rock

Karol G encabeza la lista de artistas invitados a Rock in Río Brasil 2024

La colombiana consigue un nuevo logro en su carrera artística al estar en primer lugar, junto a Katy Perry, en este importante evento musical

El documental que revela los conflictos del rodaje de Tango feroz: el no de un histórico del rock nacional y el boom que desplazó a Jurassic Park

Pasaron 30 años pero nunca es tarde para mencionarlo: Tango feroz fue, es y será la película más antibiográfica que tuvo el cine argentino en toda su historia. La opinión no es peyorativa en cuanto a su éxito, mérito artístico, trama o metas alcanzadas, sino al hecho de que se basa en un personaje marginal, casi desconocido hasta el estreno del film en 1993, y cuyo guion poco y nada tuvo que ver con su vida y obra. Una construcción imaginaria que rompió récords; le abrió las puertas de la fama a su protagonista, Fernán Mirás (que quedó afuera luego del primer casting y lo volvieron a llamar a último momento) y permitió que se empezara a tomar en serio a dos estrellas de la tele: Cecilia Dopazo y Leonardo Sbaraglia. Pero de Tanguito, ni noticias. Ni siquiera pudo escucharse en la película dirigida por Marcelo Piñeyro, el aporte más destacado del músico al rock nacional: el tema "La balsa".Esta semana se presenta en el Bafici el documental Leyenda feroz, dirigido por Denise Urfeig y Mariano Frigerio (responsables también de Carroceros, sobre el fenómeno social que significó Esperando la carroza), trabajo en clave de homenaje que también echa luz sobre un conflicto que atravesó la producción del film y dividió al rock nacional de la época.Cuando Piñeyro comenzó a soñar que su debut como realizador sería en torno a la historia de José Alberto "Tanguito" Iglesias, tuvo claro que en la pintura de época no podía faltar un puñado de artistas y temas fundacionales del rock argentino. Sin embargo, lo que encontró fue un rotundo "no".Javier Martínez -integrante del grupo Manal- fue uno de los que denegó su autorización vía Sadaic a incluir sus temas en el film. Otros fueron Pipo Lernoud y Mauricio Birabent- explica en el documental: "Me dieron el argumento de la película, lo leí y vi que ahí no había ninguna verdad, ninguna seriedad biográfica ni respeto por el personaje. Era un argumento de pura ficción, que por otro lado no me gustaba para nada. Ficcionaban un personaje estúpido, sin contexto real. Esa gente no sabe lo que es el rock, porque proviene de una ideología que lo odia y lo despreció. Esa cabeza tienen".Lernoud va aún más allá y hasta habla de revanchismo: "Creo que cuando negamos las canciones, los productores de la película dijeron: 'Vamos a hacer una historia donde este grupito que nos está negando las canciones sean todos unos hijos de put... que lo traicionan, y que él sea el bueno, el perseguido, el abandonadoâ?¦ Un mito tremendo".Director, guionista y productores salieron del problema imaginando una historia de amor, rebeldía y militancia. Una pintura de época que encajaba más en el imaginario del adolescente común, que en la de quien le daba nombre a la película. Sin embargo, todavía faltaba la peor de las noticias. Tanguito era "La balsa" (por entonces incluso trascendió que ese sería el título del film), y el problema fue que Litto Nebbia, su coautor, tampoco quiso saber nada con ceder los derechos de la canción. Pero no por hacer causa común con sus colegas; al contrario: a alguno de ellos tampoco los podía ver. Un escándalo de dolor, reproches y rencor que sigue hasta hoy.Pero el autor es más fuerteLitto Nebbia no quiso participar del documental Leyenda feroz. Y no es para menos: todo lo relacionado a la película, a Tanguito y a "La balsa" le provocaron una herida que cada tanto supura. Así se sinceraba con LA NACIÓN en 2001: "Te guste o no, es el primer tema del rock en español famoso en el mundo. La siguen tocando y grabando porque tiene el don de gustar, y el mito se alimenta porque uno de los autores fallece trágicamente y porque la necrológica del rock especula con todo esto gracias a una película lamentable, que tiene un planteo totalmente falso. La película comercialmente funcionó bien, impresionó a los pibes de 15 años que no conocían la verdadera historia, pero estaba llena de inexactitudes. Se quiso hacer una pintura romántica y demostrar que todo el que hizo algo digno está muerto. El negocio fue tan grande que opacó todo y decidí no volver a cantar 'La balsa' nunca más. Durante todo este tiempo mantuve esa actitud con bronca, con dolor, con pena, de puro resentido, reaccionando con todo derecho ante lo que discutían acerca de si la canción la hice yo o solo escribí la mitad".Nebbia se refiere a una polémica que se alimentó luego de la muerte de Tanguito, sobre su participación en la creación del tema. Se dijo en su momento que el compositor había "robado" la canción, algo de lo que no le gustaba hablar, pero desmentía vehementemente en una entrevista de 1993: "Esa calumnia fue inventada por un productor de esa época, Jorge Álvarez, y Javier Martínez, el baterista de Manal. Álvarez decidió grabar un disco sin decirle nada a Tanguito. La prueba está en que la placa salió dos años después de su muerte. Martínez estaba en el estudio y le servía de pivote para decirle qué tema tenía que tocar. Cuando le dice 'Tocá La balsa', que es tuya, que la escribiste vos, y tantas otras cosas peyorativas hacia mi persona, Álvarez le pide al técnico de grabación que copie tres veces el final de la frase de Martínez".En el documental, Martínez recuerda el hecho y se defiende: "Litto quiso entender que yo decía que era solamente de Tanguito. Mentira, yo sabía perfectamente que era de los dos; además, la escribieron delante de mí".La molestia heredada repercutió en la mirada de Tango feroz sobre el tema y la época. De acuerdo con registros de entonces, en la versión original del guion aparecían tanto Nebbia como Los Gatos, y el músico llegó a tomar conocimiento de eso gracias a la gentileza de los productores, que le acercaron la historia para que cediera los derechos del tema y diera el visto bueno. Pero lo que Litto vio no le gustó y alcanzó para reafirmar su condición de mantenerse al margen. "Intentaron convencerme enviándome a la madre de Tanguito -le contaba el artista al diario Clarín, en una nota que se menciona ahora en el documental-, una mujer de más de 70 años. El argumento fue que si yo no accedía no iban a pagarle a ella un dinero que habían establecido para usar la biografía de su hijo. Tampoco acepté. Después me ofrecieron que yo mismo cambiara lo que quisiera del libro, pero no quise porque no soy quien para censurar a nadie. Solo les pedí que no distorsionaran mi historia".Mientras "La balsa" flotaba a la deriva, un tema compuesto especialmente para el film, "El amor es más fuerte", se llevó todos los aplausos, rompió todas las expectativas de venta de una banda sonora, y se transformó en la piedra angular de un suceso que se perpetuó durante más de tres décadas.La leyenda continúaPara algunos una obra maestra hecha a puro corazón, para otros una fantasía fríamente calculada para seducir adolescentes, las aguas en torno a Tango feroz, la leyenda de Tanguito, se dividieron para un lado u otro. Sin embargo, detrás de la intransigencia del gusto subsisten números incuestionables. La película arañó los dos millones de espectadores, cuando los productores habían calculado que con 280.000 entradas vendidas salían hechos. Un récord absoluto para la época, especialmente si se tiene en cuenta que Tanguito le compitió mano a mano en taquilla a Jurassic Park, de Steven Spielberg, y le torció el brazo.En un círculo virtuoso, la banda de sonido colaboró al éxito: se agotó en menos de una semana y, en un abrir y cerrar de ojos, se convirtió en Disco de Oro. Nada mal para un proyecto que había tardado cinco años en cristalizarse, sobreviviendo a una hiperinflación y perdiendo en el camino a un joven Benicio del Toro que llegó a audicionar para el protagónico (lo mismo pasó con los argentinos Jorge Diez y Sofía Viruboff, que habían sido preseleccionados como protagonistas en una instancia previa a la llegada del binomio Mirás-Dopazo).Desde entonces, Tango feroz, su banda de sonido, sus protagonistas y su director comenzaron a ser referencia recurrente e ineludible del cine argentino de los 90. Y aunque con la llegada de un nuevo milenio -y un recambio de realizadores, estéticas y temáticas en el cine nacional- todo hacía indicar que el film se había convertido en un lindo recuerdo, signo de una época y de una generación, con el reestreno remasterizado en 2023 un nostálgico entusiasmo reavivó la llama y las imágenes del pasado. Nuevamente el Cine Gaumont con una fila que daba vuelta la esquina, encolumnó a aquellos jóvenes rebeldes de los 90, hoy llevando de la mano a sus hijos. Quizás para que puedan sentir algo de lo que ellos vivieron, con los mismos ojos de la inocencia que alguna vez tuvieron ellos."Esta película habla de nuestra producción cultural como sociedad, tomando la historia del rock y sus orígenes. También habla de las fuerzas del establishment, la más brutal, la más visible, la policial, pero también las empresarias, y otras que siempre están de alguna manera intentando limitarnos. Pero también creo que, como sociedad, les vamos poniendo un límite", dijo entonces Marcelo Piñeyro ante una audiencia emocionada. El estreno de Leyenda feroz en el marco del Bafici no hace más que revalidar los méritos de una película que tuvo todo en contra, y sin embargo, se erigió como exponente de una época y de un estilo de hacer cine.Cuándo verlaEste lunes, a las 19.15, en Cinepolis Plaza Houssay, Sala 4 y este viernes, a las 21.45, en Cine Gaumont, Sala María Luisa Bemberg. Venta de entradas online

El Hard Rock argentino: la historia del restaurante que arrancó en Córdoba, triunfa en Rosario y es furor en Buenos Aires

El restaurante y bar temático decorado con la historia del rock internacional suma sucursales y revela su biografía. Lleva más de 25 años en Rosario, se instaló hace un tiempo en Pilar, abrió recientemente sus puertas en Unicenter y proyecta otra sede en el moderno Paseo Gigena de Palermo, entrando así en la ciudad de Buenos Aires. Rock&Feller's nace en Córdoba en el año 1996, con un nombre que hace referencia a un género musical que abarca varias generaciones, y con una segunda palabra que, en una especie de lunfardo de Estados Unidos, hace referencia a los amigos. Guillermo Fernández Christe, uno de sus socios fundadores, conversó con LA NACION y contó cómo fue el paso a paso de este emprendimiento que es como el Hard Rock made in Argentina."Tengo US$60.000". Un especialista revela cuál es la mejor inversión: comprar un departamento o una HiluxOriundo de La Falda, Córdoba, Guillermo se encontraba cursando la carrera de arquitectura en la capital de la provincia, cuando decidió hacer un emprendimiento paralelo a los estudios: optó por abrir un bar junto a varios amigos. Con la mirada observadora propia de los que se dedican a su profesión, fue detectando elementos y detalles que cambiaban completamente la experiencia del consumidor en un local gastronómico: "Noté cómo logrando una buena iluminación se generaba una sensación de placer en las personas; detecté que el sonido también juega un papel clave en la experiencia del cliente".Fernández Christe fue combinando poco a poco la comida con la arquitectura y con el tiempo se fue especializando en las operaciones gastronómicas. Llegó un momento en que contaba con emprendimientos paralelos de bares y restaurantes, pero con ritmos en los que advertía que se perdía tiempo: "El horario fuerte de un bar no coincidía con el del restaurante. Eso te obligaba a disponer de una infraestructura que no se optimizaba, que tenía mucho tiempo ocioso; entonces, empecé a pensar en la idea de juntar los dos emprendimientos".El empresario se percató de que en otros países ya se daba esta particularidad: en el mismo lugar la gente tomaba un trago, almorzaba o cenaba. Tenía especial afición por los pubs ingleses, donde se manejaban con este modelo y "eso no ocurría en Córdoba por los años 90, por lo que pensé en desarrollar algo que unifique ambos conceptos: el de bar y restaurante". En el afán por lograr esto, puso como condición la particularidad de que pudiera tener crecimiento; observaba que los pubs eran más artesanales en su atención y en la cocina, y él buscaba algo que sea más estandarizado en sus operaciones, que le permitiera replicarlas y crear una franquicia con ese emprendimiento."Se enamoran del lugar". La historia detrás del barrio argentino que eligen los estadounidenses para invertir y vivirEl producto que resultó de esta investigación y fruto de una exhaustiva consultoría con expertos de Harvard, fue el desarrollo de un bar y restaurante con seis tramos horarios (desayuno, almuerzo, merienda, after office, cena y after hour (posterior a la cena), todo girando en torno a la temática musical. El Hard Rock argentino estaba tocando sus primeros acordes.Un viaje por la historia del rock en distintos puntos del paísEs así como en 1996 abrió el primer Rock&Feller's en Córdoba y dos años después desembarcó en Rosario, donde hoy cuenta con tres locales. Uno de ellos ubicado en la esquina de Boulevard Oroño y Jujuy, otro en el Alto Rosario Shopping y un último en el histórico Hotel Savoy.En Buenos Aires la marca desembarcó en 2017 en Pilar, y abrió el mes pasado una sucursal en Unicenter. Además, cuenta con un proyecto en otra zona pujante de la Ciudad: en la esquina de Avenida del Libertador y Dorrego, frente al Hipódromo y al Campo de Polo, se encuentra en su fase final la obra del Paseo Gigena. Este complejo de usos mixtos albergará oficinas y una variada propuesta de ofertas comerciales, entre las que se encuentra una nueva sucursal de Rock&Feller's.En cada uno de ellos, se cuenta la historia del rock, desde sus comienzos hasta la actualidad. A través de imágenes, vestuarios, accesorios e instrumentos están representados los diferentes ídolos de este género musical con bandas y estrellas nacionales e internacionales "En los inicios le solicitábamos a las estrellas del rock nacionales o que visitaban la Argentina que firmaran instrumentos o accesorios vinculados a ellos", detalla Fernández Christe. Es así como cuentan con guitarras con el autógrafo de Luis Alberto Spinetta o Charly García, entre otros.Además, varios de los elementos de decoración que se lucen en los locales son réplicas exactas de vestuarios o accesorios icónicos de famosos. Entre ellos, una conocida máscara de Madonna que utiliza en un videoclip, que fue hecha por la misma diseñadora que se la produjo a la reina del pop. Hay imitaciones de un traje de la guardia inglesa que utilizó Mick Jagger en un recital, zapatos de Elton John e trajes de Elvis Presley, hechos por vestuaristas famosos, que se dedican a replicar estas vestimentas.Al explicar el motivo por el cual eligieron el rock como género musical para decorar los espacios, señala que, en la génesis del proyecto, buscaban apuntar a un target amplio. "Para que sucediera eso, la música nos ayudaba. El rock internacional abarca muchas edades: chicos de 20 y adultos de 70 escuchan a los Rollings", señala el emprendedor y agrega: "Además nos permitía una decoración llamativa, ya que son inagotables las posibilidades. Fuimos generando un verdadero museo de rock".Para inquilinos y propietarios. Los métodos fáciles para calcular el aumento del alquiler en abrilLos locales de la marca fundada por Fernández Christe llegaron a ser cuatro en Córdoba, que luego se convirtieron en franquicia, pero después de que el funcionamiento no convenciera a los fundadores, dejaron de formar parte de la marca. Hubo también un intento de desembarco en Estados Unidos (en 2003) y en Bolivia (2001), pero se vendieron a terceros, ya que resultó difícil gestionarlos a la distancia.Un modelo de producción innovadorEl restaurante cuenta con un modelo particular de atención, abastecimiento y producción, en el que combina puestos de trabajo, estaciones de preproducción y un servicio a la mesa peculiarmente personalizado. "Manejamos alrededor de 2000 comensales diarios, por lo que la atención no se podía hacer con un sistema tradicional", señala Fernández Christe.En un restaurante, la clásica forma de trabajar es solicitando un plato, que es luego cocinado por el chef. En el caso de estos locales, se trabaja con diversos puestos operativos, cada uno se ocupa de una parte distinta del producto. De esta forma, los platos terminan siendo elaborados por seis o siete personas diferentes. En su proceso de trabajo, incluyen la preproducción: una vez que ingresa la mercadería, se preproduce lo más que se puede, se fracciona y se almacena, hasta que el cliente pide el producto. Una vez allí, se activa lo que falta para terminar el plato y se sirve al cliente.Los mozos en esta cadena son camareros que cumplen el rol de anfitriones: reciben y atienden en todo momento al cliente. Por otro lado, están los runners que se encargan de buscar la comida de la cocina y de retirar la vajilla sucia. Un sistema que permite garantizar una atención constante y una experiencia del consumidor agradable, tan buscada por su fundador.

Cenizas y diamantes: cuando el rock tiene mucho por decir

Es una noche templada de fines de los 80. No hace ni demasiado frío ni calor. Alcanza con llevar una campera liviana sobre la remera o la camisa, y salir. O entrar: a un rincón de esa época, donde muchos van a buscar algo en particular. El lugar queda sobre la avenida Corrientes. Nomás cruzar la puerta y entrar a un pasillo largo y húmedo con paredes descascaradas y, al final, un escenario. Está por empezar un concierto. Algunos jóvenes caminan por ahí. Se los ve en remera y campera de jean; a otros con camisa abotonada hasta el cuello, cortes de pelo y looks a lo New Romantic. Toda una postal de época, la mixtura de las ondas y las tribus desplegadas en un espacio icónico: Medio Mundo Varieté. En esta noche de 1989, toca Don Cornelio y la Zona.Con esta escena de uno de sus recitales abre Cenizas y diamantes, el documental de Ricky Piterbarg sobre la banda que se exhibe en el Bafici (el jueves y sábado próximos en el Centro Cultural San Martín, a las 21.15 y 18.50 respectivamente). El cineasta es también actor y músico. Sus películas anteriores, Venimos de muy lejos e Ikigai. Es el coordinador del ciclo El cine argentino va a la escuela, de la DAC (Directores Argentinos Asociados). La decisión de empezar la película desde ese concierto, puntualmente lo de Medio Mundo Varieté, resuena con el espíritu de esa época: la matriz es el under. Teatros y conciertos en sótanos. Galpones. Sobre esto, el director resalta: "Don Cornelio fue dos años. No atravesó épocas diferentes: ni los primeros 80, con la salida de la democracia, ni los 90. Un tiempo de mucho lugar para los jóvenes, para que con libertad nos pudiéramos expresar. El Parakultural fue nuestra escuela. La cultura la construíamos en esos espacios, a los gritos. Poniendo mucho el cuerpo. Jugándosela por algo. Estábamos a pleno con el disfrute de nuestras libertades, del destape, de conocer".Los documentales sobre las bandas nacionales siempre se celebran. Y Don Cornelio era rock (el de horas y horas de juntarse a ensayar), poesía, mirada sobre el mundo. Generaron dos discos. Don Cornelio y la Zona, de 1987, que contiene los súper conocidos "Ella vendrá" y "Taza de té chino". Un año después, Patria o muerte, que no recibió en su momento, quizá, la mejor comprensión musical y hoy se lo considera un discazo. Con Palo Pandolfo al frente en voz y guitarra, eran seis.De juntarse nuevamente, siquiera para un recital o para un momento de Cenizas y diamantes, como de hecho sucedió, la muerte de Palo Pandolfo en 2021, resignifica los planos donde aparece. Desde los días en que sí estaban los seis, en la banda eran: el también guitarrista Alejandro Varela, Federico Ghazarossian (bajo), que luego de que se disolviera Don Cornelio, formaría Los Visitantes con Palo. A cargo de los vientos, dos: el saxofonista Fernando Colombo y la trompeta de Sergio Iskowitz. Los teclados, de Daniel Gorostegui Delhom. Era Claudio Fernández el de cada golpe a la batería, el mismo que se autoproclama fan de Don Cornelio ("De no haber estado arriba del escenario, hubiera estado abajo") y quien guardó y clasificó todo el archivo que constituye el eje de este documental.Sobre la riqueza de este material, Fernández dice: "Teníamos la posibilidad de ensayar en una casa. Teníamos espacio para una convivencia. Era en sí un hecho artístico. Hacíamos ensayos donde preparábamos la cena o merendábamos. Se hablaba. Se pintaba. Mucho incentivo de Palo, que traía pinturas, crayones. Era un vernisagge de gente con cierto arte". Para esa segunda mitad de los 80, tener una cámara para grabar era un plus. Sobre cómo la usaban, Fernández da más pistas: "Contábamos con una cámara de VHS durante bastante tiempo, que usábamos mucho. Grabábamos en los ensayos. Era increíble filmar. Parábamos a tomar un café y filmábamos. Todo se resume a un hecho artístico visto en el tiempo. En ese momento, no estábamos conscientes de eso".Mirándolo desde el hoy, cada ensayo era una exploración artística. Sobre esa extensión de los límites del arte, la pintora Alejandra Fenochio, que si bien conoció a Palo Pandolfo ya en la etapa de Los Visitantes, dice sobre el sentido de experimentación de aquellos años: "Eran épocas de mucho Parakultural, donde la experimentación era llevada al palo (ríe). Se borraban los límites entre arte, vida. Escenario, vestuario y platea eran lo mismo".Otra banda de amigosHay algo en la raíz de Cenizas y diamantes que también habla de amistad y arte. El director es Ricky Piterbarg, pero el proyecto era de su amigo y colega Roly Rauwolf, que empezó con la idea del documental hace más de 10 años, cuando tomaba registro de los Cornelio y tenía mucho material. Rauwolf falleció en 2020. Entonces, el grupo de amigos de editores y directores decidió hacer nacer este proyecto. "La idea es de Roly -afirma Piterbarg-, un amigo mío muy entrañable, el montajista de mis dos largometrajes previos. En su momento, me sumé cuando él me dijo que quería insistir con este proyecto, que había arrancado con una productora que lo dejó de lado y él quería retomarlo".Los dos amigos armaron todo. Presentaron la carpeta en 2018, pero apenas dos años después, "Roly murió". Como parte del equipo de amigos que trabajan juntos, Norberto Ludin, también director de cine, montajista de este film, dice: "En los últimos años de Roly compartimos muchos trabajos. Él fue editor de varios de mis trabajos, sobre todo los últimos años, y yo fui parte del equipo en los suyos. El doc de Don Cornelio formaba parte de esa dinámica. Para Roly, como para muchos de nosotros, la amistad y el trabajo estaban -y están- muy ligados: nos gusta trabajar con amigos".Nada en Cenizas y diamantes apunta a ser lineal. No hay voz en off ni subtítulos. La narración se teje sobre el material de archivo. A través de los fragmentos de los recitales o los ensayos, se vuelve a ese presente que parece tan vívido en las canciones, las ropas, la química de la banda. Una manera de espiar cómo fue esa intimidad creativa. Qué hacían. Cómo. Desde el presente, se filtra la valía de esa distancia. Por caso, en un momento de la película, la banda viaja en auto por la ciudad, y eso hace que la ciudad sea otra, como son otros los autos, el cielo más abierto. Hay huellas de época. Sobre esto, Piterbarg destaca: "Yo quise que la película transpirara esa época. Descarté entrevistas y cosas que llevaran a otro color u otra manera de hablar que no sea la del archivo. Y eso era sudando los sótanos de los 80. Y por eso todo está enmarcado en esa textura. Autos, ropa, la ciudad".Esa apuesta no termina ahí: lejos de reunir a los Cornelio en una mesa de bar, se estableció una especie de continuidad con aquellos sótanos, lugares del under. Se los convocó en un galpón y se los filmó. "Ese encuentro intentó ser lo más ochentoso posible -destaca el director-. Nos juntamos todos tipos de esa época. No por una cuestión romántica de los 80, sino porque lo que sucedía en esos años y todos los que nos juntábamos en estas reuniones seguimos con las mismas ganas que entonces: diciendo poesía, comiendo en la calle porque tenemos ganas de juntarnos. Eso fue en aquellos tiempos y hoy con los mismos personajes de 60, 79 años, el espíritu sigue siendo el mismo".Una manera de contarDar con la forma. Encontrarla. El director de la película dice que no sabían cómo iba a empezar con el montaje. "Lo empezamos una vez grabado todo. Es un ejercicio, ¿no? Lo de montar un documental. En ese sentido, vuelvo al teatro, en el ejercicio del sentido de la búsqueda: poner materiales sobre la mesa a ver qué sale". Reconoce, en cambio, haber tenido la idea del comienzo. "Esas caminatas por el pasillo de Medio Mundo Varieté. A partir de esa semilla, empezó a fluir el montaje".Para Norberto Ludin, a partir del material de VHS de la banda surgió la idea de un collage que pudiera "reflejar el espíritu de ese grupo de amigos". Sobre el tratamiento de la forma y el sentido, dice: "Intentamos reflejar en el montaje el sentimiento que tuvimos cuando vimos esas imágenes que, además de contar ensayos y shows, trasmiten la alegría, el sentimiento de amistad, el trabajo creativo y, por supuesto, la producción de música". Algo así como evitar "caer en la tentación" de contar la historia de la banda. Y agrega: "El material nos llevaba a otro lado, la poesía y la historia de la banda, también".En ese ver el pasado y convocar el presente de esos músicos, su director se detiene en algo bien puntual. "La película tiene un momento -destaca Piterbarg-, pasando un poco la mitad, que pareciera que empieza otra. Cuando aparece Omar Viola con una caja. Uno entra en otro mundo. Pero después, es el mismo mundo. Llega un momento de la película que viste todo, cómo viene siendo: los ves de jóvenes, tocando. Y se produce un quiebre, aparece algo más disruptivo que lleva a un momento más poético. Todos esos cambios anímicos que propone la película son en los que confiamos".BAFICI:Viernes 19 19:15 Cinópolis Houssay 1Jueves 25 21:15 CC San Martín 2Sábado 27 18:50 CC San Martín 2

El nacimiento de Radio Doble Nueve: La única emisora limeña dedicada al rock and roll

Desde su aparición, esta radio ha marcado el ritmo del rock en Lima con una programación que ha evolucionado, manteniendo viva la pasión por este género musical.

El rock nacional invade la Cineteca Nacional: así puedes asistir de manera gratuita al ciclo de cine "Águila o Rock"

Conducido por Rita Guerrero, exvocalista de Santa Sabina, el programa se sumergió en el mundo del rock a través de entrevistas profundas y presentaciones en vivo de las bandas

"Fuck you!": últimos días de SUMO, el machismo en el rock y la lucidez de Prodan

Se estrena la película de José Luis García sobre el registro lúcido y conmovedor del recital de Luca Prodan de fines de 1987, poco antes de morir, donde presenta el tercer disco de Sumo con un recital al revés, donde su potencia punk toma una dimensión queer para enfrentar la homofobia típica del público del rock de los 80.

Beerfest 2024: en dónde será, qué habrá y todo lo que necesitas saber sobre el evento de rock y cerveza

El evento contará con la participación de bandas reconocidas de rock en México

Santiago Kovadloff, de entrecasa: el rock, las batucadas del Santos de Brasil y la trágica historia de su abuelo, que desertó del ejército del zar

Cuando Santiago Kovadloff termina de escribir una página, a mano o en una máquina de escribir, mira, con gesto conforme, el retrato de Shakespeare que tiene en el estudio de su casa. William disiente con un movimiento de cabeza y le dice: "Seguí intentando, tenés mucho que aprender". Por supuesto que ese Shakespeare no habla ni menea la cabeza. Kovadloff relata ese paso de comedia casi como una broma, para traslucir su espíritu perfeccionista, su estilo sibarita de ver la cultura y sus ansias de conocer más."Estuve releyendo Macbeth para una charla que tengo que dar -dice el ensayista, poeta, traductor y conferencista-. Es maravillosa la vitalidad del lenguaje poético de Shakespeare. Invencible. Es una conjunción de lucidez y ternura. Esa conjunción es única. Tiene un sentimiento tan hondo de la emoción de vivir y del enigma, de la crueldad del tiempo que le tocó, como metáfora de todos los tiempos. La ambición de poder como anhelo de barrer con todo lo que lo impida. El retrato de la ambición, que es típica de la tragedia. No puedo dejar de leer a Shakespeare desde los 15 años".De los 15 a los 81 que ahora tiene pasaron muchos libros por las manos de Santiago. Su biblioteca personal (la de libros propios y, sobre todo, los ajenos) tiene filosofía, poesía, ensayo, y un ecumenismo que atraviesa las tres principales religiones monoteístas. Hay huellas de un judaísmo ancestral; hay rastros de visitas al monasterio trapense de Los Toldos.Hay fotografías de sus "ídolos" (de Sarmiento y Borges a una intelectualidad "artística" europea de principios del siglo XX). Allí también aparecen libros incunables que tienen más de 300 años y que Kovadloff visita como un aventurero que hace viajes en el tiempo. Hay, en los libros propios, guiños a su historia familiar, donde no faltan recuerdos entrañables y sentires dolorosos. La vida, que terminó en suicidio, de un abuelo desertor del ejército zarista. Sucesivas mudanzas de Santiago, por el trabajo de su padre. Historias de a caballo, en Laboulaye; costumbrismo porteño de una Villa Urquiza de los años 40. Una larga estada en San Pablo, Brasil, como antesala al portugués de Fernando Pessoa. En medio de todo aquello, la música. La historia de un baterista frustrado y el presente de un narrador que hace de sus lecturas un instrumento musical más, dentro de un grupo. Las "schubertiadas" de los 80, los espectáculos de música y poesía que hizo con César Lerner y Marcelo Moguilevsky y los discos que grabó con Lucas Sedler forman parte de ese inventario. También el proyecto que actualmente lleva adelante con la pianista Ana Victoria Chaves y el violinista Federico Moujan. Conformados como el Trio Orfeo, hace unos años presentaron el cosmopolita repertorio del espectáculo La travesía, con música clásica y textos de autores argentinos; ahora traen entre manos Encuentro, uno que sigue en la línea de la música clásica y hace foco en la poesía judía. Este lunes, a las 19, lo presentarán en el Templo Libertad, de Libertad 785.Siempre la literaturaAntes de que Shakespeare comenzara a hacer alguna mueca y de un café con la potencia de un ristretto que Santiago sirve y pone sobre su escritorio, la charla había pasado por Quevedo. Francisco, el del Siglo de Oro de la literatura ibérica, no el trapero español al que, mayormente, los centennials acudirán por default con la simple mención de su apellido."Y me lo demostrarán -intercepta Santiago la jugada del cronista y se ríe-. Creo que una de las características de esta época es que, por un lado, se rompió esa continuidad entre pasado y presente de una tradición que se proyecta sobre el presente, viva y requerida. Nosotros nos educamos en un colegio, me refiero a mi generación, donde la lectura de los clásicos era natural. Creo que esa continuidad entre pasado y presente se ha roto. Que la demanda del pasado como fuente de experiencia está muy atenuada. La presunción de que el conocimiento está monopolizado por el saber actual hace que, por un lado, lo heredado tenga más bien un valor arqueológico y no vital. Por otro lado, ahora yo también pienso que nunca como hoy dispusimos de tanto conocimiento del pasado como el que brindan las redes, como el que te da la cultura digital. Ahora el tema es qué subjetividad es la que se haría cargo de explorar ese patrimonio disponible, como nunca lo estuvo antes. Tal vez tenemos más posibilidades objetivas que recursos subjetivos para sentir vivo el pasado. Todas las generaciones -esto lo enseñaba Ortega- tienden a creer que lo que les toca enfrentar y los desafíos que tienen son los que realmente propone la vida y que el pasado tiene poco para aleccionar".-Tal vez eso viene ocurriendo desde la aparición de la cultura rock, hace unos 75 años, y hoy, que el rock es cosa de gente más grande, haya alguna variación en el paradigma.-Te diría que el rock sigue nutriendo musicalmente a los jóvenes, aunque ya no tenga la configuración que le dieron los Rolling Stones. Pero sigue estando vivo. Lo que ocurre es que hay otras modalidades y al mismo tiempo una necesidad muy profunda en ambas partes. Los mayores necesitamos relativizar el valor de lo juvenil como fuente suficiente de conocimiento y experiencia; los jóvenes se dirigen a los mayores con cierta consideración que desconoce la idoneidad que pueda tener el saber de esa gente mayor, quizá porque el dominio de la tecnología ha convertido en maestros a los que durante tantos siglos fueron alumnos.-A medida que explicabas esto, pensaba en ese final de "El Aleph" que relatabas en uno de tus espectáculos, hace ya un par de décadas. Esa puerta que, con espíritu enciclopédico, Borges abría hacia Google, medio siglo antes de la creación de la marca Google LLC. En el Aleph de tu biblioteca hay una fuerte subjetividad.-"El Aleph" como cuento nos muestra un mundo que lo abarca todo, pero el impacto que ese mundo tiene en quien está observando tal vez esté la subjetividad contemporánea. Si nos atenemos a los más jóvenes, están sufriendo transformaciones tan profundas con respecto al sentimiento del tiempo. La apología de lo instantáneo. El apego a lo efímero. El trabajo de un escritor es lento, al menos en mi caso. Yo compongo muy despacio. No porque quiera sino porque no termino de entender de inmediato que me quiere decir lo que escribo, tanto en poesía como en ensayo. Cuando traduje a Fernando Pessoa, por ejemplo, en El libro del desasosiego, lo hice a mano. Me sentía más seguro de lo que iba haciendo al traducir a un genio, palabra a palabra. De hecho, aún guardo los cuadernos. Son mil páginas manuscritas. Trabajé un año y meses, todos los días, regularmente. Después, grababa en voz alta lo que había escrito para ver si la música no estaba lejos del original. Me gusta trabajar despacio. Incluso con mis compañeros de música. Yo no canto, pero canto al leer.-¿Cómo es este nuevo espectáculo?-Musicalmente sigue siendo muy abierto, si bien la presencia de composiciones judías es importante, protagónica. El repertorio literario está integrado por obras de poetas y pensadores judíos provenientes de Israel y de todo el mundo judío. Incluyo algunos poemas míos también. Lo maravilloso para mí fue la lectura que, de mis poemas propuestos, hicieron mis compañeros para traducirlos musicalmente.-Encontraste tu lugar en la música sin ser músico.-Sin petulancia. Estudié guitarra y batería. Primero guitarra, pero no tuve una buena profesora. No me entusiasmó, solo me exigía.-¿Cómo llegaste a la batería?-Siempre me gustó muchísimo. Haber vivido en el Brasil me enseñó lo que es una batucada. Yo iba a la cancha y la hinchada del Santos no acompañaba al equipo gritando. Era una muchedumbre haciendo batucadas con cajitas de fósforos. Siempre me encantó el ritmo. En una época estudié con Nino Martínez, maestro de Pocho Lapouble. Piedad era lo que me tenía Nino. Porque él sabía que me encantaba, pero no tenía libertad para tocar la batería. El mío era un amor desubicado. Cuando estudié tenía 28 años. Y cuando tuve la libertad, la volqué en la literatura y en la posibilidad de leer con músicos. Comencé con Tomás Tichauer, Fernando Hasaj y Diana Schneider. Un día, ensayando con Diana y Fernando, detuvieron lo que tocaban porque yo había entrado en FA. "Entró en Fa", dijo Fernando. Mirá vos, yo había entrado en Fa. Era la decodificación musical de mi entonación. Hoy, con Ana Victoria Cháves y Federico Mouján aprendo muchísimo. Y también aprendo de mi sordera. Si bien la música es algo imprescindible en mi vida, en todo sentido, no sé leer música. Soy analfabeto y es duro ser analfabeto en algo que uno ama. Nunca me animé a cantar. Creo que son limitaciones. Una vez escribí un ensayo llamado "Un inventario de lo trunco".- ¿Qué más queda en la lista de pendientes? ¿O hay cosas que las das por saldadas en las vidas de tus hijos?-Mi hijo es músico y mi hija mayor, de algún modo, también, porque es bailarina. Nunca les pedí que fueran lo que son, pero se crearon en un ambiente donde ser lo que son ya estaba presente.Historias del pasado-Cuánto habrá presente de tus antepasados en tu vida. Contame la historia de tu abuelo paterno.-La mayor parte de mi familia viene de Kiev y de Odessa. Mis padres se conocieron siendo chicos, en Urdinarrain, Entre Ríos; vivían en el mismo barrio. Eran hijos de inmigrantes judíos que fueron a trabajar en el campo. Mi abuelo materno, Cecilio, tenía un almacén de Ramos generales. Mi abuelo paterno, León Santiago Kovadloff, fue un tanto errático en sus oficios. Un hombre muy atormentado. Creo que la guerra le dejó una huella muy fuerte. Fue desertor del ejército del Zar. En un momento dado se escapó, al igual que sus hermanos, que habían huido previamente del frente; pero mientras los hermanos al parecer huyeron hacia América del Norte él equivocó el destino - se ríe-. Desde Hamburgo se vino América del Sur. Es una historia muy hermosa y dramática. La conté en algunos de mis ensayos y en algún poema también. Cuando llegó a Entre Ríos un hombre lo reconoció: "Vos sos Kovadloff -le dice-. Sos igual a tu padre y yo era íntimo amigo de tu padre". El llega con 26 o 27 años y una mochila. Ese hombre lo recibe, se conmueve, lo orienta, le prengunta por su padre, aunque mi abuelo nada sabía decirle. También lo lleva a su casa y le presenta a su hija. El hombre quiere que su hija, Natalia, se case con León Santiago. Ella estaba enamorada de Samuel, pero su padre quiso que se casara con el hijo de su amigo. Juntos tuvieron cinco hijos, uno de ellos, mi papá. Natalia no fue feliz con él. Era maníaco depresivo. Se suicidó cuando vino a vivir a Buenos Aires. Mi padre, cuando tenía 18 años, lo encontró muerto. fue algo muy traumático. Me enteré muy tarde de todo esto. Mi padre tenía más o menos la edad que yo tengo ahora cuando me lo contó. Luego, yo la narré por ahí.-Pero al menos te enteraste.-Sí, fue muy doloroso. Y mi verdadero abuelo fue Samuel porque mi abuela, viuda, al tiempo se reencontró con Samuel, viudo también, y se casaron. Por otro lado, mi abuelo materno, Cecilio, era aficionado al violín. Le gustaba mucho la música clásica. Era un hombre silencioso y un gran artesano. Un día me hizo una estancia. Me trajo de regalo una estancia con los paisanos de plomo, las vaquitas, los caballos, la china que acompañaba al gaucho. También era un hombre riguroso con las hijas; las mandaba al Colón a escuchar música. Como eran dos varones y seis mujeres, los mandaba por turnos. Pero mi mamá y una de sus hermanas estaban enamoradas de Gardel, entonces iban al bajo a verlo y oírlo cantar, pero volvían, como la Cenicienta, en el horario en que el Colón terminaba, para que el abuelo no sospechara nada.-¿Por el trabajo de tu padre se instalaron en Brasil?-Primero en Laboulaye. Era contador público y trabajaba en Molinos Río de la Plata. Tuvo varios destinos. La de San Pablo fue una experiencia hermosa y difícil, al principio, para toda la familia. Porque mamá era una mujer tribal. Vivía con sus hermanas y fue muy feliz en el campo. Ellos y mi hermano, que es un gran diseñador industrial, se quedaron en Brasil. Yo volví porque quería hablar y escribir en castellano.-¿Sos muy porteño?-Extrañaba mi ciudad, las estaciones, no me gustaba solo ese clima tropical tan homogéneo y esa luz excesiva. Lo que gané allá fue inmenso. Gané un idioma [el portugués], estudié en un colegio italiano maravilloso; gané amigos, que no eran sólo brasileños. Traduje a Serrat y a Les Luthiers al portugués.Músico "frustrado"-Contás con orgullo tu traducción de la obra de Pessoa, ¿qué otras cosas te hicieron sentir así?-He querido ser un escritor y lo soy, a los 81 años aún lo soy. Quiero decir: siento la emoción de escribir, el deseo de escribir y me siento fiel a mi vocación. Siento que he podido hacer lo que quería. Me siento muy contento de trabajar con músicos. Creo que es la forma que encontré de compensar mi ineptitud para cantar.-Qué recuerdos te quedaron de tu vida de niñez en Buenos Aires y en Córdoba?-Nací en la calle Castelli y después, siendo muy chiquitito, mis padres se mudaron a Villa Urquiza. Tengo un recuerdo muy vivo de toda esa infancia callejera, todavía cercana en muchos hábitos al siglo XIX. Yo nací en el 42, imagínate. Recuerdo perfectamente que el hielero venía en carro tirado por caballos. También el panadero, el vendedor de pescado que pasaba con sus balanzas y sus canastas preservando los pescados en hielo. Todavía había mucha dimensión provincial. Y mis padres tenían una costumbre muy linda. Eran muy aficionados a la música clásica y hacían reuniones en casa con amigos para escuchar música de grabaciones de RCA Víctor. Mientras tanto, yo estaba tirado sobre la alfombra con mis soldaditos. Tenían una cultura de música clásica, no ostentosa ni erudita; espontánea, fresca, muy sentida.¿Y la vida en Laboulaye?-Te voy a contar una anécdota. Nosotros éramos los hijos del gerente de Molinos Río de la Plata y al colegio nos llevaba el chófer de papá en un Taunus [de la década del 50] último modelo. La mayoría de los pibes iban a caballo al colegio. O en carro. Volvimos atormentados y le pedimos a papá que nos comprara un caballo a cada uno. Yo tenía una yegüita a la que le dediqué más de un renglón, y mi hermano un caballo azabache espléndido. Nos hicimos amigos, yo salía a galopar con ella y me acuerdo que íbamos a las afueras del pueblo. Se detenía solita y mientras se quedaba pastando yo me tiraba en el pasto. Al rato me tocaba con su cabeza como señal para pegar la vuelta. Fue un año y medio nada más. Pero fue difícil separarme de ella. No me acuerdo como fue, o no me quiero acordar.-¿En qué momento llegó la escritura?-Recuerdo que fue en el jardín de esa casa donde sentí que no sabía que iba a ser de mi vida. ¿Qué se hace cuando uno no puede jugar más con soldaditos? Ya estaba grande y no estaba tan grande, porque aún las chicas no me interesaban. Empecé a escribir historias de cowboys, porque uno de los objetivos de mi vida, cuando era chico, era ser cowboy. Empecé a escribir cuentitos. El título de uno era "Diez mil dólares en oro".-Ahora, de vuelta a la Argentina de hoy ¿Cómo la ves?-Mayoritariamente hablando, desde lo cuantitativo, las elecciones del año pasado evidenciaron la predilección por un camino nuevo, aunque no se supiera su contenido. Se prefirió la incertidumbre a la certidumbre del camino kirchnerista, que era devastador. Hoy en día, la Argentina vive un proceso que aún no tiene desenlace cierto. Es más claro a lo que se aspira económicamente que culturalmente. La concepción de la educción, que sería imprescindible en un país que aspira a ser una democracia liberar y republicana, no está clara. Está más claro que se quiere desideologizar la educación, que el hecho de que pueda haber tolerancia a la pluralidad y capacidad de reconocer en el disenso un recurso del sistema y no una fragilidad. Tenemos un liderazgo presidencial de rasgos contradictorios. La preminencia de las figuras protagónicas con liderazgos, hasta cierto punto excluyentes, siguen vivas en el país.

Manifestantes en Bogotá se tomaron el escenario del show de rock en la plaza de Bolívar

La tarima fue invadida por encapuchados que aseguran estar manifestando en pro de sus derechos

¿Quién es José G. Sanz? Mexicano que elaboró las botas que usó Dwayne Johnson "The Rock" en Wrestlemania 40

El actor luchó en compañía de Roman Reigns para vencer a Cody Rhodes y Seth Rollins

Proponen fecha para Día del Rock Peruano distinta a la del fallecimiento de Pedro Suárez-Vértiz: ¿cuál es y por qué?

A la iniciativa elaborada por Alejandro Cavero se le suma otro proyecto de ley, el cual toma distancia del enfocado en el legado del rockero y se basa en un festival creado en la plaza central del distrito El Agustino

Dwayne "The Rock" Johnson y su decisión vinculada a la política

Alcanza con ver la cifra de casi cuatrocientos millones de seguidores, para comprender que Dwayne "The Rock" Johnson es uno de los usuarios más populares en Instagram. Por ese motivo es que él es muy consciente de la influencia que ejerce sobre las opiniones que emite, o las causas por las que decide militar activamente. En cuestiones de política, The Rock no suele esconder su mirada, y en más de una oportunidad apoyó públicamente al candidato que le gustaba. Pero según confesó en una reciente entrevista, de cara a las próximas elecciones presidenciales, Johnson asumirá una actitud muy distinta.En el marco de una nota con Fox News, el actor comentó: "El apoyo que manifesté por Biden hace un par de años, pensaba que era la mejor decisión que podía tomar en ese momento. Yo creía que debido a la posición en la que me encontraba, en la que tenía una cierta influencia, mi trabajo era ejercer esa influencia y compartir mi opinión con respecto a quién iba a votar. Pero ahora no voy a hacer eso. En ese momento, era el hombre más seguido del mundo, y aunque aún lo soy, y eso lo agradezco, lo que se provocó fue algo que me desgarra en las entrañas, y que es la división".Luego de destacar que él quisiera que las cosas "se calmaran", el protagonista de Jumanji explicó: "El día después de todo eso causó una gran división. Y ahora me doy cuenta, frente a una nueva elección, que no lo haré de nuevo. Mi objetivo es que el país este unificado. Realmente creo en eso. Así que ya no habrá apoyo público. En este nivel de exposición, me guardaré mis opiniones políticas para mí mismo. Será algo entre la urna y yo. Pero sí puedo decirte esto: como le sucede a muchos, no confío en todos los políticos, pero sí confío en el pueblo estadounidense, y quien salga elegido tendrá mi apoyo en un cien por ciento". Por último, y frente a la pregunta si le gustaría postularse en algún cargo político, The Rock fue contundente: "No, esa no es mi intención".Un mensaje para su padreRocky Johnson, como su hijo The Rock, también fue luchador profesional en la WWE. Se trató de alguien muy popular durante los años ochenta, llegando a coronarse victorioso en la categoría "Campeonato de parejas". Y hace poco tiempo, Dwayne Johnson compartió ese instante en sus redes sociales, junto a un emotivo mensaje. En el posteo, The Rock escribió: "Mando flores al cielo dedicadas a mi viejo, Rocky "Soulman" Johnson. Mi papá, junto a "Mr. Usa" Tony Atlas, hicieron historia en la lucha libre profesional al consagrase como los primeros contendientes afroamericanos de Pesos pesados en ganar el Campeonato de parejas en la WWE. Triunfó en un sendero muy difícil y le despejó el camino a todos nosotros, los hombres de color, tanto en los deportes como en el entretenimiento". View this post on Instagram A post shared by Dwayne Johnson (@therock)Más adelante, y en un tono marcadamente emocional, el actor se pone mucho más introspectivo para reflexionar sobre su propia historia y el vínculo con su padre. Al respecto, Johnson subraya: "Mi remordimiento en esta vida es no haber tenido la chance de despedirme de él, ya que murió de forma repentina. Me arrepiento de no haber conciliado los conflictos que atravesaron nuestra relación entre padre e hijo antes de perderlo. Me crió con amor paternal feroz y con una mano más feroz aún. Y mientras más vivo mi vida, más agradecido me siento por eso". Y por último, el luchador concluye: "Nos veremos al final del camino, Soulman".El posteo pronto recibió miles de mensajes de apoyo y muchos seguidores de The Rock compartieron brevemente historias similares, mostrando una fuerte empatía con su mensaje. Y como último detalle de color, esos fans también destacaron la aparición de un muy joven Dwayne en ese mismo video.

A los 7 dejó de ser feliz y a los 27 cumplió una trágica promesa: Kurt Cobain, la última leyenda del rock

Creció rodeado de depresión y violencia. Anestesió su dolor físico con heroína. Construyó una pareja inmersa en las adicciones. Y cumplió con lo que había vaticinado a los 14: ser una estrella de rock y quitarse la vida

Potencias del rock se saludan

Murió Fer Pita, líder del grupo de rock "Heroicos Sobrevivientes"

El cantante, guitarrista y cofundador de la banda sufría una insuficiencia hepática. En el último tiempo, desde las redes sociales de la banda recaudaron fondos para solventar los gastos de su hospitalización.

Día Mundial del Autismo: lo diagnosticaron a los 3, fue el primer chico con integración en Provincia y ahora es líder de una banda de rock

Iván Demirci tiene 24 años y es percusionista del grupo Iván y sus amigos, que formó en 2012.Con su música promueve la inclusión de las personas neurodivergentes. El testimonio de su familia, que sentó un precedente en las escuelas bonaerenses.

Rock en Baradero celebró sus diez años con más de 50 bandas nacionales

La décima edición convocó a más de 25 mil personas.De Fabiana Cantilo haciendo a Charly García a La H probando una versión acelerada de "Vencedores Vencidos" de Los Redondos.

Rock en Baradero: un festival clásico y moderno de cultura rock

La décima edición tuvo a Estelares y a Las Pelotas, a Las Palmeras y a Benjamín Amadeo, a Las Tussi y a Usted Señalemelo.

Las cartas de un icónico triángulo del rock

LONDRESUna mañana de primavera de 1970, la modelo Pattie Boyd estaba desayunando en su mansión destartalada de la campiña inglesa cuando recibió una carta con la leyenda "Urgente".Dentro del sobre había una nota de amor breve. "Queridísima L", empezaba la carta. "¡Parece que ha pasado una eternidad desde la última vez que te vi o hablé contigo!". A medida que Boyd leía, la nota tomaba un tono desesperado: "Si todavía sientes algo por míâ?¦ ¡debes hacérmelo saber!"."No llames por teléfono", añadió el escritor. "Envía una cartaâ?¦ es mucho más seguro". El autor se despidió con una misteriosa "E".Boyd recordó hace poco que había asumido que la carta era de un fan enloquecido y se la enseñó a su marido, George Harrison. Después se olvidó del asunto. Pero unas horas más tarde sonó el teléfono. Era Eric Clapton, guitarrista de rock y uno de los amigos de Harrison. "¿Recibiste mi carta?", preguntó.Más de 50 años después de que la misiva de Clapton involucrara a Boyd en uno de los triángulos amorosos más míticos del rock, la nota tuvo su momento de gloria. Hace poco más de una semana, Christie's subastó más de 110 objetos de los archivos de Boyd, incluida la carta, así como fotografías de Clapton y Harrison y letras de canciones escritas a mano de ambas leyendas del rock. La venta de The Patty Boyd Collection sumó más de 3,5 millones de dólares.Boyd dijo que se desprendía de la correspondencia íntima porque había superado esa parte de su vida. "Eric escribió las cartas más divinas y hermosas, y no quiero seguir leyéndolas", dijo Boyd. "Me duele".Tras recibir la llamada de Clapton, Boyd contó que no sabía si sentirse "alegre o culpable" por haber llamado su atención. Frustrada con su matrimonio -Harrison estaba cada vez más preocupado por la ruptura de los Beatles- Boyd dijo que no podía elegir entre los dos hombres. "Mi signo zodiacal es Piscis, que son peces nadando en distintas direcciones", dijo Boyd. "Decidirme sobre estas grandes decisiones siempre es un infierno".En una entrevista de 2007 con The New York Times, Clapton dijo que, aunque había estado enamorado de Boyd, "Layla", el tema que le dedicó, no era un documental. "Crear una canción es simplemente ponerle un sello a un sentimiento", dijo.Boyd describió su relación con Clapton como "una aventura", pero dijo que se sentía "moralmente obligada a seguir siendo una mujer casada". Su madre se había divorciado dos veces. "Vi lo destructivo que fue para ella, y por eso no quise repetir la historia".Poco después de que ambos se involucraran, Clapton se perdió en la adicción a la heroína. Pero volvió a escribirle a Boyd en 1971, cuando le envió una carta escrita en una página arrancada de la novela de John Steinbeck De ratones y hombres. "Estoy al borde de mi mente", escribió en letra muy pulcra. "Si no me quieres, por favor rompe el hechizo que me ata"."Enjaular a un animal salvaje es un pecado", escribió Clapton, "domesticarlo es divino".Entre otras correspondencias de la subasta se contó también una carta de 1971 que Harrison envió a Boyd desde Nueva York, donde el Beatle mantuvo varias reuniones de negocios y comió "muchos" sándwiches de queso a la plancha, según escribió.Boyd dijo que Harrison siempre le decía que la quería en cartas y postales, pero a menudo se centraba en las cosas que lo irritaban durante sus viajes. Eran "cartas correctas", dijo Boyd, "mientras que las de Eric no tenían nada que ver con el día, ni con lo que estaba haciendo en el estudio. Era simplemente intenso".Harrison sabía de los sentimientos de su amigo por Boyd. En sus memorias, Wonderful Tonight, Boyd recuerda una fiesta en la que Clapton le dijo a Harrison: "Tengo que decírtelo, estoy enamorado de tu esposa". Sin embargo, nunca llegaron a los golpes. Para los músicos, dijo Boyd, "la rivalidad se manifiesta a través de una guitarra".Al final, Boyd sucumbió al encanto de Clapton. En julio de 1974, dejó a Harrison. Una semana después, Clapton la llamó y le pidió que se uniera a él en la gira, una llamada que condujo a un matrimonio de 10 años y a otra canción clásica. En 1976, Clapton escribió "Wonderful Tonight" mientras esperaba a que Boyd eligiera un vestido para una fiesta. "Cuando por fin tomé la decisión y bajé, esperaba que Eric se enfadara conmigo por haber tardado tanto", dijo Boyd. "En lugar de eso me dijo: 'Escucha lo que he escrito'".En una época en la que muchos artistas escriben sus letras, por no hablar de sus cartas de amor, en celulares, Adrian Hume-Sayer, director de ventas especializadas de Christie's, dijo que esperaba que hubiera menos ventas de ese tipo de correspondencia íntima. También era raro que un triángulo amoroso "fuera el centro de tanta creatividad", dijo.Boyd también parecía consciente de lo mucho que habían cambiado los tiempos. "Hace años había más romance", dijo.Periodista del Times de Londres que cubre la cultura europea

Rock en Baradero y todos los recitales del fin de semana largo

¿Tenés una fecha? Mandanos día, horario, dirección y quiénes tocan a supleno@pagina12.com.ar, al menos una semana antes.

Led Zeppelin y la película que estuvo 11 años en cartel: el rock que atravesó tres gobiernos

"La canción es la misma" se estrenó el 24 de mayo del '78 y fue un ícono del mítico cine Lara.Pintura de época de aquellas inolvidables trasnoches porteñas.Emblema del desembarco del rock en la pantalla grande.

Rock en Baradero: se anunciaron los horarios de cada artista; todo lo que hay que saber del festival

Este fin de semana será la décima edición y se esperan 50 mil personas. Tocarán Los Auténticos Decadentes, Las Pelotas, Fabiana Cantilo, Rata Blanca, Turf, Los Palmeras y más.

Surf, rock psicodélico y playa: de qué trata y cuándo se estrena el documental de The Beach Boys por Disney+

La vida de la agrupación The Beach Boys estuvo marcada por poderosos contrastes. Ellos dieron vida a la música fiestera, a la alegría juvenil escenificada en la playa, al amor y a la fantasía de una existencia perfecta, pero al interior de la banda las cosas fueron más complicadas y dolorosas.Fueron los máximos exponentes de la música surf y se convirtieron en las estrellas más grandes de California, con una oleada musical que refrescó el mundo del pop en esa década. Ahora, siguiendo la tendencia de revivir la historia de agrupaciones que han dejado huella, sonidos y polémica, se anunció el estreno de The Beach Boys, un documental que promete hablar tanto de las luces y las sombras que acompañaron a la banda en su maratónica carrera al éxito.La plataforma de streaming Disney+ será la encargada de llevar a la pantalla este proyecto el próximo 24 de mayo en Estados Unidos, aún no se conoce la fecha para el mercado audiovisual en Europa y Latinoamérica.El grupo fue creado por Brian Wilson, quien además fue el responsable de éxitos como "Surfin", "Safari", "God Only Knows" o "Good Vibrations" y revolucionó su sonido con su disco de 1966 Pet Sounds, que ofrecía impresionantes armonías vocales y novedosos arreglos para un género como el pop.Eso los convirtió en una de las bandas más aclamadas por la crítica y el público. Precisamente, "el documental será una celebración de la banda legendaria que revolucionó la música pop", reveló en un comunicado Disney+.Además, contará con entrevistas inéditas a sus miembros originales, además de otras personalidades del pop como Lindsey Buckingham (de la banda Fleetwood Mac), Janelle Monáe (cantante y actriz en la película Glass Onion) o Ryan Tedder (de la agrupación One Republic).Obviamente se tendrán los testimonios de los integrantes originales del grupo: Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, David Marks y Bruce Johnston. Igualmente, se analizará el impacto cultural de estos músicos que han sido por décadas la banda sonora de muchas películas en Estados Unidos. Cabe recordar que en 1988 grabaron la canción Kokomo, que hizo parte del disco Still Cruisin', pero se le recuerda por ser la canción más famosa de la banda sonora del filme Cocktail, protagonizado por Tom Cruise.The Beach Boys cuenta con la dirección de Frank Marshall (recordado mucho en este momento pues fue el director de la película ¡Viven!, en 1993 y que ha sido recordado en todo el mundo tras el estreno de la cinta La sociedad de la nieve, pero que tiene una experiencia muy sólida en este tipo de producciones, ya que también fue el artífice de documentales para otros artistas famosos como The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart y Carole King & James Taylor: Just Call Out My Name), junto a Thom Zimmy, que se dedicó a la producción de varias películas de conciertos centrados en Bruce Springsteen, incluido el especial de Netflix Springsteen.The Beach Boys también incluye entrevistas de archivo con los difuntos hermanos de Brian, Carl y Dennis Wilson, así como una nueva entrevista con el ex Beach Boy y actual miembro de gira de la banda de Brian Wilson, Blondie Chaplin.Además, el documental contará con testimonios de audio de Ricky Fataar, quien tocó con el grupo de 1971 a 1974. The Beach Boys fue escrito por Mark Monroe (guionista de Ícaro, 2017). Paralelamente, estará disponible la banda sonora en formato digital el mismo día del estreno, el 24 de mayo, y se reeditará en formato vinilo blanco el álbum de 1964 Shut Down vol. 2 el día 29 del mismo mes. Además, el 2 de abril se publicará el libro oficial exclusivo de la banda The Beach Boys by The Beach Boys. Lo cierto es que nunca se complicaron con el tema de los nombres.

Angela Leiva se suma al musical School of Rock

La cantante y actriz se suma al elenco que encabeza Agustín "Soy Rada" Aristarán.En el musical, que se estrena en junio, será la directora del colegio.

En versión ópera rock: Fabiana Cantilo vuelve al Luna Park para repasar sus 40 años de música

Luego de llenar tres Gran Rex, la voz femenina más emblemática del rock nacional presenta su nuevo show, con un mensaje esperanzador. "No viene el apocalipsis. Lo que viene es un nuevo comienzoâ?¦". En esta nota, cómo conseguir las entradas

La historia de Los Bunkers, la banda de rock chilena que volvió para tocar en el estallido

Alejandro Zambra está escribiendo un libro sobre su reencuentro, y su nuevo disco, "Noviembre", desde su título busca un nuevo camino más allá del octubrismo permanente de su tierra. En esta entrevista tanto músicos como biógrafo repasan los pliegues de su historia y los secretos de sus canciones.

Jack Black aseguró que está "listo" para hacer "Escuela de rock 2"

Al actor le gustaría que regresara el escritor de la película original, Mike White.

Colau dice que Sumar apoyó su veto al Hard Rock y que Yolanda Díaz "siempre ha respetado" la autonomía de los comunes

Hijo de Shakira sacó el talento de su madre: así fue la presentación de su banda en el Hard rock café de Miami

Milan, primogénito de la barranquillera, se convirtió en el orgullo de la cantante al demostrar su talento artístico en vivo como baterista de una agrupación de música rock. La artista colombiana lloró en medio del show de su hijo

Crawfish Rock, una comunidad caribeña amenazada por empresarios libertarios

En 2013 Honduras aprobó la Ley de Zonas de Empleo y Desarrollo Económico (ZEDE), un régimen al que se podían adherir empresas internacionales para gozar de autonomía jurídica, administrativa y legislativa. Hoy representan una amenaza para las comunidades locales.

Colau a Aragonès: "Podría haber llamado a Sánchez" para que el PSC levantara el veto de Hard Rock

"El Johnny Depp del fútbol". Gloria y ocaso de Daniel Osvaldo, el goleador por el que pagaron millones pero eligió vivir como estrella de rock

Daniel Osvaldo nació en Lanús, el 12 de enero de 1987. Se formó como futbolista en las inferiores de dos clubes vecinos y rivales: Banfield y Lanús. Cuando tenía edad de octava división, a los 15 años, se probó en La Quemita, predio de entrenamiento del Club Atlético Huracán. Y quedó fichado. Su padre, Raúl Osvaldo, solía llevarlo a los entrenamientos en un Dodge 1500, tesoro de la familia. Pero cuando tenía trabajo, Dani tomaba el 179 hasta Pompeya, donde combinaba con el 46.El esfuerzo de los padres de Osvaldo fueron claves en los orígenes de su carrera. "Papá me daba las monedas para el colectivo. Y si no las tenía, se las rebuscaba para conseguirlas. Y cuando tenía que ahorrar, ahorraba en otra cosa, pero esas monedas se las guardaba para dármelas a mí, porque esa era su prioridad. Era un laburante. Se rompía el lomo para que no nos faltara nada. Mi mamá también se rompía el lomo, al trabajar 12 horas por día", dijo en una entrevista con El Gráfico.No era un jugador promedio: sus primeros entrenadores ya percibían que era distinto por la técnica que mostraba. Lo consideraban "un atrevido", un distinto. Y repiten la misma anécdota: "Una vez, en quinta división, Huracán enfrentó a Independiente, cuyo arquero era Oscar Ustari. Osvaldo lo encaró, lo gambeteó, hizo una 'bicicleta' a lo Ronaldo y la mandó a guardar. Nos volvimos locos".En enero de 2005, con 19 años, fue promovido a la primera división de Huracán. El técnico que lo puso a jugar con los más grandes fue Néstor Apuzzo, que lo definió como "el último atorrante del fútbol". Y, tiempo después, repetiría orgulloso que hizo debutar en primera "a un pibe sin apellido".Osvaldo devolvió la confianza con goles y pronto llamó la atención de los cazadores de talentos europeos. En 2006 fue comprado por el Atalanta, que pagó 600 mil euros por su pase. Y se fue a vivir Bérgamo, a disfrutar de su nueva vida en el Viejo Mundo.El video que compartió Daniel Osvaldo"Lloraba todos los días, pensé en volverme"Sus primeros meses en Europa, la famosa etapa de adaptación, no le resultó sencilla: "No jugué mucho, sólo unos partidos al final del campeonato. Estaba muy nervioso, lloraba todos los días, pensé en volverme", le contó a El Gráfico.Comenzó una etapa nómada, de muchos clubes en poco tiempo: pasó a préstamo al Lecce, después a la Fiorentina (donde pidió la camiseta número 9 que supo usar Gabriel Batistuta) y más tarde recaló en el Bologna. Convirtió goles y mostró destellos de su talento. Fue a España, al Espanyol de Barcelona, y la rompió. El club decidió desembolsar 5 millones de dólares por su pase. Finalmente, se había convertido en una estrella del fútbol.Le siguieron una serie de pases millonarios. Primero lo compró AS Roma por 20 millones de dólares, después el Southampton lo fichó por 15 millones de libras. Más tarde regresó a Italia para salir campeón con la Juventus. El muchacho que pateaba tierra en La Quemita ahora daba que hablar en el viejo continente. Fue en su último destino en Italia, en el Inter, donde tuvo un acto de inconducta que marcó su destino: en pleno partido discutió vehementemente con Mauro Icardi, le reprochó no haberle pasado la pelota, y el director técnico del equipo, Roberto Mancini, resolvió no tenerlo más en cuenta por el resto de la temporada. Debía buscarse equipo...Su carrera como futbolista alcanzó el punto más alto en octubre de 2011. Viajaba en auto con Gabriel Heinze, su compañero en AS Roma, cuando recibió una llamada. "Dejame pensarlo", respondió Osvaldo. Y el "gringo", curioso, le preguntó: "¿Quién era?"....-Me convocaron a la selección italiana.-¿Le dijiste que sí, no? Pero vos sos tarado, llamá y decile que sí. En los viajes se visten de Dolce Gabbana.Finalmente, Osvaldo dijo que sí: jugó 14 partidos con la azzurra, convirtió 4 goles y llegó usar las camisetas número 9 y 10 del prestigioso seleccionado europeo. Así fue como el chico que antes de llegar a primera usaba ropa prestada por sus primos para estar a la moda, ahora vestía con Dolce & Gabbana."Osvaldo è uno spettacolo"En Europa, Osvaldo no solo destacó por su talento en el campo de juego... Su extrovertida manera de ser lo llevó a la televisión, al 'Bailando con le stelle'. Y no defraudó... Tras su debut, en 2019, cuando ya estaba retirado, La Gazzetta dello Sport tituló: "Osvaldo è uno spettacolo"."Que era guapo, ya se sabía. O al menos, no se le había escapado a las mujeres amantes del fútbol. Sin embargo, Osvaldo conquistó a todos incluso en su debut en televisión en 'Bailando con las estrellas', donde actuó en la pista con la bailarina sueca Veera Kinnunen. Fue un espectáculo arrollador, especialmente apreciado por la periodista en el jurado, Selvaggia Lucarelli, quien se preguntó dónde había estado el guapo Pablo Daniel todos estos años. Altas puntuaciones de todos, incluido el diseñador venezolano Guillermo Mariotto. Después de todo, Osvaldo ya se había confirmado como un extraordinario entretenedor fuera del campo: de hecho, desde hace tiempo, se viste como una estrella de rock con un éxito discreto", amplió el medio italiano en la crónica del evento. Tras la participación en el certamen, Osvaldo empezaría un romance con Kinnunen.Su paso por Boca: llegada como ídolo, salida con escándaloSu historia en el fútbol no termina en Italia. En 2015, cuando lo mandaron a buscarse un club, decidió cumplir el sueño de pisar, como jugador, el césped de La Bombonera. La gente de Boca lo recibió con entusiasmo. Se sabía de su fanatismo por el club, gustaba su personalidad y tenía todo el terreno allanado para convertirse en ídolo. Entró bien en el esquema de Rodolfo Arruabarrena, el director técnico Xeneize en aquel año. Solo tenía que hacer goles, un pedido que no tardó en entregar... El 26 de febrero, por Copa Libertadores contra Montevideo Wanderers, gritó el primero.En Boca disputó 16 partidos y anotó 7 goles, dos de ellos de penal. Y también hizo ruido fuera de la cancha, con una frase que dio que hablar. Tras la descalificación de Boca en la Copa Libertadores 2015, luego del episodio del gas pimienta, dijo: "La ilusión se la robaron cinco gordos de traje en un escritorio", en alusión a los dirigentes de la Conmebol que participaron del fallo que dejó al club afuera de la competencia.Su siguiente destino fue el Porto, uno de los clubes más populares de Portugal. Pero seis meses después rescindió su contrato... y volvió a Boca para formar una dupla de ataque "de Champions League" con el Apache, Carlitos Tévez. Pero Osvaldo nunca pudo desplegar su fútbol, las lesiones no se lo permitieron. Jugó apenas cinco partidos, no hizo ningún gol. Se fue del club con escándalo tras un fuerte cruce con el director técnico, Guillermo Barros Schelotto, quien le reprochó que fumase en el vestuario..."La gente cree que estoy loco"En agosto de 2016 se retiró del fútbol profesional. Se propuso darle un giro de 180 grados a su vida, decidió que se convertiría en una estrella de rock, y fundó la banda "Barrio Viejo"."La gente simplemente no lo entiende, ¿sabés? Me miran como '¿Estás loco? Tenías todo. Jugaste en algunos de los mejores equipos del mundo... ¿y decidiste renunciar para hacer esto? Estás loco'. Como te digo, la gente no entiende, pero es mi pasión", aseguró. Con su incursión rockera, el exfutbolista le daba también lugar a otra de sus pasiones, una que no se lleva muy bien con las exigencias del fútbol: la noche.Su carrera como artista nunca alcanzó mayor relevancia. Pero llegó a compartir escenario con bandas de renombre, como La 25.El viernes 3 de enero de 2020, cuando parecía que su carrera futbolística estaba terminada (enterrada en un estuche de guitarra), Banfield sorprendió al comunicar que había fichado a Daniel Osvaldo. En la conferencia de prensa, bromeó diciendo: "El objetivo es no lesionarme", dado su regreso tras una larga inactividad. Su objetivo, en realidad, era cumplir el sueño de su padre, Raúl Osvaldo, fanático de El Taladro. Y lo cumplió en parte: sólo jugó 62 minutos, repartidos en dos encuentros. No pudo festejar ningún gol, ningún triunfo... ni siquiera un empate.La pandemia del covid-19 apuró su segundo retiro, el definitivo. Tenía todo acordado de palabra para seguir en Banfield, solo faltaba estampar la firma, acto se fue postergando por la cuarentena obligatoria. Sin embargo, Osvaldo faltó a varios entrenamientos, que por entonces se hacían por zoom, y la comisión de fútbol decidió apartarlo del plantel. Así, en silencio, se terminó su carrera en el fútbol.Escándalos, infidelidades y abandonoUna de las páginas más escandalosas del futbolista se relaciona con su vida amorosa. Osvaldo experimentó conflictos con las las mujeres más importantes de su vida. En especial, con las tres parejas con las que tuvo sus hijos.La primera de ellas fue Nina Oertlinger. Ella y quien se hace llamar 'Dani Stone' se conocieron en la adolescencia, cuando el jugador aún no había debutado en su profesión. Así lo contó ella en una entrevista en Intrusos en el año, 2013 en la que destrozaba al delantero: "Empezamos a salir cuando yo tenía 17 y él no era conocido ni era futbolista. Vivía literalmente enfrente de una villa y hoy en día está cambiadísimo. Para mí cambió un montón y para mal cuando todo esto de la fama empezó a llegar. Con mi hijo no tiene trato hace 13 meses y medio".El hijo del futbolista y Oertlinger, Gianluca, nació en Bérgamo, en 2006, cuando él jugaba en el Atalanta. Además de denunciar en el programa de América que su ex no veía hace más de un año a su primogénito, y que estuvo diez meses sin pasarle la cuota alimentaria, Nina señaló que se separó de él al enterarse de una infidelidad.Aún sin estar separado legalmente de la mamá de su primer hijo, Osvaldo comenzó una relación con la modelo italiana Elena Braccini. Con ella tuvo dos hijas: Victoria y María Elena. Pero, otra vez, la relación terminó mal. Braccini confesaría en diversas entrevistas que el futbolista la dejó cuando ella estaba embarazada de su segunda hija para comenzar un romance con la actriz argentina Jimena Barón. Además, en 2022, la italiana llevó a su exnovio a los tribunales bajo la acusación de que nunca pagó la manutención de sus hijas a las que, además, veía con muy poca frecuencia."Quise ser buen padre, aunque muchas veces no me salió. Pero hago este video para que entiendan que muchas veces mis actitudes vienen desde un lugar de mí que no puedo controlar y es muy triste porque al que más daño hace es a mí mismo", dijo el propio Daniel Osvaldo en el video que publicó este jueves, en el que revelaba estar atravesando una depresión.El triángulo Barón-Osvaldo-MaradonaLa relación entre Daniel Osvaldo y Jimena Barón comenzó por un mensaje de texto. Se vieron, por primera vez, en 2012, durante una visita del futbolista a la Argentina. Después, durante un tiempo, mantuvieron su romance "a la distancia", aunque ella pasó algunas semanas en el viejo continente. La fama del futbolista estaba en su punto más alto y, sin proponérselo, comenzó a ser un personaje central de las revistas del corazón.El tabloide británico The Sun, impactado por su nuevo look, lo bautizó "el Johnny Depp del fútbol"Barón, que estaba grabando una tira de Polka cuando comenzó su romance con el futbolista, habló con los productores para terminar con su personaje para poder irse a vivir a Europa con su novio. Y así lo hizo. En 2014, en Torino, cuando él jugaba en Juventus, nació Morrison, apodado como Momo, el único hijo de la pareja.Jimena hizo vida de ama de casa en Italia, pero todo cambió cuando el futbolista decidió volver a la Argentina para jugar en Boca Juniors.Regresaron juntos. Ella alentó a Osvaldo desde un palco de La Bombonera en su debut. Luego comenzó a trabajar (algo que él no quería) en la tira Esperanza mía y poco después la relación terminó abruptamente. Barón contó que llegó a la casa que compartía con futbolista y no había ni rastros de su novio. Poco después se enteró por los medios que él estaba saliendo con la actriz y cantante Milita Bora. El romance, recién comenzaba, pero parecía intenso: Daniel y Milita se hicieron el mismo tatuaje... Los programas de la tarde se hicieron un festín.La cantante de "Tonta", una canción que describía su estadía italiana, denunció también que el futbolista le dejaba agresivos mensajes telefónicos donde la trataba, entre otras cosas, de "gatito barato".Contra todos los pronósticos, Jimena Barón y Daniel Osvaldo volvieron a encontrarse. Llegaron a convivir durante la pandemia. Pero todo volvió a romperse, de forma brutal, cuando ingresó en escena una tercera en discordia: Gianinna Maradona, íntima amiga de Barón. El sentimiento de traición que experimentó la actriz quedó plasmado en el tema "La araña" que, aunque sin especificar, claramente fue dedicado a la hija del 10.La relación entre Maradona y Osvaldo comenzó oficialmente en 2021 e incluyó viajes y salidas. También fue inestable y tuvo mucha repercusión en los portales de espectáculos. En un momento, se llegó a decir que pensaban casarse. Pero en diciembre de 2022, sin dar más precisiones, Gianinna anunció a través de su cuenta de Instagram que se había separado de Dani Stone.El último romance del exfutbolista rockero que llamó la atención de los medios fue el que inició, en diciembre del año pasado, con la periodista y presentadora de C5N Daniela Ballester. Un romance que ellos mismos difundieron en sus redes sociales y que finalizó esta semana, según informó Osvaldo en su cuenta de Instagram. "Quiero aclarar que Daniela y yo ya no estamos juntos. Fin del comunicado", escribió. Más tarde, en otro posteo, insinuó que había un tercero o una tercera en discordia.Su siguiente aparición pública fue en la madrugada del jueves 14 de marzo, a través del video en el que desnudó su calvario. De pronto, a los 37 años, el chico que torció su destino y logró su consagración en el fútbol europeo contaba que había caído en el infierno de las drogas y no sabía como salir. El crack por el que los clubes más importantes de Italia pagaron millones de dólares decía que el dinero se le estaba terminando. El fenómeno cuyo nombre corearon en distintos estadios confesaba que se sentía solo y angustiado.

La peor masacre de Nueva Zelanda: racismo, 51 muertos en dos mezquitas, transmisión en vivo y rock como música de fondo

Hace cinco años, el 14 de marzo de 2019, Brenton Tarrant, un solitario racista australiano, perpetró un raid asesino en la ciudad neozelandesa de Christchurch. Además del medio centenar de muertos, hubo más de 40 heridos. Había publicado en las redes un documento donde anunciaba sus acciones, que transmitió con una cámara desde su cuenta de Facebook. Mientras baleaba a sus víctimas escuchaba música

Liliana Lagarde fue una pionera del rock nacional, estuvo casada con David Lebón, conoció el horror de las adicciones y la pérdida de una hija

Cuando se habla de la etapa fundacional del rock nacional siempre se enumeran bandas: Los Gatos, Manal, Arco Iris, Almendra, La Pesada del Rock & Roll, Vox Dei. Pocas veces se nombran a los solistas que también formaron parte de la historia, mucho menos si son mujeres. Pero las hubieron, escasas -es cierto- pero notables. En los libros especializados suelen aparecer dos: Gabriela y Carola Cutaia. Pero existió una tercera, tal vez con un perfil más bajo, que hoy busca su reconocimiento: Liliana Lagarde.Estuvo casada con David Lebón y mientras esperaba el nacimiento de su hijo Tayda (el primero y único de la pareja), compuso las letras de varios de los temas del álbum solista del cantante y bajista, entre ellos "Casas de arañas", "Dos edificios dorados", "32 macetas" y "Hombre de mala sangre". Después cantó en La Banda del Amor (que integraba junto a su esposo y era "supervisada" por el maestro espiritual de ambos, Maharaji) y hasta condujo un especial para la televisión llamado Las mujeres del rock, junto a Gabriela y Carola Cutaia. Tras su separación de Lebón prosiguió su vida y su carrera en el exterior, sobre todo en Nueva York, donde vive hace 40 años. Ahora, luego del fallecimiento en 2021 de Shetay (como eligió llamarse Tayda al cambiar de género), decidió exorcizar sus dolores y escribir su autobiografía, titulada Reina Boba. Memorias de la Musa Dorada. La presentará este miércoles 13 de marzo, justo el día de su cumpleaños, a las 19, en Galería Central Newbery (Av. Jorge Newbery 3599), ocasión en la que promete volver a cantar algunos de sus icónicos temas.-Hablemos de tus comienzos en el rock, ¿fue David el que te introdujo en el medio?-Sí, tal cual. Yo había ido a ver a Pescado Rabioso a La Plata y desde el escenario él me miraba insistentemente. Luego, cuando concluyó el recital y yo ya me estaba yendo, se me acercó y me pidió que lo esperase un minuto. Por último, en compañía de Luis Alberto Spinetta, me dijo ¿por qué no te venís a la Capital con nosotros? Yo le respondí que primero tenía que pedirle permiso a mi mamá. Y ahí fue que me acompañaron a mi casa, y mi madre me autorizó porque ellos le aseguraron que me iban a cuidar. Así empezó mi historia dentro del rock nacional y mi historia amorosa con David.-¿Lo de ustedes fue un flechazo instantáneo?-Fue totalmente instantáneo. Yo ya lo había visto en otro recital y le había dicho a Grace, la novia del baterista de Pescado Rabioso Black Amaya: ¡me voy a casar con el bajista! Y nos terminamos casando nomás.-En el libro incluso asegurás que quedaste embarazada la primera noche que estuvieron juntos, luego de aquel recital de Pescado Rabioso en La Plata.-Sí, los dos supimos en ese momento que yo había quedado embarazada y que íbamos a ser padres. No podíamos parar de llorar de felicidad. Evidentemente nuestras almas se estaban buscando desde hacía rato. A los nueve meses exactos nació Tay.-¿Fuiste musa de alguno de los temas de David?-Sí, por ejemplo de "Copado por el diablo", ese que dice: Tengo algo que decirte antes de que salga el sol/ Pero si sale muy temprano quedaré ahogado en él/ De pronto, quiero dejarte/ Pero no consigo hablar/ Mi boca está tan cerca de tu piel, nena/ Larga, larga mujer/ No podré hablarte, no/ Antes de que salga el sol.-¿Cómo te convertiste en coautora de los temas de David? ¿Tenías experiencia previa en la composición?-No, ninguna. Simplemente un día él empezó a tocar ciertas músicas y yo a ensayar algunas letras. Digamos que el proceso creativo de composición conjunta fue fruto de nuestro embarazo.-Después, a lo largo de tu vida, ¿continuaste componiendo?-Sí, tengo un montón de temas. Compuse algunos con Avalancha y otros con amigos de aquí. Por ejemplo, hice un tema con Dhani Ferrón ("El misterio de una gota") y otro con Alambre González. Algunos temas salieron a la luz, otros no. Algunas de esas canciones las canté en 2015, cuando regresé al país para hacer un par de shows.-¿Cuándo empezaste a cantar?-Con David teníamos un grupo que se llamaba La Banda del Amor. Cantábamos con nuestro maestro espiritual, por ese entonces Maharaji, hoy Prem Rawat. Por ejemplo, en 1975 actuamos en Roma ante treinta mil personas.-¿Es verdad que también fuiste la vestuarista y escenógrafa de Adiós Sui Géneris, los legendarios recitales de despedida de la banda de Charly García y Nito Mestre en el Luna Park?-Sí. Me encargué del escenario y lo vestí a Nito (Mestre). Recuerdo que (el productor) Jorge Álvarez me decía: "Por favor que no venga en alpargatas" (risas). Le busqué unas zapatillas y le di una túnica muy linda que había traído de Europa. Y a Charly le dije que tenía que vestirse de blanco, entonces optó por una galera blanca. Y así quedamos los dos conformes.-¿Cómo era por ese entonces el ambiente del rock con las mujeres? ¿Realmente misógino, como muchos aseguran?-Bueno, como yo estaba casada con David no me daba cuenta de nada raro. A mí me respetaban, así que nunca sufrí discriminación. Además, yo siempre fui muy clara en mis relaciones con las personas y con el medio: fui y soy de las que dicen "quiero que me trates como yo quiero y de ninguna otra manera".-¿Cómo era la relación con las otras cantantes y compositoras del rock nacional?-Éramos pocas. Estaban Gabriela (que era la mujer de Edelmiro Molinari, músico de Almendra y Color Humano) y Carola Cutaia. Fuimos las tres primeras cantantes de rock argentino y como tal hicimos un programa de televisión llamado Las mujeres del rock. No llevábamos divinamente las tres. Con Carola éramos casi como de la familia porque estaba casada con Carlos Cutaia, que también integraba Pescado Rabioso, y por eso íbamos a cenar seguido.-¿Cuánto duró la relación con David y por qué terminó?-Nuestra relación duró sólo un par de años. Lo que sucedió es que después de dar a luz a Tay empecé a sufrir de depresión post parto, algo de lo que en ese momento no se sabía mucho y por lo tanto nadie hablaba. Yo no sabía que estaba padeciendo eso, lo único que entendía es que quería salir corriendo de la situación en la que me encontraba, escaparme e ir hacia otro lugar. Era muy chica, sólo tenía 19 años, y no encontraba mi eje. Para colmo llegó el 76 y desaparecieron dos personas muy queridas de mi entorno. Así que le dije a David que no podía más, agarré al bebé y me fui. Yo me estaba buscando geográficamente, no me daba cuenta que a donde fuera me llevaría a mí, a la que era y no quería ser, conmigo. Buscaba afuera lo que tenía en mi interior, recién ahora me siento lo suficientemente armada. Hoy sé quién soy, no tengo miedo y aunque esté cansada nada me destruye. Por suerte no me destruyeron las drogas.-¿Y él aceptó sin reparos que te marcharas a otro país con Tay?-Yo vivía entre la niebla, no sentía nada, así que menos podía percibir lo que sentían los otros. En medio de mi depresión no podía verlo a él ni pensar en sus sentimientos. De todos modos, la primera vez nos fuimos juntos, a Miami, a la casa de su madre Alexandra, que había nacido en Rusia, pero que a esa altura ya era norteamericana. Luego regresamos y ahí me fui para siempre.-A fines de los 70 decidiste radicarte definitivamente en Nueva York. ¿Cómo fue y es tu vida ahí?-Primero estuve en Europa, luego encaré para Montreal. Hasta que llegué a Nueva York, donde encontré mi lugar en el mundo. El primer recital al que asistí en la ciudad, ¡y por sólo nueve dólares! fue el de Led Zeppelin en el Madison Square Garden, que me voló la cabeza. Fueron tiempos de mucho rock & roll y por suerte Tay se adaptó muy bien a toda esa movida. El problema surgió después, cuando me fui a vivir un tiempo a Miami, en los 80.-¿A qué te referís?-A las drogas. En Miami había mucho de todo lo que se te ocurra. Pero era todo dentro de un entorno sofisticado, no pasaba por una onda reviente. El consumo surgía en reuniones, en eventos, nunca en la calle. Empecé consumiendo un poquito de esto y otro poquito de aquello, hasta que de repente me di cuenta que no podía parar, que estaba enferma, que me había convertido en una adicta. Había llegado al punto donde una línea de cocaína es demasiado y mil no son suficientes. Después me volví a Nueva York.-Fue entonces que viviste intensamente las movidas punk, ska y new wave, ¿no?-Sí. Cuando volví a Nueva York viví en el Lower East Side, en la calle 10, a dos cuadras del Saint Mark Place, el epicentro del punk. Un día escuché London Calling (el álbum de The Clash) y me volví tan loca que me fui a Londres, en busca del grupo. Averigüé dónde estaban grabando y me fui directo al estudio. Hablé con el mánager, me invitó a pasar y todos pegamos onda. Luego nos hicimos amigos y volvimos juntos a Nueva York, donde la banda terminó haciendo cinco shows. Durante su estadía en la ciudad compartimos el desayuno todos los días, y a partir de ahí quedé súper conectada con Joe Strummer.-¿Cómo continuó tu derrotero con las drogas?-Yo me fui de Miami pensando que Miami era el problema, pero el problema estaba instalado en mí y me lo llevé a Nueva York. Para ese entonces me había vuelto a casar (con Marco A. Pettit, el bajista de Miami Sound Machine) y tenido con él otro hijo: Aladdin. Pero todo fue de mal en peor. Me mudé de una casa con doble garaje a otra más chiquita y de ahí a un apartamento mediano, hasta llegar prácticamente a una ratonera. Me fui gastando todo y quedando sin nada por las drogas.-¿Es cierto que llegaste a vivir en la calle, en la indigencia absoluta?-Sí, un día vino el mánager del edificio y le puso un candado a mi puerta por falta de pago. Pero antes me permitió ingresar para retirar lo más esencial de mis pertenencias. ¿Y qué me llevé? Los elementos para seguir drogándome en la calle. Evidentemente estaba tan pero tan mal que sólo valoraba eso. ¡Un horror! Por suerte mis hijos estaban en ese momento con sus respectivos padres, uno en Miami y el otro en Buenos Aires.-¿Cómo lograste superar esa situación?-Con un milagro. Esa noche me fui a dormir debajo de un puente, hacía 19 grados bajo cero y no paraba de temblar. Como era imposible conciliar el sueño, empecé a gritar en medio de la oscuridad: "por favor Dios, ayudame, ayudame". Hasta que de golpe vi acercarse a un tipo entre la bruma y le pedí desesperadamente un dólar. Él me respondió: "y si en vez de uno te doy cinco, ¿volvés mañana acá"? Obviamente le dije que sí y al otro día cumplí mi promesa y él también. Entonces me invitó a tomar un café y me dijo: "soy tu ángel guardián y estoy aquí porque Dios me dijo que te ayude". Después me mostró un libro que llevaba consigo y el sobre que había dentro de él. "Aquí tengo diez mil dólares para ayudarte, si vos me permitís que lo haga lo voy a hacer", aseguró. Luego me tomó de la mano, me llevó a comprar ropa y me alquiló un cuartito. A partir de ahí me dio todos los días cinco dólares para comer, hasta que me consiguió un lugar en una clínica carísima de rehabilitación para adictos. Allí me quedé 30 días, y a partir de entonces comenzó mi recuperación total. Hoy ya llevo 20 años limpia.-Lamentablemente, unas décadas después le sucedió algo similar a tu hija Shetay.-Sí. Ella también empezó de a poquito. Parece que le decían que esa droga particular (cristal meth) la iba a ayudar en su proceso de transformación y después no pudo parar. Yo no me di cuenta porque no vivíamos juntas y porque me decía que en realidad estaba tomando vitaminas. Entonces yo le daba plata para que se las compre, hasta que un día le propuse adquirirlas yo por Amazon y ella me dio todo tipo de excusas. Ahí me avivé, pero entonces todo se tornó más difícil.-¿Ella se había ido a vivir con vos a Nueva York para que la acompañaras en su proceso de transición de género?-No, se vino a vivir conmigo en 2012 para trabajar como músico y tatuador. Era un self man talentosísimo y todo lo que tocaba lo convertía en arte. Hasta que un día me confesó que no se sentía hombre sino mujer. Ahí empezó su proceso de transformación y yo la apoyé.-¿Murió de una sobredosis o se suicidó?-No se suicidó (como algunos aseguraron), tuvo un accidente en una estación de subte, a causa de esos tacos que usaba. Parece que ese día había abusado de muchas sustancias y estaba muy paranoica y ansiosa. Por eso se tropezó y se cayó sobre las vías. El subte no la arrolló, pero le pegó en la cabeza y le hizo un agujero enorme. No hubo nada que hacer, pobrecita. Ella iba camino a la iglesia, a pedir ayuda.-¿Cuál fue la reacción de David en ese momento? ¿Pudiste contar con él? ¿Viajó a Nueva York?-Yo llamé a su casa y me atendió su mujer, que no me quiso pasar con él. Entonces le dije lo que había pasado y me respondió: "Entonces vamos a tener que llamar a su médico personal y a su psicólogo para darle la noticia". David nunca me llamó ni vino a Nueva York, yo tuve que hacerme cargo de todo sola. Tampoco asistió más tarde al esparcimiento de las cenizas de Shetay en El Rosedal de Palermo. Pero no lo juzgo porque él no es un recuperado completo, es lo que se llama un borracho seco; tiene la misma actitud que un adicto, pero sin consumir. Entonces está como paralizado. No es que sea un hombre insensible, sólo que no puede ayudar.-¿Cómo superaste la tragedia?-Pasé por todas las etapas de un duelo: primero lloré, después me enojé, luego lo negué; hasta que lo terminé aceptando como una prueba inesperada que me imponía la vida. Sé que si no lo acepto seguiré sufriendo por siempre y yo no quiero sufrir. El sufrimiento es algo que uno elige y yo prefiero celebrar su vida.-¿Te refugiaste en otros afectos? ¿En cuáles?-Sí, yo me volví a casar por tercera vez en Nueva York, en 2007, con (el ingeniero químico, boticario y biólogo) Robert Lundberg, a quien conocí en 1990. Así que él fue un gran apoyo en todo ese momento. Y también (además de Aladdin, que actualmente vive en California) tengo desde hace seis años un hijo del corazón: Dhani Ferrón, que me quiere muchísimo y es el que hoy me está alojando, en esta breve estadía en Buenos Aires. Además, en mi casa de Brooklyn me esperan dos perros yorkshire, que son mi debilidad.-Dhani Ferrón es el bajista de David Lebón. ¿Cómo es que lo adoptaste?-Dhani es un músico genial, que ha tocado con Spinetta y todos los grandes. Un día fui a escucharlo a un club y no tenía entrada; entonces se me ocurrió decirle al señor de seguridad: "¿pero cómo no me van a dejar entrar?, ¡soy la mamá de Dhani!. "Pero por favor -me contestó el guardia- pase nomás, nosotros lo queremos mucho al nene". Él después se enteró de mi ocurrencia y a partir de ahí me empezó a llamar "mami". Nos adoramos. Todos los días me llama por teléfono y es absolutamente cariñoso. ¿Si David está enojado con esta relación? A mí no me interesa y a Dhani tampoco. Para él soy su mamá y para mí él es mi hijo y punto. Está casado con Maru y tienen un hijo, Felipe. Él es mi primer nieto y por esas cosas de la vida David es su padrino.-¿Cómo continúa tu vida hoy? ¿Y tu camino artístico?-En Nueva York volví a la facultad y me convertí en terapeuta de adictos. Hoy puedo detectar a tiempo quién lo es y quién no, y ofrecer de mí lo mejor para salvar vidas. Trabajo en institutos de rehabilitación públicos y también en forma privada. Sigo escribiendo y cantando, por el momento en mi casa, puertas adentro. Mi nuevo contacto artístico con el mundo es mi autobiografía Reina Boba, que me llevó dos años completar y vine a presentar aquí. Pero en cualquier momento aparezco con un disco solista, el primero de mi vida. ¿Por qué no? A mí me gusta sorprender.Agradecimiento: Galería Central Newbery

Los 'comunes' insisten en tumbar los presupuestos catalanes si continúa el Hard Rock y esperan que el Govern recapacite

Ara Tokatlian: la vida en comunidad de Arco Iris, la abstinencia sexual, el mote de "amas de casa del rock" y el reencuentro con Gustavo Santaolalla

Nació en El Cairo, Egipto, y hasta los seis años sólo habló armenio. Sin embargo, con el tiempo Ara Tokatlian se convertiría en una de las figuras claves de la etapa fundacional del rock argentino. Junto a Gustavo Santaolalla, Guillermo Bordarampé y Horacio Gianello creó en 1969 Arco Iris, un grupo que fusionaba el rock con los ritmos autóctonos, vivía en comunidad y dejaba para la historia uno de los grandes hits de la historia del rock argentino: "Mañana campestre".Después de seis años de trayectoria y seis álbumes, en 1975 el cuarteto se separó y dos años más tarde el cantante, saxofonista (y experto en diversos instrumentos de viento) se marchó a California en compañía de Dana (Danais Wynnycka), su pareja, maestra y líder espiritual del grupo, considerada también como quinto integrante de la banda. Allí continuó generando música, más ligada al jazz, al frente de distintas formaciones que mantuvieron siempre el nombre del grupo primigenio: Arco Iris.Hoy, a los 72 años, Ara Tokatlian regresa al país para reencontrarse con el público de sus comienzos y ganar nuevas audiencias. No lo hace solo sino en compañía de su hijo norteamericano Arita (formalmente Ara Tokatlian Jr), de 18 años, fruto de una nueva relación sentimental, en teclados, saxo alto y voz; y de los locales Juan Pedro Estanga (en batería), Roberto Amerise (en bajo) y Carlos Campos (en guitarra). La cita será el sábado 6 de abril a las 21 en Rondeman (Lavalle 3177), el bar musical del Abasto. Pero antes participará de la avant premiere oficial del documental Arco Iris. Música y filosofía. La película, que dirigió el periodista y productor musical Fabio Scaturchio (que en abril llegará a todos los cines del país). -¿Cuál será la lista de temas del concierto? ¿Van a estar los clásicos de Arco Iris?-Mi drama es que el grueso del público me sigue por el Arco Iris de los comienzos. Y no hay un solo Arco Iris. Hay uno del 69 al 75, que yo llamo el Arco Iris de la primera etapa, con Gustavo, Guillermo, Horacio, Dana y yo; y después está el otro, el que arranca en el 75 y continúa hasta la fecha, pero que tiene subdivisiones. Una de ellas es la de la formación posterior a la separación de la banda original, cuando quedamos Guillermo, Dana y yo y grabamos Los elementales. Otra subdivisión es la que comienza en el 82, cuando Guillermo se abre del grupo para hacer un camino propio y formar una familia fuera de La hermandad. Bueno, en este recital todos serán temas del segundo Arco Iris, de las décadas del 80, del 90 y del 2000, más emparentados con la fusión del jazz con el rock y también con el folklore; temas contenidos en álbumes como Peace Pipes, En Vivo Hoy, Peace Will Save The Rainbow y Faisán azul. Pero al final, te adelanto en exclusiva, tocaremos "Mañana campestre" y "El blues de Dana". La gente se los merece.-¿Por qué se separó el Arco Iris original?-Nunca nos sentamos a hablar con Gustavo y Guillermo sobre el tema. No sé a ciencia cierta lo que habrá pasado en el interior de cada uno de ellos para haber tomado la decisión de separarse del grupo. Sólo tengo impresiones, pero no certezas. Lo concreto es que por distintos motivos ambos quisieron abrirse, al punto que nuestra amistad quedó en un pendiente. Con Guillermo, luego del fallecimiento de Dana en 2003, nos volvimos a encontrar y retomamos la amistad. Hoy tenemos un sentido de hermandad mucho más fuerte que antes. Por ahí hoy tenemos diferentes criterios sobre si existen Dios y el karma o qué sucede cuando nos morimos. El cree que existe una inteligencia superior que dio y da origen a todo; lo mío es más astronómico, más científico; pero con respecto al resto seguimos pensando igual a cuando conocimos a Dana. Con Gustavo, en cambio, la amistad quedó en stand by y me resulta más difícil sacarla de ahí. Pero confío en que algún día le encontraré la manera.-A propósito, siempre se comentó que Gustavo Santaolalla se había ido de Arco Iris disgustado por tu relación amorosa con Dana, su ex...-Eso no es cierto, es más, es un absurdo. Yo me puse en pareja con Dana en el 83. Para ese entonces, Gustavo ya se había ido de Arco Iris hacía rato. Esto, en todo caso, es parte de una leyenda. Él nunca me reprochó nada. Es más, te cuento que con Dana nos convertimos en pareja recién cuando nos casamos y no al revés. Para ser más claro, tuvimos sexo después de casarnos. Jamás hice nada inapropiado o indecente mientras Gustavo fue novio de Dana y ella, obviamente, tampoco. Ellos sí se daban algunos besitos o piquitos y se agarraban de la mano, pero tampoco tenían relaciones porque Dana pensaba que eso tenía que suceder tras el casamiento y con un solo fin: la procreación.-Ahora que te adentraste en el tema, ¿qué fue mito y qué verdad de la vida en comunidad que llevaban adelante? Me refiero no sólo a la abstinencia sexual sino también al ascetismo y a la vida monástica.-Fue todo tal cual, orientado por Dana y aceptado por todos. Teníamos la edad que ahora tiene mi hijo, la edad en que los jóvenes están en plena ebullición. Aceptábamos la abstinencia sexual porque queríamos y creíamos en ella. ¿Quién le podría imponer algo así a un joven? Sublimábamos la energía sexual a través del kundalini en aras de lograr un mejor y mayor control sobre nuestros instintos bajos. Yo sé que muchos se nos reían por eso, pero por algo fuimos una banda que marcó un sello en sólo tres años. Teníamos una polenta increíble porque poníamos toda la energía exclusivamente en la música. En fin, éramos soldados de nuestra filosofía, combatientes pacíficos de ella.-¿No tuviste problemas en todos estos años por seguir usando la marca Arco Iris? ¿Alguna vez tus ex compañeros te lo reprocharon?-Cuando una banda se separa pueden pasar varias cosas. Cuando lo hizo Traffic nadie usó más ese nombre, pero cuando lo hizo Chicago alguien se quedó con esa denominación y hoy en día sigue editando discos. En nuestro caso la palabra Arco Iris fue puesta por otra persona, no fue una idea nuestra. Lo decidió el productor Ricardo Kleinman, que trabajaba por ese entonces para RCA Victor. Él tenía pensado dos nombres para la banda: Arco Iris y Beatitud. ¿Por qué Beatitud? Porque éramos los chicos buenos, no fumábamos, no nos drogábamos, estudiábamos disciplinas orientales y éramos vegetarianos. A mí no me gustaba ese nombre, me daba medio santón. Por suerte primó Arco Iris, un nombre más universal. -¿Y qué pasó cuando se decidieron por ese nombre?-Tuvimos que ir al Registro de la Propiedad para gestionar una licencia y, como éramos menores, terminó firmando los papeles el papá de Gustavo. Cuando el padre fallece esa propiedad pasa a manos de Gustavo, que ya era mayor de edad. Cuando él se abre del grupo no tuvo ningún problema en cedernos el nombre. Cuando nos vamos del país, en 1977, cansados de que nos paren por un lado los Montoneros, por otro lado la Triple A y obviamente los militares -sólo por tener el pelo largo y parecer hippies, porque éramos apolíticos-, y de no poder trabajar en paz, dejamos el tema de los derechos del nombre en manos de un gestor. ¿Y qué hizo este chanta? Nada, por eso perdimos la marca del 79 al 89. No lo renovó a tiempo, se quedó con nuestro dinero y el nombre fue a parar... ¡a un jardín de infantes! Recién en marzo del 89 pude recuperar el nombre y desde entonces me pertenece exclusivamente a mí. Así que mis excompañeros no tienen qué reprocharme. Eso no quita que alguna vez me hayan dicho: "ya es hora de que dejes de tocar como Arco Iris, ¿eh?".-Para el documental Arco Iris. Música y Filosofía, La película, el director Fabio Scaturchio logró que Gustavo, Guillermo y vos volvieran a reunirse y hasta cantaran "Mañana campestre". ¿Ahora los fans podrían fantasear con una reunión del grupo sobre un escenario?-Es difícil pero no imposible. En lo que a mí respecta, cada vez tengo más ganas de que eso suceda. La única duda es, si nos llegamos a juntar, ¿de qué época serían los temas que tocaríamos? Porque yo quiero tocar mis temas, los temas del período más largo de la banda, los comprendidos entre 1975 y hoy. Tendríamos que sentarnos y decidir muy democráticamente y en paz qué es lo que sería mejor para los tres, para volver a ser un Arco Iris de armonía, amor y comprensión. Y si el show va durar dos horas y media lo justo sería que hagamos algunos temas de la primera etapa, otros de la segunda, cuando sólo quedamos Guillermo y yo y varios de los nuevos, que son los míos. Y después, sí, cerraríamos con el hit "Mañana campestre". Así no tendría ningún problema en volver a juntarnos, pero sólo para hacer temas de los primeros seis años de Arco Iris, no. Pero, te repito, me encantaría que nos volviéramos a juntar como cuando éramos chicos y sólo nos importaba la música. No me importaría quién abre o cierra el concierto sino el propio evento que significaría la reunión.-¿De alguna manera me estás diciendo que hasta el momento no pudieron volver a juntarse en un escenario por una cuestión de egos?-Tengo que juntar valor y decirte que sí. Egos musicales, más que nada, no de personalidades. No sé qué pasa por la cabeza y el corazón de Gustavo, yo sí quiero volver a tocar con él, y también con Guillermo por supuesto, pero no podría hacer sólo los temas de los comienzos. Eso sería admitir que ese es el único Arco Iris válido y yo no opino así. Para Gustavo -lo sé porque lo ha hecho público- Arco Iris concluyó cuando se fue él.-Volviendo al documental, ¿qué sentiste al interpretar junto a tus excompañeros "Mañana campestre", después de tantos años? ¿La química entre ustedes se mantenía intacta?-Me encantó y me brotaron unas enormes ganas de llorar. Fue algo fuertísimo. Es que yo los quiero a ellos, son mis hermanos. Nosotros nos conocemos desde los 12 años, pasamos de todo juntos, desde las dificultades en nuestras familias hasta el rechazo que provocábamos porque no comíamos carne o no íbamos a la iglesia. Los tres éramos el núcleo de la banda, Horacio (Gianello) no. Yo siempre lo adoré y lo respeté, pero nunca convivió con nosotros, nunca fue parte de "la pareja de muchos" que significaba La Hermandad. Con él, por ejemplo, nunca cocinamos ni limpiamos pisos ni lavamos ni planchamos ropa.-Fue por eso que los llamaban "Las amas de casa del rock", ¿no?-Sí. Se burlaban de nosotros para aislarnos. Y lo que hacíamos era realmente serio, parte de una filosofía de vida democrática, justa y anti discriminatoria. Teníamos unos principios y los poníamos en práctica. No éramos comprendidos y no tenía sentido salir a explicar nada. Hoy sigo cumpliendo con esos preceptos; si venís a mi casa verás que yo mismo me encargo de todos los quehaceres. Ahora esto es muy común, pero hace cincuenta años los chicos y chicas no se repartían las tareas hogareñas por igual. En ese sentido hoy el mundo es más al estilo Arco Iris.-¿Cómo es tu vida hoy en California? ¿Vivís con tu hijo?-Vivimos juntos en una cabaña hermosa de 130 años, en el medio de un bosque, cerca de un lago, en una localidad de montaña: Blue Jay, a 2.500 metros de altura y a 160 kilómetros de Los Ángeles. Allí me dedico a ser un buen padre, a proveer y educar. Mi hijo sabe que me puede preguntar lo que sea, que yo estoy para contarle todo lo que sé en materia musical, filosófica y espiritual. No para que siga mis propios pasos, los de Arco Iris, sino para que cuente con la mayor cantidad de información necesaria con vistas a decidir su camino. De todas maneras, ya sé que él comparte muchas de mis ideas sobre el mundo y la vida. Como buenos músicos, somos de acostarnos tarde y nos gusta el fútbol con locura.-¿Y a nivel emocional? Sé que después del fallecimiento de Dana, en 2003, entraste en una etapa de profunda depresión...-Sí. Yo estuve junto a Dana en todo su proceso contra el cáncer y, es más, fui testigo de su última expiración. La acompañé a Tijuana, en México, porque ella quería probar un tratamiento natural, no invasivo. Y ahí tuvo días mejores y días peores, y llegamos a pensar que iba a zafar. Creíamos que por su gran ascendente espiritual todo iba a ser de otra manera, pero no fue así. Mi gran incertidumbre y mi gran terror era qué pasaría conmigo el día que ella muriera, y ese día finalmente llegó. Dos días antes, Dana alcanzó a decir: "Cómo me gustaría que estén acá Gustavo y Guillermo y volvamos a estar todos juntos". Una mañana cerró los ojos y no los volvió a abrir. Estaba viva, pero ya no reaccionaba. Yo le hablaba y creía que esbozaba una sonrisa. Después, el momento en que expiró, el de su último suspiro, fue terrible. De todos modos, logré hacer lo que ella me había pedido que pusiera en práctica.-¿Qué fue lo que hiciste?-Colocarle una botella de agua caliente en la planta de sus pies. Ella creía que eso ayudaría al espíritu a despegarse de su cuerpo.-¿Ese fue tu último acto de amor?-No, el último fue al otro día, en la morgue, momentos antes de su cremación. La besé y le puse en sus manos el símbolo de Arco Iris. Y en ese momento, fijate vos, estaba junto a mí una mujer que luego sería la mamá de Arita: Yamel. Entonces no tenía la menor idea de lo que ella más tarde significaría en mi vida. Para mí simplemente era la novia de uno de los médicos más jóvenes que atendían a Dana. Tal vez fue la misma Dana quien me la puso en el camino para que no quedara tan solo.-Y así finalmente formaste una familia.-Sí, porque con Dana no pudimos tener hijos. Con Yamel sí cumplí mi sueño de ser padre, pero hace dos años que ella decidió separarse de nuestras vidas y emprender un camino distinto. Por eso hoy vivo solo con Arita. Nos seguimos llevando muy bien los tres y nos viene a visitar seguido, pero ya no somos pareja. De todos modos la sigo adorando.-Cuando regresás al país, ¿volvés a tus pagos, al Oeste, a Ciudad Jardín, donde te criaste y nació Arco Iris?-Sí, siempre lo hago. Es que allí, en la casa de la infancia, aún vive mi mamá, quien fuera la pianista de la capilla donde nos conocimos Gustavo y yo. ¿Lo sabías? Ahora tiene Alzheimer y casi no me reconoce, pero igualmente logramos comunicarnos a través de la música. En Ciudad Jardín también permanecen mi hermano, mi cuñada, mis sobrinos y mis primas. ¡Y mis compañeros de la secundaria! Por eso, y por el reencuentro con los fans de Arco Iris, volver a la Argentina de vez en cuando es un tsunami sentimental.-Por último, ¿qué se mantiene vigente y qué no, en vos, de la filosofía de vida de Arco Iris?-Prácticamente todo. Por eso pude seguir adelante con Arco Iris a lo largo de los años, porque más que una propuesta musical es una filosofía de vida, como vos lo has dicho. Y nunca quise interrumpir con ella porque hasta el día de hoy sigo pensando lo mismo o parecido. Digamos que sigo profesando lo mismo pero desde un enfoque más amplio y menos estricto. Antes, por ejemplo, pensaba que cuando uno moría continuaba viviendo de otra manera. Hoy no tengo ese pensar ni tampoco la necesidad de responder esa pregunta. Estaría bueno volver a encontrarme en algún momento con mi padre o con Dana, sí, pero no creo que la vida sólo tenga sentido si se perpetúa después de la muerte. Es como restarle importancia al aquí y ahora, cuando lo importante es el presente y lo que hacemos con él. Hoy tenemos la oportunidad de dejar una huella hermosa, tener buenos sentimientos, amar y hacer las cosas bien. Eso es lo que vale.

De bandas de rock e historias de amor

Antes que nada: jamás fui fan, nunca pegué posters de mi grupo favorito en la pared, ni siquiera me desviví -en un país donde semejante cosa te arroja a cierta orfandad- por algún equipo de fútbol u opción de hierro similar. Marca de fábrica, nada que hacerle, la cosa es así y no creo que sea cuestión ni de jactarse ni de sentirse condenada.Pero probablemente fue por esta misma condición que, una vez que comencé a leer Porque demasiado no es suficiente (editorial Montacerdos) de Mariana Enriquez, no pude soltarlo. Hasta el final, una última página, la coda deliciosa, los versos donde T. S. Eliot dice: "Váyanse, váyanse, dijo el pájaro: el género humano/No puede soportar tanta realidad".Porque demasiado no es suficiente es una suerte de ensayo sobre eso que a mí me resulta tan ajeno: la pasión desaforada, gozosa, sufriente, del fan. Es, también, una especie de diario donde la autora cuenta su historia de amor con la banda de rock británico Suede. Y es, asimismo, una profunda pero en absoluto solemne reflexión sobre la crítica de rock escrita por mujeres. Por mujeres enamoradas. Mujeres que -como Enriquez- son capaces de amar a una banda hasta que duela y hacen de esa intensidad -ese otro lado de la razón- la fuente de su mayor lucidez, la vía desde donde, con el alma, con el cuerpo, con la mente, logran escribir lo que escriben.La autora se remonta al siglo XIX, al romanticismo, Lord Byron, Liszt. Y resulta que, sí, tanto tiempo antes de los Beatles un escritor y un músico, en distintos puntos de Europa, fueron amados, perseguidos, adorados y reverenciados por mujeres que desfallecían por ellos y por lo que eran capaces de hacer con su arteNo soy la única que, desde la orilla del no-fan, disfrutó de este libro. Hace unos días, en el scrolleo habitual por Instagram, descubrí un posteo del psicoanalista Luciano Luterau, donde definía a Porque demasiado no es suficiente como "un libro acerca de la historia de una iniciación en el amor y en una forma de erotismo que se gesta en los vacíos y los abismos de una existencia femenina". Luterau nos recuerda que el desborde, lo abierto, no siempre es exceso; también puede ser capacidad creadora. "De este modo -continúa- el libro explora la potencia del erotismo femenino en la experiencia de la música (en su creación, en su realización y en su elaboración crítica o periodística)".Por su parte, Enriquez, reflexiva, escribe: "Ser fan es tener una relación no solo a distancia, sino con la distancia. Ni siquiera es posible saber del todo quién está del otro lado". Desesperada, afirma: "Hay pocas bandas, en serio, que me hacen sufrir así". Despojada, sentencia: "Una canción de verano es buen sexo entre las dunas: ser fan es un matrimonio".El libro es una delicia porque es inteligente, confesional, reflexivo, sexi. E ilumina el fenómeno del fan -de las fans- desde un costado que puede resultar imprevisto. La autora se remonta al siglo XIX, al romanticismo, Lord Byron, Liszt. Y resulta que, sí, tanto tiempo antes de los Beatles un escritor y un músico, en distintos puntos de Europa, fueron amados, perseguidos, adorados y reverenciados por mujeres que desfallecían por ellos y por lo que eran capaces de hacer con su arte. Las pioneras.Byronmanía: chicas que enloquecían ante la "palidez de luna" del escritor, le enviaban cartas, leían con fruición sus poemarios, se juntaban en la puerta de la editorial para verlo. Lisztomanía: públicos que entraban en éxtasis en cada concierto, mujeres que se desmayaban, que tomaban las colillas de los cigarrillos que había fumado el músico y se las guardaban en el escote. Mujeres que necesitaban -como lo ansiarían luego las fans del siglo XX- que la música exhale "choques eléctricos", "rugidos de calor".Una instancia de magia, una conexión con eso otro del mundo que cada tanto irradia algo de luz.Enriquez reivindica el fervor musical como uno de los modos del amor. Un vendaval que lleva color a los suburbios grises -ni hace falta decir dónde nacieron los más rutilantes dioses del rock-, y hace que tantos chicos, tantas chicas, puedan respirar del agobio de cada día, sentir que el corazón late y que la fantasía es posible.

Tractores y manifestantes cortan la AP-7 a la altura de Cambrils contra el Hard Rock

El rock pide banca: Dave Rowntree, de Blur, se postula para el Parlamento del Reino Unido

El baterista de la legendaria banda británica expresó su "emoción" por la oportunidad de convertirse en el primer diputado laborista del distrito de Mid Sussex.

Campanas en la noche: el último hit del rock nacional que se hizo canción de cancha cumplió 20 años

Con letra cambiada, el tema de Los Tipitos lo corean las hinchadas de Vélez y San Lorenzo.Está inspirado en un cuento de Edgar Allan Poe y en una recomendación del escritor Abelardo Castillo.Su autor, Walter Piancioli, dice: "Mucha gente que conoce la canción no sabe quiénes somos".

Totalmente poseídos: una épica sobre el rock, las rutas salvajes y una celebración de La Renga y sus fanáticos

La Renga: totalmente poseídos (Argentina/2024). Dirección: Gustavo Nápoli y Diego Stokelj. Guion: Gustavo Nápoli. Edición: Gustavo Cataldi, Lisandro Costa y Sebastián Arcidiácono. Sonido: Matías Goncalvez. Música: La Renga. Calificación: Apta para todo público. Distribuidora: Lupino Films. Duración: 93 minutos. Nuestra opinión: muy buena.Con las letras rojas y movedizas, como las que identifican el nombre de la banda, Totalmente poseídos se presenta en la pantalla. Es un viaje que condensa una gira por distintas provincias, es un disco que sintetiza la vitalidad del rock, es un documental que alberga en su esencia la historia de la banda, su identidad federal y su vigencia. Escapa a los moldes gastados del género, al necesario didactismo, a las presentaciones cómodas para espectadores desprevenidos. Es una celebración para sus seguidores, para quienes compartieron el viaje gritando y cantando en esos mismos escenarios, los que escucharon el disco como una nueva cita impostergable, los que gritan con euforia desde la butaca del cine o repasan en su mente las letras ya conocidas. Tiene todos los guiños, esa voz aguardentosa de Chizzo Nápoli que atraviesa el relato a modo de diario de viaje, la mística de unos amigos que se lanzan a la ruta en moto, que desafían el tiempo y abrazan la épica del paisaje.Totalmente poseídos fue filmada a lo largo de 2022 luego de la presentación del último disco de la banda, Alejado de la red, e incluye además tres temas inéditos: "Buena ruta, hermano", "Ese lugar de ninguna parte" y "En la banquina de algún lado". Pero bajo ese registro de los recitales, de la euforia del público, del sonido envolvente de la banda, está el periplo ficcional que elaboran Nápoli y Diego Stokelj desde el guion y la dirección. Un camino de los héroes, circular, como había imaginado Joseph Campbell en su análisis, pero no de juventud, sino de veteranía en la profesión y madurez en el aprendizaje. La partida es un mapa, una ruta proyectada a lo largo de las provincias argentinas, cada territorio como enclave, la hilera de motos como punteo de esa peregrinación. Los integrantes de La Renga se hermanan con sus admiradores, no se diferencian de ellos, no hay fronteras en el escenario ni límites en el recorrido por la tierra que los recibe. Si bien están las tomas aéreas de los drones que dan imponencia a los paisajes, lo mejor está en el registro sobre el suelo, al ras de las ruedas en el asfalto, con los pies en la tierra y la música en el aire.Hay que pensar esta película como un regalo a los fieles, como una celebración con los amigos que se hacen a lo largo del camino. Están, claro, los ecos de aquellas road movies de la generación que conquistó el lado oscuro del Oeste en el Nuevo Hollywood como Busco mi destino (1969) de Dennis Hopper o Carrera sin fin (1971) de Monte Hellman, almas errantes que evocan el espíritu de los rockeros de aquella generación. Pero también hay algo puramente auténtico en la película, un canto festivo ante tanto augurio de que el rock se extingue y solo vale despedirlo con melancolía. Un sonido potente, una narrativa mística, sus risas de siempre, sus motos en marcha. Totalmente poseídos es una antídoto ante cualquier derrotismo, una abrazo a esa vida que late en la música y en la ruta, una pequeña épica de los aventureros que no tienen destino, sino una férrea voluntad de caminantes.

'Por tus muertos', la comedia que rompe con los prejuicios de la música rock y de la edad

Sayago Ayuso debuta en la dirección con una película sobre la amistad y la filosofía de hacer lo que se precie. Con José Mota o Jorge Sanz, su cinta es un "homenaje" a las grandes canciones y bandas que le han acompañado