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Entrar en una especie de hipnosis colectiva con desconocidos, perder la noción de realidad y poder reflexionar al respecto es una de las mejores apuestas el arte tiene para ofrecer. En estos eventos donde se cruzan realizadores, espectadores y actores hay una potencialidad de la acción colectiva y de la libertad de fantasear. Leer más

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Dónde ver y de qué se trata Train Dreams (Sueños de trenes), nominada a la Mejor Película del Oscar 2026

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas incluyó a Sueños de trenes entre las candidatas para Mejor Película de este año. Joel Edgerton protagoniza esta adaptación de la obra literaria de Denis Johnson sobre la vida de un trabajador ferroviario a principios del siglo XX. El anuncio oficial de las nominaciones posicionó al filme como uno de los favoritos para la ceremonia de los premios Oscar 2026.Dónde ver y de qué se trata Sueños de trenes, nominada a la Mejor PelículaLa audiencia accede a la película Sueños de trenes a través de la aplicación de Netflix. El servicio de streaming ofrece esta obra como parte de sus destacados para el presente período. La historia presenta la vida de Robert Grainier. El protagonista realiza tareas pesadas en los bosques del Pacífico estadounidense.De qué se trata Sueños de TrenesEl contexto temporal ubica la acción a comienzos del sigo XX, cuando Grainier participa en la expansión del transporte ferroviario en el noroeste del país. La trama describe sus vínculos afectivos y los desafíos que impone un territorio salvaje. El relato expone la transformación de un hombre común en medio de un entorno hostil y majestuoso.El relato comienza con la infancia de Robert: el hombre creció como huérfano en un entorno natural imponente en el noroeste de Estados Unidos. Su labor como trabajador golondrina define su rutina diaria y su sustento económico. El director Clint Bentley muestra la transformación del paisaje por la llegada de las vías férreas. Robert conoce a Gladys durante sus jornadas laborales. Los personajes contraen matrimonio y forman un núcleo familiar con una hija pequeña. Las obligaciones del empleo alejan al padre de su hogar de forma constante. Esta dinámica laboral prefigura una existencia que cambia de forma repentina.Un incidente fortuito modifica el curso de la realidad del obrero. El personaje principal enfrenta una nueva etapa marcada por la soledad absoluta. El bosque y el silencio se vuelven sus acompañantes habituales en la inmensidad del paisaje. Robert transita un proceso de reflexión profunda para sanar sus heridas. La película exhibe la belleza cruda y la brutalidad que moldean el destino del protagonista. Este viaje introspectivo busca la superación personal en un relato íntimo. La obra representa la experiencia de miles de individuos que sentaron las bases del desarrollo industrial norteamericano.La valoración de los especialistas y el paso por festivalesLa crítica cinematográfica brindó comentarios positivos tras el paso de la cinta por el Festival de Sundance. Adrian Horton escribió en el periódico The Guardian: "una película magnífica y conmovedora sobre una vida tranquila y herida en un lugar frágil". El periodista destacó la actuación sensible y discreta de Edgerton en el papel principal. Chase Hutchinson expresó en el medio The Wrap: "una epopeya western de impresionante esplendor visual y formidable poesía lírica cinematográfica". Estas valoraciones consolidan a la producción como una experiencia enriquecedora para el espectador.La película contiene capas maravillosas y devastadoras sobre la existencia humana. La narrativa propone un viaje a través de la historia y el alma de sus personajes. El éxito en la plataforma digital confirma el interés del público por dramas profundos.Los expertos elogiaron la profundidad de la adaptación de la novela de Denis Johnson. La dirección de Bentley prioriza la atmósfera y el sentimiento sobre el ritmo frenético de otros estrenos actuales. El filme llega a la temporada de premios con un respaldo sólido de la prensa especializada internacional.Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA.

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Murió la actriz Jennifer Runyon, quien fue parte de película Los Cazafantasmas como de la sitcom Charles in Charge

Este fin de semana se dio a conocer la noticia de la muerte de la actriz norteamericana Jennifer Runyon, conocida por su participación en la película Los Cazafantasmas y en la serie televisiva Charles in Charge. Murió el viernes pasado, a los 65 años, tras una breve batalla contra el cáncer, según informó su familia. La noticia fue comunicada en redes sociales, precisamente por sus familiares, quienes aseguraron que la intérprete falleció "rodeada de su familia" tras "un largo y arduo camino". En el mismo posteo destacaron su amor por la vida y su dedicación a sus seres queridos. Su hija, Bayley Corman, escribió en redes sociales que "todas las mejores partes de mí vienen de ti" y agregó que daría cualquier cosa por un día más juntas.Jennifer Runyon había nacido el 1 de abril de 1960, en Chicago. Fue hija de un locutor y disc jockey y de un actriz. Tal vez esas influencias hicieron que se dedicara a la actuación. Inició su carrera en el cine con el film de terror To All a Goodnight (1980).Durante la década de 1980, se convirtió en un rostro habitual de la televisión y el cine estadounidenses. De hecho fue parte de la película Los Cazafantasmas, en la que daba vida a una estudiante a la que Bill Murray, uno de los protagonistas, le hacía un test al principio de la película. La primera película de la serie se estrenó en 1984 y su trama giraba sobre tres científicos de Nueva York que, después de ser despedidos de una universidad, comenzaban su propio negocio investigando y capturando fantasmas. Junto al comediante estaban Dan Aykroyd, Harold Ramis, Rick Moranis y Sigourney Weaver, entre otros. Fue la película más exitosa en Estados Unidos de aquella temporada y una de las comedias más exitosas de la década de 1980.Fue su momento de mayor exposición en la industria, aunque tuvo otro mojón importante como parte de la sitcom Charles in Charge, una comedia centrada en un estudiante universitario que trabaja como cuidador de niños para una familia acomodada, en la que interpretó a Gwendolyn Pierce. La serie la protagonizaba Scott Baio y Willie Aames. Jennifer Runyon también participó en otras series populares como Quantum Leap y Se ha escrito un crimen, y encarnó a Cindy Brady en la película A Very Brady Christmas. En 1990, interpretó un papel secundario en la película A Man Called Sarge, una parodia de la Segunda Guerra Mundial producida por Gene Corman, que era su suegro.En el terreno personal, en 1991 se casó con Todd Corman, entrenador de basquetbol y colaborador en la industria del cine y la televisión. Tuvo dos hijos: Wyatt y Bayley. Para criar a sus hijos la pareja se mudó de Hollywood a Idaho y a Oregon. Con los años, volvió a Los Ángeles para cuidar a sus padres. Con el paso de los años, Jennifer Runyon fue reduciendo su actividad como actriz. En un reportaje de 2014 explicó que estaba prácticamente retirada de la actuación y que trabajaba como profesora.

Camino al Oscar: los libros detrás de las películas nominadas

Otra vez, la literatura tiene un valor más que sentimental para los Premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos. Este año, muchas de las nominadas en distintas categorías -de mejor película y guion adaptado, como Una batalla tras otra, Frankenstein, Sueños de trenes y Hamnet, a mejor película animada (compite Amélie et la Métaphysique des Tubes, basada en una autoficción de Amélie Nothomb)- están basadas en novelas e incluso cuentos, como pasa con La hermanastra fea, versión fílmica en clave de "horror corporal" del cuento clásico "La Cenicienta". Entre las seleccionadas en la categoría de mejor película, sobresale Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, con Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro, Sean Penn y Teyana Taylor, basada en la novela Vineland del estadounidense Thomas Pynchon. La película -que recibió trece nominaciones y se puede ver en salas de cine y en la plataforma HBO Max- reversiona la historia ambientada en una región californiana ficticia donde un grupo de hippies y anarquistas sigue en pie pese a la amenaza de represión de las fuerzas estatales (la novela transcurre en los años de Ronald Reagan en el poder, en Estados Unidos), mientras Prairie Wheeler, hija de una pareja de revolucionarios, busca a su madre. Con traducción de Manuel Sáenz de Heredia, fue publicada por Tusquets en formato rústica y de bolsillo (más económico). Sueños de trenes, dirigida por Clint Bentley y protagonizada por Joel Edgerton y Felicity Jones, se basa en la novela homónima de Denis Johnson publicada por Random House con traducción de Javier Calvo. La historia del leñador Robert Grainier, que se gana la vida como jornalero, condensa los cambios vividos a lo largo del siglo XX en la costa oeste a través de una perspectiva sensible. Está disponible en Netflix.El clásico de la ciencia ficción y el terror que condena la hybris científica, Frankenstein, de Mary Shelley, fue llevada nuevamente al cine, esta vez por Guillermo del Toro, en una adaptación que despertó polémicas. Protagonizada por Oscar Isaac, Mia Goth y Jacob Elordi, se la puede ver en la plataforma Netflix. Hay varias ediciones de la novela cuyo subtítulo es El moderno Prometeo.Otra de las candidatas a mejor película, con ocho nominaciones, es Hamnet, de Chloé Zhao, basada en la premiada novela homónima de Maggie O'Farrell que parte de la historia familiar de Agnes y William Shakespeare (que interpretan Jessie Buckley y Paul Mescal, respectivamente). Con guion de la directora y de la autora, Hamnet sigue en salas de cine al mismo tiempo que ocasionó un "miniboom" de ventas en librerías de la novela publicada por Libros del Asteroide con traducción de Concha Cardeñoso.Marty Supreme, con dirección de John Safdie y protagonizada por Timothée Chalamet como Marty Mauser, está basada en el libro de memorias The Money Player: The Confessions of America's Greatest Table Tennis Champion and Hustler, del coreográfico jugador de tenis de mesa y showman Marty Reisman. Recibió nueve nominaciones.Si bien la adaptación cinematográfica de "La Cenicienta", La hermanastra fea, de Emilie Blichfeldt, está nominada a uno de los Oscar menos atractivos para el público, es una de las propuestas más originales en cuanto a adaptación. Suerte de comedia negra y drama con escenas de horror corporal, la ópera prima de la directora y guionista noruega protagonizada por Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss y Ane Dahl Torp, reinterpreta la historia que versionaron los hermanos Grimm y Charles Perrault desde el punto de vista de una de las hermanastras que quiere ganarse la atención de dos déspotas: su madre y un príncipe. Se la puede ver en MUBI.La autoficción tiene su lugar en los Oscar. La película francesa de animación Little Amélie, ópera prima de Maïlys Vallade y Liane-Cho Han, está basada en la novela autobiográfica Metafísica de los tubos de Amélie Nothomb, que narra la infancia de una niña belga en Japón con un estilo visual poético y delicado. Con traducción de Sergi Pàmies, la novela integra el catálogo de Anagrama. Una sorpresa de corte literario-satírico entre las nominaciones al Oscar de este año es el cortometraje Jane Austen's Period Drama [que se podría traducir como El drama de época de Jane Austen]. Dirigida y protagonizada por Julia Aks y Steve Pinder, está ambientada, como las novelas de Austen, en la campiña inglesa a inicios del siglo XIX. En medio de una propuesta de matrimonio largamente esperada (otro cliché austeniano), a la señorita Estrogenia Talbot le viene la regla. En inglés, la palabra period también designa la menstruación. La actriz Emma Thompson, que brilló en la versión cinematográfica de Sensatez y sentimientos, es fan de este corto.

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La película sobre la puesta de Ricardo III tuvo su estreno mundial en Málaga, con la presencia de Joaquín Furriel

MÁLAGA.- La amplia y diversificada presencia argentina en el Festival de Cine de Málaga, que puso en marcha su 26ª. edición el viernes pasado, tuvo un primer gran momento con el estreno mundial de La verdadera historia de Ricardo III, la película, suerte de continuidad en formato cinematográfico de uno de los grandes acontecimientos teatrales de los últimos tiempos en Buenos Aires. La versión que llegó a la pantalla, dirigida por Marcelo Piñeyro, reproduce íntegramente la obra teatral inspirada en Ricardo III, de William Shakespeare, con la puesta en escena montada por el director español Calixto Bieito en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín y estrenada en junio de 2025. Con un despliegue de varias cámaras y el trabajo del mismo equipo técnico de cine (luces, sonido, edición) que viene trabajando con Piñeyro en series como El reino, esta adaptación cinematográfica refuerza la experiencia teatral, sobre todo con primeros planos muy destacados del elenco encabezado por Joaquín Furriel e integrado por Belén Blanco, María Figueras, Luis Ziembrowski, Luciano Suardi, Ingrid Pelicori, Marcos Montes, Iván Moschner, Luis "Luisón" Herrera y Silvina Sabater. La película tendrá sus primeras proyecciones en la Argentina durante el próximo Bafici (Festival de Cine Independiente de Buenos Aires), que se realizará entre el 15 y el 26 de abril. Luego podría presentarse en festivales internacionales de renombre. Y más adelante, según anticipó aquí a LA NACION la ministra de Cultura del gobierno porteño, Gabriela Ricardes, llegará a aquellas plazas de todo el país que no estén en condiciones técnicas de recibir la puesta teatral, a la manera de lo que hacen prestigiosas compañías nacionales europeas como el National Theatre en Gran Bretaña o la Comédie-Française. Lo que seguramente no va a tener es un estreno comercial en términos tradicionales como parte de la cartelera de los complejos de cine que funcionan en nuestro país. La puesta de Bieito, con su elenco original completo, volverá a representarse en una gira nacional que recorrerá Rosario, Mendoza y Córdoba a partir de junio. Luego viajará al exterior para la apertura del Festival Grec de Barcelona y volverá a la sala Martín Coronado en los últimos meses del año (muy probablemente en octubre). El año se cerrará con otra gira, en este caso al Festival de Shanghai. Aquí en Málaga, Ricardes y Furriel compartieron la presentación de la película con el director del festival local, Juan Antonio Vigar, que ratificó la intención de la muestra de apoyar "sin límites" al cine argentino. "Vosotros tenéis un talento infinito", señaló frente a la delegación llegada desde Buenos Aires. "Zona enigmática""Para mí, como actor, esta puesta es una novedad", le dijo a LA NACION Furriel al término de la función para invitados especiales realizada en el bellísimo auditorio del Museo Picasso de Málaga. "En teatro yo no sé lo que hago gestualmente, no puedo observar. Hay una zona enigmática ahí", comentó, todavía conmovido por la experiencia de verse sobre el escenario del San Martín, pero ahora sentado desde la butaca de un cine. Furriel explicó que tiene el recuerdo vivo de la gestualidad que acompañó algunas de las interpretaciones de textos clásicos (Hamlet, La vida es sueño, Final de partida) que hizo a lo largo de su carrera escénica. Pero reconoció al mismo tiempo que esta puesta cinematográfica le abrió otras posibilidades. "Como ver no solo lo que estoy haciendo con los gestos, con las expresiones y con el cuerpo, sino también descubrir a mis compañeros. Uno no ve a todos en el teatro, sino a quien le toca constituir una escena conmigo o dónde tenés que mirar", detalla. Dice Furriel que ver la película basada en la puesta de Ricardo III le va a permitir probar algunas variantes una vez que la obra teatral regrese a los escenarios argentinos. "No para cambiar grandes cosas porque está muy bueno lo que decidimos â??aclaraâ??, pero en algunos momentos el trabajo de la energía vocal, que es muy demandante en este espectáculo, se puede trabajar mucho más". Invitado por Furriel, Piñeyro vio la obra por lo menos tres veces. "Quedó tan entusiasmado con la puesta de Bieito que, después de hablar con Gabriela Ricardes, se me ocurrió que podíamos preguntarle si se animaba a filmarla. Yo quería una versión con gran calidad cinematográfica. Y fue fascinante ver cómo un director de esa trayectoria y un equipo que es la primera línea de las mejores películas y series que hacemos en la Argentina filmaron toda una novedad con el entusiasmo de la primera película de sus vidas", destacó. Las imágenes que se ven en la película fueron registradas en 2025 a lo largo de tres funciones. Una correspondió a la temporada regular de la puesta, con todo el público. La segunda contó con una audiencia compuesta íntegramente por invitados especiales, sin cubrir la capacidad completa de la sala Martín Coronado (la obra se representó a sala llena en todas las funciones regulares), y una tercera directamente sin público. Furriel contó también que llevar al cine la luz que Bieito utiliza en la puesta teatral fue uno de los grandes desafíos de la adaptación a la pantalla. "A Calixto le gusta mucho el claroscuro y usar una luz muy potente que rompe en un momento la escena y permite ver la mitad de una cara y la otra directamente no. Y sus puestas en general tienden a usar distintos niveles de luz y a empezar sus escenas en la oscuridad. Es un provocador en ese sentido. Solo en muy pocas escenas el director de fotografía de la película, Christian Cottet, modificó un poco la luz porque había momentos en que no se leían los cuerpos. Cottet y Piñeyro trabajaron milimétricamente esa cuestión". ¿Este tipo de experiencias híbridas, con imágenes de puestas teatrales registradas de manera cinematográfica, ayuda a que las obras originales perduren y se sostengan más allá de las presentaciones en el escenario? Furriel se reconoce en principio defensor del teatro como experiencia oral, pero admite al mismo tiempo la necesidad de adaptarse a estos nuevos tiempos. "Yo nunca vi actuar a Miguel Ligero o Ernesto Bianco, pero como no hay filmaciones, hablar de ellos se convierte en una experiencia oral y a mí eso siempre me gustó. Pero en estos tiempos, con el audiovisual tan incorporado y presente todo el tiempo, por ejemplo en los teléfonos, me pareció interesante empezar a pensar en registros con esta calidad cinematográfica donde un director tiene un punto de vista sobre cómo filmar la obra de otro director. Y cuando vi la película me emocioné mucho pensando que muchas generaciones van a poder verla", señaló. Y para ilustrar este punto recurrió a su admirado Alfredo Alcón: "Cuando me preguntan por Alcón las generaciones de los que tienen 20 o 30 años y no llegaron a verlo, pienso en qué bueno hubiese sido que quedara un registro, por ejemplo, de lo que hizo en Final de partida. Ahora va a pasar esto con la puesta de Calixto Bieito, uno de los grandes directores de la escena contemporánea y un artista que tiene una libertad creativa muy poderosa". Dos nuevos festivalesLa ministra de Cultura porteña también anunció en el escenario de Málaga 2026 dos nuevos festivales de cine que se sumarán al calendario cultural de la ciudad de Buenos Aires. El primero es una muestra de cine de animación que tendrá este año su edición inaugural dentro de la Bienal de Historieta que comenzará el 18 de marzo. Dentro de esta iniciativa también se incluyó la apertura de un Museo del Humor. El segundo es un festival de cine clásico que tendrá su punto de partida en 2027. "Estamos trabajando fuerte en ese sentido con el Festival Lumière y con su director, Thierry Frémaux, para hacer un gran festival que también ponga su foco en el rescate de los clásicos argentinos. Tenemos una línea de financiamiento en nuestro plan de fomento para la restauración de películas", explicó Ricardes a LA NACION. A instancias de Frémaux, que también es el responsable artístico del Festival de Cannes, la muestra que lleva el nombre de los creadores del cinematógrafo y se realiza todos los años a mediados de octubre en la ciudad francesa de Lyon, dedica su programación a la historia del cine con proyecciones de películas restauradas, material de archivo, rescates de títulos olvidados y ciclos dedicados a grandes directores. Frémaux, que visita todos los años la Argentina a comienzos de diciembre para presentar la Semana de Cine de Cannes, ahora tendrá un motivo más para regresar al país: la preparación del primer Festival Lumière Buenos Aires para el año que viene.

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En una de las fechas más importantes para las mujeres de todo el mundo, el arte también es un reflejo que nos recuerda los cambios positivos que han llegado a lo largo de la historia

El mito de la falta de fondos y el miedo del sector privado para invertir en películas argentinas

La frase es "No hay plata", inaugural para el actual gobierno en la boca del Presidente de la República. Sin embargo, amigos, en algunos campos no es tan así. En los últimos tiempos, se ha hablado bastante del desfinanciamiento del Incaa, por ejemplo, que sería un caso claro de ese "no hay plata".Se dijo que se le habían quitado partidas, que se le habían sacado ingresos (por ejemplo, del Enacom, ese 25% de su recaudación que, por ley, va para el Instituto y que representa la mayor de sus partidas). Ante tanto ruido y tantas declaraciones, hay que ir a ver el Presupuesto -aprobado por ambas cámaras- para el Incaa en 2026. La conclusión es "sí, hay plata": de hecho, varios miles de millones de pesos para el fomento de la actividad cinematográfica en la Argentina. No es una declaración ideológica, por cierto, sino una lectura de las siete páginas de planillas de las que consta el documento.Que, para más precisión, se encuentra fácilmente en Internet y es de acceso simple por cualquiera que sepa googlear. Veamos algunos números, no todos. El presupuesto completo del Incaa para 2026 es de apenas poco más de 47.000 millones de pesos. Es decir, a cotización del dólar de hoy, unos 33,4 millones en moneda estadounidense. De ese dinero, poco más de un 40% va a fomento cinematográfico. Como lo aclara el presidente del Instituto, Carlos Pirovano, "fomento" no es sólo subsidios y créditos para la creación de películas, sino también Enerc, Festivales, Cinemateca, etcétera. AFP)" height="1334" width="2000"/>En sí, para realizar películas, hay un tope presupuestario (no puede exceder el 20% del presupuesto operativo). Hoy son unos 14.000 millones en subsidios y 12.000 millones para créditos, aproximadamente.Hay, además, aportes al fondo Ibermedia, que es indirectamente para coproducciones. Las mismas planillas muestran claramente que figuran los ingresos de Enacom y del impuesto al ticket cinematográfico como fuentes del Instituto, que tiene otros gastos operativos y programas. Es decir, hay dinero para apoyar la producción de cine.Comparemos con el último presupuesto de la administración anterior, el de 2023. El dinero total con el que contó el Instituto fue de casi 11.000 millones de pesos. A un dólar promedio de $ 300, da poco menos de 37 millones de dólares. Menor al presupuesto actual, y el tope entonces era de 44 millones de pesos para una ficción. Es decir, poco más de US$146.000, cuando ya entonces los sindicatos planteaban un piso de un millón de dólares para una producción media nacional. Sin embargo, ese dinero podía servir para una película muy chica, un documental por ejemplo sin demasiada producción.Pero no todos esos 11.000 millones eran para fomento, por supuesto. Hoy, si se aplicara el mismo criterio que entonces, con los 14.000 millones se podrían hacer poco menos de 100 películas de "tope de subsidio". Es decir, hay más dinero en realidad para el fomento cinematográfico, y hay que sumar los recortes de gastos en personal y en diferentes programas.Hay concursos en los que el Incaa financia producción (aunque aún está pendiente el de este año) y lo que ha cambiado es que el Instituto no hace algunas cosas que eran moneda corriente con las administraciones anteriores. La primera, que el dinero que podía otorgar cubra todo el costo de una película. La segunda, que el dinero del Incaa se emplee en pagar salarios técnicos o artísticos de una producción. La tercera, que aquel productor beneficiado por subsidio no puede volver a pedirlo hasta el segundo año después del estreno de la película subsidiada. Lo primero es exactamente como funcionan los equivalentes al Incaa en España, Francia y Brasil: el Estado no paga toda la producción sino que ofrece diferentes porcentajes de acuerdo con el país (en el nuestro, no puede superar el 50% del presupuesto para una película).Esto se ha dicho muchas veces, pero si hay dinero, ¿en qué consiste el problema? En que el cine es caro y lo que estas medidas buscan es que los privados inviertan a su propio riesgo, como en cualquier otro negocio. De allí que se diga -y esto no es falso pero es falaz- que las nuevas políticas "benefician a las producciones netamente comerciales", o se llegue al absurdo diciendo que "se deja la producción cinematográfica en manos de los privados", algo que netamente es así salvo en países donde absolutamente todo pertenece al Estado.En la Argentina, hasta que en 1946 el primer gobierno de Juan D. Perón crease la Dirección Nacional de Cinematografía Educativa (cuyo fin era usar el cine como medio didáctico y, no sería honesto negarlo, propaganda estatal), era una industria netamente privada.El INC, antecesor del Incaa, de paso, es de 1957, y la primera Ley de Cine, modificada en los años noventa, producto de acuerdos con sindicatos en la dictadura del general Juan Carlos Onganía en 1968. Es interesante notar que, salvo en el período peronista, la intervención del Gobierno sobre el cine nacional no fue nunca directa -salvo respecto de la censura, siempre idiota y muchas veces feroz- y permaneció como una actividad netamente privada.Eso cambió sobre todo en las últimas dos décadas. Los mecanismos del Incaa permitieron que una producción pequeña se financiase prácticamente entera con dinero del ente estatal. Y los mismos productores entraban en una rueda de subsidios que les permitía financiar otra película. Producía trabajo, es cierto, pero las películas se acumulaban con muy poco público. De hecho, como hemos mostrado en otras notas, se estrenan más de 200 películas argentinas desde 2019, aunque la cuota del mercado (es decir, la cantidad de entradas vendidas por el cine nacional) es cada vez menor, más allá de algunos éxitos excepcionales. También en otras notas hemos aclarado que, para que exista un cine nacional competitivo y con potencial exportable, es necesaria la ayuda estatal. Lo que no suele decirse es que también es imprescindible el aporte privado.Más allá de si son acertadas o no, las medidas que tomó el gobierno respecto del funcionamiento del Incaa y la reglamentación de esas ayudas tiene como fin que los privados pongan su parte. No suele ser, hoy, el reclamo más fuerte.También se dice que esta política sólo favorece al cine de gran público. Hay algo de razón: si es imprescindible el aporte privado para acceder a un subsidio o crédito (blando, aclaremos), se puede deducir que quien arriesga capital querrá apostar por un film que tenga potencial para vender entradas. Sin embargo, se puede responder que si una película está pensada para algún tipo de público (grande o pequeño), si está hecha "para alguien", ese potencial existirá incluso para producciones chicas. Y que "gran" o "pequeño" público no implican ni éxito ni calidad: películas malas pueden tener éxito, películas buenas pueden pasar inadvertidas. El problema de los últimos años ha sido, más bien, el segundo.Así que si hay un problema con la producción cinematográfica argentina, este consiste en el grado de participación del capital privado, y en que el sistema funcionó cuando la mayoría de las películas se financiaban (mal o bien, con austeridad y esfuerzo, es cierto) con el aporte principal del Incaa.Por cierto, el capital privado es el que financió los tres films que se llevaron el 90% de la porción de taquilla del cine argentino en 2024 (Homo Argentum, Mazel Tov y Belén). Y, cosa curiosa, ninguna tuvo subsidios Incaa.Pero, dado que el cine es caro y además un negocio de gran riesgo, son pocos los privados que apuestan por él. Y esa es otra cuestión sobre la que la comunidad cinematográfica nacional debería preguntarse: por qué tan pocos privados quieren arriesgarse con el cine argentino (y no, no hablamos de los grandes estudios de origen extranjero: esos son justamente los que más apuestan al gran público local).Eso y si el asunto real no es tanto si queremos tener cine argentino como si queremos cine estatal. Si queremos que el Instituto fomente la actividad cinematográfica o que, simplemente, la pague (y en ese caso se abre otro problema: ¿qué películas haría cada gobierno? ¿Qué riesgo asumirían? ¿Qué cuestionarían?).Hay hoy demasiado ruido alrededor de la cuestión y ciertos problemas (quiénes deberían ser los prioritarios receptores de ese fomento, por ejemplo), quedan eclipsadas por lo que, en última instancia, parece más tirar slogans, posar de gurú o gritar desaforado. Total, ¿cuánta gente va a mirar con ecuanimidad ese tedioso conjunto de casillas de Excel que llamamos "presupuesto"?

Pixar prepara Monsters, Inc. 3 y otras nuevas películas: todos los proyectos que vienen

Al estreno esta semana de "Hoppers" se sumará en junio el de "Toy Story 5".Y al musical que se anuncia se agregan "Los Increíbles 3", una secuela de "Coco" y una con un gato ladrón en Venecia.

Peaky Blinders: la serie de Netflix cierra su historia con una película, un elenco de lujo y un set que sorprendió a los actores

Aura. Entre el humo de las fábricas, los pubs y los ecos de la guerra se movía un hombre que dirigía una banda criminal con frialdad estratégica. Con su gorra de visera, tapado y corbata, como si caminara en cámara lenta, Tommy Shelby tenía aura. No tardó en convertirse en un ícono pop. Más allá de la estética, Peaky Blinders logró consolidarse como una de las series más exitosas de Netflix. En una entrevista exclusiva con LA NACION, Cillian Murphy, Rebecca Ferguson, Tim Roth y el creador de la serie, Steven Knight, hablaron del capítulo final de la historia, subtitulado El hombre inmortal, en formato de película que se estrena por la plataforma el 20 de marzo. El escenario es el mismo, pero el contexto es diferente. La acción transcurre en los pubs y las calles de Birmingham, pero los Peaky Blinders reciben una oferta de un nuevo jugador en el escenario mundial: los nazis. Quien debe volver a encauzar a los Peaky Blinders es Tom Shelby.T.S. Eliot decía que "la tradición no puede heredarse, y si uno la desea, debe obtenerla mediante un gran esfuerzo". En Peaky Blinders, esa idea aparece de forma literal: nadie puede ocupar fácilmente el lugar de Tom Shelby. Y nadie puede llenar los zapatos de Cillian Murphy.Murphy es un actor serio, en el mejor sentido de la palabra. El irlandés no se comporta como la típica celebridad de Hollywood. No le interesan los memes que circulan con sus gestos en redes sociales. Huye del cine dogmático que le dice al espectador cómo debería sentirse y cree que las películas solo deberían plantear preguntas. Antes de ganar el Oscar por Oppenheimer, se hizo conocido como Tom Shelby. Impuso un estilo para toda una generación que lo acompañó a través de la pantalla chica. Aunque participó en películas como Batman inicia, Vuelo nocturno, El viento que acaricia el prado y Exterminio, su salto a la fama mundial fue con Peaky Blinders.â??Tommy Shelby ha vivido en la televisión durante muchos años. ¿Cómo lo abordás ahora en un largometraje? ¿El contexto de la guerra ha remodelado tu interpretación, si es que lo hizo?Cillian Murphy: â??Sí, creo que la guerra proyecta una sombra enorme sobre toda la historia. Si miramos el arco más amplio de la trama, comienza después de la Primera Guerra Mundial y termina en la Segunda. Creo que Steven Knight siempre tuvo eso en mente. Su experiencia militar, su vida entre guerrasâ?¦ No creo que ninguno de los hombres que sobrevivieron a la Primera Guerra Mundial pudiera concebir siquiera que volvería a suceder. Pero luego, gradual y progresivamente, empiezan a ver que sí puede pasar de nuevo, y él se ve arrastrado a eso. Así que sí, más allá de lo familiar y lo personal, es la presión más grande que pesa sobre él en esta historia.â??Alguna vez mencionaste que interpretar a Tommy es agotador. ¿Este cronograma de rodaje de película, más corto e intenso, te hizo más fácil o más difícil mantener ese nivel de oscuridad?Murphy: â??Para serte sincero, fue lo mismo. Simplemente te subís al tren, el tren sale de la estación y listo. Estás metido en eso y tenés que comprometerte de principio a fin. El ritmo se sintió tan loco como en la serie porque el proyecto era muy ambicioso. Realmente queríamos lograr esa calidad cinematográfica que necesitás para una película, algo que siempre fue nuestra ambición en la televisión, pero acá estuvimos por todo el país haciendo cosas muy grandes. Casi todo lo que ves en la película es real: las locaciones, los efectos prácticos en cámara... Así que no suelo diferenciar entre filmar televisión o cine. Te comprometés de la misma manera y los horarios siempre son un desafío, pero simplemente vas por ello.El encargado de proteger la herencia de los ShelbyEsta es una historia sobre padres e hijos, sobre tradiciones y legados. El heredero del trono es Erasmus. Quien interpreta al joven es Barry Keoghan, un actor que entre Peaky Blinders, Saltburn y Los espíritus de la isla, no para de crecer en la industria.Como si fuera la pintura de Francisco de Goya Saturno devorando a su hijo, Shelby debe volver a la acción para detener a su sucesor, que está negociando con los nazis para hacer colapsar al Reino Unido. El impetuoso Erasmus, como si tuviera que elegir entre ser amado o ser temido, obedece a la máxima maquiavélica que sugiere que es preferible optar por lo segundo. Gobierna los Peaky Blinders con puño de acero.Steven Knight tiene experiencia como guionista en el cine. Estuvo nominado al Oscar por Negocios entrañables y también se encargó de escribir los libretos de películas como María Callas, Spencer y otra historia sobre mafiosos, Promesas del este. Pero su proyecto más ambicioso, sin dudas, fue Peaky Blinders.â??Hay recursos propios de las serie de televisión, como el cliffhanger (el gancho que genera el efecto expectativa de un capítulo a otro), que en el cine no existen. ¿Cómo abordaste la estructura de los picos emocionales para esta película?Steven Knight: â??Sí, son formatos diferentes. Yo hago ambos, pero para mí, curiosamente, la televisión de formato largo es como una novela y la película es más como un cuento corto. En una película tenés que tener principio, nudo y desenlace, y el final tiene que ser "el final". Cualquier cosa que plantees, tenés que cerrarla rápido. Afortunadamente, esta película llega al final de una serie larga, porque en el cine solo podés tener a alguien siendo "antipático" por un tiempo limitado; tenés que redimirlo más rápido. En la televisión podés tener a un personaje haciendo todo tipo de cosas durante mucho tiempo y luego traerlo de vuelta, y eso es lo que satisface al público. El reloj es el que manda.â??¿Cómo te sentís respecto a que la serie se haya convertido en un ícono cultural global, llegando a audiencias tan lejanas como en la Argentina? ¿Cambia eso tu sentido de responsabilidad al entregar este capítulo final?Knight: â??En mi caso, trato de no pensarlo porque es un honor tan grande que personas que están tan lejos de la Birmingham de 1920 como es posible, se identifiquen con los personajes. Tengo gente de South Central en Los Ángeles, de Harlem, y de los lugares más duros del mundo para quienes Tommy Shelby esâ?¦ no digo un modelo a seguir, pero sí parte de su visión del mundo, y eso es fantástico. Me hace muy feliz saber que, por ejemplo, está por empezar el ballet de Peaky Blinders en China (risas). Es una locura que esté en todo el mundo. Me encanta.â??Cillian, ¿alguna vez estuviste en Argentina? Imagino que sabés que, incluso en Buenos Aires, hay gente que se viste como Tommy Shelby.Murphy:â??La verdad es que nunca estuve en la Argentina. Me encantaría ir algún día.â??Cuando ves a la gente vestirse como Tommy, ¿lo ves como un tributo al personaje o te hace sentir cierto peso de responsabilidad por cómo termina la historia?Murphy: â??Es como dice Steve, intentás no pensarlo mucho porque es algo difícil de procesar, pero obviamente es increíblemente halagador y me hace sentir muy humilde que la gente abrace al personaje y a la serie a ese nivel.Nuevos enemigos y fantasmas Dos caras nuevas se suman al elenco de Peaky Blinders, la serie que supo albergar talentos como el de Stephen Graham y Helen McCrory. Uno de ellos es Tim Roth. El actor tiene experiencia con las películas de pandilleros, mafiosos o compadritos: Perros de la calle, Tiempos violentos y hasta Los 8 más odiados, entre otras producciones para la pantalla grande.â??Trabajaste con directores legendarios como Quentin Tarantino, que priorizan la experiencia cinematográfica en salas. ¿Qué tiene la visión de Steven Knight para Peaky Blinders: El hombre inmortal, que exigía una pantalla de cine en lugar de una temporada de televisión tradicional?Tim Roth: â??Es una buena pregunta (risas). Se sentía así. Cuando leí el guion, me pareció que era puro cine, lo cual ya era interesante de por sí. Creo que fue escrito con eso en mente. Yo traté de dejar eso en un segundo plano, pensando que sería lo que tuviera que ser, pero cuando pisé el set construyeron todo de verdad. No había pantallas verdes ni nada de eso. Tampoco se sentía esa actuación de "cámara en mano" frenética. Se sentía cinematográfico. Realmente parecía, como decíamos antes, que Gregory Peck o Richard Burton iban a aparecer a la vuelta de la esquina. Tenía esa atmósfera de las viejas películas de la Segunda Guerra Mundial. Fue maravilloso.â??¿Cómo cambió este período histórico específico la forma en que abordaste la parte física de tu actuación, en comparación con otros roles anteriores?Roth: â??Para serte honesto, en lo único que pensaba era en cuál era la etiqueta para... por ejemplo, cuándo usar el sombrero. Eso dice algo del personaje, ¿no? El vestuario y todo eso. Pero cuando pone los pies sobre el escritorio, debería tener un cigarrillo, o rastros de uno. Él es ese tipo de persona. Si es o no esa persona en el fondo, el público nunca lo sabrá. Está interpretando a un personaje, pero dicho esto, es un muy buen tipo. Un tipo muy agradable... solo que es un individuo incomprendido (risas).La hechicera que llega a BirminghamOtro de los nuevos rostros de Peaky Blinders es el de una hechicera que cautiva a los hombres con su mirada. Rebecca Ferguson saltó a la fama con Misión Imposible: Nación secreta, como la seductora asesina Ilsa Faust. Pero entre cada entrega de la franquicia de acción, la actriz cultivó el perfil de femme fatale amante de las artes místicas.En Doctor Sueño, la secuela de El resplandor, interpretó a la sádica Rose, la líder del siniestro grupo que tortura niños para mantenerse siempre joven. En las películas de Duna interpreta a Lady Jessica Atreides, una Bene Gesserit: es decir, una mujer mística. La madre de Paul, el personaje de Timotheé Chalamet.No conviene adelantar demasiado cuál es la identidad de su personaje en la película de Peaky Blinders, pero sí se puede asegurar que guarda ciertos rasgos en común con otros de los personajes de su filmografía.â??Rebecca, venís de producciones épicas como Duna y sus dos secuelas. ¿Cómo se compara hacer esas películas con esta? Rebecca Ferguson: â??Yo no comparo. Sé que cuando hacemos entrevistas es lindo tender puentes entre los trabajos anteriores, pero para serte honesta, como persona soy muy "episódica". Me meto en algo y lo hago por una razón específica. Quería trabajar con Cillian y este era un personaje divertido. Además, como ya hablamos, la base de fans es inmensa. Nunca experimenté algo así. Duna es grande, pero es su propio universo y los fans son bastante silenciosos. No es que te encontrás a mucha gente que la vea; por ahí aparece alguien que te dice: "Ah, leí el libro a los 14 años". Pero con Peaky, la base de fans está activa constantemente y va desde jóvenes hasta ancianos. Eso fue muy divertido, fue increíble. Y como dijo Tim, tenés que crear un personaje que encaje en algo que ya está creado, y ese se vuelve el desafío del momento. Además, los sets son fenomenales. No podés compararlos porque son mundos distintos. Esta es una película independiente basada en una serie que puede ser vista tanto por gente que no vio el show como por los que sí lo hicieron. Steven realmente dio en el clavo con eso.â??Solés interpretar mujeres que tienen un poder inmenso en entornos masculinos muy rígidos. ¿Cómo navega o irrumpe este personaje en la jerarquía patriarcal, no solo de la familia Shelby, sino de la época en sí?Ferguson: â??Es complicado, ¿no? Porque yo no entro a un set de manera rebelde diciendo: "Acá estoy, llegaron las tetas y la vagina". No es mi estilo. Pero lo que me parece interesante es la base que ya dejó el personaje de Helen (McCrory), Polly; ella ya había establecido la matriarca y el poder. Si lo pensás, volviendo a la época medieval o La guerra de las Dos Rosas, los hombres estaban en el campo de batalla, pero las mujeres eran las que realmente conspiraban y navegaban el linaje de la familia. Eran poderosísimas, y algo de eso todavía perdura. Es muy diferente, pero hay una fuerza y un poder enorme en este personaje. De todas formas, no sobreanalizo la cuestión de género. Ella tiene poder por derecho propio, tiene magia, capacidad de persuasión, autoridad y autenticidad en sus necesidades. Creo que eso la hace comparable a la mayoría de los hombres de la serie. Ella habita su propio mundo. Ella también "se presenta", da una imagen. Mientras tanto, por detrás, está armando todo eso que presenta. Es impredecible. Como sugería Eliot, la tradición no solo se hereda, se conquista. Borges pensaba en la tradición como la herencia no solo de un lugar, sino también de un idioma. Para los personajes de Peaky Blinders, gitanos mafiosos que comparten códigos de honor, la tradición es importante. Para los realizadores de la película, también. Pero la tradición que deben conquistar es doble: la de la serieâ?¦ y la del cine.

Día de la Mujer en Netflix: 10 series y películas que empoderan a las mujeres

Cada 8 de marzo se conmemora el Día Internacional de la Mujer.Las producciones protagonizadas por mujeres que se encuentran en el catálogo de Netflix.

Dolor en Hollywood: murió Alan Trustman, guionista de grandes películas protagonizadas por Steve McQueen

Alan Trustman, autor de los guiones de El caso de Thomas Crown y Bullitt, películas consecutivas de 1968, protagonizadas por Steve McQueen (en dos de sus papeles más memorables) murió a los 95 años. También coescribió ¡Me llaman señor Tibbs! (1970), el drama policial dirigido por Gordon Douglas y protagonizado por Sidney Poitier como el detective Virgil Tibbs en la secuela de la película ganadora del Oscar, En el calor de la noche (1967).Trustman falleció el 5 de febrero pasado en una residencia de adultos mayores de Miami, según declaró su hijo, John Trustman, a The New York Times. Sin embargo, el dato se conoció en las últimas horas. Además, la información había sido confirmada por otros medios norteamericanos, como Deadline y The Hollywood Reporter, que reseñaron la historia del guionista.Trustman trabajaba como abogado corporativo, formado en Harvard, en una importante oficina de Boston, en 1967, cuando se le ocurrió la idea de escribir una película sobre el robo a un banco. "Sabía que nunca podría escribir un libro. Pero tal vez podría escribir una película", le dijo al autor John Spooner, años atrás.A través de sus contactos universitarios, Trustman encontró el nombre de un agente literario neoyorquino y le presentó su historia, que terminó convirtiéndose en The Thomas Crown Affair. Dirigida por Norman Jewison y producida por Walter Mirisch, la película se rodó principalmente en Boston y fue protagonizada por McQueen como el apuesto millonario protagonista y Faye Dunaway como la investigadora de seguros Vicki Anderson.Cinco meses después del estreno de El caso Thomas Crown, Bullitt llegó a los cines, con Trustman y Harry Kleiner recibiendo créditos como guionistas por su adaptación de la novela de 1963 de Robert L. Fish.Fue Trustman quien sugirió que el inglés Peter Yates debutara como director en Estados Unidos con el thriller protagonizado por McQueen, como el policía de San Francisco Frank Bullitt y una de las persecuciones de coches más grandiosas del cine. (Trustman había admirado el trabajo de Yates en una escena de persecución en la película de 1967, Robo).Nacido el 16 de diciembre de 1930 en Brookline, Massachusetts, Alan Robert Trustman asistió a la Escuela Latina de Boston y a la Academia Phillips Exeter, y consiguió un trabajo de verano en el First National Bank of Boston a los 15 años. Se graduó en Harvard en 1952 y de la Facultad de Derecho de Harvard en 1955, y finalmente trabajó en la oficina de abogados bostoniano Nutter McClennen & Fish, donde su padre, Benjamin A. Trustman, era socio. (Su padre sería director del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas en Washington).Trustman le contó a Spooner que se dedicó al cine por el aburrimiento que le generó la jubilación de su jugador favorito de la NFL, el mariscal de campo de los New York Giants, Y.A. Tittle. "De repente, no tengo nada que hacer los domingos por la tarde", dijo. "Pero hace tiempo que tengo una idea sobre cómo robar el First National Bank de Boston".Convenció a Jewison para que hiciera la película después de llevarlo a recorrer el banco y mostrarle cómo funcionaría un robo. En una entrevista de 2014, Trustman dijo: "Originalmente compuse Bullitt para la ciudad de Nueva York. Pero cuando los productores Philip D'Antoni, Robert Relyea y McQueen quisieron trasladarla a San Francisco, me emocioné muchísimo. Les conté que, allá por el verano de 1954, había trabajado en la oficina de abogados Pillsbury, Madison & Sutro y conocía la ciudad. Aprendí que, al conducir un coche ligero como un Ford cuesta abajo en San Francisco, como solíamos hacer a las 2 de la madrugada, este despegaba y volaba por los aires al cruzar algunas intersecciones. Cuando hablamos de Bullitt, sugerí un Mustang, que todavía era un modelo bastante nuevo en 1968. Steve estaba entusiasmado. Estaba deseando probarlo". Trustman se retiró del derecho después de Bullitt y fue elegido personalmente por Mirisch para escribir Me llaman Sr. Tibbs. También fue contratado para la película protagonizada por McQueen, Le Mans (1971), pero tuvo un desacuerdo con el actor y fue reemplazado por Kleiner.Posteriormente, coescribió los guiones de Lady Ice (1973), protagonizada por Donald Sutherland y Jennifer O'Neill, y Hit! (1973), protagonizada por Billy Dee Williams y Richard Pryor. Además, escribió dos películas de 1976, Crimen y Pasión y El Próximo Hombre, entre otros títulos.

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Qué ver en Netflix: el ranking de las mejores películas y series para disfrutar este fin de semana del 7 y 8 de marzo

Llegó el viernes y junto a este la planificación del fin de semana, días en los que millones de personas dedican parte de su tiempo al ocio y al entretenimiento. Entre las opciones más elegidas se encuentra la de disfrutar de una buena película en el cine o bien desde la comodidad de tu hogar; si tu idea es la segunda, prepará un lápiz y un papel para anotar porque Netflix ya tiene el top ten con las producciones más vistas de Argentina para este fin de semana del 7 y 8 de marzo.Las cinco mejores series para ver este fin de semana en Netflix 1. Bridgerton, cuarta temporada (2026)Romance/Drama. La cuarta temporada de Los Bridgerton, que ya está completa, se centra en el bohemio segundo hijo, Benedict. A pesar de que sus hermanos mayor y menor están felizmente casados, Benedict se resiste a sentar la cabeza... Hasta que conoce a una cautivadora Dama Plateada en el baile de máscaras de su madre. Duración: ocho episodios. Ver Bridgerton, cuarta temporada.2. En el barro, segunda temporada (2026)Acción/Crimen. Las internas de La Quebrada deben sobrevivir a una nueva directora y a una nueva banda encabezada por una prisionera violenta. Por una traición, la Borges enfrenta un dilema. Duración: ocho episodios. Ver En el barro, segunda temporada.3. Una amistad, un asesinato (2026)True Crime. Un pueblo danés temió a un criminal en serie durante ocho años. Cuando lo atrapan, Amanda, Nichlas y Kiri descubren que el autor era su amigo íntimo, y que había cometido asaltos, secuestros y asesinatos mientras pasaba tiempo con ellos. Duración: tres episodios. Ver Una amistad, un asesinato.4. Doc (2026)Drama. Después de un intento de asesinato, Andrés Ferrara, jefe de medicina interna, pierde la memoria de los últimos doce años de su vida. Al enfrentarse a una vida que ya no reconoce como propia, debe reaprender muchas lecciones mientras intenta recuperar todo lo que alguna vez amó y que ahora parece irremediablemente perdido. Ferrara tendrá que volver a conocerse a sí mismo y reconstruir su vida, con la ayuda -y a veces algunas trabas- de su familia y sus colegas. Duración: diez episodios. Ver Doc.5. El mentalista (2008-2015)Drama. Patrick Jane es un hombre que trabaja como médium televisivo hasta que sufre un duro golpe cuando su mujer e hija son asesinadas. A partir de entonces, decide usar sus habilidades para ayudar a resolver casos de asesinato al trabajar como detective en el Departamento de Investigación de Crímenes de California. El agente Jane será capaz de ver aquello que los demás no pueden y sus poderes de observación y deducción le darán excelentes resultados. Duración: siete temporadas. Ver El mentalista.El mentalista, traíler Las cinco mejores películas para ver este fin de semana en Netflix1. Acusada (2026)Suspenso/Drama. La vida de una reconocida ginecóloga se desboca cuando una serie de acusaciones graves amenazan su carrera y su matrimonio. Duración: 1 h 47 min. Ver Acusada.2. Jerarquía (2024)Drama/Romance. El instituto Jooshin está en manos del 0,01% de los estudiantes más aventajados, pero la llegada de un tímido alumno abre una grieta en su inquebrantable mundo. Duración: 1 h 34 min. Ver Jerarquía.3. Cortafuego (2026)Suspenso/Drama. Tras la muerte de su marido, Mara viaja con su hija Lide, su cuñado, la mujer de este, y el hijo de ambos a la casa de verano en el bosque para cerrar las heridas del pasado. Lo que iba a ser un intento de cerrar el duelo se convierte en una pesadilla cuando Lide desaparece justo cuando se declara un incendio forestal en la zona. Desesperada, la familia decide adentrarse en el bosque para buscar a la niña. Aislados, sin ayuda oficial y con el fuego cerrándoles el paso, su única esperanza es Santi, el guarda forestal de la zona. Pero a medida que el cerco se estrecha, Mara empieza a sospechar que el incendio no es la única amenaza: alguien está mintiendo. Duración: 1 h 47 min. Ver Cortafuego.4. Karate Kid (2010)Infantil/Acción. Las habilidades de lucha de Dre Parker no son rivales para Cheng, el acosador de la escuela. Dre conoce al Sr. Han, un empleado de mantenimiento y maestro de artes marciales. El Sr. Han enseña kung-fu a Dre para que sea capaz de enfrentarse a Cheng. Duración: 2 h 20 min. Ver Karate Kid.5. El mundo temblará (2025)Basada en hechos reales/Drama. La impactante historia real de MichaÅ? Podchlebnik y Solomon Weiner, dos prisioneros que se convirtieron en los primeros en escapar del campo de exterminio de CheÅ?mno en enero de 1942. De los más de 320.000 judíos enviados a CheÅ?mno, solo sobrevivieron cuatro: dos de ellos fueron Weiner y Podchlebnik, que lo arriesgaron todo para sacar a la luz la verdad. Situado cerca de Å?ódź, CheÅ?mno fue uno de los seis campos de exterminio creados exclusivamente para el asesinato en masa durante la Segunda Guerra Mundial. Duración: 1 h 49 min. Ver El mundo temblará.

Buenos Aires apocalíptica y un verano sin fin: la película argentina hecha por jóvenes que llegó al Festival de Málaga

La ópera prima de Sol Iglesias, "Las nadadoras", es la única producción argentina seleccionada este año en el Festival de Cine de Málaga. Filmada por un equipo de veinteañeros, narra una Buenos Aires distópica marcada por el calor y el abandono

Ranking Prime Video: estas son las películas favoritas del público colombiano

El auge de las plataformas por streaming ha cambiado la forma de ver y disfrutar el cine; Prime Video no se quiere quedar atrás

La productora de la película sobre el almirante Padilla, Valencia Producciones, reveló cómo se realizó y cuál es el convenio con el Gobierno Petro: "Es un proyecto extremadamente costoso"

El largometraje suma talentos internacionales y técnicos locales en una producción independiente que expande los límites del sector audiovisual nacional

Netflix lanzó un podcast de Peaky Blinders con todo el detrás de escena de la nueva película "El Hombre Inmortal"

La plataforma lanza una serie de episodios con entrevistas exclusivas al elenco y a los creadores de la saga para anticipar el estreno mundial de la película que marca el regreso de Tommy Shelby. Leer más

Generales y almirantes (r) cuestionaron a Petro por darle a Cuba Gooding Jr el protagónico en película del almirante Padilla y no a actores colombianos

Hernando Wills, almirante retirado y presidente de la agremiación de oficiales, sostuvo que el Gobierno nacional debería impulsar el talento local

Sigue la polémica por película sobre el almirante Padilla en la que aparece Gustavo Petro y esto dicen los actores: "Es una producción inmensa"

Rodada en lugares emblemáticos y con el debut actoral del presidente, esta superproducción genera debate sobre la internacionalización y las formas de asegurar recursos para proyectos culturales

Este es el episodio de 'Los Simpsons' por el que comparan a Gustavo Petro con el Sr. Burns por su actuación en película sobre el almirante Padilla

El episodio de 'Los Simpsons' por el que compararon a Gustavo Petro con el Sr. Burns en redes sociales: a raíz de su actuación en película en homenaje al almirante Padilla

Cuál es la verdad sobre las acusaciones por abuso sexual contra Cuba Gooding Jr, protagonista de la película sobre el Almirante Padilla: en un proceso aceptó cargos

En abril de 2022, el actor se declaró culpable de un cargo de acoso menor. El caso penal, iniciado por una denuncia de contacto físico forzado en un club nocturno de Manhattan en 2018, derivó en que el tribunal le ordenara cumplir un programa de tratamiento contra el alcoholismo y modificación de conducta

Es ilegal que el presidente Gustavo Petro participe en una película financiada por el Estado: esto dice la Constitución Política

Distintos sectores del país cuestionaron el monto de la inversión por la delicada situación económica que atraviesa el país

Margarita Rosa de Francisco reacciona a críticas por actor estadounidense en película financiada por el Gobierno Petro

La actriz reaccionó en redes sociales a la controversia generada por la participación de un actor estadounidense en una producción sobre el almirante José Prudencio Padilla financiada con recursos públicos

Mi Amigo el Sol: la nueva película de animación mexicana que explora la mitología prehispánica

Con la dirección de Alejandra Pérez Gonzáles, este nuevo largometraje animado será el primero en su tipo en México en ser dirigido por una mujer

Ryan Gosling estará en la CDMX para presentar su nueva película en esta fecha

La visita del actor junto a los directores Phil Lord y Christopher Miller marca uno de los eventos más esperados del año para la audiencia mexicana

Miranda desmintió a Petro y reencauchó video en el que demostró que sí dio la orden de hacer película del almirante Padilla: "Aquí la prueba"

El debate sobre la pertinencia de la producción se intensificó tras la difusión de un video en el que miembros del gabinete reconocen directrices presidenciales, en medio de críticas al uso de recursos públicos y a la participación de figuras internacionales cuestionadas en el elenco

José Félix Lafaurie comparó a Gustavo Petro con Hugo Chávez por polémica película en la que hace su 'debut' como actor: "El mismo libreto"

Mientras el Gobierno sostiene la necesidad de destinar fondos públicos para impulsar el cine local, sectores críticos cuestionan la gestión de prioridades y el papel del Estado en la construcción de la identidad nacional

"¡Mucho HP! Como dice usted": Carlos Meisel insultó a Petro por financiación de la película sobre el almirante Padilla

El congresista criticó el hecho de que los recursos públicos estén siendo utilizados para producir una pieza audiovisual, mientras, según el Gobierno, el país atraviesa por una crisis fiscal

Petro defendió 'a capa y espada' la polémica película del Almirante Padilla: "Mi participación de cinco segundos traerá muchos más ingresos"

El mandatario argumentó que la cinta fílmica no solo va a recaudar más recursos, sino que creó puestos de trabajos. Afirmó que es "cine de calidad"

"Abusador de mujeres": Nórida Rodríguez 'estalló' por participación de Cuba Gooding Jr. en película financiada por el Gobierno

El actor ha sido denunciado por varias mujeres por presuntas agresiones sexuales y tocamientos indebidos. Uno de los casos terminó en un acuerdo económico con una de las víctimas

Daniil Medvedev relató la odisea que vivió para salir de Dubai: "Te sentís como en una película de Hollywood"

Daniil Medvedev, el undécimo del ranking mundial de tenis, número 1 en febrero de 2022, fue uno de los jugadores de súper elite que, debido a la Guerra en Medio Oriente, quedaron varados durante varios días en Dubai por el cierre del espacio aéreo. El ruso, ganador del ATP 500 en el emirato el último fin de semana, recién en las últimas horas logró abandonar la zona de conflicto y llegar a los Estados Unidos, para participar del Masters 1000 de Indian Wells. Más tranquilo y seguro, Medvedev dio detalles impactantes de la travesía."Llegamos a Omán en coche. Algunos tuvieron la suerte de llegar allí en cuatro horas y media. Otros condujeron durante nueve horas. Nosotros condujimos durante siete horas. Fuimos los únicos que cruzamos la frontera, pero nuestro conductor no pudo encontrar su pasaporte", narró Medvedev, campeón del US Open 2021. Y siguió, en diálogo con la periodista rusa Sofya Tartakova: "Entonces dimos la vuelta y regresamos a los Emiratos Árabes. Nuestro conductor encontró su pasaporte en el estacionamiento y condujimos de nuevo hasta Omán". Medvedev, que debutará en la segunda ronda de Indian Wells ante Alejandro Tabilo (Chile) o Rafael Jódar (España), contó que pasaron una noche en Omán y, al día siguiente, volaron a Estambul. "Pasamos la noche en un hotel y seguimos hasta Los Ángeles (...) Si contás el viaje con todos los detalles, es inusual. Te sentís como si estuvieras en una película de Hollywood: cruzando la frontera con otras personas, visitando Omán por primera vez", admitió el moscovita de 30 años, finalista en Indian Wells en 2023 y 2024."Hay cosas más importantes que el tenis. Espero que todos estén a salvo", había declarado el italiano Jannik Sinner, número 2 del mundo, sobre la situación geopolítica actual y cuando todavía Medvedev (más Andrey Rublev, Karen Khachanov y un grupo de doblistas que habían competido en Dubai) no había podido salir de la zona de conflicto bélico. Khachanov, asimismo, publicó un video en sus redes sociales cuando ya estaba a bordo de un avión rumbo a los Estados Unidos. El moscovita, actual 16° del ranking, también relató cómo vivió estos días de temor e incertidumbre. "Mi familia y yo estábamos en Dubai y no pudimos salir a tiempo antes de que todo empezara. Así que pasamos tiempo en casa. Estábamos un poco en el limbo, porque no sabíamos qué pasaría. ¿Se abriría el espacio aéreo o no? ¿Qué hacer ¿Cuál era el plan? Salir, quedarnos en casa, entrenar o no", dijo Khachanov, que se enfrentará en la segunda ronda de Indian Wells con el brasileño João Fonseca."Fue un viaje inolvidable. Hubo suficientes eventos en esta gira por Oriente Medio, y aunque hubo contratiempos en el camino, no hay que olvidar que regresamos sanos y salvos, con muchas más experiencias y dos trofeos más", escribió el doblista Harri Heliovaara, 8° del mundo, campeón en el ATP de Dubai. El finlandés utilizó su blog para relatar lo que le iba sucediendo a él y a los otros jugadores. "Feliz de estar en casa, pero a la vez, lo he dado todo. El estrés por fin está bajando y me están apareciendo varios síntomas por todo el cuerpo (...) El cuerpo y la mente necesitan al menos unos días más de descanso, luego tendremos otro buen entrenamiento de diez días, y sin duda volveremos a estar con ganas de más en Miami", confesó Heliovaara, que optó por tomarse una pausa y no actuar en Indian Wells.

Quién fue el almirante José Prudencio Padilla, a quien le rinden homenaje con polémica película en la que aparece Gustavo Petro

El militar naval conocido como "el Príncipe del mar" hizo parte de la campaña libertadora de Simón Bolívar

Petro respondió a las críticas por su actuación en la película del Almirante Padilla: "Aparezco unos cinco segundos ante una hermosa bailarina jamaiquina"

El presidente colombiano debutará como actor y la decisión genera una profundiza controversia por el uso de recursos públicos y la proyección internacional del cine nacional

Hollman Morris, gerente de Rtvc, aclaró cuánto dinero destinó el Gobierno Petro para la película sobre el Almirante Padilla: "Esto no es un capricho presidencial"

El periodista recalcó que el contrato para la producción del largometraje tiene un monto de más de 15.000 millones de pesos, los cuales, el 51% son aportados por el Ejecutivo

Juan Carlos Pinzón lanzó pullas contra Petro por película sobre el Almirante Padilla: "Ud. es una vergüenza para Colombia"

Ante la circulación de la imagen que muestra al mandatario junto al reconocido actor Cuba Gooding Jr., la reacción del aspirante presidencial resultó contundente

Cuba Gooding Jr. habló sobre su participación en la película sobre el almirante Padilla en la que aparece Petro: "Estoy interesado en ese proyecto"

El ganador del Oscar destacó la creatividad de los jóvenes realizadores locales, que usan solo sus teléfonos para contar historias

Hollman Morris, gerente de Rtvc, se refirió a la participación de Gustavo Petro en la película sobre el almirante Padilla: "Se nos ocurrió"

El gerente de Rtvc también defendió la inversión destinada al rodaje del filme, que supera los 15.000 millones de pesos

Como "enfermo narciso" calificó María Fernanda Cabal al presidente Petro por millonario contrato para película en la que él actúa: "La gente muere por falta de medicamentos"

La producción es un homenaje al almirante José Prudencio Padilla y el anuncio de la grabación de la película se realizó en Cartagena a finales de diciembre de 2025

Calle Málaga: la película que se agiganta gracias al magnetismo de Carmen Maura

Calle Málaga (idem, Marruecos, España/2025) Dirección: Maryam Touzani. Guión: Maryam Touzani y Nabil Ayouch, Fotografía: Virginia Surdej. Edición: Teresa Font. Música: Freya Arde. Elenco: Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane, María Alfonsa Rosso, Miguel Garcés y La Imèn. Calificación: solo apta para mayores de 13 años. Distribuidora Mirada Distribution. Duración: 117 minutos. Nuestra opinión: muy buena.¿Puede una película demasiado simple y convencional, llena de lugares comunes y con variadas líneas narrativas resueltas disparmente ser una buena película? Si, puede. Y esta comedia-dramática (más dramática al comienzo y más comedia luego), es la confirmación de que el entretenimiento y el impacto emocional pueden solventar efectivamente aquello que no está resuelto de manera muy original en una historia. Porque Calle Málaga se ha visto mil veces en otras películas, pero eso es algo que incluso termina formando parte de la convención que establece con el espectador. En esa convención narrativa, nos encontramos con una María Ángeles Muñoz que vivió casi toda su vida en la ciudad luego de que la Guerra Civil en España hiciera de la Tánger marroquí la ciudad de acogida de buena parte del exilio republicano y de aquellos que no querían la dictadura franquista. Los años fueron pasando y la vida cotidiana de estos españoles en Marruecos se volvió parte de su propia identidad; y una ida y vuelta en la cual desde los diálogos mixturados en árabe y español y la comida con sus sabrosos paladares entre dos orillas forman parte del entendimiento cotidiano. Así vive María Ángeles todas sus mañanas, en su espléndido departamento sobre la calle Málaga a la que baja para hacer las compras del día, conversar con sus vecinos y transcurrir sus horas con un profundo sentido de pertenencia, que define incluso su identidad. Pero (en el drama la conjunción adversativa resulta fundamental), un día llega su hija desde Madrid. Lo que parece una simple visita de cortesía en realidad esconde otros planes que son vender el departamento y mudar a su madre consigo de regreso a España. Clara es nerviosa y llega a Tánger con una separación a cuestas, sin dinero para solventarse, cara de pocos amigos, pero con esta fundamental decisión tomada. Lo que no espera es que la negativa de la vital María Ángeles desbarate sus planes. Y así comienzan las diversas líneas narrativas que hacen de Calle Málaga un crisol de microhistorias que se van hilvanando con diferentes énfasis, calidades y resoluciones pero que no valen desarrollar aquí para no fomentar revelaciones de la trama. Así como el inicio dramático da paso a una comedia que busca la complicidad del espectador también la dirección de Maryan Touzani resuelve desde cámaras todo lo que su propio guion trabajado con el experimentado realizador Nabil Ayouch presenta desde esas diversas historias que también tienen su propio tono de comedia, drama y romance. De lo más efectivo es su guiño al cine del primer Pedro Almodóvar en la relación que entabla la casi octogenaria María Ángeles con la monja Josefa, que cumple voto de silencio y escucha sus secretos. Resulta un homenaje implícito a la figura principal, y que es la película en sí misma, porque en Carmen Maura reside el carisma y sensibilidad que consiguen elevar el conjunto y establecer un diálogo sensible con la lente de la también realizadora de El caftan azul, y que consigue una película aparte en su mirada a una Maura plena de magnetismo y sensibilidad. Hábil reflexión sobre la madurez que, aunque previsible en la resolución de sus múltiples conflictos, resulta un disfrutable momento que gracias a la labor de una descomunal actriz agiganta su recuerdo con el correr de los días. A diferencia de buena parte del cine de autor que busca mucho, y no siempre lo alcanza, Maryam Touzani desde su simpleza consigue convencer y con su gran intérprete dejan un luminoso recuerdo.

Polémica por incursión de Gustavo Petro como actor: tendría un papel en la película sobre el Almirante Padilla protagonizada por Cuba Gooding Jr. y financiada con recursos públicos

La incursión del mandatario colombiano se da en una cinta financiada con recursos estatales, que incluye escenas grabadas en la capital y en la costa caribeña y cuya proyección está anunciada para mediados de 2026

"¡La novia!", de Maggie Gyllenhaal, es una película fascinante y desprejuiciada

Es protagonizada por Jessie Buckley, que va a ganar el Oscar por "Hamnet", y Christian Bale.La directora reimagina el clásico de 1935 y hace lo que quiere. Y lo bien que lo hace.

Ana Luisa Peluffo: las películas de terror que protagonizó en el cine mexicano

La actriz mexicana se consolidó como una figura clave en la historia del cine de horror

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