película

La psicología dice que las personas que vuelven a los juegos de su infancia, sus películas o canciones favoritas no solo buscan diversión, sino la persona que solían ser: la magia que antes duraba tardes enteras ahora se desvanece en minutos

Jugar a lo de antes o escuchar tus viejos temas no es estancamiento: es un mecanismo cerebral para cuidar tu salud mental.

"Michael" se convirtió en la película biográfica musical más taquillera de todos los tiempos

Lionsgate y Universal lograron esta hazaña con el estreno de la película sobre Michael Jackson, hoy en Japón.

La película "Michael" se acerca a los USD 900 millones y al récord de Bohemian Rhapsody

El filme Michael acumuló 891,8 millones de dólares a nivel global hasta el 12 de junio de 2026 y dejó atrás a Bohemian Rhapsody antes de su lanzamiento en Japón, según Box Office Mojo

Fin de semana largo: las 10 películas de Netflix ideales para ver los días de descanso

Con la llegada del fin de semana extendido, la plataforma de streaming renueva su catálogo cinematográfico con producciones internacionales que van desde el thriller hasta la comedia romántica. Leer más

Qué ver en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar el fin de semana XL

El lunes 15 de junio se conmemora el Paso a la Inmortalidad del General Martín Miguel de Güemes en Argentina. Aunque la fecha histórica y oficial de su fallecimiento es el 17 de junio, el feriado fue trasladado al lunes para formar un fin de semana largo de tres días. A raíz de esto es que muchos buscarán deleitarse un buen rato frente a la pantalla. Si sos de los que no puede decidirse entre la amplia oferta que ofrece Netflix, este es el ranking de las películas y series más vistas en Argentina para que disfrutes solo o en compañía.Las cinco mejores series para ver este fin de semana XL en Netflix1. Rosario Tijeras 5 (2026)Drama/Acción. La nueva entrega sigue a la célebre guerrera y a El Ángel mientras intentan dejar atrás la violencia para reconstruir sus vidas, algo frustrado por el crimen organizado. El eje de la historia es el drástico cambio de su hija, Ruby, quien entrena como asesina del bando enemigo, obligando a Rosario a enfrentarse a ella. Duración: 38 episodios. Ver Rosario Tijeras 5.2. El testigo (2026)Crimen/Basado en hechos reales. La pareja de la asesinada Rachel Nickell intenta proteger a su hijo de dos años, el único testigo del crimen, durante una investigación repleta de errores. Duración: tres episodios. Ver El testigo.3. Así aprenderás (2026)Comedia/Drama. Unos inspectores insólitos entran en escena en los colegios, con lecciones duras de las que no aparecen en los libros de texto, para terminar con las reiteradas faltas de respeto. Duración: 10 episodios. Ver Así aprenderás.4. Michael Jackson: el veredicto (2026)Documental/Abuso sexual. En 2003, Michael Jackson, posiblemente la figura más famosa y querida de la cultura pop de todos los tiempos, fue acusado de múltiples cargos de pederastia, lo que desencadenó una tormenta mediática y un proceso judicial que cautivó a millones de personas. Este documental reconstruye el juicio (y todo lo que lo rodeó) a partir de los testimonios de quienes lo vivieron dentro de la sala. Duración: tres episodios. Ver Michael Jackson: el veredicto.5. Southland (2009)Thriller/Drama. El policía veterano de Los Ángeles, John Cooper, es asignado para entrenar a la novata Ben Sherman, que está cuestionándose si ella tiene lo que se necesita para volverse un oficial de la policía, luego de ser testigo del comportamiento sin sentido de Cooper. Otros miembros del equipo de la policía incluyen a la detective Lydia Adams, quien es la principal cuidadora de su madre mientras está fuera del trabajo; su compañero, Russell Clarke, un padre de tres que está infelizmente casado; el detective Daniel "Sal" Salinger, quien supervisa al grupo de detectives, Nate Moretta y Sammy Bryan; y la oficial de patrulla Chickie Brown, una madre soltera que tiene la esperanza de unirse al equipo SWAT. Duración: cinco temporadas. Ver Southland.Las cinco mejores películas para ver este fin de semana XL en Netflix1. Los colores del mal: Negro (2026)Thriller/Drama. Cuando un chico desaparece en un pequeño y tranquilo pueblo, un fiscal que acaba de ser reasignado empieza a descubrir vínculos inesperados. Duración: 1 hora 50 minutos. Ver Los colores del mal: Negro. 2. Turbulencia en la oficina (2026)Romance/Comedia. Jackie, presidenta y directora ejecutiva de la aerolínea Air Cruz, dirige su empresa con mano dura, imponiendo una estricta normativa que prohíbe las relaciones entre empleados. Sin embargo, cuando un nuevo y atractivo abogado se incorpora a la compañía y comienza a trabajar para ella, esa norma se pondrá a prueba. Duración: 1 hora 54 minutos. Ver Turbulencia en la oficina.3. La desconocida (2026)Thriller/Drama. Una mujer es hallada por la policía dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, amordazada y maniatada. Incapaz de recordar su identidad, es trasladada al hospital, donde su vida vuelve a estar en peligro tras un intento de asesinato. La detective Anna Ripoll es asignada para investigar este enigmático caso junto al oficial Quique Zárate. Juntos se embarcarán en una carrera a contrarreloj por descubrir la identidad de esta misteriosa mujer y los secretos ocultos en su memoria. Duración: 1 hora 49 minutos. Ver La desconocida. 4. Si te casás... te mato (2005)Romance/Drama. Jennifer Lopez es Charlie, una joven ilusionada que piensa que encontró al hombre de su vida... hasta que conoce a su futura suegra, una diabólica mujer que cree que no hay mujer suficientemente buena para su hijo. Duración: 1 hora 41 minutos. Ver Si te casás... te mato.5. Risa y la cabina del viento (2026)Drama/Fantástico. Luego de perder a su papá en un trágico incendio, Risa, una niña de diez años, descubre un teléfono público fuera de servicio que le permite hablar con los muertos. Cada uno de ellos tiene un deseo, un pedido, algo que resolver. Si Risa los ayuda con sus asuntos pendientes en el mundo de los vivos, ellos le dejarán cumplir su deseo imposible: el de hablar con su padre una última vez. Duración: 1 h 37 min. Ver Risa y la cabina del viento.

Netflix estrenará una película sobre la Madre de Plaza de Mayo Azucena Villaflor

Acaba de finalizar el rodaje del film que protagonizan Verónica Llinás y Peter Lanzani. Se contará los primeros pasos de Madres, y la infiltración del genocida Alfredo Astiz para secuestrar, torturar y asesinar a las mujeres que se reunían en la iglesia Santa Cruz. El film se estrenará en 2027.

Spielberg y el arte de maravillar: cinco películas que explican la grandeza del director

Se acaba de estrenar la película número treinta y cinco de Steven Spielberg, de los directores vivos el que mayor influencia ha ejercido en el cine de las últimas cinco décadas. No sólo por lo que filmó o produjo, y no solo por sus aciertos: su obra sirvió también para "filmarle en contra" (un poco lo que pensaba Godard de sus películas y de él mismo) y que aparecieran formas nuevas. De allí el grado de influencia que mencionamos. También es uno de esos pocos realizadores que, antes de ponerse a filmar, se coloca en la butaca del espectador. No necesariamente un "cinéfilo" en el sentido académico, adocenado y adolescente (incluso por lo autosatisfactorio) al que recurren quienes orgullosamente se autodefinen así, pero sí un espectador voraz, de esos a los que les gustan todas las películas. Por eso es tan próximo a nosotros, más que otros directores de su generación como Scorsese o Coppola. También es un creador de iconos tan fijos hoy en la imaginación popular que asombra: el Tiburón, E.T., Indiana Jones, el T-Rex y los Velocirraptors son parte de un acervo universal que remiten a su trabajo. También sucede algo más: es muy difícil que no hayamos visto, que no conozcamos por lo menos cinco "películas de Spielberg". Y en esa evidencia, aparece -siempre pasa- un misterio: ¿Cómo es y por qué nos atrae el cine de Steven Spielberg? Para dilucidarlo, vamos a recomendar cinco películas. No necesariamente las más conocidas o "canónicas", sino las que permiten entender qué tiene de único o novedoso su trabajo. Una de las estrategias, figuras de estilo o método -como quieran llamarlo- más frecuentes en sus películas consiste en mostrar un mundo al revés de como lo hace el cine tradicional. En efecto, se suele enseñar que hay que ir "de lo general" a lo "particular". Digamos que Hitchcock en La ventana Indiscreta parte de mostrar el patio de un edificio, meter la cámara en un departamento, mostrar que allí vive un fotógrafo y, de allí, al personaje central. Spielberg hace lo contrario: nos muestra a alguien mirando asombrado, luego abre el plano mientras nos preguntamos qué mira, por qué el asombro. O sea, nos metemos en la película a través de esa pregunta. Es famosa la secuencia de aparición del brontosaurio en Jurassic Park (Netflix, HBO Max, Prime Video y otras), pero la mejor implementación está en Guerra de los Mundos (Paramount+). La adaptación de la novela de H.G. Wells muestra el miedo constante de unos Estados Unidos que acababan de sufrir el 11/S, y la aventura de ese padre y esos hijos está construida de tal modo que los extraterrestres apenas se ven, la guerra alien es algo que sucede alrededor y que aparece por indicios (cuerpos en un río, ropa cayendo, etcétera) que comienza en los ojos de los personajes.Otra figura de estilo, similar pero no igual, es tomar un muy pequeño detalle del plano, un objeto casi siempre, que se encadena en acciones que llevan a un resultado mucho más grande. Las cartas que pasan de escritorio en escritorio en una secuencia muda y magistral de Rescatando al soldado Ryan (Netflix) son un caso; las uñas de Quint sobre el pizarrón de Tiburón (HBO Max), otro; el puré de papas en el plato de Roy Neary en Encuentros cercanos del tercer tipo, otro. Pero el mejor es el del inicio (los inicios de las películas de Spielberg son siempre obras en sí mismas) de Amistad (Netflix), el film sobre un barco negrero en el que los esclavos se rebelan y terminan enjuiciados por motín en el Washington D.C. de principios del siglo XIX. Poco recordada, aquel inicio es solo unos dedos arrancando un clavo de un tablón de madera. Y eso muestra muchas cosas: la inteligencia del personaje central interpretado por Djimon Hounsou, la brutalidad del encierro, la dimensión épica de la historia que luego se convierte en un drama judicial y, sobre todo, el punto sobre el que gira toda la película: la igualdad de todos los seres humanos ante la ley. Al transformar al esclavo en héroe, le otorga una dimensión moral que será puesta en juego durante toda la película y que abre, además otro tema recurrente: la comunicación.Si en Amistad es la necesidad de comunicarse entre el esclavo y el abogado (un Anthony Hopkins notable) que pertenecen a dos mundos y dos experiencias completamente distintas, lo mismo pasa en E.T. (Netflix) entre el extraterrestre y Elliot, en Guerra de los Mundos entre Tom Cruise y Tim Robbins (el preludio a una de las escenas más terribles de toda su filmografía), y en La Terminal (Paramount+) entre Tom Hanks y todo su entorno de habitantes de un no lugar. Pero la película donde este tema está mejor desarrollado es en Puente de Espías (hoy no disponible, pero aparecerá en Netflix y Prime Video). No solo ese abogado que interpreta Hanks (la encarnación definitiva del "everyman" clásico en las películas del realizador) debe entender los prejuicios de su propia sociedad y comunicarse con quien se supone que es un enemigo, sino construir un lenguaje al margen del lenguaje, un sistema de sobreentendidos, de fingimientos, de muecas en las que lo verdaderamente humano de las personas trasciende los condicionamientos políticos o ideológicos (el momento en el que "habla" con un "segundo" de un comisario político es de las grandes secuencias del realizador).En casi todas las películas de Spielberg hay personajes dobles que podrían describirse como "el que vive en el mundo de ficciones y aventuras" y "el que debe vivir en el mundo real". A veces es uno y el mismo personaje con dos caras (el Peter Pan que interpreta Robin Williams en Hook, película infravalorada); a veces es un abanico de posibilidades. En Jurassic Park, el personaje de Sam Neill se confronta con el de Richard Attenborough (el científico que ve la realidad, el creador de ilusiones al que la invención se le va de las manos); en Los Fabelman, el joven cineasta se confronta con el padre ingenuoâ?¦ o con el padre simbólico, el John Ford que encarna David Lynch, y tiene que elegir. El mejor duelo en todo caso es el de Atrápame si puedes, donde al chico que inventa puras ficciones para recuperar a su familia lo interpela el investigador del FBI que ha perdido la suya. Esa película, también cercana a los gustos cinematográficos de Spielberg (el Frank Abagnale Jr. del film está moldeado alrededor del Antoine Doinel de Los 400 golpes y, sobre todo, Besos robados, películas de su amigo Francois Truffaut) es de las más importantes del realizador, y hace perfecto juego con Los Fabelmans.Porque hay algo que queda muy claro en el cine de Steven Spielberg y es que toda su visión del mundo, todo lo que es y fue y será, surge del prisma de las películas. Dicho de otro modo: su vida y su cine se unen desde el principio de su biografía, como si la única manera de haber experimentado la realidad hubiera sido a través de las películas. Hay una anécdota increíble: en 1983, Roman Polanski visitaba a Spielberg en la India, donde se estaba rodando Indiana Jones y el Templo de la Perdición. La idea era hablar de un probable proyecto sobre Tintín que debía protagonizar Polanski (la película se haría tres décadas después en captura de movimiento, sin Polanski, y es una belleza absoluta). El director de Barrio Chino contaba el enojo de Spielberg por los elefantes de transporte que pedía. Una y otra vez los rechazaba hasta que Polanski le preguntó por qué. Spielberg replicó que los elefantes de transporte no eran "así" (es decir, como se usaban en la India de verdad) sino como en la película Kim de la India, su modelo de ese universo. La anécdota es graciosa, pero muestra la importancia absoluta del cine como "hogar" en la obra del director.Por eso en sus películas el cine, el espectáculo, es algo que une a las personas. Por eso es que E.T. ve El hombre quieto en TV y Elliott besa a su compañera de colegio; o la cacería de dinosaurios en El mundo perdido-Jurassic Park es una amplificación de la de ¡Hatari!, la obra maestra de Howard Hawks. Por eso la gratuidad maravillosa de El templo de la perdición. Pero el film clave aquí es Ready Player One (HBO Max, Mercado Play), donde el cine ha dado un paso hacia el videojuego y un mundo real sumido en diferencias de clase demasiado ostensibles vive casi literalmente dentro del universo virtual poblado de iconografía pop, de personajes reconocibles, de citas, de cualquier cosa que alguien pueda hacer. Y si bien en la película hay una condena -o al menos una crítica- a cómo las corporaciones de apropian de aquello con lo que poblamos un ocio creciente (en esto Readyâ?¦ es más visionaria que Matrix, film de temática similar y diferente intención), ese "vivir en un mundo irreal", esa metáfora ostensible del cine tampoco es visto como una solución, sino como una alternativa más a un mundo que debe experimentarse realmente en carne y hueso. Esa salida de la adolescencia (que aparece en El Imperio del Sol -HBO Max-, Atrápameâ?¦ -Paramount+-, y de modo más lateral en Siempre y Hook) implica también saber que el cine es un buen refugio, pero no necesariamente un hogar. De eso se trata una obra que, vista de modo cronológico, es también una autobiografía.

Pixar sorprende con película Gatto, sobre mafias felinas venecianas, protagonizada por Mark Ruffalo

Ambientada en Venecia, busca romper moldes con mafias de gatos y un innovador estilo visual

La película ganadora del Oscar que Jennifer Lopez no disfrutó: "Es lenta y no tiene escapismo"

La cantante explicó que prefiere los musicales, las comedias románticas y los thrillers antes que los dramas contemplativos como 'Nomadland'

Netflix presentó las primeras imágenes de Villaflor, la nueva película de Santiago Mitre

Netflix dio a conocer las primeras imágenes de Villaflor, la nueva película del director Santiago Mitre que reconstruye uno de los episodios más significativos y dolorosos de la historia reciente del país. Protagonizada por Verónica Llinás en el papel de Azucena Villaflor y Peter Lanzani como Alfredo Astiz, la producción se inspira en hechos reales y propone una mirada sobre los orígenes de las Madres de Plaza de Mayo durante los años más oscuros de la última dictadura militar.El proyecto marca el regreso de Mitre al cine político e histórico, un terreno que ya exploró en Argentina, 1985, y lo hace a través de una historia que combina elementos de thriller político, espionaje y drama histórico. La película sigue dos recorridos narrativos paralelos que avanzan en direcciones opuestas durante 1977, cuando el terrorismo de Estado desplegado por la dictadura alcanzaba uno de sus momentos más feroces.Por un lado, la historia se centra en Alfredo Astiz, conocido posteriormente como el "Ángel de la muerte", quien por entonces era un joven teniente de la Armada. Interpretado por Lanzani, el personaje recibe la misión de infiltrarse en la iglesia de la Santa Cruz, un espacio que comenzaba a convertirse en punto de encuentro para familiares de personas desaparecidas. Allí, un grupo de mujeres y hombres buscaba organizarse para reclamar información sobre sus seres queridos, en un contexto en el que cualquier forma de protesta podía significar la persecución, el secuestro o la muerte.En paralelo, la película sigue el recorrido de Azucena Villaflor, encarnada por Llinás. Madre de Néstor Villaflor, desaparecido por la dictadura, Azucena inició una búsqueda personal que pronto se transformó en una causa colectiva. A través de su liderazgo y determinación, contribuyó a reunir a otras mujeres que atravesaban la misma situación y que terminarían conformando uno de los movimientos sociales y de derechos humanos más influyentes de la historia argentina: las Madres de Plaza de Mayo.Según adelantó Netflix, la trama muestra cómo ambos caminos terminan cruzándose de manera trágica. Mientras Astiz gana la confianza de la monja francesa Alice Domon y posteriormente la de Azucena, se desarrolla una compleja operación de inteligencia destinada a identificar, infiltrar y desarticular al grupo que comenzaba a denunciar públicamente los crímenes del régimen militar.La película retrata así el nacimiento de una forma inédita de resistencia civil frente al terrorismo de Estado y, al mismo tiempo, la macabra maquinaria represiva diseñada para destruirla. La tensión entre ambas historias constituye el eje central del relato y permite observar desde perspectivas opuestas uno de los capítulos más emblemáticos de la lucha por los derechos humanos en la Argentina.El guion fue escrito por Santiago Mitre junto a Mariano Llinás, una de las figuras más reconocidas del cine argentino contemporáneo. La producción está a cargo de La Unión de los Ríos, la compañía fundada por Mitre, junto con la productora francesa Maneki Films, en una coproducción internacional que busca acercar esta historia a audiencias de todo el mundo.Además de sus dos protagonistas, Villaflor cuenta con un elenco de gran nivel integrado por figuras destacadas del cine, el teatro y la televisión. La actriz francesa Camille Cottin interpreta a Alice Domon, una de las religiosas francesas que participaron activamente del grupo de la iglesia Santa Cruz y que también fue víctima de la represión ilegal.Junto a ella aparecen Soledad Villamil, Valeria Lois, Susana Pampin, Alicia Guerra, Vivian El Jaber, Azul Lombardía, Mariela Acosta, Paula Ransenberg, Juliana Muras y Muriel Santa Ana, quienes dan vida a algunas de las mujeres que acompañaron a Azucena Villaflor en los primeros pasos de la organización que más tarde se convertiría en un símbolo mundial de la defensa de los derechos humanos.El elenco se completa con Antonia Bengoechea, José Mehrez, Enrique Piñeyro y una extensa nómina de actores y actrices que participan de una reconstrucción coral de aquellos acontecimientos. Entre ellos figuran Ezequiel Díaz, Ignacio Rogers, Nicolás Vivante, Octavio Rombolá, Pablo Mónaco, Toto Salinas y Valeria Roldán.La producción acaba de finalizar su rodaje luego de 12 semanas de trabajo en distintas locaciones de la provincia de Buenos Aires. Las filmaciones se desarrollaron en la Ciudad de Buenos Aires y en los municipios de Avellaneda, Berazategui, Lanús, Tres de Febrero, Vicente López, San Isidro, Lomas de Zamora y el Partido de la Costa, escenarios elegidos para recrear la atmósfera de la Argentina de fines de la década de 1970.Detrás de cámara, el proyecto reúne a varios profesionales de destacada trayectoria. La dirección de arte estuvo a cargo de Micaela Saiegh, mientras que la fotografía y cámara quedaron en manos de Javier Juliá. El casting fue realizado por Mariana Mitre y Katia Szechtman, el vestuario por Mónica Toschi y el diseño de maquillaje y peinado por Alberto Moccia. El montaje corresponde a Andrés Pepe Estrada y el sonido a Santiago Fumagalli.

Verónica Llinás y Peter Lanzani encabezan "Villaflor", la nueva película de Santiago Mitre para Netflix

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este viernes 12 de junio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Le pidieron a Jennifer Lopez que eligiera la peor película que vio en su vida y sorprendió con su respuesta (y su justificación)

Desde sus inicios, Jennifer Lopez suele ser noticia más por cuestiones de su vida privada que por sus hitos artísticos. Sin embargo, esta semana su nombre trepó a los principales medios por otro motivo: la actriz reveló cuáles son sus géneros favoritos y apuntó contra Nomadland, la aclamada producción de Chloé Zhao que ganó el Oscar a Mejor Película en 2021. La revelación tuvo lugar en el podcast Films to Be Buried With, conducido por Brett Goldstein, su compañero de elenco en la reciente comedia romántica Turbulencia en la oficina donde la artista fue consultada sobre cuál era la peor película que había visto. Antes de responder, Lopez hizo una importante aclaración. "Es difícil decir 'la peor película' porque siento que hay muchas películas hermosas que simplemente no son para mí", explicó. Luego mencionó a Nomadland, dirigida por Chloé Zhao y protagonizada por Frances McDormand. "Voy a decir Nomadland, aunque sé que mucha gente la amó", señaló.Sin embargo, la artista insistió en que no estaba cuestionando la calidad de la película. "Es una película hermosa. Frances McDormand es increíble y Chloé Zhao también", reconoció.Lopez explicó que su reacción tiene que ver con el tipo de historias que busca cuando decide sentarse a ver una película. "Para mí, es el peor tipo de película", dijo entre risas. A continuación desarrolló los motivos detrás de esa afirmación. "Es una historia lenta sobre el duelo", describió. Entiendo que necesitamos películas sobre el duelo, pero simplemente no quiero verlas". La actriz explicó que suele acudir al cine con otras expectativas: "No es el tipo de películas que voy al cine. Para mí, lo más importante es entretenerme. Quiero sentir algo diferente. Quiero escapar".A lo largo de la conversación, Lopez señaló que siempre se sintió más atraída por géneros como los musicales, las comedias románticas y los thrillers, películas que le permiten desconectarse de las preocupaciones cotidianas y sumergirse en historias más dinámicas.Por ese motivo, insistió en que su opinión sobre Nomadland no debe interpretarse como una crítica hacia la película: "No digo que sea una mala película. Simplemente no es para mí".Basada en el libro de Jessica Bruder, la película sigue la historia de Fern, una mujer que, tras perder a su esposo y su trabajo, emprende una vida nómada recorriendo los Estados Unidos en una camioneta. El film recibió elogios por su retrato de la precariedad económica, la soledad y la resiliencia, y terminó convirtiéndose en una de las grandes ganadoras de los premios Oscar. A pesar de reconocer esos méritos, Lopez sostuvo que no logró conectar emocionalmente con la propuesta. "Simplemente no la disfruté", aseguró.Durante la entrevista también comparó esta situación con su relación histórica con las películas de terror, un género que tradicionalmente evitó porque no disfruta sentir miedo mientras mira una película. A la hora de nombrar a sus películas favoritas, Lopez nombró dos musicales, West Side Story y Flashdance.Las declaraciones de Lopez resultaron especialmente llamativas si se tiene en cuenta el peso que Nomadland tuvo durante la temporada de premios. La película no solo ganó el Oscar a Mejor Película en 2021, sino que también le permitió a Frances McDormand obtener el tercer Oscar a Mejor Actriz de su carrera. La intérprete ya había sido premiada por Fargo (1996) y Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (2017), y gracias a Nomadland se convirtió en una de las pocas actrices de la historia en alcanzar tres premios Oscar por actuación. Además, como productora de la película, también recibió el Oscar a Mejor Película. En total, McDormand acumula ocho nominaciones al Oscar y cuatro estatuillas de la Academia, una trayectoria que la ubica entre las intérpretes más reconocidas de Hollywood.La diferencia con la carrera de Jennifer Lopez en materia de premios cinematográficos es notable. Aunque la artista construyó una de las trayectorias más exitosas del entretenimiento contemporáneo, combinando cine, música y televisión, nunca fue nominada al Oscar. Su única candidatura a un premio de la Academia parecía encaminada a llegar gracias a su celebrado trabajo en Hustlers (2019), pero finalmente quedó fuera de la lista de nominadas, en una de las ausencias más comentadas de aquella temporada. A lo largo de su carrera, Lopez sí obtuvo reconocimientos en ceremonias como los ALMA Awards, MTV Movie Awards, People's Choice Awards y American Music Awards, además de una nominación al Globo de Oro por Selena en 1998.

'Masters of the Universe': así fue cómo la guitarra de Brian May inspiró uno de los temas principales de la película

Brian May colaboró con el compositor Daniel Pemberton en parte de la banda sonora de la nueva adaptación cinematográfica

Jassir Yunis, exintegrante de Combate, y Miranda Capurro protagonizan historia de amor en película 'Amigo, por ahí no es'

El exchico reality asume su primer papel principal junto a la influencer en una historia de romance y enredos que se estrena este 1 de octubre en las salas nacionales.

Persecución de película: robó una moto, huyó a alta velocidad por la General Paz y luego quiso escapar corriendo

Un joven de 19 años con antecedentes por robo de motos y pedido de captura vigente fue detenido luego tras una persecución de película que comenzó en la avenida General Paz y terminó en la localidad bonaerense de Ingeniero Budge, partido de Lomas de Zamora.La secuencia se inició luego de que un vecino denunciara el robo de su motocicleta Bajaj Dominar 400, que había dejado estacionada sobre la avenida San Juan Bautista de La Salle al 1900, en el barrio porteño de Parque Avellaneda.Luego de la denuncia, la Policía de la Ciudad emitió una alerta temprana con los datos del rodado sustraído y el sistema de monitoreo comenzó a rastrear sus movimientos.Poco después, operadores de la División Anillo Digital detectaron la moto circulando a toda velocidad por la avenida General Paz, a la altura de la autopista Dellepiane, en dirección al Riachuelo.Cuando los efectivos intentaron identificar al conductor, el sospechoso aceleró y escapó hacia territorio bonaerense, lo que dio inicio a un seguimiento controlado y coordinado entre distintas dependencias policiales.La persecución se extendió por varios kilómetros hasta llegar a la localidad de Ingeniero Budge. Allí, el motociclista abandonó el vehículo en el cruce de las calles O'Higgins y Escobar e intentó continuar la fuga a pie.Sin embargo, los policías lograron alcanzarlo pocos metros más adelante, en Campana al 2800, donde el ladrón finalmente fue reducido y detenido. En el procedimiento también intervino personal de la comisaría 10ª de Ingeniero Budge, que colaboró en el operativo.Al ser identificado, los investigadores comprobaron que el detenido registraba antecedentes por tentativa de robo de motos en 2021 y por robo agravado en poblado y en banda en 2022, hechos cometidos cuando aún era menor de edad.Además, sobre él pesaba una orden de captura vigente emitida por la Unidad Funcional de Instrucción N°1 del Departamento Judicial Lomas de Zamora.Por disposición de la fiscalía de turno, el sospechoso quedó detenido e incomunicado, mientras que la moto robada fue recuperada para ser restituida a su propietario.

Es oficial: la Ley Tudela se reglamenta y guionistas de cine peruano deberán financiar al menos el 30% de sus películas o proyectos audiovisuales

Los personas o empresas que apuesten por el cine peruano solo podrán usar hasta el 50% de sus gastos directos en producción para reducir sus impuestos, quedando fuera la promoción y los videojuegos

'Los lunes al sol' traslada al teatro el "capitalismo deshumanizado" de la película

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este jueves 11 de junio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Paul Rudd: la incomodidad de la fama, el desafío de su nueva película y cómo el humor siempre lo saca a flote

Hay quien asegura, con iguales dosis de humor y de envidia, que Paul Rudd hizo un pacto con el demonio. Una explicación esotérica para lo que es una verdad objetiva: a los 57 años el actor de Ant-Man sigue luciendo tan juvenil como cuando fue Josh, el héroe romántico de la perfecta Ni idea, su primera gran oportunidad en cine estrenada en 1995. Sin embargo, en una industria que valora la juventud tanto o más que el talento, Rudd es reconocido por algo más que su belleza llamativamente perenne. Más allá del éxito de taquilla que tuvo como Ant-Man, el más diminuto de los superhéroes de Marvel, de haberlo "reconocido" en 2021 como el hombre vivo más sexy del mundo en plena campaña de promoción de la película Ghostbusters: el legado y sus celebrados trabajos en comedias como El reportero: la leyenda de Ron Burgundy, Ligeramente embarazada y Bienvenido a los 40, Rudd es famoso por su simpatía genuina, una cualidad que escasea en Hollywood. Y que el actor pone al servicio de Rick, el rockero devenido cantante de bodas que interpreta en Letras robadas, el film de John Carney que se estrena este jueves en el cine. Una historia en la que la música, como en el resto de las películas del director irlandés, tiene un papel protagónico. Algo que, como contó Rudd en una charla vía Zoom con LA NACION, lo animó a cantar y tocar la guitarra en público y frente a las cámaras por primera vez en su carrera. "Me gusta cantar como a todo el mundo, y en cuanto a tocar la guitarra aunque llevo muchos años haciéndolo no soy el tipo de guitarrista que haga que la gente diga: 'Oh, qué bueno, queremos escucharte tocar la guitarra'. Así que tiendo a practicar en soledad", dice el actor con la sonrisa y el carisma que mantendrá durante toda la entrevista. -En Letras robadas compartís escenas con Nick Jonas, tu antagonista en la historia, ¿sentiste la necesidad de perfeccionar tus habilidades musicales para estar a la altura de un cantante profesional?-No, y tampoco pedí ayuda ni consejos a nadie. (risas). Nick es un gran cantante y me gustaría creer que solo el haber estado en su cercanía me ayudó a mejorar. En este caso aproveché la ocasión para dejar los nervios y cómo me intimidaban las escenas musicales y mentalmente me preparé para unirme a la fiesta. Nick y el resto de los músicos profesionales en el set me hicieron sentir que era digno de estar con ellos en la habitación. -Esta película, al igual que otras del universo cinematográfico de Carney como Once, Sing Street y Flora and Son, transcurre en Dublín. ¿Cómo fue filmar allí interpretando a un músico estadounidense viviendo en Irlanda?-Conozco muy bien Irlanda, la visité muchas veces. Es uno de mis lugares favoritos en el mundo. De hecho, mi papá era historiador del Titanic y pasaba mucho tiempo allá. Así se ganaba la vida, llevando a contingentes de turistas por todo el país y especialmente a Cobh, el puerto donde el Titanic hizo su última escala antes de navegar rumbo a Nueva York. Así que pasé mucho tiempo con mi padre en el condado de Cork y en Dublín, en Irlanda me siento como en casa. Soy fan de la música irlandesa, de la cerveza Guinness, de sus pubs y su literatura. Así que trabajar allí, interpretando a un músico fue un sueño hecho realidad. Amé cada aspecto de este rodaje y eso también me ayudó a superar mis nervios iniciales. -En este film el drama y la comedia se combinan con una sensibilidad especial... ¿Tuviste que adaptar tu forma de hacer comedia al tono de la trama?-Es extraño pero la verdad es que nunca pienso en términos de comedia o drama. No creo que los interprete de modos diferentes. En este caso, el guion requería que Rick atravesara circunstancias que lo iban a llevar al límite. Para mí, los momentos de humor y los dramáticos coexisten. En mi vida personal lidio con el estrés, mis inseguridades o cualquier otra dificultad que tenga con humor. Y eso, creo, se traspasa a los personajes que interpreto. En este caso se trataba de encarnar la verdad de lo que el tipo está sintiendo en cada momento. Me enfoqué en eso. -Parte del argumento de Letras robadas gira en torno al anhelo de Rick por ser famoso y las complicaciones que la fama crea para Danny, el personaje de Nick Jonas. ¿Qué relación tenés con tu propia fama?-Mirá, sí, algunas cosas se volvieron más complicadas porque tuve algo de éxito en mi carrera. Y aunque eso también me trajo muchos beneficios y cosas lindas, es cierto que desde que me sumé a Marvel, hay algunos aspectos que se volvieron un poco más difíciles por el nivel de visibilidad que te da pertenecer a ese grupo. No sé, estar rodeado de gran cantidad de gente puede ser incómodo. Pero prefiero no enfocarme ni hablar de lo incómodo que es ser famoso porque es algo ridículo de mencionar y, francamente, te hace sonar como un idiota. (risas).-En tus más de treinta años de carrera participaste de proyectos muy variados y distintos entre sí. ¿Tenés un registro de los films más salientes de tu recorrido? ¿De aquellos que te hayan marcado como artista?-Oh, wow. Tantos años de carrera... Me agarrás desprevenido. Es como estar cortando el pasto en tu jardín. Te concentrás en ese pedazo de verde frente a vos y vas empujando la cortadora sobre él y luego parás, levantás la vista y te das cuenta de que cortaste todo el jardín. Así que si miro hacia atrás, al particular jardín que es mi página de IMDB [la base de datos online dedicada al mundo del cine y las series], hay algunas cosas que se destacan como experiencias formadoras y que me impulsaron a una nueva categoría. Diría que en primer lugar estuvo la comedia Wet Hot American Summer (2001) que me acercó a El reportero: la leyenda de Ron Burgundy (2004) que fue un éxito y me posibilitó empezar a trabajar con Judd Apatow con el que hice comedias durante unos diez años. Fue una etapa importantísima y fantástica tanto en mi vida personal como en mi carrera. Y después con Marvel fue la primera vez que hice algo que vio el público masivo, así que mi vida cambió drásticamente. -¿En qué sentido?-Bueno, de repente estaba caminando por la calle y un niño pequeño me preguntaba: "¿Cómo anda Iron Man?". O me reconocían en otros países. Eso era nuevo y noté la diferencia. También hubo obras de teatro de las que participé que fueron desafiantes e importantes para mí. Y algunos de los films que hice no funcionaron ni disfruté hacerlos pero me sirvieron para precisar qué es lo que quiero hacer y concentrarme en eso. -¿Cómo elegís ahora los proyectos en los que participás? -La verdad es que siempre los elegí igual. Mi pregunta es: "¿Se trata de algo que me interesaría ver como espectador?". Ese es mi primer filtro. En segundo lugar, algo en el guion tiene que atraerme, al punto de poder imaginarme interpretando al personaje. Y finalmente debe ser una historia que haga que no quiera perderme la oportunidad de al menos intentar participar en el proyecto. No importa si luego funciona bien o mal. Porque esa es la cuestión: más allá de lo que uno quiera contar o lo que te llame la atención de una propuesta, cómo sea el resultado final ya es otra cosa. En cada uno de los films en los que trabajé pensé: "Esto puede ser fantástico". Siempre tuve una mirada optimista, y si no resultan bien es muy desmoralizante. Pero no pienso en términos de taquilla sino en lo que yo sumé como persona durante el proceso, si hubo gente que conectó con lo que hicimos y si la pasé bien haciéndolo. Hay películas que pueden ser horribles. Las mirás y es obvio que apestan, que no son graciosas, ni emotivas, ni nada. Son dos horas de tu vida que no vas a recuperar, pero cuando las estás rodando son tres meses que pasás lejos de tu casa, de tu familia y compartiendo mucho tiempo con las personas con las que trabajás. Así que esa experiencia cuenta en sí misma. Y, por suerte, en mi carrera tuve una gran mayoría de experiencias positivas en ese sentido. -Haciendo ese balance, ¿qué te entusiasma del cine hoy? -Bueno, lo que me entusiasma ahora es lo mismo que siempre me entusiasmó: la oportunidad de hacer algo en lo que la gente se vea reflejada y los conmueva de alguna manera. En la actualidad hay muchas formas de alcanzar ese objetivo. Se dice mucho que la Inteligencia Artificial va a cambiar eso pero creo que la experiencia de la humanidad contando historias cambió pero nunca dejó de existir. Cada cosa que hago, cada trabajo que acepto pienso que puede resultar en algo maravilloso. Soy un optimista.- ¿Y hay algo que extrañes de cómo eran las cosas en tus comienzos?-Sí, extraño algunas cosas como rodar con película y no de manera digital pero sobre todo extraño la cultura de ir al cine. Cuando vas a una sala a ver un film no tenés el control de la situación. No importa cuán grande sea tu televisor o cuán maravilloso es el sistema de sonido que instalaste en tu living, para mí, si podés pausar la película la estás experimentando de un modo que no debería ser experimentada. Todos somos adictos a nuestros teléfonos. Podés ver una película y al mismo tiempo estar mirando tu celular. Me parece importante la vivencia comunitaria de ir a un lugar, de sentarse en la sala. Así fue siempre y no soy muy fan de estas nuevas costumbres aunque sé que podés ver grandes películas en tu casa. Y sin embargo, extraño lo que sentía cuando estaba en un rodaje imaginando que eventualmente alguien iría al cine para verlo. Que el público tendría una experiencia compartida viéndolo. Eso ya no pasa en todos los casos y me da mucha pena.

Letras robadas, con Nick Jonas y Paul Rudd, es de esas películas que no te podés perder

Interpretan a un ex de una boy band y a un cantante de fiestas de bodas.El filme de John Carney ("Once") es por momentos una maravilla.

Los hermanos Dardenne y su película más luminosa: "Queríamos filmar la ternura"

Dueños de una extensa y fundamental filmografía que los ubica como una de las referencias fundamentales del cine de autor contemporáneo, el pasado jueves llegó a los cines argentinos Madres jóvenes, el último film de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne. La película recibió el premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes, un festival conocido para los directores belgas que tienen en su haber dos Palmas de Oro (con Rosetta en 1999, y con El niño en 2002), y construyeron un cine que enmarcó fundamentalmente a las infancias y a la mujer dentro de los desprotegidos de la sociedad europea como parte de su narrativa habitual. Con Madres Jóvenes, los Dardenne continúan la senda del cine social que los ha hecho célebres pero se permiten construir una obra donde la ternura y la esperanza están presentes. "Hay un ciclo que vuelve una y otra vez, un ciclo social de violencia familiar", coinciden sobre una de las características que han sido de fundamental análisis en su filmografía que no omite una reflexión sobre los cambios en el cine frente al avance de la inteligencia artificial: "Si decimos que es una mercancía más, el cine que va a existir es el de la IA y esto ya se ve en las series que están contando, cada vez más, la misma historia si es que no están incluso los mismos planos", dice Luc Dardenne en este dialogo exclusivo con LA NACION.-Su cine siempre hizo foco en los marginados de la sociedad, pero ese sentimiento de orfandad hoy pareciera que entrecruza a toda la sociedad en virtud de las enormes crisis globales y guerras.LUC DARDENNE: -Podemos decir que en la película, por más de que no es lo que quisimos poner de relieve, ciertamente eso está presente. El film es un homenaje a los servicios públicos, al rol del Estado para implementar estructuras que permitan que las desigualdades disminuyan. Todo eso sucede en familias pobres, en medios populares, en gente que no tiene un lugar en la sociedad. El hecho de que hagamos esta película en esa institución, da cuenta de nuestro deseo de mostrar que es una solución para poder permitir que bebés y chicas jóvenes puedan conocer un futuro mejor confrontado a si esas estructuras no existieran. Diría, en segundo lugar, que nos dimos cuenta mientras escribíamos el guion, al rodar, al editar, que nos interesaba filmar en esa institución cierta suavidad, cierta dulzura, lo contrario a la violencia que, a veces, las madres habían sufrido en sus familias de origen. Entonces queríamos filmar esos gestos de ternura entre las asistentes sociales, las chicas, los bebés. Una ayuda mutua, una solidaridad. Y eso es otra manera de ver el mundo.-Es muy interesante el tratamiento que tiene Madres Jóvenes, porque tiene una calidez que en el cine de ustedes es poco frecuente en ese sentido de mostrar a un Estado que está muy próximo de estas personas a las que contiene.JEAN-PIERRE DARDENNE: -La película surgió del hecho de que pasamos mucho tiempo en esa verdadera casa, en ese hogar. Fuimos a documentarnos para otra película que no hicimos. La suavidad, la ternura que vemos en la película es lo que nosotros encontramos estando allí. La atención que brindaban estas educadoras, como les enseñaban a trabar un lazo con sus bebés, realmente de protección, era una especie de protección de la vida, una atención a la vida que nos dio ganas de hacer esta película. También, convengamos, enseguida descubrimos muchos personajes principales.-Otra diferencia a la estructura habitual de su cine es que aquí asistimos a una película coral.JEAN-PIERRE: -Queríamos muchas chicas distintas, no una sola. Queríamos intentar contar una historia con varias, como sucedía en ese hogar, ¿no? Pero buscamos que esta película coral no fuera una mecánica que va triturando a cada individuo y que los personajes estén al servicio de la construcción de la historia. Al principio realmente desarrollamos para cada una de ellas una historia, de principio a fin, con el objeto de que cada una al final de su trayectoria encontrara algo de luz, una puerta de salida. Y así fue como trabajamos intentando que cada una de ellas existiera, respetando lo que habíamos observado en ese lugar, con una historia individual y que tenga que resolver su propia historia, por más de que las demás la puedan ayudar. Son soledades. Así que, por más de que estén juntas, cada una estaba sola con su bebé. E inclusive, a veces sin él.-Resulta inevitable preguntar dónde está el entrecruzamiento entre realidad y ficción y cómo es el tratamiento cinematográfico para este retratoâ?¦LUC: -El problema es que no vamos a copiar la realidad, nos vamos a inspirar en ellas, por más de que las historias no sean la historia de alguna chica que conocimos o que nos contaron. Son historias que inventamos. Partimos de una realidad y damos las posibilidades que la ficción nos permite. Como dijo mi hermano, son historias que aportan un poco de luz para esas chicas que se liberan de algo en un estado de sociedad que es desigual. Pero bueno, logran liberarse. Eso lo inventamos. La realidad nos inspiró. Porque ahí vimos los gestos de la gente, cuando salimos a conocer gente nos interesa qué hacen con sus actitudes. Eso fue lo que miramos realmente, la realidad. No la traicionamos, por decirlo de algún modo, en el sentido de que no inventamos cosas contrarias a la institución. Eso no lo hacemos. Pero la realidad es una base de inspiración e intentamos, esperamos no estoy seguro de que sea así, contar una historia que va al centro de las cosas y hasta el final.-¿Y entre el guion y el momento de tomar la cámara?JEAN-PIERRE: -Son estadios distintos, por supuesto. El guion es una etapa preparatoria indispensable para un rodaje, o indispensable para nosotros, y creo que para muchos otros también, Pero entre el rodaje y la escritura del guion hay un tiempo de ensayos. Están los actores, las actrices, Luc y yo con la cámara y ahí encontramos la forma de la película. Trabajamos mucho en torno a los gestos, los movimientos, los bebés... Todo eso. Lo fundamental, diría yo, que guió todo nuestro trabajo, son los bebés. Organizamos la puesta en escena para que esos bebés estén en el centro, que lo sean realmente, no en las palabras, sino que estén ahí en cuadro y en los movimientos de las actrices. Y diría que fue exactamente lo mismo con las actrices, porque cuando empezamos a ensayar tenían muñecas y por la noche iban a ver a los bebés de verdad para familiarizarse con ellos. Ninguna de ellas en la vida real era madre en ese momento, algunas quizás tampoco habían tocado a uno en sus vidas. Los bebés, lógicamente, no sabían que estamos actuando, están ahí de verdad. Entonces es un ritmo, una vida. ¿Cómo decimos? ¿Cómo transmitimos eso? Si el bebé de repente necesita atención real, nos dijimos: "Vamos a incorporar todo esto en las tomas". Siempre los tuvimos en cuenta a ellos y de ellos viene el cariño y la ternura del film.Madres jóvenes sigue a Jessica, Perla, Julie, Ariane y Naïma, mujeres que viven en un refugio para madres jóvenes y que se criaron en circunstancias difíciles pero desean para sí y para sus hijos la posibilidad de una vida mejor. Dueños como pocos de un cine donde el compromiso social se hace presente, Jean-Pierre (75) y Luc (72), desde comienzos de los años '90 con La Promesa (que en ese entonces protagonizó un joven Jeremie Renier), llamaron la atención con su retrato a la juventud sin horizontes desde un modo de producción en el cual son directores, autores y productores de sus películas. Además de Rosetta y El niño, su cine fue premiado en Cannes prácticamente cada vez que allí se hizo presente. El hijo recibió el premio al mejor actor; El silencio de Lorna, mejor guion; El niño de la bicicleta, gran premio; Dos días, una noche y La desconocida, fueron parte de la Selección Oficial; El joven Ahmed, ganó premio al Mejor Director y Tori y Lokita -casi la única que no tuvo estreno en la Argentina-, hizo lo propio con el premio especial de los 75 años del festival. Una carrera atravesada por películas que forman parte de los clásicos recientes del cine, y encuentran a los hermanos dentro de un cine de autor de los más venerados de todos los tiempos. Todo ese gigantismo autoral es exactamente lo contrario en su trato cotidiano. Este cronista tuvo contacto con ellos en tres oportunidades, y en las tres fueron igual de amables, cálidos, resueltos al diálogo y enorme franqueza a la hora de responder con gran predisposición e interés. Eso posibilitó que de la charla sobre su obra, se pudiera poner de relieve las características actuales de una sociedad (que además analizaron al detalle), que en todo el mundo presenta una enorme conflictividad y donde el cine no encuentra su posicionamiento ante amenazas tecnológicas muy concretas.-¿Qué creen que debería suceder a nivel social para que situaciones de violencia familiar y de violencia de género, puedan encontrar la salida que encuentran en su cine a través de la esperanza?LUC: -Qué pregunta difícil. Bueno, supongo que tenemos una responsabilidad como artistas, cineastas, escritores, de intentar entender el mundo y proponer cosas sin convertirnos en militantes, ni escribir panfletos, ni textos teóricos. Intentamos traducir nuestras impresiones, nuestros sentimientos, y tener personajes que puedan permitir pensar que el mundo no está terminado, y que puede cambiar, por supuesto. ¿Qué es lo que yo pienso que va a pasar? ¿O qué hay que hacer si hablamos de un punto de vista ciudadano? Estamos pasando un mal momento, pero espero que la gente recobre relaciones de solidaridad, de ayuda mutua. Diría simplemente, que el hecho de ayudar a otro es más importante que ser su competidor y tirarlo al piso. Pero bueno, es toda una mentalidad que depende de lo político, de la vida y también de las escuelas, de las familias. Es complicado. Uno tiene la impresión de que está en un modelo de vida donde la gente compite entre sí. El odio circula de manera muy fuerte en las redes sociales, en particular, la gente delira, ataca a otros. Hay complots. Todo esto está motivado por una suerte de miedo y de odio al mismo tiempo. Y este es un clima generalizado. Estamos atravesando un momento mundial difícil. Si vuelvo a nosotros, las imágenes y los sonidos que intentamos hacer es lo opuesto a esto. Intentamos filmar gestos donde la dignidad humana sea más fuerte y más importante.-¿Hay algo de la memoria personal que esté presente en esta película?JEAN PIERRE: -Recuerdosâ?¦ aparte de lo que contamos sobre el rodaje y los ensayos, sí. Chicas jóvenes de nuestra generación cuando nosotros lo éramos y que fueron madres de cuando teníamos 15 o 16 años y quedaron al margen, sí. Conocimos eso. Por mi parte, no creo que eso haya habitado nuestro trabajo como sí lo hizo lo que vimos en esa casa maternal y porque todos somos hijos de una madre y de un padre. Entonces la relación de cada uno con su madre, desde luego, creo que está presente en nuestro trabajo y nosotros tuvimos la suerte de tener algo que estuvo bueno y quizás eso puede estar presente.LUC: -Además las historias en Europa durante la guerra, donde hubo muchos niños judíos que se salvaron porque sus madres los entregaron a redes de salvataje. Son niños que se separaron de sus madres. Hicimos una película sobre ellos y quedamos amigos de algunos de esos "chicos escondidos" como se les decía en Bélgica. Luego se hicieron adultos y ahora tienen 80 o 90 años. Conocer a la gente, ver sus testimonios, nos marcó muchísimo. La película era sobre la señora que iba a buscar a los bebés para esconderlos. Y lo que nos contó sobre la relación entre las madres y sus hijos en el momento en el cual se separaban, o lo que después ese niño soñaba cuando tenía pesadillas sobre sus padres a quienes nunca volvieron a ver. Todo ese lazo materno, creo que es algo que cobró importancia en ese momento de nuestra vida.-¿Cómo ven ustedes este mundo donde se dice que ya no va a haber más actores reales en el cine, ni tampoco el cine que conocemos en las salas y todo parece ser dominio de las plataformas y de la inteligencia artificial?LUC: -No creo en esos apocalipsis. La muerte del cine ya varias veces se anunció. Seguro que hay que resistir. Eso sí. Hay que ser conscientes del peligro, y la Inteligencia Artificial es un verdadero peligro para uniformizar las mentes y para convertirse en una base de referencia común de todos los espectadores. Porque si la diversidad no existe más, y por eso volvemos a la cuestión del principio, hay que luchar porque los estados europeos -en lo que nos atañe a nosotros, pero podemos decir lo mismo respecto de América del Sur- tengan que ayudar al cine porque no es una mercancía como cualquier otra. Si decimos que es una mercancía más, el cine que va a existir va a ser el de la IA y esto ya se ve en las series que están contando, cada vez más, la misma historia, si es que no están incluso los mismos planos. No digo que sea un fenómeno completo pero se puede empezar a ver. Hay que creer en los cineastas que tienen una mirada singular y no hay que decir la IA toma el poder y hacer todos lo mismo. Nosotros filmamos un determinismo en nuestras películas, pero intentamos mostrar cómo un individuo, como Rosetta, así y todo logra resistir y creer en algo nuevo y distinto. Es una cuestión de esperanza, la realidad no me da la razón y tampoco me la quita.JEAN PIERRE: -Sin ser de un optimismo delirante, me gustaría decir que también hay muchos lugares del mundo de donde no nos llegan historias. Creo que hay historias que nos van a llegar, que no vemos mucho hoy pero son movimientos lentos. Yo soy como mi hermano, no pienso que haya una especie de determinismo social donde estamos yendo a la catástrofe y el mundo se está aniquilando. Se dice eso desde el principio o no, desde Orwell. Ya está, se terminó. Es la catástrofe. No es verdad, no es simple, pero no hay un movimiento único. Siempre ha habido movimientos contradictorios, contrarios, hay luchas, combates. Como mi hermano, estoy del lado de la esperanza y creo que nuestras historias de individuos van a llegar cada vez más de otros puntos del planeta y que hoy no vemos y que hoy no oímos.

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Korina Rivadeneira se enfoca en su carrera y celebra el lanzamiento de su película 'Un matrimonio inesperado' en Prime Video

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Con más del 94% de las actas escrutadas, ninguno de los dos candidatos puede cantar victoria. Keiko Fujimori y Roberto Sánchez esperan el voto de los peruanos en el exterior y la resolución de las impugnaciones para conocer quién asumirá el mando el 28 de julio, en lo que ya se perfila como la elección más reñida de la historia reciente del país

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Aunque junio es un mes atravesado por el mundial, eso no significa que las plataformas no tengan listas una batería de importantes lanzamientos. En estas semanas llegan al streaming títulos clave que van desde lo nuevo de Javier Bardem pasando por la última película de Guillermo Francella y hasta llegar a la esperada conclusión de una popular serie. Cabo de miedo (miniserie)En el año 1962, el director J. Lee Thompson estrenó Cabo de miedo, un thriller protagonizado por Gregory Peck y Robert Mitchum, sobre un condenado a prisión que luego de ser liberado, comenzaba a perseguir a su abogado por considerar que el hombre había fallado voluntariamente en su estrategia de defensa. Casi treinta años después, Martin Scorsese contó la misma historia, con Robert de Niro y Nick Nolte en lo roles centrales, en una remake que superaba a la obra original dando por resultado a un pesadillesco drama. Y este junio marca el estreno de una nueva remake de Cabo de miedo con Javier Bardem en la piel del temible Max Cady, un hombre que hará de la vida de su abogado defensor y toda su familia un verdadero infierno del que nadie podría salir con vida. Patrick Wilson y Amy Adams completan el elenco de esta prometedora ficción que al momento de su estreno, cosechó críticas muy favorables en los medios especializados de los Estados Unidos. Ya disponible en Apple TV+. Playa de Lobos (película)Guillermo Francella se pone al frente de esta producción española para llevar adelante una historia que exhibe algunos rasgos deudores de Alfred Hitchcock. En este film, el actor argentino compone a Klaus, un enigmático turista que cruza su camino con Manu (Dani Rovira), el empleado de una playa en las Canarias. Una conversación que al principio parece fortuita, poco a poco se revela como un hecho que puede anticipar giros inesperados, a medida que Manu descubre que Klaus es un hombre que esconde un peligroso secreto y una arriesgada propuesta. Luego de su paso en cine, este título dirigido por Javier Veiga que mezcla policial con comedia negra es un atractivo duelo actoral entre dos intérpretes de un carisma enorme. Playa de Lobos ya se encuentra disponible en Disney+. La casaca de Dios (película)Llega al streaming un film dirigido por Fernán Mirás, que hace foco en el utilero de un club de barrio y la emblemática camiseta que utilizó Diego Maradona en el mítico partido de Argentina contra Inglaterra durante el mundial de 1986. Frente a la noticia de la subasta de dicho objeto, Titi (Jorge Marrale) decide ser fiel a sus principios y comienza una verdadera gesta para impedir que ese valioso ítem termine en poder de manos privadas. La casaca de Dios es un film honesto que logra conmover sin golpes bajos y que tiene entre sus ingredientes temas muy vinculados a la historia argentina, que van desde el valor cultural del fútbol hasta la guerra de Malvinas. Este largometraje escrito por Marcos Carnevale cuenta con un elenco que lo completan Natalia Oreiro, Damián Dreizik, Rafael Ferro y Zoe Peralta. Ya disponible en Prime Video. No aptos para trabajar (serie)Cinco amigos que rondan los veintipico viven en un elegante barrio de Manhattan y allí desarrollan sus vidas y sus profesiones. La intención de todos ellos es avanzar en el mercado laboral, a medida que intentan encontrar un equilibrio entre sus romances y sus relaciones cotidianas. A simple vista, la premisa de No aptos para trabajar no dista demasiado de tantas otras ficciones similares, aunque aquí el toque distintivo lo propone Mindy Kaling. La creadora de esta serie es una de las humoristas más talentosas de su generación y alcanza con ver los episodios que escribió para títulos como The Office o La vida sexual de las universitarias para comprobar que ella siempre logra darle una vuelta de tuerca a todas sus propuestas. Por este motivo, es que esta es una de las comedias más esperadas de este mes de junio. Ya disponible en Disney+.Cada año que pasé contigo (miniserie)Basado en la novela Every Summer After, un best seller de romance juvenil que superó holgadamente el millón de copias vendidas, Cada año que pasé contigo narra aquello que sucede en un pueblo de ensueño llamado Barry's Bay. Ese idílico lugar se convierte en el telón de fondo para una nostálgica historia de amor que transcurre a lo largo de seis años y una semana. Allí se encuentran Percy (Sadie Soverall) y Sam (Matt Cornett), dos jóvenes que descubren cómo una sincera relación de amistad se convierte en un profundo amor que les dejará marca a lo largo de sus años venideros. Traiciones, reconciliaciones y heridas que amenazan con no sanar son la materia prima de una novela que capturó la atención de toda una generación y que ahora recibe su adaptación al formato serie con la intención de expandir la popularidad de esta entrañable saga romántica. Disponible a partir del 10 de junio en Prime Video. La misteriosa mirada del flamenco (película)En los años ochenta, la irrupción del VIH cambió de manera rotunda el día a día de muchas personas. Y quienes atravesaron situaciones de especial hostigamiento fueron muchos de sus portadores, que debían cargar no solo con un duro diagnóstico sino también con el estigma social y el cruel prejuicio que circulaba alrededor de esa enfermedad. En ese momento se sitúa este film de Diego Céspedes, un director chileno que eligió para su ópera prima una trama que adopta la mirada de Lidia (Tamara Cortés), una niña de once años, y el vínculo con su mamá adoptiva, una mujer trans llamada Flamenco (Matías Catalán). La misteriosa mirada del flamenco es una película sutil, cuidadosamente articulada y uno de los títulos imprescindibles de junio. Estrena el 12 de junio en MUBI. Avatar: fuego y ceniza (largometraje)A poco más de seis meses de su estreno en cines, finalmente llega al formato doméstico la tercera entrega de Avatar, la ambiciosa saga de ciencia ficción y ecología dirigida por James Cameron. En esta nueva entrega, Jake Sully (Sam Worthington) y su familia continúan su recorrido por Pandora, a lo largo de un camino que ahora los cruza con una nueva tribu de Na'vi, vinculada con el fuego. Estrena el 24 de junio en Disney+.El oso (quinta temporada)Desde su estreno en junio de 2022, El oso se convirtió en una de las ficciones más celebradas de ese año. El relato protagonizado por Jeremy Allen White, sobre un chef de prestigio que decide hacerse cargo del buffet de su fallecido hermano, es un cocktail que mezcla un poderoso drama familiar con la gastronomía como telón de fondo. A lo largo de cuatro temporadas, este título obtuvo innumerables galardones y se consolidó como uno de los grandes mimados por la industria y por el público. Y por todo esto es que su quinta y última temporada es la esperada conclusión a una historia de personajes complejos, que mantienen relaciones personales y profesionales aún más complejas, en las que el drama suele dar paso a inesperados momentos de humor. Los episodios finales de El oso estarán disponibles desde el 25 de junio en Disney+.

Los estrenos de Netflix Argentina esta semana: qué series y películas ver del 8 al 14 de junio

La plataforma dio a conocer las fechas de todas las producciones que se lanzarán en los próximos días.Thrillers, comedias, documentales y grandes regresos que pueden dominar el ranking de Netflix.

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Baldoví, con ganas de escuchar a Oltra y Rufián en su acto de Valencia: "Los spoilers antes de la película no me gustan"

La película cristiana que se convirtió en furor en Netflix

Seis películas ignoradas o destrozadas por la crítica que bien vale la pena ver

Nada mejor que el cine para evaluar el enorme poder del paso del tiempo. Porque las películas lo fijan, dejan firme y para siempre una imagen del mundo y por eso son además documentos de cómo se han imaginado cosas con el correr de las décadas. Reevaluar lo que fue aplaudido o rechazado en otros tiempos, incluso aquellos de los que tenemos memoria, lleva a descubrir un mundo completamente nuevo. Incluso si, como hemos repetido varias veces, las plataformas de SVOD se concentran específicamente en sus novedades, nada vale más la pena que el buceo en las tumultuosas aguas de los catálogos para desenterrar e incluso hacer justicia a obras que fueron destrozadas o pasaron inadvertidas. Aclaramos al lector que es un ejercicio hermoso el de encontrar "uuuh, aquella que vimos de chicosâ?¦¿Te acordás?" y que nada tiene de nostálgico: las películas realmente buenas nos hablan siempre, incluso si fueron hechas mucho tiempo atrás. El cine siempre es hoy.Fantasmas de MarteDicho esto, internarse en las heladas aguas del cálculo egoísta de los dueños de plataformas genera una paradójica sensación cálida. En criollo: hay de todo, gente. Y hay mucho que requiere reivindicación urgente, actos de justicia críticos que bien puede llevar a cabo el amable lector. Por ejemplo, acercarse a ver en Sony One Fantasmas de Marte. Cuenta la leyenda que la distribuidora que iba a estrenarla en nuestro país le preguntó a un crítico local si valía la pena, y el aludido dijo que no. Probablemente en ese 2001 tal negativa tuviera algún sentido: después de todo, Jason Statham aún no era famoso, Pam Grier había logrado salir del olvido gracias a Jackie Brown, Ice Cube era apenas un secundario y Natasha Henstridge buscaba un salto a la fama que no fue. Una pena, porque el film es una de las cimas de John Carpenter. Como Asalto al precinto 13, es una especie de remake de Río Bravo, la obra maestra de Howard Hawks: un grupo de marshalls de los desiertos de Marte deben buscar a un prisionero en un perdido puesto fronterizo del planeta rojo cuando son cercados y atacados por zombies-indios-fantasmas de marcianos diezmados por la colonización humana. Y todo se narra en retrospectiva: es el juicio a la oficial que tuvo a cargo las acciones. La película tiene acción, terror, suspenso, incluso un globo aerostático muy bello. Y Carpenter, sin desviar la mirada sobre los abusos en el avance estadounidense al Oeste salvaje (porque ese es el verdadero punto), va más allá de la ideología o la historia para concentrarse en el puro coraje, la épica de los defensores. Destrozada por la crítica, nunca estrenada en nuestro país, es perfecta.En carne vivaTambién fue destrozada (cabría mucho más el término "descuartizada") por la crítica y careció de estreno comercial en salas de nuestro país el film erótico En carne viva (HBO Max). El ataque de los cronistas estadounidenses fue feroz, pura saña, porque implicaba un cambio muy grande de registro para Meg Ryan, su protagonista. Ryan, reina de la comedia romántica en los 90 con Cuando Harry conoció a Sally, Sintonía de Amor y algunas joyas poco recordadas como la bella Joe contra el Volcán (también con Tom Hanks: cuando la encontremos, hablaremos de ella) y que además había hecho algunos buenos dramas (Flesh and Bone, con una casi punk Gwyneth Paltrow), tenía una imagen más virginal que sexy, la casta belleza americana. En carne..., dirigida por Jane Campion (que venía de La lección de piano, enorme éxito), es la historia de una mujer que conoce a un detective involucrado en el caso de un asesino serial. Pero es también el viaje de autoconocimiento erótico de una mujer, la ruptura, perversión mediante, de tabúes y represiones. Es decir, el film refleja lo que la propia estrella hace con el personaje que había desarrollado película tras película: mostrar su otro lado. El defecto de En carneâ?¦ es menos sus imágenes o sus actuaciones (todas puntualmente buenas) que su duración; podría ser más corta. Pero iba contra la corriente de Hollywood, incluso en un momento en el que el thriller erótico se había puesto de moda... si lo dirigían señores.Historia de lo nuestroEn la misma plataforma aparece una película compleja y que la crítica estadounidense, a pesar de los nombres involucrados, trató mal (y aquí fue peor: también directo a video). En HBO Max figura como Historia de lo nuestro, pero su verdadero título es Story of Us ("Nuestra historia", el título de lanzamiento en video en estas pampas). Los protagonistas eran dos súper estrellas entonces: Michelle Pfeiffer y Bruce Willis, y el director, Rob Reiner,que acababa de tener un éxito enorme con Cuestión de Honor. Pero lo que no convenció quizás a los críticos fue su estructura acronológica, en la que se analiza cómo una pareja feliz, un matrimonio en apariencia perfecto, surfea la erosión del tiempo. El tono de comedia dramática (que Reiner manejaba de modo perfecto) logra el milagro de que esas dos hiperestrellas se conviertan en vecinos, gente que conocemos. Y esas idas y vueltas en el tiempo recuerda la manera como pensamos y analizamos nuestra propia vida. Es un film audaz incluso si narra una historia en apariencia común. Nadie la quiso (nosotros, sí).Las aventuras de Huck FinnEntre los casos más raros de estos desprecios, aparece una de las mejores adaptaciones literarias del último medio siglo. El film en cuestión se llama Las aventuras de Huck Finn (Disney+), sobre la célebre novela de Mark Twain sobre ese chico muy libre que recorre el Mississippi acompañando a un esclavo fugitivo. Por cierto, tanto la novela como la película son también otra cosa: paisaje social, sátira y aventura (y sí, el uso del lenguaje coloquial que aparece en la novela no se traslada igual a la pantallaâ?¦ ni a las traducciones al castellano). Lo interesante es que fue realizada por Stephen Sommers, uno de los últimos creyentes en el cine clásico de aventuras, responsable de cuatro grandes films: Aguaviva, La momia, La momia regresa y Van Helsing (la última y la primera requieren reevaluación). Aunque Sommers se mantiene fiel a la historia, el clima y, sobre todo, el ritmo del texto, nadie le prestó verdadera atención a esta película que tuvo críticas menos entusiastas de las que merece y que en nuestro país sólo fue (adivinaron) a VHS. Elijah Wood como Huck está más que perfecto, y el elenco incluye a grandes profesionales como Courtney B. Vance como Jim, Robbie Coltrane, el gigantesco Jason Robards poco antes de su canto del cisne en Magnolia, y Ron Perlman. Por demasiado tiempo, de paso, fue inaccesible.Plan 9 del espacio exteriorSí fue accesible por años en trasnoches varias en la televisión argentina (en esos momentos en los que, por razones extrañas, se rellenaba con cualquier cosa) la que fue considerada la "peor película de la historia", exageración absoluta. Es Plan 9 del espacio exterior (Mubi), creada por Edward D. Wood Jr. o Ed Wood para los amigos, especialmente Tim Burton, que en la biopic de este extravagante personaje reproduce el rodaje del film. Es famoso por la cantidad de errores que contiene (planos que son alternativamente de día o de noche sin lógica, gruesos agujeros de guión, personajes que no se sabe bien qué relación tienen con el contexto) y por su premisa: extraterrestres conquistarían la Tierra reviviendo a los muertos. Pero con toda su torpeza y su chapucería, tomamos algo que dijo de la película el crítico Eduardo Antin -Quintín- en la revista El Amante cuando el estreno de Ed Wood (que, de paso, está en Disney+ y hace perfecto tándem): Plan 9 surge de que su director creía en la magia del cine, en el poder de las imágenes para convencer al espectador deseoso de entrar al juego por encima del canon del "filmar bien". Hay que verla y preguntarse qué pasaría si la hubiera firmado Jean-Luc Godard (que, recuerden, hizo Alphaville).LadrónSi Plan 9... es un mito, también lo fue durante demasiado tiempo Ladrón, la ópera prima de Michael Mann, mucho antes de que el director diera vuelta la TV -y el audiovisual- como un guante con División Miami, mucho antes de Fuego contra fuego o su mejor película -y también la mejor película sobre periodismo-, El informante. Ladrón se vendió como un vehículo para James Caan, pero fue mucho menos que un éxito y el paso por las pantallas fue fugaz. Sin embargo, es quizás y secretamente la película que inauguró el cine de los años ochenta: mezcla de géneros, mirada irónica, el neón como una especie de subrayado visual del mundo, cierto talante cool, superficies que reflejaban más oscuridad que luz, ritmo seco. Varias de sus secuencias, de paso, recuerdan a Blade Runner, film que se estrenó un año después que esta joya. La historia es la de un ladrón sofisticado e inteligente a quienes sus mandantes impiden retirarse y termina como único blanco tanto del crimen organizado como de la ley, que tampoco aparece bajo la mejor de las luces. Como los grandes personajes del realizador (el Pacino de El informante, el De Niro de Fuegoâ?¦, el Johnny Depp de Enemigo Público, el Tom Cruise de Colateral), Caan interpreta a un hombre de ética e individualismo feroces, un héroe a su modo. Y Mann lo filma sin el menor romanticismo, sin suavizar nada, como en todas sus películas, muy cercano a su criatura, siempre de su lado. Aunque nadie lo advirtió entonces, uno de los mayores debuts del cine contemporáneo.Hay más y vamos a seguir buscando films que realmente valen la pena y que se encuentran enquistados entre montañas de producción fast food. Sin embargo, poco a poco parece que un acervo más generoso empieza a aparecer. La cuestión es ejercer la curiosidad y derrotar al algoritmo con nuestras propias ganas. Que disfruten de la selección.

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Una frase de película la impactó, dejó Chascomús y transformó su vida: "El mundo está lleno de sorpresas para los que se animan a saltar"

Desde España, su país de residencia actual, Anastasia Alcuaz recuerda, casi incrédula, los últimos tiempos. Un lustro pasó desde el 2021, el año donde todo cambió.En Argentina era relativamente feliz hasta que, cierta vez, una frase ingresó a su mundo para no abandonarla más. Eran mucho más que palabras bonitas, se trataba de un modo de ver y vivir la vida, un portal hacia la felicidad: Espero que veas cosas que te sorprendan. Espero que sientas cosas que nunca hayas sentido. Espero que conozcas a personas con otro punto de vista. Espero que vivas una vida de la que te sientas orgullosa. Y si ves que no es así, espero que tengas la fortaleza para empezar de nuevo. La sentencia provenía del film El curioso caso de Benjamin Button, inspirado en la obra de F. Scott Fitzgerald.Desde pequeña, aunque sin poder dimensionarlo, para Anastasia atravesar fronteras significaba eso: traspasar su Chascomús natal para dejarse sorprender y nutrirse a través de un planeta maravilloso que tan solo debía estar dispuesta a descubrir. Y así, mientras los años transcurrían, la fantasía de volar y vivir en otro rincón del mundo comenzó a crecer hasta transformarse en el mayor de sus sueños.Irse de la Argentina no significaba abandonarla, tan solo quería decir que se atrevía a caminar más allá. Ser turista, solía decir, no le era suficiente, ella anhelaba ver cómo vivían otras culturas, aprender de ellas y respirar una nueva atmósfera a través de su cotidianidad.Trabajar duro por los sueños y una propuesta inesperada: bienvenida DubáiPero para que su sueño no quedara en ello, Anastasia debía accionar. Apenas terminó el colegio secundario se dispuso a tomar toda clase de cursos y a estudiar carreras que la acercaran a la experiencia anhelada. Primero se recibió de tripulante de cabina y más tarde estudió tecnicatura en turismo; por último, se lanzó hacia un mundo totalmente desconocido para ella, el mundo marino: "Realicé todos los cursos necesarios para poder embarcarme en yates de lujo y trabajar como azafata de yates", cuenta. Asimismo, durante los veranos, trabajaba en el shop de una estación de servicio de la ruta 2, a fin de ganar experiencia en atención al cliente.Y fue en diciembre de 2021, que la joven de 23 años culminó sus estudios y, casi sin querer, se halló postulándose para trabajar en el Mundial de Qatar 2022. Por aquellos días se imaginó en esa otra dimensión y un escalofrío recorrió su cuerpo. La respuesta de la empresa reclutadora no tardó en llegar, aunque las palabras no fueron exactamente las que ella esperaba: "La empresa me ofreció primero un empleo en Arabia Saudita que no prosperó y luego en Dubái. Casi sin dudarlo acepté", revela.En casa de Anastasia la decisión fue aplaudida. Recibir una oferta de empleo estable, con todo el traslado pago (su sponsor se hizo cargo de los vuelos y de la visa), era una oportunidad que sabían que no debía dejar pasar y un motivo de alegría. En Argentina también quedaría su novio quien, al igual que sus amigas, apoyaron la decisión y estuvieron allí para contenerla. Dubái se asomaba, así como el desafío de una relación a la distancia.Llegar a otro mundo: "Es muy extraño cómo la vida puede dar giros de 360° tan rápido"El proceso hasta obtener la documentación duró más de lo esperado y, por momentos, Anastasia creyó que el día de la partida jamás llegaría. Cuando tuvo los pasajes en mano todos los estados emocionales imaginables se agolparon y, finalmente, abordó el avión poseída por los nervios, la incertidumbre, las ansias, pero, sobre todo, la felicidad.A Dubái arribó envuelta en un estado de extrañeza, sin asimilar a dónde había llegado: "No lo podía creer", asegura. "Es muy extraño cómo la vida puede dar giros de 360° tan rápido".Pasada la emoción del primer impacto, llegaron los días duros. Para Anastasia, el primer mes no fue sencillo. De pronto, el duelo de lo que había dejado atrás ingresó a una realidad en donde llegó el turno de procesar el trabajo que comenzaba, las tareas y las caras desconocidas, en definitiva, todo lo que implicaba adaptarse a una nueva vida."Pero, con el tiempo vas encontrando tu lugar, te creas una rutina, hacés amigos, y, paso a paso, todo se va acomodando. Cuando te querés acordar ya sos local", afirma.Las calles de Dubái: "Siempre que sea con respeto y cautela, uno puede llevar una vida `normal' como la que llevaba antes de emigrar"La ciudad más grande y reconocida de los Emiratos Árabes Unidos sorprendió a Anastasia con su atmósfera cosmopolita. Rodeada de rostros de todos los rincones del planeta, recorrió la zona de Deira, con sus populares lugares, como el Zoco del Perfume, el Zoco de las Especies y el Zoco del Oro, este último famoso por poseer el anillo más grande del mundo. Y, entre otros paseos, divisó los reconocidos Burj al Arab y El Burj Khalifa -el edificio más alto del mundo, con 828 metros de altura-, caminó por la fuente de Dubái, con su espectáculo de agua, luz y música, y por el Safa Park, un pulmón verde para practicar deportes al aire y disfrutar del lago."Al ser una ciudad tan multicultural, puedo decir que las diferencias que experimenté no fueron extremas. La gente local es minoría. Hay muchísimos extranjeros de todas partes del mundo, sobre todo de países asiáticos como Filipinas, Tailandia, India. Mucha gente de Marruecos, Egipto, Líbano, Kenia, Uganda", describe."Por lo que en general no te sentís en una ciudad musulmana, entonces podés usar la ropa que te guste, podés tener pareja fuera del matrimonio, podés beber alcohol en bares y restaurantes. Siempre que sea con respeto y cautela, uno puede llevar una vida `normal' como la que llevaba antes de emigrar", continúa.Dubái, una tierra llena de oportunidades y de crecimiento personalEl hotel donde Anastasia inició su nueva vida laboral la maravilló por su lujo, una característica que podía hallar en cada esquina de Dubái. A las pocas semanas, la joven percibió con mayor profundidad el esfuerzo de la ciudad por exhalar una calidad de vida superior reflejada a través de sus calles seguras, limpias y estables en su andar cotidiano.Asimismo, comprendió que el ambiente cosmopolita era el reflejo de una urbe con las puertas abiertas, llena de oportunidades y crecimiento profesional que, aparte de los estudios acordes al rubro de la hospitalidad (que más allá de los servicios de alojamiento, incluye la gastronomía, los eventos, las atracciones, los cruceros y las agencias de turismo, entre otros), aquellos que deseaban vivir una experiencia en Dubái tan solo precisaban tener espíritu aventurero."Sin ir más lejos, a mí me pasó de recibir una oferta para hacer carrera dentro de otra cadena hotelera a los dos meses de empezar en mi nuevo trabajo", cuenta Anastasia, quien en Dubái se desempeñó en el hotel SLS. "En cuanto a la calidad humana es también algo para destacar. Convive gente con distintas ambiciones, valores, y se vive completamente en armonía. El respeto está siempre presente en todos los ámbitos".Emigrar, una escuela para la vida: "El mundo está lleno de sorpresas para los que se animan a saltar"La atmósfera mundial cambió, los días en Dubái quedaron atrás, pero el viaje continúa. Luego de su período hotelero, Anastasia trabajó para una aerolínea emiratí y actualmente, en 2026, está atravesando un nuevo comienzo en España, desde donde recuerda a aquella niña soñadora que alguna vez fue y siente orgullo, siente estar viviendo fiel a su frase de cabecera: "Espero que veas cosas que te sorprendan. Espero que sientas cosas que nunca hayas sentido. Espero que conozcas a personas con otro punto de vista"Y su presente no es consecuencia de la fortuna, sino de hacerle honor a los sueños y los recursos al alcance, de accionar para construir un cauce que fluya en la dirección que siente correcta. Para la joven argentina es tan solo el comienzo, queda mucho mundo por explorar y descubrir. Mucho planeta Tierra del cual aprender."Estos años realmente fueron un curso acelerado en todos los sentidos. Viajar y, especialmente emigrar, son escuela para la vida. Aprendés a estar más receptivo, más tolerante, independiente. Te encontrás creando nuevos recursos, nuevas herramientasâ?¦te reinventás. Empezás a desarrollar una relación más cercana con vos mismo, te volvés un poco tu propio hogar", dice pensativa."Por supuesto no todo es mágico, hay momentos donde uno se llena de preguntas, donde cuesta un poco más, como en toda transformación; pero sin dudas volvería a elegir tener estas experiencias una y mil veces más. Porque, al fin y al cabo, la vida es un poco eso. A nuestra Argentina sabemos que siempre vamos a poder volver, que alguien nos va a esperar con los brazos bien abiertos y un mate calentito. Pero lo que realmente llena el alma son las experiencias, el animarse a ir siempre un poquito más allá. Vivir, conocer, probar, crear recuerdos, arriesgarse, expandirse"."A aquel que tiene dudas le digo: 'Viajá, salí a dar una vuelta por el mundo, que es inmenso y está lleno de sorpresas para los que se animan a saltar. Espero que vivas una vida de la que te sientas orgullosa. Y, si ves que no es así, espero que tengas la fortaleza para empezar de nuevo'", concluye.*Destinos Inesperados es una sección que invita a explorar diversos rincones del planeta para ampliar nuestra mirada sobre las culturas en el mundo. Propone ahondar en los motivos, sentimientos y las emociones de aquellos que deciden elegir un nuevo camino. Si querés compartir tu experiencia viviendo en tierras lejanas podés escribir a destinos.inesperados2019@gmail.com . Este correo NO brinda información turística, laboral, ni consular; lo recibe la autora de la nota, no los protagonistas. Los testimonios narrados para esta sección son crónicas de vida que reflejan percepciones personales.

La nueva película española de Netflix que se convirtió en una tendencia global

Un caso inquietante y una investigación llena de incógnitas impulsan a esta producción que ya se encuentra entre las más elegidas.

La película de Netflix que está en el ranking de Argentina y que no te dejará levantar del sillón hasta el final

Netflix sumó a su catálogo Criaturas luminosas, una película basada en la novela homónima y que sigue de cerca a una mujer y su relación de amistad con un pulpo gigante del Pacífico. El éxito de este largometraje fue tal que en pocas semanas se convirtió en el segundo más visto de la plataforma en nuestro país. Enterate de qué se trata. De qué trata Criaturas luminosasEsta historia conmovedora deviene de la novela debut de Shelby Van Pelt: Remarkably Bright Creatures, que se publicó en 2023 de la mano de The New York Times. En pocos meses se convirtió en un bestseller que permaneció más de 64 semanas en la lista de los libros de ficción más vendidos del diario estadounidense. En 2025, Olivia Newman adaptó la ficción y en mayo del 2026 se estrenó en Netflix, siendo una de las películas más vistas de la Argentina a poco de su lanzamiento en la plataforma. La trama sigue a Tova, una mujer viuda que trabaja en el acuario de su pueblo como personal de limpieza. Durante sus jornadas, aprovecha para conversar con Marcellus, un pulpo gigante del Pacífico que vive en uno de los estanques. Rápidamente, los dos entablan una amistad profunda y que logra conmover. Mientras ese vínculo curioso se consolida y le permite a Tova redescubrir la alegría y el sentido de la vida, aparece en el pueblo Cameron, un joven errante que busca a su familia e intenta resolver conflictos pasados. Es así como el apoyo entre los tres los hace develar un misterio que los llevará a un descubrimiento trascendental y les devolverá la capacidad de asombro.La gran Sally Field interpreta a Tova, mientras que Lewis Pullman encarna a Cameron. Asimismo, Alfred Molina es quien le pone la voz a Marcellus, el pulpo inteligente con capacidad de interactuar con los personajes y que también es la voz que narra la historia. Van Pelt le contó a Netflix que su idea era hacer un relato ficcional que tuviera al pulpo como protagonista. Para ello, se inspiró en YouTube. "Uno de los lugares donde pude encontrar un personaje realmente bueno fue en YouTube, viendo videos de pulpos traviesos que escapaban de sus recintos o que simplemente hacían travesuras en acuarios. Recuerdo haber pensado que sería una voz muy divertida para escribir, un personaje muy divertido de desarrollar. El personaje de Marcellus surgió de una pequeña viñeta que escribí en un curso de formación continua", dijo. Según la autora de la novela, más allá de Marcellus, Criaturas luminosas "es una historia de amor y duelo". "Son dos emociones que todos los que habitamos este planeta experimentamos en algún momento, por lo que los temas tienen una gran resonancia. Hay una amplia gama de edades, generaciones y personajes que la gente puede disfrutar en conjunto", explicó Van Pelt.El reparto del largometraje cuenta también con la participación de: Colm Meaney, Joan Chen, Kathy Baker, Beth Grant y Sofia Black-D'Elia. Además, el director Newman coescribió el guion con John Whittington. Bryan Unkeless y Peter Craig producen para Night Owl, junto con David Levine de Anonymous Content. Alyssa Rodrigues de Night Owl, Tony Lipp, Erika Hampson y Alisa Tager de Anonymous Content, Newman y el autor Van Pelt son los productores ejecutivos.

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La idea del protagonista tenía que ver, según figuraba en ese texto, con que "a las madres les gustaban estas temáticas, porque permitían que sus hijos lidien con escenarios de buenos contra malos, y puedan identificarse con un protagonista noble". La ilustración que marcaba el punto de partida de ese mundo, era una realizada por un dibujante de la compañía llamado Mark Taylor, que mostraba a un guerrero de aspecto vikingo. El nombre elegido para ese nuevo personaje era He-Man, y la línea se llamaría Amos el universo. En una reunión de Mattel, el director de marketing, un avispado ejecutivo llamado Mark Ellis, le informó a los inversores que la nueva colección de juguetes iba a ser impulsada por una serie de dibujos animados. El detalle, es que hasta ese momento, Ellis no tenía ninguna serie entre manos, y debió recurrir a esa mentira piadosa con el objetivo de lograr el negocio.Luego de varias reuniones, desde Mattel cerraron trato con Filmation, una productora de mediano calibre, responsable de algunos pequeños éxitos como Tarzán, o los dibujos de Star Trek. De esa manera, el primero de diciembre de 1982 las figuras de He-Man llegaban a las jugueterías de Estados Unidos, y en septiembre de 1983 debutaban sus dibujos animados. Y el éxito fue inmediato. El enorme carisma de los protagonistas, las batallas en un mundo fantástico, la creatividad en el diseño de los héroes y villanos, y el encanto del clásico planteo sobre la lucha del bien contra el mal, cautivó a los chicos rápidamente. Poco tiempo después, tararear la reconocible melodía de apertura, se habían instalado entre los niños como una suerte de himno generacional.A mediados de 1984, cuando la serie llevaba poco menos de un año al aire, un artículo de The New York Times dio cuenta del boom llamado He-Man, que estimativamente se veía en nueve millones de hogares en Estados Unidos. Se trató de un éxito que rápidamente cruzó fronteras, y en 1985 eran 37 los países que habían adquirido los derechos para televisarla (entre ellos, desde luego, se contaba a la Argentina). La combinación de una ficción atrapante, acompañada de una extensa galería de muñecos, fue una fórmula irresistible y millonaria. Luego de 130 episodios, el 8 de diciembre de 1984, la ficción llegó a su final. Sin embargo y lejos de concluir la saga, la intención fue la de cederle la posta a un nuevo proyecto. De ese modo, en 1985 llegó a los cines He-Man y She- Ra: El secreto de la espada, un largometraje animado que presentó a una nueva heroína, quien luego recibió una serie que se extendió a lo largo de 93 episodios, hasta 1986. Amos del universo: decepción en la pantalla grandeLa fiebre de He-Man, que parecía no tener techo, dio pie a un proyecto aún mayor: la llegada a la pantalla grande. A mediados de los años ochenta, la productora Cannon Films (especializada en películas hechas más con ingenio que con presupuesto) puso en marcha un largometraje dedicado al héroe. Los líderes de esa productora, Yoram Globus y Menahem Globus, compraron los derechos sobre el personaje con el objetivo de hacer un film grandilocuente, pero con la misma cantidad de dinero que invertían para proyectos clase B que solían tener a Chuck Norris enfrentándose a un discreto pelotón de ninjas. Con un guion escrito a medias, pero con el apuro de facturar frente a la crisis económica que atravesaba Cannon Films, la producción se puso en marcha con Dolph Lundgren como el elegido para personificar a He-Man. El actor sueco, que hablaba muy poco inglés, debió soportar estoicamente las exigencias de un rodaje en el que no había dobles para realizar las escenas de acción. En la vereda opuesta, en la piel de Skeletor se encontraba el prestigioso Frank Langella, quien aceptó el papel porque su hijo era fanático del dibujo animado original. Cuando Langella llegó al set de filmación y se encontró con un guion escrito de forma desprolija, él mismo procedió a reescribir varias de sus líneas, con el objetivo de darle una profundidad casi Shakespereana a un villano unidimensional. El rodaje no fue nada fácil, y debido al bajo presupuesto el guion sufrió cambios que fueron demoledores. Originalmente la historia debía presentar una imponente escena en Eternia, con una batalla multitudinaria en la Montaña serpiente y el castillo Grayskull. Pero eso quedó descartado. Para colmo, personajes muy queridos como Orco, fueron desechados por los costos que podría significar mostrarlos en pantalla. Y peor aún, es que Mattel controlaba celosamente el modo en el que He-Man y su universo era mostrado en pantalla, y con el único objetivo de vender muñecos, es que le impusieron a la producción la aparición de villanos originales que sirvieran para fabricar merchandising derivado. Eso culminó con los espectadores sumamente desilusionados al no ver en pantalla a héroe y villanos muy populares como Man-E-Faces, Tri-Klops, Trap-Jaw o Mekaneck. Finalmente dichos cambios dieron por resultado una película que poco tenía que ver con He-Man, para proponer una deslucida aventura en la Tierra que estaba muy lejos de la epicidad exhibida en los dibujos animados.En agosto de 1987, llegó a los cines de Estados Unidos el film Amos del universo, sobre el que Cannon tenía grandes expectativas (amparadas en desconocer por completo a los fans de ese personaje). De hecho, la cúpula de esa productora pensaba que tenía entre manos a una nueva Star Wars, que quizá hasta podía dar pie a la creación de un nuevo universo. Por ese motivo es que le dieron luz verde a la preproducción de una secuela, de la que Dolph Lundgren no iba a participar. Pero con el film en las calles, que terminó dando pérdidas irreparables para Cannon, el mito de He-Man llegó a su fin.Tiempo de revanchaA lo largo de los años, en Hollywood hubo un interés sostenido por llevar a He-Man nuevamente a los cines. De esa forma comenzó un peregrinaje de mil intentos por concretar una nueva película de He-Man. En 2007 el director John Woo estuvo cerca de hacer ese título, y lo mismo sucedió entre 2009 y 2018, cuando numerosos guionistas y realizadores quisieron también liderar un largometraje del reconocido héroe. Pero no fue sino recién en 2022 que el proyecto cobró impulso de la mano de Netflix. Aunque poco tiempo después, y luego de invertir treinta millones de dólares en la preproducción, la plataforma streaming le bajó el pulgar al film. Todo parecía perdido, hasta que en ese momento apareció Amazon MGM.El director Travis Knight fue el elegido para realizar la tan demorada película de He-Man, junto a un elenco encabezado por Nicholas Galitzine como el hercúleo héroe, Camila Mendes en la piel de la valiente Teela, e Idris Elba como su padre, Man-At-Arms. Con respecto al bando de los villanos, Jared Leto quedó elegido para interpretar a Skeletor, junto a Alison Brie como la temible Eil-Lyn. Con un presupuesto cercano a los doscientos millones de dólares, esta nueva película despierta una vez más el interés sobre esta inoxidable saga, principalmente porque promete saldar una deuda con el público y finalmente mostrar Eternia en todo su esplendor. Con una aventura que se traslada al castillo de Grayskull, y con un tono que oscila entre la comedia y la acción en la línea de Guardianes de la galaxia, el film Amos del universo será el regreso con gloria de un universo que se niega a abandonar el corazón de su leal público, y que al grito de "¡por el poder de Grayskull!", buscará emocionar a los fans vieja escuela como así también enamorar a una nueva generación de seguidores.

Películas hechas en la provincia

Entre hoy y el sábado podrán apreciarse los cuatro títulos que participan de la categoría Largometrajes santafesinos.

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La cinta llega a plataformas pocos días antes de que inicie oficialmente la Copa del Mundo en nuestro país

Scary Movie: la saga de películas que se burlaba del terror y vivió su propia pesadilla

"Podría escribir una Scary Movie sobre cómo los Weinstein se quedaron con la marca", reflexionó Marlon Wayans sobre el turbulento camino que enfrentó la franquicia que creó junto a su hermano, Shawn, en 2000. Las palabras tienen el tono justo de quien aprendió a reírse de lo que no tiene cura. Pero el detrás de escena de Scary Movie es, en efecto, apto para una película de miedo.En la década de 1990, las parodias habían pasado de moda. O eso parecía. Solo las secuelas de La pistola desnuda conservaban cierto poder de convocatoria. Los hermanos Zucker, Jerry y David, se habían hecho maestros de un humor que se burlaba de otros géneros cinematográficos: antes de llevar a Leslie Nielsen como el detective Frank Drebin a la pantalla grande, habían sido los cerebros detrás de ¿Y dónde está el piloto? y Top Secret!: Super Secreto. Y aunque los Zucker tomarían las riendas de la saga con la tercera entrega, Scary Movie no fue idea suya sino de otros hermanos: los Wayans.Keenen, Marlon y Shawn eran comediantes por naturaleza. In Living Color fue el programa de televisión que los hizo crecer en la industria y también la declaración de principios más clara sobre el tipo de humor que cultivaban: humor negro. El show se atrevía a ir más allá de Saturday Night Live o el programa de Bill Cosby porque llevaba al extremo los estereotipos de la cultura afroamericana, sin pedir disculpas ni moderar el tono. Era, en palabras de Keenen Ivory Wayans, "crudo y ofensivo".Los Wayans encontraron su trampolín hacia la pantalla grande en una obra que, casualmente, también era una parodia. Scream, dirigida por Wes Craven en 1996, se burlaba de las convenciones del cine de terror asumiendo que el espectador conocía de memoria todos sus clichés. Era metaficción que recompensaba a quienes habían visto muchas películas de asesinos seriales. Con un presupuesto de 15 millones, recaudó más de 173 millones. La fórmula estaba lejos de agotarse. Los hermanos Wayans vieron la película y pensaron que se podía hacer una película más cerca del humor que del terror. Una parodia como ¿Y dónde está el piloto?. El problema era que sabían con quién tenían que sentarse a negociar si querían burlarse de Scream: los hermanos Weinstein.Marlon Wayans los había conocido durante el rodaje de Sin sentido, una comedia que protagonizó en 1998. Le enviaron una copia de El arte de la guerra, de Sun Tzu, como si fuera un mensaje que advertía para quiénes estaba trabajando. "Apenas lo leí supe qué personas eran. Violaban y saqueaban aldeas. Eran unos tiranos que tenían una dinastía". Marlon no se equivocó en la interpretación de los Weinstein.Harvey y Bob Weinstein estaban construyendo su imperio en Hollywood, gracias a una combinación que unía el olfato empresarial para los éxitos, la visión artística para distribuir cine independiente, y una actitud negociadora brutal y abusiva. Fueron ellos los que apadrinaron, distribuyeron o produjeron películas como Tiempos violentos, El paciente inglés, Ju Dou, amor secreto, Claroscuro y El juego de las lágrimas, entre otros. El trato que cerraron ambos grupos de hermanos, en la memoria de Keenen, se resume en dos palabras: "Una mierda." La relación se deterioró rápido.La guerra por el guionEl primer choque llegó antes de que se encendiera una sola cámara. Dimension Films, la compañía subsidiaria de Miramax, era propietaria de dos guiones que parodiaban el cine de terror: el de los Wayans, y uno escrito por Jason Friedberg y Aaron Seltzer titulado Scream If I Know What You Did Last Halloween. Los Weinstein querían que los Wayans tomaran ese borrador como punto de partida. Los Wayans se negaron: no quería trabajar sobre una idea que no fuera suya.El Sindicato de Guionistas terminó otorgando crédito a los seis por Scary Movie, lo que enfureció a los Wayans, que argumentaban que ninguna idea del otro guion había sobrevivido en la película. Hay un dato que cierra el círculo con cierta ironía: Scary Movie era el título original que Wes Craven había descartado para Scream. "En una parodia hay que contar una historia. Lo que suelen hacer es escribir un montón de chistes y tratar de atarlos todos juntos. Eso no basta, hay que crear una narrativa", confesó Keenen Ivory sobre la génesis de Scary Movie.En este caso, la protagonista de la historia es Cindy Campbell, interpretada por la novata Anna Faris: "Fue mi primera audición en Hollywood. Estaba muerta de miedo". Marlon Wayans, Carmen Electra, Dave Sheridan y Regina Hall acompañaron a la debutante frente a cámara. La historia era apenas otra excusa para parodiar películas que no eran solo de terror, entre las que se encontraban algunas muy populares como Matrix, Los sospechosos de siempre y Titanic, entre otras.La fiebre por el oro en la taquillaScary Movie: una película de miedo se estrenó en el año 2000. A pesar de no contar con grandes estrellas, fue un éxito casi enorme: consiguió recaudar $278 millones de dólares, en todo el mundo, con un costo de $19 millones. Un año antes, una parodia de las películas de 007, Austin Powers: el espía seductor, había recaudado $313 millones a nivel internacional. Las parodias volvían a brillar como oro para Hollywood, y los Weinstein estaban dispuestos a explotarlo hasta las últimas consecuencias.La forma más rápida de explotar un éxito, en la lógica de los Weinstein, era repetirlo antes de que el público lo olvidara. Fijaron el estreno de la secuela para exactamente un año después de la primera película. Los Wayans tuvieron menos de 9 meses para escribir un nuevo guión, filmar Scary Movie 2 y terminar la postproducción antes del estreno. La película fue un éxito, pero recaudó considerablemente menos que la primera parte y costó más: $45 millones de dólares invertidos en una producción que consiguió $141 millones en su paso por las salas.Las críticas contra Scary Movie 2 fueron impiadosas. Aunque la relación entre los Wayans y los Weinstein no estaba en su mejor momento, empezaron las negociaciones para hacer Scary Movie 3. Aunque el concepto original fue aprobado, Miramax les ofreció el mismo pago que habían recibido por la primera entrega. Los creadores se enteraron por los diarios que los Weinstein iban a hacer la tercera película de la saga sin ellos.Para la tercera entrega, los Weinstein reemplazaron a los Wayans por los Zucker, los veteranos del género que hacía años esperaban en el banco. Keenen no se quedó callado: "No se pueden hacer mierdas de los Wayans sin los Wayans. Pueden tratar, pero van a perder mucho dinero porque lo nuestro es especial. Con mis hermanos sumamos como 200 años de comedia". "Nos quitaron la franquicia. Y nosotros solo pedíamos lo que nos correspondía", explicó tiempo después Marlon Mayans, quien también deslizó que los poderosos Weinstein se encargaron de recurrir a todo tipo de artimañas para que ni él ni sus hermanos pudieran cobrar las regalías que les correspondían como creadores de la franquicia.David Zucker, el director de Scary Movie 3, tiene su versión de la historia: "Estas cosas pasan en Hollywood todo el tiempo. Los Wayans y los Weinstein no se pusieron de acuerdo. A mí me llamaron desde Dimension Films cuando los Wayans ya se habían ido. Todo es válido. Supongo que desde el punto de vista de Marlon Wayans el estudio se robó su franquicia, no sé qué dijo. Pero los estudios hacen lo que quieren con sus franquicias. Como hicieron conmigo: Paramount no quiso que yo estuviera involucrado en La pistola desnuda 4".La visión de Zucker, despojado de su propia criatura, La pistola desnuda, probablemente sea la de un profesional que aprendió a no sorprenderse con los usos y abusos de la industria de Hollywood. La de los Wayans, en cambio, es la de quienes se sientan a esperar que el tiempo les dé la razón.En 2013 se estrenó la quinta -y hasta este jueves- última entrega de la saga, que por supuesto no contó con la colaboración de sus creadores. Recibió pésimas críticas, pero no funcionó mal en recaudación a nivel mundial. Alguien consideró que ya era momento de que la franquicia descansara en paz.El desenlace llegó mucho después y desde otro lado. Con el movimiento MeToo, los Weinstein perdieron todo: el poder, la empresa, la reputación. Cuando en 2024 Jonathan Glickman asumió el cargo de director ejecutivo de Miramax, puso en contacto con los Wayans para que retomaran el control de la saga. Así, esta sexta entrega de Scary Movie, que llega a lo cines argentinos este jueves, marca su esperado retorno delante de cámaras y como guionistas y productores.Keenen lo interpretó con la calma de quien esperó mucho tiempo sin decir nada: "Fue la venganza de Dios. A veces no hay que hacer nada, porque Dios se encarga de todo. Con las acusaciones de acoso y violaciones hasta les sacaron Miramax. La venganza ahora es mía. Ellos violaron a los negros también. Nos violaron con sus tratos. Fueron personas terribles."

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A 30 años de Chaco: cuando Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur pusieron en una coctelera el rap, las películas de karate y un hit instantáneo

Hay discos que son producto de su época, pero que a su vez están adelantados a su tiempo. Cuando se dan esos dos factores -la fusión entre la frescura de lo actual y la mirada hacia el futuro-, el resultado muchas veces es el de una explosión de popularidad inmensa, una transición brusca de los márgenes hacia la masividad. Ese proceso fue el que experimentó Illya Kuryaki and the Valderramas con Chaco, su tercer álbum, que vuelve a las bateas por primera vez en vinilo, un soporte que le hace justicia a una de las obras fundamentales de los 90, que impulsó las carreras de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur en todo el continente. El hip hop en Argentina empezó como un fenómeno marginal, traccionado más por el breakdance que por el rap. De ahí que los primeros hits locales hayan sido temas bailables, con bases inspiradas en el techno y estribillos pop, como los éxitos de Jazzy Mel y MC Ninja. En ese contexto, los hijos de Luis Alberto Spinetta (Dante, Valentino y Catarina) y del fotógrafo Eduardo "Dylan" Martí (Emmanuel, Lucas y Guadalupe) formaron un grupo llamado Pechugo -una parodia de Menudo-, en el que compusieron canciones que nunca llegaron a grabarse, a excepción de "El mono tremendo", que el Flaco registró con ellos para su álbum Téster de Violencia. En esas sesiones participó en el bajo Carlos "Machi" Rufino, que integraba la banda de Spinetta y había tocado en Invisible, y que años después sería uno de los técnicos de grabación de Chaco. "Dante y Emmanuel jugaban con mis hijos en el patio de mi casa. Más allá de lo profesional, había una relación casi familiar con ellos", cuenta el bajista.Illya Kuryaki and the Valderramas nació como un desprendimiento de Pechugo, que solo se subió al escenario una vez en la presentación de Tester de Violencia, en el teatro Broadway. Spinetta y Horvilleur debutaron tres años más tarde con Fabrico Cuero, lleno de letras irónicas y políticamente incorrectas, como "Es tuya Juan" y "Jubilados violentos". Aunque logró cierta trascendencia, con 15 y 16 años el dúo era todavía demasiado joven para ser tomado en serio, a pesar de haber contado con la producción de Luis Alberto y con la bendición de Charly García, que los invitó a cantar con él un medley de "Fabrico cuero" y "Rap del exilio" en Ferro. En 1993, el dúo sacó Horno para calentar los mares, un disco más rockero, influido por la fusión del rock con el rap, como fue el primer álbum de Rage Against the Machine, Epic, de Faith No More; la versión de "Bring the Noise" de Anthrax con Public Enemy y la banda sonora de Judgement Night, hecha con colaboraciones entre raperos y bandas de rock, que incluyó a Run D.M.C., Living Colour, Pearl Jam y Cypress Hill. Sobre ese segundo trabajo, dice Emmanuel Horvilleur: "Nos permitió empezar a plasmar una cosa más de banda, de instrumentos grabados por nosotros y del sonido que veníamos teniendo en vivo". El álbum fue un fracaso comercial que los dejó sin discográfica, que les rescindió el contrato a causa de las bajas ventas, pero les abrió las puertas hacia la libertad de experimentar con todas sus influencias sin ningún tipo de ataduras. Fundaron su propio sello, Gigoló Productions, se calzaron el traje de productores y empezaron las sesiones de grabación en el estudio La Diosa Salvaje, propiedad del Flaco. "Mucho del sonido de Chaco se dio una vez que estuvimos en el estudio, probando cosas e intentando ir por lugares muy diferentes a los que se planteaban en la época", recuerda Horvilleur. "Nos empezó a gustar el sonido más lo-fi, influenciado por el funk de los 70, como Curtis Mayfield o Funkadelic, mezclado con el hip-hop de la época de Beastie Boys y Cypress Hill. También usamos samplers de películas y nos abrimos a influencias extramusicales como el karate". Las películas de artes marciales fueron parte de la estética de IKV desde el principio, pero su influencia se hizo más evidente en este período gracias a los videoclips dirigidos por Alejandro Hartmann. Como dato de color, la foto de portada del álbum, que habrían hallado en un mercado de pulgas, fue atribuida de forma apócrifa a Bruce Lee. "Le pregunté a Dante qué escuchaban. Me nombró artistas que yo no conocía, así que le pedí los discos y me trajo una pila de CD que me tomé el trabajo de escuchar. Gracias a eso, cuando arrancamos la grabación, yo ya tenía una idea de qué sonidos buscaban. Ellos mismos se sorprendían en el estudio al ver cómo yo podía responder a ese tipo de música", detalla Machi sobre la realización del álbum, que en una primera etapa estuvo a cargo de Mariano López. De esas sesiones iniciáticas salieron canciones como "Abarajame", "Hermana sista" y "Nacimiento" -que incluye la voz de Ernesto Frith, el locutor que le dio identidad al programa La aventura del hombre-, junto con otras que fueron descartadas. "Para mi cumpleaños, Dante, junto con su novia y [Fernando] Samalea, me regalaron un CD con los primeros temas que habíamos grabado, cuya portada era una foto que nos habíamos sacado en Santa Fe durante una gira, donde aparecemos en calzoncillos. Le pusieron de nombre Cartuchera Porno. Lo contamos en una entrevista y durante muchos años fue un objeto muy buscado", rememora Emmanuel con humor. Fernando Samalea, que tocó la batería en el álbum, relata la anécdota al detalle en su libro Qué es un long play: "El comienzo fue de menos a más, en plan demo, tocando y rapeando sobre un loop de Miles Davis. Era 'Onko LSD', dedicado a Gustavo Spinetta, el tío de Dante. ¡Acerca de un sobreviviente de Woodstock arrollado por un colectivo 12 en Puente Pacífico! Luego, llegó el turno de 'Jazz muy bien', 'Vapor' y 'Zulema'". La única de esas composiciones inéditas que llegó a editarse es "Onko LSD", incluida en el compilado Pampa del Indio, hecho a beneficio de la comunidad toba. Un año antes de la salida de Chaco, en 1994, los Beastie Boys ampliaron el horizonte del género con Ill Communication, donde incursionaron en el funk, el jazz y el rock mezclando samples con instrumentos tocados por ellos mismos. El tercer disco de IKV parte de la misma idea de rapear sobre música tocada con banda, pero con una instrumentación que reflejara todo su background musical, desde el soul de Prince en "No es tu sombra" hasta el universo spinetteano de "Abismo". "El sonido de Chaco se dio asimilando una galería de instrumentos que empezamos a buscar, como el piano Fender Rhodes, el Roland Vocoder Plus, la guitarra con wah-wah y el bajo Mu-Tron", completa Horvilleur. "Recuerdo que un día vino Luis Alberto Spinetta, se me acercó al oído y me dijo: 'Machi, no los dejes hacer lo que ellos quieren'. Yo le respondí: 'Decime cómo se hace para evitarlo'. Eran muy jóvenes, corría el año 1995 y se llevaban el mundo por delante", reflexiona el técnico, que fue incentivado por el dúo a utilizar técnicas de grabación no convencionales. Esa ambición de Dante y Emmanuel fue la que convirtió a Chaco en un éxito instantáneo en toda Latinoamérica, con "Abarajame" sonando en todas las radios y su video en alta rotación en MTV, reconocido como video del año en la edición latina de los premios de la cadena.En "Abarajame", los músicos adoptaron los alter egos de Coolero Connor y Groova Chaco y mezclaron el espíritu de la serie Kung Fu con el funk y el erotismo cantado en un spanglish deforme que tres décadas más tarde sería moneda corriente en el trap latino. La canción había sido probada en vivo, por lo que cuando salió el disco el público de IKV ya la conocía. "Le sugerí a Dante dejarla afuera, pero él me dijo: 'ni en pedo, está buenísima'", admite Horvilleur y agrega: "Chaco fue un parteaguas, una bendición. Nos permitió probar lo que es el éxito y seguir soñando a lo grande". Con 250 mil copias vendidas, el álbum demostró que se podía hacer hip-hop de calidad en Latinoamérica con identidad y raíces propias. Es cierto que Chaco tomó un camino distinto al del rock nacional de ese momento -el Nuevo Rock Argentino liderado por bandas como Babasónicos, Juana La Loca, Los Brujos y Peligrosos Gorriones-, pero le abrió la puerta a innumerables grupos en todo el continente que se animaron a fusionar el rock, el rap y la música negra con ingredientes latinos. Sin ir más lejos, tras su salida aparecieron Molotov y Control Machete en México, Los Tetas en Chile y Peyote Asesino en Uruguay. Chaco, como sucede con las obras vanguardistas, parece un nuevo lanzamiento. Su influencia en artistas del género urbano, desde Trueno hasta Ca7riel & Paco Amoroso, se percibe desde el primero hasta el último track. Sin saberlo, Illya Kuryaki and the Valderramas escribió el manual de la música argentina del siglo XXI hace treinta años. No por nada, como dice Machi, ese álbum "fue una bisagra que los lanzó hacia la estratósfera".

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Apocalypto: la película que Mel Gibson imaginó como una simple persecución y terminó siendo una obra maestra

"Básicamente, lo que estaba haciendo era intentar hablar de nuestro tiempo, de la sociedad en la que vivimos, y de qué tan cerca estamos del colapso", dijo Mel Gibson sobre Apocalypto, 20 años después de su estreno. Después del suceso histórico de La Pasión de Cristo, el australiano quiso adentrarse en el corazón de las tinieblas: ¿Qué empuja a las grandes civilizaciones a la extinción?La génesis de esta historia fue su propia imaginación. Pensó en una escena antes de saber dónde ocurriría la historia, quiénes serían los personajes ni qué idioma hablarían: un hombre corre, otros hombres lo persiguen, la selva es el laberinto y el cuerpo humano es el único vehículo disponible."Siempre quise dirigir una película de persecución, pero filmada exactamente como se filma una persecución de autos", reveló el director. De esa obsesión nació Apocalypto, una película hablada íntegramente en maya yucateco, protagonizada por actores desconocidos, rodada en una selva real y construida sobre una premisa mucho más compleja de lo que aparenta.El año en que se estrenó, 2006, Gibson arrastraba el peor escándalo de su carrera. Meses antes del lanzamiento, había sido arrestado por conducir en estado de ebriedad en Malibú y, durante la detención, realizó comentarios antisemitas que generaron una tormenta mediática sin precedentes. En ese contexto, Apocalypto llegó a los cines con el peso adicional de demostrar que Gibson seguía siendo un cineasta capaz de separar su obra de su figura pública. La película habló por sí sola.Una carrera sin motorLa génesis del proyecto fue, como suele ocurrir con las mejores ideas, casi accidental. Gibson le contó a un amigo que quería dirigir algo nuevo. El amigo preguntó qué. Gibson respondió: una persecución a pie. "¿Una persecución a pie? Para filmar algo así necesitás una sociedad donde no existan los autos, si no termina siendo una persecución de autos", razonó el director. La restricción se convirtió en el punto de partida.El equipo investigó los registros de los primeros contactos entre europeos y pueblos originarios del continente americano. Encontraron la referencia: las primeras personas que encontró Colón en su viaje fueron canoas mayas de comerciantes. "Pensé: '¿Qué estaba pasando en Honduras en ese momento?'. Mirás las ciudades, las pirámides, los templos de esa época y la historia nació de ahí", explicó el director.Para escribir el guion, Gibson y su coguionista Farhad Safinia leyeron Colapso, el ensayo de Jared Diamond sobre cómo las civilizaciones se destruyen a sí mismas, y el Popol Vuh, la biblia maya. Consultaron arqueólogos y profesores. Y Gibson viajó personalmente al sitio arqueológico de El Mirador, en Guatemala, donde el arqueólogo Richard Hansen lo llevó a presenciar una excavación que lo marcó: a 26 metros de profundidad, apareció un mural que narraba la historia completa de los gemelos del Popol Vuh descendiendo al inframundo. El mural tenía casi 3000 años. La historia que Gibson quería contar era, literalmente, tan antigua como la civilización que pretendía retratar.La odisea mayaEncontrar la selva correcta fue una odisea en sí misma. El equipo de producción exploró Guatemala y Costa Rica, pero la jungla costarricense resultó demasiado densa: no se podía ver hacia el interior, no había terreno plano para construir sets ni espacio suficiente para las escenas de persecución.La directora de producción Anna Roth sugirió México. Gibson fue a reconocer la zona y lo que encontró en las inmediaciones de Catemaco, en el estado de Veracruz, lo convenció de inmediato. "Es plana, podemos hacer todas las escenas de carrera que queramos, y lo mejor de todo es que podés ver profundo dentro de la jungla", dijo el director. Los árboles eran gigantescos. La profundidad visual, extraordinaria. El equipo instaló allí su base de operaciones durante cinco o seis meses.Filmar en ese entorno fue, técnicamente, una pesadilla. La iluminación cambiaba radicalmente de un plano al siguiente: el movimiento del sol entre las hojas de los árboles alteraba la luz a cada momento, de manera impredecible. La solución fue filmar gran parte de las escenas en la selva con contraluz, convirtiendo una limitación en una marca visual.Para las secuencias rodadas en condiciones de penumbra extrema, de madrugada o en la oscuridad casi total del follaje, la producción recurrió a una cámara digital de alta sensibilidad llamada Genesis, que permitía rodar casi de noche sin perder definición. La selva no cedía. El equipo tuvo que aprender a filmar de nuevo y adaptarse a la jungla.Cuando el rodaje avanzó de la selva a las escenas urbanas, la escala del desafío creció exponencialmente. Gibson descartó de forma tajante el uso de efectos por computadora o modelos a escala para representar la ciudad maya. Quería estructuras reales, transitables, con escaleras que se pudieran subir y objetos que pudieran rodar de verdad.El diseñador de producción Tom Sanders, el mismo que había trabajado con Gibson en Corazón valiente, construyó en Veracruz un set colosal: pirámides ceremoniales, zonas de mercado, asentamientos precarios, campos de cultivo en terrazas y una cantera de cal activa, todo mantenido operacional durante meses.Para la escena en la que Garra de Jaguar, el protagonista de esta historia, atraviesa el río como un cautivo, tuvieron que cavar una trinchera real. Quienes trabajaron en el proyecto compararon la envergadura de la construcción con las grandes producciones de Cecil B. DeMille. Era el tipo de megalomanía cinematográfica que el cine contemporáneo había dejado de permitirse.Doscientas cincuenta manos para setecientas carasGibson tenía una regla de oro para el casting. O, mejor dicho, dos. La primera: tenían que ser actores desconocidos. La segunda: dientes malos. Buscaba rostros auténticos, no quería saber nada con los dientes perfectos, relucientes y blancos que tienen casi todos los que trabajan delante de cámara en Hollywood.Para la mayoría de los actores elegidos era su primera vez frente a una cámara. Muchos de los 700 extras que participaron en las escenas de la ciudad eran artesanos, artistas de circo o trabajadores de la región que nunca habían pisado una sala de cine.Gibson también les pedía que abandonaran cualquier tono solemne o acartonado en los diálogos. No quería honor ni épica declamatoria: quería que hablaran como lo que eran, personas comunes de su tiempo. La película, de hecho, empieza con un chiste.El departamento de maquillaje llegó a tener 250 artistas trabajando en simultáneo. El operativo tenía precisión militar: los extras llegaban en micros a pabellones equipados con hileras de espejos; una luz roja se encendía cada vez que una silla quedaba libre, como una línea de montaje de caracterización. La razón de tanta minucia era simple: Gibson hacía primeros planos de absolutamente todos, hasta del último extra en el fondo del plano.El maquillaje no era meramente decorativo. Cada tatuaje era un símbolo religioso; cada modificación corporal, un indicador de clase social. Los habitantes de las aldeas llevaban ornamentos mínimos. La clase media urbana lucía tatuajes más densos y peinados elaborados. La nobleza ostentaba perforaciones masivas, abanicos suntuosos y, en el caso de las mujeres de la alta sociedad, incrustaciones de jade en los dientes.La panza de la mujer embarazada que aparece atrapada en el pozo era también una prótesis. Y el actor que interpretó al sacerdote que arranca los corazones en lo alto de la pirámide estudió, para construir su personaje, los gestos y la postura de Benito Mussolini. La crueldad ritualizada necesitaba un modelo, y lo encontró en el siglo XX.Para Gibson el derrumbe maya, provocado por la degradación ambiental y la corrupción institucional, no difería sustancialmente de dinámicas que veía operar en el mundo contemporáneo. En su lectura, el sacrificio humano no desapareció con las pirámides: solo cambió de forma. Enviar jóvenes a guerras injustas por razones financieras o recetar medicamentos que dañan a las personas con el único fin de lucrar eran, para Gibson, las versiones modernas de aquellas ofrendas en lo alto de los templos.Garra de Jaguar es un cazador y padre de familia que no forma parte de la élite guerrera ni de la clase sacerdotal. Gibson lo construyó como el opuesto moral del sistema que lo persigue: sobrevive precisamente porque es "más sensible, más humano" que quienes lo cazan. No es el más fuerte ni el más feroz. Es el que tiene algo por lo que volver. Su mujer está embarazada y atrapada en un pozo que se inunda con la lluvia. Esa urgencia, y no ninguna hazaña épica, es el motor de la persecución.El veredicto del público y la Academia de HollywoodApocalypto se filmó con un presupuesto de 40 millones de dólares y se estrenó el 8 de diciembre de 2006. Recaudó más de 120 millones en todo el mundo, demostrando que una película hablada en lengua indígena, sin estrellas y sin franquicia podía competir con la cartelera mainstream.La Academia de Hollywood reconoció el trabajo técnico con tres nominaciones al Oscar: maquillaje, edición de sonido y mezcla de sonido. No ganó ninguna. Las críticas tampoco fueron demasiado entusiastas con la película. Más bien fueron mixtas. Y los antropólogos señalaron que varios elementos visuales de la película corresponden más a la tradición azteca que a la maya clásica. Gibson respondió que Apocalypto nunca pretendió ser un documental.Sin embargo, con el correr de los años, la película fue acumulando elogios de algunos de los cineastas más prestigiosos del mundo. "Creo que es una obra maestra", dijo Quentin Tarantino. "Posiblemente la mejor y más artística película de ese año", opinó el director de Tiempos violentos. Para otros, como Spike Lee, Robert Duvall y S.S. Rajamouli, no es solo una de las mejores películas de 2006, sino una de las grandes películas de este siglo."Admiro Apocalypto por su honestidad, pero también por su poder y arte cinematográfico. Muchas películas hoy no se animan a meterse en áreas tan problemáticas como esta, en la importancia de la violencia como algo perpetuo de lo que llamamos civilización", sentenció Martin Scorsese sobre esta película que consideró "visionaria".El final inesperado que hizo historiaCuando Gibson contó cómo quería terminar la película, todos se rieron. "La película termina con la llegada de Colón, que salva al protagonista", había dicho.El giro final de la película, la aparición repentina de los barcos españoles en el horizonte, estaba inspirado en el recurso narrativo de Rod Serling en El planeta de los simios: el espectador ve todo el relato sin saber exactamente en qué época transcurre, hasta que una última imagen lo ancla en la historia con la fuerza de un mazazo.Garra de Jaguar y sus perseguidores quedan paralizados por la escena que contemplan. Unas estructuras gigantescas de madera se alzan imponentes sobre el mar. Como si fuera un choque inesperado entre la "civilización" y la "barbarie", el movimiento de cámara que revela la llegada de los alienígenas para los mayas esconde más aristas de las que parece.¿Es la promesa de la salvación para el Nuevo Mundo? ¿O, en todo caso, es el inminente apocalipsis para una sociedad que ya se devoraba a sí misma desde adentro? La civilización maya de la película colapsa bajo el peso de su propia corrupción y de su hambre de sangre. Afuera, en el horizonte, los barcos españoles traen otro colapso, más definitivo. O la esperanza y la salvación. Garra de Jaguar mira el mar y decide internarse de nuevo en la selva. A veces sobrevivir es la única forma de resistir.

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Muchas personas aprovechan el fin de semana para descansar y ponerse al día con el abanico de posibilidades que ofrece Netflix. Es que cada viernes, el gigante del streaming da a conocer el ranking de las series y películas más vistas en Argentina para que, a la hora de elegir, no sea tan tediosa la búsqueda.Si querés sorprender a tu pareja, familiar o amigo, prestale atención a este top ten de producciones elaborado por la plataforma que selecciona las mejores propuestas para el fin de semana.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Berlín y la dama del armiño (2026)Thriller/Acción. Ansioso por dar un nuevo golpe, Berlín reúne a su banda en Sevilla y convierte a un ambicioso duque en víctima de su propio plan: robar una obra de arte de Leonardo da Vinci, "La dama del armiño". Duración: ocho episodios. Ver Berlín y la Dama del Armiño.2. The Boroughs: jubilación rebelde (2026)Ciencia ficción/Drama. En un apacible complejo residencial para jubilados de Nuevo México, un peculiar grupo de héroes se convierte en la última línea de defensa contra una amenaza de extraterrestres que vienen de otro mundo dispuestos a arrebatarles justo lo que no tienen: tiempo. Duración: ocho episodios. Ver The Boroughs: Jubilación rebelde.3. Futuro desierto (2026)Ciencia ficción/Drama. Alex es un psiquiatra que se muda con su familia desde Silicon Valley a un aislado pueblo en Chiapas, donde comienza a probar androides diseñados para integrarse en la vida cotidiana. Lo que ignora es que su trabajo forma parte de un plan mucho más amplio y secreto impulsado por la empresa tecnológica que lo emplea. Duración: seis episodios. Ver Futuro desierto.4. Carísima (2026)Comedia/Redes sociales. Caro, quien organiza su cumpleaños número 30, conoce y se enamora de Leo, un psicópata con múltiples personalidades. Ella se queda atrapada en un espiral donde tiene que salvar tres cosas: su fiesta, su identidad y su vida. Duración: diez episodios. Ver Carísima.Carísima, tráiler5. Envidiosa 4 (2026)Comedia/Romance. Vicky se anima a convivir con Matías, pero la vida en pareja no viene sola: también aparece Bruno, el hijo de nueve años, fruto de la relación anterior de él, listo para instalarse en la ciudad. Entre lidiar con Nora, la madre del chico, y enfrentarse a los fantasmas de su propia infancia, Vicky descubre una versión inesperada de la maternidad. En el trabajo, un proyecto soñado irrumpe de la mano de Nicolás, alguien que creyó dejar atrás y que ahora sacude su presente. Y mientras su hermana y sus amigas lidian con los enredos del amor y la maternidad, Vicky tendrá que aceptar que la verdadera familia no siempre es la que se imagina, sino la que se elige. Duración: diez capítulos. Ver Envidiosa 4.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo (2026)Documental/Deporte. Emiliano, un niño soñador de Mar del Plata se convirtió en el 'Dibu' que hoy todos conocemos, uno de los grandes héroes del fútbol argentino. El documental cuenta la historia de este chico que descubre que tiene el poder de detener el tiempo y discute con una pelota que le recuerda todos los desafíos que tiene por delante. Con una combinación de secuencias animadas, imágenes de archivo y entrevistas a sus amigos, familiares y compañeros de equipo, es un relato de cómo su fuerza interior lo llevó a alcanzar la gloria, convirtiéndose en una inspiración para las nuevas generaciones. Duración: 1 h 18 min. Ver Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo.2. Las damas primero (2026)Comedia/Romance. Un machista se despierta en un mundo alternativo matriarcal, donde la dinámica de poder de la sociedad se invierte. Duración: 1 h 33 min. Ver Las damas primero.3. El escape perfecto (2009)Suspenso/Terror. Cliff y Cydney son una joven pareja aventurera que pasa su luna de miel en una de las más maravillosas y remotas playas de Hawái. Creen haber encontrado el paraíso en sus tierras salvajes y senderos solitarios, hasta que se encuentran con un asustado grupo de excursionistas que hablan sobre el horrible asesinato de unos recién casados en las islas, y comienzan a preguntarse si quizás deberían volverse. Indecisos sobre qué hacer, Cliff y Cydney se unen a otras dos parejas, Nick y Gina y Kale y Cleo, y es cuando las cosas comienzan a ir terroríficamente de mal a peor. Duración: 1 h 37 min. Ver El escape perfecto.4. Secuestro (2017)Acción/Suspenso. Una plácida tarde en el parque se convierte en una pesadilla para Karla, una madre soltera, cuando unos secuestradores se llevan a su hijo. Sin celular con el que comunicarse ni tiempo para acudir a la policía, Karla inicia una persecución frenética para salvar a su hijo. Duración: 1 h 35 min. Ver Secuestro.5. Intercambiados (2026)Animación/Fantasía. Una pequeña criatura del bosque intercambia mágicamente el cuerpo con un majestuoso pájaro del valle, lo que obliga a estos dos enemigos naturales a colaborar para sobrevivir a la aventura más salvaje de sus vidas. Duración: 1 h 41 min. Ver Intercambiados.

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De Una noche en el museo a El gran showman: las películas que abandonan Netflix este fin de semana

Las plataformas de streaming renuevan su catálogo constantemente. Este movimiento significa desde sumar producciones originales hasta cancelar las series que no funcionaron, estrenar documentales de deportistas y también eliminar algunas películas. Justamente de cara al nuevo mes, Netflix sacará varios títulos de renombre, desde dos comedias protagonizadas por Steve Martin hasta un aclamado musical y la romcom en la que se enamoraron Miley Cyrus y Liam Hemsworth. A continuación, estas son las diez películas que estarán disponibles hasta el 31 de mayo y no te podés perder. 1) El gran showman Dirigida por Michael Gracey (Rocketman, Better Man), protagonizada por Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron y Zendaya y con una aclamada banda sonora a cargo de Benj Pasek y Justin Paul (La La Land), está basada en la vida de Phineas Taylor "P.T." Barnum, uno de los productores de espectáculos más populares del siglo XIX.2) El padre de la novia Steve Martin se pone en la piel de George Banks, un hombre felizmente casado con Nina (Diane Keaton) y padre de Annie (Kimberly Williams-Paisley) y Mattie (Kieran Culkin), cuya vida se vuelve una pesadilla cuando su hija le anuncia que va a casarse y se ve obligado no solo a enfrentarse a su yerno, sino también a la exorbitante cuenta de la fiesta. 3) Una noche en el museo El nuevo guardia de seguridad nocturno del Museo de Historia Natural de Nueva York descubre las inesperadas y mágicas cosas que suceden cuando se cierran las puertas y se apagan las luces.Bonus Track: Una noche en el museo 3: El secreto de la tumba también puede verse en la plataforma hasta el 31 de mayo.4) Mi amiga la sirena Un clásico de los 2000. Protagonizada por Emma Roberts, Sara Paxton y Joanna "JoJo" Levesque, sigue la historia de dos mejores amigas que encuentran a una sirena en la pileta del club en el que veranean. 5) Más barato por docena La vida de Tom Baker (Steve Martin) da un giro cuando, al cumplir su sueño de dirigir a un equipo de fútbol americano, debe lidiar con una mudanza y una casa con doce hijos mientras su esposa está de viaje para promocionar su nuevo libro. Bonus Track: La secuela Más barato por docena 2 también está disponible en la plataforma hasta la misma fecha.6) La última canción La película que marcó el inicio de la historia de amor entre Miley Cyrus y Liam Hemsworth. Estrenada en 2010 y basada en la obra de Nicholas Sparks, sigue a Ronnie (Cyrus), una joven pianista que se ve obligada a pasar el verano en Georgia junto a su padre y su hermano menor. 7) Maze Runner: correr o morirThomas (Dylan O'Brien) se despierta encerrado en un laberinto con solo algunos fragmentos aislados de su pasado en la cabeza y sabe que, si quiere seguir con vida, él y los otros jóvenes que se encuentran allí deben escapar si quieren sobrevivir. Bonus Track: Las otras dos entregas basadas en las novelas de James Dashner, Maze Runner: prueba de fuego y Maze Runner: cura mortal, también estarán disponibles en la plataforma hasta el 31 de mayo.8) Dr. DolittleUn clásico de los clásicos. El doctor John Dolittle, interpretado por Eddie Murphy, tiene un don: hablar con los animales. Sin embargo, esto lo hará tener más de un problema.Bonus Track: Dr. Dolittle 3 también se puede ver en la plataforma hasta el 31 de mayo.9) Los pingüinos de papá El Sr. Popper (Jim Carrey) es un importante hombre de negocios que debe dar vuelta su vida cuando se ve obligado a transformar su departamento en el Polo Norte al recibir como herencia una bandada de pingüinos. 10) El llamado salvaje Protagonizada por Harrison Ford y dirigida por Chris Sanders, narra la historia de Buck, un valiente perro que debe afrontar una nueva vida en Alaska.

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El Pentapichichi aclaró que la producción de Netflix no lo consultó y que gran parte de lo que la película narra sobre él son "mentiras"