pelirroja, así que me asemejaba mucho al personaje de la película. Fui lookeada con un jean y un buzo grande, y para mi sorpresa ese mismo día me confirmaron el papel. Había visto la película y me sirvió. Tengo entendido que hubo compañeros que no la vieron. Pero vale aclarar que esto es una obra de teatro que después se hizo película. -¿Cómo se acopla una actriz de tu edad a una maquinaria encabezada por una celebridad como Julio Chávez?-No lo pienso tanto desde lo personal. Siento que somos un montón de personas que venimos de diferentes lugares, cada uno con su formación, experiencia, y nos unimos para una causa común, que en este caso es La ballena. Desde el primer ensayo sentí que cada uno aportaba lo que traía. Claro, Julio además de ser la máxima figura, tiene algo muy de maestro que aporta mucho más y nutre al resto. Entonces el proceso se volvió además un aprendizaje. A Laura Oliva ya la considero una amiga, Máximo (Meyer) es zarpado como actor y Emilia (Mazer) tiene mucha experiencia teatral y televisiva.-Si bien Ricky Pashkus es el director general, Chávez además es maestro de actores. ¿Cómo se trabaja con dos miradas tan potentes?-Ellos se conocen y se entienden mucho. Y a la hora de dirigir, cada uno ocupa un rol y no se superponen. Julio tiene una mirada súper minuciosa sobre el escenario, obviamente en lo referido a la actuación, y Ricky tiene una mirada un poco más global, de la obra en sí. Conforman una dupla de trabajo complementaria. Así, los que ganamos somos los actores. -A nivel actoral, ¿cuándo se le empieza a faltar el respeto a los ídolos?-Liberarse y "faltarle el respeto" en lo actoral a esa institución que tenés enfrente para mí es la clave, porque si no lo hacés, tu cabeza está en otro lugar, que no es la obra, y esa admiración y respeto los transmitís en una actuación que queda tibia. Mi personaje es Ellie, su hija enojada. Tengo que olvidarme de quién es Julio en la vida real y enfatizar el libro con mis recursos, enojos, etcétera. Cuando el actor se ubica a la altura de sus ídolos, la que crece es la obra.RecomenzarDecir que la carrera de Carolina Kopelioff fue meteórica no es caer en un lugar común, sino una descripción de su historia. Kopelioff debutó en Soy Luna en 2016, a sus jóvenes 19 años, y si bien Disney se encargó de propagar su rostro por casi todo el planeta, su búsqueda artística fue la que la decidió a bajarse de la ola teen, volver a foja cero y reconstruir todo desde un cierto anonimato adulto. -Tu historia con la actuación comienza de muy chiquita.-Mis padres me anotaron desde jardín en un colegio orientado al arte. Por lo cual, no podía tener otro futuro más que este. Mi mamá es psicóloga y mi padre es arquitecto, pero se les dio por ese jardín y aquí estoy. También fui muy deportista. Soy federada en hockey sobre césped y a su vez, siempre hice teatro, danza y canto por fuera del colegio. -¿Tus primeros maestros?-Comencé en la escuela de Hugo Midón y crecí viendo obras como Vivitos y coleando y Derechos torcidos. Era muy chiquita y decía: "Yo quiero estar ahí". Después fui a una escuela de comedia musical llamada Caleidoscopio y a los 10 empecé con Nora Moseinco. Estudié danza clásica, contemporánea. En un momento también fui a la UNA. Y si bien era muy chica, desde que tengo uso de razón, tomé el estudio siempre con responsabilidad.-Antes de entrar en Soy Luna, ¿cómo manejaste los primeros "no" de los casting?-Me bajoneaba pero me reiniciaba rápido. Después con el tiempo los agradecí. Cuando uno es chico quiere trabajar, y de grande entendés que de chico tal vez lo mejor es estudiar y no trabajar. Porque cuando comenzás con la actividad, te das cuenta que te lleva toda la energía. Entre los "no" que recibía y que mis viejos no querían que trabaje, terminé debutando en Soy Luna, a mis 19 años.-¿Imaginabas semejante éxito?-Luego del primer casting empezó una rueda de mil etapas. Fue una locura. En mi caso no pensé que sería para un personaje tan importante como la mejor amiga de la protagonista. Igualmente entendimos qué nos venía cuando nos llevaron a ver lo que pasaba con Violetta. Grabamos la primera temporada a ciegas, sin salir al aire y entre la segunda y tercera temporada hubo una gira en el medio donde entendimos la locura que generábamos.-Tu vida cambió de un día para el otro.-Cada capítulo que se emitía, mi Instagram explotaba de seguidores. Al principio no entendía en qué podían repercutirme tantos seguidores. Me escribían de diversos países, salía del estudio de grabación y había gente esperándome. Cuando vi que la locura de mis redes se replicaba en mi vida cotidiana, tomé dimensión de lo fuerte del mundo virtual.-¿En quiénes te apoyaste para resistir ese proceso?-En los actores más grandes. Escuchar a Roberto Carnaghi, Lucila Gandolfo y Caro Ibarra fue importante. Ezequiel Rodríguez, que hacía de mi papá, también. Tenía muchas escenas con él y le preguntaba todo. Fue un maestro para mí. Después mis padres, mis amigas de siempre. Igual yo mantuve mi vida de siempre. Claro que te recomiendan cambiar algunos hábitos, como no salir en horario de salida de colegios o shoppings durante los fines de semana. Una vez nos mandamos cualquiera con Male (Ratner) y Anita (Jara Martínez) y nos fuimos a ver Moana al cine, que justo estrenaba. Las tres solas. Fue un caos. ¿Por qué hicimos eso? Una inconsciencia total."Es fácil creértela"-Últimamente se habló de la poca contención que tuvieron muchos chicos surgidos de tiras infantiles. ¿En tu caso?-Teníamos un psicólogo, pero depende también de cada uno; de cómo afrontás eso que estás viviendo. Reconozco que es fuerte. Que vengan chicos y te muestren tatuajes con tu nombre, que te regalen todo tipo de objetos... Una vez me llegó de regalo una cámara de fotos muy cara. De un anónimo. Lo importante es no alejarse de la familia y de los amigos de siempre. Porque es fácil creértela.-En el último tiempo te convertiste en actriz dramática. No es fácil dejar un público asegurado para incursionar en géneros desconocidos. -Es una búsqueda también. Hay cosas que se dan en momentos de la vida porque uno da para eso, como en el caso de Soy Luna y el musical Aladín, será genial. Ahora hice En el barro y tengo escenas que nunca las podría haber hecho cuando comencé a trabajar. Tampoco podría haber participado de Cromañón si no hubiese pasado por la escuela de Soy Luna.En tus últimas series, abordaste dramas como los de Cris Miró, Cromañón y el autismo en Un león en el bosque. ¿Cuánta preparación hay para llegar al tono justo del personaje?-Muchísima. En el caso de Cris Miró, su historia me interesaba mucho. Y aunque tuve un papel muy menor, que al principio era más destacado, igual quise hacerlo. Me encanta poner mi granito de arena cuando siento que la historia merece ser contada. Lo mismo con la masacre de Cromañón. Mucho estudio, mucha investigación, charla con sobrevivientes, ver documentales... Mi personaje es el que está en el baño, un lugar polémico, donde dicen que no funcionaba como guardería pero había niños. Fue una actuación muy difícil y muy dura. Y el autismo es un tema muy de época y poder contarlo con la historia de León, en Pinamar y con ese grupo hermoso, me pareció un planazo.-Argentina está en crisis audiovisual. ¿Nunca te interesó aprovechar el efecto Soy Luna y probar suerte en otro país?-Tengo representantes en España y México, y sé que esas puertas están siempre abiertas. Pero ahora con los autocastings no hace falta irte a ningún lado. Me pasó de ir a Madrid a hacer un casting presencial y volver. Claro que estoy abierta a trabajar afuera, de hecho estuve tres meses en Países Bajos filmando la serie de Máxima Zorreguieta. Pero no me iría a vivir a otro país. Me encanta vivir en la Argentina y es espectacular la movida artística que tenemos, sobre todo en teatro.-¿Un sueño?-Filmar con Almodóvar sería uno. Ahora tengo muchas ganas de hacer cine de nuevo. Acabo de cumplir algunos pero ya no sé qué puedo decir y qué no por contrato. De hecho creo que lo de Máxima no podía decirlo. Pero estar en Países Bajos haciendo de la realeza fue un sueño. Para agendarLa ballena. Funciones: jueves y viernes 20hs. Sábados 19.30 y domingos a las 19. Sala: Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660).

Fenapo 2025: cartelera completa de los conciertos gratuitos en el Teatro del Pueblo

Belinda, Marilyn Manson y DJ Tiesto encabezan los conciertos gratuitos de la edición 2025

'Festival del Teatro 2025' regresa con más de 30 obras y entradas desde S/5 disponibles del 20 al 22 de mayo

Durante tres días, el público podrá comprar entradas con descuentos. Con propuestas que van de clásicos universales a obras contemporáneas peruanas

Martín Fierro al Teatro: cuándo se entregan, qué canal lo emite y quiénes integran el jurado de honor de los premios

Desde la llegada de Luis Ventura a la presidencia de APTRA (Asociación de Periodistas de la Televisión y la Radiofonía Argentinas) los premios Martín Fierro se han diversificado y no paran de crecer. Ahora se anunció la entrega de la primera edición del Martin Fierro de Teatro, que se llevará a cabo el lunes 23 de junio en La Usina del Arte y que América TV transmitirá en vivo. Si bien la votación final queda por cuenta de los socios de los asociados, el premio tiene un jurado de honor conformado por José María Muscari, Alejandro Tantanian, Marilú Marini, Patricio Binaghi, Erica Rivas, Cynthia Edul, Julián Lucero, Silvia Gómez Giusto, Ángela Torres, Paul Kirzner, Alejandra Fletchner, José Miguel Onaindia y Jorge Telerman. "En la búsqueda de un estándar de excelencia que le otorgue brillo y prestigio a este premio, fue designado un jurado de honor integrado por importantes personalidades del mundo del teatro para realizar una preselección previa a la votación final", detallaron desde la entidad. Y agregaron que en los próximos días se conocerán los rubros definitivos, las obras seleccionadas y las fechas de votación final en la que participarán exclusivamente los socios. También hay fecha de entrega para los Martin Fierro a la Radio, el próximo 27 de julio, aunque aún no se sabe qué canal lo televisará. En cambio, Telefe ya se aseguró la transmisión de los gaardones a la televisión, el 28 de septiembre. Y la tercera edición del Martín Fierro Latino que se entrega en Miami ya tiene fecha confirmada para el 23 de noviembre. Con 66 años de historia (los premios se entregaron por primera vez en 1959), el máximo galardón a la producción televisiva y radial local empezó a crecer con la gestión del actual presidente, Luis Ventura, y se fue diversificando hacia otros rubros por la necesidad de aumentar los ingresos de la entidad. Así, ya existen los Martín Fierro de Radio, el Digital, el Federal, el Latino y recientemente se sumó a la lista el de Cine y Series. Justamente en la entrega de las estatuillas al cine, algunos socios propusieron esta distinción al teatro. Además, APTRA ya anunció que este año la entidad estrenará la entrega de premios a la Danza. El Martín Fierro no para de reproducirse.Hasta el 2016 los premios se concentraron en una única ceremonia, que distinguía lo mejor del año anterior emitido en la televisión abierta y la radio. Con la llegada de Ventura a la presidencia en 2015, ambas disciplinas se separaron y tuvieron su entrega individual. Funcionó tan bien que a partir de ese momento la comisión directiva puso manos a la obra para diversificar el premio que es una marca registrada para APTRA, que cobra cada trasmisión. "El Martín Fierro se ha constituido como un símbolo dentro de lo que es la cultura nacional, pero si no se lo considera como un negocio es imposible organizarlo. Uno tiene que gastar una fortuna en hacer una ceremonia en la que todo el mundo quiere estar. Hoy una transmisión no está menos de 100 millones de pesos. Sin exagerar, estoy hablando de un evento con una cena, con entrega de estatuillas que no salen baratas y que hay que mandar a confeccionar, con un equipo de mozos que atiendan, con un sistema de seguridad, con estacionamiento, con un salón grandilocuente para que se pueda televisar, con presencia de figuras, con mailings de listas de candidatos. El Martín Fierro se ha convertido en el primer o segundo premio más importante del mundo, solo lo puede llegar a superar el Oscar en Hollywood, y tampoco estoy totalmente seguro de que sea así", le aseguró Ventura a LA NACION. "APTRA entrega alrededor de 500 estatuillas por año, con por lo menos una docena de fiestas que celebran de manera más específica las categorías que tienen que ver con el mundo de la comunicación y la actuación. Entonces, si uno no lo interpreta como un negocio, es imposible hacerlo, porque tenés que arrancar con 100 palos arriba de la mesa. Si no están, los tenés que recaudar, porque sino vas a pérdida, y en dos o tres entregas hiciste agua. Si no hay dinero no hay fiesta, no hay premios, y no hay lo más importante de todo: el reencuentro anual de tus colegas y de toda la industria de la comunicación. En eso es lo que se ha convertido hoy el Martín Fierro", remarcó el periodista y presidente de la asociación.El negocio superó las expectativas de quienes lo crearon. "APTRA también recibe pedidos de grupos específicos que quieren que su área tenga una fiesta de Martín Fierro. Pensamos organizar el Martín Fierro del Campo en la Rural; vamos a ver si nos sale. Además, varios países latinoamericanos están pidiendo el Martín Fierro, como Paraguay, Uruguay, Perú y Ecuador. Estamos más que satisfechos con la gestión que tenemos, hemos saneado los números de nuestra administración en un momento difícil, de crisis. APTRA sobrevivió y vamos por nuestra tercera gestión, mal no nos fue"", concluyó Ventura.

Afirman que 'Albertano' se presentó alcoholizado y bajo sustancias al teatro: "Trabado y con la mirada perdida"

Ariel Miramontes dio de qué hablar en una reciente función de 'Lagunilla Mi Barrio', debido a su errático comportamiento

La pasión por el teatro que atraviesa generaciones: la nueva obra de Renata Marrone

La actriz conversó con Víctor Hugo Morales por el lanzamiento de su nueva obra.

Sister Act llega al Teatro Colsubsidio de Bogotá: la nueva producción de Misi combina música, comedia y mensaje social

El Águila Descalza celebra 40 años con su Clase Mela en el teatro Astor Plaza de Bogotá

El Águila Descalza, conformado por Carlos Mario Aguirre y Cristina Toro, celebra 40 años de trayectoria con su más reciente montaje, Clase Mela, que se presenta en el Teatro Astor Plaza de Bogotá entre el 22 y el 31 de mayo

Ximena Sariñana regresa al Teatro Metropolitan: fecha y preventa para 'Existencia Kamikaze', show rockero de la artista

La compositora y también actriz se encuentra experimentando sonidos más energizantes en su nuevo EP 'Rompe'

Bogotá tendrá una nueva temporada de ópera y zarzuela en el Teatro Cafam desde el 24 de mayo

El Teatro Cafam de Bogotá inaugura el 24 de mayo su temporada 2025 de arte lírico y zarzuela, con producciones como 'Carmen', 'Antología de la Zarzuela' y 'Los Gavilanes'. La programación incluye artistas nacionales e internacionales, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Bogotá

Pedro Guerra celebra 30 años de trayectoria con emotivo concierto en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

El cantautor canario presentó su disco "Parceiros" acompañado de grandes artistas en una noche llena de nostalgia y colaboraciones

Es argentina, estudia en el Teatro Colón y le ofrecieron una beca en Estados Unidos: "Una oportunidad única"

El ámbito de la danza es competitivo y de gran nivel en todo el mundo, especialmente en Estados Unidos, pero la bailarina argentina Bianca Melanie Ávila Godoy llegó a la final de la importante competencia internacional Youth America Grand Prix (YAGP) y representó a su país de la mejor manera. En una entrevista con LA NACION, la joven contó sobre los desafíos que enfrentó hasta subirse a los escenarios de Tampa, Florida. Una historia marcada por su convicción, talento y pasión para alcanzar sus sueños. De Buenos Aires a Florida: la bailarina que representó a Argentina en Estados UnidosBianca Ávila Godoy dio sus primeros pasos en el ballet a los seis años en la Escuela Municipal de Danza de San Martín, provincia de Buenos Aires. Desde el principio demostró tener mucha destreza. "Vieron que podía hacer los ejercicios y me aburría la verdad, por eso me subieron de nivel", recordó.Y señaló: "Mi mamá me llevaba para tener más momentos conmigo, casi no estaba por trabajo y porque llevaba a mi hermana mayor a hemodiálisis día por medio".Al mostrarse muy entusiasmada con la disciplina, su familia decidió enviarla a tomar clases a un estudio privado para que se formara mejor. A los 10 años, ya estaba preparándose para ingresar al Teatro Colón. Algo que consiguió en 2023.Actualmente, la joven estudiante entrena de lunes a sábados, se encuentra en el tercer año de Instituto Superior de Arte (ISA) del Colón; a su vez, realiza el Programa Pre Profesional en el Estudio Bárbara Yacovone, y su deseo más grande es convertirse en primera bailarina. Bianca compitió en las categorías de Ballet juvenil y Contemporáneo juvenil de la YAGP, uno de los concursos internacionales de danza más grandes, que reúne a bailarines entre 9 y 19 años de todo el mundo. Con solo 13 años, logró pasar las nacionales el año pasado y, en abril de 2025, se subió al increíble escenario del Straz Center de Tampa para la Gran Final. "Haber llegado fue un sueño, la verdad, de chiquita quise llegar a ese lugar. Fui muy feliz de representar a mi país" manifestó.Un camino de esfuerzo, muchos ensayos y una metaLa bailarina ya conocía la dinámica de la competencia porque había participado en la YAG de Argentina en 2022. "Me había ido bien también, pero no pase a la Gran Final", comentó. Sin embargo, decidió volver a intentarlo. Competir requiere mucho más que talento, por eso, Ávila Godoy tomó clases particulares con los maestros Leonel Cirelli y Bárbara Yacovone. Asistía después de cursar en el Teatro Colón para limpiar su técnica y ensayar las variaciones que iba a poner en práctica en la competencia, aunque no estaba muy claro si iba a poder viajar o no."Estuvimos hasta último momento sin saber si podríamos ir, Bianca no dejó de trabajar cada día en clase y con sus variaciones, como pudimos, armamos todo para estar preparadas por si eso pasaba", comentó en un posteo de Instagram la maestra Yacovone. La familia de la niña junto dinero con mucho esfuerzo, organizaron sorteos y rifas, comenzaron a vender comida. Su estudio realizó una función a beneficio del viaje y tuvieron ayuda del Municipio. "La municipalidad de San Martín fue una gran ayuda para que yo pueda lograr ese sueño que fue participar de la gran final", valoró la bailarina.En diálogo con LA NACION, la mamá de Bianca, Brenda Godoy, aseguró: "Estoy muy orgullosa de ella, porque es chica, pero ya tiene claro lo que quiere para su vida. Entrena un montón y lo hace feliz, que es lo más importante".A su vez, remarcó: "Nosotros somos una familia humilde, mi esposo hace un tiempo se quedó sin trabajo formal, trabajamos en nuestros emprendimientos y es algo costoso el ballet, pero siempre digo que Bianca tiene un camino marcado que no sabemos. Si tiene que darse, se va a dar, aunque el camino se haga difícil a veces".La 'Gran Final' en Tampa, FloridaÁvila Godoy viajó a mediados de abril junto a su profesora Yacovone y vivió días intensos, llenos de clases con maestros reconocidos, ensayos para el Grand Defile y la competencia. El martes 22 de abril tuvo que competir con su variación de contemporáneo luego de tener clase: "Antes de salir la primera vez al escenario me dio un poquito de miedo, pero después me sentía muy bien".Un día después tuvo las clases habituales, realizó la clase especial de becas y, por la tarde, compitió con su variación de 'Paquita' en clásico. "La clase de becas se hace sobre el escenario y en primera fila están los maestros de muchas escuelas del mundo, de allí nos eligen", explicó Bianca, que logró destacarse en los cientos de concursantes. "El ambiente me gustó mucho, la pasé muy bien. Me sentía muy feliz de haber podido vivir esa experiencia, pude hacer todas las clases y también me invitaron a una última clase especial", contó. Bianca recibió una beca completa para estudiar en EE.UU.Al finalizar la competencia, la experiencia en Estados Unidos fue coronada con una propuesta de Peter Stark, el director la escuela estadounidense The Rock School for Dance, que le ofreció una beca completa para estudiar en el país norteamericano. "Pidió una entrevista conmigo y con mi maestra, allí me dijo muchas cosas muy lindas y me preguntó cosas para conocerme. Le gustó como trabajé en las clases y sobre el escenario y me ofreció una beca completa para ingresar cuando quiera y con todo pago: clases, educación, habitación, comidas, todo", contó Bianca.La joven bailarina remarcó: "Es una oportunidad única, porque no suelen dar ese tipo de becas donde todo esté cubierto".Sin embargo, su madre aclaró que todavía analizan la posibilidad de aceptarla. "Ella está muy entusiasmada con la beca, pero tenemos que ver bien todo como familia. Nos costó mucho el viaje y que vaya a estudiar allá, cambia todo", aclaró Brenda, quien señaló que para poder hacerlo la bailarina necesitaría juntar dinero para sus pasajes, una nueva visa de estudiante y para su estadía allí. "Mi deseo más grande es algún día ser primera bailarina. Llegar a lo más alto en el ballet es mi meta", dijo convencida la joven. Bianca le mostró al mundo su talento y su capacidad de bailar en cualquier escenario, con la tranquilidad y emoción justa. Con sus sueños más que claros, la competencia fue un pequeño paso en una carrera que parece más que prometedora.

Manola Díez es expulsada de su compañía de teatro tras agredir físicamente a una joven actriz

Anyolina Broy acusó a la exintegrante de "Otro rollo" de haberla golpeado

Murió el empleado del Teatro Colón al que un "viudo negro" drogó en su casa para robarle

Murió este mediodía Ariel, el empleado del Teatro Colón que fue víctima de un "viudo negro" de 48 años y que peleaba por su vida desde hace cinco días en el Sanatorio Julio Méndez, del barrio porteño de Caballito, donde estuvo internado en terapia intensiva con un edema cerebral severo y en coma inducido.Ariel era empleado del primer coliseo argentino, de fama mundial, y permanecía en grave estado luego de haber sido engañado por un hombre al que conoció a través de una aplicación de citas.El hecho ocurrió en el domicilio de la víctima, en la localidad de Libertad, partido de San Martín. El delincuente, tras ganarse su confianza, consiguió que Ariel lo invitase a su casa donde lo drogó y desvalijó con la ayuda de tres cómplices.Según fuentes policiales, Ariel y el agresor habían establecido contacto días atrás mediante una plataforma de citas. El encuentro se concretó en la vivienda de la víctima, a la que ambos arribaron en un vehículo conducido por el propio Ariel.Durante la cita, el "viudo negro" habría colocado una sustancia en la bebida de Ariel, dejándolo inconsciente. Acto seguido, llamó a tres cómplices, quienes ingresaron a la propiedad para sustraer diversos objetos de valor.Según quedó registrado en las imágenes captadas por las cámaras de seguridad, Ariel y su acompañante legaron al domicilio a las 0.40, dos horas y veinte minutos más tarde, el "viudo negro" y sus tres cómplices salieron de la propiedad con todos los elementos robados y los subieron al auto de la víctima, que también se llevaron.Ariel fue hallado al día siguiente por una persona que tenía las llaves del domicilio. Al percatarse del robo, y aún bajo los efectos de la droga y en estado de shock, intentó bajar las escaleras, sufriendo una grave caída.Las autoridades policiales continúan investigando el caso y buscando a los responsables quienes permanecen prófugos. Este preocupante incidente pone de manifiesto los riesgos asociados a los encuentros virtuales y la vulnerabilidad a la que pueden exponerse los usuarios de este tipo de plataformas.La Unidad Funcional de Instrucción (UFI) N°5 del Departamento Judicial de San Martín, a cargo de María Fernanda Billone e Ignacio Correa, modificó la carátula a homicidio criminis causae. El resultado de la autopsia será clave para la investigación.En las últimas horas antes de conocerse el desenlace, Karina, su hermana había hablado en el canal de noticias C5N: "Mi hermano era muy conocido en todos lados, era normal verlo con gente. Todo el mundo lo quiere. De hecho en la clínica hacen fila para verlo, porque tiene un montón de amigos. Más bueno no puede ser, es de las personas que te da todo sin pedir nada a cambio, agregó entre lágrimas".

La magia de Harry Potter en concierto sinfónico regresa al Gran Teatro Nacional

Un concierto sinfónico que revive las piezas más emblemáticas de la saga, con una puesta en escena que promete emocionar y sorprender a toda la familia.

Extraña pareja: un clásico del teatro, abordado con trazo grueso

Extraña pareja. Autor: Neil Simon. Actúan: Diego Pérez, Bicho Gómez, Gonzalo Urtizberea, Gaby Almirón, Jorge Noya, Betty Villar y Mercedes Cordero. Vestuario: Betiana Temkin. Escenografía: Lula Rojo. Iluminación: Marcelo Seghi. Dirección: Carlos Olivieri. Sala: Multiteatro (Corrientes 1283). Funciones: miércoles a viernes a las 20, sábados a las 19.30 y 21.30; domingos a las 19.30. Duración: 90 minutos. Nuestra opinión: regularEsta comedia emblemática del norteamericano Neil Simon estrenada en su país en 1965, que tuvo una adaptación cinematográfica en 1968 y en los 70 se convirtió en una serie televisiva, comenzó a representarse en Buenos Aires en la década del 80. Desde entonces vuelve, una y otra vez, a ponerse en escena y, en general, con buena aceptación del público.En 1983 se estrenó con dirección de Carlos Moreno (este director la repuso en varias oportunidades, con diferentes elencos) y estuvo protagonizada por una pareja que pisaba fuerte en aquellos tiempos, Ricardo Darín y Carlos Calvo. Este último volvió a protagonizarla junto a Pablo Rago en 2007 y, entre otras versiones, la recrearon Claudio García Satur y Arnaldo André (1999), Gustavo Bermúdez y Miguel Ángel Rodríguez (2015).En 1985 Simon creó una versión femenina de la pieza y aquí se conoció a través de las recreaciones de Ana María Picchio y Soledad Silveyra (1989) y Patricia Palmer y Catherine Fullop (2001).Extraña pareja es una obra cuya simple historia muestra la relación de dos amigos divorciados que intentan vivir juntos. Oscar lleva separado de su mujer hace un tiempo y está acostumbrado a manejarse solo en un departamento en el que sobresalen la suciedad y el desorden. Félix, a quien su mujer le acaba de pedir el divorcio, ha entrado en un campo de notable desesperación. No quiere dejar a su esposa y mucho menos a sus dos hijos. Pero acompañado por un grupo de amigos entrañables comprende la realidad que le toca vivir y acepta finalmente quedarse a vivir en la casa de Oscar.A medida que pasa el tiempo la relación comienza a deteriorarse, sobre todo porque Félix es sumamente obsesivo con el orden y la limpieza, algo que a su amigo lo desorienta y hasta le molesta notablemente. No puede desarrollar su propia vida en soledad como realmente le gustaría.Si bien a esta comedia se le nota bastante el paso del tiempo (por su estilo, sus diálogos) es cierto que la trama que propone bien podría suceder hoy en cualquier barrio de Buenos Aires, aunque la acción de esta propuesta se mantiene en Nueva York.El director Carlos Olivieri opta por construir cada una de las situaciones dentro de un marco realista que hace que ciertas cualidades de la escritura de Simon desaparezcan de la escena. Algunos matices, sutilezas, a la hora de crear los personajes, se han dejado de lado. El creador ha optado por delinear a esos seres con cierto trazo grueso que si bien va muy bien con cada uno de los actores con los que trabaja (dadas las cualidades, posibilidades y hasta el código de interpretación de ellos), hace que se pierda algo la exquisitez, la belleza estética que caracteriza al autor de piezas como Perdidos en Yonker, El último de los amantes ardientes, Plaza suite, La chica del adiós, entre tantas otras. El elenco responde con corrección a las marcaciones del director, aunque a un ritmo algo moroso, que hace que ciertas situaciones pierdan vitalidad y el público no llegue a disfrutarlas como el autor lo propone. Hay muchos gags que no llegan a provocar risa.Es cierto que no resulta sencillo trasladar el humor norteamericano a nuestra comunidad, pero a Simon hay que encontrarle ese sentido que posee a la hora de transmitir historias en apariencia divertidas (como en este caso) pero siempre cargadas de humanidad. La construcción de sus personajes obliga a reparar profundamente en eso. Y una vez logrado, con solo hacer que ellos comiencen a caminar el escenario el juego se va completando y enriqueciendo.

Los jueves son vivos, y en el Teatro Argentino

Al haberse cumplido este año el centenario de su nacimiento, la banda celebra a Fortunato Juárez a través de su música, de composiciones propias y de autores y compositores de este tiempo.

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"El teatro es un registro colectivo y singular"

El director y dramaturgo, y el actor hablan de "El acomodador, memoria de un oficio", una pieza teatral "entre lo biográfico y lo ficcional" que puede verse los sábados en el Payró.

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La tarde comenzó con una entrevista conjunta a las dramaturgas y actrices, que protagonizan éxito tras éxito.Luego, el escritor Luciano Lamberti, Premio Clarín Novela 2023, abordó lo fantasmagórico en la dictadura militar. Y finalmente, el periodista Jorge Lanata, fallecido en diciembre del año pasado, fue recordado por sus compañeros.

¿Qué es ser mestizo en el Perú? La complicada pregunta que ahora busca una respuesta en el teatro

"Eso de ser ainoko" de Miguel Ángel Vallejo Sameshima se presentará en El Galpón Espacio hasta el 8 de junio

Trabajadores del Garrahan le respondieron a Milei: "Lo que necesitamos no es una obra de teatro ni una limosna, sino presupuesto público"

En una entrevista en un streaming oficialista, el mandatario dijo que prepararía una obra de teatro a beneficio del hospital. Sus trabajadores y trabajadoras, indignados, piden que pare el vaciamiento y una recomposición salarial, no una "limosna" por parte del Estado.

Paula Morales: su pasión por el teatro, la familia ensamblada con Fabián Vena y el ego en una pareja de actores

"Estoy acostumbrada a hacer dos o tres obras a la vez y me divierte, siempre y cuando me den los tiempos", dice Paula Morales con una sonrisa clavada en el rostro, sentada en una cafetería del Paseo la Recova para su encuentro con LA NACION. Su atención ahora está puesta en el estreno de Cartas de un amor inolvidable, obra escrita y coprotagonizada por Marcelo Galliano bajo la dirección de Rodolfo Hoppe, que estrenó días atrás.La promesa es "la vuelta del romanticismo a la calle Corrientes" con una historia de amor que abarca 70 años. En 1960, dos adolescentes comienzan a escribirse cartas de amor de forma anónima, pero trascienden ese apasionante duelo epistolar y se convierten en pareja. Sin embargo, su relación se ve interrumpida cuando ella obtiene una beca para estudiar en Europa y construye allá una exitosa carrera como novelista, mientras la actividad poética de él se diluye en Buenos Aires. A pesar de la distancia, los encuentros y desencuentros y el paso del tiempo, sus cartas tan emotivas como viscerales mantendrán la llama de su historia de amor.-Venías de hacer varias comedias, ¿qué te atrajo de este proyecto?-Estaba leyendo algunos materiales y tenía ganas de hacer algo distinto. El año pasado, cuando me llegó este proyecto estaba haciendo dos obras al mismo tiempo. Me encanta la comedia, pero quería algo diferente para este año, algo más jugado, más comprometido. Y justo me mandó un mensaje Emanuel Patalano, el sobrino de Lino, para decirme que tenía una obra muy linda y habían pensado en mí para el personaje. Pasaron dos meses entre que me la mandó y la pude leer durante un viaje en avión. La terminé al ratito, no podía parar de leerla. Iba en el avión llorando, es muy hermosa, tiene momentos muy emocionantes y yo me sentía en carne viva. Ahí dije: "Esto lo tengo que hacer".-¿Por qué te sentías en carne viva?-Me identifico mucho con varias cosas de mi personaje en el amor, en todo lo que ella pone, no solamente por el amor al protagonista masculino, sino el amor por lo que hace, la pasión. Y pasa momentos de la vida que obviamente creo que todos hemos pasado, momentos fuertes, momentos lindos, momentos tristes, y todo está plasmado en esas cartas de amor que, si bien son muy cercanas a nosotros, tienen también un lenguaje muy poético; no es un lenguaje que usamos diariamente. Entonces, es un desafío para mí poder decir estos textos tan poéticos, pero, a la vez, traerlos al público, que no los sientan tan lejanos. Y también es un gran desafío poder interpretar a la adolescente y a la señora de más de 70 años. -También cantás en la obra. -Yo canto de manera amateur, porque me gusta. De hecho, me vieron cantando en un video de Instagram y me preguntaron si me animaba a hacerlo en esta obra. Ya había cantado en algunos proyectos, como en Derechas y en Andate amor mío, pero era "el personaje que canta", entonces, estaba más amparada en eso, en que si desafinaba era el personaje. Ahora, tengo que cantar bien [se ríe].-¿Tomaste clases?-Había tomado clases en su momento y ahora las retomé y también estoy con una fonoaudióloga porque tuve un edema. -¿Extrañás hacer televisión?-Extraño mucho hacer televisión, es algo que me encanta. Las ficciones, las tiras, lo que se genera con los compañeros, pero también es cierto que te demanda muchas más horas. En cambio, cuando hacés solamente teatro estás mucho más disponible.-¿Te gustaría dirigir en teatro?-Me gustaría mucho, aunque por momentos pienso "jamás podría dirigir". A veces, me cuesta bastante poder decir las cosas pensando en que el otro se lo puede llegar a tomar mal. Pienso en qué difícil sería dirigir a determinados actores, no por la personalidad en sí, sino por su prestigio. Aparte, se juegan muchas susceptibilidades. Yo veo mucho la relación entre los actores y los directores, las rispideces que muchas veces se generan, y eso es lo que más me costaría porque no me gusta chocar con la gente. Es una parte de mi personalidad que me cuesta.Doce años de amor y familia ensamblada-Respecto de Cartas de un amor inolvidable, decías que te identificás con tu personaje en el amor y la pasión. ¿Cómo sos vos en el amor, tanto de pareja como de amistad y familia?-Para mí, el amor es lo principal en mi vida. Yo necesito estar bien con mis vínculos, con mi pareja, con mis hijos, verme con mis amigas. Para mí, el amor lo es todo. El trabajo también lo es, porque lo hago con amor. En realidad, es todo lo que implique disfrutar, poder ser yo plenamente. -¿Sos romántica?-Tengo mis momentos. Me gusta ser demostrativa, pero no sé si soy romántica, no soy de las flores. En algún momento, con Fabián [Vena, su pareja de hace casi doce años] nos hemos escrito alguna que otra carta, cuando empezamos a salir. Después viene lo cotidiano, la familia, la vorágine, la convivencia y otros temas por abordar, y el romanticismo, quizás, queda un poco relegado. Pero tratamos de darnos nuestros momentos. Hacer una salida a la noche, al teatro, a comer, o estar solos cuando los chicos se duermen y tomarnos una copita de vino charlando de lo que pasó en el día. Es difícil la conexión cuando hay hijos, muchos hijos, pero para nosotros es importante tratamos de hacernos esos huequitos, estar atentos a eso, sobre todo cuando estamos muy desconectados o no nos encontramos. Si no le prestás atención a la pareja, el día a día te va comiendo. Hay que ser conscientes de que la pareja hay que alimentarla porque, además, mientras nosotros estemos bien, la familia también lo va a estar.-Al ser una pareja de actores, ¿el ego entra en juego?-Que uno tenga más trabajo que otro, pasó porque hace casi 12 años que estamos juntos y hemos pasado por distintos momentos en cuanto al trabajo, a la economía. Pero lo que jamás ha interferido en nuestra relación son los egos por el trabajo, la competencia. Muchas veces me encuentro con actrices o actores que dicen "No, yo no puedo salir con otro actor". Es algo que lo siento muy lejano a lo que somos nosotros. Siempre nos apoyamos en todo, somos muy compañeros. Cada vez que estreno quiero que antes Fabián venga al ensayo general. Él es muy generoso a la hora de darme sus devoluciones y yo las tomo muchísimo porque es profesor de teatro y es muy claro para explicar. Somos muy sinceros a la hora de darnos las devoluciones y jamás vamos a hacernos una crítica destructiva; si nos tenemos que decir algo es solamente para ayudar porque el otro lo pidió.-¿Qué es lo que más admirás de Fabián, qué te lleva a seguir eligiéndolo después de 12 años?-Son muchas cosas. Es un tipo que sabe lo que quiere. Lo admiro no solamente como persona, sino también como profesional. Me genera mucha admiración cuando lo veo en el escenario, pero, también, al mismo tiempo, cuando lo veo en casa en el trato con sus hijos. La capacidad de introspección que tiene, de tratar de crecer, de modificar lo que sabe que tiene o quiere modificar. Somos muy sinceros el uno con el otro, en las charlas, en lo que queremos, lo que necesitamos del otro, en lo que nos está faltando. Porque, como te decía, en todos estos años obviamente suceden cosas. Como pareja pasás por distintos momentos, pero el hecho de poder charlar sobre eso, poder sincerarnos, mostrarnos cuando el otro está incómodo y demás, es muy importante.-¿Cómo es hoy la dinámica de familia ensamblada con hijos de diferentes edades? -Benicio, el más grande [que tuvo junto al músico Martín Lembo], tiene 18. Vida, 16, Cielo está por cumplir 15 [son las hijas de Fabián Vena con Inés Estévez], y Nino [Valentino, fruto de su relación con el actor] tiene 10. Tenemos mucho para entretenernos, todos tienen actividades distintas, todos van a colegios distintos. Benicio este año empezó la facultad, está estudiando Comunicación. Pero igual, todo requiere de una organización por más que sean un poco más grandes. Siempre tratamos de armar como una especie de rompecabezas con Fabián para acompañarlos en sus distintas etapas y poder tener momentos de calidad con ellos. -¿Con qué tipo de actividades logran conectar entre todos?-Ahora, con los chicos más grandes se complica un poco tener una actividad que a todos les divierta. Antes se copaban más cocinando, hacíamos galletitas, tortas. Pero, en general, jugamos muchos juegos de mesa, a las cartas, al truco, al chinchón, y ahora estamos con el chin, que lo aprendieron en la escuela. Los fines de semana, cuando no tenemos que trabajar, nos gusta estar todos en casa haciendo fiaca, viendo películas. Y, a veces, cada uno está con sus actividades, uno hace la tarea, otro mira el partido, yo estudio un libreto, pero estamos todos juntos en el living. -¿Cómo es criar hijos de padres famosos, como ustedes, que forman parte del medio hace mucho tiempo? -Lo viven como algo muy natural, se criaron con esta realidad. Entonces, no les llama la atención, no les importa ni se obnubilan con nada. Nino nos acompaña a las giras teatrales desde la panza. Hice algunas funciones embarazada de ocho meses e hizo todas las giras de Casa Valentina con nosotros. Él era chiquitito y se sabía los textos de todos, se quedaba tomando la mamadera al costado del escenario mientras actuábamos, y yo en ningún momento pensaba "Ay, ojo que no se meta en el escenario, ojo que no grite, que no haga ruido", porque era algo que él ya sabía a pesar de su edad. -Y en cierta forma, Nino heredó la faceta artística de ustedes e hizo algunos trabajos como actor, como la película Yo nena, yo princesa.-Fue de casualidad, no es algo que él buscó y menos que menos nosotros, pero lo quiso hacer. Tenía seis años recién cumplidos. Nosotros le explicamos que iba a tener muchas horas de rodaje, de espera, que era una responsabilidad. Y él sabía perfectamente lo que significaba actuar, componer un personaje, tenía muy clara la convención de las cámaras, de la filmación, de los textos. Teníamos miedo de que lo pudiera llegar a padecer de alguna forma, y la verdad es que fue una experiencia hermosa, la pasó muy bien y el último día lloraba porque no quería despedirse de sus compañeros.-¿Sigue actuando? -No porque no hace castings ni está en ninguna agencia. Él dice que si algo sale lo quiere hacer, pero que no lo quiere buscar. Una cosa es que salga algún proyecto aislado, como esa película, el corto que hizo hace poco sobre Dante Alighieri y un capítulo que hizo conmigo y con Esteban Prol en Revelados en blanco y negro. Para mí es hermoso, yo lo veo actuar y digo sí, es esto, pero mientras pueda pasar un poco más de tiempo, para mí es mucho mejor. Igual, él dice que no quiere ser actor, dice que quiere ser jugador de fútbol.Para agendarCartas de un amor inolvidable, con Paula Morales y Marcelo Galliano. Funciones: miércoles a las 20.30. Sala: Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764).

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Tras agotar entradas en su primera presentación, la obra de Ani Alva Helfer vuelve desde el 13 de junio con un elenco de lujo y funciones limitadas.

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Salida de parejas

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Del Malba al Teatro Colón: doce propuestas para comer en museos, teatros y lugares turísticos de Buenos Aires

Doce propuestas en museos, teatros y centros culturales de Buenos Aires despliegan propuestas que acompañan cada instante del día. Con desayunos livianos â??medialunas, pudín de chía y cafés de especialidadâ??, almuerzos ejecutivos o tapeos con buñuelos y salchichas con puré, meriendas de croissants y mocktails frente al Rosedal y cenas con menús de tres pasos inspirados en la programación cultural, la oferta gastronómica recorre sabores tradicionales y vanguardias. En espacios donde la arquitectura patrimonial dialoga con cartas que van de lo gourmet a lo popular, desde sushi y ramen hasta hamburguesas y empanadas. Estas propuestas invitan a redescubrir la identidad porteña a través del paladar, fusionando patrimonio, diseño y creatividad culinaria.1. Malba - Coronado El chef Martín Lukesch ideó una propuesta todoterreno para todo el día. Para comenzar por la mañana, Coronado â??el nuevo espacio en la base del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba)â?? ofrece cafetería e infusiones, además de una completa carta que va desde medialunas y tostadas hasta pudín de chía o churrinches. Se puede acompañar con bebidas sin alcohol, aperitivos, Bloody Mary, tinto de verano o cócteles clásicos.Para reuniones de negocios o para hacer un alto en Palermo por puro placer, el mediodía de Coronado propone platos como chipirones, almejas o queso halloumi. Entre los principales, se destacan el bife Angus, las cintas caseras, las milanesas de peceto o la hamburguesa clásica, ideal para acompañar con papas fritas. La carta de vinos es inmensa y la de postres incluye desde pavlova hasta torta vasca. Para reuniones de negocios o para hacer un alto en Palermo por puro placer, el mediodía de Coronado propone platos como chipirones, almejas o queso halloumi. Entre los principales, se destacan el bife Angus, las cintas caseras, las milanesas de peceto o la hamburguesa clásica, ideal para acompañar con papas fritas. La carta de vinos es inmensa y la de postres incluye desde pavlova hasta torta vasca.Además, ya ofrecen una opción nocturna: un menú con berenjena asada con ensalada de trigo burgol, fideuá, ribs de cerdo o entraña para compartir. ¿Dónde?: En el Malba (Av. Presidente Figueroa Alcorta 3415), con acceso directo desde el museo o independiente. Coronado abre de martes a sábado de 9 a 24; lunes y domingos, de 9 a 20.2. Museo Sívori - Tomate de EstaciónUn paseo por los lagos y bosque de Palermo, dentro del Parque 3 de Febrero, puede convertirse en un plan completo si incluye la visita al Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori y una parada gastronómica en Tomate de Estación, justo al lado. El lugar permite disfrutar de un café en su patio y el salón de grandes ventanales con vistas al Rosedal, Abre todos los días a las 8.30, con opciones para desayunar o merendar como tostadas de pan de campo, croissants, tostados y tortas, además de tapeo, cafetería y mocktails (tragos sin alcohol). El horario de desayuno se extiende hasta las 11.30; luego comienza el turno de almuerzo, de 12 a 16; y merienda, de 16.30 a 19. A las 19.30 arranca la cena, hasta las 00.30, y el bar permanece abierto hasta la 1. Tomate cuenta con charcutería, variedad de sándwiches entre los que se destacan el de burrata, pastrón, salmón o milanesa. Para el tapeo ofrece con buñuelos de espinaca y parmesano, provoleta asada, langostinos a la chapa, sorrentinos de calabaza, trucha patagónica o clásicos como salchicha con puré. De lunes a viernes, ofrecen menú ejecutivo, con principal, bebida y postre o café. Los jueves, cuentan con "sunset", con cócteles y música.¿Dónde?: Av. Infanta Isabel 555, CABA.3. Teatro Colón - Blue Dentro del Teatro Colón, en el Pasaje de los Carruajes â??debajo del hall principalâ?? se encuentra el café Blue. Inaugurado en 1908 y restaurado en 2004, este refugio conserva el encanto de la Belle Époque y es ideal para quienes esperan las visitas guiadas al teatro o buscan un almuerzo tranquilo en Tribunales, antes o después de las funciones. Justo donde los antiguos carruajes solían dejar a las damas antes de dirigirse a la Plaza Vaticano. La confitería ofrece una experiencia única al permitir disfrutar de la arquitectura y la atmósfera original. Al recorrer sus salones, aún se mantienen los pisos de teselas venecianas de 1908. Es un espacio íntimo para detenerse por un café, medialunas, canelés o lattes de matcha.También propone cenas coordinadas con el calendario de espectáculos del Teatro Colón, a cargo del chef Gastón Storace, con menús de tres pasos inspirados en la programación. Entre sus platos, figuran el gazpacho andaluz y entradas como la "Trilogía de una pasión rebelde" (tortilla española con chorizo colorado, langostinos al ajillo y alioli ahumado) o "El halo del toreo y el velo gitano" (pesca blanca grillada sobre beurre blanc, caviar negro y óleo de pimientos rojos). Entre los postres, destaca "El amor, cuando no muere, mata": crema catalana servida sobre un sablée de cacao con confitura de frambuesas silvestres. ¿Dónde?: Abre todos los días de 7 a 24 en Tucumán 1171. Reservas: 11-5029-0040 y en la página de la Pasaje. 4. Museo Moderno - Clout Café CollectivePunto de encuentro de quienes se acercan al Museo Moderno de la Ciudad de Buenos Aires. Ofrece café de especialidad, batidos, smoothies y pastelería artesanal, con opciones dulces y saladas para mañana y tarde. Además, el bar permite descuentos para Amigos del Moderno. ¿Dónde?: En Av. San Juan 350, CABA. Abierto los lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 18.30. Fines de semana y feriados, de 11 a 19 h. Los martes, el café está cerrado.5. Museo Cornelio Saavedra- Bilbo CaféEn el corazón del Parque General Paz, Bilbo Café presenta un interior con hamacas, poltronas y mesas, además de un sector al aire libre con vista al parque. Ubicado en el Museo Cornelio Saavedra, con estética de casona colonial, su menú ofrece propuestas para toda hora, desde avocado toast hasta completas hamburguesas. Apto para trabajo remoto y pet friendly, cuenta con una eficiente propuesta de take away para disfrutar en el parque. ¿Dónde?: Con acceso desde el museo o entrada independiente, en Av. Crisólogo Larralde 6309, CABA. Abre de 8 a 21.6. Jardín Japonés - Arte Culinario Jardín JaponésEl escenario ideal para comer comida japonesa dentro del Jardín Japonés. Arte Culinario abre a las 10 de la mañana y alcanza su hora pico a las 12.30, cuando comienza el servicio de almuerzos (con reserva hasta las 16.30). Su renovada carta incluye sushi, miso ramen, tempura, ebi furai (langostinos apanados en panko), yakimeshi y gyozas, entre otros platos tradicionales.Lo ideal es sentarse en el balcón o junto a los ventanales para disfrutar de la vista. También ofrece ricas opciones para la hora del té. Cierra a las 18.30. ¿Dónde?: Av. Casares 3450, CABA. Reservas: @arteculinario.jardinjapones7. Club Atlético River Plate - BandaAdemás de ser un restaurante de primer nivel, Banda ofrece la espectacular vista del campo de juego. Ubicado dentro del estadio de River Plate, en Núñez, es una propuesta especial para locales y turistas que visitan la cancha y su museo. Su carta incluye ojo de bife, empanadas, rabas, buñuelos de espinaca; milanesa de bife de chorizo, pastas, tablas de sushi y flan de dulce de leche. Para la tardecita o un after, propone una completa carta de cócteles inspirados en la historia de River Plate. Además, presentó "Día Monumental", un menú que incluye almuerzo de tres pasos, bebida, café, visita libre al museo y un recorrido guiado de 45 minutos por el estadio (vestuarios, túnel legendario, campo de juego y tribuna), con dos horas de estacionamiento sin cargo. La experiencia tiene un precio lanzamiento de $85.000.Abre de lunes a domingos de 9 a 2, salvo días de partidos y recitales. ¿Dónde?: Estadio Mâs Monumental,  Av. Pres. Figueroa Alcorta 7596. Más información en @banda.river 8. Centro Cultural Recoleta - Bilbo CaféUbicado en el Centro Cultural Recoleta, con la misma impronta que la sucursal de Saavedra, este Bilbo Café recibe a artistas y visitantes del centro cultural. Ideal para trabajo remoto, con Wi-Fi y opciones gastronómicas para todo momento. Un café relajado para quienes visitan el Cementerio de la Recoleta o la zona. ¿Dónde?: Junín 1930. De martes a viernes de 13.30 a 22; sábados y domingos, de 11 a 22; lunes, cerrado.9. Biblioteca Ricardo Güiraldes - ClorindoCon nombre y ambientación inspirados en la obra de Clorindo Testa, Clorindo busca ofrecer un oasis para desconectar o continuar actividades en un entorno agradable, con excelente atención y propuesta gastronómica de calidad, según Agustín Cairo y Gastón Inglesini, creadores del lugar.El menú incluye pastelería artesanal (hasta agotar stock), tostados, tostón de palta o de trucha patagónica y pudín de chía con arándanos, además de cafetería. "Clorindo, desde su concepción ideológica, fue pensado y vinculado con el arte en todas sus formas. Nos enorgullece operar en un espacio reconstruido y readaptado, ubicado en el patio de un edificio histórico patrimonial: la Biblioteca Ricardo Güiraldes", comentan sus fundadores. ¿Dónde?: todos los días de 9 a 20 en Talcahuano 1261.10. Biblioteca Nacional - La Cafetería de la Biblioteca Ubicada en el primer piso de la Biblioteca Nacional â??obra de Clorindo Testaâ??, esta discreta cafetería de Paula Roldán invita a combinar lectura y pausa. Ofrece café y pastelería (torta de ricota, torta de chocolate y castañas con dulce de frambuesa) con vistas a la Isla de Recoleta.También dispone de opciones para el mediodía o la tarde: tartas de puerro y cebolla, de espinaca y queso, ensaladas, sándwiches o bife de chorizo con chimichurri y papas asadas. ¿Dónde?: Agüero 2502, (ingreso con DNI). De lunes a viernes, de 9 a 20.30; sábados y domingos, de 12 a 18.30.11. Museo de Arte Hispanoamericano Fernández Blanco - Los Jardines de las BarquinUn oasis en Retiro, Los Jardines de las Barquín aúna la propuesta de los chefs Germán Sitz, Pedro Peña y Alejandro Feraud. Ubicado en los jardines del museo Fernández Blanco, el restaurante busca revalorizar los cereales, protagonistas de la historia argentina.Su nombre proviene de la Condesa María Ignacia de Velasco Tagle Bracho, quien vivió en la propiedad tras recibir el título nobiliario después de los 60 años y â??sin casarse ni tener hijosâ?? adoptó a sus sobrinas Barquín. "Todos sus pretendientes desfilaban por los jardines de la propiedad", cuentan.Ofrece almuerzos -basados en cereales-, además de desayunos y meriendas con café de especialidad y la bollería de Alo's (de Alejandro Feraud) famosa por su técnica y calidad. ¿Dónde?: funciona de miércoles a lunes de 10 a 18; martes, cerrado. En Suipacha 1424, Retiro.12. Museo Larreta - Croque Madame Para desayunar, merendar o bien reunirse por negocios o con amigos, esta sucursal de Croque Madama -con la mayoría de su espacio al aire libre- permite comer rico y con opciones variadas en el corazón de Belgrano. Ofrece desayunos y meriendas completas. Además de un menú con entradas, ensaldas, pasta, crepes, omelettes, risottos y carnes.¿Dónde?: al museo se ingresa por Juramento 2291 y a Croque Madame, por Vuelta de Obligado 2155, CABA.

El Teatro Colón será sede de la novena edición de la Noche de las Ideas bajo el lema "El poder de actuar"

Junto al Instituto Francés Argentino, el primer coliseo se suma a la organización de este evento cultural compuesto por conferencias, mesas debate, e instalaciones artísticas. Leer más

Teatro Itinerante, cine y conciertos: lo mejor de la semana cultural en Córdoba

Durante la segunda semana de mayo, Córdoba ofrece una variada agenda cultural con actividades gratuitas para toda la familia. Teatro itinerante, cine, conciertos y muestras artísticas llegan a distintos puntos de la provincia con propuestas inclusivas y federales. Leer más

Es hija de un prócer del teatro, está de novia con un gran actor y estrenó un film de colección

Para los que superaron la barrera de los cuarenta y largos, el Circo de Moscú es una marca que, inmediatamente, remite a un clásico del entretenimiento en Buenos Aires e instalada en el inconsciente colectivo de varias generaciones que disfrutaron del magnífico arte de sus artistas a partir de una tradición ancestral y fundante en el ejercicio de las artes escénicas.La realizadora audiovisual y guionista Saula Benavente fue en busca de esa usanza, recuperando una atmósfera, un tiempo y una historia a través de su documental Una vez, un circo, una magnífica pieza cinematográfica con imágenes de archivo de gran valor y testimonios de protagonistas de primera mano en torno a lo que, en realidad, se llamaba Circo Estatal Ruso. "El circo me remite a mi primera infancia, por eso encontré en ese mundo algo que me interesaba contar. Además, mis antepasados eran de carromato. De hecho, el abuelo de mi papá fue un payaso muy importante de apellido Padín", argumenta Benavente, quien, además de sus genuinos méritos artísticos, posee una atrapante historia de vida, nada usual, por cierto. Una vez, un circo tuvo un paso muy reconocido por el Bafici y lleva tres semanas exhibiéndose en el imprescindible cine Gaumont, además de ofrecerse en cartelera de otras salas Espacio INCAA del país.La directora recibe a LA NACION en su casa de Palermo, pletórica de vegetación y acompañada por unos cuantos gatos, dos perros y nueve tortugas. Un oasis natural en medio de la ciudad. A poco de comenzar la charla, la conversación se interrumpe porque suena una alarma que le recuerda a Benavente que debe llamar por teléfono a su pareja, el actor Luis Brandoni, quien se encuentra en su casa durmiendo la siesta. "Tengo que despertarlo para que vaya al teatro", aclara esta mujer de apellido ilustre, hija del notable pintor, escenógrafo y vestuarista Saulo Benavente y de la reconocida escenógrafa Graciela Galán. Además, su tía fue la recordada actriz Mónica Galán. "Gracias, mi amor", se escucha decir a "Beto" Brandoni desde el otro lado de la línea. Ahora sí, momento de charlar largo y tendido con Saula Benavente, entre mates y café, y bajo la atenta mirada de Sarmiento, un perrito de lo más cariñoso que se empecina en reclamar mimos y que, desde ya, logra su cometido.Respiró arte desde siempre, criada en Paraguay y Reconquista, en un edificio donde, en cada piso, vivía una parte de la familia. Hoy, sigue inhalando estéticas, poéticas y pensamientos en torno a la creación. Incluso, desde su rol en la comisión que selecciona los proyectos ganadores del programa Mecenazgo, que se entrega en la ciudad de Buenos Aires y es sumamente valioso para el incentivo de la actividad artística. Había una vezâ?¦"La llegada del Circo en 1966 fue un acto de inconsciencia de mi padre y los dos socios que convenció", explica la hija, orgullosa de la obra y las proezas de su progenitor que murió cuando ella tan solo contaba con diez años. "Él había viajado a Rusia como miembro del Instituto Internacional de Teatro y, en Moscú, le 'chanchereó' a la ministra de cultura de ese momento y la sedujo para que se pudiera traer a la compañía a Buenos Aires". -Todo un desafío económico. -Era una época donde algunos artistas y productores se aventuraban, hoy todos somos más cautelosos. Hicieron una cooperativa, les pidieron guita a los bancos y hasta puso plata gente del Partido Comunista. La primera visita del Circo al país fue un éxito, lo cual hizo que, rápidamente, se transformara en un negocio. La semilla del film dirigido por Benavente se remite a algunos años atrás, cuando Carlos Garaycochea, productor de la película junto con la compañía El Borde, le escribió comentándole sobre su archivo en torno al Circo de Moscú, ya que su padre, hermano del humorista Carlos Garaycochea, lo había producido en la década del ochenta. Por otra parte, el empresario había sido uno de los responsables de importar al país el material fílmico del director ruso Nikita Mijalkov. "'Quiero hacer algo con todo el material', me dijo. Trabajamos un año por videoconferencia, ya que eran los tiempos de la pandemia, dándole forma al proyecto", recuerda la directora. Sumándose a ese acervo de Garaycochea, Saula Benavente aportó lo suyo, ya que su padre, junto con otros socios, había sido el primer productor que trajo a la compañía rusa a Buenos Aires en el año 1966. "Mi papá, que falleció en 1982, lo produjo hasta la década del setenta". View this post on Instagram A post shared by Una vez, un circo. Un film de Saula Benavente (@unavezuncirco)"Es el espectáculo más antiguo del mundo, que puede rastrearse desde tiempos remotos en los rituales de los cinco continentes porque la unión de la danza en sentido amplio, palabra y música que caracteriza a los ritos, está en el origen del circo", sostuvo la siempre precisa investigadora Beatriz Seibel en su libro Historia del circo (Ediciones Del Sol). Indudablemente, el circo es uno de los lenguajes escénicos con mayor peso específico e injerencia dentro del campo de lo escénico. -¿Existe actualmente la compañía?-En Rusia aún existe el Circo Estatal, con unos edificios espectaculares. Para la película entrevistamos a muchos de los artistas de aquellos tiempos en los que visitaban Argentina. Los artistas soviéticos cruzaron por primera vez la Cortina de Hierro para presentarse en un país latinoamericano, en tiempos de la Guerra Fría. La compañía gozaba de un enorme nivel artístico hasta que, con la irrupción de la Perestroika y el fin del Estado Soviético, el circo se vio afectado. "Mi película trata sobre el circo soviético, qué impronta tuvo y cómo cae junto con la URSS". Conmueve ver en el documental aquellas funciones llevadas a cabo en el Luna Park porteño. Familias enteras colmando las plateas y tribunas y un espectáculo que contemplaba la presencia de animales en vivo, hoy algo que no rige en nuestro país. View this post on Instagram A post shared by Una vez, un circo. Un film de Saula Benavente (@unavezuncirco)El vínculo de Benavente con la cultura rusa la llevó a balbucear el idioma, algo que facilitó su tarea documental sobre el circo. "No era el propósito de la película, pero no se puede hablar del Circo de Moscú sin hablar sobre lo que iba pasando en la URSS. El utilero de Argentina me contaba que se podían dar cuenta de la situación social y política del país por cómo se manejaban los artistas, qué productos compraban en nuestro país, qué necesidades tenían. En los 70, buscaban pasear e ir a museos; pero, en la década siguiente, eran más consumistas de ropa, jeans, maquillajes; las mujeres compraban pantys y esmaltes de uñas para vender allá", explica la directora.Una familia-¿Cómo es llamarse Saula Benavente?-Estoy acostumbrada. -Me imagino.-De chica me quería llamar Cristina de la Torre y trabajar en un banco para poner sellos. Hoy en día me gusta mi nombre. Cuando comencé a estudiar cine, cada vez que un profesor me preguntaba cómo me llamaba, venía indefectiblemente "sos la hija de Saulo", eso me daba mucho pudor. Hoy me puedo jactar de no haber utilizado mi nombre ni de haber pedido un favor por ser quién fue mi padre. Me da orgullo llamarme como me llamo y que no fue algo snob, sino que tiene una razón. En plan de denominaciones "exóticas", su hijo se llama Baldonero: "Porque me gustan los nombres antiguos". Hace un cuarto de siglo, Benavente formó pareja con Gerardo Rotblat, percusionista de la banda Los Fabulosos Cadillacs, fallecido en 2008. Fruto de esa relación nació Baldomero, hoy un joven de poco más de veinte años y a punto de recibirse de psicólogo. Así como su madre siente empatía por la cultura rusa, su hijo es un cultor de la idiosincrasia japonesa. "La muerte de Gerardo me destrozó porque no sólo era un dolor mío, sino que también atravesaba a mi hijo de cinco años, fue la muerte que más me afectó". En cambio, reconoce que construyó su propia vida marcada por la ausencia de Saulo Benavente: "Falleció cuando yo tenía diez años, con lo cual, mi vida fue siempre sin mi papá. Se repitió la historia con mi hijo, que tampoco tuvo al suyo, nos tocó esas desgracias y construimos sin esa parte. A veces, decimos 'qué mierd... que nos pasó esto', pero pudimos salir adelante, no son 'ausencias presentes'".-A partir de la diferencia de edad entre ustedes, ¿considerás que tu pareja con Luis Brandoni se gestó, inconscientemente, para reparar la ausencia de una figura paterna?-Para nada, nunca me interesaron los hombres mayores, mi relación con Brandoni es una excepción en mi vida. -¿Cómo se dio?-Fue cuando acompañé a mi madre al cumpleaños número 80 de Claudio Segovia (creador de la compañía Tango Argentino). Cuando llegamos, mi silla la había ocupado Soledad Silveyra. En ese momento, desde otra mesa escucho que alguien dice "por favor, que se siente acá". Era la voz de "Beto". En esa mesa también estaban Marilú Marini y Ana María Picchio. -¿Lo conocías?-Al pasar. Luego de eso nos vimos un par de veces, compartimos algunas comidas.-¿Te atrajo?-Soy curiosa y él es muy encantador. Debo reconocer que, al principio, me costó lo de la edad, sobre todo por el "qué dirán" de la gente. Al principio, me preocupaba que en la calle pudieran pensar que se trataba de un vínculo "sugar daddy", pero, rápidamente me di cuenta que yo no contaba con los atributos físicos para que se supusiera eso. Cuando comenzó la relación, Saula Benavente contaba con 40 años y Luis Brandoni había cumplido los 73. -¿Quién tomó la iniciativa?-Él. Me acuerdo que le comentaba a mi tía Mónica (Galán) que me había invitado a salir Brandoni y que no sabía qué hacer. -¿Qué te respondía?-"Salí, andá, aprovechá".-¿Qué dijo tu madre Graciela Galán?-Al principio, se lo oculté, porque, incluso, ellos habían trabajado juntos. Uno cree que es re canchero, pero tuve que vencer muchos prejuicios, hasta que entendí que no me tenía que importar lo que opinara el resto del mundo. -¿Cómo es el vínculo con las hijas de Luis Brandoni?-Me llevó muy bien con las chicas. -¿Así fue siempre?-Fue una construcción, pero, como ellas ya eran mujeres adultas no tuvimos que organizar una familia ensamblada. Todo fluyó rápidamente. -¿Tenés trato con Martha Bianchi, la exesposa de Brandoni?-Por supuesto, hemos compartido muchas cenas familiares. -¿Todos juntos?-Claro, todo es normal, no hay nada raro. "Beto" y Martha tienen dos hijas, nietos, estuvieron juntos muchos años. Hemos pasado fiestas con todos ellos, mi mamá y mi hijo. Yo fui criada en lo que hoy se dice que es una familia "disfuncional", muy moderna para su momento. -¿Por qué?-Mis padres nunca se casaron, mi madre tuvo otras parejas. A mis primos y a mí casi que nos criaron mis abuelos, porque mis viejos trabajaban todo el día. No formo parte de una "generación de cristal". Vivíamos todos en un mismo edificio, a metros de las tiendas Harrods. En el primer piso estaban mis abuelos, en el segundo se habían instalado Lorenzo Quinteros y Tina Serrano, el tercero lo ocupábamos mi mamá y yo y la cúpula era de Mónica, mi tía hippie. -¿Tomás dimensión de quién fue Saulo Benavente para la cultura argentina?-Sí, cada vez que digo mi nombre aparecer algo bueno, jamás escuché una crítica hacia mi papá, todos se refieren con admiración y cariño hacia él, aunque, las nuevas generaciones que estudian arte, cine o teatro desconocen quién fue. -Una falencia grave. -Tiene que ver con la formación que hoy reciben los profesionales, con el poco valor que se le da a la obra de gente destacada y a la historia, por eso, haber hecho el documental sobre el Circo de Moscú lo siento como una necesaria preservación del patrimonio.

Lali donó siete de sus vestidos icónicos a la Casa del Teatro para ayudar a artistas jubilados

Se enteró de la dramática situación de la institución gracias a su madre.La Casa del Teatro alberga a más de 30 artistas jubilados.

Nicolás Repetto: su nuevo desafío en teatro, cómo es su vida hoy y una mirada sobre la TV y el país

Podría afirmarse que Nicolás Repetto es un entrenado especialista en generar cismas en su carrera profesional. Ese lugar común llamado "zona de confort" no aplica en él. Fue y vino, literal y simbólicamente. Como un nómade que aplicó sus saberes a los diversos espacios que eligió habitar. Hizo de la libertad un culto. "No lo niego, me siento una persona libre", afirma sin medias tintas comenzando la charla con LA NACION. Y si de elecciones se trata, la entrevista se realiza en un ámbito inusual -o no tanto- para él. Una sala de teatro en penumbras con Repetto, el hombre responsable de enormes éxitos televisivos, jugando un nuevo partido, esta vez pisando la pelota como dramaturgo y director. El próximo miércoles 7 de mayo, en el Paseo La Plaza, estrenará Sala de espera, pieza que escribió a lo largo de un año y que subirá a escena con las actuaciones de Pablo Rago y Diego Cremonesi, y la participación de Barbi Siom."Escribí Sala de espera sin saber qué destino tendría. Luego, como tenía ganas de volcarlo a algún medio, me pareció que el teatro era el mejor vehículo". Repetto elogia a sus actores, "son un lujo", y siente que esos nombres son, en gran medida, el motor para plasmar su texto en un escenario. "¿Quién merece la vida eterna y quién arder en el infierno?" es el interrogante que toma como disparador la propuesta -escrita durante todo el año pasado- que relata el encuentro de dos amigos en un espacio que podría asemejarse a un "purgatorio". "Se habla sobre la amistad", adelanta el autor de esta suerte de Divina comedia al uso nostro. Pero, además, en medio de ese destino incierto, entre la "salvación eterna" o no, Adrián e Ignacio, tal el nombre de los personajes, van desandando el camino hacia atrás, pensando en aquellos aciertos y errores de sus vidas, las razones por las que valió la pena haberlas transitado y hasta reflexionar sobre su propio vínculo. -¿Cómo nació la idea del material?-Tiene que ver con lo que me va pasando, con esta etapa de mi vida. Una etapa reflexiva, no tengo presiones de ningún tipo ni metas que alcanzar. Es la parte buena de esta etapa. Disfruto con el aspecto creativo, sin la necesidad de estar rindiendo un examen ni ninguna exigencia particular, me libero y hago lo que me parece sin "marketinearlo". Estoy en una época confortable de mi vida. En sintonía con la reflexión enunciada, se lo percibe pausado, "de vuelta" de tantas cosas y, sobre todo, de la vorágine del ecosistema televisivo en el que desarrolló la mayor parte de su carrera. Se pasea por la sala teatral como quien va descubriendo texturas nuevas. Le sigue el paso Florencia Raggi, su mujer, una "asesora" ad hoc de la nueva aventura de su marido. La actriz acompaña a Repetto en la sesión de fotos que ilustra esta entrevista, da su opinión sobre alguna postura y se muestra radiante y entusiasmada. En definitiva, también hay mucho de ella en la concreción de la experiencia. Definitivamente, el tono de Sala de espera conlleva algunos interrogantes esenciales de cierto cariz filosófico: "Los personajes se preguntan si valió la pena haber vivido sus vidas, el sentido de esas vidas, qué dejaron en el camino y qué puede haber después de la muerte", esgrime el autor, quien, por las dudas, remarca "se habla de estos temas de manera desprejuiciada y con mucho humor, los personajes se chicanean permanentemente". -¿Cómo te plantás vos ante la muerte y la trascendencia? ¿Hay algo después?-No lo sé, eso también lo plantea la obra. ¿Qué puede ocurrir? ¿Quién merece qué? ¿Cuál es el mérito para el premio o el desmérito para el castigo? También podemos pensar en qué relevancia tiene para lo universal el transcurso de una vida. -Depende qué vida. -Son temitas que, a cierta edad, comenzás a pensar. -Más allá de esas "no presiones" a nivel laboral, ¿en qué momento de tu vida te encontrás?-Es una etapa muy buena. Mis hijos ya están grandes, el más chico cumplió 24 años, así que hay una libertad total. Ya no hay colegios que te aten ni horarios que cumplir. Ya no hay que llevar a nadie a rugby a las siete de la mañana con cuatro grados bajo cero. Con Florencia estamos liberados de todo eso, lo cual nos permite vivir en Uruguay, que es un lugar que me encanta, estar en el pueblito y tener tiempo libre para hacer lo que me gusta, como la música o la construcción, algo que llevé siempre en paralelo a mi carrera en televisión. Ahora llegó el teatro, siempre estoy inventando algo con qué entretenerme. El rubro de la construcción lo acompaña desde siempre y con la música, hoy trabaja en el desarrollo de La Juanita, la banda que lidera y que cuenta con "Iré" como primer corte editado con la colaboración de Rubén Rada, su hija Renata Repetto e Isabela Aladro. View this post on Instagram A post shared by Epsa Music (@epsamusic)-Siempre se te percibió como una persona muy libre, que no se ha anclado en una actividad o espacio determinado. -A lo que más valor le di, y que siempre traté de proteger, fue la libertad de elección. Para mí es un tesoro, como también la oportunidad de tener tiempo para que no todo sea tirar del carro; creo que distribuí bien eso, no estuve siempre metido en una cinta transportadora. Como siempre me interesaron muchas cosas, necesitaba tiempo para desarrollarlas. -Incluso, relegando, por etapas, tu actividad más pública. -Es cierto, aunque me encantaba mi carrera, me divertí muchísimo haciendo televisión. Agarré una época muy creativa del medio, con gente muy entretenida para laburar. La televisión de los ochenta y noventa era una usina de creatividad increíble. -Diría que formás parte casi de una última camada en un medio con esas características tan remarcadas. -No quiero decir nada, porque se van a enojar los que están ahora; no quiero ofender a nadie, pero, esa época, fue muy buena. De este tiempo no puedo hablar.-Fuiste y sos una gran figura de nuestro país, una estrella televisiva. Sin embargo, te has bajado de éxitos enormes, incluso no siempre con los mejores resultados. No te "dormiste en los laureles" y nunca se te percibió desesperado por alcanzar y preservar la estelaridad, por ser el más famoso del club. -No me pasaba por ahí, no era mi meta ni lo que me estimulaba. -¿Qué te estimulaba?-Todo lo referente a lo creativo. Si el resultado traída fama, bienvenida, porque era muy bueno para lo económico, pero, en el día a día, el traje de la fama era algo muy incómodo, por lo menos para mí. Ahora, no hay persona menor de cuarenta años que sepa quién soy. Me muevo con una libertad que, en algún momento de mi vida, no tenía y la disfruto mucho.-Hablás de generaciones que, supuestamente, no te conocen. En el plano comunicacional, esos grupos etarios hoy se desarrollan en formatos como el streaming. ¿Incursionarías en ese plano?-No, me encanta la posición en la que estoy, donde ni siquiera soy yo el que se sube al escenario, aunque defiendo el proyecto desde mi lugar. -Alguna vez te vimos en el rol de actor en Alta sociedad, en el teatro Metropolitan. -De probar se trata, ¿no? Esa obra musical la hicimos hace más de cuarenta años, lo cual habla de lo vejestorio que soy.-¿Te volverías a subir a un escenario?-Podría ser, es una exposición más chica que la de la televisión. Es más, en algún momento pensamos si uno de los papeles de la obra no lo podía hacer yo, pero tenía más ganas de dirigir que de actuar. -A Sala de espera accederán los espectadores y también los críticos y la prensa en general, ¿cómo te llevás con esa mirada evaluadora? ¿Te genera vértigo?-No hago cosas para la crítica, cuando me expongo trabajo para la gente. Lo de la crítica me parece secundario, aunque siempre es más lindo tener una buena noticia antes que una mala. Una mala crítica no me va a hacer feliz, pero tengo que estar consciente que no estoy haciendo algo para los críticos ni estoy buscando ganarme un premio.-¿Qué estás buscando?-Uno intenta que el mensaje que deja la obra haga pensar a los que vengan, que se vayan contentos o enojados, pero que les haya sucedido algo.PantallaPodría decirse que Nicolás Repetto es uno de los últimos mohicanos de una televisión elegante. A pesar de su indiscutida experiencia y ser una voz autorizada, prudentemente evita esgrimir juicios sobre la oferta que proponen las pantallas abiertas en la actualidad.-Te corrés de emitir una opinión sobre el medio hoy, pero no te será indiferente una frase recurrente en gran parte de los televidentes, "no hay nada para ver". ¿Por qué los programadores no escuchan ese reclamo? -Los conductores aparecen cuando hay algo para conducir. Creo que lo que ocurrió tiene que ver, básicamente, con lo económico. Lo mismo sucede con la ficción. Sábado bus era un programa carísimo de hacer, hoy no hay ninguna posibilidad de sacarlo al aire. En aquella época, la televisión accedía al noventa por ciento de la pauta publicitaria cara y hoy ya no, todo se desparrama en diversos lugares como las plataformas o el streaming. A la televisión abierta se le está haciendo muy difícil, a diferencia de lo que sucedía en los noventa, donde existía un despliegue que había con qué solventarlo. -Las secciones de Sábado bus eran microprogramas en sí mismos. -Muy caras de hacer y con gente viajando por todo el mundo. Y no era el único programa con su tropa dando vueltas, eran varios los ciclos que tenían esa posibilidad. En esa época, yo tenía mi propia productora, que no solo se mantenía, sino que ganábamos. Nadie iba a pérdida, la televisión generaba. Hoy, se me ocurre, debe ser muy difícil contar con un presupuesto para hacer eso, con lo cual hubo que modificar el estilo de contenidos. La televisión estará buscando cómo se reinventa; como también lo harán otros oficios y profesiones a partir de la inteligencia artificial, estamos viviendo un momento bisagra. Estamos adentro de eso, a algunos nos agarra grandes y aclimatados a otra cosa. Las nuevas generaciones estarán acostumbrándose más naturalmente a eso, pero, no hay dudas que estamos atravesando una revolución. Estamos pasando del vapor a la combustión, pareciera eso, ¿no?. La televisión es ese universo donde fue una primerísima figura responsable de éxitos como Fax -que se estrenó en 1991 por la pantalla de eltrece- formato que amalgamaba el abordaje periodístico con una buena dosis de humor -donde se lucía también María Laura Santillán en sus primeros pasos en el medio, prologando su fructífera carrera. El programa cosechó el primer Martín Fierro de Oro, entregado por Aptra. En 1994, el conductor creó Nico, un show de entretenimientos que salía al aire en la primera tarde de Telefe, señal donde, desde 1999 y en el prime time nocturno, también llevaría adelante un suceso denominado Sábado bus, que contaba con la producción periodística de Gerardo Rozín. A pesar de la enorme repercusión de cada una de estas ideas, de notable aceptación por las audiencias masivas, Repetto eligió no sostenerlas eternamente en el aire. Dicen que un éxito jamás se abandona. Evidentemente, el periodista descree de esta máxima y siempre prefirió sumergirse en aguas desconocidas, arriesgadas y en maratones con finales inciertos. Si de pasos en falso se trata, no le fue bien con Loft, un ciclo frío que se realizaba en Miami, muy alejado del ADN del público local. Tampoco acertó con Dominico, formato que marcó su regreso luego de una permanencia en el exterior y de la gran crisis de 2001 que atravesó nuestro país. -Mario Pergolini dijo más de una vez que no regresaría a la televisión abierta. Sin embargo, todo indica que será parte de la grilla de eltrece. Si te ofrecieran algo que te sedujera mucho, ¿volverías a pararte frente a una cámara?-No me parece, pero no lo sé. No quiero decir "no volveré jamás" y luego aparecer, pero no se me ocurre qué podría ser eso que me entusiasmara tanto y me motivara para un regreso. -Aparecen los fondos y te proponen reeditar Sábado bus, ¿lo harías?-En ese tiempo, tenía mi propia productora con un equipo ya conformado. Eso se desarmó. Ya no tengo a un Pablo Codevila como mano derecha o a Gerardo Rozín en la producción. Tenía unos camarógrafos que eran unos cracks y a editores excelentes. Todo eso no se puede armar tan fácilmente. -¿Mirás televisión?-Sí. -¿Qué elegís consumir?-Veo deportes y canales informativos, no veo programaciones completas. -¿Cómo te atravesó el fallecimiento de Gerardo Rozín?-Lo viví con mucha pena, era un tipo divino y nos queríamos mucho. Seguíamos en contacto. Me confesó que yo fui uno de los pocos a los que les contó sobre su enfermedad ni bien se le declaró. -Durante su convalecencia, ¿estuviste cerca de él?-De alguna manera sí, yo vivía en Uruguay, pero teníamos una comunicación permanente, acompañando esa incertidumbre que él tenía sobre lo que le iba pasando.-Por otra parte, manejaba una gran conciencia sobre la gravedad de su cuadro. -Absolutamente, incluso conocía los riesgos de una operación. -Cuando conversaba con vos, ¿lo hacía con entereza o llegaste a percibirlo quebrado?-Me contaba que tenía miedo, pero, para la gravedad de la situación, lo veía muy entero, incluso dejó todas sus cosas organizadas. Estaba muy consciente que le había llegado el turno, como también llegará el mío y el de todos. Sabemos que es así. -Podríamos pensar en algunos pasajes de tu texto teatral. -Sí, pero la obra dice que "es más sorprendente nacer que morir". -¿Por qué?-¿Vos sabías que ibas a nacer? -No.-En cambio, todos sabemos que nos vamos a morir. Piedras en el caminoQuien no haya dado un paso en falso que tire la primera piedra. Cuando, luego de la crisis de 2001, el conductor regresó al país y, en la primera emisión de su nuevo ciclo televisivo, hizo una suerte de balance de la realidad nacional, el público no reaccionó favorablemente. El programa fue un fracaso.En 2017, también se lo juzgó cuando, al frente de El noticiero de la gente (Telefe) entrevistó encapuchado a Fernando Jones Huala, en donde hablaba del caso de Santiago Maldonado, la detención del líder mapuche hermano del entrevistado, Facundo Jones Huala, y los cortes de ruta en el sur. Al año siguiente, en el mismo espacio informativo, a una joven que había sufrido dos intentos de abuso callejero le inquirió "¿Cómo estabas vestida? ¿De manera provocativa?". -A partir de esas entrevistas, ¿te sentís "cancelado" de la televisión? ¿Los considerás "pasos en falso"?-No los considero "pasos en falso". En primer lugar, como periodista, entender que hay preguntas prohibidas me parece nefasto. Y, cuando otros periodistas o pseudoperiodistas, me acusaban o señalaban por lo que había preguntado, no entendía cómo podían decirme que había algo que no se podía preguntar. Se ve que no vivieron la época de la dictadura, que yo sí viví. Todo se puede preguntar, depende cómo lo preguntes y en qué contexto. Con respecto a Jones Huala, después terminó preso, pero en ese momento me pegaron mucho. Le pedí que sostuviera el iPad para ponerme la capucha y que viera qué es lo que siente la otra persona ante alguien que se tapa la cara. Era válido. En el caso de la chica, lo primero que le dije fue "podés ir vestida como se te ocurra y eso no es excusa para que ningún depravado se propase con vos". Incluso, ella me respondió superbien, no se lo tomó a mal. -¿Por qué se generó tanto revuelo?-Era una época muy sensible con esos temas y siempre hay alguien que está buscando ver si te pueden matar. Las aguas se van normalizando y creo que la gente, incluso, se pudrió de algunas cosas.Reservado"Los guionistas del escándalo son sus propios protagonistas", sostuvo Beatriz Sarlo en su libro La intimidad pública. Podría decirse que Nicolás Repetto jamás escribió páginas donde su intimidad nutriera el cotorreo mediático. Se sabe mucho sobre él. Vivió varios matrimonios -algunos con figuras famosas como la actriz y vedette Reina Reech- y nunca dejó de mostrarse con su familia. Con todo, caminó por una calle colectora, corriéndose de la facilidad de estar en la palestra a partir de la exposición de su ecosistema más personal. -Hablabas sobre tu elección de Uruguay como refugio; tu familia también es un espacio de contención. -Sí, pero con Florcita ya nos quedamos solos. Francisco, Juana y Valeria viven en Buenos Aires, Renata está en Barcelona y Nico se radicó en Valencia. La mayoría del tiempo la pasamos los dos solos, con los perros. Estamos en la etapa en la que trasladás a las mascotas lo que antes depositabas en los chicos.-¿Qué te da Uruguay? -Hace más de treinta años que estoy en el pueblito de José Ignacio, me da tranquilidad, vivo sobre el mar, me gusta esa sensación. No tengo el estrés del tránsito. Cuando llego a Buenos Aires y comienzo a manejar, al principio todo me parece una locura, hasta que me acostumbro. De todos modos, también me gusta estar en Buenos Aires y compartir los momentos con los afectos. -Hace pocos días, tu familia vivió una pérdida. -Sí, murió Marta Repetto, la mujer con la que mi papá estuvo casi toda su vida, una divina total. Conmigo se portó bárbaro. Estuve pupilo hasta los doce años y luego me fui a vivir con ella y mi viejo, luego fueron naciendo mis hermanos Andrés, Inés y Ana. Hasta que fui adolescente y me empecé a "rajar", viví con ellos y la verdad es que Marta se portó muy bien conmigo, a pesar que no era mi mamá. -Pupilo hasta los doce años, una historia similar a la de Susana Giménez. -Además, como mi viejo vivía en San Isidro, fui al colegio San Isidro Labrador, al que también fue Susana. -¿Dónde viviste como pupilo?-En el colegio Euskal Echea de Lavallol.-¿Cómo era el trato? ¿Lo padeciste?-Estaba cómodo, me había adaptado bien al sistema de pupilaje, era un lugar confortable. -¿Ya tenías la personalidad rebelde y libre que te acompañó toda tu vida?-Andá a ser rebelde con un cura franciscano, no era nada rebelde. Eran muy estrictos. Era la época de los sopapos; si te portabas mal, pasabas parte de la noche de rodillas. -¿Llegaron a pegarte?-Sí, volaban los sopapos, eran moneda corriente. Se lo decís a alguien de veinte años y no te cree. En esa época, primero te pegaba el de Geografía, luego el de Gimnasia y, cuando llegabas al dormitorio, te pegaba el cura. Te podía pegar el padre de un amigo, era así en esa época. -Viviendo gran parte del año en Uruguay, tendrás una perspectiva muy particular de Argentina. ¿Cómo ves al país?-Lo veo en transición, en una transición que era necesaria, con optimismo y con recaudos. -¿Y con mucha pobreza?-Hace años que vengo viendo eso, no es una novedad. -A la hora de emprender un nuevo trabajo, ¿buscás el consejo de Florencia?-Flor es la asesora artística de Sala de espera, es genial. Tiene la sensibilidad de la actriz y, no me cabe duda, que será directora. Es clave. -¿Leés los materiales que ella elige para interpretar?-Sí, me los acerca y doy mi opinión, pero, ha sido más útil ella para mí que yo para ella. Habría que preguntárselo.-Hace un rato no descartaste la posibilidad de subirte a un escenario. Si el género escogido fuese un biodrama sobre tu vida, ¿qué se contaría?-Sería una obra muy larga, porque viví como cuatro vidas. Basta pensar en que, además de Argentina, viví en Brasil, Paraguay, Estados Unidos, España y Uruguay. Cuando me radiqué en Trancoso no había electricidad, teléfonos ni policías, era Macondo y pasaba una balsa cada tanto para conectarte con el resto del planeta. Eso no tenía nada que ver con el mainstream de estar haciendo Sábado bus en Buenos Aires. -¿Confesás tu edad?-Sí, tengo 68 años. -Se te ve espléndido. ¿Te cuidás mucho?-No, Flor me va corriendo con las cremas que yo evito ponerme.-¿Qué implica el paso del tiempo?-Implica que te estás poniendo cada vez más viejo, lamentablemente es así. No es que físicamente me sienta disminuido, sigo haciendo deportes, el físico no me pasa facturas, pero, me di cuenta que estoy a media hora de cumplir 70 años y no lo puedo creer. Además, no tengo referencias, mi viejo murió a los 51 años y, en ese momento, no dimensioné que era un pibe. -La expectativa de vida se prolongó, se habla de la "generación Silver" y las personas centenarias abundan. -Por eso hay que tener mucho cuidado con los ahorros. Para agendarSala de espera. Autor y director: Nicolás Repetto. Elenco: Pablo Rago y Diego Cremonesi. Funciones: miércoles a las 20. Sala: Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660).

El emocionante gesto de Lali con la Casa del Teatro: donó siete vestidos y serán subastados

Esta es, sin duda, una gran semana para Lali Espósito. En medio de una gran expectativa y tras algunos adelantos, estrenó su nuevo disco No vayas a atender cuando el demonio llama y en el medio continúa con los ensayos para sus shows en el Estadio Vélez Sarsfield el 24 y 25 de mayo. Pero entre lanzamientos, preparativos y entrevistas, se tomó el tiempo de concretar una importante y solidaria acción. Se enteró del deseo de la actriz Linda Peretz, presidenta de la Casa del Teatro, de tener "una remerita" suya para colaborar con la institución y, fiel a su estilo, decidió redoblar la apuesta y no donó una sola prenda, sino siete vestidos que próximamente serán subastados. La Casa del Teatro es un emblema del arte argentino. Fundada en 1938 por la soprano Regina Pacini, esposa del expresidente Marcelo Torcuato de Alvear, y ubicada en avenida Santa Fe 1243 es el hogar de varios actores mayores y conserva gran parte de la historia del teatro nacional. Su principal ingreso es la feria de ropa, la cual está abierta al público y en la que se pueden conseguir prendas donadas por figuras del espectáculo, entre ellas Mirtha Legrand -que además es la presidenta honoraria- y hasta Natalia Oreiro.Linda Peretz expresó su deseo de tener una prenda de Lali en la Casa del TeatroA principios de esta semana, durante una entrevista con La Criti (Nahuel Saa), Linda Peretz dijo que "una remerita de Lali Espósito sumaría muchísimo a la economía de la Casa del Teatro". Incluso expresó su deseo de ponerse en contacto con ella para poder concretarlo. Dicho y hecho sus declaraciones llegaron a oídos del entorno de la cantante y ella tomó cartas en el asunto.El miércoles, en una nueva entrevista desde la Casa del Teatro con Peretz, La Criti contó que se pusieron en contacto con María José 'Majo' Riera, la madre de Lali y quien además trabaja codo a codo con ella. La productora se puso manos a la obra y logró que piezas de su hija llegaran al establecimiento para ser subastadas: "Lali mandó un donativo para la Casa del teatro, pero no una remerita, mandó siete vestidos".Lali donó siete vestidos a la Casa del TeatroCompletamente emocionada con el gesto de la cantante, Peretz dijo: "Estoy feliz. ¿Viste cuando vos deseás una cosa firme y profundamente y se cumple? El universo te escucha". Asimismo, expresó: "Mi deseo es que la Casa del Teatro se mantenga sola, que no necesitemos plata, que no tengamos déficit permanentemente, estar más tranquilos y más cómodos con la financiación y la economía. Ese es mi deseo. Nos contestó el universo y nos mandó ¡siete vestidos de Lali Espósito!". Próximamente, se hará pública la fecha en la que se realizará la subasta de los vestidos de la intérprete de "Disciplina" y Peretz aseguró que trabajarán para que sea "una fiesta". En cuanto a los diseños que donó Espósito, cuatro de ellos son largos: uno strapless en negro con bordados plateados, otro en rojo con volados y encaje, uno estampado con escote en V y aberturas y otro blanco y negro. También un modelo midi estampado de manga larga y falda plisada y dos cortos: uno en celeste con un bordado de pedrería y otro negro y dorado, con una chaqueta haciendo juego.Por otra parte, la exprotagonista de La flaca escopeta grabó un video especial para agradecerle a la cantante por su gesto. "¡Lali llegó la donación de tus vestidos! Estén atentos porque dentro de poco vamos a dar la fecha exacta de la subasta de esta ropa que donó Lali Espósito. ¡Muchísimas gracias Lali!", expresó.La Casa del Teatro, ubicada en avenida Santa fe 1243, en el barrio porteño de Recoleta, está abierta todos los días desde las 14 hasta las 18.

La filarmónica Metropolitana Distrito Capital y artista mexicana interpretando a Rocío Dúrcal harán homenaje a las madres en el Teatro Jorge Eliecer Gaitán

Más de 40 músicos en escena y la voz de Verónica Linares darán vida a un espectáculo sinfónico que celebra el legado de Rocío Dúrcal y exalta el papel de las madres en una noche llena de emoción y recuerdos en el corazón de Bogotá

Pier Francesco Maestrini, antes de su debut en el Teatro Colón: "Il Trittico es una ópera perfecta"

Para Pier Francesco Maestrini, director de escena con más de treinta años realizando montajes en diversos teatros alrededor del mundo, esta producción marca su primera experiencia en el Teatro Colón. Tiene a su cargo la puesta de la célebre trilogía de óperas que Giacomo Puccini compuso en 1918 y que está integrada por Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi. Después de 14 años, estas óperas concebidas por su autor para ser representadas juntas, regresan al coliseo porteño a partir del viernes 2 de mayo. En las siete funciones programadas, Beatrice Venezi y Carlos Vieu se alternarán en la dirección musical al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón.Sin embargo, no será esta la primera vez que el apellido Maestrini figure dentro de los programas del Teatro Colón. El director escénico a cargo de esta producción es hijo de Carlo Maestrini, uno de los grandes regisseurs italianos, de gran fama durante las últimas décadas del siglo pasado y que llegó a dirigir unas seis producciones para el Colón, siendo la última una Aída en 1983. "Mi padre siempre me habló mucho del Colón; el hacía mucho énfasis en que era uno de los teatros más bellos del mundo y que contaba con una acústica sensacional. Por lo cual trabajar aquí era una deuda que tenía para conmigo, sobre todo luego de haberlo hecho en tantos teatros alrededor del mundo, pero sin nunca haber encontrado la oportunidad de hacerlo en Argentina. Y que sea con esta producción que significa tanto para mí, lo hace doblemente especial," dice. La vida de Maestrini ha girado siempre alrededor de la ópera. Cuando nació, su padre ya era un reconocido director de escena. Hay fotografías suyas como figurante en Ana Bolena con apenas dos años, aunque su primer recuerdo es precisamente con Il Tabarro, a los cuatro años cuando su padre lo volvió a colocar en escena. "La primera vez que hice Il Trittico no tuve necesidad de estudiarla, la conocía de memoria de tanto haberla escuchado desde niño. Mi padre cantaba profesionalmente desde los 15 años y luego de regresar de la guerra, donde tuvo que ir a Rusia a pelear, continuó su vida en el teatro. Se convirtió en un regista muy famoso, sobre todo en lo que se conoce como la época dorada del teatro. Trabajó con Maria Callas y las grandes figuras, en la Scala y todas las demás casas de ópera del mundo. Yo siempre lo acompañé en su trabajo, sobre todo cuando enfermó y necesitó de mucho soporte y ayuda. Fue natural ir haciendo de a poco lo que el hacía. Hasta que llegó un día en que para un Barbero de Sevilla que tenía a su cargo en Japón no pudo asistir y me invitaron a tomar su puesto. La producción era con un gran elenco y esta fue la razón por la que yo tuve el privilegio de comenzar desde arriba".De memoriaMúsico de formación, afirma que hay cosas aprendidas de su padre que lo acompañan hasta el día de hoy. "Se conocía las óperas de memoria y esa es una característica que tengo en común con él. No necesito la partitura para los grandes títulos del repertorio. También me identifico con él en lo que se refiere a la relación con el coro. Hay muchos directores que vienen del teatro de prosa que son geniales, pero que se espantan frente a los coros porque no saben cómo tratarlos. Mi padre, quizás por haber sido militar, tenía facilidad para armar óperas con grandes números de personas. En la Arena de Verona todavía se lo recuerda por su capacidad de montar producciones inmensas en pocos días." Maestrini ha sido convocado para trabajar en teatros de Japón, China, Corea, Rusia, Estados Unidos, México, Brasil, Uruguay, entre muchos otros. "A medida que pasan los años y mi nombre está más consolidado, puedo decir que más que agradar a los otros me interesa agradarme a mí mismo. De igual manera, hay que estar atento a las consideraciones propias del país ante el cual se presenta la obra y cuidarse para no ofender. De todo el proceso creativo, lo que más me interesa es el storytelling; que el resultado sea una historia bien contada: la historia que el compositor quería," afirma.-¿Hay algún límite entre la libertad de un director de escena y la obra del compositor? -Todo depende. Hay directores que son muy distintos a mí en la manera de hacer las cosas y que logran resultados importantes, así se alejen de lo que el compositor quería mostrar. Eso sí, tiene que estar muy bien hecho y dejar al público con la boca abierta. Porque si lo único que quieres es generar controversia, te vas a encontrar que el público es inteligente y no lo deja pasar. Pero si la controversia tiene una base fuerte y logra que a la gente le agrade o desagrade de una manera ingeniosa y que salgan con algo importante, entonces allí si es aceptable. La coherencia tiene que ser fundamental. El director afirma no tener ninguna restricción en cuanto a las técnicas que utiliza en sus producciones. "He utilizado antiguas como la de los telones pintados y también he llegado a presentar óperas con dibujos animados. Todo depende si hago algo trágico o es comedia. Los dibujos animados me interesaban sobre todo para el repertorio de comedia; los utilicé para Il Barbieri, Il Viaggio a Reims y para la ópera sobre El libro de la selva de la que escribí el libreto. Pero, sobre todo, lo que me parece más interesante es la interacción entre lo virtual y lo real. Esto lo hago mucho cuando se trata de algo dramático".Adaptada para el ColónEsta producción de Il Trittico ya Maestrini la presentó en el Teatro Comunale di Bologna y luego en Trieste. Lo acompaña el mismo equipo de artistas con los que trabajó originalmente: Nicolás Boni (escenografía), Stefania Scaraggia (vestuario) y Daniele Naldi (iluminación). "Este tríptico lo estrené en Bologna para un teatro totalmente distinto. Lo hice en un teatro moderno (en ese momento el original estaba en remodelación) que tiene una estructura rectangular, un poco al estilo cinemascope. La que estamos por presentar aquí es la misma, pero hubo que adaptar todo a los espacios del Colón que son mucho más grandes. Todo lo que se va a ver fue fabricado en los talleres del Colón, desde la escenografía hasta el vestuario. Un trabajo impresionante," explica el director. Aunque también lo convocan mucho para Rossini y Donizetti, es Puccini el compositor del que más títulos ha presentado. "Sus óperas las he hecho todas, al menos una vez. De todos los que he trabajado que son muchos, es quien más cosas me dice. La única que me falta es Edgar, que casi no se hace. A Manon Lescaut la he hecho 15 veces, Tosca 10 veces y así con otras; todas en producciones diferentes." Esta producción afirma haberla pensado durante muchos años, esperando la oportunidad para presentarla tal cual lo está haciendo ahora. "Es mi ópera preferida. La considero una ópera perfecta. Sobre todo, Gianni Schicchi porque tiene lugar en Florencia y me siento muy ligado a ella. Siempre me emociona. Puccini se propuso crear una trilogía de óperas para ser representadas en conjunto, tal cual La divina comedia, en donde cada una estaría dedicada a un canto en particular. Yo quise hacer una analogía explícita de esto. En Íl Tabarro están todas las almas perdidas, destruidas y sin esperanza, como los condenados al infierno. En Suor Angelica encontramos que la palabra principal es expiación y eso es el sujeto del purgatorio. Y Gianni Schicci, tiene a su personaje extraído directamente de La divina comedia y está llena de humor negro. Son tres estados de ánimo, tres emociones distintas y hay que mostrarlas juntas y en sucesión para entenderlas en su profundidad."La cantidad de personajes involucrados y su duración puede que sea, en palabras del director, una de las causas por las que muchas veces no se presenta en su totalidad. "Resulta muy complicado reunir todos los artistas que exige una producción como esta. Además, si sumamos el tiempo entre cada ópera sabemos que tenemos una noche larga. Eso sí, la atención no decae nunca puesto que son tres verdaderas capolavoro, cada una con su propio lenguaje".Maestrini dice estar de acuerdo con uno de los grandes comentadores de La divina comedia cuando afirma: el purgatorio es el mejor de los cantos, al igual que los demás. "Yo me la conozco de memoria, y así no la supiera, hay una conexión especial entre los que hemos nacido en la Toscana y la obra de Dante. Puccini la conocía también, al igual que Forzano, su libretista. Y nada mejor que las imágenes de Gustav Doré, principal ilustrador de La divina comedia en el siglo XIX, como inspiración para lo que se verá en el escenario. Hacer esta producción en la que se mezcla mi ópera favorita y la obra literaria que más amo es una especie de realización. Tengo otros objetivos en mi vida, pero definitivamente este era uno de los que quería alcanzar".Para agendarIl Trittico, de Giacomo Puccini. Funciones: este viernes, miércoles 7, jueves 8, viernes 9 y martes 13 de mayo, a las 20 y domingos 4 y 11 de mayo, a las 17. Teatro Colón (Libertad 621).

Familia, sustantivo femenino: la historia "a lo Esperando la carroza" que fue un éxito en el off y llegó al Teatro Maipo

Actriz, directora teatral, profesora de canto. Lali Vidal (38) se mueve como pez en el agua en el mundo artístico que tanto la apasiona desde que era chica, cuando con sus primas se subía al escenario donde previamente había cantado su tío, Horacio Vidal, y juntas jugaban a ser las protagonistas de Chiquititas. Según ella misma cuenta, en su familia todos son artistas de corazón (y algunos, de profesión): su madre, "una gran actriz que estudió teatro toda su vida" pero que nunca se animó a ejercer; su padre, escritor de cuentos y novelas sin publicar, y cantante de ducha profesional; su hermano, que vive en Uruguay, ejerce como músico, tiene su propio disco y toca con Diego Drexler. "Mis padres son mi verdadero ejemplo, por eso estoy muy feliz de hacer una obra que representa a la familia. Ellos me enseñaron que lo más importante son los vínculos de amor, que hay que laburar con amor a la profesión y a las personas, y eso fue tejiendo mi carrera. Después, no importa cuánto te llevás al bolsillo ni cuántas personas fueron al teatro", reflexiona la artista en diálogo con LA NACION antes del estreno de Familia, sustantivo femenino, la comedia musical de humor grotesco, "a lo Esperando la carroza", que dirige junto con Federico Fedele y que este mes desembarcó en el Teatro Maipo después de dos temporadas en el circuito off.En tono de comedia y con un lenguaje auténticamente porteño, la obra refleja con mucho humor e ironía la historia de una familia compuesta por diez mujeres muy singulares que se reúnen para celebrar Año Nuevo. Entre brindis, risas, enredos y reproches, cada una de ellas intentará hacer valer su lugar, mientras la familia se pone a prueba una vez más.-¿Cómo nació el proyecto?-La obra la escribimos hace muchos años sin música original, tenía canciones de Valeria Lynch y Los Pimpinela, entre otras. Después, le incorporamos música original, modificamos bastante el guion y cambiamos algunos personajes. Hace dos años estrenamos en una sala muy chiquitita, era una vermutería con capacidad para 30 personas. No había luces, nada, pero siempre estuvo la banda en vivo. Después, crecimos un poquito más y pasamos al Teatro Border, donde hubo alguna adaptación escenográfica porque era un espacio un poco más grande. Ahí fueron a vernos Carla Calabrese y Enrique Piñeyro, y les gustó mucho. Carla volvió a vernos y decidió darnos esta oportunidad de apoyarnos y traernos al Maipo, donde nos recibieron con los brazos hiperabiertos.En un templo de calle Corriente-¿Qué significa para ustedes pasar del off al Maipo con una obra de su autoría? -Para nosotros es un sueño cumplido. Cuando escribimos esta obra con Fede Fedele, soñamos con llegar al Maipo, aunque "soñar" es una palabra que no me gusta usar mucho en esta profesión. Deseábamos que se hiciera lo más popular posible porque, te puede parecer elevada o no, no importa, pero es una obra en la que vos la pasás bien y te llevás algo en el corazón.-¿Hay una presión extra por llegar al circuito más comercial?-Los nervios están, no voy a mentir, pero creo que el teatro siempre es un salto al vacío, un acto de fe. Cada vez que uno hace algo arriba o abajo del escenario, es un acto de fe y tiene más que ver con tu propia motivación que con lo que sepas que va a pasar, porque realmente nunca sabés cómo va a funcionar. Nervios genera, pero confiamos mucho en la obra, en los actores y en el material.-¿La historia de la obra está inspirada en tu propia familia?-Hay un poco de inspiración en mi pobre familia y en la de Fede [se ríe], pero también en otras historias. Un día, una actriz vino a un ensayo y dijo "tienen que escuchar este audio de mi abuela", y lo agregamos. Todos encontraron paralelismos con sus familiares, y la gente que viene a vernos después nos dice "la vi a mi tía, o a mi mamá, o me vi a mí". Pasa mucho eso porque claramente es un reflejo de quiénes somos, de nuestras familias, nuestros vínculos y de nosotros mismos.-¿Por qué decidieron que fueran todas mujeres?-Al principio no fue tan analizado, honestamente, y cuando sucedió nos pareció que tenía mucha potencia. Por otro lado, la abuela es representada por un actor varón, y esa fue una decisión que tomamos a conciencia porque es la imagen más patriarcal que hay. Por una cuestión generacional, no digo que todas las abuelas sean así, pero tiene todo el peso de los mandatos, como, por ejemplo, que hay que casarse y tener dinero.-Sin embargo, no significa que la obra esté dirigida únicamente a un público femenino.-Para nada. De hecho, hay presencias masculinas dentro de los conflictos y tampoco es una obra que tiene alguna cosa superfeminista, no va por ahí.Sueños cumplidos-Mencionaste que no te gusta usar la palabra "soñar". ¿Por qué?-Es difícil, porque quienes se dedican al arte saben que es una profesión soñada y muy privilegiada. Yo vivo del arte y eso es un privilegio muy grande. Pero muchas veces pasa que se pone en un lugar un poco aficionado, y yo siento que es mi trabajo. Si bien son sueños cumplidos, todo lo que me pasa y me ha pasado fue a raíz de muchísimo trabajo, mucho llanto, pataleadas y crisis que hicieron que hoy tenga todo lo que tengo. Yo fui a trabajar a España hace seis meses y es literal un sueño cumplido, siempre lo deseé, pero ese deseo no es algo mágico, no es algo que me pasa porque vino de la nada, sino que vino a raíz de muchos años de trabajo y de perseverancia, de fe. Los artistas tenemos que entender que el camino es muy duro, son muchas trabas, muchos palos en la rueda, y lo que nos mantiene ahí es nuestra vocación, nuestro entusiasmo, nuestro convencimiento de que así tiene que ser, basado en nada más que el deseo.-Antes de dedicarte a la actuación estudiabas Psicología. ¿Fue un mandato familiar estudiar una carrera universitaria?-Mi familia siempre me apoyó mucho, y si bien son todos artistas de corazón, tenían miedo por la incertidumbre de qué iba a vivir. Entonces, me dijeron: "A la universidad". -¿Y por qué elegiste Psicología? -Estaba entre las dos opciones y Psicología me gustaba mucho. En la secundaria tenía un orientador vocacional y un día nos llevaron a hacer unas prácticas a un neuropsiquiátrico y me fascinó, porque como actriz hay mucha curiosidad. Pero creo que me hubiese costado ser psicóloga, me parecía horrible ejercer en un consultorio, siempre lo pensé desde un lugar más de investigación. En principio me resultó muy atractiva la carrera, me encantaba lo que estudiaba, pero no me gustaba la profesión. Duré un año y medio. Aparte, soy muy impulsiva, cuando estoy incómoda me voy. Cambio de rumbo-¿En qué momento dijiste "no va más"?-En un momento quise volver a hacer algo artístico, que lo había frenado porque trabajaba y estudiaba, y me metí por primera vez en una clase de teatro musical. Me fanaticé y dije "quiero hacer esto", ya no tenía ganas de ir a la facultad. Un día, tenía una audición para un musical muy off y también tenía un examen de psicología social. Ese día, cuando estaba cruzando la avenida Independencia para ir a rendir, le dije a mi amiga: "Si quedo en la obra, me bajo de la facultad". Quedé y me saqué un nueve en el parcial, pero dejé la facultad. Ahí, obviamente hubo un planteo familiar, pero yo estaba muy enamorada, tenía la sensación de que no podía hacer otra cosa. Y me sigue pasando al día de hoy. No pude contra mi instinto.-¿Tuviste que tener trabajos alternativos a tu profesión de artista?-Sí. Mi familia tiene un resto bar en el barrio de Flores, se llama La farmacia, y es donde siempre trabajé. Por eso también me siento muy apoyada por ellos, porque podía acomodar mis horarios según las clases que tenía. Ahora sigo laburando en el bar y además doy clases de canto. Siempre hay que tener un laburo paralelo, el que puedas, es difícil decir "vivo solo del teatro". Pero no hay que hacerle asco ni tenerle miedo porque es lo que te va a dar para comprarte el pan, y eso no te hace menos artista.-¿Alguna vez pensaste en abandonar?-Hubo momentos que fueron cachetadas muy fuertes, donde decís "Bueno, ya está, doy un paso al costado". Yo tuve suerte porque eso me abrió todo este mundo de la dirección y de la escritura, que después los pude hacer convivir, pero en su momento fue un poco un paso al costado. Por suerte, siempre tuve mucho laburo en el teatro off, nunca me faltó una obra y estoy muy orgullosa de todo lo que hice, pero pasaba con las obras comerciales, que son poquitas, de decir "Dale, decime que sí una vez".-Como actriz y directora, ¿te gusta ejercer las dos cosas a la vez?-Soy un poco fana de separar. Eso no quita que algún día me pase de hacer las dos cosas, pero me gusta estar en donde estoy, no mezclar tanto. Quizás, no tengo esa capacidad de hacer las dos cosas a la vez. ¿Podés elegir cuál de las dos te gusta más?-Me hice muchas veces esa pregunta, porque también me dicen que tengo que decidir qué quiero. Y realmente la respuesta siempre fue que me permito no elegir. Amo estar arriba del escenario, me mueve todas las fibras, pero también me gusta mucho [como directora y autora] poder decir algo, poner algo que uno tiene ganas de comunicar arriba del escenario. Si yo tengo un lugar pasivo, entre comillas, en la sociedad, creo que el teatro me pone en un lugar más activo y me deja decirles algo a los que están ahí sentados que para mí está bueno que se vea, que se escuche o que se diga. Creo que el teatro te abre mucho la cabeza y te enriquece, y me enorgullece un montón ser parte de ese movimiento, que es una manera de militar de forma pacífica; no molesta a nadie y todos la pasamos bien.Para agendarFamilia, sustantivo femenino. Funciones: jueves a las 21 y domingos a las 20. Sala: Teatro Maipo (Esmeralda 443).

Podemos afea a Sumar vender como triunfo la compra de balas a Israel y tacha de "teatro" el choque dentro del Gobierno

Mario Casas: "El teatro más poderoso es el de la Argentina"

"Nada de preguntas sobre relaciones pasadas o actuales, por favor", se oye. Siguiente acto: se escucha un rezongo del muchacho en cuestión con su equipo: "Imaginate tanto trabajo para que después saquen solo esa frase y se desparrame por los portales", dice. ¿Qué pasó? ¿Quién y qué le preguntaron? No podemos seguir esa charla, porque no sería nada más parecido a un interrogatorio que una entrevista. El actor español Mario Casas está ahí, parado, y repentinamente da una media vuelta, nos dedica una enorme sonrisa y pregunta cómo estamos. Mientras tanto, en Buenos Aires, en este mismo hotel está hospedado también Joaquin Sabina a propósito de los shows despedida Hola y adiós. A unas cuadras, nos cruzamos con Carolina Herrera hija, quien llegó por la inauguración de la muestra El aire vacilaba a su alrededor, que es parte de su programa Celebrating Women in the Arts, en el Museo Sívori. Así es la postal de esta ciudad que abraza con efusividad a los artistas y le promete a todo aquel que componga una carrera contar con un grupito de pertenencia en la puerta esperando por el saludo. Cuando nos enteramos de la llegada de Mario Casas, Google Imágenes despista y lo confundimos con el actor de la serie Chicago Fire, Alberto Rosende. Ah, no. ¿Cómo se compone una carrera en una sociedad digitada por imágenes? Donde todas las personas se nos hacen conocidas aunque no sabemos de dónde. O tal vez, cómo vamos articulando ciertos rostros que nos parecen conocidos. Pero enseguida las búsquedas de información y de videos arrojan una carrera con trayectoria: Casas, que presume una cuenta de Instagram con 7.3 millones de seguidores, es coprotagonista junto a, de pie, Raphael, de la maravillosa sátira que filmó Alex de la Iglesia llamada Mi gran noche, en 2015. Que debutó como director en Mi soledad tiene alas, en 2023, un retrato muy personal protagonizado por su hermano Oscar Casas, y este mes estrena en los cines Muy lejos, el film donde lo dirigió Gerard Oms. Para quienes van a destiempo con los estrenos en las plataformas de streaming, el actor nacido en La Coruña hace 38 años está muy presente en Netflix, por ejemplo en las producciones de Bird Box Barcelona, El practicante, Hogar y El inocente. También se lo puede ver on demand en No matarás, el film de David Victori por el que Mario Casas se hizo del Premio Goya como Mejor Actor Protagonista.Casas es parte de una rutina audiovisual que lo hace tener presente. En las últimas semanas cobró mayor protagonismo por estos lares porque anunció que vendría a Buenos Aires a presentar la fragancia de Antonio Banderas. Previo paso por Chile, Casas saludó a los invitados de una experiencia olfativa convocada por Puig, la empresa española de moda y belleza que gestiona la línea de Banderas, en el hotel Four Seasons. Al día siguiente posó en el cocktail en su honor en un edificio del año 1912 ubicado en Reconquista 46, en el distrito financiero de la ciudad. Allí lo tomó del brazo Pampita, lo abrazó el Pollo Alvarez, caminó junto a Stefanía Roitman, la embajadora de la línea femenina del perfume. Veinticuatro horas con Mario Casas permiten sacar conclusiones mirando sus atuendos: es un hombre de clásicos, se ve. El Levi's 501 y camisa de denim, primero; luego, un ambo negro y camiseta blanca. Evita el cinturón, parece. A la entrevista llega con mocasines y jean tiro alto, tobillero y una remera blanca que permite divisar unas cuantas rutinas de gimnasio encima, siempre acompañado por un peinado que referencia el estilo juvenil de los años 50. Después de cruzarlo varias veces el último día, justo antes de tomarse el avión de regreso a su hogar, se sienta a conversar con LA NACION. -¿Cómo lográs combinar los roles de la actuación y la dirección? -Lo bueno que tenemos los actores que entramos en la dirección es que podemos hacer las dos cosas. Al final es más trabajo. A mi me gusta escribir también los proyectos que hago, estoy intentando, ya que me involucro en el guion, como director y como protagonista, sumergirme en la producción de los proyectos que me gustaría hacer, pero a lo mejor no me llegan. Por eso te digo que tenemos algo en común con Antonio y de conversaciones que hemos tenido, él me empujó cuando yo le dije que quería dirigir. "Hazlo, hazlo", me dijo, y yo no soy un culo inquieto. No es que me aburra rápido, soy géminis y tiene que ver bastante el signo conmigo porque me gusta hacer muchas cosas. ¡Entonces si soy actor porque no intentar dirigir, escribir, producir! Creo que me gusta hacer muchas más cosas y sobre todo conocer el trabajo que hago, más ramas, no solo la interpretación. -La mirada desde acá es la cantidad de artistas argentinos en España, en especial haciendo temporada teatral y en películas. ¿Cómo lo ven ustedes?-En mi experiencia, es una comunidad que se vive como una hermandad, hay algo en que nos parecemos muchísimo en la manera de ser. Aquí, cada vez que he venido, me encontré con gente maravillosa, tuve una experiencia buenísima. Estuve por trabajo dos veces y son personas que solo te abrazan, hay mucho cariño y no paran de alimentarme constantemente. En este viaje fue con los alfajores, ¡por dios! Voy a comprarme una maleta nueva para llevarlos. Y la verdad que en España hacemos lo mismo, nos gusta mucho recibir a la gente, enseñarles el lugar, la cultura, siempre con los brazos abiertos. En la cultura argentina hay algo en el acting, del teatro más poderoso y el teatro es Argentina, el de aquí, yo creo que casi es el mejor teatro que hay en el mundo. Yo siento que los españoles siempre hemos querido aprender mucho. Cuando yo empecé en la Escuela de Arte Dramático, en Madrid, en las clases de interpretación de Cristina Rota, constantemente nos hablaban de los actores y del teatro de aquí, entonces al final es una referencia para nosotros. -Muchos de tus proyectos son con Netflix. ¿Cuál es tu reflexión con respecto a la transformación en el consumo de las industrias culturales? -Yo lo consumo y me fascina. Tenés todo tipo de cine, de series, tenés opción de todo. Del cine más indie, más comercial hasta realities. Yo voy al cine todas las semanas igual, pero puedo hablar de mis compañeros, de la industria, y es que hay mucha gente trabajando en las plataformas. Antes había falta de trabajo porque era cine o canales puntuales en TV. Una vez que entran las plataformas, es verdad que el producto es mucho más masivo y a veces mucho más comercial porque es necesario consumir, pero los equipos tienen más trabajo en todo el mundo. En España hay muchas series y películas, son técnicos y actores que se están ganando la vida y hay muchas más series y películas para que puedan trabajar. A mi me parece favorable. Al final, también puede convivir en esa mezcla entre el cine y la televisión. -¿Existe diferencias entre componer un personaje y representar una fragancia? -No tanto. Aunque al ser embajador creo que eso está más asociado a Antonio, como ícono y líder de este proyecto. Es él quien compone este personaje, yo solo lo acompaño. Y me hace ilusión estar en este viaje, porque son muchísimos años ya. Somos amigos, nos reencontramos cada tanto. -Gregorio Solá, el perfumista y director creativo de las fragancias de Puig, comentó que Antonio Banderas vive la creación de sus perfumes como un proceso cinematográfico y de teatro, de escena por escena. ¿Coincidís?-La imagen de Antonio va mucho conmigo, al final, como actores y personalidades, tenemos mucho que ver y compartimos un perfil similar. Lógicamente yo como actor más joven, con una carrera bonita de la que pasaron ya 20 años desde que empecé como actor. Por eso tengo en común mucho de la mirada con Antonio, pero yo creo que el perfume también va muy bien conmigo y mi imagen para llegar a la gente. Somos bastantes similares. -Sos tu debut en la pantalla grande también se asocia a Banderas. -Conocí a Antonio en el cine, El camino de los ingleses (2006) es la película en la que fue director y también mi primer trabajo en cine. Rodamos en Málaga y después de eso no nos vimos tanto porque era muy niño aún, tenía 18 años. Pero después, cuando filmamos en Chile Los 33 (2015), la película de los mineros, pasamos mucho tiempo juntos. Las películas son muy personales, pasas mucho tiempo con las personas, son proyectos que unen, 24 horas durante dos o tres meses y ahí comenzamos a estar más tiempo juntos. Hace cuatro años que cuenta conmigo para su fragancia, que es su bebé, de las cosas más importantes que él tiene. Es alguien al que voy encontrando en mi vida todos los años y es importante, me imagino que yo también en la suya. Es quien me ha aportado muchas conversaciones. Me gusta mucho observar, mirar como es la gente que lleva tanto tiempo en esto y, en este caso, a un ícono como Antonio Banderas. Es un placer observar, y realmente lo que me quedó, y lo está demostrando quedándose ahora mismo en Málaga haciendo teatro, volviendo a sus raíces, al sitio que lo vio nacer, es alguien muy de la tierra, muy humilde. Tiene algo que lo convierte en un espejo donde mirarme. -¿A Joaquín te lo cruzaste?-¿Ah?-A Joaquín Sabina-No. ¿Está acá? ¡No sabía! Además no lo conozco personalmente. -¡En el ideario que tenemos los comunes es que en la comunidad artística de un mismo territorio se conocen todos!-No, no, jaja. ¡Qué maravilloso! ¿Te toca hablar con él también? Porque sabes que Joaquín Sabina es dios y ¡aquí estás con nadie!-Nosotros somos muy intensos y valoramos mucho a los artistas que nos visitan. ¿Lo notaste? -Si, pero Joaquin Sabina es dios.

Julio Chávez: cómo es llevar La ballena al teatro, sus miedos, su mirada sobre el papa Francisco y el lugar del amor

Julio Chávez llega solo, caminando por Montevideo, enfundado con una pashmina que lo protege de una tarde algo destemplada. Pretende que ese atisbo de resfrío no entorpezca en el proceso de los ensayos finales de La ballena, la pieza que estrenará el 1° de mayo en la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, con dirección de Ricky Pashkus, y acompañado por Laura Oliva, Carolina Kopelioff, Máximo Meyer y Emilia Mazer. Al verlo, rápidamente se dibujan en las retinas del interlocutor tantísimos personajes. Aquel profesor de danza soberbio y abatido de la serie El maestro, el sindicalista del ciclo semanal El Tigre Verón, el pesado marginal al que le dio vida en el film Un oso rojo o el temible barbero del musical teatral Sweeney Todd. Desde ya, no se puede obviar su composición, en Yo soy mi propia mujer, de Charlotte von Mahlsdorf, aquel personaje travestido que atravesó el nazismo y el comunismo. La nomenclatura podría continuar a lo largo de varios párrafos. Imposible resumir en pocas líneas el camino artístico de este hombre, discípulo de Augusto Fernandes y, sobre todo, de Agustín Alezzo, el guía que detestaba a la gente que se sentía "importante". A pesar de ser considerado uno de los más respetados del medio, el actor juega su juego como un outsider de ese ecosistema de fugacidades rimbombantes. Tampoco es amigo de pavonearse por eventos. Para los espectadores, solo basta decir "fui a ver a Julio Chávez" para sentir que se habla de una marca Gozar de su trabajo implica cierta pertenencia. Claro que no todos fueron aciertos. Él mismo se encargará de recordar algún "traspié" en la extensa charla con LA NACION. Ahora le toca el turno de sumergirse en un relato de profundo desgarro, al interpretar Charlie, un padre que busca recuperar, en sus alientos finales, el vínculo con su hija. En el medio, la soledad, su elección sexual socavada, una patología extrema que diezma su físico y el único respiro de sus clases de literatura de manera virtual, oculto en una pantalla que no lo muestra, para que sus alumnos no observen el tamaño de su cuerpo. El material, escrito por el dramaturgo norteamericano Samuel D. Hunter, obtuvo gran repercusión por su versión cinematográfica -estrenada en 2022 y dirigida por Darren Aronofsky- en la que Brendan Fraser -en el papel que ahora encarnará su colega argentino- cumplió con un trabajo sobresaliente que le valió un Oscar. "No vi la película", se planta de movida Chávez. Habrá que creerle. -En los análisis sobre La ballena se suele focalizar en la condición física del personaje, desentendiendo otras razones más esenciales como la soledad y su construcción afectiva. -Su situación física habla de una adicción, pero la obra no focaliza en eso. -Por eso, hay un planteo en torno a la soledad, a lo vincular. -La pieza habla sobre los últimos días de un hombre que tiene como determinación ver si puede restaurar algo que no pudo no romper en torno al vínculo con su hija. Una despedidaSi bien el actor trata de correrse de los parámetros de la soledad en los que está inundado su personaje, lo cierto es que Charlie no ha podido construir algo diferente en su existencia. La ruptura con su hija es causa y, a la vez, efecto de su realidad. "El tema está centrado en el reencuentro con su hija y en la despedida, algo que sucede en sus últimos cinco días de vida". -Volverse a ver como preámbulo de la partida. -En la última escena la hija le dice "qué boludâ?¦" que sos. Ese "boludâ?¦" es "lo hubiéramos hecho antes, papá". El corazón de La ballena es la autonomía que tiene un ser humano de decidir qué quiere hacer con su vida y la determinación para intentar reparar el daño inevitable que, a veces, nos hacemos entre nosotros por el solo hecho de existir. La composición física de Julio Chávez para interpretar a Charlie le demanda un trabajo extenuante. Apósitos y un traje especial lo sumergen en la contextura de su criatura de ficción. "El otro día le pedí a Ricky (Pashkus) que me atase los cordones porque no podía hacerlo". El actor se muestra impactado y condescendiente con aquellas personas que conviven con esa característica física, limitante en el accionar y traumática en la emocionalidad. -Cuando se estrenó el film, no pocas reseñas dieron cuenta prioritaria de la condición física del personaje. ¿Tiene que ver con el lugar que la sociedad asigna a los cuerpos?-Tiene que ver con un momento donde rige la culpa. Todavía hay seres que sienten culpa por sus elecciones sexuales. Estamos en una época donde parece que ya está resuelto, que bailamos en libertad, sin embargo, hay muchos seres que no viven plenamente. No hay una sola institución que pueda arrogarse el derecho de comprender la totalidad del ser humano, ni la ciencia, la educación, la religión, la tecnología o el arte lo pueden esgrimir. Al ser fallados, cómo alguien puede comprender nuestra totalidad. "El corazón de La ballena es la autonomía que tiene un ser humano de decidir qué quiere hacer con su vida y la determinación para intentar reparar el daño inevitable..."-Somos incompletud. -Por eso Charlie le dice al jovencito que lo visita "ni siquiera con tus armas de misionero vas a comprender la totalidad del ser humano". Hay un deseo de la completud y esa es parte de nuestra falla. -Algo tan imposible como la búsqueda de la perfección.-Pero alguien nos dijo que existe y que debemos ir detrás de eso. Profesión"Depende qué tipo de espectáculo estrenes, en qué momento de tu oficio te encuentres y qué reportaje te hagan", argumenta el intérprete, pensando en voz alta la posibilidad de encontrar en una entrevista periodística algunas posibilidades para reflexionar sobre su tarea y algunas cuestiones que hacen a su vida personal. Pide un café y se reacomoda para hablar sin ninguna prisa, a pesar que, en pocos días, estrenará su nueva aventura escénica y el tiempo no le sobra. -Tomando en cuenta el lugar prestigioso que ocupa, ¿qué le sucede ante cada nuevo estreno? ¿Las inquietudes son siempre similares? ¿Se siente presionado por lo que el medio espera de usted?-No lo vivo así. Me considero una persona que tiene como oficio el problema de la actuación. Para mí, cada espectáculo significa poder ejercitar lo que creo que es relatar, contar, ser un actor. Eso nunca está ganado. Es como la ejecución de una pieza, hay que ejecutarla en el momento. Voy cambiando, creciendo y envejeciendo y a mi yo actor le sucede lo mismo. También cambia mi entendimiento. Me siento ocupado, preocupado y militante de algo que hace cincuenta años que ejerzo. He sido agraciado con premios y generosidades, pero, por el contrario, la soledad es cada vez mayor. -¿Por qué?-El partido lo jugás con tus compañeros, pero el actor trabaja consigo mismo, tiene que hacerse caso. Cuando uno estrena, es un momento de mucha soledad, de una soledad, a veces, desesperante. Estás a punto de salir con tu instrumento que te tiembla, una angustia feroz, escuchás el ruido de las butacas y sentís enviada por lo que hacen los acomodadores. Uno está atrás del escenario pensando que todos son dueños de sí mismos, pero tiene que salir al ruedo a construir algo y preguntándose: "¿Cómo mierdâ?¦ voy a hacer?-La función estreno debe ser uno de los momentos más abismales del oficio. -Para mí es de mucho estrés, aunque conozco actores que no lo viven de esa forma. Tampoco creo que haya que estar nervioso como una condición inevitable. "He sido agraciado con premios y generosidades pero, por el contrario, la soledad es cada vez mayor."-A esta altura del partido, de su partido, ¿cuesta más elegir? -Uno va teniendo diferentes deseos. Siempre es difícil tomar decisiones. A esta altura del partido, la pregunta que me hago es: "¿Tengo ganas de actuar este material?". -Debe ser sumamente complejo convencer desde la actuación con un texto que no interpela al intérprete. -Sos generoso, pero no hay que idealizar. El oficio de mentir, y mentir bien, es un hermoso oficio; tan hermoso que, a veces, podés hacer algo que no te gusta y lo mentís de una manera muy particular. Prefiero que me guste el cuento que cuento, pero uno aprende a desmitificar la actuación para ubicarla en el verdadero valor que tiene. -¿Cuál es?-El verdadero valor de la actuación no es su pureza y su verdad, sino, a veces, su bajeza y su mentira. Es tan impresionante que podamos ponernos una careta y falsificar algo de una manera tan inmediata. Así somos los seres humanos. El trabajo del actor es explotar una condición humana y hacer de eso un oficio, liberado del problema de la mentira y de la hipocresía. Los actores tenemos legitimado mentir, que es el acto más humano que existe. La máscara es lo que nos caracteriza, si no tuviéramos máscaras estaríamos en un problema enorme.-Tantas máscaras en una misma persona y cumpliendo roles diferentes. -Somos animales que ocultamos; no creo que eso le suceda a una vaca.-Ocultar también es una posibilidad de la supervivencia. -No hay dudas. En el oficio del actor, estos son temas de mucha reflexión. Hay que enaltecer la condición humana y parte de esa condición es mentir. -Entonces, cada nuevo desafío lo inmiscuye en los planteos ancestrales y los temores perennes. -Pasan los años y, lejos de sentir que ya está, es el convencimiento de que no voy a llegar nunca. Como decía Vittorio Gassman, "El teatro no se hace para cantar las cosas, sino para cambiarlas". Menciona un cuento de Italo Calvino, cuenta el último documental que vio. Chávez respira en función de todo eso que lo conforma. Una lógica propia que le permite transitar su vida y encarar su oficio desde la sensibilidad de quien respira autores, palabras, ideas, estéticas y éticas en torno al arte.El actor habla con dicción tal que parece abrazar al otro con sus palabras. Si el abrazo fuese con sus manos, habría que respirar hondo. Así como pisa fuerte las tablas, también escribió teatro -bastante-, basta con recordar la deliciosa La de Vicente López, una pintura social casi cruel. Y se atrevió al dirigir cine, también bajo un guion propio, acompañado por su coequiper del teclado, Camila Mansilla. Cuando la miro, que coprotagonizó con Marilú Marini, se convirtió en una auspiciosa ópera prima. Tierna, profunda, reveladora, en torno al vínculo entre una madre y su hijo. Realidades-¿Cómo vivió la muerte del papa Francisco?-No soy católico, pero entiendo que es un hecho que afecta enormemente a la humanidad. Me caía simpático, pero es una apreciación personal y estúpida. Me parece increíble, viendo cómo está el mundo hoy, que siga siendo una conmoción mundial. No es joda. No sé si hay un símbolo más fuerte de la humanidad, salvo la plata, que la figura del Papa. Eso es muy conmovedor. Es un poder y necesidad. Un filósofo dice: "Solamente la venida de algún Dios nos va a poder salvar". No me gusta la bajada de línea, pero debemos tener el cuidado porque alguien nos mira y existe el bien y el mal. -El bien y el mal, ¿existen porque alguien nos mira?-Existen por aquello que yo decido que me mira y estoy decidido a obedecer. Es un imperativo categórico. -Jugando con el título de una pieza muy recordada que usted interpretó, ¿diríamos "yo soy mi propia religión"?-Hay algo que se llama "bien" y algo que se llama "mal". ¿Qué es eso? Se puede discutir.-¿Dónde ubica su "imperativo categórico"?-En el arte. Hay tengo miradas a las cuales respondo y me están señalando lo que está bien o mal. -Entonces, ¿qué lugar ocupa una figura como la papal?-Ocupa un lugar que creo que debe existir, que nos recuerde qué está bien y qué está mal. -En el caso de Francisco, además rompió con algunos conservadurismos ancestrales. Un Papa del "fin del mundo" y austero. -Eso es conmovedor. Lo que pasa es que, mientras está el Papa austero, la institución no lo es. Pero no soy un estudioso del tema. De todos modos, pensé en mucha gente querida que vive con gran dolor la muerte del Papa.-Pensando en lo que sucede hoy en Europa del Este y en la propagación de movimientos de ultraderecha y de ideología nazi, ¿cómo dialoga ese contexto con la pieza Yo soy mi propia mujer?-Está todo en ese material, hoy habla. La guerra está allí. Además, la obra toca asuntos, como el transgénero y la dificultad. Quizás, dentro de cuarenta años, siga teniendo vigencia. -¿Tiene el deseo de reponerla?-La voy a volver a hacer, porque como se trata de un actor que cuenta una historia, quien haga la obra puede tener cualquier edad. De hecho, a lo largo de dieciocho años, la hice tres veces. La primera versión de Yo soy mi propia mujer contó como director a Agustín Alezzo, uno de los grandes maestros de Julio Chávez: "Es como un papá que se me murió. No hablaría de su estética, porque uno hasta puede diferir de la estética de un maestro, pero me interesa pensar en su ética frente al trabajo, eso es lo que valoro. Y ni hablar sobre su ética personal". Pócimas de la infanciaTrazando un paralelismo con las enseñanzas de Alezzo, el actor recuerda que, siendo niño, su madre, antes de que partiera hacia la escuela, le preparaba una combinación de huevo, oporto y azúcar, "de ahí nace mi alcoholismo". -Buena combinación.-Sambayón. -¿Por qué esa preparación a la mañana?-Mi madre me decía "con esto vas a salir hecho un torito, no te vas a resfriar, no te va a pasar nada". -Una gran pócima. -Siempre lo tomé como un gesto de preparación, de parte de mi madre, para salir a enfrentar el mundo. (Agustín) Alezzo fue eso para mí, fue alguien que me dio confianza, fe, ética. De él aprendí, vi lo estricto para afrontar el trabajo. También tuve otro gran maestro que fue (Augusto) Fernandes, pero no lo hubiese soportado si no hubiese recibido la ternura de (Agustín) Alezzo, eso me permitió afrontar el conocimiento de (Augusto) Fernandes.-¿En qué aspecto se ancla eso?-Si no hubiese tenido confianza en mí, no habría podido soportar a (Augusto) Fernandes. -Usted también es el oporto, licor y huevo para mucha gente. -No. -¿No?-Cuando empecé, todavía había instituciones que marcaban qué era ser actor. Estaban el Conservatorio Nacional, las escuelas municipales, los elencos de los teatros y los grupos aguerridos como Nuevo Teatro o el Teatro del Pueblo. Esos espacios señalaban qué era ser actor. Por otra parte, existía el actor de televisión, el de teatro de arte, el que hacía revista o humor. -Y no se mezclaban, salvo excepciones como Ernesto Bianco.-Las instituciones y los grupos señalaban y contenían a sus actores. Hoy eso se dinamitó. Los espacios legitimadores de los actores han perdido fuerza, porque surgieron espacios que se legitiman a sí mismos. Lo que nos tenemos que preguntar es: ¿Qué es teatro hoy? Hay muchas posibilidades, pero cada comanda tiene su ley, su preparación. -Su comanda fue muy amplia. Hizo teatro arte, cine, televisión comercial, comedias teatrales muy exitosas. El medio y los espectadores suelen encasillar. No fue el caso.-Tengo anécdotas increíbles con espectadores que fueron al teatro y no pudieron creer la porquería que estaba haciendo, según su punto de vista. Y así me fue. -¿A qué obra se refiere?-Había terminado de hacer El puntero en televisión y tenía una banda popular que me seguía a morir. Sin embargo, luego de ese trabajo, estrené La cabra en el Tabaris y mucha gente no podía entender lo que estaba viendo. Obviamente, durante los primeros meses se llenaba la sala, pero luego fue bajando. -No se producía el llamado "boca a boca". -¿Qué "boca a boca" se iba a producir? Barbaridades habrán dicho esas bocas. Y yo lo comprendo. -¿Sí?-Pero claro, me venían a ver esperando que les diera un plato de comida y les daba otra cosa. Pero fue una decisión mía, no soy un nene de pecho, hacía diez años que nadie agarraba ese material. Es lógico, si era una obra compleja, "desagradable"... Pero cuando hago algo no espero la aprobación de la humanidad. Comprendo, pero no quiero ser víctima ni esclavo. Hago La cabra y me banco lo que venga, aprendo y me duele un montón.-¿Qué es el fracaso?-El fracaso es ser un esclavo. -También se atrevió con una comedia, que resultó taquillera, como Un rato con él, junto a Adrián Suar. -Aprendí muchísimo. Fui autor, junto con Camila Mansilla, en una especie de servicio, porque no era nuestro asunto. -Usted bajaba una escalera en la primera escena y la platea de El Nacional estallaba. -Me sentía Gregory Peck. Tuve que vencer mis propios prejuicios, pero es muy difícil aprender algo del oficio si te estás cuidando mucho las espaldas. En una escena con Adrián Suar yo hacía lo que verdaderamente es un payaso, un acto de comedia con seriedad, y no lo hacía nada mal. -Y bien lejos del prejuicio.-Cuando Adrián Suar me ofreció hacer Farsantes, me planteó que sería una tira diaria. Me lo comentó pausadamente, casi con temor.-Sin embargoâ?¦-Inmediatamente le dije que sí. Aprendí muchísimo haciendo ese género. La gente me decía: "Qué raro que hagas una tira". Si no lo había hecho antes, era porque aún no me sentía con el oficio necesario para establecer un matrimonio con ese género. Fueron 147 capítulos y jamás llegué sin saber la letra y sin involucrarme en cada situación. Se puede hacer tira y se puede hacer muy bien. No fue en desmedro de mi oficio, sino que le puse mi oficio a ese formato. Busqué enaltecer la tira y mi trabajo. Su banderaLuego de la conmovedora película Cuando la miro, hoy es más cauto para afrontar un nuevo proyecto en ese rol: "Lleva mucho tiempo, hay que dedicarse de lleno a eso. Además, creo que hacer la segunda es más difícil que la primera".-Como la segunda función.-Como la segunda función."Cuando hago algo, no espero la aprobación de la humanidad. [...] El fracaso es ser un esclavo."-Le escuché decir que su bandera es el arte. Nunca se involucró en cuestiones de política partidaria. -Admiro a los que sí se ocupan y les agradezco porque se ocupan de mí también. Si yo me involucrara de otra forma, debería investigar mucho para entender qué pasa y de dónde viene lo que pasa. Cuando un cuerpo está enfermo se buscan las causas de la enfermedad. En este caso, y pensando en el país, entiendo que hay un médico que es un animal y que está cortando por donde no debe cortar. Cada médico, o gobierno, que llega decide cambiar la medicación y usar una propia, pero yo soy homeopático. Hay que ir al corazón del asunto. Atacar lo que produce la enfermedad. En principio, espero que salgamos de esta medicina que está tirando el agua sucia con el bebé adentro. Y desearía un camino homeopático para el país. -¿Le preocupa la situación del INCAA?-Por supuesto, el cine es importantísimo. El acto bárbaro de destrozar cosas es una bestialidad, no se entra a un colegio y se rompe toda la biblioteca. Bueno, sí, se hace. (Adolf) Hitler quemó todos los libros. -¿Qué le enseñó el amor?-Que todo es una ficción.-Como el teatro. -Y que se hace como el teatro, con fe, alegría y dispuesto a que ese día se termine la función. Para agendarLa ballena, de Samuel D. Hunter, con Julio Chávez, Laura Oliva, Carolina Kopelioff, Máximo Meyer y Emilia Mazer. Sala: Pablo Picasso del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660). Funciones: jueves y viernes a las 20, sábados a las 19.30 y domingos a las 19.

Gustavo Gimeno lanza a la Orquesta de Toronto a su récord antes de llegar al Teatro Real

La Orquesta Sinfónica de Toronto, bajo la dirección de Gustavo Gimeno, alcanza el primer lugar mundial en compromisos artísticos, destacando también a intérpretes españoles en el ámbito clásico

Muere dedicado actor de teatro, en el hospital solía repetir sus líneas y esperaba recuperarse

La noticia de su fallecimiento se confirmó a través de las cuentas oficiales de Teatro Xola Julio Prieto

Flavia Pittella: el recuerdo de su mejor amigo, Jorge Lanata, y la obra de teatro sobre el amor que honra su legado

"No se puede vivir del amor y tampoco sin él", dirá Flavia Pittella, profesora de literatura, autora, crítica y columnista. El año pasado decidió subirse a un escenario por primera vez y montar -con la producción de Andrea Rodríguez, Bárbara Lanata y Diego Scott- un espectáculo sobre la pasión, el romance y los enredos del corazón. Y es que, tal como le pedía Jorge Lanata en sus columnas para el programa Lanata sin filtro en Radio Mitre, Pittella disfruta de preguntarse, leer y pensar el amor: "Es lo único constante en la historia" . Antes de sentarse a tomar un café con LA NACION y reflexionar sobre los sentimientos más profundos que atraviesan a las personas de "ayer, hoy y siempre", Pittella se entusiasma con las próximas funciones, en mayo, de No se puede vivir del amor. "Lo interesante es que, cada noche, el público te marca una nueva forma. Me lo habían dicho mil actores, pero no lo creés hasta que estás ahí arriba. Hay risas, suspiros, cosas particulares que se generan de forma distinta en cada función. Hubo mucho laburo previo, muchos ensayos. Estoy totalmente asistida por Diego Scott, Andrea Rodríguez y Bárbara Lanata, que es una gran ayuda, una gran compañera. Ellos tres son los de la idea", cuenta.-¿Cómo surgió la idea de este espectáculo?-A partir de una columna que hice en la radio con Jorge [Lanata], a Andrea [Rodríguez] se le ocurrió llevar esto del amor a escena. La pasamos muy bien trabajando juntos y nos entretiene en este momento difícil. -El espectáculo busca indagar en el significado del amor a lo largo de la historia...-¿Qué es el amor? ¿El Cupido? ¿El rechazo del amor? A partir de algunos interrogantes, buscamos textos de distintas épocas de la humanidad que hablen del amor ¡Y todos dicen lo mismo! Muchas veces con las mismas palabras y las mismas imágenes. View this post on Instagram A post shared by Flavia Pittella (@flapittella)-La temática del amor es una constante en la humanidad...-La única constancia en nuestras vidas como seres humanos es el amor. Es paradójico, no hay ningún otro sentimiento que se sostenga permanente en todas las clases sociales, en todas las sociedades, en todas las culturas, como el amor. Los griegos sufrían por lo mismo que nosotros. No sólo eso. También lo expresaban de la misma manera. Cuando pensaban en cómo llegaba el amor, Ovidio hablaba de Cupido y Borges dice lo mismo en El amenazado, o Laura Esquivel en Como agua para chocolate. La idea del fuego, de la pasión, del ardor, del insomnio asociado al enamoramiento. Desde un tango hasta un poema del siglo XIX todos coinciden en lo que le pasa a un enamorado cuando siente la desilusión del abandono.-¿El espectáculo habla sólo del amor romántico o también indaga otras formas de amar?-Solo de amor romántico, porque cualquier otro tipo de amor requiere otro stand-up (risas). La amistad es en sí mismo un tópico muy interesante y muy desarrollado en la literatura, pero es totalmente diferente al amor romántico. En la amistad hay una reciprocidad que el amor romántico no requiere: vos podés estar enamorada toda la vida de alguien sin que la otra persona lo sepa, o podés estar enamorada de alguien que está muerto, pero no podés ser amigo de alguien que no es tu amigo.-Si bien el amor parece ser un sentimiento atemporal, ¿No creés que fueron cambiando las formas de amar?-El sentimiento es universal y atemporal, aunque es interesante pensar en los condicionamientos sociales, culturales o religiosos. ¿Cómo históricamente se formatearon las relaciones amorosas de maneras intrusivas? ¿Cómo se relaciona, por ejemplo, la virginidad con el amor? ¿La idea del matrimonio con el amor? Vivian Gornick plantea que en el siglo XX ya no se pueden escribir historias de amor épicas con final feliz. -¿Por qué?-Porque el matrimonio no es para siempre, porque aparece más contundentemente la idea del divorcio, el existencialismo y la idea de que todos nos morimos mañana. El concepto de lo efímero se traslada al amor, entonces ya no es fácil escribir historias de amor. -¿En el siglo XXI, el amor es visto como una estafa?-Sí, creo que la sensación de que el amor es una gran estafa puede ser es una muy linda forma de ponerlo. A lo mejor también es que el amor por sí mismo no es suficiente. Hay un texto maravilloso que publica Alfonsina Storni en LA NACION en 1920, que se llama ¿Por qué las maestras no se casan? No necesitaban casarse porque eran autosuficientes. O sea, se anticipa 10 años a Virginia Woolf en Un cuarto propio. Desde finales del siglo XIX, las escritoras plasman la importancia absoluta de la libertad antes que cualquier otra cosa. El matrimonio vivió trabas, de hecho, el casamiento entre distintas clases sociales estuvo y a veces sigue estando mal visto. Hoy hay una sensación de desilusión con el amor. Estamos en la sociedad del sexting, de las relaciones más virtuales que reales, de cada vez más casos en los que la gente encuentra más fácil relacionarse de manera virtual que presencial.Puertas adentro-¿Cómo viviste vos el amor? ¿Te casaste?-Estoy en pareja hace 24 años con un nombre a quien yo saqué a bailar en 1989 y tenemos una hija, pero no me casé. Bah...¡Nos casamos en Las Vegas, pero nunca firmé un papel! Cuando tenía 24 años, con cinco amigas de la facultad leímos La mujer comestible, de Margaret Atwood, que narra a una mujer que se empezaba a autofagocitar mientras preparaba su casamiento. Entonces hicimos un pacto de sangre con mis compañeras de la facultad y dijimos que nunca nos íbamos a casar. -¿Y todas cumplieron el pacto?-¡Sí! Ninguna se casó. Todas tuvimos hijos, parejas hermosas, pero nunca nadie firmó ningún papel. Yo sentía que firmar un papel era atarme algo. Eso era algo que Jorge [Lanata] me discutía muchísimo.-Lanata era un romántico...-¡Se enojaba mucho cuando yo contaba esto! Era un romántico empedernido, el gordo p... [sic]. Es que él se casaba con la vida. Él siempre quería mostrar su amor y me decía: 'Vos sos una desalmada. El amor se demuestra con gestos'. -se emociona- . En cada cosa que digo me viene algo de él y no lo estoy pasando muy bien con su muerte, la verdad. Lo extraño mucho. Era muy generoso, extremadamente generoso; diría que hasta medio tonto con las cosas del amor porque no tenía dobleces. Era lo que veías, exactamente lo que veías. Hizo muchas cosas por amor. ¡Él vivía enamorado! Para mí, lo más lindo era hablar de novelas de amor con él, porque se reenganchaba. Nos encantaba Fragmentos del discurso amoroso de Roland Barthes, él se lo sabía de memoria. View this post on Instagram A post shared by Flavia Pittella (@flapittella)-Un intelectual que no tenía miedo de ser cursi...-Jorge era un enamorado del amor. Jorge era romántico, o sea, las cosas románticas que hizo con sus mujeres no tienen nombre. Cursi, cursi, cursi.-¿Era de regalar flores y ese tipo de cosas?-Sí. Era un galán, era un galante. Él admiraba mucho a las mujeres, también en lo laboral. Siempre puso a las mujeres en lugares de centralidad en su vida. Por eso le gustaba trabajar con mujeres, porque decía que éramos más inteligentes que los hombres. Yo tenía un amor platónico con él, tuvimos una amistad muy profunda, incluso me ofrecí a darle mi riñón cuando lo necesitó. Necesitabas estar con él muy poco tiempo para darte cuenta que lo único que le importaba era amar y que lo amaran. -¿Qué era el amor para él? -No sé si había algo más que le importara. Creo que el amor para Jorge era todo. Creo que él vivió para querer y que lo quieran. -¿Cómo vivís el periodismo post Jorge Lanata?-No encuentro con quién hablar porque, para mí, el desafío intelectual era sentarme a hablar con él. Nos unió mucho la poesía, mucho. Él era un gran lector de poesía. Sabía mucho más de poesía que yo. Entonces, muchas veces nuestras comunicaciones eran para compartirnos poemas o canciones.-¿Qué poeta te dejó? -A César Vallejo. A mí Vallejo me costaba y aprendí a amarlo gracias a él. Se lo debo a él en un cien por ciento.Para agendarNo se puede vivir del amor. Funciones: 9 de mayo en el Paseo La Plaza y 30 de mayo en el Teatro Metro, en La Plata. Las entradas se pueden adquirir en Plateanet.

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