teatro

El Teatro Colón original: una moderna y lujosa sala frente a Plaza de Mayo y el por qué de su nombre

El Colón que conocemos no fue el primero que tuvo la ciudad. Mucho antes, hace hoy 168 años, abría sus puertas uno rebosante de lujo y comodidades, muy diferente a los modestos teatros donde los porteños consumían las obras y las óperas que eran éxitos en el viejo mundo

Compañero de teatro de Imelda Tuñón es cuestionado por las supuestas adicciones que la enemistaron con Maribel Guardia

La ex nuera de la actriz ha sido acusada de consumir sustancias ilegales

Bailes y sacrificios en Casa Teatro Estudio

Bernardita Epelbaum (Maldito desierto), Nico Goldschmidt (Primalión), Valentino Grizzuti (Casual de Noche), Tato Flores Cárdenas (No hay banda y La fuerza de la gravedad) y Laura Nevole (Las cargas) hablan sobre sus puestas.

El Teatro Colón realiza un concierto a beneficio de la Orquesta de Bahía Blanca que perdió sus instrumentos en la inundación

Será el martes 6 de mayo a las 20. Participará la Orquesta Académica del Teatro Colón, bajo la dirección de Juan Miceli. El concierto contará con el violinista Xavier Inchausti, concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Leer más

En fotos: Diego Peretti y Federico D'Elía recibieron el apoyo de varios amigos en el teatro, pero una ausencia llamó la atención

En fotos: Diego Peretti y Federico D'Elía recibieron el apoyo de varios amigos en el teatro, pera una ausencia llamó la atención

"El Teatro Esencial maneja una delgada línea entre lo real y lo místico", dice Hernán Laperuta

Es el autor y director de esta propuesta que une seis obras cortas a través de una temática en común: aquellos amores que siguen latiendo aún cuando ya no están. Leer más

'Cuatro rosas', del alicantino Pablo Escudero, Premio de Teatro José Martín Recuerda

Inés Estévez, íntima: el teatro como cable a tierra, la lucha por sus hijas y su miedo luego de sufrir mala praxis

Elegantísima. No es una banalidad referir al vestuario estudiado que luce Inés Estévez al momento de encontrarse con LA NACION. Forma y fondo. Acaso sea, de algún modo, una forma de reverenciar el precioso entorno de la histórica sala o, seguramente, un modo de no distanciarse del personaje de la obra El hombre inesperado, de Yasmina Reza, que protagoniza y dirige, junto con Germán Palacios, en el Teatro Maipo, bajo la producción de Nachi Bredeston y Juan Manuel Caballé. "Estar en este lugar es llegar a la Meca; nunca trabajé en el Maipo. Y, más allá del mito hermoso de Lino Patalano, también pienso en esta recuperación a través de la actual gestión, en la puesta en valor de este emblema. Para mí es tocar el cielo con las manos, entrar en este teatro es una experiencia en sí misma", argumenta la actriz, haciendo hincapié en las escaleras de mármol, las molduras y los detalles que hacen al valor patrimonial y cultural del edificio hoy regenteado por la directora Carla Calabrese. Estévez es de las intérpretes que mantienen una continuidad laboral firme, constante; convocada y también autogestiva. Su último trabajo, la comedia Matar a mamá, escrita por Laura Oliva, le permitió sobresalir en el género de la comedia con un trabajo sumamente acertado. Un registro algo inusual en ella, que le sentó muy bien. Antes había ofrendado su oficio en Bosque adentro, rubricada por Carla Moure, donde componía a una madre sobrepasada por el vínculo con su hija adolescente. Como en El hombre inesperado, también un viaje vinculaba a los personajes. Entonces, en simultáneo, también protagonizaba Plagio, de Mariela Asensio y José María Muscari."Antes no hacía tanto teatro, me parecía que tenía que ser un texto que me subyugara mucho. Por otra parte, cambiaron los tiempos y ya casi no hay temporadas con funciones de martes a domingo, como cuando empecé; se ha flexibilizado y me resulta más grato, atractivo y fácil", cuenta.Su elección no tiene que ver con maternar a Cielo y Vida Vena, sus dos hijas, fruto de su relación con el actor Fabián Vena, de quien se encuentra distanciada desde hace años. "Trabajar es mi gran escape y hacer teatro no es un problema, aún cuando sea con la regularidad de varios días por semana, ya que me ocupa solo las noches; en cambio, si acepto hacer una película, sé que la carga horaria puede ser mucho más pesada", agrega.Con todo, Estévez también es una exquisita actriz de cine con la profundidad interpretativa y una "máscara" que se lleva muy bien con el lente, tal como lo demostró en Miranda, de lunes a viernes, el último film de la realizadora María Victoria Menis, donde recuperaba el tema de la maternidad y el sesgo de la docencia. Intereses sobre los que se planta para pensar en voz alta temáticas esenciales y que, de una u otra forma, también la ocupan como mujer. Su nueva criatura de ficción la sumerge en el universo de dos soledades acompasadas por el traqueteo de un tren que va de París a Frankfurt. Un viaje. El azar o el destino unen a un escritor y una lectora. Eso y más es lo que plantea la narrativa de El hombre inesperado, con la pluma de la misma autora de ART y James Brown usaba ruleros -ambos materiales hasta no hace mucho formando parte de la cartelera porteña-.Inés Estévez se recupera de una gripe. Carraspea. Aunque eso no impide su deseo de navegar intelectualmente las aguas que surca su personaje: "Lo más curioso que tiene la obra es desnudar los mundos más internos, los pensamientos. Cuando uno piensa o se piensa, a veces dice cosas que no repetiría en voz alta. Eso impone algo muy descarnado y mucho humor".-Elegís muy bien tus trabajos. Se entiende que eso no ha sido fácil y ha tenido un costo que no fue solo económico. -No ha sido y no es fácil, tengo que mantener el hogar y a mis hijas y eso, a veces, no me deja elegir tanto como quisiera. Eso sucedió desde muy temprano. -Más allá de esa coyuntura y el hecho de la crianza de Cielo y Vida, también apareció el deseo de una búsqueda artística. -Al principio hubo algo no pensado, no intelectualizado, sino muy natural, en torno a qué era compatible con mi ser, con mi búsqueda, qué me hacía feliz y con qué resonaba y conmovía. Después empecé a ver y entender el medio y a darme cuenta que había una estrategia. Paradójicamente, debo decir que nunca lo hice por estrategia, sino por la búsqueda de mi felicidad. He renunciado a trabajos que me hubieran salvado la vida económicamente, pero, en otro sentido, me la hubieran arruinado. -También en la masividad de la televisión tus trabajos escogidos han sido, en general, muy interesantes. -Tuve mucha suerte porque, durante años, la televisión me rechazó. -¿Cómo es eso?-Conseguía trabajo en cine, pero no en televisión. No les gustaba. Cuando la pegué en televisión fue con Zona de riesgo y de ahí salté a Vulnerables.-El trío de personajes que componían en esa ficción Leonor Manso, Carlos Portaluppi y vos aún es recordado. -Una cosa de locos. En la historia -producida por Polka- Manso y Estévez interpretaban a una madre y a su hija con vínculo patológico. En el medio, un farmacéutico, el famoso Dominici, que ofrecía medicamentos a cambio de favores sexuales. -El gremio de los actores siempre se ha caracterizado por su alto nivel de desocupación. Algo que hoy se profundiza ante la ausencia de la producción de ficción en televisión abierta. -Me apena mucho, las series no reemplazan a ese mundo que, gratuitamente, entraba a las casas de la gente. Se provocaba una comunión con los televidentes. -Una fidelización. -Y, más allá que la gente elegía, es cierto que se podía meter en los hogares productos de baja calidad, pero también se ofrecían programas como Nosotros y los miedos, Compromiso y tantos otros. Ahora, lo que se ve en las plataformas es comercio y aquellos programas, en cambio, eran arte. -Por otra parte, no todo el mundo puede abonar la suscripción a una plataforma o, en la mayoría de los casos, se adhiere a una sola propuesta paga, dejando de lado muchas otras. -Desde ya que no. Es un cambio del sistema. Algo similar sucede con la música, antes te cargabas el CD, ahora una sinfonía se pierde en una nebulosa. Y con respecto al cine, ¿dónde encuentro toda la filmografía de Alfred Hitchcock? Eso no está en las plataformas. LuchaDesde hace tiempo, la actriz viene trabajando en la posibilidad de una legislación que contemple la implementación de hogares para personas con determinadas capacidades diversas y que puedan ser cobijadas en caso de la ausencia de esos padres o tutores. No hace mucho, Estévez también confesó públicamente que ha padecido alguna dolencia física que reforzó esta idea de la finitud y la incógnita en torno al futuro de sus hijas, Vida y Cielo, cuya condición es la neurodiversidad. "Hace unas semanas nos encontramos unas veinticinco familias, en su mayoría madres, con las mismas inquietudes. Estamos viendo cómo reunirnos por zonas o en comisiones. Hay abogadas, terapeutas, arquitectas, cada una aporta lo suyo; sobre todo, somos madres a quienes nos urge poder concretar esto".La actriz no solo piensa en el emprendimiento como un recurso ante la muerte de los padres a cargo de niños con diversas condiciones, desde discapacidades físicas hasta patologías emocionales, sino también como una posibilidad que permita una libertad laboral mayor: "Sería una puerta que nos facilitaría poder salir a trabajar más cómodamente. Si nos falló la persona que nos ayuda y no hay familia detrás, como es mi caso, se trata de poder tener un lugar donde dejar a nuestros hijos bien cuidados. No es fácil, pero no imposible". La actriz reconoce que algún modelo ya funciona en el país. View this post on Instagram A post shared by Ines Estevez (@inesestevezin)-Sos una madre que cumplió sobradamente con su rol, incluso ocupando múltiples espacios en torno a la crianza de tus hijas. Sin embargo, no has frenado jamás tu carrera. -No puedo frenar mi carrera porque tengo que mantener esa estructura. Al contrario, tengo que incrementar mi trabajo y tener un equipo de cuidado que yo pueda solventar. Por otra parte, necesito, como ser humano, irme a trabajar. Es una descarga. Así como la gente se va de vacaciones, yo me voy a trabajar, es una fiesta. -Una labor que implica cierta catarsis. -En realidad, más que catarsis, implica abstraerme de la realidad. Tiene mucho de meditativo, de lo que busca un meditador. O con un dominio de una realidad paralela, pero viviendo en el momento presente. Ese momento es sublime, lúdico, aunque, cuando se baja el telón y salís a la calle, los problemas vuelven. Es como cuando jugábamos de chicos. -Hay que estar en eje para entrar y salir de esas zonas. -Una sabe que es un trabajo, no sé si hay que estar muy en eje. Se puede jugar con permiso y sabiendo que te pagan para eso. -Se te respeta mucho como actriz y, además, como mujer y madre. ¿Percibís eso?-Últimamente estoy recibiendo mucho reconocimiento de la gente por el tema de la militancia de la adopción y la discapacidad. Lo que quiero es que el mundo naturalice más las diferencias. Que no me admiren ni me aplaudan, pero que incorporen la convivencia con las diversidades de cualquier tipo, como algo diario y necesario. View this post on Instagram A post shared by Ines Estevez (@inesestevezin)-Es importante que personas públicas elaboren y propaguen ese discurso.-De lo contrario, sería desperdiciar una gran oportunidad. Si tengo alcance público, es una responsabilidad, no solo por mí sino por quienes atraviesan la misma situación. -Comentaste que, en 2020, sufriste mala praxis en torno a una operación devenida de una patología severa. ¿Tuviste miedo?-No por mí, sino por mis hijas. Fue una situación muy desagradable, horrible. Pero, no era mi realidad, sino ver afectada la realidad de ellas. Hubiera sido gravísimo no poder estar o no poder estar en condiciones. Por eso, con los proyectos, no hay que perder mucho tiempo. Su viaje de hoy-Está claro que el texto de El hombre inesperado va más allá que el encuentro de dos seres en un vagón de tren. -Es mucho más profunda que eso y tiene muy fácil identificación.-La cuestión del destino o el azar nos atraviesa a todos. -Además, el hecho de que el público viaje con los personajes y que eso implique no solo un trayecto en tren sino la posibilidad de hacer un viaje interno, como les sucede a esta mujer y a este hombre que se cruzan. Es un vínculo con ellos mismos; les sucede algo que les cambia la perspectiva. Son dos personajes que están muy vivos, por eso les pasa lo que les pasa internamente y terminan abriéndose. Antes de esta puesta, El hombre inesperado se vio en Buenos Aires con el protagónico de Luis Brandoni y Betiana Blum, durante la temporada 2008 del Multiteatro. El personaje interpretado por Inés Estévez es una lectura de ese escritor interpretado por Germán Palacios, pero esa virtud excede algunos parámetros específicos: "Tiene un conocimiento muy profundo de ese escritor, que va más allá de su admiración y que se adentra en aspectos psicológicos de él. Ella lo logra porque tiene una estatura intelectual similar a la de su admirado". Estévez entiende que no solo se da en zonas humanizadas de profunda admiración, sino que todo lector puede acceder, a través de la obra, a buena parte de la idiosincrasia de un autor: "Pensemos en los 'escritores malditos' o en los románticos; al leerlos se deja entrever quiénes son". -Con el actor no sucede lo mismo. -Porque representa algo que no escribió. -Y que no necesariamente lo identifica, si no, nadie interpretaría a Adolf Hitler. -O a un asesino serial. Para agendarEl hombre inesperado, de Yasmina Reza, con Inés Estévez y Germán Palacios. Sala: Maipo, Esmeralda 443. Funciones: viernes a las 20.30 y sábados a las 21.

El Teatro Colón presenta el West-Eastern Divan Ensemble dirigido por Michael Barenboim

El ensamble está integrado por músicos que forman parte de ese proyecto visionario impulsado por Edward W. Said y Daniel Barenboim, que reúne a artistas israelíes, palestinos y árabes. Leer más

Murió el Papa Francisco: reestrenan la obra de teatro que Bergoglio salvó de la censura

Relata la vida y el legado de San Francisco de Asís y casi la prohíbe la Dictadura. Como veedor, Jorge Bergoglio supervisó sus primeras funciones. Este viernes la presentan en el nuevo teatro del Colegio Marín. "El tiempo nos va a dar verdadera dimensión de lo que fue este ser humano", dice el director.

Con tres elencos cordobeses, estrena 'El Mesías' en el Teatro del Libertador San Martín

La coreografía fue ideada por Mauricio Wainrot, cuando cumplió 50 años y fue puesta en escena por primera vez con el Royal Ballet of Flanders (Bélgica). La producción reúne al ballet, orquesta y coro del San Martín bajo la dirección musical de JongWhi Vakh y con dirección del ballet de Patricia Baca Urquiza. Con música del compositor barroco Georg Friedrich Händel, Wainrot montó esta versión para ballet en 16 compañías alrededor del mundo y el próximo jueves 24 tendrá su estreno en Córdoba. Leer más

Murió un actor de teatro en plena función, en Santa Fé

SANTA FE.- El ámbito cultural santafesino quedó conmocionado el sábado 19 de abril por la muerte de un actor en plena función de teatro. Ocurrió durante la puesta en escena de la obra 1580-Rebelión de los 7 jefes, una producción con artistas locales que había generado gran expectativa en el circuito local y que se realizaba en la Sala Cervantes, ubicada en Rivadavia al 2800 de esta ciudad.Lucas García tenía 68 años. Tras la caída, de la cual no se repuso, se convocó a los servicios de emergencias oficiales, pero a pesar de la insistencia en la aplicación de las técnicas de atención en este tipo de pacientes, se confirmó su deceso minutos después.Con profundo pesar lamento el fallecimiento de Lucas García, encargado del museo de la ciudad. Mis condolencias a familiares y amigos.— Juan Pablo Poletti (@juan_poletti) April 19, 2025La obra, en la cual estaba trabajando el hombre fallecido, se exponía de viernes a domingo en la Sala Cervantes, de la Asociación Trabajadores del Estado (ATE), a dos cuadras de la terminal de ómnibus de esta capital.La función fue suspendida de inmediato y se solicitó el retiro de todo el público. La obra, dirigida por Carlos Falco, se trata de un versión libre de Aquella noche de Corpusâ?¦, del escritor santafecino Mateo Booz.Según testigos, el actor sufrió una descompensación repentina sobre el escenario, lo cual obligó a interrumpir la función de manera inmediata. Eduardo Fessia, otro actor del elenco, señaló que García se descompuso cuando salía del escenario tras finalizar su participación en el cuadro, cuando iban 30 minutos de función.Con la premura del caso, los compañeros le realizaron maniobras de auxilio y, al ver que no reaccionaba, se detuvo la obra y se pidió un médico en el lugar. Posteriormente, el equipo de producción solicitó con urgencia la presencia de los servicios de emergencia.Una ambulancia del servicio público de salud 107 llegó al lugar instantes más tarde y una médica constató que no tenía signos vitales. La doctora trató en vano de reanimarlo por varios minutos, hasta que finalmente desistió, añadieron los compañeros del actor fallecido.Según otros miembros del elenco, "los profesionales médicos realizaron maniobras de reanimación cardiopulmonar (RCP) durante varios minutos, intentando revertir el cuadro crítico. Pero a pesar de los esfuerzos finalmente se constató el fallecimiento del actor.Tras lo sucedido, la noticia generó una profunda tristeza entre sus compañeros del elenco, el equipo técnico y el público presente ya que García era un actor con amplia trayectoria en el ámbito teatral santafecino, reconocido por su compromiso con el arte y la cultura local."Por respeto a la memoria del artista y en acompañamiento a sus seres queridos se suspende la función de este sábado", señaló la compañía este mediodía.No obstante, las autoridades de Cultura de ATE confirmaron que la programación continuará con normalidad en la Sala General, como estaba previsto, manteniendo los demás espectáculos en cartel.García formaba parte del elenco estable de la compañía, que ahora enfrenta el duelo por la pérdida inesperada de uno de sus miembros.El fallecimiento de García conmocionó a actores, directores y espectadores, quienes destacaron su talento y dedicación.Las autoridades no brindaron precisiones sobre las causas médicas del deceso, pero se descartó inicialmente cualquier incidente relacionado con la producción del espectáculo. Tampoco fue posible conocer si tenía algún tipo de tratamiento en curso.

Rastros del gesto analógico, teatro de objetos con gran trabajo de investigación

Autor: Carolina Tejeda. Dirección: Carolina Tejeda, Ignacio Rodríguez de Anca. Intérpretes: Carolina Tejeda, Ignacio Rodríguez de Anca, Norberto Moreno. Música original: Norberto Moreno. Idea y realización: Boca de Gallo. Sala: La Gloria (Yatay 890). Funciones: domingos 20 hs. Duración: 65 minutos: Nuestra opinión: muy buena.La sala La Gloria se encuentra en una semipenumbra. Los espectadores se acomodan con cuidado, la módica iluminación se encarga de no revelar lo que hay en la escena.El teatro de objetos todavía es poco conocido para el gran público, pero puestas como esta son un bello camino de entrada al lenguaje. Tres intérpretes en la escena: Carolina Tejeda e Ignacio Rodríguez de Anca manipulan objetos y narran una historia fragmentada que sigue los rastros de la memoria reconstruida de algunas mujeres de la familia; Norberto Moreno se ocupa de la sonoridad entendida en un sentido bien amplio y tan significativo como la impronta de lo visual.Una porción muy importante de lo que se relata no se hace a través de la palabra -aunque lo verbal tenga una presencia muy importante- por eso dar cuenta en este texto de un orden en la puesta es convertirla un poco en otra cosa. Detrás de lo analógico está el concepto de la continuidad. ¿Acaso no es ideal para pensar la historia, la memoria, los hilos que unen los diferentes tiempos? La fotografía analógica subraya el vínculo con el pasado, pero lo inscribe en el presente. Esa fotografía no agrega participantes que no estuvieron. Solo registra lo que tuvo lugar. Hay sombras, manipulación del propio cuerpo escindido, pequeñas muñecas-títere, carrusel de autómatas, proyecciones, líquidos de colores, diapositivas, "mapas de costura"â?¦ Elementos que, a priori, no parecen conformar un universo homogéneo y sin embargo, se conjuran para narrar, para conmover, para invocar. También hay ausencia de objetos que se hacen presentes por la actuación y por los gestos (ahí están las naranjas o las uvas, invisibles, que en los ademanes se presentan deliciosas).Detrás de este universo de diversidades cosido por el hilo invisible de la memoria está la reconstrucción de las mujeres de la familia, pedacitos de sus historias, de sus actos, de sus exilios, de sus miedos y sus fortalezas. Son mujeres reales con nombre propio pero que representan, también, a otras mujeres que lavan ropa ajena, que migran, que se callan, que eligen tener hijos, que deciden no tenerlos. Una mujer arregla un reloj y deja una pieza afuera: así funciona la memoria, con cosas que no entran, que no encajan y entonces se doblan en un rincón o se acomodan en alguna esquina que se olvida para siempre.Un parlante se convierte en micrófono. Y luego vuelve a ser parlante. Un papel fotográfico muestra una imagen y luego se convierte en un papel en blanco. La luz que escribe esta vez sirve para borrar.El sonido en loop, se hace presente: una primera escucha y luego, la repetición, la serie, dónde comenzó, dónde termina; también los recuerdos pueden aparecer del mismo modo hasta borrar la idea de comienzo o de fin.El soporte de muchas fotografías es frágil, está destinado a ser resto, a desaparecer de un momento a otro, como los recuerdos. Y, sin embargo, sobrevive, pasa de una superficie a otra: un mismo rostro queda impreso en materialidades diversas.En la escena surgen moldes, prendas parciales (una manga, una pierna de pantalón) un botón, un enhebrador, surgen de a poco para señalar la acción de esas mujeres que suturaban ropa a veces, otras veces, algo menos definido, más inespecífico. No falta el recuerdo de una guerra, un bombardeo, un parto. Los modos de contar son definitivamente sorpresivos. Rastros de un gesto analógico va cosiendo los fragmentos de las historias. Se trata de una propuesta sensible y bella, con un enorme trabajo de investigación tanto en lo que tematiza como en los objetos y en lo sonoro que articulan un rompecabezas de una sutileza infinita.

Piratas, esclavos y náufragos en Lima: "El Corsario" regresa al Teatro Municipal durante todo abril

En conversación con Infobae Perú, el protagonista de la obra, Rodrigo Blanco, recordó los principales retos de su presentación

Los stradivarius suenan por las víctimas de la dana en un Teatro Real repleto y emocionado

El Cuarteto Casals interpreta obras de Bach con instrumentos Stradivari en un concierto benéfico en el Teatro Real, destinado a ayudar a las víctimas de la dana en la Comunidad Valenciana

El teatro entre el encierro y la libertad

Con dirección de Federico Cuello, la obra presenta a cuatro mujeres presas. "La idea del teatro dentro del teatro está muy trabajada, pero por ahí va el nudo", explica.

El Quinteto Astor Piazzolla anunció ciclo de presentaciones en el Teatro Colón de Bogotá: todo lo que debe saber

Durante tres noches, los artistas que representan la herencia del genio del tango rendirán homenaje al compositor, interpretando sus obras más icónicas

Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana, del viernes 18 al domingo 20 de abril: recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis

Viernes, sábado y domingo hay una gran oferta de recitales, obras y películas.También opciones para ver en casa.

El Teatro Colón, con el aura de los grandes intérpretes

Definitivamente, la palabra está de moda. La usan los más jóvenes para referirse a quien tiene clase y estilo. La usan en TikTok para señalar una habilidad fuera de serie en el ámbito del deporte. Y la usa el Teatro Colón para nombrar a uno de los dos abonos de lujo con cuatro cantantes sobresalientes de la escena lírica mundial: el Ciclo AURA, una serie de reciente lanzamiento que se suma a la ya tradicional e imperdible programación de "Grandes intérpretes", también con cuatro conciertos, ensambles y solistas del más alto nivel que engalanan la temporada local.Grandes intérpretesLa selección comenzará el lunes 2 de junio con un Ensemble del West-Eastern Divan (WEDO) la orquesta fundada por Daniel Barenboim junto al intelectual palestino Edward Said en 1999, considerada el mayor legado del genial argentino. El ensamble estará dirigido por el violinista Michael Barenboim, hijo del director y la pianista rusa Elena Bashkirova. "Como siempre â??recordó Barenboim en una reciente publicación en la que dio a conocer su diagnóstico de Parkinsonâ??, la Orquesta del Diván es mi responsabilidad más importante por lo cual es esencial garantizar su estabilidad y desarrollo a largo plazo". El concierto inaugurará el ciclo con el Clasicismo vienés en obras de cámara de Beethoven y Schubert. La electrizante pianista china Yuja Wang junto a la Mahler Chamber Orchestra continuarán la serie el sábado 14 de junio con el célebre concierto nº 1 de Tchaikovsky, la obertura Coriolano de Beethoven, Stravinsky y Kapustin. Para el lunes 21 de julio se programa la perla del año: la presencia descollante, por primera vez en la Argentina, de una de las más grandes leyendas vivas del arte pianístico: Grigory Sokolov. El maestro ruso-español tocará piezas de William Byrd en la primera parte de su recital, haciendo de sus delicias en el repertorio antiguo, la música de clave y virginal, y en la segunda parte, dedicada a la música romántica, rapsodias y baladas de Johannes Brahms. También en julio, el domingo 27, tendrá lugar el cierre del abono un recital acompañado, al piano por Carrie-Ann Matheson, del notable tenor francés Benjamin Bernheim, considerado por el Süddeutsche Zeitung "la voz más hermosa desde Pavarotti a nuestra parte"-Ciclo AuraCuatro voces extraordinarias en cuatro recitales exclusivos reunirán el talento, el carisma, el brillo y la celebridad que se asocian al título de esta propuesta de Elisa Wagner (renombrada productora internacional de espectáculos clásicos, nacida en la Argentina y radicada en New York, famosa por organizar las giras del legendario Luciano Pavarotti en Sudamérica), presentando un extraordinario abanico de la lírica. Dos cantantes de la nueva era que están causando furor en el gran circuito operístico y dos figuras consagradas integran la primera edición del Ciclo Aura, un proyecto a largo plazo que aspira a repetirse anualmente con intérpretes del más alto nivel. "Siendo que el Teatro Colón cuenta con la mejor acústica del mundo para la ópera ¡algo que los cantantes saben muy bien! es un orgullo poder programar un ciclo con artistas descollantes de nuestro tiempo â??cuenta Wagner desde los Estados Unidos en diálogo con LA NACIONâ??. Por eso buscamos evocar desde el título algo sublime, moderno y fácil de recordar, un nombre que emane el brillo de estas voces."De la nueva generaciónEl tenor Jonathan Tetelman inicia el ciclo el domingo 17 de agosto con una muestra del repertorio con el que está triunfando en Europa. "Queremos que la gente venga a escuchar una música con la que se sienta cómoda y pueda apreciar las excepcionales condiciones vocales de Jonathan Tetelman. Verdi, Puccini, Cilea, acompañado por Angel Rodríguez, el repertorio donde esta nueva hot voice de la lírica se luce en su máximo esplendor. Además de ser un gran cantante, es guapo y tiene carisma. No en vano ha debutado en el Met, tiene un contrato de exclusividad con Deutsche Grammophon y ha grabado dos discos."Otra revelación vendrá el domingo 14 de septiembre: la joven mezzosoprano rusa de veintiocho años Aigul Akhmetshina, una de las exitosas newcomers del momento, originaria de la República de Baskortostán. Aigul presentará al piano con Jonathan Papp, piezas de Rossini a Tchaikovsky y Rachmaninoff pasando por Massenet, Saint-Saëns y por supuesto Bizet entre los franceses, de la mano de su caballito de batalla, la ópera Carmen que la lanzó a un estrellato meteórico. "La trayectoria de Aigul es impactante â??ilustra Wagnerâ??. De pequeña entró en una competencia en el Conservatorio de Moscú, fue seleccionada, pero debido a un accidente no llegó a dar la prueba y le ofrecieron, para cuando cumpliera la mayoría de edad, darle una audición en la Royal Opera House de Londres. Pasó el tiempo y a los 18 años reunió el dinero, viajó al Reino Unido, pasó la prueba de admisión y entró al Covent Garden donde, a los 21, fue llamada para cubrir el protagónico de Carmen a último momento. ¡Y la estrella nació! Es una locura el éxito de Aigul. Met, Covent Garden, Salzburgo, Arena de Veronaâ?¦ Todas las casas líderes a las que hoy se suma el Teatro Colón brindando la posibilidad de dar a conocer una artista de ese calibre en el comienzo de su carrera."Voces consagradasConocida para el público porteño, una figura en lo más alto de la lírica que no necesita presentación: la mezzosoprano Elina GaranÄ?a. El lunes 20 de octubre, la cantante letona ofrecerá un recorrido por las canciones y arias más famosas y queridas de su trayectoria, al piano con Malcom Martineau. "Elina dio un concierto con orquesta en el Colón y siempre tuvo deseos de volver. Pero el año pasado â??recuerda Wagnerâ??, tenía una fecha reservada, se quebró la rodilla y tuvo que cancelar su actuación. Ahora podrá resarcirse con un recital a su medida" Finalmente y para cerrar el abono, otra luminaria que goza del afecto argentino luego de su aclamado estreno junto al famoso tenor mexicano Javier Camarena en L`Elisir d`amore: la soprano norteamericana Nadine Sierra el lunes 17 de noviembre. "Hoy, desde aquel debut en el Teatro Colón, Nadine es una de las sopranos del belcanto más requeridas de la actualidad".Junto con Elisa Wagner participa la agencia Mama Húngara, especializada en la producción de documentales como los de la soprano coreana Hera Park y del superlativo pianista ruso Daniil Trifonov, con sendas películas producidas en Buenos Aires para el sello de la etiqueta amarilla, la prestigiosa grabadora alemana Deutsche Grammophon, y con la magnificencia del coliseo argentino como emblema de belleza y tradición dando el marco a lo más selecto de la música clásica.Más informaciónCiclo Grandes intérpretesLunes 2/6 a las 20hs: West-Eastern Divan EnsambleSábado 14/6 a las 20hs: Yuja Wand & Mahler Chamber OrchestraLunes 21/7 a las 20hs: Grigory SokolovDomingo 27/7 a las 21.30hs: Benjamin BernheimCiclo AuraDomingo 7/8 a las 17hs: Jonathan TetelmanDomingo 14/9 a las 17: Aigul AkhmetshinaLunes 20/10 a las 20hs: Elina GaranÄ?aLunes 17/11 a las 20hs: Nadine SierraLos abonos están a la ventaOnline: en la página del Teatro Colón las 24hs www.teatrocolon.org.arPresencial: de lunes a sábados de 9 a 20 hs Domingos y feriados de 9 a 17 hs ingresando por Tucumán 1171 en la Boletería del Pasaje de Carruajes

Abren el nuevo teatro municipal de San Fernando junto al histórico Palacio Otamendi

Está ubicado al lado de la joya arquitectónica que perteneció a la familia Belgrano y la gestión del intendente Juan Andreotti reconstruyó para crear un polo cultural.Cuenta con sala para 500 personas y un moderno sistema de luces y sonido.

La Orquesta Aeropuertos Argentina festejó sus 10 años en el Teatro Colón

El director Néstor Tedesco lidera a 54 músicos divididos en tres ensambles juveniles. El recital atrajo a 2500 espectadores y contó con destacadas personalidades del ámbito artístico entre el público. Leer más

Villa María será sede de la Fiesta Provincial del Teatro con seis funciones y un homenaje cultural

La ciudad albergará el 19 y 20 de abril la 38º edición del evento teatral más importante de Córdoba, con obras en cuatro salas locales, actividades formativas y un reconocimiento especial al Teatro de Herejes por su recuperación. Leer más

Arcade Fire dará dos conciertos en el Teatro Metropólitan dentro de dos semanas: estos son los precios oficiales

La venta de boletos para los sorpresivos shows de la banda canadiense ya ha comenzado a través de Ticketmaster

Teatro sin presiones: las cuatro propuestas "de ensayo y error para los artistas" que toman el Museo Moderno

"Las artes visuales desde el borde de sí mismo leen el teatro; el teatro desde el borde de sí mismo lee las artes visuales. Desde la propia mismidad, desde los propios límites se percibe un otro territorio, se ensaya, se experimenta, se prueba ese otro territorio", afirma el Manifiesto de esta nueva edición del ciclo "El borde en sí mismo", plataforma que cuenta con curaduría del director, dramaturgo y actor Alejandro Tantanian, que desde el viernes 11 de abril volverá a ocupar una de las salas del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (o el Moderno, a secas)."Poder continuar con 'El borde de sí mismo' ya de por sí es un motivo de alegría por la permanencia de un ciclo cuyo objetivo es conservar un espacio de ensayo y error para los artistas, algo que cada vez se extraña y necesita más. El ciclo en sí es un espacio de investigación de ideas que, quizás, no funcionen. Claramente lo que se genera en este ámbito está por fuera de las presiones del público, de la crítica, del teatro o del mismo creador; es un espacio de libertad en términos de poder probar cosas a las que no te arriesgarías si estuvieras en otro contexto. Ya solamente el observar un espectáculo más performativo en un museo genera otro tipo de mirada en el espectador. De alguna manera, el público pide otras cosas que se ponen en juego cuando va a un teatro. Eso repercute en la posibilidad de ensayo y error de los mismos artistas convocados", señala a LA NACION el creador de esta inquietante propuesta.Inicialmente, la idea del ciclo "El borde de sí mismo" era que tuviera una frecuencia anual. Pero entre que Tantanian asumió la dirección del Teatro Nacional Cervantes y, luego, vino la famoso pandemia lo planificado no prosperó. De hecho, la última fue hace dos años que comenzó con una atractiva propuesta de José Guerrero que tomaba el inmenso salón y que el espectador escucha gracias a unos auriculares.A lo largo de las tres anteriores ediciones pasaron creadores de las artes escénicas y de las artes visuales como Ariel Farace, Rubén Szuchmacher, Analía Couceyro, Santiago Loza, Diana Szeinblum, Liliana Porter, Santiago Loza, Diana Szeinblum, Mariano Tenconi Blanco, Nancy Rojas o el mismo José Guerrero. En esta oportunidad los convocados por quien en estos días está presentando en la trasnoche del Teatro El Picadero el cabaret político Como nunca..., otra vez y, en el Teatro Solís de Montevideo, está ofreciendo su versión de Dulce pájaro de juventud reparó en esta oportunidad en el director, dramaturgo y actor Martín Flores Cárdenas; en la artista visual Valeria Conte Mac Donell; en la escritora y director teatral Agostina Luz López, y en el dramaturgo y director Ignacio Bartolone. Todos ellos de una larga trayectoria y artistas cuyas producciones están por fuera las formas más tradicionales."Del ciclo forman esta vez forman parte tres artistas que vienen de las artes teatrales y, otra, del campo de las visuales. Lo interesante de las cuatro propuestas es que tienen algo en común vinculado con la dramaturgia del yo sea en la manera que abordan o rechazan esa idea que está presente en esta edición por cierto protagonismo de elementos autobiográficos o distractivos de lo autobiográfico. Cada uno de estos creadores vienen desplegando un lenguaje muy singular y muy propio. Y como dice el mismo nombre del ciclo, tienen la voluntad de asomarse el borde de la disciplina propia para mirar la ajena", apunta quien viene de montar en el Teatro San Martín su versión El trágico reinado de Eduardo II..., de Christopher Marlowe. Hasta el 4 de mayo, de viernes a domingos, cada fin de semana estará destinado a la performance de cada uno de los artistas invitados que desplegarán lo suyo en la amplia sala del segundo subsuelo del Moderno, pleno corazón de San Telmo. Quien abre el juego es Martín Flores Cárdenas, el director, actor, dramaturgo y gestor de la sala Casa Teatro/Estudio, en donde suele presentar sus experiencias. En un alto de un ensayo comparte algunas pistas sobre esta propuesta que se estrena el viernes en la que trabaja el actor Pablo Ragoni, quien suele trabajar con la creadora Lucía Seles."Capítulo I es un trabajo sobre el comienzo, sobre el principio de creación de una obra. O, para ser más justo, una especie de esbozo, un bosquejo que no se me ocurriría mostrárselo a nadie si no fuera en el marco de este ciclo que propone compartir la construcción de una obra que habla, a la vez, sobre orígenes, despertares, debuts. En cierto sentido, es como hablar de un proceso íntimo, de algo sumamente personal. Al mismo tiempo, será el primer capítulo de una nueva etapa que está en línea con mis últimas obras: Love me, No hay banda y La fuerza de gravedad. A lo sumo lo nuevo es tratar de mantener esa forma de producción particular propia que, ahora, se presentará en un lugar institucional". Con la vuelta del ciclo "El borde de sí mismo", la prueba y el error en el mapa de la experimentación artística vuelve a recuperar su caja de resonancia.Para agendarEl borde de sí mismo, ciclo curado por Alejandro Tantanian. Funciones: viernes, a las 20; y los sábados y domingos, a las 16 y 18. Entrada: $6000. En el Museo de Arte Moderno (San Juan 350).

Germán Palacios, su regreso al teatro, por qué se muestra poco y la tragedia de la niñez que lo marcó

Se lo ve poco. Lo necesario. Y siempre en un modo estrictamente laboral. Germán Palacios se entrega a la charla con LA NACION exultante ante el inminente estreno de El hombre inesperado, pieza de la actriz y dramaturga francesa Yasmina Reza que se estrenará el próximo 11 de abril en el Teatro Maipo. "Es muy lindo lo que va apareciendo cuando uno charla sobre el relato de la obra", sostiene el actor, quien ya ha protagonizado y dirigido ART, otro clásico de la autora nacida en París.Inés Estévez no solo será su compañera de aventura escénica, sino también su coequiper en la dirección de la propuesta que cuenta con traducción de Gonzalo Garcés y producción de los prolíficos Nachi Bredeston y Juan Manuel Caballé."Cada vez que un actor entra a un teatro de estas características, con esta concepción de sala y antigüedad, te querés quedar a vivir; es como un hogar, un espacio que te cobija. Si bien no soy religioso, aunque estoy bautizado, cuando uno entra a una iglesia hay algo sobrecogedor, más allá de la creencia o no en Dios". -¿Creés en Dios?-No nos metamos ahí, porque no vamos a terminar más. Se ubica en un sillón mullido ubicado a un costado del foyer de la tradicional sala de la calle Esmeralda. Esa que alguna vez fue bautizada como la "catedral de la revista" y cuya araña principal lleva por nombre "Las Nélidas", en homenaje a las vedettes Lobato y Roca. Más allá, custodiándolo todo, una pintura que retrata al productor y empresario Lino Patalano, fallecido en 2022, y que fuera, desde 1994, el gran artífice de devolverle brillo, resplandor y una gran programación a la sala que corría serios riesgos de continuidad. Hoy la proeza la lleva adelante la actriz y directora Carla Calabrese. "El hombre inesperado no es una obra para hacer en cualquier lado, el Maipo la enmarca en un renglón que este material merece", reconoce Palacios View this post on Instagram A post shared by Gabriel Machado (@machadito_arte)-¿Cómo llega el texto de El hombre inesperado a tus manos?-Luego de ver Made in Lanús, producida por Nachi Bredeston, fui a comer con ella y su marido. En esa cena, como siempre hacemos, hablamos de obras. Ella suele pasarme materiales nuevos y yo algunos títulos clásicos de nuestro teatro que, quizás, no conoce. En esa charla, apareció El hombre inesperado. La historia retrata el encuentro de una mujer y un hombre en un vagón de tren. Compartir el trayecto, producto del azar o el destino, permite que ambos comiencen a desnudar algunas intimidades. Empáticamente surge el planteo en torno al entrecruzamiento de esas dos soledades, ¿se tratará de la casualidad o habrá razones causales que exceden la comprensión racional?, interroga el planteo dramatúrgico. El material fue estrenado en la Argentina en 2008, en la sala Multiteatro. Aquella versión contó con la dirección de Luis Romero y las actuaciones de Luis Brandoni y Betiana Blum. "No pude ver esa puesta, porque me encontraba trabajando en España, aunque conocía, a grandes rasgos, por dónde transitaba el relato y que los personajes eran un escritor y una lectora. Luis Romero, que es amigo, me pasó el texto con mucha generosidad y luego, con Inés (Estévez), leímos unas seis versiones más".Los actores apelaron a todo lo disponible, desde el texto original en francés hasta una traducción inglesa. "Como los ingleses saben mucho de teatro, le han hecho algunas propuestas a Yasmina Reza que le resultaron muy interesantes; es muy inteligente y se deja llevar. Nuestra traducción la hizo Gonzalo Garcés que es el traductor oficial de la autora".Tomar distancia-Por elección sos un outsider del medio. Se te ve poco, no participás prácticamente en eventos sociales, se sabe casi nada sobre tu vida personal. En un mundo donde lo público y lo privado está difuminado, nunca cediste ante el sistema.-Nunca hice un esfuerzo.-Está claro que es una decisión.-Lo único que hice, desde que empecé a trabajar, fue tratar de ser fiel a mi sentir. Ahora que soy más grande, entiendo que tiene que ver con mi formación. Comencé a estudiar teatro a los quince años y me formé en el teatro independiente, con maestros con una ideología. Menciona a Luis Rossini, docente experimentado ya fallecido, quien le marcó el paso artístico en los albores de su vocación. "Para muchos es ignoto, pero fue un enorme maestro". Acaso buscando encontrar algunas de las claves que le conformaron su personalidad, recuerda que "lo primero que viví en el profesionalismo, fue una decepción. Cuando era estudiante de teatro, alguien me ofreció trabajar en una película, me generó una expectativa de trabajo, siendo yo muy chico".-¿Eso es malo?-Estaba muy ilusionado, pero no se cumplió. Esa situación fue un curso acelerado con respecto a las ansiedades que se manejan en torno a los actores y que otros manipulan inescrupulosamente, impiadosamente. Allí hubo un punto de quiebre, tan germinal como su carrera en proceso fundacional, que lo dotó de una personalidad: "No me gusta la figuración, me interesa la vida 'de civil'".-Ana María Campoy dividía al mundo entre la gente de teatro y "los civiles". -Con unos compañeros de fútbol, también dividíamos al mundo entre actores y "civiles". He podido trabajar con los mejores actores de la Argentina, y, si bien amo a mi familia artística, y extraño a los que ya no están, jamás me gustó la exposición ni las reuniones de actores, no me gusta saturar ese ámbito; como tampoco me gusta verme a mí todo el tiempo en exhibición, sería una saturación, me cansaría de verme y supongo que cansaría a los espectadores. Así fui construyendo mi camino; luego, la profesión, me devolvió más de lo que le pedí.-En contraposición, la fama, en sí misma, es un valor para cierto sector de la sociedad.-Siempre lo fue, pero hoy todo eso está muy exacerbado, sospechado. Lo más difícil es escucharse y saber cuáles son los propios límites. Dije muchas veces "no" y no tenía dónde caerme muerto, pero me parecía más importante dar esa respuesta, porque no justificaba la paga, que no era digna, ni la propuesta. A partir de eso se me hizo fama de "caro".-Hay que estar muy plantado para manejar la profesión en esos términos. -Para ser actor o actriz, un oficio hermoso y difícil, hay que estar plantado. -¿Qué hacés cuándo no trabajás?-Soy un diletante, hago un montón de cosas que me apasionan, no me aburro. Soy activo, estudio, leo, hago deportes, soy aficionado a la jardinería, me gusta el trabajo manual. También salgo a hacer las compras y cocino. Vive en Núñez, pero asegura que "mi lugar en el mundo es en Manzanares, en las afueras de Pilar". La narrativa que hace de su estilo de vida, lleva a pensar que el ecosistema urbano camino a contrapelo de sus intereses. -A pesar de haber sido muy selectivo, has hecho mucha televisión y cine. ¿Cómo vivís la merma de la producción nacional?-Es algo muy triste, nuestro gremio sigue siendo el gremio de los desocupados. Por otra parte, la globalización ha limado aspectos esenciales de cada cultura, fue en contra de la identidad. -Se percibe una homogeneización.-He trabajado en plataformas y no es lo mismo lo que puede pensar hoy el "señor Amazon" a lo que pensaba Alejandro Doria.-Es evidente que no estás desesperado por el llamado telefónico que te ofrezca un trabajo.-Tuve mucha suerte y pude hacer proyectos hermosos, pero también me operé de todas las ansiedades y del ego. El ego pesa y no aporta nada. Ando más livianito por la vida.-Muy sano.-Todo es ahora, voy atento a lo que va pasando. -¿Mucha terapia encima?-Estudié Psicología, me faltan pocas materias para recibirme, pero salía de estudiar Lacan y me iba a hacer una telenovela, así que me embarullaba mucho, no podía con las dos cosas. Hablé con mi familia y le planteé que, como hacia años que ya me dedicaba a la actuación, iba a optar por ese camino. Por suerte, todos lo entendieron. Fue una gran decisión. Pero, respondiendo a tu pregunta, hice un montón de terapia, tuve a grandes terapeutas. Ayuda mucho, incluso desde lo intelectual, abre la red conceptual. Promediando la charla, Palacios reconoce que realizar entrevistas antes del estreno de El hombre inesperado le permite repensar algunos aspectos del material. A veces, la tarea periodística también implica volver a ponerle luz a tramos traumáticos de la propia vida. Al actor le sucedió. "En mi familia sufrimos la pérdida de mi hermano mayor, cuando él tenía catorce años y yo había cumplido nueve. En ese momento, mi otro hermano tenía trece y el más chiquito solo un año. Parte de mi modo de ser en este mundo, de mi forma de estar plantado, tiene que ver con esa situación de vida que me hizo ver y decidir cómo seguir".-Decisión tomada a muy corta edad. -El modo que encontré fue hacerme una persona lo más libre y, sobre todo, lo más independiente posible. Me hice independiente a los nueve años, algo que le agradezco a mis padres, ellos me pudieron seguir en ese viaje.Aquel hermano mayor falleció por una malformación en su corazón: "Es una persona muy presente en mi vida, porque tuve mucho intercambio con él. Era un ser muy especial, muy amoroso. Esa es nuestra historia familiar, muy dura, nos marcó a todos". View this post on Instagram A post shared by German Palacios (@germanelpala)El oficio, reflexión final-Así como en ART, en El hombre inesperado nuevamente Yasmina Reza vuelve a visitar el universo más íntimo del artista y el debate en torno al arte. -Hay algo que se repite en ella que tiene que ver con el nivel intelectual elevado de sus personajes. Siempre se trata de gente con cierta sofisticación y determinado nivel social y cultural. Soy un exégeta de Yasmina Reza y puede decir que habitualmente encuentra una excusa que, a los postres, siempre termina siendo eso, una excusa que desencadena el drama. ¿Qué es lo que más le interesa? La carne pegada al hueso, lo salvaje, broncas y miserias, lo rebelde, lo corrosivo y lo políticamente incorrecto. Como gran autora que es, siempre encuentra el camino. -Todo eso planteado de una manera muy sutil. -Es importante esto que decís, porque ella jamás pierde la altura y tiene un humor único.-Conocés a Yasmina Reza. -La vi un montón de veces, con Ricardo (Darín) estuvimos comiendo en Argentina y en España. Es una persona muy interesante para dialogar, porque, además, es actriz. Germán Palacios fue parte de la versión original de ART, junto con Oscar Martínez y el propio Ricardo Darín. Varios años después, Palacios y Darín dirigieron la puesta protagonizada por Pablo Echarri, Mike Amigorena y Fernán Mirás que se vio hasta no hace mucho tiempo atrás. "Yasmina (Reza) te habla de igual a igual". -¿Por qué te interesó El hombre inesperado?-Al leerla me conmovió, tiene humor, poesía, profundidad y toca temas fundamentales. Sentí que casi era una obligación hacer esta obra. Estamos hablando de la autora contemporánea viva más importante de este momento.-Reza plantea temas universales. -Y con diversos niveles de interpretación. Te ofrece una cebolla, podés quedarte en una capa más superficial o ir profundizando. Es una autora que escribe casi sin didascalias, con lo cual la hace de difícil decodificación, pero hay algo que nos sucedió, a partir de habitar su mundo, que es lo que está en el cuerpo, que ella no especifica en el texto. -La ausencia de didascalias, ¿permite una mayor libertad creativa del actor?-Pero también te puede confundir y hacer que no sepas qué rumbo tomar. Es tan libre como intérpretes y lectores. Por eso las obras de Yasmina (Reza) han tomado rumbos insospechados, es un gran riesgo. En agosto de 2021, Germán Palacios y Ricardo Darín, excompañeros de elenco de ART, decidieron dirigir la pieza que conocían en profundidad. Para ellos, ya no había laberintos ocultos en el material. "Con Ricardo (Darín) tenemos mucho amor por esa obra, somos apasionados, es algo genético. Compartir la dirección fue algo muy lindo, somos muy complementarios, lo cual es muy bueno". -No es sencillo dirigir a cuatro manos, lo experimentaste con Ricardo Darín y ahora con Inés Estévez. -Hay que tener mucho conocimiento del otro, acuerdos básicos. De lo contrario, se choca. A Bach no le podés cambiar una nota, a Yasmina (Reza) tampoco. Como director, uno reniega un poco cuando el intérprete no hace estrictamente lo que vos creés haberle transmitido. Ese es un capítulo aparte. -¿Renegaste mucho dirigiendo ART?-Es aprendizaje. Es como el DT sentado en el banco, aparece la impotencia y hay que charlarlo con la almohada. -La dirección de ART, ¿no te encendió el deseo de volver a protagonizarla?-Siempre me sumaría a hacerla o a volverla a codirigirla. -¿Por qué decidiste volver a codirigir un material?-Es una gran experiencia, te sentís menos solos, podés compartir pareceres con la otra persona, hay una búsqueda en común. En este caso, además, con Inés (Estévez) también compartimos la aventura de subirnos al escenario, así que será una experiencia hermosa y de mucho crecimiento para ambos.Para agendarEl hombre inesperado. Funciones: viernes y sábados a las 21. Sala: Maipo (Esmeralda 443).

Boy Olmi: "El teatro tiene algo único"

"En un momento como este de la humanidad y la Argentina, pasarlo bien vale oro", afirmó el actor en la 750.

Cris Morena y el futuro de "Margarita": cómo será la segunda temporada, el regreso al teatro y la novedad de una línea de ropa

La productora habló con Clarín sobre la ficción éxito que regresará con nuevos episodios y funciones en Tecnópolis en la vacaciones de invierno.Además, dio una sorpresa sobre los próximos shows de Erreway.

En fotos. Todos los invitados a una "a toda orquesta", con Eduardo Eurnekián como anfitrión, en el Teatro Colón

El cóctel en el Salón Dorado

En 73 fotos: el 10° aniversario de la Orquesta Aeropuertos Argentina en la sala mayor del Teatro Colón

Con 54 músicos sobre el escenario y 2500 espectadores, la Orquesta integrada por jóvenes de entre 18 y 25 años presentó el concierto "Todas las músicas"

Juan Trzenko, el actor de teatro independiente al que el arte le salvó la vida dos veces: "De chico, soñaba con estar en Hollywood"

Juan Trzenko es un actor de vocación que recién pudo darse el gusto de cumplir su sueño cuando se jubiló. El 12 de abril estrena El puente, una obra de Carlos Gorostiza que muestra una utopía de unión entre las clases sociales y que se verá todos los sábados a las 21.30 en Andamio '90 (Paraná 660 CABA), con dirección de Pablo Gorlero. Juan es hermano de Julia Zenko y, en diálogo con LA NACIÓN, da detalles sobre ese vínculo, habla de sus recuerdos de la infancia cuando soñaba con ser un actor de Hollywood y reflexiona sobre cómo el teatro lo salvó dos veces.-Tenés una hermana muy famosa que contó alguna vez que gracias a vos conoció géneros musicales que la marcaron...-Julia es mi hermana menor, le llevo seis años. En los '70, mientras yo estudiaba sociología, empecé a militar en la izquierda y escuchábamos a Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Chico Buarque, los brasileros. Llevaba esos discos a casa y mi hermana tuvo una vocación muy temprana porque a los 6 años ya cantaba frente al espejo, y por suerte pudo desarrollarla. Y empezó a escuchar esa música que la influyó mucho y muchos años después terminó cantando con Mercedes Sosa en el Luna Park. Es una gran actriz, además. En nuestra familia hay antecedentes artísticos, porque mi abuelo paterno era cantante de sinagoga, aunque no lo conocíamos. Y mi mamá era una fanática de las películas, y nuestra diversión era ir dos veces por semana al cine, y me parece que ahí empezó a gustarme ese mundo. Cantar no porque silbo y desafino (risas). Pero amaba a Jerry Lewis Cary Grant, Lucille Ball.-Siempre quisiste ser actor, entoncesâ?¦.-Cuando iba con mis viejos a la calle Lavalle, que era un mundo de gente, yo bailaba en la calle, frente a esas casas de música que tenían los bafles en la puerta, y todos me hacían una ronda. Tendría 6 años. Me casé muy joven, a los 21, y a los dos años ya nació mi primera hija y después tuve dos más, Natalia, Juan Pablo y Bárbara. Recién después de una depresión muy grande, en el año '83 y gracias a una terapia, descubrí que mi vocación es la de actor y empecé a estudiar con Agustín Alezzo. Luego hice espectáculos infantiles en los barrios, pero me fundí y yo tenía tres hijos que mantener, así que tuve que dejar y dedicarme a ganar dinero. Trabajé en un depósito de metales, y fue muy duro; tuve que renunciar porque no había forma de soportarlo físicamente. Y durante muchos años me dediqué al comercio, a vender telas de tapicería de autos; con alzas y bajas, quiebras en el medio, seguí hasta que me jubilé. Y en los '90, cuando me estabilicé económicamente, volví a estudiar con Alejandra Boero y aprendí qué es el oficio.-Decías que después de una gran depresión empezaste a hacer teatro. ¿Es cierto que el arte salva?-Y, a mí me salvó dos veces. Yo manejaba llorando, no sabía qué me pasaba, tenía una tristeza enorme. Y descubrir mi vocación fue sanador, aunque recién después de muchos años, a partir del 2012, me pude dedicar a actuar, cuando ya cerré el comercio y me jubilé y mis hijos ya no vivían conmigo y mi querida esposa Silvia, con quien llevamos 51 años juntos, me apoyó. Y empecé de vuelta y no paré de trabajar en el teatro independiente; hice más de cuarenta obras. Y la otra vez que me salvó el teatro fue en los 2000; por errores que uno comete, probé cocaína y quedé muy pegado. Soy un adicto en recuperación y estoy limpio desde el 2011. Estuve internado en un centro de rehabilitación durante un año, y a los seis meses ya daba clases de teatro allí y a los ocho meses me dieron permiso para salir a tomar clases de teatro. Y en el 2012 volví a hacer teatro en Andamio 90 con Golpes en la puerta, de Juan Carlos Gené. Así que me salvó la vida dos veces. Cuando dicen que hay que probar todo, decí que no, porque lo primero que perdés es la voluntad, y es lo último que recuperas. Me costó mucho y mi mujer estuvo al lado mío, y mi hermana me venía a cuidar a casa; fue un trabajo familiar hermoso y fuerte, y me emociono. Gracias a ellos estoy viviendo lo que estoy viviendo. Y gracias a mí también.-Hiciste 40 obras en teatro independiente, ¿tenés tus preferidas?-Claro que sí. Estudié en Andamio '90 en el '89, antes de que existiera el teatro y participé en su construcción, limpiando paredes y picando pisos junto a muchos otros actores. Debuté en Sopa de pollo, con Alejandra Boero. Y el año pasado hice mi primer unipersonal, Llamada perdida, y también fue desafiante estar solo en el escenario. Y en Mar del Plata hice Vida y milagros de Nini Marshall, con Ana Padovani, y estuve en el CCK con Lisistrata. Ahora estoy muy entusiasmado con El puente, con dirección de Pablo Gorlero, que hizo una adaptación de la obra de Carlos Gorostiza. Es un premio de la vida porque mi personaje es hermoso. La última vez que se hizo esta obra fue en el Teatro Cervantes, y mi personaje lo hacía Hugo Arana... ¡Qué responsabilidad! (risas). Es una puesta muy osada y desafiante para los actores; creo que va a dar que hablar. Es una obra muy simbólica que habla sobre las clases sociales, y también es actual a pesar de que la escribió en 1946. Vamos a estar los sábados a las 21.30 en Andamio '90. Y el 5 de junio estrenamos Incidente en Vichy, de Arthur Miller, en el Espacio Callejón, también con dirección de Pablo Gorlero, donde interpreto a un viejo judío que observa a todos los detenidos que pasan en una comisaría y van a la torturaâ?¦ Y al final canto un poquito en hebreo.-¿Tuviste experiencia en ficciones televisivas o en cine?-En los '90 hice cinco capítulos de El precio del poder, en Canal 9, y este verano debuté en un cortometraje como protagonista de La casa de Astor, y está programado que vaya al festival de Cannes y al de Sundance. Me sentí como ese chico que miraba las películas y soñaba con estar en Hollywood porque había dos personas que me seguían a todos lados, me maquillaban cada dos minutos, me secaban la transpiración, me hacían sentar (risas). Me sentí una estrella. Y trabajé en la película Vladimir, con Carlos Belloso y Daniel Aráoz.-Es como si hubieras vivido dos vidas, una antes de jubilarte y con responsabilidades familiares, y otra cuando pudiste cumplir tu sueño. ¿Lo sentís de ese modo?-Totalmente. Julia y yo tuvimos una familia muy disfuncional, nuestros padres venían de la más absoluta miseria, y ascendieron en la escala social gracias al trabajo; mi viejo empezó como verdulero, vio que el negocio estaba en la carnicería y aprendió a cortar carne hasta que se puso una carnicería, se compró una casita y laburaba muchísimo. Me acuerdo que cuando nació Julia yo estaba tan celoso que hasta me agarró asma, por no poder sacar la bronca, según dicen los psicólogos. También recuerdo que me pegaban mucho, un poco porque se estilaba a criar a los hijos así; esas vivencias nos unieron profundamente con Julia. Dormíamos en la misma habitación, separados por un mueble al que le hicimos un agujero para poder tomarnos de la mano y así nos dormíamos.-¿Siguieron manteniendo esa buena relación a lo largo de los años?-No. Empeoró un poco cuando yo me casé y me fui de casa, y ella lo sintió como un abandono. Está todo muy conversado con mi hermana. De grandes pudimos sentarnos y charlar; recuerdo que en un bar le dije que los dos habíamos sido víctimas, que la adoro y la amo, y sé que ella a mí. Lloramos mucho y pudimos recomponer la relación. Hoy tenemos un vínculo hermoso. Y con los años me di cuenta de que nuestros padres hicieron lo mejor que pudieron, y los entendí. Quizá no fueron los mejores padres, pero sí los mejores abuelos y volcaron todo su amor en mis hijos.

"Me dio un proyecto de vida": una orquesta conformada por 45 jóvenes de barrios vulnerables tocará en el Teatro Colón

En una sala de oficinas, rodeada por impresoras y archiveros, Ámbar Velasco, de 19 años, toca su violín junto a unos 25 músicos que hacen sonar distintos instrumentos de cuerdas. A 40 metros, en un comedor convertido en sala de ensayos, otro grupo de jóvenes toca instrumentos de viento. Más tarde se juntarán todos y ensamblarán sus notas para practicar "La primavera", de Antonio Vivaldi.Oriunda de Villa Lugano, Ámbar es una de los 45 chicos de entre 18 y 25 años que conforman la Orquesta Aeropuertos Argentina, una iniciativa de Eduardo Eurnekian nacida hace diez años con el objetivo de promover el desarrollo intelectual y artístico de jóvenes provenientes de barrios de alta vulnerabilidad social."Yo tengo muchos vecinos que son parte de la orquesta y eso es importante porque en los barrios vulnerables hay muchas malas influencias, entonces la música se convierte en algo a lo que aferrarse. Para mi esto empezó como un escape de los problemas que vivimos en el barrio, se hizo una pasión y ahora quiero que sea un trabajo, un estudio, una forma de vida", dice la joven que forma parte de la orquesta desde hace un año.Su llegada a la música se dio casi por casualidad. "No vengo de una familia de músicos. Mi mamá me dijo que tenía que hacer algo y así empecé a ir a una de las Orquestas Infanto Juveniles de la Ciudad y luego llegué acá. Aprendí mucho en la orquesta: te forma como persona, a ser disciplinado, responsable y firme con lo que querés", comenta.Los músicos que forman parte de este programa son seleccionados por el maestro Néstor Tedesco a partir de las Orquestas Infanto Juveniles de la Ciudad de Buenos Aires, que funcionan desde 1988 en Villa Lugano, Villa 31, Retiro, Bajo Flores, Mataderos, Parque Avellaneda, Constitución y La Boca. Los niños de entre 8 y 17 años incluidos en este programa reciben instrumentos musicales hasta que culminan su etapa escolar. Muchos de ellos quedan con intenciones de continuar vinculados a la música, pero en la mayoría de los casos imposibilitados de hacerlo por sus realidades económicas.Es entonces cuando la Orquesta Aeropuertos Argentina les da la posibilidad de continuar su camino de formación musical. Los jóvenes reciben becas de estudio, instrumentos, insumos, ropa para los conciertos, clases de profesores, oportunidades de conciertos y posibilidades de salida laboral.Además, gracias a un convenio de colaboración entre la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y la Fundación Corporación América, los integrantes de la orquesta han sido habilitados a cursar la Tecnicatura en Instrumentos Musicales."Más allá de la importancia de la música en mi vida, el apoyo económico me es muy importante porque no solo puedo hacerle un servicio a mi violín, comprar cuerdas y todo lo que necesite, sino que además es un sostén y una ayuda grande. Vivo en un barrio vulnerable y no todo es fácil ahí. La orquesta me dio un proyecto de vida", revela Ámbar.Como sueño máximo, a ella le gustaría llegar al mismo objetivo de Ruth Gerez, una de sus compañeras que mañana 7 de abril tocará un solo de violín en el Teatro Colón durante el concierto que brindará la orquesta por los diez años del proyecto.Ruth, de 26 años, también vive en Villa Lugano y forma parte de la orquesta desde su inicio en 2015. "Cuando empezamos éramos pocos y no dábamos conciertos. De a poquito se empezó a agrandar, mejoramos el compromiso y llegar a esto que somos hoy es increíble", afirma la violinista, que se despedirá de la orquesta interpretando "Primavera Porteña", de Astor Piazzolla, en el Colón.En el caso de Ruth, su familia sí estaba vinculada a la música. Su padre tocaba el bombo y su madre era bailarina de folklore. "Yo empecé a los 9 años, cuando mi mamá se enteró por medio de otra mamá de la escuela que existía una orquesta en una escuela del barrio. Ahí empecé con el violín y dije 'Listo, esto es lo que quiero'", recuerda."Ser parte de la orquesta me hizo mejor persona, me enseñó a ser compañera, a formar un equipo. A veces llego y veo que alguna compañera está mal, entonces charlamos, nos preguntamos si necesitamos ayuda. La exposición de los conciertos te ayuda con la confianza, a vencer miedos y estar más segura. Estar acá te abre muchas puertas y oportunidades laborales que no todos tienen, entonces uno tiene que saber aprovecharlas porque no hay nada más lindo que trabajar de lo que a uno le gusta", relata Gerez, quien durante 2024 trabajó como violín solista en la obra musical "Cuando Frank conoció a Carlitos".Una característica común"Para el Colón, de memoria chicos, eh, no pueden mirar la hoja. Vamos de nuevo", les indica Tedesco a los jóvenes, quienes en silencio repiten el ejercicio en la sala que les presta la Fundación Corporación América para ensayar.Según Tedesco los chicos que participan en la orquesta tienen una característica en común muy marcada: un enorme entusiasmo por querer progresar y ser mejores. "Los chicos obviamente cambian al formar parte de este proyecto. Muchos entran como adolescentes y salen después de siete u ocho años como jóvenes con nivel para ganar audiciones o irse a estudiar música al exterior. Esta es una herramienta educativa, pero también de inclusión, porque dedicarse a la música es difícil para chicos de barrios con carencias y la orquesta les ha abierto horizontes para que puedan pensar 'Yo puedo hacer esto'", detalla.¿Qué representa el concierto que darán en el Teatro Colón? "Es un hito", sostiene Tedesco. "Son diez años de trabajo, en los que han pasado más de 200 jóvenes y hemos logrado un nivel de excelencia tal que nos permite encarar este concierto. Es parte del camino y obviamente un logro. Es la coronación de un esfuerzo que no termina acá. Alcanzamos una meta y comenzamos de vuelta con nuevas expectativas", dijo el director musical de la orquesta, quien también es cellista en el Colón y profesor en la UNA.En noviembre de 2022, la labor que desarrolla la orquesta alcanzó otro hito: fue declarada "de interés social y cultural" por la Legislatura porteña.

Excelente montaje de "Carmen", que fascinó al público en un auspicioso inicio de la temporada de Ballet del Teatro Colón

Carmen. Ballet en dos actos basado en la ópera homónima de Georges Bizet sobre un libreto de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, inspirado en la novela Carmen de Prosper Mérimée. Música original: Georges Bizet. Arreglos musicales: Albena Dobreva. Coreografía: Marcia Haydée. Ballet Estable del Teatro Colón. Director: Julio Bocca. Diseño de escenografía y vestuario: Pablo Núñez. Diseño de Iluminación: Ricardo Castro. Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Dirección: Zoe Zeniodi. En el Teatro Colón. Próximas funciones: hasta el 16 de abril.Nuestra opinión: ExcelenteCarmen regresa al escenario del Teatro Colón para celebrar el centenario de los cuerpos estables. El montaje de la versión de Marcia Haydée marca el inicio de Julio Bocca en la dirección del Ballet que lo vio nacer como intérprete solista, hace más de 40 años.Las elecciones de reparto han sido impecables. Natalia Pelayo deslumbra como si hubiera nacido para personificar a la cigarrera de Sevilla. La bailarina se luce en el abanico de recursos actorales y dancísticos que esta versión exige: una mujer que no pide permiso para ser libre y lo declara a voz en cuello. Por ser como es, encontrará la muerte: ya se lo han dicho las cartas.La pareja protagónica que compone con el joven Don José de Valentín Batista, está a la altura del desafío de destreza e interpretación. Batista cae en un abismo, desde la disciplina marcial y sus confrontaciones en el primer acto, hacia el espiral de desastre que lo envuelve en el segundo. No importa lo que intente retroceder: la desgracia arrastra sus pies y ensombrece sus facciones.La creación de la coreógrafa se diferencia de tantas otras por las composiciones de conjunto para varones. El cuerpo de baile masculino sostiene la trama con sus intervenciones como soldados, mozos de la taberna, toreros y contrabandistas.También se destaca la cabal participación de Maricel De Mitri como la dueña de la fábrica, primera figura de poder a la que se enfrenta Carmen desencadenando la tragedia. Otro rol sobresaliente es el Torero Escamillo, de Federico Fernández, en su punzante aparición, con las banderillas de seducción y el poderío de su capote.El vestuario diseñado por Pablo Núñez evoca ropa de calle, de baile social y trajes de luces del Siglo XIX. Y el diseño de escenografía del mismo autor posibilita los climas de fiesta, trabajo y opresión en distintos niveles de altura y profundidad. El artificio sea construye con pocos elementos, pero confeccionados a la perfección por la producción de los talleres del teatro.El público presente no ocultó su fascinación por los breves momentos de liviandad y vuelo. En el contexto de una creación neoclásica, más centrada en la oscuridad dramática que en el brillo de las piruetas, las variaciones del contrabandista en la piel de Jiva Velázquez arrancaron merecidos aplausos espontáneos.La música de Bizet, originalmente creada para ser cantada, atravesó transformaciones y reordenamientos al convertirse en ballet. Aquí la orquesta brilla con todos sus matices en la batuta de Zoe Zeniodi. La directora de origen griego hace lucir los arreglos de Albena Dobreva: en el amor adolescente de Don José y Micaela hay más violines y pureza. En la relación sensual y terrenal que lleva a Carmen, los bronces desatan huracanes de tragedia.El ballet trabajó la reposición con el coreólogo Pablo Aharonian, pero también bajo la atenta mirada de Marcia Haydée, que dejó por unas semanas su casa en las afueras de Stuttgart para acompañar su creación estrenada en Chile en 2004, y compartir su perspectiva en cada uno de los detalles. Así es como pudo verse en redes sociales, momentos de la compañía disfrutando los ensayos junto a la musa de John Cranko y John Neumeier.Su interés por los detalles llegó hasta la noche del estreno y se la pudo ver en un palco bajo, sentada junto a Julio Bocca y todo su equipo de maestros ensayistas. Y también con ellos, subió al escenario a saludar al ballet y recibir los afectuosos aplausos de la concurrencia.Con estas diez funciones de Carmen, el Director General Gerardo Grieco inaugura también una etapa de buenas prácticas hacia las audiencias. Las mismas fueron probadas como exitosas con el público del Sodre cuando se desempeñó como Director General del Auditorio Nacional de Uruguay. Por un lado, se abrió un conversatorio en el ala Tucumán del Foyer. Una hora antes de cada función, el compositor y docente Félix Adrogué conversará con miembros del equipo creativo y artístico, para introducir a los asistentes en los secretos de la creación original, la versión en escena y la producción del Teatro fábrica. En la función del estreno, la concurrencia que superó las expectativas de aforo, escuchó la conversación de Adrogué, con Marcia Haydée y Lucía Chilibroste.Otro de los detalles pensados para abrir el juego, es el programa de mano con la tapa ilustrada especialmente por artistas visuales. En este caso se trata de un collage y dibujo de Renata Schussheim, que envuelve valiosos contenidos periodísticos que ponen en contexto la creación en cartelera y el centenario del Ballet Estable.Por último, también es para mencionar la proyección de ilustraciones del Siglo XIX sobre teletas para dar inicio a los dos actos, planteando escenarios, vestuarios y posturas corporales de la época. Cada una de estas acciones dan visibilidad al trabajo de un teatro fábrica comprometido con el siglo XXI. Este auspicioso inicio de temporada sopla un aire fresco sobre la relación entre el público y el Ballet Estable.

Cómo será el nuevo Teatro Argentino, la sala que una bomba destruyó en el estreno de Jesucristo Superstar

Durante 85 años, en un generoso lote de Barlolomé Mitre al 1400, funcionó un teatro hasta que vino una noche trágica de bombas y destrucción. Tras ello, durante casi 40 años, el lote céntrico pasó a ser una playa de estacionamiento, hasta que se construyó una torre con un teatro adentro sin equipar que estuvo cerrado, como si fuera una figura fantasmal, durante otros 13 años. Todo indica que en dos etapas, julio de este año y verano de 2026, luego de 52 años, habrá de nuevo un teatro que respetará su nombre de gloria como un gesto por intentar recuperar su magnífica historia.La trama de todo eso es más o menos así. En 1892, en Bartolomé Mitre al 1444, la misma manzana en donde ya estaba el actual Teatro Liceo, se inauguró una sala que se denominó Teatro de la Zarzuela. Era un teatro chico, no apto para la lírica, en donde se acabó presentando más espectáculos de magia y prestidigitación que de ópera o drama. Unos seis años después, en 1898, se lo renovó integralmente y pasó a llamarse Teatro Argentino (que, vale aclarar, no es la gran sala de estilo brutalista de La Plata). Por allí actuaron figuras emblemáticas como Benjamín Solari Parravicini, Pablo Podestá y Florencio Sánchez; o en donde se estrenaron obras como El violinista en el tejado y Hair, cuando la sala estaba en manos de Alejandro Romay durante su época de gloria.Debido al éxito de este último trabajo, fue al llamado Zar de la Televisión a quien se le ocurrió montar Jesucristo Superstar, uno de los primeros éxitos de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber. Lo hizo a lo grande: sin escatimar en costos. Luego de varios meses de ensayo la noche del 2 de mayo de 1973 estaba todo listo para su estreno. Pero esa mañana, la histórica sala le tocó lidiar con las intolerancias, con las llamas. Un grupo comando ultrareligioso acabó con sus instalaciones para impedir el estreno del musical, en el cual Susan Ferrer hacía de María Magdalena y Carlos Wibratt de Jesucristo, a quien Romay había escuchado cantar en la calle y que terminó ocupando un rol principal. Del elenco también formaban parte artistas como Marcelo San Juan, Valeria Lynch, Luz Kerz, Ana María Cores y Horacio Fontova, entre otros, en tiempos de cuando eran jóvenes y ni tenían el reconocimiento que se ganaron con el tiempo.Ya días antes del estreno algunas voces se habían opuesto al oponían al montaje. En las calles del microcentro aparecieron unos afiches con la imagen de Cristo y la palabra "desagravio". Un grupo se dirigió al arzobispo Juan Carlos Aramburu para solicitar que intervenga ante las autoridades públicas para que se prohibiera la obra. En este mismo diario se publicó una solicitada de la organización ultracatólica identificada con la sigla ORCI que pedía la intervención "de las más altas autoridades militares, eclesiásticas y civiles para evitar la representación teatral de la obra blasfema".Para el 2 de mayo estaba previsto el estreno. Días anteriores actores como productores habían sido amenazados, pero esa mañana del debut se pasó al hecho concreto. "A las 7.45, cuando todavía el director, los productores y algunos operarios ultimaban algunos detalles técnicos, un comando de siete hombres armados irrumpió inesperadamente y, desde la bandeja alta de la sala, arrojaron 25 bombas molotov que no dejaron nada en pie", contaba el periodista Pablo Gorlero en una nota de 2923. Del teatro Argentino solo quedaron las paredes laterales.A partir de ese trágico suceso, durante años el lugar se convirtió en una playa de estacionamiento (el mismo triste destino de otras salas históricas como Odeón y Politeama una vez que fueron tiradas abajo). El grupo inversor Desarrolladora Alto Grande lo compró a sabiendas de la existencia de la Ley 14.800, promulgada en enero de 1959, que sostiene que "en caso de demoliciones de salas teatrales, el propietario tendrá la obligación de construir en el nuevo edificio otra sala con las mismas características". Justamente esa norma surgió como reacción de protesta de la comunidad cuando, a pocas cuadras de acá, tiraron abajo el Teatro Politeama, el que Juan José Campanella y sus socios convirtieron en una gran sala en 2022. Cuando hace unas semanas se anunció la reapertura del teatro Argentino en un acto que se realizó en el Teatro Colón, Mariano Maioli, directivo de la desarrolladora, reconoció que incluso antes de conocer a Alejandro Romay él ya se imaginaba la torre, el edificio y el teatro.Pero el proceso tuvo su propia agenda. En 2012 se terminó la torre que tiene su entrada por Bartolomé Mitre 1444. Justo al lado está el gran lote con un gran hall de doble altura en con unos grandes huecos en el techo que permiten que tenga luz natural. Al fondo, está la gran sala con una gran estructura de hormigón en donde funcionará en el pullman. Todo este gran volumen sin terminaciones en los pisos, paredes y techos estuvo detenido en el tiempo durante unos 13 años.En esta hoja de ruta la empresa constructora, hace cosa de dos años, le propuso a Diego Sebastián Oria que se hiciera cargo de la dirección artística del futuro teatro. Oria es director, autor, actor y productor de obras como La Parka y Alicia en Frikiland y, más recientemente, de Planeta Gasalla, que se estrenó en el Palacio Libertad. Cuando le propusieron conocer el lugar se llevó una sorpresa. "Yo me imaginaba que iba a ser un teatrito dentro de una galería como los que hay por la zona del centro. Cuando llegué a la primera reunión no entendí nada. Abrieron las puertas de este sector y, pum, ¡un teatro! Lo mismo que estás viendo hoy", cuenta en la primera recorrida por el lugar para un medio de prensa. Al poco tiempo de aceptar el desafío sumó Matías Taverna, con quien trabajó en varios montajes de sus trabajos nacidos y criados en el circuito alternativo, para que se encarga de la dirección de producción del viejo/nuevo teatro que tendrá varios espacios.La sala, a la que bautizaron como Norma Aleandro, contará con una capacidad de unas 700 personas. Ahora, es todo un gran espacio con paredes de hormigón, ladrillo a la vista y escombros en el piso. En la recorrida Diego Sebastián Oria cuenta que el enorme pullman lo mandaron a construir hace unos años Aníbal Pachano y el productor Héctor Cavallero con la idea de hacerse cargo de la sala. Pero aquella gestión no prosperó. Tampoco la de Gustavo Yankelevich. Tampoco la de Carlos Rottemberg. De hecho, en mayo de 2008, Rottemberg había anunciado que para festejar sus 35 años de actividad iba a convertir al terreno baldío en un teatro. Pero luego de esperar nueve meses la aprobación del gobierno porteño cambió de planes y destinó esa inversión para adquirir y remodelar el Teatro Bristol, en Mar del Plata. Luego de esos tres intentos frustrados de productores de peso en la actividad fue la mima inversora que decidió hacerse cargo del Teatro Argentino dejando en manos de Oria y Taverna el pensar las actividades en este enorme espacio ubicado en pleno microcentro.Al gran hall de entrada en donde funcionará un bar lo imaginan como una sala en sí misma dedicada a muestra de artes, instalaciones, experiencias musicales y presentaciones diversas por la cual podrán transitar unas 250 personas. Se comprometen a abrirla el 18 de julio. ¿Con qué? "Estamos en eso", se ríen con un dejo de nerviosismo y aclaran casi a coro: "La idea es abrir con bandas de jazz, tal vez teatro leído. La idea es que el público se encuentre con diferentes experiencias artísticas y que fluya entre el lugar. Nos proponemos que el Argentino tenga vida todo el día. Esto no será un teatro del star system de la avenida Corrientes. Queremos pensar cosas en exclusiva para el lugar y hacernos cargos de la producción de algunas propuestas que se presenten acá", cuentan mientras el lugar.Aunque el Argentino sea vecino del Politeama y del Liceo, plantean algunas diferencias en lo que se refiere al criterio de programación de las otras dos salas. "Nosotros no vamos a tener de miércoles a domingo un mismo título. Apuntamos a que haya cuatro o cinco espectáculos semanales para, también, apostar a la rotación de público de todas las edades", sostiene el creador de obras del circuito alternativo que se transformaron en objetos de culto. Aunque no estén en condiciones de adelantar títulos, tienen en claro que la trágica historia del estreno frustrado de Jesucristo Superstar estará presente en el nuevo Teatro Argentino. Imposible negar esos ecos.Por lo que está construido, básicamente, por la existencia del pullman con capacidad para 175 personas; todo indicaría que se trataría de un espacio tradicional con el escenario y las butacas frente a él. Pero no será así. Matías Taverna, el encargado de la producción, propuso un espacio multipropósito. Imagina un escenario modular que se pueda dividir en cuatro para que se pueda usar según las necesidades de distintas experiencias escénicas con público sentado o parado asumiendo que esa polifuncionalidad complejiza el dispositivo lumínico y sus costos. El costo de inversión para finalizar la obra y equiparla rondará los $2.500.000.000 de pesos.Abajo del escenario/platea de unos 600 metros cuadrados pensado para cuatro distintas posibilidades de ubicación del publico estará otro espacio de guardado de escenografía y camarines los cuales se podrá acceder directamente desde la playa de estacionamiento de la torre. Allí también se ubicarán otros camarines al cual se podrá acceder directamente desde Bartolomé Mitre. En el nivel opuesto, en la terraza, se instalará un gran lugar para experiencias gastronómicas y artísticas con su escenario. "Desde allí tenés accesos visual a las cúpulas del edificio del Congreso, del Barolo o de La Inmobiliaria como para que la terraza sea un punto de referencia turístico de la ciudad", apunta Matías Taverna, sobre ese gran espacio al cual, todavía, no se tiene acceso porque es necesario construir una escalera.Algunos departamentos de la torre como el estacionamiento estarán disponibles para, llegado el caso, de la llegada de compañías extranjeras que se programen en el viejo/nuevo teatro Argentino cuya única sala pasará a llamarse Norma Aleandro, quien nunca actuó allí. Pero a Diego Sebastián Oria consideró que era importante que el nombre de algún representante importante de la cultura esté presente. "Tengo 44 años, pero siempre crecí escuchando hablar de Alfredo Alcón y de Aleandro", reconoce quien fue uno de los que tomó la palabra en la presentación que se realizó en el Teatro Colón.En aquella acto también habló la ministra de Cultura Gabriela Ricardes De todas maneras, aclaran ambos que el gobierno porteño no está directamente involucrado en el proyecto. "De hecho para usar el Teatro Colón tuvimos que alquilarlo. Cuando durante la presentación nos entregaron un diploma que declaraba a la sala de Interés Cultural fue una verdadera sorpresa", reconocen quienes sí tenían en claro en darle visibilidad a todo esto desde un lugar emblemático de la ciudad enclavado a metros del eje de la calle Paraná en donde están los teatro Liceo y el Politeama; y el Cultural San Martín, ese gran otro espacio que entró en modo de recuperación de su edificio.Por cuestiones generacionales, de aquel acto de violencia extrema que impidió el estreno de Jesuscristo Superstar y que dejó al Teatro Argentino convertido en escombros solo tienen los ecos de aquello. "Si me remito a aquello me conecta con el dolor. En lo personal, a mí el teatro me salvó la vida -apunta Diego Sebastián Oria quien, en 2003, recibió un tiro que lo atravesó transversalmente y lo dejó dos días en coma y quien , años después, estrenó La Parka, un musical que retrata el mundo de los muertos como una gran ironía-. Todo lo que atente contra un hecho cultural y la libre expresión me genera causa común. Tenemos ahora una posibilidad enorme de reivindicación y poner un manto de armonía a tantos tiempos revoltosos. El teatro viene para eso, para generar un poco de ruido que sea una molestia agradable. Por eso, todavía no sabemos cómo, pero alguna cita de Jesucristo Supertar será parte de nuestra programación"."De acá a tres años, el proyecto Teatro Argentino apunta a que el lugar se convierta en un polo artístico/cultural de tránsito permanente de artes escénicas y de la plástica, del mundo de las convenciones. Queremos que el teatro sea útil, que lo que suceda dentro de este gran espacio le de vida al propio espacio por más que en ese momento no hay función", se entusiasman antes de salir a la calle Bartolomé Mitre. A metro de allí, para un lado, está el maravilloso Pasaje La Piedad en donde hubo un teatro. En la dirección opuesta, está el Pasaje Rivarola, cuadra que fue escenario de la obra teatral site speficic Marea, de Mariano Pensotti; y locación de la serie Envidiosa.En medio de ese sector de la ciudad que merece su tiempo de revancha luego de 52 años, el Teatro Argentino volverá a la actividad.

Imelda Tuñón habría presentado problemas para interpretar a "La Sirenita" en su nueva obra de teatro

En medio de las nuevas declaraciones de Maribel Guardia, la viuda de Julián Figueroa alista los últimos detalles para su próximo personaje

Continúan en Chacabuco las Fiestas de Teatro

Además de las funciones teatrales, se dictarán talleres y actividades complementarias para actores y público en general. Las entradas podrán retirarse en las salas.

El Ballet Estable del Teatro Colón realizará conversaciones previas a las funciones de "Carmen"

Estas charlas están destinadas a los espectadores que tengan ticket para la función del mismo día en que se realiza el encuentro. Leer más

En fotos. Todos los invitados a la presentación de "Folia" de Amigos del Teatro San Martín

"Hincha! Ritual show": pasión futbolera y teatro inmersivo, una propuesta del creador de De La Guarda

Pichón Baldinu estrenará su nueva obra el viernes 25 de abril en el Polo Cultural y Deportivo Saldías, con un formato del tipo "ritual colectivo" que evoca la celebración del 2022, cuando la selección argentina de fútbol ganó el Mundial. Leer más

En fotos: la función especial de "Folia" a beneficio de la Fundación Amigos del Teatro San Martín

Los fondos recaudados tienen como objeto dar continuidad a los programas impulsados en apoyo al Complejo Teatral de Buenos Aires

Jorge Macri anunció como será la millonaria obra para recuperar el teatro San Martín

El Gobierno porteño lanzó una ambiciosa restauración del Centro Cultural General San Martín, con una inversión de $35 mil millones y un plazo de tres años. La obra busca recuperar su esplendor y potenciar el corredor cultural del "Off Corrientes". Leer más

Alberto Lecchi y Carla Pandolfi desembarcan en el teatro off

Carla Pandolfi, actriz de series como "Envidiosa", "Espartanos", "Un Gallo para Esculapio" y en teatro "Inmaduros", "Perfectos Desconocidos" y "Parque Lezama", protagoniza este unipersonal con dirección de Alberto Lecchi, en el Camarín de las Musas.

Guerra de Malvinas: el campo minado de un recuerdo en dos obras de teatro recién estrenadas

Los ecos de la Guerra de Malvinas se han transformado en un elemento recurrente del teatro argentino. De hecho, en estas dos últimas semanas se estrenaron dos obras que transcurren en esos días violentos durante el tiempo político más violento y macabro de la historia argentina. En Timbre 4, Diego Faturos, en su doble rol de director y dramaturgo, presenta los sábados a la tarde Nos arrancaría de este lugar para siempre en la que un tal Pablo, un pibe que tiene toda la vida por delante, termina en las islas tratando de no pensar en las cosas que le gusta como modo de escaparse de la pesadilla del día a día. En el Teatro San Martín, se acaba de estrenar Sansón de las islas, con dramaturgia de Gonzalo Demaría y dirección de Emiliano Dionisi. En este caso, un retirado jugador de catch (papel a cargo de Luciano Castro) termina participando de un programa televisivo con supuestos fines solidarios que se transmitió durante la guerra y que terminó siendo una de las tantas páginas oscuras de esos tiempos tan oscuros.Pero mucho antes de que los ecos de aquel enfrentamiento y sus múltiples consecuencias se convirtieran en material dramático, fue la misma guerra la que se metió en algunos teatros patagónicos (y no hay metáfora en la afirmación). Sucedió, por ejemplo, con la Sala Select/El Teatrino, de la ciudad Comandante Luis Piedra Buena, de la provincia de Santa Cruz. En ese espacio que en 1921 se habían alojado trabajadores anarquistas y socialistas que entraron en huelga en demanda de mejoras laborales como parte de la historia que retrató la película La Patagonia rebelde, basada en el libro de Osvaldo Bayer; en 1982, durante la Guerra de Malvinas, en el mismo espacio en el que se presentaron figuras como Libertad Lamarque y Tita Merello se alojaron soldados a la espera de instrucciones para el campo de batalla.Al poco tiempo de que concluyera el conflicto bélico, aquellos ecos de los sucedido en esos 74 días empezaron a llegar al escenario en propuestas muy diversas. De hecho, hace tres años, el investigador Ricardo Dubatti consideraba en un reportaje publicado en LA NACION que para ese momento ya había unas 100 obras que abordaban lo sucedido. Entre ellas, algunas obras escritas por creadores extranjeros. De hecho, el actor y dramaturgo británico Steven Berkoff, considerado un niño maldito de la escena europea, fue el autor Sink the Belgrano (Hundan al Belgrano) que tuvo, por ejemplo, una puesta local que montó el mismo Diego Faturos. En esa obra de fuerte contenido político uno de los personajes es un coro. En un pasaje hace referencia al desconocimiento del ciudadano británico sobre esas dos islas del Atlántico Sur antes del 2 de abril de 1982. "Hasta hace una semana no distinguían Malvinas de Bahamas". apunta el coro.Casi un clásicoDentro de la producción escénica local es imposible pasar por alto a Campo minado, esa perturbadora y demoledora propuesta de Lola Arias que reunía a veteranos argentinos e ingleses de Malvinas en tiempos de Margaret Thatcher y de la dictadura argentina de Leopoldo Fortunato Galtieri. Aquello fue un teatro de operaciones escénicas tan contundente que, en registros de julio de 2021 cuando la obra seguí girando, ya se había presentado en 35 ciudades de 18 países y que había sido presenciado por 60.000 espectadores. Contra todo preconcepto, ese montaje de fuerte tono testimonial que abordaba el recuerdo de aquella pesadilla demostró que una obra sobre Malvinas podía ser, también, un éxito de taquilla.A 43 años de iniciarse aquel conflicto el director, escritor y actual director del Teatro Nacional Cervantes Gonzalo Demaría estrenó el pasado fin de semana Sansón de las islas. En su recuerdo personal hay una fecha clara: el 8 de mayo de 1982 cuando, a las 8 en punto de la noche por la pantalla de ATC, comenzó a emitirse el especial solidario Las 24 horas de las Malvinas, que concluyó 24 horas después y que contó con la conducción de Pinky y Cacho Fontana. "Mi recuerdo infantil -aparece registrado su testimonio en la página del Complejo Teatral- es el de ese programa de televisión monstruoso, una transmisión inédita de 24 horas seguidas, donde se presentaron casi todos mis ídolos de la pantalla para recaudar el llamado fondo patriótico. Una viejita, la gran comediante italoargentina Pierina Dealessi, casi nonagenaria, se quitó en cámara sus pendientes de oro para donarlos a la causa. Murió meses después de la derrota, cuando corrían los rumores sobre el desvío de los fondos donados. Su tragedia, mínima al lado de la sufrida por nuestros jóvenes inmolados en el frente de batalla, me sigue conmoviendo". Ese disparador fue el que lo impulsó a crear su propio campo minado en esta conmovedora historia que se presenta en una de las salas del San Martín y que una pelea de catch entre un representante del Bien con el del Mal forma parte del programa.Días antes, el actor, director y dramaturgo Diego Faturos había estrenado en Timbre 4 (en la misma sala en se está presentando Rosa en las islas, que también tiene como telón de fondo a la guerra) la obra Nos arrancaría de este lugar para siempre, trabajo del cual es autor y director. En él también la guerra formó parte de su cotidiano de joven. Su tío Nicolás, hermano de su papá, fue, peleó y logró volver de Malvinas. En la obra, a un tal Pablo, a cargo del actor Joaquín Begino Lavalle, de buenas a primeras lo llaman para sumarse a ese campo de batalla. Ya en las islas, escribe: "Estoy metido en la carpa porque el pozo se llenó de agua. Estoy solo. Leo este diario en voz alta para escuchar algo, otra cosa, porque a lo lejos silban balas. Trato de no pensar en las cosas que extraño, pero si tuviera que elegir una cosa sería mi camaâ?¦".Entre ambas propuestas que coinciden en la cartelera hay varios puntos en común. Los dos relatos están atravesados por dos historias de amor. Una, la del veterano luchador de catch y su compañera de vida y escena (Luciano Castro y Vanesa Maja). En la otra, dos jóvenes (Joaquín Begino Lavalle y Clara Peláez) que se imaginaban hacia el futuro tan perfectos como bellos. Pero para unos y otros con el conflicto bélico instalado todo cambia radicalmente. Ya nada será lo mismo, ni será. En ambos relatos escénicos el clima opresor de la dictadura es una constante. Es más, en cada una de las obras algunos de estos cuatro personajes quedan expuestos a los caprichos sexuales de los representantes de un poder abusador. Y así como en Sansón de las islas uno de los elementos es el catch ("mitad boxeo, mitad teatro", como aseguran), en Nos arrancaría de este lugar para siempre es un grupo de actores lo que están ensayando esa obra en la que a un tan Pablo y una tal Juana los sueños se les transforman en las peores pesadillas.Teatro dentro del teatro que distintas obras se vienen encargando de iluminar; históricas mágicas y conmovedoras en medio de un tiempo marcado por la pérdida.

Un sobreviviente del Crucero General Belgrano cuenta su historia en una obra de teatro: "No soy ningún héroe"

Rubén Otero (62), ex maquinista del buque y veterano de la Guerra de Malvinas, se animó a escribir y actuar sobre lo que vivió, en memoria de los caídos en 1982.Se salvó al poder subirse a una balsa en la que estuvo 41 horas. Dice que los verdaderos héroes son los caídos: "Están a otra altura".

Quién es Valentín Batista, el argentino que protagonizará este sábado la apertura de la temporada en el Teatro Colón

Feliz como quien cumple un sueño, así se siente Valentín Batista el día que pisa por primera vez el escenario del Teatro Colón para ensayar Carmen. El bailarín, de 27 años recién cumplidos, se incorporó al Ballet Estable en las audiciones del 1° de febrero y ya tiene su primer protagónico, nada menos que en la noche de apertura de la temporada, el próximo sábado. Será una novedad para el público habitué. Trae consigo el bagaje de una carrera como solista en la compañía de Texas, donde aprendió a "hacerse artista" bajo la influencia del gran Ben Stevenson.Nada es casual. En la decisión de regresar a su ciudad, después de 13 años de perfeccionarse y comenzar su vida profesional en los Estados Unidos (entre Houston y Fort Worth), dos factores fueron determinantes: volver a estar cerca de su familia y el ingreso de Julio Bocca en la dirección del Ballet Estable del Teatro Colón, en cuyo Instituto Superior de Arte (ISA) comenzó su formación.Entonces, cuando tuvo la certeza de que había sido elegido, cambió el parte de enfermo por una renuncia y se mudó a Buenos Aires, a la casa que hasta hace poco perteneció a su abuelo. Ahora, desde Villa Crespo, toma el subte B cada mañana para ir al teatro. Lleva sólo un mes y medio en la ciudad: "Hay cosas que son diferentes, no me termino de adaptar, pero recién llegué el 16 de febrero y el 18 ya empezamos a trabajar, así que ni siquiera terminé todavía de desarmar las valijas", cuenta risueño. Quedaron para repatriar en un próximo viaje álbumes de fotos, libros que no quiere perder y otras cosas pesadas sin las cuales puede sobrevivir... por ahora."Quería ser parte"Valentín se fue a los 14 a la escuela de Houston y no volvió. "A esa edad te crees grande, pero sos un bebé. Hoy lo veo y no entiendo cómo no tuve miedo de irme solo. Cuando terminé el curso de verano, me dieron un contrato. Enseguida llamé por teléfono a mi papá para contarle y me preguntó: '¿Y qué vas a hacer?' ¡¿Cómo qué voy a hacer?! Me quedé, sin dudarlo. Después estuve dos años en la segunda compañía del Orlando Ballet, que de alguna manera fue como terminar mi formación, hasta que un maestro me avisó que en Texas Ben Stevenson tenía un lugar para un varón. Todos mencionaban que él es un 'formador de artistas', y comprobé que lo es. Mucho de lo que sé ahora es gracias a él".El hecho de que Julio Bocca estuviera en el Colón le prendió la llama. "Esa visión de crecimiento que tiene me superinteresa: leí que quiere poner al Ballet del Colón entre las mejores compañías del mundo y sentí que quería ser parte de eso. Cuando yo era chico, como le pasaba a la mayoría de los varones que querían ser bailarines, me decían 'vas a ser el próximo Julio Bocca'. Ahora veo todo lo que puede hacer con su influencia".Contento y agradecido por la recepción que le dieron en la compañía, cuenta que comparte camarín con el primer bailarín Federico Fernández; a varios compañeros los conoce como el fan que sigue la carrera de sus artistas favoritos. Con otros, la relación es más cercana: fueron compañeros del Instituto.Hasta aquí, en su repertorio de roles protagónicos Batista anota los príncipes de El cascanueces y el La Cenicienta, siempre en versiones de Stevenson, de quien además hizo pas de deux como Tres Preludios y End of Time. Con coaching de Luis Ortigoza y Julio Bocca, en las últimas semanas preparó el rol de Don José de esta Carmen, que le demanda como a todo el ballet un fuerte compromiso actoral. El trabajo cuerpo a cuerpo con su compañera, Natalia Pelayo, también fue clave para afrontar el desafío. "Es un personaje fuerte -admite-. La escena tan violenta del final es lo más difícil para mí, y también te cansa, es un drenaje emocional". Algunas de las herramientas dramáticas que despliega para asumir el rol se las dieron sus padres, ambos actores, al frente de una sala independiente en Villa Crespo, Teatro Ñaca, en el lugar donde estaba la casa de su infancia; también lo ayudó su madrina, la actriz Emilia Mazer.Valentín se acuerda de que cuando era chico y vio con la escuela Pedro y el lobo, el cuento sinfoÌ?nico de Sergei Prokofiev, en una visita al Teatro Colón, volvió a su casa asegurando que alguna vez bailaría en ese escenario. Una ocurrencia verdaderamente premonitoria, tanto que en ese momento ni siquiera había empezado a estudiar danzas. "Hubiera sido más raro que volviera impactado por el edificio y dijera que quería ser arquitecto -se ríe-. La verdad es que siempre quise pararme acá, ¡qué ganas de esto!", suelta, como quien cumple un sueño.

Un día con la legendaria Marcia Haydée en el Teatro Colón

Entre las once y media de la mañana y las cinco de la tarde, cuando empieza y termina la jornada de ensayos del Ballet Estable del Teatro Colón, Marcia Haydée no toma ni un vaso de agua. La mujer, una leyenda internacional de la danza de las que ya casi no quedan, se mantiene absolutamente enfocada en transmitir toda la información y las herramientas necesarias para que su versión de Carmen (2004) salga escena, a partir de este sábado, con todos los ingredientes que necesita en cuerpo y alma: buena técnica, libertad y pasión.Pero absolutamente concentrada no quiere decir ensimismada ni mucho menos abstraída: todo cuanto a su alrededor ocurre merece su atención. Puede devolverle una corrección a una bailarina y hacerle notar a otra que su estampa parece salida de un poema de García Lorca. Puede repartir cálidos abrazos, dejarse tomar la mano por un Don José que se arrodilla frente a ella para escucharla mejor y minutos más tarde sacarse unas fotos para esta nota en un improvisado juego actoral con Julio Bocca. También puede sentarse a conversar con LA NACION sobre por qué la libertad que desde muy chica consiguió en su vida la emparenta tanto con este personaje y, de pronto, apurar el paso si advierte que es hora de seguir la rutina del día en el escenario. Y cuando finalmente llega desde el tercer subsuelo hasta el primer piso, en un viaje de ascensor rodeada de admiradores que se lo hacen saber, puede esperar pacientemente unos minutos tras bambalinas a que una asamblea de trabajadores escenotécnicos termine de debatir sus condiciones laborales. Entonces sí, Marcia Haydée, la joven promesa que salió de Brasil y brilló en Europa, la estrella y musa de los más grandes coreógrafos del siglo XX (John Cranko, Kenneth McMillan, Maurice Béjart, John Neumeier), pareja imbatible con Richard Cragun y también partenaire de Rudolf Nureyev, la misma que creó obras y dirigió compañías, se sienta con su gorra de raso floreada y zapatillas deportivas, y a los 87 dice: "En el momento en que Dios me diga ya basta, me quedaré en mi casa por los últimos años de mi vida. Pero mientras tanto, mientras tenga fuerzas y ganas, y el mundo siga pidiendo algo de mí, voy a estar aquí. Esto no es una presión, es un placer".11.20 hs.Excepto por el chal color carmín, Marcia ingresa completamente vestida de negro en la sala 9 de Julio ni bien Luis Ortigoza termina de dictar la clase de las 10. Sin pensar que por largos años los dos se vieron las caras todos los días del otro lado de los Andes: Haydée era la directora del Ballet de Santiago donde él fue bailarín étoile, y lo preparó luego concienzudamente para que la sucediera en el cargo, que Ortigoza ejerció durante dos años en Chile.La coreógrafa toma posición en el centro de una fila con los maestros internos de la compañía, que despliegan panillas y convocan a los soldados a empezar por una escena crucial en el argumento. "¿Qué pasó que de pronto Don José quedó dentro de la celda y Carmen afuera?", dice sugerente el cordobés Leonardo Cuestas, coreólogo del Ballet Estable. Su pregunta retórica marca el tono de lo que se va a ver. Jiva Velázquez y Facundo Luqui se alternan en los roles del protagonista y del primer oficial, mientras un sólido cuerpo de baile masculino los circunda, en ordenada marcha militar. El exbailarín y ahora maestro de la casa Edgardo Trabalón, que tantas veces hizo esta obra antes en las versiones de Alberto Alonso, Mauricio Wainrot y Alejandro Cervera que integran el repertorio del teatro, se fascina viendo la cocina de una Carmen cargada de peso actoral, y cuenta que a pedido de la misma Haydée les enseñó el paso marcial a los varones, así como la forma de limpiar el fusil, un conocimiento que trae a la danza de sus días en el liceo.Entre los hombres se identifican caras nuevas, incorporaciones que resultaron de las audiciones del 1° de febrero: está el chico que vino de México, el de El Salvador, de Estados Unidos, pero es imposible que la mirada no se vaya detrás de la técnica de un jovencito estilizado que más tarde, con una sonrisa de oreja a oreja, comentará apoyado en una barra que cruzó el charco desde Uruguay (bailaba en el Sodre), pero es argentino y formado en el Instituto del Colón -tomar nota de ese nombre que promete: Fernando Haziel-. En términos actuales, podría decirse que lo que sigue es una escena de bullying que los uniformados le hacen a Don José por haberse dejado embaucar por una mujer que, haciendo uso de un arma irresistible -su poder de seducción- lo puso tras las rejas y después logró escapar.El pianista va y viene tantas veces como haga falta por la partitura de Bizet que está cumpliendo un siglo y medio. Vagram Ambartsoumian salta de la silla al tapete a mostrar con el propio cuerpo una corrección mientras Natalia Saraceno y Cuestas le comentan a Marcia algunos detalles. Ella les presta atención y da lugar a las sugerencias del staff; cada par de ojos cuenta para enriquecer sus propias certezas. "Yo sola no puedo hacer nada. Oigo lo que dicen a mi alrededor; ellos saben lo que quiero", aprecia con la humildad de los grandes. Luego, reparte un mix de devoluciones coloridas: Vinicius, usá la cabeza un poco más rápido; David, ¿te cortaste el pelo? ¡Será por eso que estás saltando más alto!; Jiva, qué bien hoy: ¿ensayaste toda la noche?; Luciano, me encantó tu sonrisa. "Me gusta hablar con los bailarines, que me cuenten cosas. Y pasarles a las nuevas generaciones un poco de todo lo que yo tuve". Divino tesoro el de la transmisión. No importa a quién se le pregunte en el teatro, desde el director hasta un intérprete recién incorporado a las filas del cuerpo de baile, a todos se les cae de la boca la misma frase: "Es un honor tenerla acá".Hace un año y medio, con el repositor Pablo Aharonian -que también esta vez trabajó las primeras semanas de montaje con la compañía-, Marcia Haydée estuvo remontando para el Ballet Estable La fierecilla domada. En esa oportunidad dio una generosa entrevista con LA NACION y ahora comparte un día completo de trabajo. A la hora del reencuentro con la compañía, dice que enseguida advirtió un cambio. "Entró el gran Julio Bocca y se nota". ¿En qué, por ejemplo? "En la técnica, está más apurada", usa un adjetivo que aporta acento brasileño a su perfecto español.12.05 hs.Con zapatillas de punta, Ayelén Sánchez afianza su interpretación de Carmen. Prueban la primera escena, en la fábrica de tabaco, que comienza con un barullo generalizado y termina en una punzante pelea. Se oyen las voces, las arengas. ¿Quién dijo que las bailarinas no hablan? "Como en una película o una pieza de teatro, la palabra es parte de la obra, sin eso no funciona. Y cuando llegan los contrabandistas, vas a ver ¡a los gritos! Hoy en día, un bailarín no puede solamente bailar; para mí lo más importante siempre fue la actuación. Me convertí en lo que soy porque tuve esa capacidad; si fuera solo danzar, no hubiera hecho nunca esta carrera, me habría aburrido", confiesa Haydée. Entra la dueña de la cigarrería (en cada repetición del cuadro, las cinco intérpretes que tienen el papel irán probando) y golpea el bastón sonoramente dos veces contra el suelo para poner los puntos sobre las íes. "A las chicas no les gusta que les esté indicando qué hacer, y como Carmen hace lo que quiere, habla como quiere, grita, baila, al final es como que todas se convierten en Carmen", traduce. El cuadro finaliza con un vestido roto por la espalda y un cuchillo bañado en sangre. "Van a tener que tener cuidado de apretar la pelotita de tinta en el momento justo para que no quede todo teñido de rojo antes de tiempo", advierte Marcia. Por el momento, el arma de utilería se mantiene seca.Cuando suena la famosa "Habanera" que le dio a la ópera una de las arias más famosas, sentada en un banco de madera Carmen abre las piernas y suelta su cabellera en un meneo de cabeza de 360 grados. De forma atenuada, como un reflejo involuntario, Marcia reproduce ese movimiento. La gorra no se le mosquea, pero se nota que lleva el personaje en el cuerpo. "Es verdad, tengo una relación fuerte con Carmen, que para mí no es una persona sensual, es como un animal salvaje. Tiene el poder de manipular a cualquier hombre: todos quieren estar con ella. Y las mujeres buscan ser así, con esa libertad total, sin miedo a nada. Creo que hay un poco de eso en mí porque salí de casa con dieciséis años e hice mi carrera sola por Europa, tomando mis decisiones. Mi madre me dio libertad completa para hacer mi propia vida, para saber que quiero esto, pero no quiero aquello. Definitivamente tengo mucho de Carmen, por eso mi marido es un hombre muy especial: cuando me ve que voy rompante, me mira, espera y luego dice: ¿Terminaste? ¡Entonces vamos a comer!", suelta una carcajada. Él es Günther Schöberl, casi veinte años menor; no está esta mañana en la sala, pero tampoco muy lejos. Tal vez del otro lado de la 9 de Julio, en el hotel donde se alojan. Vienen de Canadá, después de Buenos Aires irán para Brasil. "Él me entiende". Por algo llevan treinta años juntos.13.00 hs.La última en probarse la piel de esta mujer salvaje es Victoria Wolf. El comienzo de este 2025 le resulta muy gratificante a la bailarina, que siente el desafío y la oportunidad de interpretar por primera vez a Carmen. "Es un proceso de gran aprendizaje y destaco la confianza en uno mismo que Marcia Haydée fomenta, siempre buscando resaltar algo único de cada una", dice. Sobre esto último, se sincera: "En un primer momento, no sabía por dónde empezar a construir el personaje, pero de a poco fui aferrándome a la fuerza interior que para mí tiene que tener una mujer para vivir así, fiel a ella misma, con una necesidad de total libertad, incluso dispuesta a morir por eso". Justamente Marcia cree que esta compañía tiene personalidad y que no hay entre todas ellas dos Carmen iguales. "Son cinco repartos, como quería Julio, y todos entendieron lo que yo pedía. Son seres diferentes, así que veo a cada una detrás del personaje. Yo les digo qué hacer y no les digo cómo hacerlo, tienen que poner de sí mismos".A propósito de Bocca, a la hora del break, el flamante director deja la sala donde simultáneamente ensayaba a otra pareja, y viene al encuentro de su invitada. "Julio es especial, tiene una cabeza muy buena. Pienso que puede resultar difícil para los bailarines sin tanta disciplina, pero en esta vida uno necesita tenerla", evalúa la coreógrafa, que conoce al argentino desde que él era una estrella en Nueva York y ella la directora del Ballet de Stuttgart: ni bien escuchó de la buena fama del argentino, lo quiso de príncipe para su Bella durmiente. Mucho más tarde, cuando Bocca dirigió el Ballet del Sodre en Uruguay, le devolvió la gentileza de convocarla, para hacer su Carmen. Como aquí y ahora: "Que él quiera entrar en el Colón y abrir su primera temporada con mi obra es un orgullo". El momento cómplice de ver jugar a dos grandes frente a la cámara del fotógrafo de LA NACION atrae la atención de más curiosos, que también enfocan y hacen clic. Haydée lo abraza y Bocca se arrodilla, pone la cabeza sobre su regazo. Ella lo acaricia.14 hs.El turno tarde de este día con Marcia Haydée traslada la acción al escenario, donde durante las siguientes horas se realiza todo tipo de ajustes para que los engranajes de la gran maquinaria que es una obra estén donde tienen que estar. Los decorados entran en relación con los bailarines, que prueban las tarimas, ingresan con faroles y baúles, se trepan a la reja de una celda. Todo ocurre por primera vez: incorporar las distancias entre los integrantes del cuerpo de baile los hace repetir una secuencia de saltos que no termina de cruzar dos diagonales exactamente donde Bocca quiere. Entonces, él mismo se aposta como señalización de la altura adonde debiera elevarse el grand jeté. La maniobra resulta elocuente: con él ahí parado ya no fallan.Todo vuelve a empezar, como unas horas antes tres pisos más abajo, con la escena inicial en la cigarrería. En el proscenio, junto a Haydée, además de los maestros internos ahora se ubican Bocca y su staff (la asistente de dirección española, África Guzmán; Nadia Muzyca y Ortigoza). Cuando Maricel De Mitri toque la campana, un telón del color del tabaco subirá. De Mitri tiene la severidad que pide el rol de la dueña de una fábrica de cigarros donde decenas de mujeres rebeladas van tras el humo de una tal Carmen. Es un gusto volver a verla en acción y comprobar que la artista está ahí, que sigue persiguiendo aquel laborioso estándar de sus días de primera bailarina: "Siento mucho respeto por este escenario", balbucea en una de sus entradas y salidas. Pasó una década de aquella lesión de rodilla que la dejó fuera de pista y sin despedida. Tal vez haya que pensar que por algo el capítulo quedó abierto, que tenía que volver.Julio Bocca se concentra en las líneas y la técnica. Camila Bocca (que baila Micaela en este reparto y Carmen en otras funciones) atiende una devolución del director en una esquina: casualmente comparten apellido, pero no existe parentesco entre los dos. Haydée dedica unas palabras a Micaela, una mujer muy especial, porque tiene la capacidad de amar, y repara además en el antagonismo. "Micaela ama a Don José, sueña con casarse, estar a su lado, ayudarlo a ser un gran oficial. Totalmente diferente de Carmen, que se ama a sí misma, ama su libertad. Porque Carmen no está enamorada de Don José, lo que le sucede es que de pronto ve a ese hombre que está haciendo carrera, que tiene una novia, que abandona todo por ella, que es capaz hasta de matar... Y ahí empieza una situación entre ambos que no se puede decir que sea un gran amor".Natalia Pelayo y Valentín Batista son Carmen y Don José en este momento. También en ellos recaerá la responsabilidad del debut, el próximo sábado. Con veinte años en el Ballet Estable y experiencias en otras aguas artísticas como el cine (fue la Francisca de la película Aniceto, de Leonardo Favio), Pelayo está entusiasmada porque por primera vez como bailarina clásica va poder usar su voz en escena, decirle al público mientras baraja las cartas: "No quiero que me atormenten ni mucho menos que me manden; yo quiero ser libre". Batista, de 27 años, pisa por primera vez el escenario más importante del país: se incorporó al Ballet Estable hace poco más de un mes. Recién cuando fue elegido en la audición del verano, renunció a su puesto de solista en el Texas Ballet y desarmó su vida en los Estados Unidos, adonde se había ido a estudiar a los 14 años.El segundo acto arranca tocando la cuerda del humor, con un divertissement en la cantina entre el cuerpo de baile y cuatro mozos pasados de copas, bandidos y toreros. Federico Fernández es Escamillo (el primer bailarín alternará este papel con el protagonista, que ya conocía de primera mano, porque Marcia le montó el ardiente pas de deux por Zoom para su compañía independiente, cuando todavía regía la distancia pospandemia). Pero el clima festivo dura poco: cuando llega Don José los celos lo vuelven loco.La bailarina Natalia Pelayo, del Ballet Estable del Teatro Colón, anticipa el estreno de "Carmen"Ciertamente toda la pieza está regida por la intensidad dramática de Bizet más Haydée, que está pendiente de la teatralidad. Por algo no fue "una bailarina normal"; por alguna razón Cranko creó sobre ella la Tatiana de Onegin o la Julieta de Shakespeare (¡vaya dramas!), y dos años antes de morir le hizo una Carmen que, admite, "no funcionó", en buena medida, porque "para evitar la música de la ópera encargó otra nueva a Wolfgang Fortner".Todavía en esta instancia sin trajes, sin luces ni sangre en el cuchillo, cuando Pelayo y Batista se trenzan en el pas de deux del final el impacto de lo que allí está pasando -digámoslo con todas letras: un femicidio- corta el aire, y la actuación conmociona. "Lo hicieron muy real, muy del corazón. Es fuerte", les dice la coreógrafa para terminar la jornada a las cinco en punto. ¿A alguien se le ocurre un halago mayor?Para agendarCarmen, con coreografía de Marcia Haydée y música de Bizet, por el Ballet Estable del Teatro Colón. Cinco parejas protagonizarán diez funciones, del 5 al 16 de abril. En los roles de Carmen y Don José se alternarán los bailarines Natalia Pelayo y Valentín Batista (el 5 y 11 de abril), Camila Bocca y Federico Fernández (6, 12), Ayelén Sánchez y Facundo Luqui (8, 13), Eliana Figueroa y Jiva Velázquez (9, 15), Victoria Wolf y Juan Pablo Ledo (10, 16).

Ralphie Choo en el Teatro Vorterix: como ajeno en recital propio

La banda (discreta en actitud pero magistral en performance) pareció funcionar de forma autónoma, ante la livianísima conexión del cantante español.

La Orquesta Estable del Teatro Colón brindará un concierto gratuito en la Usina del Arte

El programa incluirá obras de autores rusos: Ocho canciones populares rusas, op. 58 de Anatoly Liadov y la Sinfonía nº 4 en fa menor, op. 36 de Piotr I. Chaikovsky. Leer más

Se elevan a nueve las jóvenes que acusan de presuntos abusos a su profesor de teatro en Granada

Claudio García Satur, a corazón abierto: su vuelta al teatro, el padecimiento de Rolando Rivas y sus ganas de enamorarse

Camina por Avenida del Libertador coronado por un sombrero que lo protege de los últimos soles impiadosos antes del estallido de los ocres de un otoño que aún no debutó. Claudio García Satur conserva la hidalguía de esos personajes que interpretó y que paralizaban al país.Sí, está claro que rápidamente aflora en las retinas el recuerdo de Rolando Rivas, ese taxista que catapultó al actor a una fama desmesurada. Aunque fue, es, mucho más que eso.Hace tiempo que no se lo ve sobre un escenario, mucho más en una televisión abierta que ya no solo reniega de los intérpretes maduros, sino que ha discontinuado su producción de ficción. Pero el público no lo olvidó; ¿cómo archivar en un anaquel polvoriento a quien acompañó la vida de tantas generaciones?Acaso, respondiendo a ese deseo de sus seguidores y a su propio anhelo de seguir ejerciendo su oficio, el próximo 8 de abril realizará una presentación en el Multiteatro cuyo título resume cabalmente el espíritu de la experiencia -El Rolo y yo-, y debajo la frase "quiero verte una vez más", que bien aglutina el deseo de ambas partes, artista y espectadores, como en un acuerdo tácito. Desde ya, será mucho más que una charla a viva voz, sino un ritual, casi brechtiano, donde intérprete y público se enlazarán con complicidad. View this post on Instagram A post shared by Multiteatro (@multiteatro)"Podría definirlo como un acto temerario, una especie de alucinación llevada a la realidad, parece un chiste, pero no lo es", confiesa Satur, la figura que con solo mencionar su apellido se instala rápidamente en el inconsciente colectivo. "Se le ocurrió a Carlitos (Rottemberg) llevar esta idea a uno de sus teatros", reconoce.El productor y empresario está detrás de esta "reparación histórica" -no será la primera vez que Carlos Rottemberg concrete algún milagro escénico- y, quien, con su habitual buen olfato, decidió que la ocurrencia de su amigo actor engalane una de sus marquesinas de la calle Corrientes. "Es una responsabilidad estar en ese espacio, pero si resulta un fracaso, cosa que no creo, nadie se enterará porque, justamente, fue un fracaso". Razonamiento deductivo. Hay gran expectativa y una boletería que se "mueve" en sintonía con eso. "Los éxitos te los recuerdan, porque los vieron muchos".-Y usted ha tenido unos cuantos.-Unos cuantos en teatro y ni hablar en televisión, pero, como decía (Jorge Luis) Borges, "el éxito y el fracaso son dos farsantes". Nada de todo eso es cierto, pero, de eso vivimos. Yo vivo de mi expresión, como vos vivís de la tuya.-Me enfrento a una gran estrella-No soy una estrella, ni mucho menos.Claudio García Satur nunca renegó de su estelaridad, pero siempre prefirió escabullirse de las efervescencias y los apasionamientos inmoderados. Aún en el pico de su popularidad, él prefería refugiarse en su biósfera más personal e íntima.-Me parece que usted no se hace cargo de su rango.-No soy una estrella, los chicos más jóvenes no me conocen.El contrapunto podría extenderse durante horas. No hay modo de hacerle entender que su nombre está inserto en ese grupete de validados con la varita del éxito con mayúsculas. Mejor continuar y no contradecir al hombre, famoso en el ambiente por ser "quisquilloso", diría una abuela.-¿Podríamos definir la presentación que hará en el Multiteatro como un espectáculo?-No, porque un espectáculo es algo que impresiona y yo ya no impresiono a nadie. Nunca impresioné a nadie.-¿No?-Lo que tenía era juventud y osadía. También en El Rolo y yo voy a ser osado.-¿Sobre qué hablará?-Sobre mi barrio, mi pieza, mis viejos; de por qué el "Rolo" existió.-¿Por qué existió?-Porque había grandes libros, pero también un actor detrás; por eso voy a contar quién era yo antes de Rolando Rivas.Conversar con Satur es adentrarse en una charla con múltiples derivaciones. Y él no le quita el cuerpo a ninguna.-¿Fue anarquista?-Sí.El tachero anarco se confiesa con LA NACION. Y también le pondrá punto final a la charla cuando lo considere necesario. Así son las estrellas, aunque él no se asuma de esa manera.Suceso-¿Por qué le dijo que sí a Rolando Rivas, taxista?-No tenía ni idea qué iba a escribir Alberto (Migré) hasta que me dio el primer libreto. Lo extraño mucho, era un hombre inteligente, muy culto, abierto y un autor de putâ?¦ madre. Tenía el conocimiento del varón y de la mujer, de la clase media y de las mesas de lujo.-Alguna vez, usted comentó que Alberto Migré llegaba a describir en sus didascalias los detalles de la vereda de la casa de los personajes como un modo de contextualizar exhaustivamente.-Te contaba qué sentían los personajes. Podía decirte, "la pérdida de su compañera ha sido la pérdida de la ilusión de su vida". Y eso te hacía entender que no se trataba de una mina más. Era un poeta.-Vuelvo a lo de antes, ¿cuál fue su reacción cuando leyó el primer episodio de Rolando Rivas, taxista?-"La putâ?¦ madre, tengo que aprenderme siete páginas de monólogo".-Un reacción lógica, pero incompleta.-Me maravilló lo que había escrito, pero, además, me estaba dando una gran oportunidad. Ya había trabajado con Narciso Ibáñez Menta y tenido un protagónico con él, venía de hacer cuatro años Los Campanelli, con la seguridad de saber que tenía un sueldo todos los meses para poder vivir, y ya me había sentado en la mesa de Mirtha (Legrand) en el año 1969, tres años antes de Rolando Rivas.-Podría afirmarse que usted ya era famoso cuando le llegó hacer al que se convertiría en el taxista más famoso del país.-No, tenía trabajo, pero a la gente le costaba asociar mi nombre con la imagen. Alberto Migré tuvo que pelear para que el canal aceptara que fuese yo el protagonista de esa historia.Previo a la confirmación de su nombre, Alberto Migré lo invitó a cenar en reiteradas oportunidades: "Me iba chequeando, pero yo no me daba cuenta". La estrategia salió bien y, finalmente, Satur fue parte sustancial de Rolando Rivas, taxista, la ficción que se estrenó el 7 de marzo de 1972 y que se vio los martes a las 22 por Canal 13 a lo largo de dos años. "Trabajar con Alberto Migré era hacerlo con el mejor bandoneonista, el (Aníbal) Troilo de la escritura. Yo soy tango, esquina, barrio".-Su barrio de infancia y juventud fue Boedo.-De Boedo voy a hablar en el Multiteatro, de cómo era encarar una mina, pero no desde la liviandad, sino desde el detalle, desde la poesía.Durante la primera temporada de Rolando Rivas, taxista, Satur estaba acompañado por Soledad Silveyra (Mónica Helguera Paz) y, durante el ciclo de 1973, fue Nora Cárpena (Natalia Riglos Arana) quien se sumó en reemplazo de su compañera para encabezar el programa que medía más de cuarenta puntos de rating. "De Solita me enamoré y ella salió disparada del programa. Nora, en cambio, era una amiga"."Yira que te yira, a través de la ciudad, este taxi mío, es un mundo en libertad", decía la canción leitmotiv de la novela en formato semanal que, ni bien comenzaba a sonar, paralizaba a la Argentina."[A Alberto Migré] lo extraño mucho, era un hombre inteligente, muy culto, abierto. Tenía el conocimiento del varón y de la mujer, de la clase media y de las mesas de lujo. Trabajar con él era hacerlo con el mejor bandoneonista, el (Aníbal) Troilo de la escritura".-Ese "impostor" del que hablaba Jorge Luis Borges, que, en su caso, fue un suceso que muy pocos actores logran, ¿cómo le modificó la vida?-Todo se dio súbitamente. Vivía en la calle Juncal y el teléfono de mi casa estaba descolgado todo el día, porque, de lo contrario, no paraba de sonar. Cuando quería hablar, cortaba y marcaba. No fue fácil, no estaba preparado para un éxito de esa dimensión.Una anécdota grafica aquellos tiempos de fama inconmensurable: "Estando en Mar del Plata, cenando en un restaurante con mi hermano, la gente no paraba de pedirme fotos y autógrafos, así que, luego de un rato largo sin probar bocado, corrí el plato y dejé de comer, pero le dije a mi hermano: "Si de ahora en más me voy a morir de hambre, prefiero pegarme un tiro. Jamás renegué del público, cómo podría protestar del cariño de la gente, pero era muy difícil, no había medida".-Además, usted siempre fue de esos actores que se resguardan. No ha sido una figura de estrenos ni fiestas de la farándula. Siempre fue muy reservado.-Te diría que casi recoleto. De todos modos, la repercusión de Rolandoâ?¦ me llegó a los 34 años, ya era grande.-Lo encontró plantado.-Si hubiera sido más chico o inmaduro, me podría haber matado o convertido en un pelotudâ?¦-Nunca lo mareó la fama.-Al principio, un poco. No sé si era mareo o fastidio.-¿Fastidio?-Es que nunca esperé la fama como objeto de deseo, yo iba a laburar y, de ser posible, buscaba ganar bien. Una vez, mi viejo me dijo "que estés en una cartelera de teatro, no significa el triunfo".-Su padre, Enrique García Satur, fue actor, algo sabía al respecto.-Cuando, a los dieciocho años, me dieron la libreta de enrolamiento, me dijo "vas a votar, vas a ir al Servicio Militar, pero todo eso confirma solamente tu condición de varón, ser un hombre te va a llevar un tiempo más".TerruñoConfiesa que "sólo estudié hasta sexto grado, pero soy un producto de los libros". En reiterados momentos, dejará en claro que es un hombre muy leído, un fanático de William Shakespeare que puede desmenuzar al Bardo con notable precisión."Trabajé en el San Martín", aclara, poniendo en blanco sobre negro que no solo los textos populares -que siempre dijo con convicción y rigurosidad- han sido su medio.Como gran lector que siempre ha sido, Claudio García Satur es un ferviente admirador de la obra de William Shakespeare. Incluso, en 1965, llegó a interpretar Romeo y Julieta en Estados Unidos: "Estuvimos en el Central Park, en el Bronx y en Queens. Trabajé en el Shakespeare Festival y nuestro productor era también productor de A Chorus Line y de las presentaciones de Mijaíl Barýshnikov".-Sin embargo, decidió regresar al país.-Me volví.-¿Nunca fantaseó con radicarse en los Estados Unidos?-Sí, claro, si hasta tenía una novia allá.-¿Hablamos de novias?-¿Te parece?-¿Le gustaría estar en pareja?-Sí.Terminante el hombre. Se pierde el pelo, pero no las mañas, dicen. Cabello le sobra y de lo otro también. Terminante el hombre de 87 años, con dos hijas y tres nietos. "Aprovecho para decir a través de esta nota que, si hay alguna 'mina', acá estoy, y perdón por la expresión que no está de moda".-¿Quizás el lunfardo era algo despectivo?-El problema no está en la palabra "mina", sino en cómo la decís. Si yo digo "mi vieja fue una buena mina", nadie debería ofenderse. Cuántos hay que dicen "señora" y cagâ?¦ a palos a la mujer."Estaba en Mar del Plata, cenando en un restaurante con mi hermano y la gente no paraba de pedirme fotos y autógrafos. Luego de un rato largo sin probar bocado, corrí el plato y dejé de comer [...]. Jamás renegué del público, cómo podría protestar del cariño de la gente, pero era muy difícil, no había medida".-Entonces, abrimos la convocatoria para posibles parejas.-Si hay una muchacha que quiera conocermeâ?¦ Se llevará un hermoso disgusto.-A esta altura del partido, no claudica en su deseo de compartir la vida con una mujer.-Sería importante. Debo reconocer que he sido bastante mujeriego.-A confesión de partes.-Los que hemos nacido en la primera mitad del siglo veinte no podemos dejar de ser mujeriegos y machistas, porque hemos sido construidos por mujeres que hicieron machistas. Me crie con mi mamá y dos hermanas, una me llevaba quince años y la otra, catorce. Imaginate lo que era yo en sus manos, era el bebé del mundo. Cuando llegué a la adolescencia, ¡Dios me libre!, cómo me iban a dejar salir con una camisa arrugada. Me la sacaban y me la planchaban.-¿Cómo ve a la sociedad actual?-De una manera espantosa. Me preocupa la gente que no puede trabajar, que le saquen los medicamentos. Veo desesperación. No es que veo a la gente por la calle desesperada, sino que la veo andar triste. En consecuencia, entiendo que eso deviene de la desesperación y no se trata de un estado solamente privado, sino también social. No es de ahora, la sociedad se ha ido rompiendo como una tela que se desgarra. Tenemos un pueblo triste y yo no puedo estar alegre en medio de un pueblo triste. Puedo tener humor, pero no estar alegre, cuando hay gente que padece su condición de jubilado, un sector al que siempre le chuparon la guita.-¿Ha sabido invertir?-No, pero me importó un carajâ?¦ He ganado muy bien, bien, regular y hubo momentos donde no he ganado, como le sucede a todo el mundo, pero, cuando uno agarra una buena racha se fortalece. Sin embargo, ahorré algo, no mucho, sabiendo que llegaría este momento de la vida. Ahorré, pero también me achiqué. Vendí el departamento que tenía de ciento veinte metros cuadrados y me mudé a uno más chico que no llega a los cincuenta y queda exactamente enfrente del anterior.Sostiene que algunos problemas en la vista (maculopatía) aparecidos recientemente le condicionan su afición por la lectura y que, incluso, apela a los mensajes de audio antes que a los escritos. Sus reseñas por WhatsApp son extensas, se lo percibe cómodo en el uso de sus dispositivos: "No soy distinto porque tenga un teléfono móvil, lo que cambian son mis acciones, porque tengo un teléfono. Antes, el llamado se terminaba haciendo, pero, a veces, un día después y desde un teléfono público. La mecánica cambia y el hombre comienza a cambiar para la mecánica. Si a mí me hubiese agarrado el éxito de Rolo con los celulares, hubiera sido tremendo, me hubieran sacado fotos hasta con la lengua afuera. Hoy sucede con los actores jóvenes, por eso rápidamente se deja de ser estrella para ser un ser humano común y eso, por un lado, es estupendo. Uno es un ser humano común, ahí tenés un título".Pide un café pequeño y reafirma que esa es la medida que le recalca al mozo. "Si no aclarás, te traen una palangana".-¿Se cuida? ¿Es estricto en sus hábitos?-Salgo a caminar, no mucho, pero doy la vuelta a la manzana para fortalecer las piernas, ya que estuve en silla de ruedas dos meses y medio, fue mucho.El actor comenta que se sometió hace un tiempo a una intervención quirúrgica y que, además, lidia con las consecuencias de un epoc, resabio de su hábito de fumador durante muchos años. "¿Cómo hace la gente de clase media para costear sus tratamientos de salud? Por suerte he trabajado mucho y tengo dos hijas que también tienen una madre con buena posición económica".-¿Es cierto que adhirió al anarquismo?-Sí, en el concepto social de la palabra, no se trata de ser un individuo anarquista, sino una sociedad que piense así. De todos modos, sé que es una ilusión, una utopía. El mundo es otro. Desde la época de los señores feudales, siempre hubo un patrón. El patrón puede tener dos destinos, hacer el bien o hacer el mal. También puede haber grises y el anarquismo también puede ser un gris, pero no se pudo aplicar nunca. Y Trotski fue asesinado por un allegado. Hay que leer la historia y absorberla.TrayectoriaDesde ya, Claudio García Satur es mucho más que Rolando Rivas, taxista. Enumerar los títulos teatrales y cinematográficos que protagonizó y los programas de televisión que encabezó, sería una tarea titánica, casi inabarcable. Imposible no pensar en ficciones televisivas como Dos a quererse, Historia de un trepador o Son de Diez o en piezas de teatro como Un guapo del 900, Aeroplanos o El conventillo de la Paloma, por solo citar algunos pocos ejemplos.-¿Qué le queda por hacer?-Nada. Tal vez, Rey Lear, pero ya, por edad, no lo podría hacer. Uno no puede entender cómo William Shakespeare pudo escribir esas obras con tanto conocimiento del ser humano. Los actores nos enamoramos más de aquello que podemos llegar a decir en el escenario que del personaje en sí mismo.-¿Por ejemplo?-Me hubiera gustado mucho decir, en Así es la vida, "hay que agrandar la mesa, vieja".-Interesante enamorarse de los parlamentos antes que de los personajes.-Cómo no te vas a conmover diciendo "mi reino por un caballo", frase de Ricardo lll de William Shakespeare. ¿Quién no va a querer decir eso? "My kingdom for a horse", repite en inglés, elevando la proyección de su voz, aunque sentado, erguido sobre sí mismo. Y uno no puede más que ver a un gran actor y a un hombre apasionado.-¿Padeció el prejuicio de ser "popular" de parte de algunos sectores de la crítica o la intelectualidad?-Dicen "un actor de televisión no puede ser un gran actor de teatro".-Absurdo.-En la lista de esos actores están Rodolfo Bebán, Alfredo Alcón, Mauricio Dayub. La televisión no hace buenos o malos actores.-No es sencillo hacer televisión.-Es muy difícil. Ahora no sé cómo será porque hace veinticinco años que no hago televisión, salvo unos especiales de Tiempo Final de los hermanos (Sebastián y Alejandro) Borensztein y otro programa con Claudia Lapacó.-¿Volvería a hacer televisión?-Ya no puedo, tengo una pierna medio jodida, apareció el problema en la vista y tengo el epoc de todo lo que me fumé en la vida.Con Guillermo Bredeston y Rodolfo Bebán hacían explotar las boleterías del Provincial de Mar del Plata en las décadas del sesenta y setenta. En los noventa hicieron Los galanes peinan canas, ya siendo maduros. "Una vez le dije a Guillermo (Bredeston), viendo la platea llena de mujeres grandes: 'Antes eran todas chicas' y él me respondió: 'Son las mismas, que crecieron'".-¿Piensa en el paso del tiempo?-Los pensamientos son como perros que te asaltan y te mueren.-¿Qué dicen esos "perros"?-Hablan sobre la vida, la muerte, el tiempo. A veces, aparece el "perro" tiempo y uno dice, "pucha, son 87 años". Quizás el fin esté cerca o lejos, o, quizás, no haya fin. Ese es un buen pensamiento, entonces el "perro" se va.-¿Hablará sobre esos "perros" en el escenario?-Seguramente. ¿Por qué uno no piensa en el tiempo cuando tiene 25 años? Porque a esa edad se es eterno."Tal vez [me quedó pendiente hacer] Rey Lear, pero ya, por edad, no podría. Uno no puede entender cómo William Shakespeare pudo escribir esas obras con tanto conocimiento del ser humano. Los actores nos enamoramos más de aquello que podemos llegar a decir en el escenario que del personaje en sí mismo"Pausa su hablar para pensar en voz alta sobre lo inevitable de la finitud propia, pero también la de los demás, que no es otra cosa que pensar en la suya: "Mis amigos de Loria y San Juan, donde nací, partieron y, con la muerte de cada amigo, es también mi propio yo que se va. Cada amigo del barrio es un 'yo' que se fue", dice el hombre al que, desde que nació, apodaron "Pirata"."¿Puedo irme? Estoy cansado", dirá con una sonrisa y deja una frase flotando, "No soy uno solo, soy varios y, al mismo tiempo, no sé bien quién carajâ?¦ soy". Ya donó más de una hora de su tiempo. Y el cronista lo acompaña del bar hasta la puerta de su casa que queda a pocos metros. "Hola, Claudio", le dice con mucha calidez una jovencita que camina por Libertador y bien podría ser su nieta.-Vio cómo los jóvenes lo conocen.-Es mi vecina.Para agendarEl Rolo y yo. Función: martes 8 de abril a las 20. Sala: Multiteatro (Av. Corrientes 1283)

La madrileña Cuesta de Moyano celebra 100 años vendiendo libros con un teatro improvisado

Circo salvaje y teatro barroco en construcción

La Comedia de Hacer Arte organiza el ciclo que inicia con "Un Domingo. Teatro Total", para recaudar fondos que ayuden a la construcción de su sala teatral.

El quinto festival para chicos reúne música, teatro y talleres gratuitos en un anfiteatro

Será el fin de semana del 12 y 13 de abril, en el Multiespacio Cultural de la Universidad Nacional de General Sarmiento de Los Polvorines. Se llama "Chispa" y reúne a artistas locales y familias de la zona.

Llega al teatro la adaptación de seis cuentos de Mariana Enriquez

Se trata de relatos de Las cosas que perdimos en el fuego, dirigidos por Leonel Schmidt.Entre el 28 y el 31 de marzo, en La Plata, Rosario y Buenos Aires.

Planchando El Despecho' ahora en el teatro de la Universidad de Medellín

Los días 27 y 28 de marzo el teatro de la Universidad de Medellín será el escenario de una nueva versión de 'Planchando El Despecho', el exitoso espectáculo que reúne a las talentosas Majida Issa, Marbelle, Yolanda Rayo, Laura de León y Keyla

Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana, del viernes 28 al domingo 30 de marzo: recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis

Viernes, sábado y domingo hay una gran oferta de recitales, obras y películas.También opciones para ver en casa.

Vuelve "Personas, lugares & cosas" al teatro, protagonizada por Florencia Otero y dirigida por Julio Panno

A partir del 9 de abril a las 20 vuelve a escena esta obra del británico Duncan Macmillan. La historia se enfoca en una actriz que en la cumbre de su carrera debe ingresar a un centro de rehabilitación. Leer más

Los cuentos de Mariana Enriquez llegan al teatro

El horror y lo sobrenatural se mezclan con lo cotidiano en la versión uruguaya de Las cosas que perdimos en el fuego, con adaptación y dirección de Leonel Schmidt. "En la literatura de Mariana el monstruo es humano", reflexiona el dramaturgo.

Incendio consume el teatro universitario de la UAS en Culiacán: "Lo devastó en su totalidad"

La institución educativa confirmó que no hay personas lesionadas por este incidente

Día Mundial del Teatro: por qué se celebra cada 27 de marzo y su significado

Aunque el teatro ha cambiado con el tiempo, su esencia sigue intacta: provocar emociones, inspirar pensamientos y desafiar las estructuras establecidas.

Día Mundial del Teatro: por que se celebra hoy y cómo ver obras desde casa

El Día Internacional del Teatro se celebra cada 27 de marzo, en honor a todas las personas que trabajan y forman parte de las artes escénicas, ya sea arriba del escenario como en la producción y detrás de escena. La jornada busca destacar el valor cultural e histórico que poseen estos lugares en el mundo y para la libertad de expresión.En nuestro país, el Día Nacional del Teatro se festeja el 30 de noviembre, una iniciativa impulsada por Instituto Nacional de Estudios de Teatro (INET) desde el año 1979 a través del decreto n° 1586.¿Por qué se celebra hoy el Día Mundial del Teatro?Fue el 27 de marzo de 1961, cuando el Instituto Internacional del Teatro de la Unesco decidió proclamar un día en honor a las artes escénicas. La fecha fue considerada en recuerdo del inicio de temporada del Teatro de las Naciones de París en 1954. Este evento reunía a los Estados miembros luego de la Segunda Guerra Mundial, con la representación de 16 compañías en asociación con las autoridades francesas. Denominado como "Theatre of Nations" (Teatro de Naciones en inglés), protagonizó el epicentro del teatro internacional, cuyo objetivo pretendía difundir este tipo de arte y lograr la pluralidad de su participación en el mundo.¿Cómo ver obras de teatro desde casa?Existen diferentes opciones para disfrutar el teatro desde el hogar, gracias a las plataformas de streaming y páginas orientadas a acercar este tipo de espectáculo a las personas. A continuación, algunas alternativas para disfrutar del teatro desde el hogar:Una de las más reconocidas es Teatrix, creada por Mirta Romay, hija del emblemático empresario teatral Alejando Romay. La propuesta ofrece opciones de cartelera que van desde la calle Corrientes a la Avenida Broadway, en Estados Unidos. Incorpora también éxitos de México, España y Ecuador en su catálogo, lo que la posiciona como una de las opciones más populares en el mundo hispano.La plataforma de streaming Pluto TV ofrece acceso al canal de Teatrix para disfrutar obras en directo. Asimismo, este servicio suele renovar su catálogo de contenidos con ciertos éxitos de cartelera como lo fue Las mil y una noches de Pepe Cibrián.El sitio Alternativa Teatral permite comprar entradas de funciones de teatro en el país. Además, innovó con una opción de streaming en algunas de las obras disponibles. En su cartelera, es posible distinguir cuáles ofrecen este servicio y reservar una entrada.El famoso Teatro Colón realiza transmisiones en vivo de algunos de sus espectáculos. Estos son anunciados en su página oficial y algunos fragmentos de las obras que se realizan en este mítico punto turístico porteño pueden ser apreciados también en su canal de YouTube.Existen otras opciones menos populares como Dramox, Broadway HD y Marquee TV, ideales para funciones internacionales. Teatroteca es otra plataforma hispana fácil de usar, que cuenta con un extenso catálogo gratuito y reproductor sencillo de YouTube.

Ana Rujas regresa al teatro con 'La otra bestia', "un viaje hacia el autoconocimiento"

Ana Rujas presenta 'La otra bestia', una obra que explora la búsqueda de la identidad y el amor, con dirección de José Martret y Pedro Ayose, en Nave 10 Matadero

Las vidas de Sing Sing: el teatro carcelario como forma de ficción y redención

Las vidas de Sing Sing (Sing Sing, Estados Unidos/2023). Dirección: Greg Kwedar. Guion: Greg Kwedar, Clint Bentley, John Divine G Whitfield, Clarence Maclin, John H. Richardson, Brent Buell. Fotografía: Pat Scola. Edición: Parker Laramie. Elenco: Colman Domingo, Clarence Maclin, Sean San José, Paul Raci. Calificación: No disponible. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 107 minutos. Nuestra opinión: muy buena.Hace ya unos años, los hermanos Paolo y Vittorio Taviani conjugaban en César debe morir el mundo del teatro y el de una cárcel de máxima seguridad. También el de la verdad y el de la representación, a partir del Julio César de William Shakespeare. Un grupo de presos interpretaban a los traidores del César y el presente de la Mafia se afirmaba en el pasado del Imperio Romano. Así, los Taviani imponían los contornos de la pieza teatral a los espacios carcelarios, y las criaturas del dramaturgo inglés eran encarnadas por reclusos italianos. En ese juego de duplicaciones, lo esencial no era la historia real, quizás perdida en tantas representaciones, sino la dimensión mítica que ofrecía la cercanía documental de los directores. Sobre la textura real de los cuerpos de los presos y los espacios carcelarios, se proyectaba la tragedia shakesperiana, siempre viva, siempre eterna.Las vidas de Sing Sing invierte la ecuación. Basada en historias reales del "Programa de Rehabilitación a través de las Artes" de la cárcel de Sing Sing, la película muestra a John 'Divine G' Whitfield (Colman Domingo) encerrado en la legendaria prisión neoyorquina a la espera de que la ley finalmente consagre la Justicia. Es que hace tiempo ha sido condenado por un crimen que no cometió y las sucesivas apelaciones siempre terminan en disgustos y enredos burocráticos. Mientras tanto, integra un programa teatral en la cárcel, que lo tiene como actor, dramaturgo y también como engranaje clave del comité directivo que elige obras y organiza las representaciones, actividad que lo mantiene vivo y secretamente esperanzado.Pero lo que interesa a la película no es justamente la textura del mito que emerge de lo real, sino cómo esa forma de representación que se concibe en la cárcel -en la que Shakespeare también es un referente ineludible- es un escudo protector ante su desesperada situación. Es eso lo que vemos una y otra vez, y es quizás lo que acota la trascendencia de la propuesta del director Greg Kwedar ante aquella impronta universal de los maestros Taviani. Si allí veíamos a Shakespeare revivir en los cuerpos de los presidiarios, a esa tragedia mítica prolongar su arraigo hasta el presente, aquí vemos a Divine G encontrando en el teatro el refugio ante su inmerecida condena, la textura de ficción como asimilación posible de una realidad siempre esquiva, siempre inaprensible.En ese cambio del juego y en la inversión del recorrido -de la historia al Mito para los Taviani, de la realidad a la ficción para Sing Sing- la vocación de la película se amalgama con la de su entramado de ficción, es decir con aquellas obras que se representan en el teatro de la cárcel. Basta ver la tarea que Divine G y su amigo Mike Mike (Sean San José) emprenden con el recién llegado Clarence Maclin (en un personaje inspirado en sí mismo), un criminal que descubre en los parlamentos del Rey Lear un atajo para comprender sus propios sentimientos. El teatro es así el doble perfecto de un espacio abierto y cerrado al mismo tiempo como la cárcel: vigilado hasta el detalle y confinado a sus límites. La exploración de una intimidad abolida en el encierro es también una tarea que personajes y película asumen como un desafío.Aún esquivando esa grandeza que le esperaba al César de los Taviani, las actuaciones de Domingo (uno de los actores más interesantes del musical contemporáneo en Hollywood) y sus compañeros de presidio son nobles en sus propósitos, despejando cualquier artimaña sentimental para ganar simpatía, y recogiendo en esa condición de actores a la que aspiran, su posible redención.

Magia, luz y sombras: el Teatro Negro de Praga regresa a Colombia en abril

El Teatro Negro de Praga, uno de los espectáculos más innovadores del mundo, regresa a Colombia este mes de abril con un show renovado que promete asombrar al público de Bogotá, Medellín y Manizales

Teatro independiente: qué obras no hay que perderse

Desde clásicos como "Rojos globos rojos", de Pavlovsky, a "La Pilarcita", de María Marull.Propuestas en todos los espacios y para todos los bolsillos.

"Creen que canto porque estoy loco": Mike Amigorena, entre la música, el teatro y su mayor desafío, su hija Miel

Mike Amigorena prefiere centrarse en un proyecto a la vez, porque si hay algo que no le gusta es no tener tiempo. Ahora está inmerso en La cena de los tontos, la comedia del dramaturgo francés Francis Veber que acaba de estrenar en el teatro El Nacional junto a Martín Bossi y Laurita Fernández, con dirección de Marcos Carnevale y producción de Guillermo Francella y Adrián Suar, los protagonistas de la obra que fue un éxito de taquilla allá por el año 2000. "Queremos que el espectador disfrute, que se ría durante una hora y media, y nosotros nos alimentaremos de esas ricas carcajadas", dice el artista a LA NACIÓN -en realidad, él se considera un performer- y asegura que "hacer reír, cantar y comer" es lo que más le gusta en el mundo. Porque, si bien la actuación es una de sus virtudes más reconocidas por el público, para este geminiano oriundo de Mendoza "la música es sagrada", y es por eso que hoy, su deseo artístico se inclina más por su rol de cantante, ese que ya experimentó con agrupaciones como Ambulancia y Mox, u otras incursiones como solista en las que, reconoce, nunca tuvo la constancia suficiente. Porque, ante todo, Mike Amigorena se define como una persona "impermanente".-Volvés al teatro después de ART, en 2023. ¿Qué te atrajo de este proyecto?-Estoy muy entusiasmado, muy expectante. Es un clásico que acá habían hecho Francella y Suar, entonces era una certeza, algo que no falla. Y la verdad es que me entusiasmó el hecho de que sea un elenco tan ecléctico. Con Martín no había trabajado nunca, con Laurita un toque en una tira, y la dirección de Marcos Carnevale hace que sea mucho más orgánico para mí, para para el actor. Y nos dimos cuenta que es muy difícil. Uno, por ahí, tiende a subestimar a la comedia, y es igual o mucho más precisa que el drama o la tragedia.-¿Qué representa el humor en tu vida, más allá de tu trabajo?-[Piensa y baja el tono de voz] El humor en mí representa un sello, una naturaleza, un antídoto, un atajo, un puente, un bálsamo, inteligencia. ¡Mirá lo que es el humor! Me acompañó toda la vida. Yo soy gracias al humor. ¡Me vas a hacer llorar!-La sensibilidad es una de las características que te defineâ?¦-Preguntás por el humor y me pongo a llorar, imaginate.-¿Y esa sensibilidad siempre te acompañó o llegó con el tiempo?-Con el tiempo. Siempre fui sensible, pero no al punto de esto, de tenerlo que controlar porque me desmorono ante cualquier cosa. Ese es el paso del tiempo. Se juntan las cosas logradas con las que no, se juntan la naturaleza de uno, que no cambia, y lo que nunca será, el agradecimiento. Y lo que más me gusta en el mundo es hacer reír. Hacer reír, cantar y comer. Después, por ahí, vienen las caricias.-Alguna vez dijiste que sos actor gracias a la música. ¿Cómo es eso?-Soy un performer. El performer primero se mete en disciplinas no exploradas para hacer un cuadro entre el cuerpo y esa disciplina. Por ejemplo, la pintura, el humor, el canto, la cocina. Entonces, la música y la actuación fueron paralelos. Soy el más chico de mi casa y jugaba mucho tiempo solo, les ponía sonido a los autitos, voces a los a los soldaditos. Y el oído es lo que siempre tuve más desarrollado. Empecé a escuchar a los Pet Shop Boys, Earth, Wind & Fire, Bee Gees y empecé a imitar y a cantar. Jugué toda la vida a cantar como Prince, como Thompson Twin. Me muero por los 80, me vuelvo loco. Emerson, Lake & Palmer, Alan Parsons Project. Y eso a mí me volvió loco desde muy chico. No me fui por los Beatles, los Rolling. Fui cultivando un aparato que es como binorma. ¡Qué palabra vieja! Algo dual, donde la música y la actuación iban paralelamente.-Todo eso que fuiste desarrollando, lo artístico, lo performático, ¿fue algo que mamaste en tu casa?-Fui autodidacta. Está bien que mi abuelo era bandoneonista, tenía una orquesta y hacía teatro, y mi hermana es artista plástica. Pero no tuve influencias familiares. Todo esto que soy siempre lo fui, y lo fui desarrollado lentamente, solo. No es que en Mendoza iba a teatro o a talleres, no hice nada más que jugar e hinchar las pelotas. Solamente lo que pulí fue el niño mágico. Después, vine a Buenos Aires y empecé a hacer workshop, mimo, máscara neutra, improvisación. Todo eso despierta cosas tuyas que tenés guardadas y que después, en algún momento, las sacás. No existe el actor sólido si no tiene vida carreteada. Es imposible. Recién a esta edad, o un poquito antes, podés afrontar una experiencia dramática. No a los 20. Yo creo que el actor que soy ahora tiene que ver con una consecuencia de todo lo vivido y de lo no vivido también.-¿Te pesa lo no vivido?-Ya no. En algún momento, sí me pesó. Es muy importante saber cuál es tu rol, pero de eso te das cuenta medio tardón. Porque vos creés que sos Freddie Mercury, y la vida te empieza a mostrar lo que realmente sos, y tenés que amigarte con eso. Cada uno tiene su tiempo para esa amistad.-Vos, ¿te amigaste con eso?-Sí, obvio, no te queda otra. Aparte soy papá, ¿viste? Eso cambia todo. La paternidad es otro planeta.-¿Te imaginabas que iba a ser así, que te iba a cambiar tanto?-La verdad, nunca lo elegí porque sabía que era para otra instancia. Yo sabía que, si llegaba, iba a llegar cuando estuviera sólido, cuando supiera lo que significa traer una persona a este mundo. Encontrar a la persona primero, no el hijo, primero encontrar a la persona y que eso sea consecuente. Y es como un prólogo a otra vida, a una responsabilidad que jamás tuviste. Entonces, eso modifica tu comportamiento. Mirá si me voy a preocupar porque no me salió una película en España o en Estados Unidos y no me reconocieron por tal cosa. En algún momento era "¿pero cómo que no soy Daniel Day-Lewis?". Y, porque no, no lo sos.-¿Qué otras cosas te pesaban?-Ser argentino también me pesó. Decía "¿por qué nací acá?", con todos los problemas que tiene el país, con la característica que tenemos como sociedad. Yo soy una persona bastante ordenada, me gusta el respeto hacia el otro y el respeto por lo otro. Y acá, bueno, no me quedó otra cosa que ser salvaje y estar atento a no herir, pero ser un salvaje. Salvaje significa no quejarme si no tengo un mango, por ejemplo. Pero eso fue antes de Miel [su hija]. Y gracias a esa fluctuación me di cuenta de que lo mejor que me puede pasar es ser padre.-¿Cómo es tu hija Miel?-Es ridícula [dice con amor].-En uno de tus videoclips, el de "Chacarita", aparece bailando al lado tuyo y hace todo tipo de muecas y gestos muy graciosos.-Yo le dije "quedate con papá a bailar", y cuando vi lo que había hecho pensé: "¡Mirá!". Si le pedís que haga eso, no lo hace, no le gusta. View this post on Instagram A post shared by Mike Amigorena (@mik3amigorena_)-¿Es de carácter fuerte?-Mal, es tremenda. Tenés que apuntalarla, respetándola, porque tiene un temperamento muy marcado, y al mismo tiempo, bueno, no puede hacer lo que quiera porque tiene cinco años. No sé lo que va a ser cuando tenga siete, pero lo que sí sé es que me enseña todo el tiempo a afrontar el rol más difícil que tiene una persona, que es la crianza de un hijo.-¿Tenés algún temor en torno a su crianza?-No soy miedoso. Soy muy respetuoso de lo que ella es, le enseño a que sea libre, a que elija lo que quiera. Hay que ver un poquito más adelante, cuando sea grande y me toree o se vaya de la casa. Espero poder controlar el paso del tiempo, porque también tengo mi carácter. Entonces, ahí, ponele, tengo miedo a no poder manejar la situación. Pero estoy muy atento a no atrofiarla con cosas mías.-Volviendo a tu a tu profesión, el músico está muy presente en este último tiempo.-La música es sagrada.-¿Más que la actuación?-A esta altura, sí. Y lo difícil que es siendo actor, porque la gente dice "este canta porque está loco". Entonces, a fuerza de permanencia, perseverancia, buen sonido, voy construyendo al músico y se va respetando. Pero esto lo entendí en los últimos años porque antes era muy volátil todo [su constancia como músico]. Imaginate que todavía me preguntan por Ambulancia [la agrupación se disolvió hace mucho tiempo].-Acabás de sacar un nuevo EP, Rooftop 2.-El año pasado saqué un álbum, El increíble cool, y ahora, este EP. Y el próximo disco será para fin de año, o veré, tampoco [quiero] sacar y sacar porque deja de surtir efecto. Y haciendo teatro no puedo estar tocando porque se cruzan y no me gusta estar sin tiempo. En abril voy a estar en el Quilmes Rock [el sábado 12 a las 14.30 en el escenario Enigma], que me vuelve loco, y también me encantaría viajar con el show.-¿Sentís que en la música encontrás más permanencia que en otros aspectos de tu vida? Has dicho que la impermanencia es algo que te caracteriza.-Es una japa [dice sobre su autodenominada "impermanencia"]. No podría hacer una canción por mes. Me repetiría, no lo haría con gusto. Y eso es la consecuencia de por qué la gente no me reconoce ahora como cantante [sino, más bien, como actor]. Por eso, por la impermanencia. Estuve años sin hacer nada de música. Pero son maduraciones.-Y esa impermanencia...-[Interrumpe para decir] Me separé. Todo tiene que ver con eso. Empieza a ser un sacerdocio, algo que no, que no puedo, no me sale, saca lo peor de mí.-O sea, sos de soltar, como se dice ahora.-Como soy impermanente, suelto cualquier cosa. ¡Mi hija, por ejemplo, mi hija! [dice con énfasis]. O sea, yo estoy dos días con Miel y ya quiero que se vaya. Con mi hija, o sea, flaco, no tenés cura [se dice a sí mismo]. Imaginate con cualquier droga, con cualquier vicio. No lo puedo sostener. La consecuencia de la impermanencia es la liviandad. Yo no puedo arrastrar nada, no tengo fuerza, no tengo temperamento, entonces, lo suelto. Un trabajo, una pareja, o a la madre de mi hija.-En esta libertad tuya, a veces sos bastante políticamente incorrecto en tus declaraciones y acciones. Hace poco en la mesa de Juana Viale dijiste que te encanta la morgue, el ser humano abiertoâ?¦-Cuento una experiencia. No contaría una experiencia de matadero o un carneo, o que iba a cazar con mi cuñado en los 80, horrible. O el video bailando en el cementerio [dice en referencia a su videoclip de "Chacarita", una de sus canciones]. Si yo sé que va a traer cola, no lo hago. Por eso pasa, porque lo hago ingenuamente. Volviendo a tu pregunta, cuando es genuino y no complico a otro, me sale contarlo. Lo de la morgue, mucha gente lo sabe. Tengo a mi hermana que es médica. Y lo conté ahí también porque estábamos riéndonos con Martín [Bossi]. Me parecía como simpático. Entiendo que alguien impresionable pueda decir "Che, flaco, me hablás de una cabeza". Pero bueno, ahora soy mucho más discreto. Ya no soy tan desmedido, tan incorrectamente político.El polémico video de Mike Amigorena bailando en un cementerio-¿Y eso es buscado, ser más medido?-Claro, tengo menos hambre. Estoy más amigado con lo que ocurre, no quiero buscar como antes que me ponía la pollera. Ahora puede pasar eso, pero se respeta, no hablan de mí porque me pinto los labios.-O sea, si lo hacés es por algo orgánico, no en busca de algo.-Mirá si me voy a poner a bailar en el cementerio paraâ?¦¿en busca de qué? Pero, no me extraña que vaya un día a lo de Mirtha y la saque a bailar. La adoro. A mí me crio mi abuela, entonces tengo una afinidad enorme con las personas grandes.-¿Seguís con Jubilandia, el proyecto que crearon con Gerardo Chendo y Andrés D'Adamo, con el que van a cantar a los geriátricos?-Sí, ahora estamos suspendidos, al menos hasta abril, porque yo estaba con los ensayos del teatro, y por lo general vamos a los geriátricos a las 11 de la mañana, los miércoles o los jueves. View this post on Instagram A post shared by Mike Amigorena (@mik3amigorena_)-¿De dónde nace esa vocación de servicio?-Es solo con la gente grande.¿Y tiene que ver con esto que decís vos de que te crio tu abuela?-Y, crecí rodeado de gente grande. Viví mucho tiempo con mi abuela, que tenía hermanas y venían a mi casa. Y dormí con ella mucho tiempo en la misma cama. Hasta los 10, y después dormíamos en la misma habitación pero en camas separadas, hasta mis 18. Entonces, había algo de cercanía con una persona muy grande, ella tenía 80 años. Y también iba mucho a misa con mi mamá, donde me codeaba con las señoras. Pero bueno, hubo algo algo tácito con la gente grande. Y la vida te encausa para juntarte con gente igual a vos y empieza a florecer la posibilidad de hacer un proyecto donde vamos a los geriátricos ad honorem a cantar clásicos para que el abuelo se sienta útil. Eso es como que te diga un payamédico o un bombero. Te tiene que gustar, tiene que haber algo de servicio que es inexplicable, porque a mí no me pasa con ninguna otra cosa.-¿Y cómo salís de ahí?-Ohhh, imaginate. Hablando de liviandad, salís de ahí sin ningún problema. Es muy movilizante cómo te agradecen. Salís como volando. Mi madre dice "Claro, por eso Dios es indulgente con vos, porque has sido un gran hijo de p*ta".Para agendarLa cena de los tontos, con Mike Amigorena, Martín Bossi y Laurita Fernández. Funciones: de jueves a domingo. Sala: teatro El Nacional (Av. Corrientes 960)

El Teatro Real emula a Lorca con su ópera itinerante por toda España

En Palermo, el restaurante escondido donde comen el mejor sushi músicos de rock y artistas de cine, teatro y TV

Nika Club Omakase fue pensado por Leo Lanussol, uno de los chefs más creativos de Argentina.Pesca nacional de alta calidad, cocina japonesa actual y platos sin gluten, bajos en sodio, grasas y azúcares.

â??â??'El Paseo' llega al teatro: la tradicional saga cinematográfica colombiana ahora en vivo y en directo

Pascual Carcavallo: su bisabuelo fundó un teatro histórico, quebró al producir a Gardel y fue amigo de Marcelo T. de Alvear

Es actor, tiene 33 años, estudió la licenciatura en Arte Dramático en la Universidad del Salvador, protagoniza Las medidas, obra que va por su tercera temporada, y en su DNI se encuentra rubricado un nombre y apellido que, para los memoriosos e historiadores del teatro, conlleva una resonancia insoslayable."De chico me preguntaba por mi nombre, un nombre que nadie de mi generación tiene. '¿Por qué soy el único Pascual de la clase?', '¿Por qué me molestan con eso?' En los noventa, llamarse distinto era motivo de bullying, aunque no se conocía de esa forma", reflexiona este joven teatrista, mientras prepara el mate y se acomoda en una de las mesas del Centro Cultural Pura Espacio, que maneja en el Bajo de San Isidro."Te llamás así por tu bisabuelo que trabajó en teatro", le decían al pasar. "Tampoco mi padre tenía mucha información, de grande me enteré que ese bisabuelo había sido alguien importante en el mundo del teatro".Aquel hombre -podría afirmarse que fue uno de los próceres de nuestra escena- fue el productor y empresario don Pascual Carcavallo, el mismo nombre que lleva su bisnieto, aunque, por un tema generacional, no llegaron a conocerse."De las actrices vivas, la única que lo conoció fue Mirtha Legrand, quien, incluso, estuvo en la inauguración de su teatro", afirma "Pachu", como le dicen sus amigos. La diva de 98 años era una jovencísima actriz cuando Pascual Carcavallo inauguró el teatro Presidente Alvear, la sala que, con modificaciones arquitectónicas, aún está de pie en plena avenida Corrientes.-¿Siempre estuvo en vos la inclinación por la tarea actoral?-Llegué a la actuación por vocación. Ya desde chico, el escenario siempre fue una suerte de imán. Era el niño que hacía las morisquetas, 'mírenme por favor', le decía a todo el mundo. No tuve problemas en elegir mi futuro y mi familia, a pesar de todo, me apoyó.-¿Por qué "a pesar de todo"?-Vengo de una familia tradicional y conservadora, pero me ayudaron mucho.Se crio en la Zona Norte del Conurbano. Su padre, que falleció hace un año, era abogado, y su madre, que se dedicó a la actividad turística, hoy ejerce como profesora de yoga. Sus abuelos y tíos son abogados. ¿Y el teatro? "Mi bisabuelo Pascual tuvo tres hijos, Hugo, apodado 'Coco', murió en 2009, cuando yo tenía 17 años. 'Coco' fue el único de los tres hijos de Pascual que cortó con el rubro teatro y se hizo abogado. En mi familia, la historia es al revés, mi abuelo fue la 'oveja negra' porque no se dedicó al empresariado teatral y prefirió seguir Derecho", afirma el actor que cada jueves se monta en el escenario del teatro Nün de Villa Crespo."Coco" casi no se hablaba con sus hermanos, por eso "Pachu" poco escuchó hablar en la mesa familiar sobre lo referido a la vida teatral. "Mi bisabuelo murió en 1948, veinte años antes del nacimiento de mi papá, entonces se trató de una generación muy lejana".-Cuando comenzaste con tu propia tarea artística, ¿dimensionabas el valor de tu apellido en el medio?-Empecé a estudiar teatro sin influencia familiar, no tenía clara la envergadura de la figura de mi bisabuelo.Cuando se topó con un artículo de diario que decía "Pascual Carcavallo, el hombre que llenó las plateas del teatro nacional", el joven comenzó a dimensionar el relieve de su antepasado. "Me di cuenta que había algo donde ahondar, ahí se instaló esa figura, se me hizo más consciente".Mientras cursaba en la Universidad del Salvador, los profesores más grandes le preguntaban qué tenía que ver con la figura de Pascual Carcavallo. En cierta medida, impulsado por la curiosidad académica, cuando tuvo que realizar una tesis para recibirse eligió justamente trabajar en una investigación en torno a esa figura que sobrevolaba en la familia.CausalidadCuriosidades del destino, cuando decidió iniciar su trabajo de investigación final en la facultad, comenzaron a sucederle hechos por demás elocuentes. "Me llamó un tío para contarme que, al ir a comprar una lámpara a una casa de antigüedades en la calle Esmeralda, cuando dijo su nombre, la persona que lo atendió le preguntó si tenía algo que ver con Pascual Carcavallo". Curiosa inquietud totalmente fuera de contexto y nada previsible.-¿Por qué la vendedora se sorprendió con el apellido de tu tío?-Esa mujer le contó que conservaba, desde hacía veinte años, un libro gigante con los artículos periodísticos referidos a Pascual publicados desde la década del veinte hasta 1948, año de su fallecimiento.El bisnieto muestra ese ejemplar, un precioso mamotreto bien pesado y de páginas sepias, que huele tan rico como las librerías de viejo, y uno no puede más que conmoverse ante esos recortes que reconstruyen parte de la historia cultural de Buenos Aires y del país. "Al ver esas páginas, tomé real dimensión de su obra".-¿Quién fue Pascual Carcavallo?-Un inmigrante italiano que llegó a Buenos Aires muy joven, trabajó en un almacén de ramos generales y, por casualidad, a sus 18 años, conoció a los hermanos Podestá. En 1908, comenzó a trabajar como secretario de gira para ellos. Evidentemente, tenía un don para la administración que los actores no tenían.-Podría decirse que fue el Carlos Rottemberg de la familia Podestá.-Exactamente.En 1911, los Podestá -una familia de artistas de estirpe con Jerónimo a la cabeza- nombraron a Pascual, que tenía poco más de 20 años, como director del Teatro El Nacional que ellos tenían a su cargo. Pascual Carcavallo se quedaría 25 años trabajando y conduciendo los destinos de esa sala, a la que transformaría en la "catedral de género chico criollo"."Pascual bajó la línea que en ese teatro solo se harían obras de autores nacionales. Así fue como se estrenaron obras de Armando Discépolo y Alberto Vaccarezza, quien ofreció allí, por primera vez, El conventillo de la Paloma", recapitula el bisnieto.En esos tiempos, los empresarios también, en cierta medida, oficiaban de autores y directores, corrigiendo libretos y hasta definiendo elencos. "Inventó un concurso de autores nacionales que fue un suceso".Más de 300 aspirantes presentaron sus materiales en el certamen que le dio un gran impulso a la dramaturgia nacional y a los escribas más ignotos, muchos de ellos cosechando gran notoriedad posterior. En 1911, el primer puesto, por votación del público, se lo quedó Los escrushantes, de Alberto Vacarezza. En 1932, El Nacional ofreció otro de sus sucesos, la comedia musical La muchachada del Centro, de Francisco Canaro e Ivo Pelay.Cuando el cine le comenzó a devorar público al teatro, Carcavallo se alejó unos años de la actividad, a la que regresaría para regentear el Astral durante dos temporadas. "Allí hizo una obra con Carlos Gardel, con la que le fue muy mal y se termina fundiendo", recuerda su bisnieto.-Si Gardel fracasó, cualquiera puede fracasar...-Pascual había invertido mucho dinero en el espectáculo.Alta sociedad"Haber manejado El Nacional durante tanto tiempo lo ubicó dentro de la sociedad porteña y tenía conexiones no solo con los artistas, sino también con los políticos, su rol daba poder", explica Pascual Carcavallo. Así nació la amistad entre su bisabuelo con el entonces presidente Marcelo Torcuato de Alvear.Por esos vínculos, el empresario jamás apostó por un género muy instalado en las preferencias del público, pero que conllevaba una carga crítica mordaz sobre la clase dirigente: "Pascual, que era amigo de los políticos, decía 'en mi teatro no habrá revistas con humor político porque yo no puedo burlarme de quien almuerza conmigo los martes'".-¿Cómo llega a levantar el teatro Alvear?-Había logrado que le dieran la concesión de un terreno municipal para construir un teatro. Pascual tenía que conseguir los inversores para levantar el edificio y se quedaba con el manejo de la sala durante 20 años. En 1942, cuando muere Marcelo Torcuato de Alvear, la sala pasa a llamarse Presidente Alvear, que levanta el telón un año después con la obra Eclipse de sol.Seis años después, muere Pascual, a los sesenta años. Durante la presidencia de Juan Domingo Perón, se decreta que las concesiones no son heredables, razón por la cual los Carcavallo perdieron el manejo del teatro que comenzaría a llamarse Enrique Santos Discépolo.Con la Revolución Libertadora, acontecida en 1955, que derrocaría al gobierno democrático, la sala regresa a la familia para ser manejada por Cacho Carcavallo. "En la década del sesenta se cumplieron los años correspondientes a la concesión y fue cuando la sala pasó a ser manejada por la municipalidad de Buenos Aires".Volver a los orígenesCuando en 2023 se reabrió el teatro Alvear (polémica de por medio por la eliminación de la palabra Presidente precediendo a su nombre), fue un punto de quiebre emocional para "Pachu". "En la reapertura vi Edmond y, ya con conciencia sobre la historia familiar, me emocioné mucho".-¿Ya habías entrado a la sala?-A mis ocho años, mi abuela materna me llevó a ver un busto de Pascual que había en el hall y ya siendo más grande vi la obra Las criadas con Marilú Marini.Más allá de eso, jamás su familia lo llevó al teatro Alvear. No era un hábito. En casa poco y nada sobre telones y butacas. Para cumplir con su tesis universitaria comenzó a contactarse con esa rama de la familia paterna con la que no tenía relación en busca de material que pudiera reconstruir la figura de Pascual, su bisabuelo, y de la historia del apellido y sus integrantes.Finalmente dio con familiares que le pudieron ceder imágenes y los libros con recortes que conformaban una trilogía junto con el volumen que ya tenía en su poder. "Hasta había un manuscrito con la obra completa El conventillo de la Paloma, de Alberto Vaccarezza". En busca de armar el rompecabezas y reconstruir la vida artística de su familia, se juntó con el notable académico Jorge Dubatti y con el productor y empresario teatral Carlos Rottemberg. También compartió charlas con Julio Gallo, dueño del Astral, y con el dramaturgo y director Mauricio Kartún. "Todos me ayudaron mucho".Actualmente, está produciendo un documental sobre la vida de Pascual Carcavallo, quien, en su tiempo, contrató a figuras como Tita Merello, Libertad Lamarque, Florencio Parravicini y Francisco Canaro.A escenaJunto a Rochi Hernández, Pascual Carcavallo protagoniza Las medidas, un material que nació en plena pandemia. "Le dije a Tomás Landa, amigo, director y dramaturgo, 'pongamos la cabeza en algo, porque nos vamos a volver locos'". El resultado fue la pieza que se ofrece los jueves por la noche en Nün.-¿Sobre qué versa la obra?-Pablo, mi personaje, siempre está buscando medir la vara de cuánto lo ama la otra persona y esa es también su manera de amar. Sin embargo, con Mara, su pareja, deciden incorporar a una tercera persona, organizar un trío sexual, para probarse.De los griegos para acá, pasando por William Shakespeare, el amor es un tópico a escudriñar por la escena. "Hoy nos replanteamos la modalidad de ese amor".El recurso del "tercero en discordia" es resuelto por un actor o actriz invitado y ese momento de la obra se juega de manera improvisada, sin libreto previo. "Lo propuso el director y nos quedó macerando. Sabemos el nombre del actor o actriz invitados, pero desconocemos qué personaje interpretará, eso lo charlan solo con el director".-Muy complejo improvisar en medio de una estructura organizada.-Es un ejercicio muy complejo, en cada función me pregunto '¿para qué carajo acepté hacer esto?'". La gente no sabe que ese tramo es improvisado y, cuando conocen la mecánica, la respuesta es de sorpresa, no pueden creer que se lleve a cabo esa improvisación. View this post on Instagram A post shared by Nün Teatro Bar (@nunteatrobar)-Vuelvo a tus raíces. ¿Qué emoción te atraviesa cuando te sentás en la platea del teatro Alvear?-Mi primer pensamiento es 'quiero actuar acá', me interesa estar ahí adentro lo más que pueda. Hay algo de la figura de Pascual que quiero continuar porque el tiempo la va borrando.Antes de despedirse, Pascual Carcavallo confiesa que conserva un par de zapatos blancos y sombreros de su bisabuelo, un dandy de su tiempo. Y no duda en reconocer que "llevar mi apellido me da orgullo".Para agendar-Las medidas, los jueves a las 21 en Nün Teatro Bar, Juan Ramírez de Velasco 419, Villa Crespo.

"Abstracciones de un sueño": Jorge Miño resignifica el Teatro San Martín en su nueva muestra

El artista transforma los sólidos espacios en paisajes efímeros y etéreos. Con su muestra, inaugura la temporada 2025 de la Fotogalería, celebrando 40 años de este emblemático espacio. A través de sus imágenes, invita a repensar la arquitectura y su rol en la experiencia humana.

Familiares y amigos despidieron a Antonio Gasalla en el velatorio en el teatro Maipo

El capo cómico falleció a los 84 años.Decenas de figuras del espectáculo se congregaron en la histórica sala teatral para homenajearlo.Sus restos serán trasladados al Parque Memorial en Pilar.

Murió Antonio Gasalla: los famosos y personalidades que se acercaron a despedirlo en el teatro Maipo

Empresarios, productores, actores, colegas y amigos concurrieron al velatorio del capocómico que murió a los 84 años.

Despiden a Antonio Gasalla en el Teatro Maipo

Velan los restos de Antonio Gasalla en el Teatro Maipo

Desde las 19, los restos del actor y creador de personajes entrañables como La abuela, La empleada pública y Soledad Solari, Mamá Cora y Bárbara Don't Worry, entre muchos otros, son velados en el Teatro Maipo, escenario en el que Antonio Gasalla brilló como pocos. El empresario y productor teatral Carlos Rottemberg fue uno de los primeros en llegar al Maipo. Allí lo podrá despedir el público y el mundo del espectáculo. Mañana por la mañana, desde las 7 y hasta las 10, se realizará el velatorio íntimo en Zuccotti Hnos. Tras él, sus restos serán trasladados al Parque Memorial de Pilar.Recordemos que el capocómico se encontraba internado, puesto que estaba afectado por problemas cognitivos y motrices. En el último tiempo, después de varios años de cuidados permanentes y circunstanciales internaciones, el cuadro de demencia senil progresiva que se le diagnosticó en 2020 había llegado a un punto sin retorno.

Mamá Cora, el adorable personaje de Antonio Gasalla que interpreta en teatro su amigo Campi

Antonio Gasalla era íntimo amigo de Martín "Campi" Campilongo. Entre ellos fueron construyendo un vínculo muy sólido de largas tardes entre masitas, chimentos e ironías. Con el paso del tiempo, el personaje de Mamá Cora, emblema de Gasalla, quedó en sus manos. Actualmente la encarna en la versión teatral de Esperando la carroza, en la que también actúan Paola Barrientos y Valeria Lois. "Él ya no estaba bien cuando me llamaron para hacer Esperando la carroza. Me hubiera encantado compartir el proceso con Antonio, que me diga: 'Ésta es la peluca, usala'", confesó hace pocas semanas Campi en el programa Desayuno americano, que conduce Pamela David en la pantalla de América.Durante ese encuentro se puso al aire una foto en la que aparecían los dos comediantes amigos. En un posteo de hace no mucho tiempo, Campi se dio cuenta que detrás de ellos dos había una imagen de Mamá Cora y se ocupó de resaltarlo en sus redes. "Nos juntábamos todos los meses a chusmear y divertirnos -contó durante el programa-. Antonio es hermoso, generoso...; yo lo extraño un montón".Cuando ya estaba mal de salud, Antonio Gasalla lo invitó a su casa como parte de esa rutina de amigos. Campi llegó, tocó el timbre, pero nadie respondió. A la noche hablaron. Gasalla no se acordaba que lo había invitado. La última vez que se vieron fue durante un partido de la selección de fútbol en tiempos del mundial. "Como ni a él ni a mí nos gusta el fútbol, nos juntamos a comer masitas", narró el talentoso actor que está haciendo funciones en el teatro Broadway.Durante el proceso de ensayo de la obra que dirige Ciro Zorzoli intentó hacer su propia versión de Mamá Cora. "Pero es tan genial lo que hace él que es imposible. Esa Mamá Cora es pura argentinidad. Yo intento arrimar lo más posible a lo que hizo Antonio, que es una genialidad. Yo aprendí un montón junto a él, sobre todo a ordenar el ojo agudo. Él tiene la misma exigencia que tengo yo. Yo no llego al canal y me dan la peluca, la preparo en mi casa. Es un trabajo muy artesanal lo que hacemos", apuntó en tren de tender similitudes.En el último tiempo se planteó varias veces ir a verlo. No lo hizo. Fue, también, una forma de preservar la imagen de aquel Antonio Gasalla que conoció, que admiró. Y fue, también, una reacción a sus propios miedos por no saber qué le podía pasar, reconoció sentado a la mesa del programa y con un indisimulable nudo en la garganta.En la casa familiar de Campi estaban los casetes de Gasalla y Perciavalle que siempre escuchaban. Cuando Campi estaba haciendo la tira Los Roldán fue cuando se sumó Gasalla al elenco. Sin poder creerlo, venció su timidez y fue a su camarín. "Te sigo toda las carrera", le dijo. Rápido de reflejos, su venerado interlocutor le aclaró que él era el que seguía su carrera y se largó a nombrarle a sus personajes ante un Campi que no podía entender todo aquello.Al tiempo, Gasalla lo dirigió en Campi, el unipersonal. Iba a su casa de Colegiales, subía los tres pisos por la escalera y así fue como le cambió toda la idea de ese espectáculo sin cobrarle un centavo y sin que figure en los créditos. "Él estaba invirtiendo en una amistad. Hay algo que vale mucho más que la plata, que es la amistad. Yo no sé si él era consciente, pero no me lo voy a olvidar nunca. A la plata te la gastás, pero lo que él alimentaba no te lo olvidás nunca", apuntó en un reporta publicado en Clarín. La obra duró unas cinco temporadas. Una de las noches mientras hacía función en una sala de Palermo fue a verlo Carlos Rottemberg, quien terminó llevándolo a uno de sus teatros de la avenida Corrientes.Cerca de allí es donde Martín "Campi" Campilongo cumple el rito de interpretar a su propia Mamá Cora. Seguramente, cuando el jueves tenga que hacerlo, la figura de Antonio Gasalla estará más presente todavía en el mismo escenario que ocupó el desaparecido actor junto a Carlos Perciavalle.

Antonio Gasalla será despedido esta noche en el Teatro Maipo

Antonio Gasalla murió a los 84 años, según le confirmó hoy a LA NACIÓN el empresario teatral Carlos Rottemberg. Uno de sus grandes amigos, Marcelo Polino, anunció a través de sus redes sociales que el célebre humorista será despedido esta noche en el Teatro Maipo (Esmeralda 443), donde habitó gran parte de su historia teatral, desde las 19. El capocómico se encontraba internado en una institución, puesto que estaba afectado por problemas cognitivos y motrices. En el último tiempo, después de varios años de cuidados permanentes y circunstanciales internaciones, el cuadro de demencia senil progresiva que se le diagnosticó a Gasalla en 2020 había llegado a un punto sin retorno.Te voy a extrañar mucho amigo querido Gracias por tanto ð???Lo despedimos en el Maipo de 19 a 1 AM pic.twitter.com/tD6MTatUSP— Marcelo Polino (@MarceloPolino) March 18, 2025Una salud delicadaSin ir más lejos, el 4 de marzo de este año, el intérprete había sido trasladado desde el centro de rehabilitación en el que residía al Sanatorio Otamendi, donde fue internado de urgencia. "Tiene un problema respiratorio, pero ya se está recuperando, le dieron antibióticos y está en terapia. Ni bien mejore pasará al lugar donde está habitualmente", había expresado en ese entonces el hermano del capocómico, Carlos, al salir del centro de salud.El año pasado ya había experimentado un episodio que preocupó al ambiente artístico. El 20 de mayo de 2024, Gasalla fue internado también en el Sanatorio Otamendi con un diagnóstico de gripe, que se complicó por un incidente gastrointestinal y terminó por convertirse en una neumonía. Tras 10 días de internación, el actor fue dado de alta y había vuelto al instituto psiquiátrico en el que recibía tratamientos de estimulación. "Además del tema cognitivo que avanza, y que lamentablemente no hay una medicina para eso, tiene un tema gástrico. Tiene un botón gástrico puesto, que eso lo tiene a maltraer, y se tiene que alimentar a través de una sonda. Sumado a una neumonía, pasó un trance muy difícil. Estamos acompañando y la familia es de fierro, está todo el tiempo", detalló en ese entonces Polino, quien era su íntimo amigo.Una figura únicaAntonio Alberto Gasalla nació en Ramos Mejía el 9 de marzo de 1941. Hijo de un peluquero y estudiante trunco de odontología, encontró su vocación en la Escuela Nacional de Arte Dramático. Allí se encontró por primera vez con Carlos Perciavalle, que con el tiempo se convertiría en una suerte de enemigo íntimo eterno. Los dos compartieron los primeros y exitosos tiempos del gran café concert argentino y después de varios distanciamientos se reencontraron mucho después para hacer, juntos, un antológico revival de aquella feliz etapa en la propia casa de Perciavalle, en Punta del Este.Gasalla y Perciavalle formaron parte de una generación única que encontró en espacios inverosímiles (por lo pequeños) la posibilidad de transformarse en protagonistas y despertar una atención cada vez más grande y todo tipo de comentarios por lo que hacían en el escenario. En aquellos encendidos años 70, frente a un público comprometido a pleno con los debates candentes de la época (la política, el psicoanálisis, la revolución sexual, las vanguardias artísticas), Gasalla hablaba de todo y se metía con todos sin filtro, echando ácido en cada uno de sus monólogos y cuadros musicales. Allí nació el hábito gasalliano de mostrarle a cada uno su reflejo más monstruoso y lograr que el involucrado termine riéndose de esa cara que en el fondo no querría reconocer como suya.Si bien el cine le fue más esquivo, aunque es inolvidable su participación en Esperando la carroza, su figura se acrecentó gracias a sus imborrables personajes televisivos que realizó en diferentes programas. Pero, de todas maneras, nunca se alejó de las tablas, a las que siempre volvía. "El teatro hace menos ruido que la televisión, pero establece una relación mucho más profunda con el público", era una de sus frases de cabecera.A fuerza de talento y personalidad, Gasalla se transformó en uno de los actores nacionales más destacados de las últimas décadas. Y a lo largo de su extensa carrera recibió muchos reconocimientos, entre los que destacan el premio Konex de Platino por Actor de Comedia en 2001, varios Martín Fierro y un Cóndor de Plata.

El teatro es una analogía de la realidad

Siempre pensé que el teatro es espejo de la vida pero también un prisma que descompone la realidad y sus distintos colores para que la sociedad pueda verse a si misma en toda su dimensión. Leer más

El Teatro San Martín celebra un doble aniversario con "imágenes ficcionales" de Jorge Miño

"Produzco mucho, decanto muchísimo y me quedo con muy poco. Por suerte, las obras van tomando solidez cuando van decantando y ahí siento que pueden salir del estudio con un destino propio. No trabajar para algo preciso me lleva a tener una libertad y a cometer errores y a buscar nuevas posibilidades", dice a LA NACION el artista Jorge Miño (Corrientes, 1973) que inauguró la temporada 2025 de la FotoGalería del Teatro Municipal General San Martín con "imágenes ficcionales" de los interiores del edificio creado por el arquitecto Mario Roberto Álvarez y Macedonio Oscar Ruiz e inaugurado en 1960, durante la presidencia de Arturo Frondizi.No hay personas en los escenarios fantasmagóricos proyectados por Miño. "Me interesa lo espectral en lo sólido, el vacío en lo lleno, lo abstracto que se esconde en lo muy concreto", afirma el artista, cuyo padre, José Orlando Miño, era arquitecto y fotógrafo. La apertura de la nueva temporada de la FotoGalería -que este año festeja su 40º aniversario- coincide con el 65° de la inauguración del Teatro San Martín.Escaleras, ventanas, pasillos, pasajes y paredes se espejan en las veintiuna fotos de Abstracciones de un sueño, que se puede visitar con entrada libre y gratuita hasta el 4 de mayo, de martes a domingos de 14 a 20, en la avenida Corrientes 1530. "En su serie, Miño logra una conmoción de la mirada, que somete las líneas abstractas que componen los planos y volúmenes interiores del edificio a las alteraciones de la ensoñación -se lee en el texto de sala del arquitecto y director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat-. Con recursos que refieren a las búsquedas de la pintura cubista, que intentaba incorporar en el plano bidimensional el tiempo, el recorrido y numerosos puntos de vista, Miño despliega sus obras trastocando el plano cartesiano de la arquitectura"."Mi trabajo tiene que ver con la idea de transformación, de capturar la mayor cantidad de espacios y volúmenes posibles -cuenta Miño-. Cuando trabajo las imágenes, me sumerjo en el universo visual que producen mis obras: siempre intento capturar o que se represente la idea de la espacialidad, los diferentes puntos de vista, captar momentos desde distintos ángulos; que se puedan ir construyendo ficcionalidades en la imagen que se sucede".Para alcanzar su objetivo, el trabajo de post-producción es crucial. "Es cuando trabajo con la parte creativa de la imagen fotográfica. En mi caso, una imagen fotografiada no representa ninguna imagen, ningún sentido, pero sí representa un posible proyecto a futuro. Las decisiones vienen en la post-producción, la intensidad creativa se produce en la computadora y es cuando me siento un laboratorista, un artista que puede trabajar con las ideas que se plantean en mi obra", señala.En el momento en que se decidió que el Teatro San Martín fuera el eje de la muestra, Miño sintió una gran emoción. "La relación con la FotoGalería me llevó a lo sentimental -recuerda-. Cuando era joven, mi padre, que era arquitecto y fotógrafo, me invitó a ver fotos en la FotoGalería, en la época en que la directora era Sara Facio. Por eso, cuando Claudio Larrea me invitó a exponer mi obra, tuve un sentimiento de inmensidad infinita muy emocionante".La referencia a la obra arquitectónica es inevitable. "Tengo una gran admiración por un racionalista como Mario Roberto Álvarez, lo que representa su obra, y en este caso el teatro fue como un homenaje a esa visión, a esa estructura que tiene este magnífico edificio. Con mis fotos, no intento quitarle protagonismo o esencia, sino que trato de que se pueda poner en visión lo que representa"."La arquitectura es mi inspiración, es mi pregunta, lo que observo, lo que miro, aquello que encuentro atractivo y lo que me permite ser un arquitecto sin haber estudiado arquitectura -define-. La creación a partir de algo existente, como es un edificio, me permite transformarlo y hacerlo mío desde otro lugar, pero no porque el lugar lo necesite, sino como algo inspiracional".Actualmente, Miño prepara junto con el curador Raúl Flores su primera muestra en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. "Es un año con una exposición bastante intensa y me siento feliz, agradecido y emocionado -dice-. Son oportunidades que se fueron dando en un tiempo en que encuentro que la obra pueda alcanzar una visión muy definida para poder mostrarla en instituciones tan importantes como el San Martín y el Moderno".Admite que su trabajo no está definido por algo en particular. "Se van desarrollando muchas cuestiones al mismo tiempo; tengo mucho material fotografiado y siempre necesito más -responde-. Cuando me siento a trabajar, cuando pienso en algo no se desarrolla para algo específico sino para mí, para el momento, para lo que siento, busco y necesito investigar. Produzco mucho, decanto muchísimo y me quedo con muy poco. Por suerte las obras van tomando solidez cuando van decantando y ahí siento que pueden salir del estudio con un destino propio. No trabajar para algo preciso me lleva a tener una libertad y a cometer errores y a buscar nuevas posibilidades"."El año pasado, cuando empecé a preparar la programación de este año, tuve en cuenta dos cosas muy importantes: los 65 años del edificio del San Martín y los 40 años de la FotoGalería fundada por Sara Facio en mayo de 1985 -dice el director del espacio, el fotógrafo y curador Claudio Larrea, a LA NACION-. Pensando en eso, se me vino a la mente la obra de Miño, pictórica y abstracta, y el edificio del teatro que tiene algo icónico en nuestro ADN cultural. Desde chicos, vamos al teatro, a la Fotogalería y a la Lugones a ver películas. Lo invité a Jorge a recorrer el teatro durante varias jornadas: fuimos a la Lugones, y por las escaleras y sus fugas. Este año abrimos con una mirada totalmente abstracta de un espacio emblemático de la ciudad de Buenos Aires".Para 2025, están programadas cinco exposiciones fotográficas. Después de las abstracciones soñadas de Miño, se expondrán fotos de Lena Szankay; luego, de Paula Grandio, de Marcos Furer y del polaco-argentino Boleslaw Senderowicz, pionero de la fotografía artística en el país. Habrá, además, un merecido homenaje a la creadora del espacio durante la "primavera democrática": la inigualable Sara Facio.Para agendarAbstracciones de un sueño, de Jorge Miño, permanecerá abierta al público hasta el 4 de mayo, de martes a domingos de 14 a 20, con entrada libre y gratuita, en la Fotogalería del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530).

Claudio Gallardou dirige la "Opereta de los bandoleros" en el Teatro del Pueblo

El director adaptó el libro de Hugo Chumbita sobre Juan Bautista Bairoletto, Eusebio Zamacola y Segundo Peralta, "Matecosido".

El teatro es estar con el otro y compartir

Un lugar de referencia en la comunidad artística de la región anunció que hay tiempo hasta el viernes próximo para inscribirse a las carreras que otorgan títulos terciarios.

Teatro San Carlos: el "coloso" de Junín reabrió sus puertas y volvió a ser el orgullo de la ciudad

JUNIN.-Sábado, 19 horas. En una esquina frente a la plaza principal de la ciudad de Junín hay dos chicas jóvenes. Ante la pregunta por la ubicación del teatro San Carlos, no dudan. "El que reabre hoy, claro; estás a tres cuadras", apuntan conocedoras de la situación. Por cuestiones generacionales, para una sala que estuvo cerrada por casi 15 años ellas, seguramente, no conocieron a este verdadero coloso de la arquitectura teatral que abrió sus puertas hace 79 años. Pero lo que sucedió ahí está instalado en la memoria colectiva de los habitantes de esta ciudad. Hora y media después, en el inmenso hall de esta sala que fue inicialmente pensada como sala de cine, con sus mejores pilchas aguardan para entrar Ángel y Mireya, dos bailarines de tango de avanzada edad. En sus años mozos bailaron en el inmenso escenario frente a las 1801 butacas que hoy vuelven a estar ocupadas. Inevitablemente, durante la espera se cruzan todo el tiempo anécdotas de todo tipo de lo vivido en este verdadero templo de la ficción.Desde anoche, todos esos recuerdos vuelven a activarse como si una herida abierta comenzara a sanarse desde las mismas nobles butacas recuperadas. Todo adquiere el matiz de un acto colectivo de recuperar esa memoria que marcó la identidad cultural de una ciudad desde el mismo momento que un señor, un tal Carlos, luego de ganarse un premio en una lotería decidió hacer un sala absolutamente desmesurada en proporciones y tamaño para una ciudad de este tipo.Desde las 20, la avenida Arias al 100 está cerrada para los vehículos. Afuera, en la puerta de esta espectacular fachada, público y curiosos no se quieren perder este día que pasará a la historia de Junín. Hasta anteayer, había un solo teatro, el Municipal, que cuenta con unas 400 butacas. Pero acá, en el teatro San Carlos, todo es a lo grande; su platea, su pullman, sus grandes puertas, su camarines cubiertos de viejos poster de películas que se proyectaron, su cuidado patio de artistas, el puesto de venta de maní con chocolate del hall, los baños para el público cubiertos de azulejos con muchas vidas, su piso de pinotea original, su gran embocadura, su enorme fachada.Para aquel lejano kilómetro cero de cuando se lo inauguró se lo comparó con el cine/teatro Gran Rex, de Buenos Aires. Pasaron casi 80 años y hoy, el ahora teatro San Carlos es la sala privada con mayor cantidad de butacas de la provincia de Buenos Aires. Ni La Plata, Bahía Blanca o Mar del Plata tienen una sala de estas dimensiones. O, de comparar su tamaño con salas privadas porteñas, solo la superan el mismo Gran Rex y el Ópera. Por eso acá se lo llamaba "el Coloso" (y, claramente, no era ni es una exageración).Durante una larga jornada de apertura que terminó a las 2 de la madrugada, hubo corte de cinta, una placa que da cuenta de este nuevo hito, la presencia de varios artistas locales de distintas generaciones, curiosos, algún que otro problema técnico, anécdotas, muchas fotos, palabras de los invitados y una constante permanente: los aplausos del público como hilo conductor de la noche. Para la fiesta llegaron de Buenos Aires el empresario teatral Carlos Rottemberg, el llamado "señor de los teatros", que es padrino de la sala y Leo Cifelli, secretario de Cultura de la Nación. Antes de asumir la función pública, Cifelli estuvo aquí como productor de varias obras. También llegaron dos gestores del circuito teatral comercial, Gustavo Ferrari y Ariel Perrotti, quienes reconocen que esta nueva sala puede oficiar de polo para la reactivación de la actividad teatral en esta zona de la provincia de Buenos Aires. Eso lo sabe muy bien Pablo Petrecca, el intendente de Junín, que acompañó la iniciativa de un privado que apostó por reactivar a este gigante dormido. En diálogo con LA NACIÓN, el funcionario reconoce que se está viviendo un acto "de recuperar la historia de la ciudad y su gente". Como si fuera parte de un guión escrito de antemano, Rottemberg, quien se vino hasta acá por fuera de sus propios intereses empresariales, también habla del valor de estos grandes espacios en donde se desarrollan hechos artísticos. "Creo fervientemente en la cultura. Desde la última fila del pullman a la primera de la platea los felicito porque estas cosas se hacen en comunidad", apunta el padrino de la sala desde el escenario.Claro que para que todo esto despliegue sus formas hubo, hay, otro jugador troncal: el empresario Eduardo Dimarco y su familia. Él es el que desde hace 8 meses estuvo a cargo de activar este tiempo de revancha del San Carlos. "Esto es cumplir un sueño", le dice a este cronista en medio de la tarde/noche. En un notable y entrañable video proyectado en la sala se ve a la familia toda limpiando el estado casi terminal en el que estaba el teatro. Lo que parecía imposible es realidad. Y se apuraron para abrir las puertas el día del cumpleaños de la sala de cine convertida, ahora, en teatro con una programación centrada en lo musical.Desde su apertura un 15 de marzo de 1946, por el majestuoso cine San Carlos se proyectaron infinidad de películas que marcaron a diversas generaciones de juninenses (y sus alrededores, porque esta imponente sala de 1.801 localidades era el epicentro de esta zona de la provincia de Buenos Aires). Desde 2001, la sala también programó obras de teatro, espectáculos de Julio Bocca y cantantes de la talla de Mercedes Sosa, Charly García, Luis A. Spinetta, Andrés Calamaro, Ricky Martin y Joaquín Sabina, entre tantos otros. Pero en 2010 cerró y quedó como un mudo, sombrío e impactante edificio que daba cuenta de algo del pasado. Pero en su larga historia hubo un artista que, inevitablemente, marcó a la ciudad y al San Carlos: Sandro.Por eso fue que Eduardo Dimarco programó Culto gitano, tributo a Sandro, el espectáculo del cantante y actor Fernando Samartin, quien desde hace años recrea la voz, el porte, las inflexiones del mítico cantante. Que este imponente teatro se haya abierto con las canciones de Roberto Sánchez es una forma de revisar la propia historia de la ciudad y su conexión con sus artistas. Un 10 de agosto de 1969, Sandro se presentó en la Sociedad Rural de Junín ante 25.000 espectadores. Uno de los que estaban allí era Darío Suárez. Lo había llevado su madre, según cuenta en un reportaje realizado por el Canal 10, de Junín. Suárez fue quien escribió el libro "Sandro el ídolo". Desde 1969, el cantante estuvo 24 veces en la ciudad según investigó. Las últimas 7 oportunidades lo hizo en el mismo escenario que anoche hizo suyo Fernando Samartin, el ganador de un premio ACE y un premio Hugo a la revelación masculina por su labor en el musical Por amor a Sandro.El impacto de aquella primera presentación de Sandro en la ciudad, según una crónica del diario La Verdad, fue tan fuerte que el mismo cantante prometió comenzar sus giras nacionales en esta ciudad. Cumplió. Al año siguiente, tres meses antes de haberse presentado en el mítico Madison Square Garden, volvió a cantar en el mismo lugar. Esa vez, ante 35.000 personas. En repetidas veces Sandro dijo que su primer amor era la ciudad de Junín, que su primera novia era Rosario y que, a lo sumo, Buenos Aires era su amante.Una de las veces que lo aseguró fue en una de las 37 presentaciones vistas por 117.000 espectadores que realizó, entre octubre de 1998 y febrero de 1999, en el teatro Gran Rex, de Buenos Aires. Casi como en un relato circular, cuando en 1946 se inauguró el cine San Carlos se lo comparó con el cine Gran Rex, que había abierto sus puertas en 1937. En la majestuosa sala porteña hay una escultura con su imagen que, a veces, se la saca al hall. A 12 kilómetros del teatro San Carlos hay una gran escultura de Sandro. Mide dos metros de altura y fue financiada por vecinos de la ciudad. Se inauguró en 2012 y está ubicada en la Rotonda de los Pescadores, frente a un gran lago. Hay una placa que dice: "Sandro de América. Morirá cuando muera el último que te recuerde".Hay otras historias circulares, de citas. En 2020, Sandro debería haber cumplido 75 años. Ese año, se conoció la canción "No te vayas todavía", un tema inédito que había quedado guardado en la vivienda de la familia Aguilera. ¿De dónde es esa familia? De Junín. Rubén Aguilera fue productor y arreglador del cantante entre 1981 y 1991. En la casa familiar habían quedado varios casetes con la voz de Sandro cantando este tema como otros. Sony Music lanzó para el día de su cumpleaños "No te vayas todavía". Todo aquello se reactiva ahora con este show que comenzó mucho más tarde de lo previsto, al filo de la medianoche, y que culminó a las 2 de la mañana.Apenas Fernando Samartin canta el primer tema rodeado de su potente banda parte de la platea se pone de pie para aplaudirlo. Cuando toma el micrófono confiesa, emulando siempre el tono y la postura corporal de Sandro, que hace cosa de un mes que anda con problemas de salud. "El aplauso de ustedes es mi mejor medicina", señala. A las dos de la madrugada, cuando termina su presentación, se lo nota cansado, pero feliz, Como las mismas caras del los espectadores o de los integrantes de la familia Dimarco.La reapertura del gran cine devenido en teatro es como un menú de varios pasos cargados de citas e historias circulares. Hoy, domingo, en el renovado teatro San Carlos se presentará el grupo Estelares. Su líder, Manuel Moretti, es oriundo de Junín. Entradas agotadas. El miércoles se proyectará Cinema Paradiso, como una forma que entre en diálogo la historia de la película y la de este cine que abrió sus puertas con la proyección de la película argentina No salgas esta noche, del 15 de marzo de 1946 y que anoche abrió esta nueva etapa con el actor y cantante que recrea a Sandro quien hizo su primera presentación en un cantobar llamado, justamente, Cinema. Aunque la historia de esta película es conocida, unas 500 personas ya adquirieron sus entradas. Como yapa, hay siempre disponible unos paquetes de maní con chocolate en lo que está impresa la fachada del San Carlos.El sábado será el turno de Hilda Lizarazu cantando temas de Charly García, quien se presentó en el cine San Carlos en 1999. Y a fin de mes el escenario está copado por Andrés Calamaro. Fue él último artista que se presentó en el cine antes de su cierre. Quien la había traído es Eduardo Dimarco, el que ahora no solamente se encarga de la programación de la sala sino de la gestión de la gran sala. El que, pasada las dos de la madrugada, reconoce que necesita dormir 10 horas seguidas.El ahora teatro San Carlos se despertó luego de una larga siesta casi terminal. La ciudad de Junín recuperó a su coloso.

"Soy partícipe de esta hermosa aventura del teatro alternativo"

El autor, actor y director sostiene la sala Belisario y reestrena La negación de la negación. Una hermenéutica chejoviana. Analiza la batalla cultural. Leer más

FilaCero en el teatro El Círculo

Polémica por contrato que la JEP adjudicó a reconocidos actores petristas: recibieron millonarios pagos por una obra de teatro

La obra financiada tenía como objetivo promover la comprensión social sobre la labor del tribunal. Sin embargo, la adjudicación directa del contrato ha generado cuestionamientos sobre la transparencia del proceso y el uso de los recursos públicos

Martín Bossi, entre Ca7riel y Paco Amoroso, su nuevo protagónico en teatro y por qué oculta sus amores

A pesar del calor tremendo, Martín Bossi llega exultante a la entrevista con LA NACIÓN. Tiene motivos: la noche anterior se estrenó Papota, un corto de dieciséis minutos de los cantantes Ca7riel y Paco Amoroso, con dirección de Martín Piroyansky, en el que se luce como invitado. Interpreta a Gymbaland, un productor mefistofélico que les ofrece ganar el codiciado Latin Chaddy a cambio de vender sus almas, apoyado en los impiadosos consejos de Chad GPT. Pura ironía, vuelo e incorrección en la era digital: el video es un cross a la mandíbula a la industria musical. Y también marca una paradoja: con millones de visitas, es un boom mundial en las plataformas, la meca de la industria."Es muy extraño lo que sucede con Papota porque yo hice cosas populares, pero este es el trabajo que más se viralizó en mi vida", define de entrada Bossi, todavía asombrado por la repercusión que logró el material. También confiesa que cuando recibió la convocatoria no conocía a Ca7riel ni a Paco Amoroso, pero apenas vio su participación en Tiny Desk se sorprendió con la creatividad. Como sea, se tomó a pecho la invitación: estuvo largos días ensayando su oscuro personaje, una suerte de Guasón criollo tan pálido como indolente. "Ellos junto a Piroyansky me pidieron construir a un hombre desalmado. Así que estuve vagando por calles y bares dándole vida a la criatura, portándome como un verdadero diablo", rememora Bossi entre risas.Desde el jueves 20 de marzo, en plena Avenida Corrientes, el Teatro Nacional, dará un paso más en su multifacética trayectoria: protagonizará la comedia La cena de los tontos junto a Mike Amigorena y Laurita Fernández. La obra, un suceso internacional, escrita por el dramaturgo francés Francis Veber, cuenta con dirección de Marcos Carnevale y la producción está liderada por Guillermo Francella y Adrián Suar, estrellas de la primera versión en el país en 2000. "Es una obra exigente, muy bien escrita, irónica y actual, porque habla de la verdad en medio de la hipocresía. Un tipo puro en medio de la falsedad y el bullying".Para Bossi, su participación en La cena... tiene un significado especial: implica integrarse a un elenco. Después de realizar exitosos unipersonales por más de una década -el último, Bossi Live Comedy, fue un gran suceso durante tres temporadas-, ahora pega un volantazo. "Hace poco tiempo empecé a hacer el clic de que el teatro también es unir fuerzas. Esta obra llega en un momento de mi vida en el que quiero compartir una comedia pura". Como si fuera poco, Bossi tiene otro tanque en carpeta: encarnar a Alberto Olmedo en una biopic producida por Pampa Films para una plataforma. Aunque prefiere no anticipar mucho, está basada en el libro de uno de los hijos del comediante, centrada en su último día de vida y se rodará el año próximo.Con todas estas credenciales, se podría afirmar sin vueltas que está pasando por un momento formidable de popularidad y propuestas. Contra todas las presunciones, Bossi le baja el copete a cualquier definición apresurada y sostiene, parafraseando a Fito Páez, que lo que más le gusta es estar al costado del camino. "Mi única intención es hacer vuelos bajitos para que los radares no me localicen. En tiempos de tanta violencia y frustración, no quiero ser el centro del odio de la gente. Hoy, si te exponés mucho, te convertís en blanco de las críticas", explica este versátil artista, un maestro en el arte de cambiar de piel, quien desde hace más de dos décadas se ha manejado como pez en el agua en el rol de showman, creando un estilo que combina imitaciones, actuación, humor, baile, canto, música.-Siempre estás en movimiento. ¿Te aburre la repetición?-En mis inicios la imitación me ayudó a llamar la atención, especialmente la parodia. Me sale naturalmente porque desde chico jugaba a imitar en mi casa para frenar la discusión entre mis padres. Después me di cuenta que la cuestión es ser o no ser, y no parecer. Entonces empecé a tener otras inquietudes, a componer personajes, a hacer homenajes, a standupear. La imitación no es un género menor, hay gente que lo hace toda la vida, pero yo necesité evolucionar hacia otros lugares.-¿Cuándo te convertiste en showman?-Emilio Tamer, mi gran maestro, fue quien me sugirió hacer algo que no existía en ese momento: ser un showman como lo era Jerry Lewis. Fue una buena idea porque hay mucha gente que hace stand up, pero poca que se transforma en showman. No es fácil: hay que desdoblarse en canto, baile, humor, música. A eso se sumó la posibilidad de hacer cine y ficción en tele. Estudié mucho y me dio buenos resultados. Me gusta mostrar cosas de acuerdo a mi preparación. Si tengo un restaurante, no puedo ofrecer pizza todo el tiempo.-¿Sos muy autoexigente?-Sí. Por ejemplo, para el musical Kinky Boots (versión dirigida por Ricky Pashkus que se presentó en 2020 y 2022 en el Astral) encarnaba a una drag queen. Para prepararme me encerré ocho meses en New York con una comunidad drag. Empecé a transitar ese mundo como si fuera una mujer. O cuando hice de Justina, en la película Viudas (dirigida por Marcos Carnevale), utilicé todo mi poder de observación. No se trata de parecerse, es mostrar lo que vos tenés adentro.-¿Y hacia dónde va tu carrera?-Es muy curioso. En este momento de tanta decadencia cultural, me tocan trabajos que disfruto. Yo siento que no soy producto del odio y que no me interesa estar en el centro de esta locura de la exposición. Me preparé y estudié para subir al escenario. Trabajo para hacer reír a todos: al de derecha, al de izquierda, al policía, al bombero, a Lali Espósito, a María Becerra, a Javier Milei, porque hoy los enfrentamientos son permanentes. Y no soy liviano por sentir esto, porque si apagás el grabador te puedo decir un montón de cosas. Pero, así como de chico hacía reír a mis padres para que no se peleen, en mi vida profesional estoy para entretener, hacer reír, generar fantasía. Sin que se note mucho, con perfil bajo, calladito, hago mi trabajo.Un hombre suburbanoNacido en Lomas de Zamora, futbolero e hincha fanático del club Los Andes, Bossi tiene una historia que combina la temprana pérdida de su padre con un pasado insospechado como profesor de tenis y estudiante de la carrera de Comunicación Social. Aunque es un celoso guardián de su intimidad, no escapa a ningún tema con su verba filosa y el temperamento arrollador: se define como un tipo con cultura barrial y detalla que la terapia le sirvió mucho para vivir mejor."Yo fui un desmesurado. Un desmesurado sin drogas, alcohol, noche o cigarrillos. Desde chico ponía todas las fichas en actuar hasta alcanzar el nivel de la obsesión. Mi psicóloga me explicó que la omnipotencia es parte de la locura, y ahí entendí que no siempre se puede. Fue muy importante para abrir los ojos".-¿Qué quedó del profesor de tenis o del estudiante de Comunicación?-En un punto, yo no soy actor, soy un tenista en el escenario. Antes de cada función, hago bicicleta fija, pique corto, entrenamiento, me sirve mucho. Y con la carrera universitaria, la verdad es que fui un ladri. Iba a las clases, tenía un libro y andaba sacando teléfonos a las chicas. Solo recuerdo unos textos de Enrique Pichon Rivière y Claude Lévi-Strauss. Nada más.¿El quiebre en tu vida fue la muerte de tu papá?-Sí. Yo no actúo porque soy feliz, actúo porque estoy todo roto. De verdad: si fuera feliz, no actuaría. Cuando tuve uso de la razón recibí la mala noticia de que mi vida y la de los que quiero iba a terminar mal. Entonces pensé: ¿cómo hago para que esta vida sea lo más amena posible? Actúo para descomprimir la angustia.-¿Tenías algún mandato familiar?-Yo tengo una frase: la desobediencia es la base del éxito. Mi papá, que tenía cáncer, dio órdenes en el lecho de muerte. Reunió a toda la familia, pero yo no concurrí. Él quería que yo fuera tenista, abogado o médico, pero no que me dedicara a la actuación. Dijo: hagan lo que puedan con Martín, pero para mí el partido ya está perdido [risas]. No hay día en el que no lo recuerde, pero al mismo tiempo su partida fue la liberación de un sistema, donde yo era la extensión de su felicidad.-¿Ahí empezaste terapia?-En realidad empecé después porque además me habían metido en la cabeza que Dios estaba en todos lados y eso me atormentaba. Después construí mi propia religión y también la forma de amar, porque creo en Dios y en Jesús, pero es mi propia religión. Había cuestiones que venían falladas de fábrica en mi familia porque somos víctimas de víctimas.-Siempre te cuidás de no ventilar tu vida sentimental. ¿De quién aprendiste eso?-Mis amigos me dicen que si hubiera contado el 10% de mis aventuras amorosas, habría llenado 10 veces más teatros. Ese chiste tiene algo de verdad porque además los medios te buscan con esas preguntas. Tuve un gran maestro en el arte de la discreción: Sandro. Lo conocí porque actué en la fiesta de cumpleaños de su expareja María Elena. A partir de ahí, me invitó a merendar muchas veces a su casa, y cuando murió, me dejó su ropa, que la usé en mis shows.-¿Qué consejos te dio Sandro?-Él me decía cosas como "no te tientes", "que no se sepa", "tenés que ser una hoja en blanco" y que nunca tenía que ir detrás de las tendencias. Mi maestra Graciela Borges también fue sabia en eso. Me advirtió que "no segmente". O sea, que no importa lo que me guste, si chicas o chicos, porque lo importante es que todos nos quieran amar. Por eso, no cuento con quién estoy ni tampoco digo a quién voto. Yo no hago mi vida en Instagram, apenas posteo unas pocas cosas, me río de las tendencias y no pertenezco a ningún "ismo". Las ideologías te vuelven esclavo.Contra todos los malesCon una mezcla de desazón y escepticismo, Bossi se muestra crítico frente a la actualidad. Durante la entrevista, vuelve una y otra vez a cómo la cultura light, la exposición en las redes, el éxito efímero y la falta de valores barrió con la posibilidad del diálogo. A sus 50 años, se define como un nostálgico de la época analógica. "Yo veo que hoy todo es rivalidad. Hay tanto odio que a veces se pelean dos personas que piensan lo mismo. ¡En las redes hasta se atreven a insultar a Messi! Imaginate si un día aparece Jesucristo, le gritarían de todo".-¿Hoy hacer teatro es un acto de resistencia?-Es un acto de provocación. El teatro, la cosa más antigua del mundo, sigue resistiendo. Todo se transmite por Internet: el cine, la fiesta de cumpleaños, un concierto. Hace poco fui a ver a mi amigo Luciano Pereyra y todo era celular. La vida sucede a 30 centímetros con el brazo extendido. Es psiquiátrico. Por eso, yo invito a escucharnos un ratito y a compartir. Yo me considero un teatrogramer, un influencer teatral. Por suerte, los teatros le quitan la clientela a las plataformas. No hay cabida para Elon Musk.-¿Y cómo te llevás con las redes?-Confieso que estoy en recuperación. El año pasado tuve unos ataques de ansiedad, con situaciones extrañas arriba y abajo del escenario. Una de las primeras cosas que hice fue reducir el tiempo con el celular, estaba prisionero siendo una mala versión mía.-¿Te impactó cumplir 50 años?-No soy esclavo de los números, pero no me gustó nada porque caí en la trampa de creer que soy un cincuentón. Cada cambio de década me ha provocado cosas, pero la experiencia tiene sus ventajas, así que ahora decidí no preocuparme más por estas cuestiones simbólicas. Soy como los músicos del Titanic, voy a seguir tocando hasta que se hunda el barco, me he reconciliado con la posibilidad del final.-¿Estabas muy peleado con la idea de la muerte?-Sí, pero hoy quiero ir a un lugar mejor, por eso no me da miedo el final. Estoy preparado para no ser, mi ego está bien colocado. Ojalá me toquen 30 o 40 años más porque tengo muchas cosas pendientes. Mis amigos me necesitan, mi ahijada, mi madre y muchos más, y yo a ellos. Pero cada vez que salgo a la calle veo a un ejército de walking dead que te lapida con la cultura de la cancelación. Por eso, trato de no hacer mucho ruido.-En los últimos tiempos te presentaste en varios países. ¿Te irías a vivir a otro lugar para crecer profesionalmente?-A vivir no porque respeto el barrio. Yo nací en la Argentina y es una dulce condena. Podría irme un tiempo para hacer mi trabajo, pero eso es lo máximo. Estoy muy atado a lo afectivo y acá encuentro resquicios que me hacen feliz. Yo tengo mi propio algoritmo, y me sigo emocionando con las canciones de Spinetta, Charly, Jorge Cafrune y Facundo Cabral.-Si te dieran a elegir entre actuar en Broadway o que tu amado club Los Andes ascienda a Primera, ¿con qué te quedás?-Obviamente, elijo a Los Andes [risas]. Pienso que con suerte y estudiando mucho puedo llegar a otras capitales teatrales, pero para que ascienda el equipo de mis amores se necesita de la ayuda de Dios.

El cine, el teatro y la familia: las obsesiones de Alfredo Arias

En plena pandemia, cuando todo estaba cerrado, incluidas las salas de cine y espectáculos, Alfredo Arias decidió crear una obra de teatro en miniatura. Con personajes realizados con resina y escenas mudas que transcurren en dos actos, el director, performer y artista narra la historia de las hermanas Peliagudo en la instalación Tita Repostera y Tita Tanguera, una de las piezas que integran Mobiliario familiar, su primera muestra individual. Elegante y cortes, Arias hizo de guía en un recorrido exclusivo con LA NACION poco antes de la inauguración en la galería Cosmocosa, a la que asistieron amigos de la época del Instituto Di Tella y las galerías Lirolay como Marta Minujín y Edgardo Giménez, entre otras figuras del arte, el cine y el teatro.James Ellroy, escritor con fama de bulldog, se mete en la casa de Marilyn Monroe y asegura: "Era una mujer sin talento"Las hermanas Peliagudo "viven enclaustradas en la decadente mansión familiar, donde comparten una realidad paralela signada por viejos resentimientos, secretos y culpas innombrables", describe la curadora e investigadora María José Herrera en el texto de sala. La obra está integrada por dos casas de madera con puertitas que se abren y se cierran para que los "espectadores" descubran cada escena. Están instaladas en una pequeña sala a oscuras, ubicada detrás de una cortina negra, a la que se ingresa con una linterna. Al entrar, el público debe abrir las puertas, una a una, e iluminar la escena para seguir la trama. "Lo hacemos así, misterioso, con esta luz para que la obra tenga un aspecto un poco cinematográfico. Es una historia de dos hermanas que creen vivir con un fantasma, pero en realidad es un crápula que las engaña con la complicidad de una monja", contó Arias mientras enfocaba a las hermanas Peliagudo con la linterna."Todo empezó durante la pandemia: yo quería hacer teatro y no se podía. Entonces, dije: 'Voy a empezar a hacer unos pequeños teatros con ideas mías'. Es una obra que ya había escrito y luego decidí presentarla como un teatro de objetos. Yo trabajo todo el tiempo y escribo mucho. Pensé cuál sería la historia más apropiada para desarrollar de forma teatral y escultórica y así nacieron estos pequeños teatritos con dos hermanas que creen vivir con un señor que es un fantasma y tiene, en realidad, pretensiones eróticas. Y, después, mientras construía estas piezas con un equipo en mi taller, fui creando las otras obras de la muestra".Lo nuevo de Sacheri: los mozos de la Casa Rosada, la antesala de Malvinas y un general desesperado"Nos acompañó Martin Roig para crear este mini espacio teatral dentro de la galería para poder meternos en un viaje casi 'voyeurista' por la casa de Tita y Tota y sus absurdas vidas marcadas por presiones sociales y manierismos hoy perdidos en el tiempo", contó a LA NACION la galerista Amparo Discoli, que tiene en venta en Cosmocosa todas las obras del artista.En la sala, mientras saluda a los invitados que van llegando para la apertura, con un sombrero Panamá, anteojos negros y una copa de champagne en mano, Arias continúa con la visita guiada. "En un momento apareció la idea de la evocación de la escuela. Estos bancos tienen que ver con mi idea de la infancia", cuenta y señala una serie de tres pupitres antiguos con tapas de vidrio que muestran objetos. Uno está repleto de masitas y muffins. "Digamos que mi infancia fue dulce", dice con un guiño de ojo. Esas piezas evocan una serie de tortas creadas por Arias para la muestra Patria Petrona, que presentó en Fundación Proa en 2011 junto con el diseñador Pablo Ramírez y el artista Juan Stoppani.En otro banco hay un bife de chorizo, de resina, claro. "Con una idea de línea geográfica, hice un bife con la forma del mapa de la Argentina. Es como si fuera una lección de geografía que se transforma en un libro. Y la último es más espiritual: una escarapela que da una idea de pertenencia a un país, es como una educación visual"."Nos sentimos privilegiados de poder presentar en nuestra galería a un artista tan relevante para la historia de la plástica y el teatro y a la vez tan activo y 'en escena'. Radicado en París desde los años 70, cuando estrenó la Evita de Copi, tardó 16 años en volver a presentarse en el país a mediados de los 80, siempre como director de teatro. Fue protagonista del semillero de artistas que brotaron del Instituto Di Tella en los 60: su comienzo como ceramista junto a Stoppani, sus aventuras con Alberto Greco y su incursión en el teatro de avanzada en el Di Tella, que lo lanzó a su carrera internacional. Presentar obra plástica de un artista que derivó en la escena del teatro en un ida y vuelta constante en su vida es también una gran coincidencia 'cósmica', ya que hace unos días el Museo de Arte Moderno anunció que su programación de este año estará dedicada a las artes escénicas y del teatro y su relación con el ambiente de la plástica. Arte es teatro en este 2025 para Buenos Aires. Y si alguien nos representa actualmente en eso es Alfredo Arias. Fue conmovedor ver la excelencia que tiene en todo lo que hace, más allá de las distintas propuestas estéticas de cada obra. Más allá de sus obras en homenaje a Alfred Hitchcock (confieso que son mis preferidas), Arias rescata una iconografía de una Argentina y de unos valores que hoy solo quizás quedan como recuerdo o añoranza", completó Discoli.La galerista se refiere a la serie que se exhibe adentro de una vitrina de madera con piezas que rinden tributo al director de La ventana indiscreta, entre otros films. "Entre mis obsesiones, el cine también es un arte que me apasiona. Acá están elementos que aparecen en la película Catch a thief (Atrapar al ladrón), de Hitchcock: hice una mano de un personaje femenino que fuma y apaga el cigarrillo en un huevo frito; hay también un teléfono negro bien cinematográfico y una tijera enorme, en honor de Psicosis", describe Arias, que utilizó cerámica fría para crear varios de los objetos.Otro tema que lo obsesiona es la familia. Una de las obras, titulada Sagrada Familia, muestra tres cabezas: la de un padre "desequilibrado" (según sus propias palabras) y una madre "perfecta", a las que les salen bochas de helados de la tapa del cráneo, y un bebé rozagante con un chupete enorme sobre la frente, que lo representa a él. Una especie de autorretrato en broma.Hay mucho humor en las creaciones de Arias. El chupete gigante vuelve a aparecer en otra pieza, llamada Love and hate, que inlcuye también una rata y un conejo. "Es el mundo que está entre la bondad y el acecho", define el artista. El peso de la familia tradicional tiene un lugar destacado en dos enormes zapatos (uno femenino con tacón; el otro masculino, con cordones) que sorprenden en el centro de la sala "como si fueran un monstruo que, cada vez que caminan, da un poco de miedo"."Otra historia, paralela y contrapuesta, es la del hogar feliz. Los pilares de esa célula querida por Dios y la sociedad son el padre y la madre, metonímicamente representados por enormes zapatos de cuero de fina hechura; zapatos para pisar en el mundo e imponer autoridad. La escala aumentada de estas piezas habla por sí misma", describe la curadora Herrera, que define al guion de Mobiliario familiar como "un viaje autobiográfico abstracto".Para agendarMobiliario familiar, en Cosmocosa (Montevideo 1430). Lunes a viernes de 14 a 19, con entrada libre. Hasta el 11 de abril.

Match for love: una novela adaptada al teatro sobre el amor en tiempos virtuales

Dramaturgia: Miguel Angel Solá y Jorge Dyszel. Libro original: Jorge Dyszel. Dirección: Miguel Ángel Solá. Intérpretes: Clara Alonso y Alejandro Awada. Escenografía y Vestuario: Paula Molina. Música y sonido: Martín Bianchedi. Luces: Manuel González Gil. Video e Imágenes: Pedro Marangoni, GOTIKA. Sala: Multiteatro (Corrientes 1232). Funciones: miércoles, jueves y viernes, a las 20.30; sábados, a las 20 y 22; y domingos, a las 20. Duración: 90 minutos. Nuestra opinión: buena.Match4love es el título de la novela de Jorge Dyszel, publicada el año pasado por la editorial Autores de Argentina. Trata sobre dos amigos de treinta y tantos, Meli y Leiva, que buscan pareja a través de las aplicaciones de citas. En ese periplo plagado de experiencias diversas, finalmente ambos encontrarán "el amor menos pensado", como el nombre de una película argentina de 2018.A partir de este libro, el director Miguel Ángel Solá y el autor escriben la versión teatral Match for love. Hay cambios y no solo los requeridos por la puesta en escena: Leiva (Alejandro Awada) en la obra tiene 69 años y fue amigo del padre de Meli (Clara Alonso), por lo que el vínculo amistoso cobra un matiz especial, cómplice pero a la vez paternal.Antes de que los intérpretes salgan a escena, una voz en off anuncia que hay una sorpresa bajo la butaca x de la fila z. No develamos un oscuro secreto al contarlo. Tal vez sea una tendencia: así como en la obra La heladería, en el Paseo La Plaza, los espectadores acceden a una bocha a elección en Scannapieco (cuya historia cuenta la obra), en Match for love se regala, en cada función, una novela homónima.El marco de la historia es, además, el libro. Ambos se presentan -Meli con detalle, Leiva a trazos gruesos- y lo presentan al público (Awada lo lleva en sus manos) para anunciar que lo que sigue es la representación de ese compendio contemporáneo de experiencias sexo-afectivas. Sintética -un sillón, dos banquetas altas y la pantalla de fondo-, la puesta del director Solá -acompañado por dos amigos y aliados, Manuel González Gil y Martín Bianchedi- recuerda en algunos aspectos la de Hoy: el diario de Adán y Eva (la muy exitosa obra sobre el amor de Eloísa y Dalmacio que interpretó Solá con Blanca Oteyza primero y con Paula Cancio después, durante distintas etapas entre 1995 y 2016) por la alternancia de voces de la pareja.Leiva en Buenos Aires, Meli en Miami y sus celulares como extensión de sus cuerpos, cada uno le cuenta al otro cómo le fue desde el ilusionado matcheo hasta el encuentro real. Sin dar precisiones acerca de a cuál de ellos les tocó, diremos que la galería incluye todo tipo de personas, perfiles con una imagen real que no corresponde a la de la foto, con una persona muy cercana, pero que había cambiado de identidad en la app y un par de encuentros fallidos por ser estafas de manual. Entre un caso y el otro, como separador, aparecen en la pantalla momentos de soledad, en un sillón o en el baño, cuando chatean entre ellos o revisan perfiles. Los personajes conversan, se miran, opinan, se consuelan y hasta se abrazan, pero sabemos que es a la distancia. El único encuentro que no es narrado en su totalidad es el que Leiva comparte con una chica con discapacidad motriz que con mucho compromiso interpreta Alonso, actriz con experiencia en el audiovisual (fue Angie en la tira de Disney, Violetta) y que debuta con esta obra en teatro. Leiva/Awada tiene momentos de reflexión -por ejemplo, acerca de los prejuicios-, emotivos -la historia de amor de sus abuelos inmigrantes- y consigue la complicidad y cercanía del público a sus guiños. Seguramente con el correr de las funciones habrá una conexión más fluida de esta extraña pareja, de modo que el vínculo entre ambos emerja no solo de lo dicho.Sin duda, el motor de este proyecto es el autor de la novela, coautor y productor general de la obra. Fundador y director de la consultora financiera Teach4life, Jorge Dyszel es, además del papá de la actriz Florencia Dyszel, productor de teatro (Eva y Victoria, El día que Nietzsche lloró), de cine (Operación Fangio, La sonámbula), de televisión (Desde adentro, en 1992, miniserie con Solá, Juan Leyrado y Cecilia Roth), guionista y director de cine (Al fin, el mar, en 2003).

Un festival de teatro convierte a Vicente López en un gran escenario público

"El objetivo del festival es sumar audiencias, llegar a los más jóvenes y que las propuestas dejen preguntas abiertas y futuras reflexiones en los espectadores", explica Silvia Gómez Giusto, directora artística del Festival Vicente López en Escena, que, desde este viernes 14 hasta el domingo 30 de marzo, celebrará su décima edición con una grilla que contiene varias propuestas ineludibles, muchas de ellas con un gran recorrido escénico detrás."Otro de nuestros objetivos es fomentar el encuentro y el diálogo en la comunidad; en ese sentido, el teatro es un ritual maravilloso, como también las charlas abiertas entre artistas y audiencia", sostiene la directora. View this post on Instagram A post shared by Alejandro Zarate - DucheZarate (@zarateduchezarate)Durante 17 días, las localidades de uno de los enclaves más bellos del Conurbano respirarán teatro. A pesar de la cercanía con la ciudad de Buenos Aires y la muy buena conectividad, acercarse a los polos teatrales tradicionales (calle Corrientes, Abasto, Palermo, Boedo, entre otros), no siempre es sencillo. La posibilidad de encontrar el teatro "a la vuelta de casa" es uno de los imanes que lograron que Vicente López en Escena perdure en el tiempo y, en cada edición, crezca cuantitativa y cualitativamente.La directora del festival entiende que "se trata de asegurar accesibilidad a la cultura para los vecinos, pero también para los que vienen desde más lejos, sabiendo que brindamos una programación de gran calidad artística". La propuesta se enmarca dentro de un programa creado, producido y dirigido por la Secretaría de Cultura de Vicente López.Atravesar la ciudad con teatroBajo el lema "Festival de teatro en espacios inesperados", la iniciativa apuesta a la realización de funciones no solo en salas teatrales o centros culturales, sino también la intervención de sitios no pensados para la actividad escénica y la vía pública."Salir de las salas actualiza las formas de creación y toma riesgos que permite a los artistas descubrir nuevas formas de relato y dispositivos escénicos. Y, para la audiencia, renueva la forma de expectar y en muchos casos el encontrarse de manera fortuita con una intervención en un espacio que no ha sido pensado para ello; capta nuevos espectadores que, de no ser por esto, nunca hubieran asistido a un teatro", reconoce Silvia Gómez Giusto.La modalidad "site specific" se dinamiza con propuestas como No manei, una instalación performática de Jimena del Pozo -también directora-, Nora Lezano y Gonzalo Córdoba Estevez que se llevará a cabo en la histórica Quinta Trabucco.La velocidad de la sangre, en torno a las disyuntivas atravesadas en las vidas de un padre y un hijo, es otro de los títulos que se llevará a cabo fuera del ámbito teatral formal. Sobre un poema de Walter Lezcano, el material es dirigido por Gabriel Baigorria. La propuesta marca como punto de encuentro las escalinatas de la calle Dr. José Penna al 900.En la Sociedad Alemana de Gimnasia podrá verse Un tiro cada uno, propuesta creada y dirigida por Consuelo Iturraspe y Laura Sbdar. Una cancha de básquet y un femicidio para abordar la temática de la violencia de género. En tanto que La memoria futura, las voces de las abuelas, con dirección de Luciana Mastromauro, se sitúa dentro de una experiencia inmersiva que se lleva a cabo en un recorrido guiado también por los jardines de la Quinta Trabucco. Los participantes son testigos de las historias de mujeres cuyos nietos fueron arrebatados por el terrorismo de Estado. Todas ellas dejaron grabadas sus voces para que, algún día, lleguen a los oídos de sus nietos, como una forma de memoria que trasciende el tiempo.Pensando en las posibilidades poéticas y simbólicas de los espacios, Analía Couceyro y Ariel Farace ofrecerán el taller Lectotráfico, vínculos entre literatura, actuación y sitios específicos.Una vida, varias vidasEl biodrama, tomando la definición impulsada por Vivi Tellas, marcará otro de los ejes del encuentro de Vicente López. Dentro del espacio de "obras invitadas" se podrá ver el documental Imprenteros, realizado por la actriz Lorena Vega y Gonzalo Javier Zapico, en torno a la historia de Vega y sus hermanos y la relación establecida con la imprenta que fuera de su padre y que formó parte del ecosistema familiar durante décadas. El film, luego de la exitosa pieza teatral y la publicación de un muy interesante volumen, profundiza los conceptos de archivo, memoria y ficción.También pensando en el vínculo entre la historia personal y familiar, los legados de los oficios, y las historias de inmigración, podrá verse El punto de costura, creada y protagonizada por Cynthia Edul. El universo textil, una historia familiar y el entretejido con la literatura conforman el corpus de esta propuesta."En su germen, consistía en un ciclo con obras que se adapten a espacios no convencionales, pero la maravillosa contrapropuesta que recibí fue la voluntad de hacer algo más grande, que sea un Festival", finaliza la directora Silvia Gómez Giusto, quien, hace una década, acercó personalmente la iniciativa a la Secretaría de Cultura de Vicente López. El proyecto avanzó y creció y hoy es un clásico dentro de la agenda cultural del otro lado de la General Paz.También en Entre RíosEste domingo 16 de marzo, en el marco del Teatro y territorio, ciclo de entrerrianías teatrales, se producirá el cierre de este importante evento que va por su segunda edición con una actividad especial: Mapas caseros, historias guiadas. En Urquiza 18 de Villa Domínguez, un pequeño pueblo donde recalaron los llamados "gauchos judíos", una casa particular oficiará de escenario para la actividad.Se trata del domicilio que habitaran los abuelos de Gustavo Bendersky, curador de este encuentro teatral que está haciendo circular cinco obras por diversos pueblos muy pequeños de la provincia, tomando en cuenta una idea descentralizada que pone de relevancia las orillas territoriales y escénicas.Para agendar.Festival Vicente López en Escena, del 14 al 30 de marzo.Sedes* Centro Cultural Munro - Av. Vélez Sarsfield 4650, Munro.* Quinta Trabucco, Casona - Melo 3050, Florida.* Escalinatas - Dr. José Penna 999, Vicente López.* Sociedad Alemana de Gimnasia - Juan Bautista Alberdi 1865, Olivos.* Casa de la Cultura, Ricardo Gutiérrez 1060, Olivos.Las entradas son gratuitas y se entregan hasta 2 por persona, 1 hora antes en el lugar de la función hasta agotar capacidad de cada espacio. Las entradas para las funciones que suceden en el Centro Cultural Munro se reservan el día anterior a la función desde las 18, a través de https://www.vicentelopez.gov.ar/agenda/entradas-ccmunroTeatro y territorio en Entre RíosMapas caseros, historias guiadas, domingo 16 de marzo, en Urquiza 18, Villa Domínguez, Entre Ríos

Buenos Aires, epicentro cultural: los festivales de cine, teatro y música que marcarán 2025

La ciudad de Buenos Aires se prepara para un 2025 vibrante, con una programación cultural que desplegará cine, música, teatro y arte en toda la ciudad. Desde festivales emblemáticos como BAFICI, FIBA y Tango BA Festival y Mundial, hasta nuevas experiencias como Brilla Buenos Aires y el Festival de Música, la agenda promete propuestas para todos los públicos y una fuerte apuesta por la innovación y la diversidad artística.BAFICI: el cine independiente en su máxima expresiónEl Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), del 1 al 13 de abril, abrirá la temporada con una nueva edición del evento más importante del cine de autor en la región. Con estrenos, retrospectivas y encuentros con realizadores, el festival volverá a convertir a la ciudad en un polo de referencia para el cine independiente y la exploración de nuevos lenguajes audiovisuales. Se espera la participación de directores nacionales e internacionales, así como la proyección de producciones que escapan a los circuitos comerciales tradicionales.Tango BA Festival y Mundial: la esencia del 2x4Del 13 al 26 de agosto, Buenos Aires se transformará en el centro mundial del tango, con conciertos, exhibiciones de danza y la competencia más importante del género. Durante el festival, orquestas, cantantes y bailarines desplegarán su arte en diversos escenarios, mientras los competidores del Mundial de Tango BA disputarán las instancias finales del certamen que cada año reúne a parejas de todo el mundo. Además, a lo largo del año, las Preliminares Oficiales de Tango BA, entre febrero y julio, recorrerán distintas ciudades seleccionando a los finalistas. Como antesala, el Campeonato de Baile de la Ciudad, del 30 de abril al 11 de mayo, reunirá a los mejores bailarines porteños en busca de su pase a la gran final.Festival de Invierno: vacaciones culturales para toda la familiaDel 21 de julio al 1 de agosto, el Festival de Invierno ofrecerá más de 300 actividades en 60 espacios de la ciudad. Con una programación especial para las vacaciones de invierno, incluirá espectáculos de teatro, cine, artes visuales, literatura y música, con opciones para todas las edades. Museos, teatros y centros culturales serán sede de este ciclo que busca acercar el arte a las familias.Brilla Buenos Aires: arte y tecnología en la ciudadEntre las novedades del 2025, Brilla Buenos Aires se perfila como una de las propuestas más innovadoras del año. Durante las noches del 20 y 21 de junio, distintos espacios de la ciudad se transformarán a través de instalaciones lumínicas, proyecciones y recorridos sensoriales que resignificarán la relación entre la luz y el entorno urbano. Plazas, edificios emblemáticos y calles serán intervenidos con propuestas artísticas que fusionarán tecnología y creatividad, generando una experiencia única para quienes transiten la ciudad durante esas noches.FIBA: teatro y performance sin fronterasDel 25 de septiembre al 5 de octubre, el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) reunirá producciones teatrales y performáticas de Argentina y el mundo, con una programación que busca ampliar los límites del teatro, la danza y la música en escena. Con presentaciones en teatros tradicionales, espacios no convencionales e intervenciones en el espacio público, el FIBA ofrecerá una visión panorámica de la creación escénica contemporánea, con elencos nacionales e internacionales que traerán lo mejor de las artes escénicas a Buenos Aires.Platea Baja: un festival pensado para las infanciasDel 20 al 23 de noviembre, Platea Baja invitará a los más chicos a disfrutar de espectáculos de teatro, circo, danza y experiencias interactivas. Con una programación pensada especialmente para el público infantil, este festival se consolidará como un espacio de creatividad y exploración a través de las artes.Festival de la Música: el cierre del año con grandes artistasPara despedir el año, en diciembre se llevará a cabo el Festival de la Música, un evento que reunirá a artistas nacionales e internacionales en una serie de conciertos en vivo. Con escenarios distribuidos en distintos puntos de la ciudad, el festival ofrecerá una programación variada, desde grandes exponentes de la música sinfónica hasta las tendencias más frescas de la escena emergente.La programación completa, con fechas, sedes y detalles de cada evento, estará disponible en la web de Festivales y Noches Culturales. Con esta agenda, Buenos Aires reafirma su identidad como una de las capitales culturales más dinámicas de la región, con festivales que invitan a redescubrir el arte en todas sus formas.

Antonio Banderas inaugura la Navidad de Málaga junto a 180 jóvenes estudiantes de teatro

Antonio Banderas celebra la inauguración de la Navidad en Málaga con un espectáculo de la Coral de la Escuela Superior de Artes Escénicas, donde participan 180 estudiantes de teatro

La música de James Bond revivirá en el Teatro Opera en formato sinfónico

Las canciones icónicas de la saga creada por Albert Broccoli y su célebre introducción estarán ejecutadas en vivo por una orquesta de 90 artistas en escena entre músicos, cantantes y coro, bajo la dirección del maestro Andrés Robles. Leer más

El actor Jorge Bosch, nominado a los Premios Laurence Olivier del teatro británico

Juicio por la muerte de Diego Maradona: el "teatro del horror" y el palazo de Fernando Burlando para Matías Morla

El fiscal Patricio Ferrari protagonizó el momento más duro de la jornada cuando exhibió una foto del astro fallecido, lo que hizo llorar a Dalma y Gianinna.Rodolfo Baqué, abogado de uno de los siete imputados, pidió la nulidad del juicio porque parte de las defensas no tienen la totalidad de pruebas con las que cuentan sus pares de los particulares damnificados.

Qué fue de Luis Miguel Torrecillas, presentador de 'Club Disney': del periodismo a la pastelería y el teatro

'Club Disney' fue un programa infantil de televisión emitido en España entre 1990 y 2003

Aída abrió la temporada lírica del Teatro Colón con una puesta ya conocida y el brillo de la mezzo italiana Daniela Barcellona

Aída, ópera de Verdi. Elenco: Carmen Giannattasio (Aída), Daniela Barcellona (Amneris), Martin Mühle (Radamés), Youngiun Park (Amonasro), Simon Lim (Ramfis), Fernando Radó (rey de Egipto). Dirección escénica: Roberto Oswald (reposición de Aníbal Lápiz). Dirección musical: Stefano Ranzani. Coro, Orquesta y Ballet estables del Teatro Colón. Teatro Colón, función del abono vespertino. Nuestra opinión: muy bueno.Con Aída, el Colón abrió sus puertas en 1908 y, simbólica y concretamente, la ópera de Verdi es traída a colación y a escena cada vez que algún festejo o alguna celebración lo amerite. Para la apertura de la temporada lírica 2025, con nuevas autoridades ejecutivas y artísticas y sobre el trasfondo, nada menos, de los cien años del establecimiento de los cuerpos estables del teatro -esto es, orquesta, coro y cuerpo de ballet-, Aída reapareció orgullosa y apropiada. Tal vez, para que los aspectos conmemorativos tuvieran mayor envergadura aun, se optó por revivir la puesta que Ricardo Oswald diseñó y desarrolló en 1989. Con todo, esta comprensible y respetabilísima decisión de recordar y ensalzar las glorias del pasado en una función inaugural tiene, también, claras implicancias simbólicas y concretas. Por señalar sólo una, con la honorabilísima suma de "Aída + Oswald" se puede entender que no se saldrá de la comodidad y las certezas de caminar por senderos conocidos o, como en este caso, ultraconocidos, tanto por la obra verdiana en sí misma como por una puesta que ya ha subido a escena varias veces en estos últimos treinta y cinco años. Sin embargo, más allá de estas consideraciones, y para dejar las valoraciones en claro desde el comienzo, es menester señalar que la primera función de la temporada lírica del Colón fue muy buena, con una realización general más que aceptable y con una actuación de excelencia por parte de una integrante del elenco.La reposición de la puesta del gran Ricardo Oswald estuvo a cargo de Aníbal Lápiz, su eterno cómplice de aventuras y también, en ese sentido, coautor. Aída es una grand opéra, un género dramático francés que Verdi conocía sobremanera, que tiende a lo espectacular, con abundantes números colectivos, momentos para el ballet, muchas escenas corales y escenografías fastuosas. Al tono con lo que Aída requiere y permite, y, además, según era su costumbre, las ideas de Oswald se basan, esencialmente, en los aspectos escenográficos (ciertamente, imponentes), en vestuarios de lujo exacerbado y ajenos a cualquier veracidad histórica. Salvo los miserables y desarrapados presos etíopes, en el antiguo Egipto de Oswald-Lápiz, todos sus habitantes, hasta la esclava Aída, lucen atuendos esplendorosos, joyas, gasas etéreas y tocados opulentos. Todo brilla y reluce. En el escenario, resplandecientes y gallardos, no dejan de aparecer una y otra vez soldados, sacerdotes, guardias, bailarines y sirvientes que, siempre orondos y simétricos, portan pendones, antorchas, armas, vasijas o adminículos varios. Todo mayormente estático y estatuario, con escasas o nulas marcaciones o indicaciones actorales. Uno a uno,  los cantantes, sin desmerecer sus intenciones ni, mucho menos, sus contribuciones vocales, inmóviles en la escena, apelaron a gestualidades tan mínimas como estereotipadas. También es necesario consignar que los movimientos multitudinarios, más allá de su reiteración o su previsibilidad, siempre lucieron ajustados y fueron llevados adelante sin tropiezos.Con la correcta dirección del muy experimentado Stefano Ranzani, que no pudo evitar algunos mínimos desajustes, y los muy buenos desempeños de la orquesta y del coro, la ópera transcurrió sin tropiezos. Correctas todas las voces del elenco, especialmente las del bajo coreano Simon Lim. Es necesario detenerse en el cuarteto protagónico. En su primera intervención, apenas comenzada la ópera, el tenor brasileño Martin Mühle cantó su "Celeste Aída" con gran energía. Observable fue que esa misma energía victoriosa y cuasi guerrera apareciera igual en sus parlamentos amorosos con Aída o en los de la desolación que lo aflige en sus instantes finales. En esos pasajes, sus agudos, muy precisos en su afinación, hubieran sido más eficaces si hubieran sido menos estentóreos y un tanto más delicados. Aída, protagonizada por la soprano italiana Carmen Giannattasio, con primorosas vestimentas de diferentes colores, tuvo una actuación general tan correcta como poco apasionante o escasamente conmovedora. Pasó con solvencia los dos dúos del tercer acto, con Amonasro y con Radamés, pero, antes de eso, adoleció de algunas afinaciones inciertas en el exquisito final del aria "O patria mia", cuando debe entrelazar su voz con el canto del oboe. Una agradable sorpresa fue la del barítono coreano Youngiun Park, que ofreció una sólida presencia vocal y escénica en la creación de Amonasro. Y, por último, Daniela Barcellona, una excelente mezzosoprano italiana, que, más allá de una densa, atractiva y caudalosa voz a todo lo largo del registro, sobresalió por la aplicación de distintas variantes expresivas para darle vida a todos los padecimientos de la sufrida Amneris, requerimiento imprescindible para crear al personaje ya que, además, esta puesta es mucho más escenográfica que estrictamente teatral.Sin efusiones desmedidas, en el final, el público aplaudió y agradeció la Aída ofrecida. Con buen pie y mucha pompa, así se inició la temporada lírica 2025 del Teatro Colón. No obstante, tal vez con algún desazón, los amantes de la ópera deberán esperar bastante hasta el segundo título del año. Il trittico, de Puccini, recién llegará en el mes de mayo.

La advertencia de Carlos Rottemberg sobre la falta de ficción en la televisión: "Coyuntura peligrosa para el futuro del teatro"

El empresario teatral se reunió con entidades actorales y de la pantalla chica, a quienes les planteó la idea de replicar el modelo de las cooperativas teatrales para reactivar la producción de series televisivas. Leer más

Laly Goyzueta vuelve al teatro con 'Tengo un Matri': sus inicios con 'Mil oficios', 'Pobre Novio' y el sueño del centro holístico

La actriz sigue dando de qué hablar por su vigencia en la televisión peruana, aunque ha hecho televisión y teatro, espera el cine le dé más oportunidades

Teatro y fiesta en un solo evento: 'Tengo un Matri' vuelve con Andrea Luna y Laly Goyzueta en su elenco

La obra regresa con más humor, emociones y grandes talentos. Con un formato interactivo y un espectáculo lleno de giros inesperados, la nueva temporada promete risas, drama y momentos inolvidables.

El Teatro Español acogerá mañana la capilla ardiente de Marisa Paredes

La actriz Marisa Paredes falleció a los 78 años y su velatorio se realizará en el Teatro Español de Madrid, lugar emblemático donde comenzó su trayectoria artística