teatro

Jorge Macri organizó un evento en el Teatro Colón con embajadores y empresarios

En el marco de los festejos y cierres de fin de año, el jefe de Gobierno porteño Jorge Macri organizó un evento en el Teatro Colón â??símbolo de la cultura de la Ciudadâ?? en el que reunió a varios embajadores, empresarios y a otras personalidades referentes del sector privado.En un comunicado difundido por el gobierno de la Ciudad se puede ver al funcionario en el saludo de fin de año con representantes del cuerpo diplomático, líderes religiosos y representantes de los poderes Ejecutivo, Legislativo y Judicial. A su vez, estuvo acompañado por su esposa, la periodista María Belén Ludueña, y otros integrantes del Gabinete.En un discurso que brindó frente a todos los asistentes, consideró que la ciudad de Buenos Aires es una "capital global" que tiene una identidad construida a partir de la "diversidad cultural y la convivencia". En este sentido, subrayó el rol del sector privado como "motor clave en el desarrollo" y el de las organizaciones como "pilar del diálogo".A su vez, Macri resaltó la importancia de fortalecer los vínculos institucionales e internacionales para seguir construyendo una Ciudad que "respira libertad, en donde la convivencia segura y pacífica se valora y se defiende, en donde los porteños encuentran condiciones para progresar y quienes llegan descubren una ciudad hospitalaria y cercana".Entre los asistentes se encontraban también el presidente de DAIA, Mauro Berenstein, y Eliahu Hamra, Gran Rabino de la AMIA; Helal Massud, presidente del Centro Islámico de la República Argentina, y su vicepresidente, Omar Abboud; y Natalio Grinman, presidente de la Cámara Argentina de Comercio y Servicios.En cuanto a la concurrencia de embajadores en Buenos Aires, se mostró junto a Wang Wei, embajador de la República Popular de China; y Peter Lamelas, embajador de Estados Unidos, y su esposa, Stephanie.El apoyo al PresupuestoA principios de diciembre, el jefe de Gobierno porteño y el ministro del Interior, Diego Santilli, mantuvieron una reunión en Casa Rosada. El acercamiento formó parte de los encuentros con gobernadores que lleva adelante el funcionario de Milei para pedir apoyo al Presupuesto y las reformas que impulsa la administración libertaria en las sesiones extraordinarias que comenzaron este 10 de diciembre.A la mesa se sumó el jefe de Gabinete, Manuel Adorni, y la legisladora libertaria Pilar Ramírez, principal articuladora de la secretaria general, Karina Milei. Macri estuvo acompañado por el jefe de Gabinete, Gabriel Sánchez Zinny; y por su ministro de Hacienda, Gustavo Arengo, con un planteo claro sobre el conflicto que arrancó en el gobierno de Alberto Fernández y todavía no se soluciona: la deuda por la coparticipación que Nación le debe a territorio porteño.

Jorge Macri encabezó el saludo de fin de año con embajadores y empresarios en el Teatro Colón

El encuentro sirvió para fortalecer lazos institucionales y resaltar el papel de la diversidad cultural y la convivencia en la identidad porteña

El desafío del Teatro Colón

El Teatro Colón es, desde su inauguración, uno de los grandes templos líricos del mundo. Su acústica, su arquitectura y la excelencia de sus cuerpos estables lo ubican junto con La Scala de Milán, el San Carlo de Nápoles, La Fenice de Venecia, el Covent Garden de Londres, la Ópera de París, el Real de Madrid y el MET de Nueva York, entre otros escenarios que sostienen cada temporada el nivel más alto del repertorio operístico internacional.Quienes se presentan en él â??cantantes, directores y coreógrafos de primer nivelâ?? lo confirman en cada función. Es frecuente que, al despedirse del público, expresen una emoción genuina y agradezcan el privilegio de actuar en un escenario cuya trayectoria y exigencia artística gozan de reconocimiento unánime. Lo vimos nuevamente en la producción de La Traviata, al cierre de la temporada 2024, cuyos intérpretes celebraron públicamente la oportunidad de trabajar en Buenos Aires.La historia del Colón recoge momentos que lo ubican en la primera línea de la lírica mundial. Pasaron por su podio Toscanini, Ansermet, Stravinsky, y en sus tablas brillaron María Callas, Montserrat Caballé y tantas figuras que marcaron generaciones. Esa tradición se mantuvo con directores y cantantes contemporáneos cuya sola presencia confirma el prestigio de la casa.En su época dorada, llegaron a presentarse temporadas con una cantidad de títulos que rivalizaban con los mejores teatros europeos. Así, en 1912 se ofrecieron 17 títulos distintos. Sin embargo, en los últimos años se ha observado una tendencia preocupante: la reducción sostenida del número de producciones anuales de ópera. De diez en la década del 90 se pasó a nueve, luego a ocho y finalmente a siete en 2024. Esta disminución coloca al Colón por debajo de la programación regular de teatros comparables, cuyos calendarios â??aun con realidades presupuestarias diversasâ?? conservan niveles de producción más amplios.Lo paradójico es que esta merma no responde a una caída en la demanda. Por el contrario, las localidades se agotan sistemáticamente. Los abonos â??Gran Abono, Nocturno, Nuevo Nocturno, Vespertinoâ?? se renuevan casi en su totalidad, y las funciones extraordinarias se agotan apenas salen a la venta. El público del Colón no solo es fiel: es creciente, exigente y sostiene con convicción una tradición cultural que distingue a Buenos Aires en el mundo.En este contexto, han trascendido versiones que proyectan para la temporada 2026 apenas cinco títulos en el Colón y un sexto en el Palacio Libertad. Previsiblemente, la noticia ha generado preocupación entre abonados y seguidores del teatro. Es comprensible: la ópera es un arte integral, y su presencia debe estar a la altura del nivel que muestran la Filarmónica â??cuyo desempeño bajo la batuta de su nueva directora, Zoe Zeniodi, ha sido notableâ?? y el Ballet, que mantiene un desarrollo sostenido.No se trata de nostalgia sino de responsabilidad institucional. El Colón es un patrimonio cultural de los porteños y de todos los argentinos. Su programación no puede quedar rezagada respecto de su historia ni de su posición internacional. Menos aún cuando el acompañamiento del público demuestra, temporada tras temporada, que existe demanda suficiente para sostener una oferta artística más ambiciosa.Por otra parte, si de reducir gastos se trata, bajar la cantidad de títulos no parece lo más racional: los sueldos del personal del teatro se deben seguir pagando mientras disminuye la cantidad de entradas ofrecidas a la venta.El Gobierno de la Ciudad y las autoridades del Teatro tienen ante sí la oportunidad â??y la obligaciónâ?? de asegurar que la temporada 2026 recupere la cantidad y calidad que el Colón merece. Preservar su liderazgo en la lírica mundial no es un lujo: es cuidar uno de los bienes culturales más valiosos de la Argentina.

Guillermo Francella vuelve al teatro, protagonizará la obra "Desde el Jardín"

Se trata de una adaptación inédita de la novela "Being There", del escritor polaco-norteamericano Jerzy Kosinski; publicada en 1971 y en la cual se basó también la película de culto protagonizada por Peter Sellers en 1979.

Enroque de teatro: Brandoni y Silveyra por Picchio y Romano

La atención que la salud del actor y político impide, finalmente, que se instala en Mar del Plata provocando una ágil movida de los productores teatrales. Aquí el resultado del cambio. Leer más

La última entrevista a Héctor Alterio: el teatro, el fútbol, el exilio, la poesía y el amor por sus hijos

Héctor y Tita â??Ángela Bacaicoa, su esposaâ?? son dos personas deliciosas. Me abren las puertas de casa y me reciben con sencillez y afecto. Nos sentamos entorno a la mesa como lo que somos: tres argentinos lejos de casa â??o no tantoâ?? que comparten códigos, espacios y territorios comunes; y hacemos lo que se nos da bien: conversar. Lo hacemos como si nunca nos hubiésemos ido, o como si esa conversación nos acercase un poco más a las orillas celestes que añoramos en silencio.Una carta inoportuna, un mensaje inexplicable y una amenaza ruin. Incredulidad, temor, bronca, tal vez, atravesaron a la pareja. La violencia â??la estúpida violenciaâ?? la cerril intolerancia y la cobarde bravura del anonimato, alejaron al hombre y a su familia del hogar, y apartaron al actor de su público. Pero los grandes artistas no se definen por sus adversidades, sino por lo que son capaces de crear a partir, y a pesar, de ellas. Por cómo se sobreponen, se transforman, se reconstruyen y avanzan, como Romero solo. Así, en una adaptación libre de Mateo 19:6: lo que el hombre ha separado, que lo una el arte; el talento, la pantalla y el telón, nos devolvieron al actor.Con la fuerza de las emociones y la serenidad del oficio conocido, Héctor Alterio vuelve al escenario con Una pequeña historia. Un espectáculo hecho de la conmovedora dramaturgia de Ángela, la magia musical de Juan Esteban Cuacci y la hipnótica interpretación de Héctor; que, como un arcón de los recuerdos, un álbum de fotos de los abuelos o una cajita musical, se abre para atravesarnos con emociones y la poesía melancólica de Cátulo Castillo o León Felipe, en un viaje de ida y vuelta. De Buenos Aires a Madrid y de Madrid a Buenos Aires.La carrera de Héctor Alterio, con 150 películas, 10 series de televisión y 50 obras de teatro, es la definición de trabajo tenaz y disciplinado. O, tal vez, la mística de quien lleva por nombre a un "otro yo", un alter io. Sea lo que sea, con setenta y siete años de profesión en la grupa de su cabalgadura, se empeña en hacernos disfrutar con un respeto supremo por el tiempo de sus espectadores y con el profundo sentido de la responsabilidad de entretenernos, siempre, como si fuera la primera vez. También con la picardía del niño que juega a vivir mil vidas y que, con timidez, se deja ver tras una sonrisa traviesa.Orgulloso padreLa sonrisa de niño se ilumina y se transforma en orgullo de padre al hablar de sus hijos, Ernesto y Malena; ramas verdes que engrandecen el jardín de los Alterio. Ambos, actores consagrados en las pantallas y los escenarios españoles, han compartido rodaje o escenario con Héctor, multiplicando la felicidad y las vidas de su padre; que se conmueve con sus interpretaciones porque "contienen mucha verdad" y que disfruta "sin analizar en profundidad", sino como un espectador que recibe el impacto que ambos producen en la pantalla. View this post on Instagram Héctor Alterio es más que un actor de películas de culto, como La Patagonia rebelde, La historia oficial o El hijo de la novia. Es parte de nuestro acervo cultural, es uno de los tantos ejemplos que nos recuerdan la importancia de la tolerancia democrática y un hombre convertido en frase, que pertenecerá para siempre al imaginario colectivo argentino, tallada por su inmortal "la puta que vale la pena estar vivo", de Caballos salvajes. Y vaya si se aplicó su propia frase. A sus venerables 95 años [N. del editor: el actor había cumplido 96 el pasado septiembre] todavía le exprime el jugo a la vida. Sus ojos reverberan, como el azul del profundo océano que lo separa de su tierra, al recitar los versos de León Felipe; compañero de exilio y puente de palabras que recorre, manso, a la grupa del caballero que, aún cansado de batallar, todavía tiene fuerzas para subir a su montura y andar por las vastas llanuras de una pequeña historia.

El actor Héctor Alterio, un intérprete que conquistó el teatro, el cine y la televisión

María Becerra sorprendió con un show 360 que incluyó sketches de teatro, un escenario circular y seis invitados sorpresa

Anoche, en su primera fecha en River de este año â??y tercera de su carrera, un hito que ninguna otra artista mujer argentina ha alcanzadoâ?? María Becerra se consolidó como una de las cantantes argentinas más convocantes de su generación. El viaje personal del que María habla en su disco Quimera y que desplegó en el show está atravesado por cuatro alter egos a los que les puso nombres. Según expresó la cantante, Shanina, JOJO, Maite y Gladys la ayudaron a sanar, y a través de ellas logró explorar distintos matices de su personalidad. A lo largo de un recital que fue también una puesta teatral, María, con la sensibilidad a flor de piel, puso a disposición todas sus facetas. El show de casi tres horas se dividió en cinco etapas que representaban el universo y la estética de cada uno de los alter egos de la cantante. El escenario circular en el centro, la banda en el pozo y las pantallas gigantes en distintos puntos estratégicos del predio les aseguraban a los 85 mil espectadores que se dieron cita en el estadio Monumental, una experiencia inmersiva y de calidad internacional. Entre actuación, coreografías, cinco cambios de vestuario y más de 70 personas en escena â??entre bailarines, performers y coristasâ?? el público se sumergió en el universo de una María Becerra muy distinta a la que se presentó en River el año pasado. Lejos del reggaetón de sus comienzos, María se animó a correr riesgos y apostó por un estilo distinto que potenció su faceta de actriz y que la mostró disruptiva y genuina. Shanina, regida bajo el elemento agua, fue la encargada de abrir la noche con "Ramen para dos" junto a Paulo Londra, el primer invitado sorpresa del show. Resultó sorpresivo que la primera canción no contará con el absoluto protagonismo de la cantante y que haya decidido compartir la apertura con el trapero cordobés. En la piel de Shanina, María también entonó "Infinitos como el mar", "Hasta que me enamoro", "Ojalá "y "Cuando hacemos el amor". View this post on Instagram La segunda "era" y la más sensible del recital estuvo a cargo de Maite que, regida por el elemento aire, revela la versión más autoexigente y vulnerable del María en su disco. Para este momento Abel Pintos subió al escenario e interpretó "Recuerdo que nunca existió", desatando una ola de gritos y aplausos en el campo. El segmento continuó con "Corazón vacío" y "Mi debilidad", y contó también con la participación de Tiago PZK que cantó "Entre nosotros" y causó una nueva ovación del público. El tercer gran momento de la noche estuvo regido por el elemento tierra y se remontó a las raíces de María. Su alter ego Gladys se destacó por su energía arrolladora, divertida y bailable. Para este segmento la cantante montó una escena teatral que ilustraba una cena cotidiana en su barrio natal. La puesta en escena contó con la familia real de la cantante, quienes se animaron a bailar y actuar junto a ella en el escenario. Ariel Puchetta, de Ráfaga, apareció para protagonizar uno de los sketches cómicos más celebrados de la noche que incluyeron un medley de "Mentirosa" y "Adiós". Tras casi dos horas de show, apareció el cuarto y último alter ego: Jojo. Regido por el elemento fuego, en este segmento primó la sensualidad y la irreverencia. El escenario se convirtió en un gran desfile repleto de empoderamiento y diversidad. Con "Hace calor", la artista encendió a todo el estadio y sorprendió en escena apareciendo arriba de un escorpión gigante, al mejor estilo Katy Perry.Pasadas las 23, una voz en off a cargo de Gabriel Rolón, narró los distintos matices emocionales que se atravesaron en el show de la mano de los cuatro alter egos para poder presentar, ahora sí, a María en su faceta genuina y vulnerable. Para esta última etapa del show, María invitó al escenario a Taichu -que fue su telonera- para interpretar "Pierdo la cabeza". El cierre quedó en manos de una actuación íntima y emotiva, con María a dúo con su novio J Rei. Juntos se elevaron sobre el escenario de River para interpretar "Mi amor". Mientras miles de fans coreaban la canción y le gritaban su apoyo a la pareja, Rei le mostró a María un tatuaje en su brazo que desató las lágrimas genuinas de la cantante. La protagonista de la noche no pudo contener la emoción, dejó de cantar y se fundió en el abrazo de su pareja, sellando un cierre conmovedor que cautivó al público. "¡Muchas gracias!", alcanzó a decir María sobre el mic junto antes de retirarse de escena, de la mano de Rei, y sin bonus track.Este sábado, María regresará al Monumental para completar su seguidilla de dos shows 360°, alcanzando su cuarto River Plate.

María Castillo de Lima, la primera soprano trans del Teatro Colón

Acaba de volver de Grecia, donde triunfó con la ópera Kassandra, sobre la temática trans surcada por la mitología griega, y le cantó a Cristina Kirchner, que la escuchó desde el balcón de San José 1111. ¿De dónde viene y a dónde va María Castillo de Lima?

El Gobierno quiere derogar impuestos específicos que financian el cine, el teatro y los medios públicos

Si se aprueba el proyecto de ley de reforma laboral con el texto original que el Gobierno acaba de remitir al Congreso, habrá modificaciones de fondo en el funcionamiento actual de los medios públicos y de los organismos estatales destinados a promover la actividad cinematográfica, teatral y musical. La intención del Gobierno es la derogación de algunos impuestos específicos que en la actualidad financian al cine, al teatro, a los medios públicos y a otras iniciativas culturales y mediáticas. Las novedades en ese sentido aparecen en unas pocas líneas incluidas en los últimos dos artículos del proyecto, el 195 y el 196 (el 197 es de forma), enviado al Poder Legislativo con la firma del presidente Javier Milei, del jefe de Gabinete Manuel Adorni y de los ministros Sandra Pettovello (Capital Humano), Luis Caputo (Economía) y Mariano Cúneo Libarona (Justicia). Hasta hoy, el Fondo de Fomento Cinematográfico administrado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) se integra, según lo dispuesto en los tres primeros incisos del artículo 21 de la Ley de Cine vigente (17.741), con un impuesto del 10% al valor de cada entrada de cine, otro tributo igual aplicado a la venta de DVDs. y el 25% del total de lo recaudado por el Enacom a partir de un gravamen específico a la facturación de radios, canales y servicios de TV paga. El artículo 195 del proyecto de ley de reforma laboral ordena la derogación de todas estas disposiciones y en consecuencia reduce al máximo la capacidad del Incaa de manejarse de modo autárquico. De aprobarse la propuesta del oficialismo, el fomento al cine nacional dependerá de otros factores muy menores en proporción a los actuales (legados, donaciones, intereses y rentas de los fondos actuales, reembolso de créditos, recursos no usados de ejercicios anteriores, ingresos por servicios y prestaciones a terceros) o bien de las partidas que determine en el futuro el Poder Ejecutivo, remitidas a través del Ministerio de Economía. También se deroga el artículo 23 de la Ley de Cine, que garantiza hasta hoy la libre disponibilidad de esos fondos al ordenar al Banco Nación su transferencia al Incaa de manera automática y sin intervención de ningún otro organismo público. El artículo 196 del proyecto de ley oficial de reforma laboral, mientras tanto, deroga el Título V completo de la ley 26.522 (conocida como Ley de Medios). Allí se fijan los gravámenes que pagan al Enacom los titulares de los servicios de comunicación audiovisual y el destino de esos fondos. Además del citado 25% al Incaa, la norma en vigor asigna el 20% a las actividades de Radio y Televisión Argentina S. A. (de la que dependen la TV Pública y todas las emisoras de Radio Nacional), el 10% al Instituto Nacional del Teatro (INT), el 10% a proyectos especiales (medios comunitarios, de frontera y de pueblos originarios) y el 2% al Instituto Nacional de la Música. En enero pasado, ante una relación de fuerzas muy desfavorable en el Congreso y luego de varios reclamos de los sectores involucrados, el Gobierno tuvo que modificar algunos de sus planes originales incluidos en el capítulo cultural de la llamada Ley Ómnibus. Entre otras cosas quedó asegurada allí la continuidad del INT. Ahora, el oficialismo cree que están dadas las condiciones para la aprobación del proyecto de reforma laboral, pero nadie descarta a partir de ahora la aparición de planteos judiciales, reclamos y movilizaciones relacionadas con el futuro de los organismos estatales de promoción cultural mencionados en la iniciativa.

Vendía ropa de su madre a escondidas para poder pagar clases de teatro y hoy es una actriz de fama mundial

Creció entre telas y diseños y eso marcó su futuro.

El concurso que premia a los estudiantes secundarios que transforman a los clásicos en animaciones, podcasts y obras de teatro

Impulsado por las Fundaciones Grupo Petersen y Ticmas, el concurso RE.VER premió a tres escuelas de San Juan, Santa Fe y Entre Ríos que, con creatividad y tecnología, reinterpretaron clásicos como "El Matadero", de Echeverría, y "El espejo africano", de Liliana Bodoc

Temporada 2026: el Teatro Colón encuentra el equilibro con una programación muy variada, con estrellas y novedades

El anuncio de la temporada 2026 del Teatro Colón confirma lo que se había insinuado en la que está terminando ahora: de las buenas intenciones -el equilibrio, tan difícil en toda sala grande, entre expectativa y novedad- se pasó a un desarrollo consistente en las cuatro nervaduras centrales del teatro: la ópera, el ballet, la Filarmónica de Buenos Aires y los solistas.Parece además que el equipo directivo que encabeza Gerardo Grieco alcanzó un funcionamiento virtuoso en todos los frentes, algo que por lo demás se había notado ya en la OFBA con tarea de Zoe Zeniodi, y que se multiplica con la incorporación reciente de Alejo Pérez a la Orquesta Estable. Es cierto que, en la temporada lírica, siete títulos de abono puede parecer poco, pero en este caso hay que prestar menos atención al grado que a la naturaleza. Si se empieza entonces por la ópera, hay nuevas producciones, un estreno y generosidad de estilos. El año empezará en abril precisamente con una nueva producción del par Pagliacci/Cavalleria rusticana, con dirección de escena de Hugo de Ana, dirección musical de Beatrice Venezi -cuya presencia en el Colón es, por buena razones artísticas, recurrente- y, no menos importante, la actuación del tenor surcoreano Yonghoon Lee.El segundo título, en mayo, será un estreno, el de Dementia, del argentino Oscar Strasnoy. Radicado hace años en Europa (primero en París y después en Berlín), es conocido por el público del Colón, que en 2014 pudo ver Réquiem. Muy sensible a la literatura (hizo obras con textos de Faulkner, Copy, Alberto Manguel), Strasnoy trabajó ahora el libreto con Ariana Harwicz, escritora argentina igualmente de extramuros. La puesta de Dementia será del dramaturgo Mariano Pensotti y dirigirá musicalmente Tito Ceccherini.También nuevas serán la versiones de I Capuleti e i Montecchi, de Vincenzo Bellini -que subirá en junio, con la vuelta de Evelino Pidò en la dirección y de Pablo Maritano en la régie-, y de Otello, de Verdi, con dirección de Alejo Pérez y el experimentado Gregory Kunde en el papel principal. En octubre, Les contes d'Hoffmann, de Jacques Offenbach, se verá en la reposición de la puesta de 2019 de Eugenio Zanetti. En noviembre, Die Walküre, de Richard Wagner, será otra nueva producción, del italiano Davide Livermore, con dirección de Pérez y Elena Pankratova como Brünnhilde. A estos títulos se suma Manon Lescaut, de Puccini, en versión de concierto y en el Palacio Libertad. Habrá además, entre agosto y septiembre, una temporada de ópera de cámara en el Teatro Alvear, con tres piezas cruciales del siglo XX: La ópera de los tres centavos, de Kurt Weill, la omnipresente Historia de un soldado, de Igor Stravinsky, y Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten.Los conciertosPor el lado de los conciertos, es insoslayable la visita de la Filarmónica de Berlín, que es de por sí insoslayable, pero lo es más si se considera que vendrá con Kirill Petrenko, su director titular, y con Danill Trifonov como solista. Serán tres funciones en octubre: el miércoles 21 y el viernes 23, el programa tendrá el Concierto para piano n°1, de Johannes Brahms (con Trifonov como solista) y Also sprach Zarathustra, de Richard Strauss. La función del medio -el jueves 22, ahora sin solista- incluirá las Variaciones "Enigma", de Edward Elgar, y la Cuarta sinfonía, de Piotr Illich Tchaikovski. Sería realmente muy difícil exagerar la visita de la Filarmónica de Berlín. Habrán pasado veintiséis años desde la inolvidable visita de la orquesta, en mayo de 2000, entonces con Claudio Abbado de director. Es cierto que Petrenko no es Abbado, pero no menos cierto que Abbado tampoco era Karajan. Es misteriosa astucia de la Berliner Philharmoniker su timing para elegir directores. No deja de ser interesante rastrear algunos hilos menos evidentes que sostienen la temporada. Por ejemplo, quien escuche a Trifinov en el Primer concierto de Brahms, podrá haber escuchado antes a la maravillosa Lise de la Salle en el Segundo concierto, en una de las funciones de la Filarmónica de Buenos Aires, que celebrará su 80° aniversario. En ese plan, la OFBA, en línea si se quiere con la ópera de Strasnoy, ofrecerá diez estrenos argentinos o latinoamericanos -cifra bastante infrecuente en los últimos años, al margen de la importancia de las piezas, cosa que el estreno permitirá justamente evaluar- de compositores que tienden un arco temporal enorme, desde la vienesa dieciochesca Marianne von Martinez hasta Sofia Avramidou y Francesco Filidei -nacidos en el último tercio del siglo XX-, pasando por Lili Boulanger y Arthur Honegger. Habrá también invitados en la Filarmónica: el director estadounidense James Conlon -al frente de la Ópera de Los Ángeles- y el húngaro Gergely Madaras; los solistas Vadim Gluzman y Midori (violín), Richard Galliano (acordeón), Nelson Goerner (hará el Concierto para piano en la menor, de Schumann, con dirección de Marc Albrecht), o la ya mencionada Lise de la Salle.Y a propósito de estrenos, el programa Colón Contemporáneo, dirigido por Martín Bauer, aprovechará los 90 años de Steve Reich para ofrecer en noviembre la primera audición Reich/Richter, pieza de 2022 para ensamble amplificado compuesta en colaboración con el artista Gerhard Richter. Es éste un buen emblema de lo dicho: la celebración de lo conocido con lo nuevo, o bien, en esas palabras atribuidas a Gustav Mahler, no la adoración de las cenizas, sino la preservación del fuego.

Monet inmersivo en el Teatro Colón: cómo es la muestra para ver sus obras más célebres sin viajar

Monet Inmersivo aterriza en Buenos Aires como una experiencia multimedia que permite "entrar" en los cuadros del padre del impresionismo sin salir del centro porteño. La muestra se montará en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, desde el 15 de diciembre hasta el 18 de febrero, con apertura diaria de 10 a 20.Monet inmersivo en el Teatro Colón: cómo es la muestra para ver sus obras más célebres sin viajarEl recorrido propone una inmersión en las obras más célebres de Claude Monet mediante proyecciones en grandes dimensiones, sonido envolvente y narraciones sobre la vida y el trabajo del artista francés. Pantallas que cubren paredes y piso, animaciones en 180 grados e instalaciones interactivas buscan actualizar la manera de mirar el arte clásico en la era digital.Además de las salas de proyección, el público encontrará decorados inspirados en los cuadros de Monet para sacar fotos, cascos de realidad virtual, réplicas de obras, estaciones con explicaciones y mesas de dibujo pensadas para experimentar con la propia creatividad. La propuesta, que ya convocó a millones de personas en distintas ciudades del mundo, llega por primera vez al Colón como parte de su programa de experiencias inmersivas.Cómo es la experiencia Monet Inmersivo en el ColónLa muestra se apoya en proyecciones en 180 grados que "sacan" las obras de sus marcos y convierten las superficies del salón en un gran lienzo en movimiento. Las imágenes se expanden sobre paredes, piso y techo, mientras una banda sonora y una narración guían el recorrido por los principales períodos creativos del artista.En diferentes salas se distribuyen escenografías inspiradas en los jardines, estanques y paisajes que Monet pintó a lo largo de su vida. Hay sectores preparados para fotos, cascos de realidad virtual que suman profundidad a las escenas, reproducciones de cuadros emblemáticos y espacios didácticos dedicados a explicar técnicas y temas recurrentes en su obra.Según la presentación oficial, la experiencia busca "fusionar tradición y modernidad" y ofrecer un universo contemplativo y sensorial que renueva el vínculo con el impresionismo para públicos de todas las edades.Cuándo y dónde es Monet inmersivo en el Teatro Colón Fechas: del 15 de diciembre al 18 de febrero.Horarios: todos los días, de 10.00 a 20.00.Sede: Centro de Experimentación del Teatro Colón (Viamonte 1168, San Nicolás, CABA).Entradas: a la venta a través de la plataforma oficial de Ticketek, bajo el nombre "Colón Inmersivo - Monet".Los precios de las entradas y cómo comprarlasLa venta de tickets se realiza de manera online a través del sitio de Ticketek y se organizan en dos categorías:Adultos desde 14 años: $35.000 más $5250 de costo de servicio.Menores de 4 a 14 años: $30.000 más $4500 de costo de servicio.Para acceder a Monet Inmersivo hay que:Ingresar a ticketek.com.ar y buscar el evento "Colón Inmersivo - Monet".Seleccionar la fecha disponible, el horario deseado y la ubicación "válido por un ingreso" que se despliega en el menú de "Ubicación y precio".Indicar la cantidad de entradas por categoría (adulto o menor) y continuar con los pasos de la plataforma para cargar los datos personales.Elegir el medio de pago habilitado y confirmar la operación, verificando el detalle del costo de servicio y el total a abonar. Las entradas se envían en formato digital y deben presentarse al ingreso del Centro de Experimentación en el horario elegido.

El Teatro Colón anuncia su temporada 2026: ópera, ballet y conciertos de excelencia

El primer coliseo ofrecerá siete títulos líricos y tres de ópera de cámara; el ballet tendrá ocho producciones y habrá notables conciertos durante todo el año.

Luis Tosar recuerda el ataque de ansiedad que lo obligó a abandonar su obra de teatro: "No podía respirar. Me sacaron en camilla":

El actor gallegao ha acudido al programa presentador por Marc Giró para hablar de su nueva película, 'Golpes'

El Teatro Colón anunció su temporada 2026: de Marianela Núñez a la Filarmónica de Berlín y creaciones contemporáneas

El Teatro Colón dio a conocer este martes por la tarde su programación para la temporada 2026, que incluye una variada selección de óperas, conciertos destacados, y un espacio destacado para el ballet.Bajo la dirección de Julio Bocca, el Ballet Estable del Teatro Colón presentará ocho títulos, y dos de ellos están protagonizados por la argentina Marianela Núñez. Además, en este caso, los espectáculos combinan reposiciones, estrenos argentinos y un estreno mundial. En marzo se presentará El lago de los cisnes, con coreografía de Raúl Candal; la misma versión estrenada por Bocca en su despedida de 2007. En mayo, llegará el Programa mixto con Études, de Harald Lander; Aftermath, del argentino Demis Volpi y Come in de Aszure Barton, tres obras de los siglos XX y XXI que tendrán su estreno en suelo argentino. En julio, en tanto, se ofrecerá el estreno argentino de Alicia en el país de las maravillas, la creación de Christopher Wheeldon con producción del Ballet Real de Dinamarca y la Filarmónica de Buenos Aires. En septiembre se estrenará mundialmente Borges, obra comisionada a Goyo Montero que busca homenajear al gran autor argentino, con música del Gustavo Santaolalla y Owen Belton, que explora temas borgianos a través de la música y la danza. Dos meses más tarde, desembarcará Manon, de Kenneth MacMillan, con producción de los Talleres del Teatro Colón y con participación de la Filarmónica de Buenos Aires.En diciembre cerrará la temporada El cascanueces, en la versión coreográfica de Silvia Bazilis, con la Orquesta Académica y el Coro de Niños del Teatro Colón. La temporada de ópera, por su parte, estará integrada por siete títulos de abono y tres títulos de ópera de cámara. Con Die Walküre se producirá el retorno al escenario del primer coliseo de Wagner y el drama musical en alemán. El arte lírico francés estará representado, a su vez, por Les contes d'Hoffmann, de Jacques Offenbach, con la reposición de la puesta del argentino Eugenio Zanetti que el Teatro Colón estrenó en 2019. También un lugar destacado para la creación contemporánea, a través del estreno mundial de Dementia, una obra que el Colón comisionó al celebrado compositor argentino Oscar Strasnoy, con textos de Ariana Harwicz. La tradición italiana, fundamental en la programación del teatro desde sus inicios, estará presente también en la temporada 2026 con 5 títulos. Uno de ellos es el bel canto decimonónico con I Capuleti e i Montecchi, tragedia lírica de Vincenzo Bellini que se estrenó en el mismo coliseo porteño hace más de medio siglo.Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, con la dirección de escena de Hugo de Ana, será a su vez la encargada de inaugurar la temporada en abril con toda la intensidad del verismo. También se presentarán Manon Lescaut, de Puccini, en una versión concierto que se ofrecerá en el Palacio Libertad; Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo y Otello, de Giuseppe Verdi.La ópera de cámara, en tanto, posibilitará el encuentro con tres creaciones ineludibles del siglo XX: Historia del soldado, de Igor Stravinsky; la Ópera de los tres centavos, de Weill-Brecht y Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten.Con respecto a la programación exclusivamente musical, uno de los anuncios más importantes es el regreso a la sala oficial, luego de veintiséis años, de La Berliner Philharmoniker (Filarmónica de Berlín) al Teatro Colón. La orquesta, liderada por Krill Petrenko, su director titular, brindará tres conciertos, con la presencia del pianista Daniil Trifanov en calidad de solista. Además, a lo largo de los 19 conciertos de su ciclo de abono y 8 conciertos extraordinarios, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, cuya directora principal es Zoe Zeniodi, convocará a varios solistas y directores para participar de la celebración de 80° aniversario. La Orquesta Estable del Teatro Colón, con la flamante dirección de Alejo Pérez, tendrá también su ciclo de tres presentaciones, además de formar parte de las temporadas de ópera y ballet.Por su parte, la Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, semillero musical argentino, ofrecerá un ciclo de 8 conciertos, de marzo a diciembre.A lo largo del año, y estructurado a través de 11 ejes temáticos, el Salón Dorado ofrecerá además cuantiosas propuestas que ponen en valor a la música coral, vocal e instrumental de cámara, a las manifestaciones urbanas como el tango y el jazz, así como al diálogo entre diversos lenguajes artísticos. El principal objetivo de estos espectáculos es darle espacio tanto a los jóvenes talentos argentinos como rendir homenaje a los grandes maestros de la música nacional.A su vez, a coproducciones como los ciclos de Grandes Intérpretes y [Aura], se añaden en 2026 obras como Astor, Piazzolla eterno, basado en el célebre músico argentino, y nuevas experiencias multisensoriales del nuevo ciclo Colón Inmersivo: Monet y Aida. El Colón Contemporáneo, bajo la dirección de Martín Bauer, ofrecerá, a su vez, cuatro funciones en la Sala Principal. La programación abarca cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI que incluyen desde obras sinfónicas a grandes creaciones para medios mixtos (instrumentos acústicos y electrónicos). Su temporada será inaugurada con la proyección e interpretación en vivo del icónico film Blade Runner, dirigido en 1982 por Ridley Scott. En tanto, en su versátil espacio, el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) presentará una temporada heterogénea con 12 propuestas que incluyen danza contemporánea, música electroacústica y electrónica, instalaciones audiovisuales, conferencias, clases magistrales, performance, teatro, ópera y cine experimental.El Colón para niños, a cargo del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, presentará, en tanto, cinco propuestas pensadas para toda la familia: El rey Arturo, una semi-ópera con la magnífica música del Barroco inglés; Cuentos líricos, dos micro-óperas basadas en el imaginario de escritores argentinos; y las versiones adaptadas de El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes. La temporada culmina con toda la magia de Un sueño navideño, un ballet cantado en un acto.

El Teatro Colón anunció su temporada 2026, con altísima excelencia en ópera, ballet y conciertos

Marianela Núñez abrirá y cerrará la temporada de Ballet.Vuelve la Filarmónica de Berlín, luego de 26 años.Se estrenarán obras encargadas a Oscar Strasnoy y Goyo Montero, esta última con música de Gustavo Santaolalla.

Vuelve el ballet al Teatro Argentino

El Ballet y la Orquesta Estables ofrecerán seis funciones de "La Bayadera"

Cómo ir de público al Teatro Real para el sorteo de la Lotería de Navidad 2025

La entrada es gratuita, pero el aforo es limitado y cada año cientos de personas hacen cola desde la madrugada para vivir el sorteo del 22 de diciembre en directo

Ides Kihlen sigue en el baile a los 108 años y debuta en el Teatro Colón

Ides Kihlen es la pintora en actividad más longeva de la historia del arte argentino (y quizás de todo el mundo). Se puede comprobar en una visita a su departamento de la Avenida Alvear: está sentada en la mesa con tapa de cristal de la cocina, que es la que usó siempre en su taller y debería pertenecer a un museo. Si se pasan los dedos por la superficie se puede sentir en las yemas la textura de una vida de pintura y collages. Lo que toca Ides se vuelve de colores, por eso ahora, a los 108 años, trabaja en la cocina con hojas pequeñas y una caja de crayones. Vive en el mundo propio de sus fantasías y obsesiones, como una Clara sumida en un universo mágico por su muñeco cascanueces. Su fábula cotidiana no es un ballet, sino que transcurre en la ventana de su izquierda, que tiene florecitas rojas, su color favorito, y una vista abierta a la ciudad. Formas y líneas que vuelca en los papeles en blanco que la esperan cada mañana. El departamento fue pintado hace poco y por eso no están más los murales efímeros de paredes y piso. Quedan sí, intervenidos, los silloncitos de época y el baño estilo Kusama, lleno de puntos negros. En su habitación ya hubo que sacar la alfombra, por las capas de óleo y acrílico que acumulaba. Su rojo-Ides se advierte aún en cortinas, velador, andador, anteojos, su ropa y zapatos. Así recibió un día, este año, a una celebridad como Julio Bocca. Una revolución memorable, que se puede comparar a la visita del pianista Miguel Ángel Estrella. Ides vive con sus dos hijas, Silvia e Ingrid González, incansables gestoras de la vida pública de su obra. Si era por ella, podía seguir feliz en el anonimato mientras tuviera pintura, pinceles y una superficie que pintar, cualquiera.Julio Bocca conoció la obra de Ides a través de las notas de este diario. Ella, que además es pianista, compositora y melómana, tuvo toda su vida asistencia perfecta a las funciones del Teatro Colón, como abonada. Por eso, aceptó encantada donar una pintura para subastar a beneficio del Teatro y otra obra suya para ilustrar el programa del ballet Cascanueces, que se estrena este viernes. También pintó zapatillas de punta para la Fundación Julio Bocca. Así que el reconocido bailarín y actual director del Ballet Estable le agradeció todo esto con una visita. Ella estuvo charlatana. A los 108, no hay tiempo para andar con vueltas: "Le dijo 'sos tan buen mozo'", cuentan las hijas. Ese día, lo acompañó Gerardo Grieco, director general del teatro. "Como te podrás imaginar, mamá estaba fascinada. Estaba muy contenta, para ella que venga Julio Bocca a visitarla fue una emoción. Estaba impactada", cuenta Ingrid. Estuvieron mirando sus trabajos y eligieron dos collages de acrílico y tinta. El ritmo de su obra es comparable al de los pies de un bailarín. Ides primero trabaja el fondo, con colores que aplica directo del pomo y estira con un trapo en movimientos circulares, fuertes, como una pirueta en el aire. También salpica pintura o la estira pinceladas rápidas, un grand jeté de acrílico. Cuando ese remolino la deja satisfecha, comienza a probar la disposición de papelitos arrancados a mano alzada. La línea va y vuelve en una danza incansable, triunfal como un fouetté. Las partituras rodean la composición, para que la orquesta la siga sin perderse en su tocatta. Y aparece una y otra vez el número cinco, como si insistiese en las cinco posiciones del ballet: primera, segundaâ?¦ Es posible bailar los cuadros de Ides."La idea fue ofrecer desde la portada misma del programa de mano, que suele ser muy genérica, una imagen que de alguna manera conectase emocionalmente al espectador con lo que luego sucedería en el escenario, así que se me ocurrió convocar a algunos de nuestros mejores artistas plásticos para que resumieran en una sola imagen la principal característica de las obras a presentar durante el año y aunar de esa forma a diferentes disciplinas que por un motivo u otro no siempre logran coincidir. Renata Schussheim, Jorge Pomar y Felipe Álvarez fueron los primeros con Carmen, en el Programa Mixto y Don Quijote", cuenta Bocca a LA NACION. La ópera también tuvo programas ilustrado: Claudio Roncoli le puso color a Aída, Nicolás Boni a Il trítico, Diego Roa a Billy Budd, fileteados de Ferrari para Werther, un corazón de Nora Iniesta para I Puritani, Ornela Pocetti pintó un óleo para Salomé y de Las Camelias se encargó el maestro orfebre Juan Carlos Pallarols."Ahora finalizamos el año con El Cascanueces y para ilustrarlo convocamos a Ides Khilen que hace poco festejó sus jóvenes y vitales 108 años y ha sido testigo no solo del desarrollo y crecimiento de esta compañía sino también de los aconteceres de nuestro país y el mundo todo", explica Bocca. De seguro será una gran funciónâ?¦ y un excelente programa.

Los 100 años de la Orquesta y el Coro Estables del Teatro Colón: luces y sombras de una celebración

La gala, que se hizo el domingo 7 de diciembre, fue un éxito con alta calidad artística.Pero ambos cuerpos estables mantienen una serie de reclamos a las autoridades que resumen en "queremos trabajar más, no menos".Qué es lo que sucede y las perspectivas para 2026.

Teatro Colón: una gala de excelencia musical para celebrar los 100 años de su Coro y Orquesta Estable

El Teatro Colón se vistió de fiesta y celebración. Una gala pensada para conmemorar el centenario de dos de sus pilares: la Orquesta Estable y el Coro Estable. Nacidos para darle vida a producciones artísticas propias, ambos han sostenido durante estos 100 años una labor de excelencia ininterrumpida, convirtiéndose en protagonistas indiscutibles del prestigio de este teatro. Compartiendo el escenario en una tarde mágica, le regalaron a quienes asistieron un concierto lleno de emoción, haciendo una demostración de su gran compromiso artístico y profesional. A manera de reconocimiento a todos los artistas que desde 1925 han integrado sus cuerpos estables, un QR impreso en el programa de mano abre un hermoso documento que contiene sus nóminas históricas. Unas que todavía no están del todo completas y cuya investigación aún continúa, pero que, de igual manera, sorprenden al contemplar esos miles de nombres de artistas que han formado parte de este teatro. Beatrice Venezi, directora principal invitada de la Orquesta Estable, salió muy emocionada para dar comienzo a la primera parte: Alexander Nevsky, op.78 de Serguéi Prokófiev. Se trata de una cantata para mezzosoprano, coro y orquesta, compuesta en 1939, que constituye la versión de concierto de la banda sonora escrita por el compositor ruso para la película homónima de Serguéi Eisenstein. Comenzar el concierto con esta obra no fue una decisión sencilla, pero resultó una prueba superada con honores y el público lo reconoció con una gran ovación. Cantada en ruso, a través de sus 7 movimientos el autor rinde homenaje a la figura del príncipe Nevski como símbolo de resistencia y unidad. Dirigida con gran destreza y emoción por Venezi e interpretada con maestría tanto por la orquesta como por el coro, uno de los momentos más destacados lo marcó la aparición de la mezzosoprano Guadalupe Barrientos quien aportó un fuerte dramatismo a la obra con su interpretación. El comienzo de la segunda parte de esta gala de los 100 años, que comprendió una selección de los títulos más representativos del repertorio histórico del Teatro, tuvo en la aparición de Mario Perusso- jubilado ya hace varios años y director emérito de la Orquesta Estable- su momento más emotivo. Con Verdi como el primer compositor elegido, la interpretación de la Obertura de La forza del destino y el Coro "Gli arredi festivi" del primer acto de Nabucco, resultó bellísima, con esa complicidad propia de quienes se conocen desde hace tiempo. "¡Viva Verdi, Viva Perusso y el Coro Estable!", se escuchó gritar desde la platea. "Es un honor y un orgullo ser parte de esta celebración tan importante por los 100 años del Coro y la Orquesta Estable de este prestigioso teatro. Además, poder compartir esta fiesta con el Maestro Perusso me da mucha alegría, pues él representa una parte fundamental de la historia de la cultura y de este teatro. Agradezco mucho a este teatro que adoro, a todos los cuerpos y, en especial, a los músicos, por la confianza al entregarme esta posibilidad. Para mí, representa la valoración del trabajo que he hecho hasta ahora. Ha sido un año intenso, bellísimo y con muy lindas producciones, con las cuales he ido fortaleciendo cada vez más la relación con los cuerpos del teatro y con todo el público", decía una emocionada Venezi en la previa del concierto. Luego de la intervención de Perusso, la directora nacida en Lucca volvió a ocupar su puesto en el podio para continuar al frente de la orquesta, que, junto con el coro, ofreció al público una sucesión de interpretaciones de diferentes compositores que emocionaron e hicieron poner de pie a todos. Con gran elegancia y sutileza se escuchó el Intermezzo de Cavalleria rusticana, ópera compuesta por Pietro Mascagni y considerada como el inicio del verismo. Tras ese momento orquestal, siguió el coro pascual: "Regina coeli... Inneggiamo" también de Cavalleria rusticana, con otra magistral aparición de Guadalupe Barrientos como solista, acompañando al coro. Miguel Martínez, director del Coro Estable desde 2013, destacó que la preparación de este concierto se realizó con mucho amor y compromiso. "Es una noche muy emotiva para todos: celebrar este cumpleaños tan importante de los cuerpos estables es un gran acontecimiento. Trabajo en el Colón desde 1994, donde comencé como asistente de grandes maestros. Ser director de este coro implica una gran responsabilidad, pero también me brinda inmensas satisfacciones. Me siento honrado de estar al frente de uno de los coros más importantes del país, que se destaca también a nivel internacional. Está conformado por profesionales de primera línea y las pruebas para ingresar son muy exigentes. La sonoridad del coro debe llenar toda la sala, una de las más grandes de ópera del mundo. Me siento muy privilegiado y agradecido al teatro, que me ha dado la oportunidad de ocupar este lugar. También agradezco a mi país, que me dio la oportunidad de desarrollar mi profesión". Tras Mascagni, llegó un alegre Gounod con el Coro de la "Kermesse" de Fausto, un momento festivo y de jolgorio muy apropiado para esta celebración. Luego fue el turno de Puccini, otro de los grandes maestros de la ópera, creador de melodías inolvidables cargadas de emoción, con el bellísimo Intermezzo de Manon Lescaut. Y para finalizar, de nuevo volvió el gran Verdi con "Gloria all' Egitto", la Marcha Triunfal del Acto II de Aida, un título que ha estado ligado de manera muy profunda a la historia del Colón. Su majestuosidad siempre conmueve y transporta a ese desfile grandioso tantas veces recreado en el escenario. La ovación cerrada que el público brindó a todos los protagonistas de este concierto memorable fue larga y cargada de emoción. Después de los saludos, con todos juntos en escena, cada uno volvió a su puesto para brindar lo que quizás pueda considerarse el coro de ópera más bello y popular jamás escrito. Convertido en un auténtico himno colectivo, el "Va, pensiero" del tercer acto de Nabucco, puso el broche final a una gala que, más allá homenaje a una historia, reafirmó el compromiso y la excelencia de quienes trabajan con profundo amor por el arte.

Once personas asistidas por sobreventa y calor en un teatro de Floresta

El evento privado fue suspendido por sobreocupación y altas temperaturas. Hubo 11 asistidos, en su mayoría menores, sin traslados. Leer más

Floresta: suspenden un evento en el teatro Gran Rivadavia por exceso de capacidad y múltiples desmayos

Un evento privado de danza que tenía previsto realizarse este domingo por la tarde en el teatro Gran Rivadavia, en el barrio porteño de Floresta, fue suspendido por exceso de público y múltiples descompensaciones.Según confirmaron fuentes del SAME a LA NACION, aun cuando la sala donde se llevaría a cabo la final del torneo Fitness Extreme Dance tenía habilitación para 300 personas, se estima que había alrededor de 700 asistentes.En consecuencia, y a raíz de la acumulación de las descompensaciones por calor, la Policía de la Ciudad -en colaboración con el Sistema de Atención Médica de Emergencia- optó por evacuar el edificio.Al menos 20 personas fueron atendidas, entre ellas cuatro menores. Dieciocho recibieron asistencia dentro del teatro y dos adolescentes debieron ser trasladadas: una al Hospital Vélez Sarsfield y otra al Santojanni. El SAME envió cinco ambulancias al establecimiento, ubicado en la avenida Rivadavia al 8600.En el inicio de la emergencia, cerca de las 14.30, una ambulancia privada contratada por la organización auxilió a 11 personas. Rápidamente, el número de afectados creció y requirieron de ayuda complementaria."Cuando vimos que aumentaba la cantidad de pacientes, dispusimos el envío de varias ambulancias y pedí colaboración al 911 para evacuar el lugar de manera ordenada", explicó el titular del SAME, Alberto Crescenti. "Era mucha gente y la capacidad estaba superada. No tenía lógica continuar", añadió en diálogo con TN.Entre los casos atendidos hubo descompensaciones por calor, dificultades respiratorias y un paciente con traumatismo de muñeca. Según Crescenti, la suspensión del evento respondió al riesgo sanitario generado por la combinación de calor, sobrecupo y el aumento sostenido de personas afectadas. A raíz de lo ocurrido, se iniciaron las actuaciones correspondientes para proceder a la clausura del establecimiento.Fuentes precisaron a este medio que, tras el desalojo, quienes pretendían disfrutar el espectáculo se negaron a moverse de la puerta del Gran Rivadavia hasta que Fitness Extreme Dance les devuelva el dinero de sus entradas.De acuerdo con su sitio web, Torneo FED (Fitness Extreme Dance) es una organización de danza competitiva que convoca a academias, grupos y solistas de todo el país para competir en distintos estilos. En cada edición, ofrece medallas para todos los participantes y reconocimientos personalizados a quienes se encuentren entre los tres mejores en cada categoría y disciplina. En su última convocatoria, que se dividía entre dos fechas -7 y 8 de diciembre-, el premio mayor era de 23 millones de pesos.

Una Nadine Sierra deslumbrante, un Teatro Colón rendido a sus pies y un "festival" de bises

La soprano norteamericana Nadine Sierra cerró con broche de oro el Ciclo Aura, un proyecto que cumplió con creces la promesa de traer a Buenos Aires a las mejores voces del circuito lírico internacional. El Teatro Colón, célebre por su acústica prodigiosa, es un escenario que pone a prueba hasta a las voces más experimentadas. Quien se anime al reto y logre atravesarlo con éxito queda consagrado para siempre. Este año, cuatro artistas que marcan el ritmo de la escena lírica internacional aceptaron la invitación de formar parte del Ciclo Aura, proyecto imaginado por Elisa Wagner y Mariano Nante, con la finalidad de tender puentes entre intérpretes de renombre y el público argentino. Jonathan Tetelman, Aigul Akhmetshina y ElÄ«na GaranÄ?a supieron brillar en cada una de sus presentaciones, reafirmando su calidad como artistas y luciéndose con lo mejor de su repertorio. Pero, lo que se vivió durante el último concierto programado de este ciclo, con la soprano Nadine Sierra como protagonista, sobrepasó cualquier previsión y le regaló al público del Colón una noche para atesorar en el recuerdo. Nacida en Fort Lauderdale, Florida, en los Estados Unidos, de madre portuguesa y de padre puertorriqueño con orígenes italianos, en su personalidad se refleja esa rica mezcla cultural. Con una naturalidad y simpatía tan desbordantes como su talento, Sierra dejó muy en claro por qué está reconocida entre las mejores sopranos de la escena operística actual. De la mano de Bryan Wagorn, pianista y director asistente de la Metropolitan Opera House de Nueva York, al que describió como su gran amigo y compañero de más de veinte años, Sierra salió con una inmensa sonrisa y desde la primera aria que cantó, "Ah, je veux vivre", de Romeo y Julieta de Gounod, se ganó las primeras ovaciones que a lo largo de toda la noche no se detuvieron más. Le siguió "Chi il bel sogno di Doretta" de La rondine de Puccini y "Quel guardo il cavaliereâ?¦So anch'iola virtú mágica" de Don Pasquale de Donizetti, en las que se destacó no solo por su técnica impecable, sino por la potencia con la cual llenaba todo el teatro con su voz mientras pasaba de un rol a otro con absoluta comodidad. Invitada habitual en la Metropolitan Opera House de Nueva York, los teatros Alla Scala de Milán y Real de Madrid, la Ópera de París, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Ópera Estatal de Viena, entre otras, esta no fue su primera presentación en el Teatro Colón. En 2022 se destacó en la producción de L'elisir d'amore, así como en el Ciclo Grandes Intérpretes y en días recientes acompañó también a Andrea Bocelli en este escenario. Sierra agradeció muy emocionada haber sido nombrada en esta visita como "Huésped de Honor" por la Legislatura Porteña. "Buenos Aires tiene ese calor humano que se ha perdido en muchos otros lados del mundo, quédense siempre con esa energía, es algo que se siente muy profundo. Todos deberíamos imitarlos y el impacto sería muy positivo", afirmó mientras todo el teatro la aplaudía de pie. El Ciclo Aura nació de la colaboración entre Elisa Wagner, productora con una extensa carrera y responsable de haber acercado a los más grandes artistas por todo el mundo y de Mamá Húngara, empresa productora audiovisual representada por Mariano Nante. "Logramos establecer un ciclo que fue un éxito de público y de crítica. Las emociones que suscitaron cada artista en su encuentro con la audiencia resultaron únicas y a la vez, ellos estuvieron muy agradecidos con este público argentino al que describen como muy cálido y conocedor, pero sobre todo que siente la música de manera muy profunda. Fue maravilloso ver la sala llena en todas las ocasiones, con esas ovaciones de pie y con la cantidad de bises que cada artista regaló. Eso nos permite pensar en un ciclo de más largo aliento, con una curaduría que nos enorgullece y que hace vibrar al público. La colaboración del Teatro Colón tenemos que destacarla, nos abrió sus puertas, comprendió el valor de la propuesta y nos permitió trabajar de una manera soñada", señaló Nante.Atmósfera ideal La hermosa interpretación que Wagorn hizo del Preludio en re bemol mayor,op.28 de Chopin, popularmente conocido como "Preludio de la gota de agua", creó la atmósfera ideal para lo que siguió en esta primera parte del recital. Con "Giunse alfin il momentoâ?¦Deh, vieni, non tardar" de Le nozze di Figaro, de Mozart, a la magnífica escena de La Traviata "E stranoâ?¦Ah, fors'é luiâ?¦Siempre libera" que contó con la aparición del tenor Diego Bento para acompañarla, Sierra demostró que domina cualquier técnica y que se puede pasear sin esfuerzo por todo el repertorio. Si en la primera parte del recital se vio a una Nadine Sierra entregada por completo al canto lírico, en esta segunda parte se mostró más ecléctica y lista para pasearse por diversas geografías y géneros. Con un vestido rojo de infarto, comenzó cantando en un perfecto portugués dos temas de Heitor Villa-Lobos y de Ernani Braga. Luego volvió Verdi con "Caro nome che il mio cor" de Rigoletto y un "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi, con el cual mostró una voz madura en una interpretación que hizo poner de pie a todo el teatro y que quedará en la memoria de todos los que la escucharon. Con "Me llaman la primorosa", de El barbero de Sevilla terminó el programa oficial, pero eso no quedó allí. Luego de los agradecimientos, aplausos y flores otro show más de música y canto estaba por comenzar. Nadine Sierra siente cada una de las piezas que canta y le regaló al publico que asistió a esta última función del Ciclo Aura una verdadera fiesta interminable de bises. Entregada y agradecida, se quitó los zapatos para interpretar una bellísima "Summertime" seguida de una muy sensual "Bésame Mucho" junto al bajista Marc André, quienes en perfecta conjunción dejaron hipnotizados a la audiencia. Cuando todos creíamos que ya había llegado el final, volvió a aparecer con un traje plateado que reflejaba todas las luces del teatro para anunciar que, aunque todavía Floria Tosca no está en su repertorio, quería cantar "Vissi d'arte" y lo hizo de una manera tal que seguramente en muy poco tiempo este será otro de sus roles soñados. Luego continuó con "I Could Have Dance All Night" y hasta jugó con el público animándolo a seleccionar entre varias piezas que ella iba nombrando. "Mi chiamano Mimí" resultó la ganadora y con esta popular aria volvió a lucirse en lo que ya era un desborde de entusiasmo. También se animó con un potente "O sole mio" y para darle un cierre a toda esta fiesta interpretó "Beautiful Dreamer", la canción que marcó el inicio de su colaboración con Wagorn, su pianista, amigo y compañero de estudios. Una colaboración que a lo largo de toda la noche reflejó la más perfecta sincronía. "Hoy voy a dormir muy bien, estoy feliz", se despidió pletórica, dejando todo un teatro a sus pies.

Entre el duelo por su padre y el teatro: la etapa más retadora de Rodrigo Palacios con 'Un Espejo'

En conversación con Infobae Perú, el experimentado actor contó a Infobae Perú cómo la exigencia de su rol y la reciente pérdida de su padre hicieron de esta temporada una de las más desafiantes y reveladoras de su carrera.

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Planes a prueba de lluvia para chicos: una sala inmersiva gratis, la fábrica del Teatro Colón y un café para amantes de los gatos

Luego de una semana calurosa, el pronóstico anuncia que para el fin de semana de noviembre se esperan tormentas eléctricas y copiosas lluvias. Por lo tanto, varios eventos al aire libre fueron reprogramados y todo indica que los planes con chicos también deberán ser modificados. Pero Buenos Aires ofrece múltiples propuestas culturales, lúdicas y sabrosas para planificar salidas entretenidas para toda la familia y sin mojarse o, solo un poco. Sala inmersiva gratuitaEl Palacio Libertad (Sarmiento 151, San Nicolás) ofrece tres propuestas de arte y tecnología para visitar en familia los fines de semana. Se trata de las salas inmersivas, una experiencia que ya lleva varios años cautivando al público con las últimas tecnologías donde grandes y chicos son parte del arte. El ingreso para todas las salas es por orden de llegada y la entrada es gratuita. Benito: la muestra es un viaje por la Buenos Aires portuaria que pintó Benito Quinquela Martín. Hay funciones viernes y domingos de 14 a 20 horas.El camino de Manuelita: para todos los amantes y nostálgicos de María Elena Walsh, la propuesta es una inmersión familiar al universo poético de la gran autora. Se puede ver los sábados de 14 a 20 horas. Tiempo de Tunsul: una propuesta inspirada en paisajes naturales con motivo del mes de la cultura coreana. Tiene funciones viernes, sábados y domingos de 14 a 20 horas. Conocer la fábrica del Teatro ColónEl Teatro Colón abre todo el año las puertas de su fábrica ubicada en La Boca para que los visitantes puedan vivir la experiencia del detrás de escena. Es uno de los pocos teatros del mundo que tiene sus propios talleres y que, además, brinda la posibilidad de que la gente lo pueda recorrer y ver cómo se crea todo lo que conlleva un espectáculo de excelencia y primer nivel: escenografías, trajes, pelucas, zapatos y efectos especiales. Una salida para que los chicos conozcan como es la producción de nivel internacional junto con los ancestrales oficios del teatro. El sistema de entradas permite dos modalidades: recorrido libre o visita guiada de 40 minutos aproximadamente de duración. En ambos casos los menores de 7 años no abonan entrada. Cuándo y dónde visitar la Fábrica del Teatro ColónCuándo: sábados y domingos abierto de 12 a 18. Dónde: Av. Pedro de Mendoza 2163, La Boca.Reservas: por medio de la página web de la Fábrica del Teatro Colón. Una cafetería para los amantes de los gatosEn Recoleta hay una cafetería para los amantes de los gatos. Studio Cat Coffee (Cerrito 1062) está decorado con cuadros, peluches y cientos de detalles de animales felinos. Si bien el local ofrece brunch, su especialidad está en la pastelería y las grandes tortas con variedad de sabores incluyen orejitas de gatitos comestibles que se sirven para el desayuno y la hora del té, como. Para los adultos hay una amplia variedad de café de especialidad. Pero la propuesta no se termina solo en lo decorativo. La experiencia incluye gatitos de cerámica para pintar en familia y después llevarlo a casa. En el primer piso además tienen un showroom con venta de animales, remeras, accesorios, productos de librería, tazas y muchos productos más con la temática de los gatos, por supuesto. Una propuesta completa para pintar, relajarse y comer algo rico. Atención que este sábado por la mañana hay 2x1 en esculturas para pintar.

Adiós al Teatro Manolo Fábregas: cuál fue la primera y última obra antes de su demolición histórica

De la época dorada al abandono: el recinto de la colonia San Rafael cierra su ciclo teatral y queda listo para desaparecer

Angel Ruiz Vuelve al Teatro Picadero con Susurros de Ida y Vuelta

El multifacético artista español trae su personalísimo espectáculo en el que homenajea a las canciones de su tierra y a las nuestras. Y lo hace acompañado por un joven talento, el pianista Bru Ferri, quien fue el encargado de reversionar de manera muy original cada tema. Leer más

El Teatro Manolo Fábregas en CDMX será demolido y desata ola de nostalgia en la colonia San Rafael

La posible demolición del recinto donde brillaron María Félix, Silvia Pinal y Libertad Lamarque ha encendido la nostalgia y el debate sobre la conservación del patrimonio cultural en la capital

Luego de presentar su candidatura, Rafael Grossi afirmó: "La ONU es el único teatro donde estamos todos" y pidió renovar su funcionamiento

La Cancillería argentina ratificó su respaldo y destacó su amplia trayectoria diplomática y experiencia en la gestión de crisis globales. Aspira a suceder a António Guterres y propone reforzar la paz, la seguridad internacional y una renovación institucional con un multilateralismo más pragmático. Leer más

The Hives en México: Todo sobre su concierto íntimo en el Teatro Metropólitan

La banda originaria de Suecia ofrecerá un show en CDMX para 2026

Luis Brandoni: una vida entre el teatro, la política y las escenas que hicieron historia

Luis Brandoni nunca para, siempre está en movimiento: con 85 años prepara una temporada en Mar del Plata con Quién es quién, la comedia que interpreta junto a Soledad Silveira. Entre funciones, ensayos y recuerdos, Brandoni pasó por la redacción de La Nacion y repasó su vida: la infancia en Dock Sud, el exilio, su amistad con Alfonsín, las escenas que hicieron historia y el misterio del teatro, ese oficio que todavía lo sostiene y lo conmueve. En Conversaciones, vuelve sobre su legado actoral, sobre el país y sobre la idea de que "uno vive con la esperanza de convertirse en un recuerdo".Luis Brandoni en Conversaciones con LA NACION

Sarah Jessica Parker reveló por qué dudó en protagonizar Sex And The City y cómo el teatro junto a Nueva York marcaron su vida

La actriz abordó en una entrevista con The New Yorker su experiencia en la icónica serie, su amor por el escenario y su apoyo a instituciones culturales, revelando también sus aspiraciones fuera del mundo del espectáculo

Mirtha Legrand fue a ver a Ricardo Darín y a Andrea Pietra al teatro, les dedicó tiernas palabras y recibió una sentida ovación

El teatro homenajea al gran actor con los Premios Ricardo Passano

"La Salita" de Castelar renonoce la trayectoria del artista, figura del cine y teatro que actuó junto a Lolita Torres y Mirta Legrand.Passano murió en 2012 a los 90 años y organizó más de 500 festivales gratuitos en el Oeste.

Wicked: Por siempre es mejor en cine que en el teatro, con nuevas canciones para Ariana Grande y Cynthia Erivo

La película, que refleja el segundo acto del musical, tiene más escenas y canciones que en el original.El papel de los efectos especiales de Pablo Helman.

Teatro: O sucesso de Ricardo Darin em Buenos Aires e mundo afora (pena que não está no Brasil)

O ator de filmes premiados atrai público recorde com peça de Ingmar Bergman.Darin estrela há mais de dez anos a obra que está em cartaz em Buenos Aires.

Miriam Nogueras dice que el Gobierno está haciendo "teatro" con los Presupuestos: "Deben estar de campaña electoral"

El teatro y la comunidad que lo acompaña

Festival En Obra Tercera Edición

La Orquesta Filarmónica de Lima presenta 'El Emperador': una noche de Beethoven que promete sacudir el Teatro Mario Vargas Llosa

El pianista y director Alexander Paley protagonizará una velada dedicada a dos obras monumentales del compositor alemán.

Entre sueños: el homenaje a Ernesto Drangosch en el Teatro Colón

Tiempo de aniversarios este 2025 que celebra, entre otros hitos, los 200 años de amistad entre la Argentina y Alemania, por la llegada al Río de la Plata de los primeros inmigrantes alemanes organizados en un grupo de 311 colonos, pioneros en el vínculo que une a ambas naciones. Y de esa relación, entre sus descendientes, la figura icónica de Ernesto Drangosch, de quien se conmemoran los 100 años de su fallecimiento. Con un homenaje titulado Entre sueños, el Teatro Colón le rinde homenaje al pianista, director y compositor nacido en esta ciudad en 1882 â??uno de los iniciadores de las bases de una cultura clásica en el paísâ??, con un concierto a cargo de la Orquesta Estudiantil de Buenos Aires y solistas invitados bajo la dirección de Lucio Bruno-Videla, mañana a las 17.30 en el Salón Dorado. ¿Quién fue el músico, discípulo de Alberto Williams y Julián Aguirre en Buenos Aires, y de Max Bruch y Engelbert Humperdinck en Alemania, y qué legado se recuerda en la actualidad? "Principalmente la obra compositiva", responde Bruno-Videla, presidente de una institución dedicada al desarrollo, conservación y difusión de la música nacional como es la Asociación Argentina de Compositores."Drangosch nació en el seno de una familia alemana muy musical. Su padre tenía un negocio de música y fue representante de los pianos Steinway â??recuerda el director del proyecto que presentará una selección de obras ilustrativas de las distintas facetas del genioâ??. Pronto dio muestras de un talento prodigioso. A los 9 años hizo su debut en el Teatro de la Ópera tocando conciertos de Mozart y Beethoven. En 1893 ingresó al recién fundado Conservatorio Williams y a los 15 viajó a Berlín para estudiar en la Academia Real. No hay grabaciones que registren su legado como intérprete, pero nos da una dimensión de lo que fue la escuela drangoschiana, el caso famoso de su alumno Carlos Vidusso, convertido posteriormente en maestro de Maurizio Pollini". Como pianista, Drangosch desarrolló una carrera excepcional actuando en Europa con celebridades como el violinista húngaro Joseph Joachim y presentando, a su regreso al país, el ciclo de las 32 Sonatas de Beethoven. Y como director cumplió una labor fecunda al frente de la Orquesta Filarmónica de la Asociación del Profesorado Orquestal. "A diferencia de otros compositores argentinos â??comenta Videla respecto de la originalidad de su arteâ??, no tiene relación con el campo. Algo muy frecuente en los paradigmas de López Buchardo y Alberto Williams, por ejemplo. En su caso, la herencia germana tuvo una influencia decisiva no solo en las formas sino en los contenidos y en ciertos giros melódico-armónicos del post romanticismo. Pero había nacido en la Argentina y había adoptado los modismos criollos y el humor muy porteño, en otro rasgo que lo hace único, como es su acceso a los lenguajes del tango y de la operetta".En el homenaje se escucharán tres obras características en el formato de un concierto breve sin intervalo. "La Suite orquestal 'Sueños de un baile' que estrenó en Mar del Plata cuando dirigía su propia orquesta en un famoso club que desapareció, llena de valses y de melodías que nos transportan a una belle-époque argentina. La segunda obra, 'Tres impresiones op. 27' son piezas del año 1920, escritas por el compositor ya maduro que exhibe, en la contracara de su faceta criolla y más dicharachera, la profundidad introspectiva de su parte alemana en una creación de gran hondura emocional. Y, para terminar, los fragmentos de la operetta 'La gruta de los Milagros' de 1921, en calidad de estreno". Precursor Además de esta selección de referencia, Videla menciona "un gran cuerpo de canciones de cámara con poemas en castellano, francés y alemán, varias composiciones para violín y piano, y para piano solo que incluye estudios interesantes de difícil ejecución, sonatas y un concierto considerado oficialmente el primer concierto para piano y orquesta escrito por un compositor argentino". Finalmente, otro récord que lo destaca como precursor, el de haber entrado en la historia como "el primer director argentino, nacido en el país, en dirigir una orquesta en el Teatro Colón, donde ofreció varios conciertos a partir de 1910, de entre los cuales, uno muy especial: la primera audición de la Novena Sinfonía de Beethoven en 1920", agrega Videla quien, de manera simbólica, empuñará una de las batutas del maestro cedida por su familia para la celebración de esta tarde.  "Drangosch nació como evangélico y se convirtió al catolicismo para casarse con el amor de su vida, la mujer que conoció siendo un niño estudiante en el Conservatorio Williams. Tan eterno fue el amor que se juraron que, a los quince días de fallecido por una neumonía, murió ella de la misma enfermedad â??relata Videlaâ??. La recuperación de este acervo requiere de aliados y en este proyecto nos encontramos sumando orquestas, bandas y coros de todo el país â??concluyeâ??, con la voluntad de difundir el patrimonio y la historia de la música clásica argentina".

Musicales y el teatro más original llegarán en 2026 a la cartelera porteña

Desde Betular como la mamá de Tracy Trunblad en Hairspray a lo nuevo de Muscari (El Divorcio del Año), habrá mucho para disfrutar ni bien comience enero: Papá por Siempre con Campi y propuestas de destreza física se suman a la cartelera. Leer más

Andrea Bocelli se lució en el Teatro Colón con un repertorio clásico

Actuación de Andrea Bocelli (tenor). Con la Orquesta Aeropuertos Argentina. Director: Carlos Bernini. Solistas invitados: Nadine Sierra (soprano), Mariam Battistelli (soprano) y Vladimir Stoyanov (barítono). Sala: Teatro Colón. Nuestra opinión: bueno.La carrera del tenor italiano Andrea Bocelli ha estado atravesada por su ceguera muy prematura (imposible no considerarla al hablar de él) y por su deseo de atravesar puentes y unir, ya desde el comienzo, lo clásico con lo popular. Reconocido desde muy joven por ilustres como Luciano Pavarotti, siempre sintió particular atracción por las canciones de todas partes del mundo y de todos los géneros, aun cuando su formación en el canto lírico lo ubicó al mismo tiempo, con toda comunidad y justicia, en ese campo. Aunque, por supuesto, así como oportunamente ocurriera con "Los tres tenores" (el mencionado Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras), ganó su mayor prestigio en el terreno de lo clásico, pero su gran masividad a partir de ese "crossover" que le ha permitido llenar estadios y grandes espacios. Y, de hecho, también esta vez en la Argentina tiene una segunda presentación en el Hipódromo de San Isidro, con otro concepto artístico.En un Teatro Colón con público hasta en el último rincón presentó, sin embargo, exclusivamente un repertorio de arias, dúos o tríos de ópera y, ni siquiera a la hora de los bises, se inclinó por alguna pieza de otro terreno. En las referencias previas se hablaba de un concierto "íntimo". Pero en verdad, no fue tan así. Bocelli y sus colegas invitados cantaron con el respaldo de una sinfónica numerosa, con maderas por dos, que se armó con la base de la Orquesta Aeropuertos Argentina integrada por jóvenes becarios y el refuerzo de músicos profesionales que, en simultáneo y en varios de los casos, son miembros de otros elencos de la Nación o la Ciudad. Y el propio director estable de esa orquesta, Néstor Tedesco, cedió la batuta a Carlo Bernini, nacido en la Toscana como Bocelli. Así, en una lista de obras tomadas mayoritariamente de la ópera italiana pasó por Giacomo Puccini, Giuseppe Verdi, Charles Gounod, Pietro Mascagni, Georges Bizet y Umberto Giordano.La imponente sala del Colón es un desafío para cualquier artista y, en ese sentido, el tenor lo pasó con comodidad. Naturalmente, fue más festejado en las piezas que están en la memoria aun de los no iniciados, como "La donna è mobile" de "Rigoletto". Pero con inteligencia y respeto por el entorno no se apoyó en lo sencillo y aceptó el reto de interpretar otras menos popularizadas.La orquesta tuvo su lucimiento con momentos sinfónicos de "Le Villi" de Puccini, "Cavalleria rusticana" de Mascagni y "L'Arlésienne" de Bizet. Pero hay que hacer un renglón especial y muy destacado para los tres grandes intérpretes que llegaron a la Argentina con él para esta presentación. Las sopranos Mariam Battistelli y Nadine Sierra (que, dicho sea de paso, en pocos días estará nuevamente en el Colón ya como figura central) fueron sublimes como solistas o participando en dúos con Bocelli para "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi, "Quando me'n vò" y "O soave fanciulla" de "La bohéme", ambas óperas de Puccini o el famosísimo "Brindis" de "La Traviata" de Verdi. Y el barítono búgaro Vladimir Stoyanov completó muy bien esa tríada de grandes colegas invitados y fue un excelente compañero para el dúo "O Mimi tu più non torni" de "La bohème".Quizá algunos se puedan haber sentido decepcionados porque esperaban ver y escuchar solamente a Bocelli, o con una lista de temas más heterogénea, y con ese deseo compraron sus entradas. Pero pensado desde el punto de vista del espectáculo, la presencia de los demás cantantes sumó y le dio variedad visual y sonora a un concierto que sí dejó feliz a la mayoría de quienes estuvieron allí.

En fotos. Todos los invitados al concierto de Andrea Bocelli en el Teatro Colón

Nicki Nicole llega al Teatro Colón: qué día es su show sinfónico y cuándo se pueden comprar las entradas

El Teatro Colón, uno de los escenarios más prestigiosos del mundo, será el anfitrión de una noche histórica para la música argentina: Nicki Nicole, la reconocida artista rosarina, ofrecerá un concierto sinfónico único el próximo 19 de febrero. Este evento no solo representa un punto cúlmine en su ascendente carrera, sino también un encuentro sin precedentes entre la tradición clásica del coliseo porteño y la impronta de una de las figuras más influyentes del género urbano.La propuesta artística de la intérprete de "Ojos verdes" la llevará a reinterpretar su universo sonoro en un formato sinfónico, acompañada por más de 70 músicos bajo la dirección del aclamado compositor y músico Nico Sorín. Esta velada es presentada como una oportunidad única para el público de experimentar su música desde una nueva sensibilidad, descubriendo capas inéditas en canciones que ya son parte esencial de su obra y reafirmando la capacidad de la artista para transitar entre géneros y estilos con naturalidad. La elección del Teatro Colón, tradicionalmente asociado a la ópera, la música clásica y el ballet, subraya la voluntad de la artista de expandir sus límites creativos y fusionar mundos sonoros.Este concierto llega tras una serie de logros significativos para Nicki Nicole. Recientemente, fue nominada por primera vez a los Premios Grammy en la categoría "Mejor Álbum de Música Urbana" por su disco Naiki, el mismo proyecto que le valió una nominación a los Latin Grammy 2025. El álbum, lanzado finalizando el 2024, debutó en el Top 9 Global de Spotify y acumula más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales, con colaboraciones destacadas junto a Duki y Khea. Estos reconocimientos consolidan a Naiki como un manifiesto artístico auténtico que retorna a las raíces de su carrera.La artista no es ajena a las presentaciones sinfónicas de gran escala; previamente, impactó con un concierto de este tipo en Rosario ante más de 250.000 personas en el Monumento a la Bandera. Aquel hito marcó el inicio de una etapa de expansión musical hacia nuevos lenguajes y formatos, camino que ahora encuentra su máxima expresión en el escenario del Colón, proyectando su arte a escala global sin perder su esencia. Su presencia en el Colón la convierte en la primera artista de su generación y del movimiento urbano argentino en pisar este icónico escenario, un hecho que ratifica su impacto cultural y su trayectoria.La preventa exclusiva se iniciará el martes 18 de noviembre a las 12, disponible hasta agotar stock. Los usuarios de determinadas tarjetas Visa pueden disfrutar de 6 cuotas sin interés comprando exclusivamente en EnigmaTickets.com. La venta general comenzará el miércoles 19 de noviembre a las 16, con todos los medios de pago a través de Modo. Para esta instancia, también se mantiene el beneficio de 6 cuotas sin interés para quienes abonen con ciertas tarjetas de crédito Visa.La magnitud de Nicki Nicole se refleja en sus impresionantes estadísticas: cuenta con 23 millones de seguidores en Instagram, 16 millones de oyentes mensuales en Spotify, 16 millones de seguidores en TikTok y 5 millones de suscriptores en YouTube. Durante 2023, agotó nueve shows en el Movistar Arena de Buenos Aires y realizó giras exitosas que la llevaron a presentarse ante 500.000 fans en escenarios y festivales completamente vendidos en 13 ciudades europeas, Marruecos y Estados Unidos, incluyendo shows con localidades agotadas en Nueva York, Los Ángeles y Miami con su "ALMA World Tour". Esta sucesión de éxitos subraya que su llegada al Colón es la continuación de un recorrido artístico que busca constantemente superar los límites de la música contemporánea argentina, prometiendo una noche irrepetible que quedará grabada en la historia cultural del país.Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

Hilario Ascasubi: el "gauchi-poeta" que combatió a Rosas con versos y contribuyó a fundar el primer Teatro Colón

De los dos poetas gauchescos que, según Jorge Luis Borges, merecen "perdurar en nuestra memoria", uno es el autor de Martín Fierro, José Hernández, y el otro, Hilario Ascasubi, de quien hoy se conmemora el 150° aniversario de su muerte en la ciudad de Buenos Aires, a los 68 años. En La moneda de hierro, Borges le dedica un obituario en forma de soneto, "Hilario Ascasubi (1807-1875)", donde se lee: "Fue muchos hombres. Fue el cantor y el coro; / por el río del tiempo fue Proteo. / Fue soldado en la azul Montevideo / y en California, buscador de oro. / Fue suya la alegría de una espada / en la mañana. Hoy somos noche y nada". Murió en Buenos Aires el 17 de noviembre de 1875.Nació el 14 de enero de 1807 en Fraile Muerto (localidad cordobesa rebautizada como Bell Ville), a bordo de una carreta, en medio de una tormenta. "Parió allí la doliente, dando a luz a un gauchesco parvulillo a quien llamaron Hilario (él firmaba sin H), y, andando los tiempos, supo mostrarse digno de aquella cuna presagiosa. Tal fue la natividad de nuestro Hilario Ascasubi, sobre el salvaje lecho del herbazal pampeano", escribió Ricardo Rojas en Historia de la literatura argentina. Para Leopoldo Lugones, que lo contrapuso a Hernández a la hora de fundar una épica nacional, "su verso áspero, su rima pobrísima, su absoluta falta de comprensión del tipo en quien encarnaba las pasiones del localismo porteño, hostil a la Confederación, no tenía de gaucho sino el vocabulario, con frecuencia absurdo".Su amigo Domingo Faustino Sarmiento lo llamó "el primer bardo plebeyo" y el crítico literario uruguayo Ángel Rama lo consideró un "empleado a sueldo" de Justo José de Urquiza, que le pagó $1800 por "celebrar victorias, inventar calumnias, describir horrores de los enemigos, enardecer con atroces invocaciones el ánimo guerrero de los paisanos de su bando contra los del adversario", es decir, Juan Manuel de Rosas. En la Argentina, la "grieta" no es un invento del siglo XXI.Además de poeta, discípulo de Bartolomé Hidalgo, Ascasubi fue militar, diplomático, tipógrafo y periodista; tras dos años de prisión, en 1831 se exilió en Montevideo en pleno auge del rosismo; por si quedaran dudas de su antirrosismo pertinaz, basta releer "La refalosa", donde un mazorquero degüella a un gaucho unitario. "¡Brinca el salvaje vilote / que da risa!", celebra el bando federal en la obra que firmó con el seudónimo de Paulino Lucero. Después de la batalla de Caseros, se enfrentó a Urquiza, contra quien luchó como aliado de Bartolomé Mitre que, en su presidencia, le encargó misiones diplomáticas en París. Fue uno de los fundadores del primer Teatro Colón que se inauguró en 1857. La Editorial de la Universidad Nacional de Córdoba, en coedición con Agencia Córdoba Cultura, publicó este año Ascasubi ($ 21.000), al cuidado de Leandro Calle y Matías Rodeiro. El volumen, con ensayos de ambos editores, incluye la traducción completa, a cargo de Calle, de Quelque mots de biographie et une page d'histoire. Le colonel don Hilario Ascasubi, del francés Bénédict Gallet de Kulture, de 1863, citada por los biógrafos del poeta (entre otros, Manuel Mujica Lainez y Lily Sosa de Newton, autora del recomendable Genio y figura de Hilario Ascasubi). Se completa con una selección de textos de Paulino Lucero, Aniceto El Gallo y Santos Vega o los mellizos de La Flor. Rasgos dramáticos de la vida del gaucho en las campañas y praderas de la República Argentina, obra cumbre de doce mil versos que, para César Aira, es "una auténtica joya de la literatura argentina" (con mala fortuna crítica). En el a veces hilarante poema gauchesco, uno de los mellizos es como Abel y el otro, como Caín."Cuando hablamos de Ascasubi es preciso situarlo indiscutiblemente dentro del bloque unitario y radicalmente en contra de los federales, como bien lo expresan sus escritos políticos -explica Calle en el capítulo introductorio Ascasubi-. Su toma de posición política es clara y no debiera obnubilar a quien posea otra mirada política u otra concepción histórica de aquellos primeros pasos de nuestra república. Por el contrario, el aporte estético y literario de Ascasubi es relevante y su posicionamiento contribuye a la comprensión de las tensiones políticas entre unitarios y federales durante el siglo diecinueve. Cada lector/a sabrá por propio recurso encontrar la barbarie de la civilización o la civilización de la barbarie que cada facción reclama, utilizando este binomio tan decidor de la cultura argentina". "Volver la mirada sobre Ascasubi es reencontrarnos con la vivacidad de un clásico. Sus posicionamientos, su ideología política, su andar constante por el mundo y, finalmente, su palabra poética, constituyen un lugar donde podemos una vez más repensar y debatir nuestro destino como nación", concluye Calle. Los restos del "gauchi-poeta" cordobés descansan en el Cementerio de la Recoleta.Así empieza "Santos Vega o los mellizos de La Flor"Cuando era al sur cosa extraña,por ahí junto a la lagunaque llaman de la Espadaña,poder encontrar algunapulpería de campaña:---Como caso sucedido,y muy cierto de una vez,cuenta un flaire cordobésen un proceso imprimido,que, el día de san Andrés,---Casualmente se toparon,al llegar a una tapera,dos paisanos que se apiaronjuntos, y desensillarona la sombra de una higuera.---Porque un sol abrasadora esa hora se desplomaba;tal que la hacienda bramabay juyendo del calorentre un fachinal estaba.---Ansí, la Pampa y el montea la hora del medio díaun disierto parecía,pues de uno al otro horizonteni un pajarito se vía.---Pues tan quemante era el vientoque del naciente soplaba,que al pasto verde tostaba;y en aquel mesmo momentola higuera se deshojaba.---Y una ilusión singularde los vapores nacía;pues, talmente, parecíala inmensa llanura un marque haciendo olas se mecía.---Y en aquella inundaciónilusoria, se mirabanlos árboles que boyaban,allá medio en confusióncon las lomas que asomaban.---Allí, pues, los dos paisanospor primera vez se vieron;y ansí que se conocieron,después de darse las manos,uno al otro se ofrecieron.

Hito: una orquesta conformada por jóvenes de barrios vulnerables tocará en el Teatro Colón junto a Andrea Bocelli

Este lunes, la Orquesta Juvenil Aeropuertos Argentina, una iniciativa de Eduardo Eurnekian nacida hace diez años con el objetivo de promover el desarrollo intelectual y artístico de jóvenes provenientes de barrios de alta vulnerabilidad social, suma un nuevo hito a su historia: brindará un concierto en el Teatro Colón acompañando al tenor italiano Andrea Bocelli.La orquesta está integrada por 45 músicos de entre 18 y 25 años seleccionados por el violoncelista y director orquestal Néstor Tedesco de entre 1600 chicos egresados del programa "Orquestas Infanto-Juveniles de la Ciudad de Buenos Aires", que funciona desde 1988 en Villa Lugano, Retiro, el Bajo Flores, Mataderos, Parque Avellaneda, Constitución y La Boca. Los niños incluidos en este programa, de entre 8 y 17 años, reciben instrumentos musicales hasta que culminan su etapa escolar. Muchos de ellos conservan intenciones de continuar vinculados a la música, pero en la mayoría de los casos imposibilitados de hacerlo por sus realidades económicas.Entonces, la Orquesta Juvenil Aeropuertos Argentina les da la posibilidad de continuar su camino de formación musical. Reciben becas de estudio, instrumentos, insumos, ropa para los conciertos, clases de profesores, oportunidades de conciertos y posibilidades de salida laboral. Además, gracias a un convenio de colaboración entre la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y la Fundación Corporación América, los integrantes de la orquesta fueron habilitados a cursar la Tecnicatura en Instrumentos Musicales.Según Tedesco, los chicos becados no solo son los de mayor potencial, sino también quienes demostraron más garra, tesón y ganas de integrarse, desarrollarse y fortalecerse en y con la música. A lo largo de estos diez años de historia, la Orquesta Juvenil Aeropuertos Argentina realizó conciertos en las más importantes salas de Buenos Aires: el Teatro Colón, el Palacio Libertad (ex-CCK); los teatros Avenida, Coliseo, Ópera, El Nacional Sancor; el Luna Park y el Auditorio de Belgrano; también en los aeropuertos de Ezeiza, Bariloche, Salta, Córdoba y el Aeroparque; en la UNA, la UADE, el Aula Magna de la Facultad de Derecho y la Universidad de La Matanza. En noviembre de 2022, la labor que desarrolla la orquesta fue declarada "de interés social y cultural" por la Legislatura de la ciudad.Ahora, la orquesta sumará un nuevo hito a esta larga lista de éxitos: acompañará a Bocelli en su debut en el Teatro Colón, donde brindará una velada íntima dedicada a la música clásica. El martes también formarán parte del segundo concierto que dará el artista italiano en el Hipódromo de San Isidro. "Me dio un montón de oportunidades"Cerca de 250 jóvenes transitaron en estos diez años ya por sus atriles, quienes en su mayoría egresan y continúan con actividades profesionales en el arte de la música. Para muchos de ellos, su paso por la orquesta representa un verdadero antes y después en sus vidas porque les permite sostener estudios musicales. Karen Lobos, por ejemplo, tiene 24 años y es una de las violinistas. Ingresó al proyecto cuando tenía 17 años y vivía en el Barrio 31 de Retiro. "Para mí la orquesta significó un espacio para crecer tanto musicalmente como de manera personal. Venía de tocar en una orquesta escolar donde el ritmo y el repertorio era totalmente distinto. La Orquesta Aeropuertos Argentina representó un desafío y una oportunidad para seguir estudiando y creciendo con mi instrumento. A la vez, me dio un montón de oportunidades de tocar en lugares de muchísimo prestigio, como la sala principal del Teatro Colón y escenarios de varios teatros de la calle Corrientes, como el Ópera, el Sancor Seguros y el Broadway. Todas fueron buenísimas experiencias que me preparan para el futuro", dijo. Lobos hoy vive con sus padres y tres hermanas en Del Viso, provincia de Buenos Aires, y afirma que le beca que le brinda la orquesta es muy útil para alivianar los gastos de su familia y sustentarse por sus propios medios los estudios. "Estoy superagradecida por eso", destacó.

El gran teatro de los aplausos

El 18 de noviembre de 1985 fallecía en Barcelona Osvaldo Lamborghini. Como suele ocurrir con los escritores argentinos, sus compatriotas lo olvidaron durante veinte años (en realidad ya lo habían olvidado un poco antes), para redescubrirlo con un vigor y un fanatismo inigualables. No solo su literatura, sino también su obra gráfica y como guionista de historietas, fue debidamente compilada, expuesta y publicada. Sus manuscritos, prudentemente atesorados por el Archivo de la Untref, son consultados, leídos y adorados. En ese contexto, el jueves 20 de noviembre se le rendirá un homenaje en la sala Cortázar de la Biblioteca Nacional. En buena hora. Leer más

Vejaciones de Satie: 24 horas seguidas en el Teatro Colón, una experiencia única, y gratis

La propuesta es tocar la obra durante un día entero: cada pianista reemplaza al anterior sin que la música llegue nunca a detenerse.A apurarse: empezó anoche y hay tiempo hasta este sábado a las 20.30.

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Mujercitas llega al Teatro Libre de Chapinero en versión ballet

la compañía bogotana fusiona danza, teatro y música en una experiencia artística que inaugura la temporada navideña y celebra la creatividad local

El Procurador General recibió el Premio Ben-Gurión 2025 en el Teatro Colón

En un acto realizado en el Salón Dorado del Teatro Colón, la Asociación Argentina de Amigos de la Universidad Ben-Gurión del Néguev distinguió al procurador general bonaerense, Julio Conte-Grand, con el Premio Ben-Gurión 2025.Según se informó, "el premio otorgado a Conte-Grand constituye un tributo a sus 14 años de trayectoria, marcados por un compromiso ejemplar en la defensa de las instituciones, un respeto inquebrantable por la ley y una incansable labor en favor del fortalecimiento de la justicia y la democracia". Se destacó que "su integridad y vocación de servicio lo convierten en un pilar de nuestra república".La ceremonia â??presidida por la presidenta de la Asociación, Nava Rubenzadehâ?? contó con la presencia del embajador de Israel en Argentina, Eyal Sela; el secretario de Culto de la Nación, Nahuel Sotelo; el presidente de Menorá, rabino Isaac Sacca, y autoridades diplomáticas, académicas, comunitarias y judiciales. También participaron el expresidente Mauricio Macri, referentes de la DAIA y destacadas personalidades del ámbito cultural y periodístico.La Presidenta de la Suprema Corte de Justicia de la Provincia de Buenos Aires, Hilda Kogan, elegida especialmente por el Procurador para hacer entrega del reconocimiento, dirigió unas palabras particularmente emotivas. Recordó que, del mismo modo en que David Ben-Gurión concibió a Israel como "idea, sueño y realidad", el procurador Conte-Grand concibe a la provincia de Buenos Aires como el territorio en el que trabaja diariamente para que "su sueño de una justicia para todos se vuelva realidad".Al recibir la distinción, el Procurador expresó: "Las instituciones son las formas en que una sociedad se organiza en un tiempo histórico determinado. Y esa forma es â??en un sentido casi metafísicoâ?? lo que le da razón de ser a una comunidad: la certeza de la cosa, la certeza de la sociedad. Porque si no hay instituciones, no hay sociedad. Por eso consideramos que la lucha por las instituciones es tan importante". Luego agregó, enfatizando la centralidad del bien común, que sin instituciones sólidas las sociedades "quedarían reducidas a grupos de personas persiguiendo intereses individuales y no el interés general que sostiene a toda comunidad".El Procurador agradeció profundamente a quienes confiaron, acompañaron y formaron parte de los equipos de gestión durante estos años, destacando el trabajo colectivo orientado a fortalecer las instituciones, verdadero cimiento â??señalóâ?? del funcionamiento democrático. También dedicó un reconocimiento especial a su familia, cuyo apoyo constante consideró "un sostén indispensable" en su trayectoria.En esta segunda edición del Premio Ben-Gurión, también fueron distinguidos Marcos Aguinis (premio principal 2025), Daniel Hadad (distinción especial) y Alfredo Leuco y Pilar Rahola (menciones honoríficas).Fundada en 1969 por inspiración del ex primer ministro David Ben-Gurión, la Universidad Ben-Gurión del Néguev nació con la visión de convertir el sur desértico de Israel en un polo de desarrollo científico y humano. Los Amigos Argentinos de la Universidad promueven en nuestro país la difusión de sus programas en materia de educación, ciencia, tecnología e innovación social, manteniendo vivo ese legado de progreso y trabajo por el bien común.

A diez años del ataque terrorista al Teatro Bataclan, el más sangriento de Francia, París homenajea a las 132 víctimas

El presidente Emmanuel Macron y la alcaldesa de París, Anne Hidalgo, encabezan las conmemoraciones del ataque yihadista en todos los puntos de la ciudad que fueron afectados. Leer más

24 fotos de la Gala de Primavera de la Fundación Teatro Colón

Figuras de la cultura se dieron cita en el Teatro Colón para una gala realizada a beneficio del Instituto Superior de Arte, semillero de las futuras generaciones de artistas del teatro

La emoción de Oriana Sabatini al ir a ver a Draco Malfoy al teatro: "Fue un delirio total"

Mientras vive uno de los momentos más plenos de su vida, embarazada de su primera hija con Paulo Dybala, esta semana Oriana Sabatini hizo realidad uno de sus más grandes sueños. Viajó a Nueva York para decir presente en un importante evento: el debut del actor Tom Felton en Broadway como nada más y nada menos que Draco Malfoy, el personaje de Harry Potter con el que saltó a la fama cuando era niño y que interpretó entre 2001 y 2011. La influencer lo vio de cerca y no dudó en compartir su emoción con sus fieles seguidores. "Fue un delirio total", aseguró.El fin de semana Oriana Sabatini aterrizó en la ciudad de Nueva York, donde se reunió con sus padres, Catherine Fulop y Osvaldo Sabatini. Pero, no fue solo un viaje familiar, sino que la fecha fue especialmente elegida. "Ok, está pasando. En dos días voy a ver en vivo a Draco Malfoy", escribió sobre una imagen donde se pudieron ver los rascacielos de la ciudad. Y es que en junio se confirmó que Tom Felton se uniría al elenco de Harry Potter y el Legado Maldito (Harry Potter and the Cursed Child), una adaptación del libro de J.K. Rowling, Jack Thorne y John Tiffany, publicado en 2016 que transcurre 19 años después de la Batalla de Hogwarts. Además de hacer su debut en Broadway, se anunció que, 14 años después del final de la saga en el cine, volvería a darle vida a su icónico personaje, pero en su versión adulta.Como fanática de la saga, Sabatini sabía que no podía perderse uno de los acontecimientos teatrales del año. Fue así como organizó el viaje a La Gran Manzana para asistir al estreno. Finalmente, el 11 de noviembre, cumplió su sueño. "Bueno, sucedió", escribió en una historia, junto al emoji de una serpiente (el símbolo de la casa Slytherin) y una manzana verde, otra característica del personaje. Acto seguido compartió el video que le mandó a sus amigas una hora antes de llegar al Lyric Theatre, ubicado en la calle 43 entre la séptima y la octava avenida: "Me parece muy surreal la experiencia de estar caminando por Nueva York para ir a ver a Tom Felton hacer de Draco Malfoy. Tipo, ¿qué?".Cuando llegó al teatro no dudó en sacarle fotos a los carteles, a la lista del elenco donde figuraba el nombre del actor y a un grupo de fanáticas que fueron vestidas con la túnica de Slytherin. Como durante la función está prohibido el uso de teléfonos celulares, cuando llegó la hora del saludo final no dudó en filmar todo lo que pudo, desde su ubicación privilegiada en la platea, a pocos metros del escenario."Fue un delirio total. Tuve que recordarme varias veces durante la función que no estaba viendo una película y que era la vida real", expresó Sabatini junto a un video en el que se pudo ver a Felton durante su primer saludo final. "Chau, no sé quién me duereme ahora", aseguró. Luego etiquetó a la cuenta de Instagram @coleccionistaharrypotter, de Patricio Tarantino, a quien entrevistó para el segundo episodio de su Pódcast A dónde vamos cuando soñamos, y con quien fue al teatro y comentó: "Sos el responsable de que ahora nadie me va a aguantar".Para cerrar una noche mágica, Sabatini dio a entender que adquirió un peluche de Dobby (el elfo de Harry Potter), el cual posiblemente termine en manos de su hija. En la foto posó junto a una amiga, quien estaba conociendo por primera vez a su sobrina en camino.

65 fotos: la entrega de los Premios Ben-Gurión 2025 en el Teatro Colón

Daniel Hadad, Marcos Aguinis, Julio Conte-Grand, Pilar Rahola y Alfredo Leuco fueron distinguidos en el Salón Dorado del Teatro Colón

Franco Torchia desnuda el fenómeno Sex: la falta de actividad sexual y el triunfo del deseo en el teatro

El periodista se sumó al espectáculo de Muscari para hacer un monólogo sobre diversidad sexual, una propuesta que aceptó después de seis años de ser formulada. Ahora con más experiencia teatral, se permite analizar las motivaciones del público que los va a ver. Leer más

La versión argentina de la obra Come from Away arrasó en los premios del teatro musical español

MADRID.â?? Come from Away, dirigido por la realizadora, productora y actriz argentina Carla Calabrese, arrasó con las estatuillas a los Premios del Teatro Musical (PTM) que reconocieron a las producciones que se presentaron en España en la última temporada. Este género compite en esta plaza en castellano como líder en calidad y variedad con Broadway y el West End. Entre otros galardones, Come from Away mereció el galardón al Mejor musical, a la Mejor dirección, para Calabrese, quien se impuso ante Gypsy, de Antonio Banderas, y Mejor dirección musical, para Santiago Rosso. "Contar esta historia fue un privilegio. Vuelvo a agradecer a los autores, Irene Sankoff y David Hein, a todo este equipo, a todos los actores que no pudieron venir. Gracias a todos los que han hecho este sueño posible que inspira a ser mejores personas desde una historia real", agradeció Carla Calabrese cuando subió al escenario del Teatro Calderón. Come from Away realizó una exitosa temporada en Madrid entre septiembre de 2024 y abril de 2025. Los Premios del Teatro Musical (PTM) se entregan desde 2007 en España y reconocen la excelencia de una plaza donde conviven Wicked, Book of Mormon, Oliver Twist, Los Miserables y El rey león, entre otras. La victoria de Come from Away, que obtuvo seis de los 12 rubros por los que competía, contaba con un elenco casi en su totalidad argentino. El musical se alzó con los premios al Mejor musical, Mejor dirección, Mejor dirección musical, Mejor interpretación femenina destacada, para Gabriela Bevacqua; Mejor diseño de sonido, para Eugenio Mellano Lanfranco; y Mejor actriz de reparto, para Pepa Lucas.Come from Away contó con la colaboración de Carla Juliano, prestigiosa productora internacional (a punto de estrenar en Milán Sons: Ser o no ser, con La Fura dels Baus). También estaban nominados a los PTM Melania Lenoir, como Mejor actriz protagonista. Edgardo Moreira como Mejor actor protagonista, Argentino Molinuevo como Mejor actor de reparto, Agustín Pérez Costa por Mejor coreografía, Tadeo Jones por Mejor escenografía, y Gonzalo González por Mejor diseño de luces. "Es una obra muy difícil de dirigir, y en Buenos Aires tuvo mucho éxito. Me encanta el resultado. Quería darles la oportunidad a los argentinos de instalarse y de trabajar aquí. Se lo recontra merecen", decía Calabrese a LA NACION poco antes de estrenar el musical en septiembre de 2024. Otros argentinos que competían por el PTM: Federico Barrios, por Los pilares de la Tierra, basada en el best seller de Ken Follet, y Zenón Recalde, por Asesinato para dos, ambos fueron nominados por su excelente labor en dirección. Esta última producción mereció la estatuilla a la Mejor interpretación destacada masculina, para Dídac Flores, y Mejor musical off. Come from Away se despide este año del Maipo con dos funciones, el 12 y 13 de diciembre.

Dos espectáculos llenos de brillo anticipan la Navidad en el teatro

Estos musicales ya se convirtieron en un clásico de la cartelera porteña de diciembre: Navidad en las Películas, con Raúl Lavié, y Navidad Sinfónica - El Reloj de la Navidad reunirán a las familias en torno a las historias clásicas del género. Leer más

Teatro intergeneracional: "La emoción no tiene edad y la creatividad tampoco"

el teatro es sanador, es salud, bajo todo punto de vista. El arte es salud

Murió Roberto Videla, figura de la escena cordobesa y del teatro comunitario

En la mañana de hoy, domingo, se dio a conocer la noticia del fallecimiento del director teatral, actor, dramaturgo, escritor y docente Roberto Videla, personalidad clave en el entramado de la escena cordobesa. La información fue replicada en la cuenta de X de la Asociación Argentina de Actores y por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, en donde Videla era el titular de la cátedra de dirección actoral. "Desde la cátedra impulsó un modo de trabajo interdisciplinario que integró estudiantes de las carreras de teatro, de cine y artes audiovisuales generando un espacio de aprendizaje y creación interdisciplinaria entre ambas áreas. Su labor docente dejó una huella significativa en la construcción de un enfoque interdepartamental que luego se amplió y consolidó como parte de la identidad académica y artística de nuestra Facultad", señalaron desde la Facultad.Roberto Videla tenía 77 años. Nació en General Alvear, Mendoza, en 1948; pero desde la década del '70 se instaló en la ciudad de Córdoba en donde desplegó su trabajo creativo no solamente en el campo teatral sino también como cineasta, dramaturgo, escritor, traductor y formador de nuevas camadas de artistas. A lo largo de los años se transformó en una figura fundamental en el mapa de las creaciones colectivas en el ámbito teatral. Formó parte del legendario grupo Libre Teatro Libre (LTL), fundado por la maestra de actores, actriz y directora María Escudero del que formaron parte también Graciela Ferrari, Paco Giménez, Luisa Núñez y Cristina Castrillo, entre otros. Aquel colectivo fue fundamental en la renovación teatral cordobesa. Eran épocas en que el LTL y otros dos colectivos, La Chispa, en el cual estaba el actor Horacio Acosta; y Nacimiento, con Liliana Felipe, se convirtieron en los gérmenes de la renovación artística cordobesa. En esa época impulsó el movimiento Canto Popular hasta que debió partir a su exilio, como la mayoría de artistas de la época."Conocí a María Escudero en el '69. Ya en el '68 yo trabajaba en la Escuela de Cine, con Clara Espeja, una psicoanalista, una figura importante que daba clases en la Universidad de Córdoba. Ahí empezamos a trabajar, en cine, de manera colectiva. Ella se ocupaba de lo psicológico, pero a los guiones los hacíamos entre todos. Era muy raro. Aun hoy, es raro. Los roles en la filmación se dividían y la dirección era colectiva. Ella se borró de la dirección naturalmente. Desde el inicio proponía la coordinación compartida, que las capacidades se sumaran para hacer algo horizontal. Cuando llega María Escudero a Córdoba, en el '69, propone algo semejante: sacar material de las improvisaciones. Se estaba largando a investigar con los alumnos", apuntó en un reportaje con la periodista Beatriz Molinari en una nota publicada en la Revista Picadero, del Instituto Nacional del Teatro. Llegada la dictadura fue uno de los tantos artistas que debió partir al exilio. En Venezuela fue parte del espectáculo El rostro junto a Graciela Ferrari y Pepe Robledo basado en sus propias historias de vida. En su cuenta de Instagram recordó aquel montaje de 1975. "Quedamos en Venezuela. Desconcertados, sin raíces, sin nada. Habíamos ahorrado algo de plata, se pagaba muy bien a todo lo cultural y nos daban trabajo para hacer talleres por el interior. Pero queríamos hacer teatro, lejos de aquel más politizado que hasta ese momento era nuestro distintivo. Estábamos muy apartados ya de la militancia. De ese desconcierto y malestar surgió la idea: hacer una creación colectiva de teatro documental sobre nuestras vidas. Tres actores que para vivir tenían que vender su profesión", apunta al mismo tiempo que señala que aquello, tal vez, fue el germen del teatro biodramático que impulsó Vivi Tellas desde 2003.Con la reapertura democrática regresó a Córdoba y comenzó a dictar clases. Desde 1986, en Colonia Caroya, Córdoba; asumió la dirección del Grupo Fra Noi colectivo que, desde el interior del interior, logró proyección nacional e internacional a partir de propuestas que indagaban historias, relatos y anécdotas populares locales como una forma de recuperación de la memoria colectiva. También estuvo a cargo del Taller del Hospital Neuropsiquiátrico. Durante varios años sus propuestas solían presentarse en las distintas ediciones del Festival Latinomericano de Córdoba que tuvo su primera mítica edición en 1984. Como cineasta, Roberto Videla fue director de Imago y El sitio (del grupo Psico/Cine) y Noche y Día. Como escritor, publicó Animales, Todos los caminos, Luisa fruto extraño, Chispas, Copacabana y La intimidad, entre otros. En este último, como parte otro procedimiento biodramático, el narrador (álter ego del autor) cuenta una experiencia personal de las incursiones que realizó por los cines porno y los saunas principalmente de Córdoba, de Florencia (Italia) y San Pablo (Brasil).Los restos de esta figura de suma importancia en la provincia que adoptó como suya serán trasladados mañana, lunes, a las 9 de la mañana Parque Los Álamos.

Del tablón a las tablas: seis obras de teatro inspiradas en el fútbol, con la pasión en primer plano

"El fútbol: mucha pasión, mucha teatralidad. Muchas cosas que sé de teatro, las sé por el fútbol. Una caja de resonancia pasional, histórica y política. Trasciende, permite identificaciones. El juego mismo, sus límites, el espacio", dice el director Ricardo Bartís en el libro Cancha con niebla. Pero no es el único que ha encontrado en este deporte complejo y febril un modo de comprender el teatro. Periódicamente aparecen obras que abordan ese universo de tensiones contenidas y exaltadas. Por ejemplo, las de Bernardo Cappa (hijo de Ángel, ex director técnico) como Pezones mariposa (2011), Es un sentimiento (2013) y El relato (2021); o de Andrés Gallina, Los días de la fragilidad, sobre el romance de un poeta con la goleadora de un club de Miramar; o Madorrán (2016), de Jorge Luis Drechsler, acerca de la obsesión y suicidio del árbitro Fabián Madorrán; o, entre otras, La comedia del fútbol (2014), una serie de monólogos sobre ese mundo de Patricio Abadi: uno de ellos, el del tío referí enamorado de la jueza de línea, forma parte de El equilibrista, el unipersonal de Mauricio Dayub surgida en el off en 2018 y que hoy puede verse en el circuito comercial. En este momento, en el circuito independiente de la Ciudad de Buenos Aires hay varios títulos que se meten con, para muchos, el juego más hermoso del mundo, escritos y dirigidos por artistas con potrero en sangre. Ganadora, el año pasado, del concurso de Dramaturgia Ricardo Monti, El último gol de Sáenz Peña, de Paula Marrón (Memoria de un poeta) surge de una historia personal. Su padre jugaba en el equipo de Veteranos de Sáenz Peña y desde chiquita, iba a verlo a la cancha en Burzaco, al sur del conurbano. "Es una historia que trasciende el fútbol, permite identificaciones tanto por las relaciones de amistad como la de padre e hija. Qué hacemos con el pasado, con lo que no fue y, en especial, indaga sobre la vida y la muerte, cómo prepararse para despedir a los amigos, una pregunta que me respondí en esta obra con Julia Di Ciocco, Rafael Solano y José Manuel Espeche, actriz y actores que desde un lugar muy genuino y sensible abrazaron esos vínculos", dice sobre la obra que puede verse los domingos en el Teatro del Pueblo.En total coincidencia con Bartís, Marrón considera al fútbol como teatralidad pura y sinónimo de pasión: "No sería la que soy sin el fútbol. Mi primer contacto con la pasión fue desde ahí y eso después mutó al teatro, a la escritura, a la dirección. También nos conecta con lo popular, con un sentir colectivo, con lo que nos toca a todos de cerca. Me gusta que el teatro se meta con esas historias que son las que a mí me interesa contar". ¿Y cómo vive la pasión del fútbol alguien que nunca ha visto un partido? ¿Es esto posible? La respuesta se despliega cada domingo en No hace falta verte, Campeón, la obra realizada por Teatro Ciego, compañía -y sala ubicada en el barrio de Palermo- con casi 20 años de experiencia en contar historias en completa oscuridad, integrado por personas con y sin discapacidad visual, en igualdad de condiciones.No hace falta verte, Campeón es una experiencia sensorial que sumerge al público en un viaje de emociones a través de la vida de Facundo Bogarín, director creativo en Teatro Ciego y fanático del fútbol. A través de relatos personales y extractos de documentales y radio, utilizando sonidos, aromas y efectos táctiles en lugar de imágenes visuales, describe su conexión con el juego, con foco en la figura de Lionel Messi y en la selección argentina campeona en 2022. "El espectador, inmerso en la oscuridad, vive la experiencia a través de los ojos de alguien que nunca ha visto un partido. Se pone en valor cómo el fútbol se percibe desde los sonidos y las vibraciones. No sólo es una celebración del juego y la pasión colectiva sino también un testimonio conmovedor sobre superar los límites percibidos. Es una invitación a sentir y a vivir la emoción que produce el fútbol", dice Martín Bondone, integrante de la compañía y responsable de la dramaturgia. La dirección es de Bogarín y Erika Veliz, y actúan Paloma Lutzky Cogan, Fabio Rosenstein y Darío Tripicchio.Espacios sagradosNacido y criado en una familia de teatro, Francisco González Gil (Wonder boy) camina los escenarios desde sus primeros pasos, más o menos al mismo tiempo que, según le contó su mamá, intentaba patear una pelota. No sorprende entonces que considere al universo del fútbol como una gran obra de teatro, a las tablas y al tablón como espacios sagrados. "Están mucho más cerca de lo que parece: ambos son espectáculos en vivo, donde actores y futbolistas construyen un relato irrepetible, sin posibilidad de edición ni de marcha atrás. El público participa activamente, creando atmósferas que pueden transformar el rumbo de la historia e influir en sus protagonistas. Comparten una misma esencia: la representación de la vida. Recrear la intensidad, el desenfreno y la locura que se viven en un estadio fue el motor que me impulsó a escribir Club Atlético San Berné", dice el autor y director de la obra donde actúan Hernán Altamirano, Ignacio Bresso, Emiliano Diaz, Franco Moix, Néstor Navarría y Lucas Wainraich, los jueves en El método Kairós. San Berné -nombre inventado- es un club del ascenso que pelea la posibilidad de subir a primera división. La obra cuenta la historia de un barrabrava que después de años de estar prófugo de la justicia, vuelve a la tribuna con un contacto que permitiría al club contratar a un jugador que promete y así, poder competir por el ansiado ascenso. Fanatismo, códigos, cantitos de cancha, el loco amor de los hinchas, negociados, cábalas y el límite que salva o condena es el costado que aborda González Gil. VestuariosSi una palabra se repite en boca de los responsables de estas obras es "pasión" y no hay sinónimo que pueda reemplazar esa intensidad. Otra coincidencia es la noción de lo colectivo, lo grupal en movimiento por un objetivo. Y en dos de ellas es el espacio elegido para desarrollar la acción: el vestuario del club.Autor de Deportivo Arenas, bajarse es de cagones, además de codirector -junto con Marcos Horrisberger-, productor y actor, Fabián Caero toma como excusa al fútbol para hablar del teatro porque "todo lo que tiene que ver con lo pasional y lo grupal, dialogan en un mismo idioma: el Deportivo Arenas es como el teatro independiente, donde todos ponen y dejan todo para hacer una obra. El teatro y el fútbol son un juego y aquellos que quieran olvidar esta premisa básica van por otro carril, que también existe". Surgida en el taller de dramaturgia de Andrés Binetti, la obra propone un espacio único, el vestuario de un club de barrio, que funciona como microcosmos social: jugadores y jugadoras -porque se trata de un campeonato de fútbol mixto-, barrabravas y dirigentes, bufeteros y técnicos. Entre cuatro paredes, en ese encierro sin héroes ni villanos, confluyen preguntas acerca de la dignidad, la pertenencia, la posibilidad de un futuro. Como en los relatos de Osvaldo Soriano, los personajes tienen sueños rotos pero siguen soñando. Con las actuaciones de 11 intérpretes -Carlos Alejandro Revah, Juan Bouzas, Luciano Cariani, Solange Castelli, Guillermo Gallegos, Alejandra Martínez, Mariano Pasquali, Julio Posse, Fiamma Puccio, Santiago Raskin y el mismo Caero-, puede verse los sábados, en la sala El deseo, en Balvanera.Director de la revista de artes Llegás, Ricardo Tamburrano es autor, director y uno de los protagonistas, junto con Pablo Chao y Yamil Chadad, de Los pasteleros, obra que presenta una característica que la distingue del resto: no se desarrolla en un teatro sino en un auténtico vestuario de club, es decir, es una obra site specific, creada para un espacio no convencional y determinada por ese entorno."Lo que buscamos con la obra es poder actuar muy cerca del público, cuya mirada cercana modifica los cuerpos de los actores y genera que cada función sea distinta", dice Tamburrano. En este caso, se trata de un vestuario masculino de la liga amateur de fútbol del sindicato de Pasteleros."La idea es hablar sobre la intimidad de los vínculos entre varones, sobre esos cuerpos no hegemónicos expuestos, que se vea la piel de esos cuerpos. Son tipos que juegan al fútbol para salvar la semana. La obra es una indagación sobre la masculinidad, lo que queda atragantado dentro de un vestuario, lo no dicho que, cuando se dice, sale de forma brutal. Hay un espesor donde se respira algo del orden de lo incorrecto, lo sucio, lo menos cuidado y corrido de los márgenes moralmente aceptados", dice.Los pasteleros se presentó en las pensiones de los clubes Huracán, Argentinos Juniors, Racing, Independiente y Chacarita. La actual es la sexta temporada de la obra que ha sumado ya más de 120 funciones. Este año actuaron en los vestuarios de Estrella de Maldonado, en Palermo, y del Club Náutico Buchardo, en Nuñez. También habrá una función en la Asociación civil de vecinos Florentino Ameghino (AVEFA), en Boedo. En la previa al ingreso al vestuario, se ofrece al público una picada y un vino para entrar en clima. No está mal: comer y beber también es fiesta compartida del teatro y del fútbol.Para agendarClub Atlético San Berné, de Francisco González Gil. Jueves a las 21. Teatro El método Kairós (El Salvador 4530).Deportivo Arenas, bajarse es de cagones, de Fabián Caero. Sábados a las 20. Teatro El deseo (Saavedra 569). El último gol de Sáenz Peña, de Paula Marrón. Domingos a las 18. Teatro del Pueblo (Lavalle 3636).No hace falta verte campeón, de Martín Bondone y dirección de Facundo Bogarín. Domingos a las 18. Teatro ciego (Jorge Luis Borges 1974).Los pasteleros, de Ricardo Tamburrano. Domingos a las 20, en Club Náutico Buchardo(Comodoro Rivadavia 1250) y viernes 14 a las 21, en AVEFA (Independencia 4264).El equilibrista, de Patricio Abadi, Mariano Saba y Mauricio Dayub. Miércoles 12 y 26 a las 20. Teatro El Nacional (Corrientes 960).

Teatro: se estrena "Mentiras" en una casa real

La propuesta teatral rompe con la cuarta pared y promete una experiencia "viva" y sin butacas, donde el público se convierte en un espía privilegiado de las verdades a medias que salen a la luz durante el reencuentro de tres hermanos en una casona familiar real. Leer más

El "Brooklyn madrileño" que late al ritmo del folclore y el teatro argentino

Con una impronta que conjuga creación escénica y pensamiento crítico, el nuevo faro cultural de Puerta del Ángel, fundado por la librera Andrea Stefanoni y el violinista Aaron Lee Cheon, abrió sus puertas con un emotivo homenaje a Atahualpa Yupanqui. Leer más

La imponente presentación de la camiseta de la Selección Argentina en el Teatro Colón

El evento transformó la fachada del emblemático edificio en una pantalla monumental.Se proyectó un material audiovisual que incluye a algunas de las principales figuras de la Scaloneta, incluido Lionel Messi."Esta camiseta representa nuestra historia, nuestra identidad y nuestros sueños. La anterior quedará en la memoria; esta es la que va por la cuarta", dijo Chiqui Tapia.

El querido Cine Teatro Roma reabre sus puertas

Con dos días a puras actividades, el regreso del emblemático espacio no solo pone fin a una larga espera, sino que renueva la promesa de un centro cultural de referencia.

"Las cosas que perdimos en el fuego": el universo de Mariana Enriquez llega al teatro en Madrid

El universo de horror de la autora argentina llega a los escenarios españoles con una puesta dirigida por el uruguayo Leonel Schmidt. La obra adapta seis cuentos del libro, entre ellos "Chico sucio" y el que da título al volumen. Parte del 43º Festival de Otoño, se presentará del 7 al 9 de noviembre en los Teatros del Canal.

La discoteca de Madrid Teatro Barceló será cerrada durante un año por exceso de aforo

El Ayuntamiento impone la sanción tras detectar hasta 1.500 personas en el local, superando las 990 permitidas

Premio Ñ a la Trayectoria para el dramaturgo Ricardo Halac, maestro del teatro argentino

Fue Director del Teatro Cervantes y Director del Centro Cultural Chagall, que funcionó en la AMIA hasta el atentado en 1994.Creó Teatro Abierto tras volver del exilio, fue además periodista, escritor y formó a varias generaciones de dramaturgos.A los 90 años, tiene más de 20 obras por las que ganó los premios Crítica, María Guerrero y Argentores.

La Laffont Competition de la Ópera de Nueva York debutó en el Teatro Colón y eligió cinco voces latinoamericanas

La competencia de la Ópera de Nueva York, que descubrió a artistas como Renée Fleming y Nadine Sierra, desembarcó por primera vez en la Argentina. En el Teatro Colón, cinco jóvenes voces latinoamericanas fueron seleccionadas para avanzar a la siguiente fase del certamen en Nueva York. Leer más

El Teatro Colón se suma a la Noche de los Museos: horarios y cómo ingresar gratis

El público podrá descubrir de los puntos más emblemáticos del edificio. Leer más

En fotos. Todos los invitados a la gala anual de Amigos del Teatro San Martín

Noche de los Museos en Córdoba: Plaza Cielo Tierra apuesta por la ciencia en vivo, arte inmersivo y teatro

Este viernes 7 de noviembre, de 20 a 1, Plaza Cielo Tierra abre sus puertas con una programación que mezcla divulgación del Conicet, una instalación interactiva y una puesta con danza y acrobacias. La edición 2025 de la Noche de los Museos en Córdoba convoca a más de 140 espacios en toda la provincia. Leer más

Pensar el teatro desde El Periférico

"Máquina teatro" permite acercarse a un grupo esencial para el desarrollo de la escena independiente en los '90. Este miércoles 5 habrá un recorrido guiado.

El Festival de Cocina y Teatro Judío regresa a Buenos Aires: artes escénicas, gastronomía y debate

La programación incluye la obra "Ingue", que se presentará el domingo 9 de noviembre en La Carpintería Teatro, con un menú diseñado por Cocina Shisvé.

Andreani celebró sus 80 años con un evento de exclusivo en el Teatro Colón

La empresa líder en logística en el país y con inserción en Brasil festejó con una orquesta sinfónica y artistas de primer nivel. Leer más

Autoconocimiento y propósito: Borja Vilaseca presenta su nueva conferencia en el Teatro del Libertador

El referente español en liderazgo consciente y desarrollo personal regresa a Córdoba. Con una trayectoria que inspira a millones, invita a reflexionar sobre el poder del Eneagrama como herramienta para la transformación interior. Leer más

Abascal sale a las puertas del Gran Teatro de Cáceres para saludar a los que no han podido entrar: "Es un buen síntoma"

Cierra otro restaurante con estrella Michelin en Barcelona apenas un año después de conseguir el galardón: adiós a Teatro Kitchen Bar

El restaurante cerrará definitivamente el 21 de diciembre y su lugar lo ocupará una propuesta del grupo Orobianco, bajo la batuta de Paolo Casagrande (Lasarte)

Volvimos a ser niños por una noche con el Teatro Negro de Praga

Pasaron casi 10 años desde su última visita, pero verlos en el Opera fue como si no hubiera pasado el tiempo. Adultos que redescubrieron la magia de esta original propuesta y chicos, muchos chicos, divertidos e ilusionados con los que vieron en el escenario. Leer más

Los secretos del Teatro Negro de Praga, de la estafa vivida en la Argentina a la última palabra dicha por su fundador

Black Light Theatre Srnec es una compañía pionera en el mundo. La primera que fundamentó en escena la técnica y la poética del denominado "teatro negro". Para todos, se trata del Teatro Negro de Praga, ese colectivo de artistas que se dio a conocer en 1961 en el Festival Internacional de Edimburgo, con JiÅ?í Srnec, su creador, a la cabeza. "En Latinoamérica es un espectáculo para toda la familia y, justamente, para nosotros, el mejor público es el que tiene una mezcla de edades, eso nos gusta mucho", explica a LA NACION JiÅ?í Srnec, hijo del fundador y actual director de la compañía que, por estos días, se encuentra realizado la antología Lo mejor del Teatro Negro de Praga en gira por diversas ciudades del país que incluye, el 1° de noviembre, una presentación especial en el teatro Ópera de Buenos Aires. View this post on Instagram A post shared by Black Light Theatre Srnec ~â?¢~ Teatro Negro de Praga (@black.light.theatre.srnec)"Hacemos todo con nuestras manos, a pesar de que hoy en día se puede hacer cualquier cosa con animación digital". Lo artesanal de la técnica es toda una aventura que se enfrenta a la era tecnologizada. El cuerpo de los actores con vestuario fluorescente, objetos pintados de ese mismo modo, en conjunción con un sistema de luces especial y la cámara negra como atmósfera necesaria de la escena es la técnica que permite la generación de la ilusión óptica tan característica de esta compañía que lleva acompañando a varias generaciones en buena parte del mundo. "En China es considerado 'teatro para niños', pero nosotros preferimos la mezcla", reafirma el director, que lleva el mismo nombre que su padre, quien habla un fluido español aprendido a fuera de las giras por los países de habla hispana.El fundador JiÅ?í Srnec logró con su técnica crear un género propio, un lenguaje no verbal que logra conmover desde un relato visual sumamente sugerente. A pesar de la estirpe a la que pertenece, el artista reconocerá que su pasión por el género fue germinando a partir de ejercerlo. Una revelación que sorprende tanto como la confesión de aquella experiencia poco feliz con productores argentinos que habrían estafado a su padre en alguna visita a nuestro país. Dar de nuevo-Vamos por partes. ¿Cuál fue tu primera vocación?-Estudié para ser actor dramático, para hacer teatro en el que me pudiera expresar con palabras, interpretar obras de William Shakespeare.Cada tanto, se disculpará por su forma de expresarse, "no sé si puedo ser claro en castellano". Sin embargo, sus palabras son bien claras y logran transmitir ideas y emoción."Me enamoré de una bailarina y eso fue muy bueno, porque podíamos compartir las giras del Teatro Negro de Praga". El primer tour de a dos fue por México, cuando ambos tenían poco menos que veinte años. El vínculo creció hasta el casamiento y, con los años, terminó. "Hoy es mi exesposa", agrega.Fue en ese tiempo, cuando JiÅ?í Srnec y quien era su mujer comenzaron a notar algunas irregularidades en los ingresos monetarios de la compañía. "Nuestro manager recibía más plata de los promotores de lo que nos decía que cobraba, mi papá estaba metido en lo artístico y no quería pensar sobre el dinero, decía que no era su parte". Así fue como JiÅ?í decidió tomar cartas en el asunto. "Como actor, siempre pensé que, si había un contrato, no podría haber problemas de este tipo, pero, en la práctica, no es así". En 2004 todo eclosionó cuando "hicimos una gira muy grande por Latinoamérica y el promotor no nos pagó, todo fue un desastre". Aquel empresario y sus socios eran argentinos. "Cuando comenzó el Teatro Negro, mi papá tenía buenos productores, pero, luego, siempre hubo gente que se quiso aprovechar de su trabajo y sacarle dinero". View this post on Instagram A post shared by Black Light Theatre Srnec ~â?¢~ Teatro Negro de Praga (@black.light.theatre.srnec)A pesar de los traspiés y sinsabores, además de recibir innumerables premios, el Teatro Negro de Praga realizó más de 300 giras en 68 países, entre los que se cuentan China, Rusia, Estados Unidos, Siria, Israel, Grecia, África, Alemania, Australia, Francia, Turquía, Tailandia, Gran Bretaña, Honduras, Guatemala, México, Mónaco, Corea del Sur, Noruega, Suecia, Argentina, entre otros. Por otra parte, la compañía mostró sus creaciones en 87 festivales internacionales.CaminosJiÅ?í Srnec nació en Praga, la capital de República Checa donde continúa residiendo. Su casa está ubicada en medio de una campiña, rodeado de naturaleza, un refugio creativo cada vez que regresa de los tours internacionales del Teatro Negro. -¿Te resultan pesadas las giras tan extensas que lleva adelante el grupo?-La mayor parte del año estoy en Praga, salvo cuando tocan giras largas como la que realizamos a Argentina. Con el Teatro Negro perdí y gané cosas. -¿Por ejemplo?-Perdí mi camino personal, definitivamente. El Teatro Negro de Praga era el "bebé" de mi papá, pero no es el mío. Yo puedo amar este trabajo, pero también siento que mi destino es un poquito diferente, aunque también reconozco que me ha dado mucha libertad. En general, el actor de teatro dramático, en el mundo, recibe poco dinero, salvo proyectos especiales, y debe buscar trabajo siempre. Yo no tengo que hacer eso.La seguridad y regularidad de los compromisos del Teatro Negro de Praga en buena parte del planeta hacen que el artista no tenga que preocuparse por su futuro. Aunque también entiende que esa situación de inusual comodidad, hace que no pueda comprometerse en rodajes cinematográficos o temporadas de teatro. Definitivamente, su agenda está organizada de acuerdo a los tiempos de la compañía que lidera. Tocar países con situaciones económicas tan diversas a las de su lugar de origen lo lleva a reflexionar y valorar sobre la realidad de su gente: "Viajar tanto te permite entender a la gente. Acá vivimos una super buena vida, pero muchos ciudadanos están molestos por todo". -El viajar te permite relativizar la propia realidad. -En República Checa hay gente que no vive bien, sin embargo, puedo salir a la madrugada a caminar por el bosque pegado a mi casa, con mi teléfono celular y billetera, y no estoy pensando que me puede pasar algo. Por supuesto, suceden cosas, pero son hechos excepcionales. -¿Existen varias compañías del Teatro Negro de Praga circulando por el mundo?-Ese es otro problema que generó mi papá, porque descuidó registrar la marca. Nuevamente, el artista menciona a los empresarios argentinos que han tramitado el nombre de la compañía como marca registrada. "Tuvimos problemas por no tener la marca registrada y algunos productores que nos contrataron tuvieron que cambiar el nombre de la compañía para no tener problemas". La situación, anómala e insólita, llevó a que se presentaran bajo diversos rótulos y juegos de palabras que permitían deducir que se trataba de esta compañía. Actualmente, al Teatro Negro de Praga oficial se le suman otras tres compañías que también realizan tours internacionales: "No tienen que ver con nosotros, pero están formadas por actores que han trabajado aquí. Amé a mi papá, pero no ha sabido organizar los papeles. Yo soy artista, pero también se administrar. Hoy, me la paso explicando por qué somos los originales". EpifaníaEn 1958, JiÅ?í Srnec creó la técnica del Teatro Negro de manera azarosa: "Fue una casualidad, mientras estaba en la escuela de títeres". -¿Cómo sucedió?-En una clase tenía que hacer un sketch con objetos. Como mi padre y sus compañeros estaban con camisetas negras y en el lugar no había buena iluminación, no se veía nada, entonces comenzaron a probar efectos. De esa experimentación nació el cuadro "La lavandera", el fundacional del Teatro Negro de Praga que actualmente forma parte del espectáculo que están ofreciendo en nuestro país. "Lo hacemos con la música original". En el show Antología se pueden varios sketches de la etapa primigenia de la compañía. "La técnica no ha cambiado tanto a lo largo del tiempo, sólo que ahora problemas cosas más difíciles de hacer". HerenciaEl fundador JiÅ?í Srnec nació en 1931 y falleció en 2021 dejando un enorme legado artístico. "Murió en la pandemia, pero no fue por Covid". Su hijo reconoce que, a pesar de su edad, lo que determinó el deterioro físico del notable artista fue "el perder contacto con el público y la gente joven". -¿Llevaba una vida activa?-Sí, hasta antes de la pandemia, trabajaba mucho y vivía conectado con los chicos. La pandemia comenzó en marzo y, en mayo, ya lo noté mal. View this post on Instagram A post shared by Black Light Theatre Srnec ~â?¢~ Teatro Negro de Praga (@black.light.theatre.srnec)JiÅ?í Srnec trabajó hasta los 90 años y, hasta los 88, corría por los bosques de Praga. "En sus últimos dos años ya no estaba su mente tan presente". Sin embargo, hubo una última charla final. "Le apodábamos 'lobito', así que le dije 'hicimos todo bien lobito' y él me respondió 'gracias'. Luego no habló más". -¿Cuál considerás que es la magia del Teatro Negro de Praga?-De niños jugamos con las cosas, un vaso puede ser la piscina para un lápiz. Hoy, los chicos cuentan con muchos estímulos y juguetes, pero, cuando mi padre era chico, los niños jugaban con piedras en el bosque o con los cubiertos de la cocina. Nosotros hacemos eso, le ponemos personalidad a los objetos y jugamos.Para agendarAntología, lo mejor del Teatro Negro de Praga. Sábado 1° de noviembre a las 21 en el Teatro Ópera (Av. Corrientes 860, CABA).

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Un recorrido por sus composiciones, su universo y su legado, con un impacto visual imponente y la calidad artística que solo el Teatro Colón puede garantizar.

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Obras de Felipe Pinglo pueden usarse libremente en cine, teatro y espectáculos recuerda Indecopi

El Indecopi explicó que, conforme a la Ley sobre el Derecho de Autor, los derechos patrimoniales de una obra se extienden hasta 70 años después del fallecimiento del autor

Llega al Teatro Colón Salomé, la obra maestra de Richard Strauss

Es propio de los relatos bíblicos que la figura última y su sentido sean una sola cosa, pero también que los sentidos parciales que conducen a esa figura sean divergentes y aun contradictorios. En la parábola del padre misericordioso, por ejemplo, lo que ocurre es bastante diferente según uno se sitúe en el lugar del padre, del hijo menor o del hijo mayor. No es cuestión de punto de vista, sino más bien del color que adopta el relato.La historia de la decapitación del Bautista no es una parábola, pero le rigen las generales de la misma ley. El color de las cosas narradas parece muy distinto -aunque sea en el fondo el mismo- según se imaginen las inflexiones interiores de Juan, del tetrarca Herodes o de la hija de Herodías.En su ópera estrenada en 1905, que vuelve el martes 28 de octubre al Teatro Colón, Richard Strauss opta, precisamente, por la interioridad de Salomé. Es un descenso al corazón de las tinieblas para iluminar que el acto de Salomé no fue ni gratuito ni obra del mero capricho: había en ella algo muy humano, y por eso mismo muy oscuro. Las fascinación por la princesa Salomé (que, dicho sea paso, no aparece mencionada con ese nombre ni en el Evangelio de Marcos ni en el de Mateo; le debemos la referencia al libro XVIII de Antigüedades judías, de Flavio Josefo) venía de bastante lejos, aunque a mediados del siglo XIX pareció acentuarse más que nunca antes. El punto de partida de Strauss fue una pieza de Oscar Wilde, escrita originalmente en francés, y que él conoció en Berlín, en el Kleines Theater de Max Reinhardt. Pero el punto de partida de Wilde había sido a su vez el cuadro La aparición, el colmo simbolista de Gustave Moreau. Se cierra entonces un círculo que recorre de la pintura a la literatura y de ahí a la música, de modo que la ópera de Strauss podría ser casi la puesta en movimiento de la pintura de Moreau.Lo que queda encerrado en ese círculo es la alianza de una poética que se agita por las fuerzas del decadentismo y el modernismo, menos contrarias que complementarias. Salomé es una ópera fulminante. Esto la hace parte de la misma familia que El castillo de Barbazul, de Béla Bartók, y de Erwartung, del propio Schönberg: todas se organizan en un acto único y están habitadas por una exacerbada microscopía psicológica. Claro que con una salvedad: Salomé llegó antes y llegó más lejos. Se diría que inaugura el efecto de shock del modernismo musical. Además, es tal vez el correlato operístico más perfecto que pueda imaginarse de Sexo y carácter, el libro escandaloso que el precoz y genial Otto Weininger publicó en 1903, poco antes de suicidarse. Obra maestra indomesticableLa nueva producción de Salomé que subirá a escena en el Colón tendrá dirección musical del francés Philippe Auguin; la régie correrá por cuenta de la española Bárbara Lluch, asistencia y coreografía de Mercè Grané. Serán en total seis funciones, en cuyos papeles principales se alternarán Ricarda Merbeth y Carla Filipcic Holm (Salomé), Norbert Ernst y José Ansaldi (Herodes), Nancy Fabiola Herrera y Adriana Mastrángelo (Herodías), Egils SiliÅ?Å¡ y Hernán Iturralde (Jochanaan), Fermín Prieto y Darío Leoncini (Narraboth), Daniela Prado y Ericka Cussy (Paje de Herodías).En mitad de uno de los ensayos, Lluch coincide en que Salomé es una ópera de la más estricta actualidad: "Salomé se podría haber escrito esta misma mañana pues su relevancia es punzante." Para la directora escénica, lo central de esta ópera y de su puesta es que el público "se abstraiga, se aflija, sientaâ?¦". Y es verdad que esta ópera se impone sin mediaciones, de un golpe. "Es la música más bella para una de las historias más tristes", define Lluch.Pero la belleza de la música de Strauss es en Salomé una belleza disolvente. En esta ópera la tonalidad y la polifonía se hostilizan mutuamente, y acaso por eso esta obra, más que ninguna otra (más incluso que la posterior Elektra) fue causa de admiración para Arnold Schönberg y su escuela. Es cierto que brilla también en este la inteligencia dramática de Strauss, que, como Debussy y como Puccini, se sirvió del exotismo oriental -un exotismo bien dosificado- para explotar el color orquestal y, a la vez, socavar el predominio cadencial. El trabajo motívico de Salomé es de acero, minucioso, e infalible en la caracterización de los personajes, que pertenecen a mundos distintos y son reunidos por la música para la desgracia. "Und das Geheimnis der Liebe ist/ gröÃ?er als das Geheimnis des Todes" (Y el misterio del amor/ es más grande que el misterio de la muerte) canta famosamente Salomé después de que le traen en bandeja la cabeza del Bautista. Los dos podrían haber estado de acuerdo con esa afirmación, salvo porque el malentendido fatal de "amor" y "muerte" designan para una y para otro cosas irreconciliables. En ese doblez se juega todo.Salomé, ópera de Richard Strauss, con libreto de Hedwig Lachmann basado en la obra teatral de Oscar Wilde. Dirección musical: Philippe Augin. Dirección escénica: Bárbara Lluch. Funciones: martes 28, miércoles 29, jueves 30, viernes 31 de octubre y martes 4 de noviembre, a las 20; domingo 2 de noviembre, a las 17. Sala: Teatro Colón (Libertad 621).

Quiénes acompañaron al CEO de JP Morgan en la Gala del Teatro Colón

El CEO de JP Morgan, Jamie Dimon, participó este jueves por la noche de un evento privado en el Teatro Colón. La velada convocó a una selecta lista de empresarios argentinos, personalidades políticas de relevancia mundial y funcionarios locales en el contexto de un foro organizado por el banco de inversión. La organización del encuentro intentó mantener un perfil de hermetismo, con una compleja logística de seguridad. Quiénes acompañaron al CEO de JP Morgan en la Gala del Teatro ColónLa comitiva internacional incluyó personalidades de alto perfil. Entre ellos se destacó la presencia de Tony Blair, ex primer ministro británico y actual jefe del consejo de JP Morgan. Blair es, además, una figura clave en el plan que Donald Trump presentó para la situación en Gaza. También asistió Condoleezza Rice, quien fue secretaria de Estado de los Estados Unidos durante la administración de George W. Bush y ahora es socia del banco.El expresidente Mauricio Macri fue una de las presencias políticas locales más relevantes. A su llegada, rompió brevemente el protocolo de silencio y, ante una consulta sobre sus expectativas para las elecciones del próximo domingo, respondió: "Lo mejor posible". Macri ya mantuvo un encuentro con Dimon en 2018, cuando lo recibió en la Casa Rosada como jefe de Estado.Por parte del gobierno actual, el vicepresidente del Banco Central (BCRA), Vladimir Werning, formó parte de la lista de invitados. La superposición del evento con los actos de cierre de campaña electoral limitó la asistencia de otros funcionarios.El poder económico argentino y las figuras de negocios globalesEl sector empresarial argentino tuvo una representación significativa en la gala. El presidente del Grupo Galicia, Eduardo Escasany, fue uno de los primeros en arribar. Le siguió Alejandro Bulgheroni, de Pan American Energy Group. El ámbito energético también contó con la presencia de Marcelo Mindlin, presidente de Pampa Energía.La lista de hombres de negocios locales se completó con Eduardo Elsztain, presidente de IRSA, y Federico Braun, dueño de La Anónima. A nivel internacional, destacó la asistencia de Amin Nasser, máximo ejecutivo de Saudi Aramco, una de las compañías petroleras más grandes del mundo.Un foro planificado en medio de la coyuntura argentinaFuentes vinculadas a la organización confirmaron que el encuentro ya estaba programado desde enero. Su realización coincide con el cierre de la campaña para las elecciones de medio término, un escenario de tensión cambiaria y recientes modificaciones en el gabinete nacional. El evento se diseñó para 180 invitados. Un movimiento inusual de 18 aviones privados en el aeropuerto de Ezeiza durante las horas previas anticipó la magnitud de la convocatoria. Fuentes del sector aeronáutico indicaron que un flujo similar de aeronáutica privada no se observó "ni siquiera en el G20â?³.Los participantes evitaron hacer declaraciones públicas sobre la situación económica o el plan del presidente Javier Milei. El anfitrión local de la noche fue el CEO de JP Morgan en Argentina, Facundo Gómez Minujín, quien fue el primero en llegar al Teatro Colón para recibir a los asistentes.Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA a partir de un artículo firmado por Ignacio Grimaldi.

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