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Ojos bien cerrados: la hija de Stanley Kubrick se refirió a los supuestos 20 minutos que le "faltan" a la película

Hay películas que terminan cuando aparecen los créditos y hay otras que parecen no terminar nunca. Ojos bien cerrados, el último film rodado por Stanley Kubrick, pertenece definitivamente al segundo grupo. A 27 años de su estreno, una de las grandes preguntas que todavía rodean al film sigue siendo la misma: ¿Existen 20 minutos que fueron eliminados después de la muerte del director?La versión circula desde hace años y alimentó toda clase de teorías conspirativas sobre la película protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, rumores que se hicieron aún más fuertes con el paso del tiempo. Ahora, Vivian Kubrick, hija del realizador, decidió meterse de lleno en el tema y explicar qué sabe y qué no sabe sobre ese supuesto material perdido."Ya es un buen momento para abordar finalmente los 20 minutos perdidos de Ojos bien cerrados", escribió Vivian en su cuenta de X. "Es una historia que circula desde hace muchos años, así que déjenme contarles lo que realmente sé y lo que no sé", indicó. a comienzo de un extenso texto que con el correr de las horas se convirtió en un intercambio de información e ideas con sus seguidores."Mi padre siempre hacía incinerar el material descartado una vez que una película estaba terminada, específicamente para evitar que el estudio pudiera posteriormente volver a editar su trabajo o crear versiones alternativas", contó.La aclaración es importante porque, a diferencia de lo que podría suponerse hoy, una película filmada en 1999 no tenía necesariamente una gigantesca copia digital de seguridad de cada escena, cada toma y cada minuto rodado. Pero antes de llegar a ese punto está el dato que vuelve todavía más extraño todo el asunto: cuando Kubrick murió, Ojos bien cerrados estaba prácticamente terminada.La película había sido su último trabajo y el director falleció el 7 de marzo de 1999, apenas unos días después de haber mostrado el film a los ejecutivos de Warner Bros. "Cuando mi padre murió, Ojos bien cerrados estaba avanzando por las últimas etapas de la posproducción. Acababa de ser mostrada a los ejecutivos del estudio, supongo que con una pista musical provisional, mientras todavía faltaban completar la mezcla final de sonido y parte del trabajo musical".Cont. University of the Arts London. They hold the official archive of my father's surviving papers, production materials and other records, spanning his entire career, including Eyes Wide Shut. But to my knowledge, there is no surviving cache of Avid rushes from the film.Soâ?¦ pic.twitter.com/5Zr3hzSWkI— Vivian Kubrick (@ViKu1111) September 1, 2026En ese contexto, Vivian asegura que hubo una modificación que sí conoció: la utilización de imágenes generadas por computadora para tapar parte de los desnudos de la famosa escena de la orgía."La única modificación de la que escuché hablar en aquel momento fue el uso de CGI â??figuras generadas por computadoraâ?? para ocultar parte de los desnudos en la escena de la orgía, algo que Warner Brothers quería para poder conseguir una clasificación R para la película", señaló. "Pero no escuché que se hubiera eliminado ninguna toma ni ninguna escena", agregó."Esto era 1999, en la época de la distribución física de las películas", recordó. "La película fue editada en Avid [un programa de edición], pero eso no debería confundirse con el tipo de archivo digital permanente que la gente imagina hoy", explicó."El material de Avid consistía en transferencias de video de definición estándar realizadas a partir de los rushes, de 720 por 576 píxeles, y se utilizaba para editar", continuó. Y señaló: "Eran copias de trabajo, no una preservación digital de alta resolución del negativo original. No había una versión digital de alta resolución de cada toma almacenada en algún servidor, como razonablemente podría imaginarse hoy"."Por supuesto, estaba todo el material en bruto impreso en 35 milímetros, además del negativo original de cámara que contenía los descartes", contó. El problema es que ese material tampoco sobrevivió. "Mucho tiempo después de que la película hubiera terminado y sido estrenada, los rushes de 35 milímetros y el negativo original de los descartes fueron incinerados", explicó Vivian.El negativo maestro de la película terminada, en cambio, sí fue conservado. "Una vez que el negativo había sido cortado, no se podían simplemente deshacer esos cortes y volver a ordenar la película: cada corte eliminaba un fotograma tanto del principio como del final de la toma", explicó.Por eso, incluso si alguien quisiera reconstruir hoy una versión alternativa a partir del negativo original, no sería una tarea tan sencilla como abrir un archivo de computadora y recuperar una escena eliminada.En marzo de 1999, Vivian estaba viviendo en Los Ángeles y trabajando en la música de otra película. Tras enterarse de la muerte de su padre, viajó para estar presente en el funeral. "Volé a Inglaterra, completamente traumatizada, para estar allí durante los preparativos del funeral y el entierro de mi padre", recordó."Tuve que regresar a Los Ángeles al día siguiente de su entierro â??sumida en el dolor y agotadaâ?? para terminar la música que contractualmente estaba obligada a entregar, algo que apenas pude conseguir", contó.Por eso reconoce que no estuvo presente durante todas las conversaciones que pudieron producirse inmediatamente después de la muerte de Kubrick. "No puedo decirles qué pudo o no pudo haber sucedido durante las aproximadamente 30 horas posteriores a la muerte de mi padre; yo no estaba allí", admitió.Sin embargo, asegura que nunca apareció nada que respaldara la teoría. "Nunca escuché hablar de 20 minutos perdidos en aquel momento, nunca vi ni me mostraron posteriormente ninguna evidencia de que existiera una sección así y no conozco ningún material sobreviviente que demuestre que existió", sostuvo.El archivo oficial de Kubrick está en la University of the Arts London, donde se conservan documentos, materiales de producción y otros registros de su carrera. "Ellos tienen el archivo oficial de los documentos, materiales de producción y otros registros sobrevivientes de mi padre, que abarcan toda su carrera, incluido Ojos bien cerrados", explicó. "Pero, hasta donde sé, no existe allí un archivo de rushes de Avid de la película que haya sobrevivido", indicó"Así que, incluso si esos 20 minutos hubieran sido eliminados después de su muerte, dudo seriamente que debamos esperar que exista hoy una copia en video o digital, un negativo sin utilizar u otro registro físico evidente", sostuvo.Pero inmediatamente hizo una aclaración: "La ausencia de ese material funciona en ambos sentidos: no demuestra que esos 20 minutos hayan existido en primer lugar. Salvo que aparezca evidencia sustancial â??y no considero evidencia las historias de ciertas personas que, en mi opinión, están inventándolas después de los hechosâ??, la historia de que se eliminaron 20 minutos de Ojos bien cerrados después de la muerte de mi padre sigue siendo, para mí, una teoría conspirativa y no un hecho establecido". Y agregó: "Las personas suelen querer darle un carácter sensacionalista a su participación en una historia, si es que realmente tuvieron alguna participación".Uno de los argumentos utilizados para defender la existencia de material perdido son las fotografías tomadas durante el rodaje que muestran a Tom Cruise, Nicole Kidman y la actriz que interpreta a su hija en situaciones que no aparecen en la película estrenada, entre ellas escenas en un bote y a caballo.Un usuario le planteó justamente esa cuestión a Vivian: si existen fotografías de escenas que fueron filmadas, quizás la discusión no debería ser si existe material perdido, sino cuánto material terminó fuera de la película. La respuesta de la hija de Kubrick fue contundente: que una escena haya sido filmada no significa que necesariamente deba aparecer en el montaje final. "No creo que entiendas del todo el proceso de edición de una película", respondió.Y puso como ejemplo otra de las películas de su padre. "Por ejemplo, en Nacido para matar (1987) hubo una escena completa â??y un personajeâ?? que finalmente quedaron fuera de la película terminada", contó. "Mi padre adoraba la actuación del actor que interpretaba al capitán January, pero la escena simplemente no funcionaba dentro de la película en su conjunto. Así que, a pesar de cuánto le gustaba esa actuación, eliminó toda la escena y al personaje de la película", reveló."De hecho, llamó personalmente al actor para disculparse, porque se sentía muy mal por tener que eliminarlo", recordó Vivian. Y no fue un caso aislado. "Mi padre filmó otro final para El resplandor", señaló. "Filmó también la pelea de tartas literal en la Sala de Guerra de Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba, y esa escena también fue eliminada"."De todo el material que se crea durante un rodaje, una parte â??y a veces una parte bastante grandeâ?? nunca termina en la película. Filmás todo lo que podés precisamente para tener opciones cuando llegás a la etapa de montaje", aseguró. "Esto es simplemente parte de hacer cine. Filmar algo no significa que pertenezca a la película terminada", cerró.Una película rodeada de misteriosLa historia de los supuestos 20 minutos perdidos resulta especialmente atractiva porque Ojos bien cerrados fue una película marcada por los secretos incluso antes de llegar a los cines.Fue la última obra de Kubrick, protagonizada por Cruise y Kidman, y su rodaje se extendió durante un período extraordinariamente largo. La pareja estaba casada mientras filmaba la película y atravesó durante esos años una etapa particularmente intensa de su relación. En 2001, dos años después del estreno, anunciaron su separación.El argumento de la película â??un matrimonio que entra en crisis después de que ella revela una fantasía sexual y él se embarca en una misteriosa aventura nocturnaâ?? hizo que la vida privada de sus protagonistas se convirtiera inevitablemente en parte de la conversación alrededor del film.La muerte de Kubrick antes del estreno terminó de alimentar el misterio. A eso se sumaron la intervención de Warner Bros. para conseguir la clasificación R, las escenas filmadas que no llegaron al montaje definitivo y la propia obsesión del director por controlar hasta el último detalle de sus películas."De una cosa estoy segura: si efectivamente se hubieran eliminado 20 minutos, definitivamente me habría enterado con el tiempo", aseguró la hija del realizador. Y agregó: "Una vez que la niebla de la agonía se disipó, me involucré muy estrechamente en la protección del trabajo de mi padre y me tomé esa responsabilidad extremadamente en serio".

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Netflix: uno por uno, todos los estrenos de películas y series en septiembre 2026

Nuevas biopics, adaptaciones literarias y un imperdible documental son algunas de las novedades que Netflix presenta para el próximo mes de septiembre. Mal de amores (primera temporada)Basada en la popular novela homónima de Ángeles Mastretta, esta ficción se ubica en el México del siglo XIX, mucho antes de la revolución. En ese período, Emilia Sauri (Renata Vaca) es una joven que sueña con poder dedicarse a la medicina en una sociedad machista que considera descabellado el que una mujer ejerza esa profesión. Sin embargo, la protagonista no cesará en su lucha y hará lo imposible por ver realizado su sueño. En el medio, Emilia conocerá de primera mano el lado oculto de un México que se prepara para un profundo cambio y también se encontrará entre dos amores: por un lado, un revolucionario que promete grandes aventuras y, por el otro, un médico de carácter pacífico que comparte con ella su amor por la medicina. Publicada en 1996, Mal de amores es una de las piezas literarias mexicanas más leídas de las últimas décadas, que ahora llega a Netflix, curiosamente, dirigida por Catalina Aguilar Mastretta, hija de la autora de la novela original. Estreno el 2 de septiembre. Fito Páez: el mundo cabe en una canción (documental)Sin lugar a dudas, Fito Páez es uno de los artistas argentino más relevantes. Sus discos marcaron a varias generaciones y muchas de sus canciones están entre las más escuchadas en la historia del rock argentino. Y a tres años del estreno de su biopic (uno de los mayores hitos en lo referido a las producciones locales de Netflix), la misma plataforma de streaming lanza este atractivo documental, que busca profundizar en la persona detrás de la figura. De este modo, esta producción sigue a Fito a lo largo de un año, en medio de conciertos, ensayos y viajes, pero también mostrándolo en sus momentos íntimos en donde se encuentra lejos de las luces del escenario. Disponible a partir del 3 de septiembre.Monstruo: la historia de Lizzie Borden (miniserie)El productor Ryan Murphy sigue adelante en la ficcionalización de las historias criminales más macabras de los Estados Unidos y luego de retratar a emblemáticos asesinos como Jeffrey Dahmer o los hermanos Menendez, la nueva temporada de esta serie presenta a la temida Lizzie Borden. A finales del siglo XIX, Lizzie era una joven de clase acomodada que vivía junto a su padre, su madrastra y su hermana. La mujer no tenía una buena relación con su familia, pero con quien solía tener la mayor cantidad de enfrentamientos era con la esposa de su papá. Esa convivencia que parecía un infierno culminó de forma inesperada cuando el hombre apareció asesinado a base de golpes en su cráneo. En otro piso de la misma casa, la madrastra de Lizzie también fue hallada muerta y con su cabeza destrozada, aparentemente debido a los impactos de un objeto afilado. Las investigaciones inicialmente posaron su mirada en una mujer que trabajaba en el hogar, pero a medida que los especialistas analizaban la escena del crimen y los cadáveres, concluyeron que la propia Lizzie era la principal sospechosa. La brutalidad de los homicidios y la inclasificable personalidad de Borden la convirtieron en una de las asesinas más populares de su época, y su caso es uno de los más reconocidos en la historia delictiva de ese país. Disponible a partir del 17 de septiembre.Mis muertos tristes (miniserie)El universo literario de Mariana Enríquez es de tal riqueza que su llegada a otras plataformas narrativas era cuestión de tiempo. A otras adaptaciones ya existentes basadas en su obra, ahora se suma Mis muertos tristes. Tomando como punto de partida el relato homónimo (y también elementos de otras historias de la autora), esta miniserie presenta a Ema (Mercedes Morán), una doctora que posee la capacidad de comunicarse con los muertos. A lo largo de su vida, la protagonista aprendió a convivir con esas presencias, siempre procurando que eso no alterara su vida cotidiana. Pero frente a la llegada de su sobrina, quien también posee la misma capacidad, Ema comenzará a ver cómo su realidad cambia de forma drástica y en qué modo los muertos afectarán a su vida y a su entorno. Mis muertos tristes es uno de los grandes estrenos del mes, que cuenta con un sólido elenco encabezado por la mencionada Morán, junto a Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carlos Portaluppi, en un proyecto que cuenta con la dirección de Pablo Larraín, el prestigioso realizador chileno. Estrena el 24 de septiembre. Unabomber (película)Durante los años 80 y parte de los 90, en los Estados Unidos surgió una figura conocida como "Unabomber", un terrorista que a través de bombas que envió por el correo, mató e hirió a varias personas. Pero igual de grave aún es que Unabomber sembró la paranoia de millones de ciudadanos que temían abrir su correspondencia por miedo a ser víctimas de ese asesino. Finalmente, el hombre, cuyo nombre real era Ted Kaczynski fue detenido, revelándose como dueño de una mente privilegiada y responsable de un poderoso manifiesto en el que, en líneas muy generales, aseguraba que la humanidad era víctima de las nocivas consecuencias de la Revolución Industrial. Kaczynski murió en 2023, en prisión, dejando atrás una historia que fue objeto de innumerables análisis y representaciones. Y durante este mes, Netflix estrena un largometraje que detalla la exhaustiva investigación por parte del FBI, que tuvo como objetivo encontrar y encarcelarlo. Este prometedor film cuenta con Russell Crowe, Shailene Woodley y Jacob Tremblay en los roles protagonistas. Llega a la plataforma el próximo 25 de septiembre. El problema final (miniserie)El actor español José Coronado no deja de protagonizar distintas producciones en Netflix, y este mes le toca estar al frente de un relato en el que compone a un actor retirado llamado Basil. El protagonista encontró en su pasado momentos de gran fama, principalmente cuando personificaba a Sherlock Holmes, motivo por el cual considera tener algunos conocimientos detectivescos. Y el destino lo llevará a ser un verdadero agente de la ley, cuando Basil quede aislado junto a otras trece personas, en un contexto en el que ocurre un misterioso asesinato. Nadie sabe nada de nadie, pero el protagonista hará lo imposible por encontrar al responsable del homicidio, en este original policial basado en una novela de Arturo Pérez-Reverte. Junto a Coronado, el elenco de El problema final lo completan Maribel Verdú, María Valverde y Martiño Rivas. Disponible a partir del 25 de septiembre. De yapa: Lego: One Piece Desde su nacimiento en 1997, One Piece es una de las historietas más populares y vendidas de los últimos años. Ese enorme éxito dio pie a una aclamada adaptación animada y otra realizada en acción real, basada en la aventura de Luffy y su búsqueda por encontrar el tesoro más grande del mundo. Y en las próximas semanas, esta historia tendrá su versión en Lego, con la llegada de un especial animado que a través de la estética de los populares ladrillos encastrables, mostrará al pirata de goma en un divertido relato apto para fans de la saga, como para quienes jamás escucharon hablar de One Piece. Estreno el 29 de septiembre.

Talento de exportación: estas son las películas argentinas que buscan conquistar los festivales internacionales

Cada año llega para estas fechas la mayor vidriera que tiene el cine argentino para mostrarse al mundo. Los festivales internacionales más importantes del otoño en el hemisferio norte, desde los cuales se anticipan las tendencias de la próxima temporada alta de premios, son los espacios en donde la mejor y más reciente producción de la pantalla nacional empieza a mostrarse y a confirmar una vez más el lugar de valioso reconocimiento que recibe más allá de nuestras fronteras. El escenario para el cine argentino en ese sentido no podría ser mejor. Venecia, Toronto, San Sebastián, Londres y Nueva York forman parte de la élite de los festivales de cine del mundo. Solo Cannes, Berlín y algunos pocos más pueden ponerse a su altura. Que los responsables artísticos de estas muestras hayan programado allí películas argentinas eleva el valor artístico de cada una de las obras elegidas. Algunos de los títulos seleccionados recorrerán más de un festival y esa primera presentación en el exterior funciona a la vez como anticipo de su llegada a las pantallas argentinas. Ya hay en unos pocos casos fechas confirmadas de estreno para las próximas semanas, pero en la mayoría todavía está pendiente la confirmación de cada lanzamiento. La repercusión de la crítica internacional se adelanta a la local y abre expectativas: en los próximos grandes festivales de cine del mundo se empieza a diseñar el 2027 del cine argentino. Todo comienza muy pronto en Venecia, el decano de los grandes festivales internacionales. La edición número 83 (del 2 al 12 de septiembre) incluye en la competencia oficial por el León de Oro Ritorno a Buenos Aires, una coproducción ítalo-brasileña dirigida por Marco Bechis (Garage Olimpo), cuya trama tiene como protagonista a un hombre (Adriano Giannini) que regresa en 2008 a la capital argentina después de pasar 33 años en Italia para ser testigo en el juicio contra los militares que lo secuestraron y lo torturaron durante la última dictadura. Allí se reencontrará con viejos compañeros de cautiverio y revisará todo su pasado. Ana Celentano, Verónica Gerez, Olivia Nuss, Adrián Fondari y Marcelo Chaparro son los intérpretes argentinos de una película en la que se habla todo el tiempo de nuestro país, aunque la producción eligió Porto Alegre para ambientar las escenas que transcurren en Buenos Aires. Otro destacado estreno mundial, fuera de concurso, es Biografía de Jorge Luis Borges, dirigido por Mariano Llinás. A lo largo de cinco horas y media (330 minutos), el director de La flor e Historias extraordinarias se propone llevar adelante "un intento de narrar la biografía de Borges a través de objetos y lugares". Para lograrlo viaja a Nueva York, Texas, Ginebra, Reikiavik y la frontera rural entre Urugay y Brasil para explorar episodios de la vida del escritor y algunos de sus más importantes textos. En la sección paralela de Venecia 2026 fueron seleccionadas dos películas argentinas: A veces me entra tristeza y otras veces rebelión, de María Aparicio, y El fantasma, de David Lamelas e Ignacio Masllorens. La primera, coproducción entre nuestro país y España, gira alrededor del encuentro fortuito en el Museo Reina Sofía de Madrid entre Eva (Eva Bianco), una mujer argentina de paso por Madrid, y su compatriota Dante (el crítico Roger Koza), que investiga allí como historiador la vida de Juan Bialet Massé y las luchas obreras en Córdoba. El fantasma, producción de El Pampero Cine (como la biografía de Borges dirigida por Llinás), se propone como un cruce entre realidad y ficción a partir de una investigación sobre vanguardias artísticas argentinas de los años 60 a la que en un momento llega uno de sus protagonistas, el propio Lamelas, que se interpreta a sí mismo. La película se interroga sobre el significado de revelar al mundo la obra de alguien que voluntariamente decidió alejarse del mundo. En la sección Venecia Classics se exhibirá la versión restaurada de Los de la mesa 10 (1960), de Simón Feldman, que a principios de este año se presentó en el Auditorio del Malba. La película cuenta el romance entre un mecánico de humilde condición social (Emilio Alfaro) y una joven universitaria de familia acomodada (María Aurelia Bisutti), a partir del cual quedan expuestos algunos contrastes y conflictos sociales muy determinantes del rumbo político que tomará la Argentina en los años siguientes. La presencia local en Venecia se completa con la participación de Se queman de la misma forma, el nuevo proyecto de Clarisa Navas (El príncipe de Nanawa), uno de los títulos seleccionados en el Venice Gap-Financing Market. Allí, a través de reuniones con productores e inversores, los autores de esas películas (38 en total) buscan fondos internacionales para completar la producción. Antes de que concluya Venecia comenzará el Festival de Toronto (TiFF 2026, del 10 al 20 de septiembre), el más importante del año en su tipo para el hemisferio norte y toda una vidriera anticipatoria de la temporada alta de premios, que este año tendrá a nuestro compatriota Pablo Trapero como presidente del jurado oficial de Platform, la única sección competitiva de la muestra. El gran protagonista argentino de TIFF 2026 será el estreno mundial de Glaxo, la nueva película de Benjamín Naishtat (Puan, Rojo, Historia del miedo), que ya se vislumbra como el largometraje argentino de ficción de reciente factura que más interés empieza a generar en el exterior. Aparece programada en la sección Special Presentations, después de las galas la más importante de toda la muestra. Y poco después tendrá otro paso relevante dentro de la competencia oficial del muy prestigioso London Film Festival (del 7 al 18 de octubre), una de las grandes muestras cinematográficas del calendario europeo. Basada en una novela de Hernán Ronsino, Glaxo se anuncia como un cruce entre tragedias personales y conflictos colectivos en un agitado tramo histórico del siglo XX en nuestro país. La acción transcurre en 1957, en la ciudad bonaerense de Chivilcoy, cuando una traición hace estallar el vínculo entre un grupo de amigos íntimos y dispara, según los primeros anticipos, una trama cargada de intriga y suspenso. Lali Espósito, Esteban Lamothe, Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi y Alan Sabbagh encabezan el elenco. En la vasta programación de TIFF 2026 (casi 300 títulos) también aparecen el documental de Llinás sobre Jorge Luis Borges y La libertad doble, de Lisandro Alonso, que retoma 25 años después la temática y el personaje protagónico (el hachero Misael Saavedra) de su su consagratoria ópera prima, La libertad. Alonso volará de Toronto a la Gran Manzana para presentar La libertad doble en la sección principal del New York Film Festival (del 25 de septiembre al 12 de octubre). Allí también estará Llinás con su documental sobre Borges, seleccionado dentro de la sección Currents. Queda San Sebastián, el festival de cine internacional de mayor trascendencia para todo el mundo hispanoparlante. La atención que se le dedica al cine argentino desde la muestra del País Vasco es cada vez más amplia y diversificada, y este año, en el final de la gestión de su actual director, José Luis Rebordinos, se confirmó todavía más porque el afiche oficial de la muestra de este año (la número 74 en su historia, del 18 al 26 de septiembre) lleva la imagen de Ricardo Darín. Nueve años después de recibir allí el Premio Donostia a la trayectoria, Darín regresará a San Sebastián para acompañar el estreno mundial, fuera de competencia, de Lo dejamos acá, que protagoniza junto a Diego Peretti. Es el primer largometraje de Darín desde Argentina, 1985 (en el medio encabezó el elenco de la serie El Eternauta) y marca a la vez su regreso a España, donde disfruta desde hace años del reconocimiento unánime del público a través de sus películas y presentaciones teatrales. Lo dejamos acá es una producción de Netflix junto a Kenya Films (la productora de los Darín, Ricardo y Chino, en compañía de Federico Posternak), que tiene como protagonistas a un heterodoxo psicoanalista y a un escritor con bloqueo creativo que pone en tela de juicio los métodos del terapeuta. Dirigida por Hernán Goldfrid (Tesis sobre un homicidio) y escrita por Emanuel Diez, habitual colaborador de Juan José Campanella, la película llegará a la plataforma de streaming el 16 de octubre. Completan el elenco Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Patricia Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico. Con Darín como la presencia estelar del cine argentino en San Sebastián, la mayor expectativa de la pantalla local dentro de la muestra en cuanto a los títulos está puesta en Glaxo, que sumará a su paso por Toronto y Londres una participación clave en la muestra del País Vasco, porque formará parte de la competencia oficial de este año. También forma parte de la sección oficial competitiva de San Sebastián una versión reducida en formato de largometraje de Mis muertos tristes, coproducción argentino-chilena dirigida por el más relevante de los cineastas trasandinos actuales, Pablo Larrain. Está basada en el cuento del mismo nombre de Mariana Enríquez, una trama que incluye a una médica jubilada con poderes para ver a los muertos, varias muertes violentas en un rincón del conurbano bonaerense y la llegada de un personaje clave. Mercedes Morán y Dolores Fonzi son los protagonistas de esta historia que de forma completa (miniserie de cuatro episodios) se estrenará en Netflix el 24 de septiembre, en la víspera del anuncio de los ganadores del festival donostiarra. Además de Glaxo, Naishtat llegará a San Sebastián con un segundo título, en este caso dirigido (como ocurrió en el caso de Puan) junto a María Alché. Es el documental Pedro en el país, estreno mundial que inaugurará la sección Zabaltegi-Tabakalera, una investigación testimonial de la vida de Pedro Catella, hijo biológico de Alicia Eguren y adoptivo de John William Cooke, dos conocidos militantes políticos del peronismo revolucionario en los años 60, y su participación en distintos episodios revolucionarios a lo largo de América latina en la segunda mitad del siglo XX. En esa misma sección paralela de San Sebastián se verán las películas de Aparicio y Lamelas-Masllorens después de su paso por la sección Giornate degli Autori de Venecia. Y también fue seleccionado allí Cine vivo, un artefacto, la nueva creación de Albertina Carri (coproducida con Chile y España), que se propone a la vez como un cortometraje, un libro y una performance artística surgida de la mezcla entre distintas disciplinas. Otros títulos del cine argentino se sumarán en San Sebastián a la sección Horizontes Latinos: La ilusión de un verano sin fin y El tren fluvial. La primera, ganadora de un premio este año en Locarno, es la ópera prima de la laureada fotógrafa Alessandra Sanguinetti (nacida en Estados Unidos y criada en nuestro país), un documental que recorre la amistad y los sueños a lo largo del tiempo de dos vecinas de la propia realizadora, que registró por primera vez esas vivencias en 1999. El tren fluvial fue dirigida por Lorenzo Ferro (el actor revelación de El ángel) y Lucas Vignale, el promisorio realizador audiovisual de 28 años que falleció trágicamente en el choque entre dos helicópteros ocurrido en Brasil el 14 de junio pasado. Allí también murió el conocido youtuber Gaspi. La película, exhibida en el Festival de Berlín, cuenta la vida de un chico del interior que baila malambo y sueña con llegar a Buenos Aires después de un viaje en tren. También estará en Horizontes Latinos Viajes y placeres, de Mariano Luque, con Marcelo Subiotto como un presentador de TV en horas bajas que junto con una amiga (Eugenia Alonso) descubre indicios extraterrestres mientras graba un episodio de su programa. En el Foro de Coproducción Europa-América latina se presentarán distintas películas argentinas en desarrollo que buscan apoyo para completar su financiamiento y el acceso a mercados internacionales. Allí estarán las nuevas obras de Celina Murga (Los ensayos), Santiago Loza (Diario inconsciente), Ingrid Pokropek (Las ilusiones), Felipe Solari Yrigoyen (Los inexpertos) e Ignacio Acconcia González (Cara sucia). Y la sección Otras Actividades contará en su programación con sendas proyecciones de La verdadera historia de Ricardo III, la película, de Marcelo Piñeyro, y Cyrano en mi cabeza, de Maxi Gutiérrez, producciones audiovisuales del Complejo Teatral de Buenos Aires realizadas a partir de dos puestas teatrales de gran repercusión, protagonizadas por Joaquín Furriel y Gabriel Goity, respectivamente. Finalmente, con el padrinazgo de la Academia de Cine de la Argentina, cuatro cortometrajes argentinos formarán parte de una misma exhibición conjunta en una importante sala de la muestra: Tu cuerpo en mi habitación, de Axel Cheb Terrab; Las panteritas, de Alejandro Gallo Bermúdez; R12, de Facundo Aybar, y Compraventa, de Tomás Murphy.

Mirtha Legrand reveló cuánto cobró en su primera película y quién manejaba sus finanzas cuando era menor

El conflicto entre Tini y su padre, Alejandro Stoessel, fue uno de los temas que atravesó la mesa de La noche de Mirtha. La interna familiar quedó expuesta en las últimas semanas a raíz de las diferencias entre la cantante y su padre por el manejo de su patrimonio y de las sociedades vinculadas a su carrera. La situación derivó en una auditoría solicitada por Tini para conocer en detalle el estado de sus bienes y las decisiones tomadas durante los años en que Alejandro estuvo al frente de su carrera.Anoche, Mirtha compartió la velada con la actriz Marilú Marini, el actor Marcelo de Bellis, la periodista Guadalupe Vázquez, el cantautor y compositor Alejandro Lerner y el periodista Sebastián "Pampito" Perelló. Luego de conversar sobre el conflicto entre la cantante y su familia, el conductor de Puro Show decidió preguntarle a la gran diva de la televisión por su propia experiencia, ya que ella también comenzó a trabajar cuando era menor de edad.La pregunta llevó a Mirtha -cómo suele hacer últimamente- a volver a sus primeros pasos en el cine. En aquel momento todavía no se consideraba actriz y su acercamiento al mundo de la actuación estaba acompañado por su familia. Su debut cinematográfico llegó con Los martes, orquídeas, película estrenada en 1941, cuando tenía 14 años. "Yo estudiaba el libreto y no me daba cuenta. No pensaba que el director me iba a dirigir, por supuesto. Yo no era actriz en ese momento, quería ser actriz", recordó.Mirtha también explicó cómo era el ambiente de trabajo para las jóvenes que comenzaban en aquellos años y el papel que tenían sus madres. "Las actrices, que éramos casi todas muy jóvenes, íbamos con nuestras madres", contó. Cuando Pampito quiso saber si era su mamá quien manejaba su carrera, la respuesta fue contundente: "Sí, sí, sí, sí, sí". Y enseguida completó: "Era muy grato todo, muy familiar. Me sentí muy a gusto".La conversación derivó entonces hacia el aspecto económico de aquellos primeros trabajos. Pampito le preguntó si había tenido algún problema con la administración de sus ingresos y Mirtha sorprendió con una cifra que todavía conserva en la memoria: "En mi primera película gané 1000 pesos".El dato despertó la curiosidad del periodista, que quiso saber qué había hecho Mirtha con aquel dinero. La respuesta, fiel al estilo de la Chiqui, terminó provocando risas en la mesa: "No, no recuerdo. Y esas preguntas no tenés que hacerlas. No vienen al caso", reaccionó, contundente.Qué pasó entre Tini y Alejandro StoesselMartina "Tini" Stoessel puso punto final hace tres meses al vínculo profesional con su padre, Alejandro Stoessel, quien durante 15 años representó a la cantante, desde sus comienzos en Violetta, cuando tenía 14 años. Tras tomar esa decisión, la artista solicitó una auditoría para revisar el manejo de los ingresos generados por su carrera. Según los informes a los que accedió LA NACION, el productor figuraba como único beneficiario de esas ganancias, que alcanzarían los 70 millones de dólares.La investigación también habría detectado que Tini no tenía control sobre distintas sociedades vinculadas a su actividad profesional. Allí estarían incluidos ingresos provenientes de contratos discográficos, derechos de imagen y merchandising. De acuerdo con lo publicado, la cantante no figuraba como autorizada para realizar movimientos bancarios en esas compañías y recién pudo acceder a una cuenta propia en junio de 2026, después de la intervención de sus abogados.La familia mantiene un fuerte hermetismo sobre el tema. Hasta el momento, además, no existe una denuncia judicial por defraudación o administración fraudulenta.

Dónde ver Barreda, la película, en streaming: la opción para seguir la escalofriante historia del cuádruple homicida

La película de Barreda se estrenó el viernes 28 de agosto y se convirtió en una de las más comentadas del país. El film, que está disponible en Amazon Prime, cuenta el cuádruple femicidio cometido por Ricardo Barreda en 1992.La película, que dura 1 hora y 45 minutos, está dirigida por Daniela Goggi y protagonizada por Luis Machín. El elenco incluye a Carla Peterson, Mercedes Morán, Maite Lanata, Marcelo Subiotto, Paola Barrientos, Alberto Ajaka y Margarita Páez â??hija de Fito Páez y Romina Ricci, en su debut cinematográficoâ??.La intención de la producción, según explicaron sus responsables, es desplazar la mirada morbosa que rodeó al caso durante más de tres décadas y devolverles centralidad a las víctimas. Sin omitir al asesino, se busca revisar el relato que él mismo construyó.Durante décadas, argumenta Goggi, se les quitó peso a los asesinatos mientras la atención se concentraba en las supuestas humillaciones que Barreda decía haber sufrido.El el 15 de noviembre de 1992, con una escopeta Víctor Sarrasqueta calibre 16, el odontólogo asesinó a su esposa Gladys Marta Mac Donald, a sus dos hijas Cecilia y Adriana y a su suegra Elena Arreche en la casa en que convivían en La Plata. Tres años después y luego de un controversial juicio, fue condenado a cadena perpetua. En 2016 quedó en libertad y falleció el 25 de mayo de 2020, a los 83 años.Dónde ver Barreda, la película, en streaming: la opción para seguir la escalofriante historia del cuádruple homicidaLa película está disponible en Prime Video. Para verla es necesario:Entrar al sitio oficial de Prime Video con nombre de usuario y contraseña.En el buscador, escribir la serie o película que se desea ver. En este caso, hay que tipear Barreda y hacer click en play para ver el film.

Se estrenó Barreda, la película: qué actrices interpretan a las víctimas del cuádruple homicida

Uno de los crímenes más escalofriantes y mediáticos de la Argentina acaba de desembarcar en el streaming. Este viernes 28 de agosto se estrenó en Prime Video Barreda, una película sobre el cuádruple femicidio cometido por Ricardo Barreda el 15 de noviembre de 1992. Con una escopeta Víctor Sarrasqueta calibre 16, el odontólogo asesinó a su esposa Gladys Marta Mac Donald, a sus dos hijas Cecilia y Adriana y a su suegra Elena Arreche en la casa en que convivían en La Plata. Tres años después y luego de un controversial juicio, fue condenado a cadena perpetua, pero en 2016 quedó en libertad, falleciendo el 25 de mayo de 2020, a los 83 años.Una de las cosas más atractivas del film dirigido por Daniela Goggi (El rapto, El hilo rojo, Abzurdah) es que justamente propone un relato de los hechos con la mirada puesta en las víctimas, puesto que la historia real se construyó a partir de una sola versión. Y para eso, el elenco es clave. El personaje de Ricardo Alberto Barreda es interpretado por Luis Machín, mientras que los cuatro roles femeninos principales están a cargo de Carla Peterson, Mercedes Morán, Maite Lanata y Margarita Páez, la hija de Fito Páez y Romina Ricci, que hace su debut cinematográfico.Carla Peterson es Gladys Marta MacDonaldLa actriz se pone en la piel de Gladys Marta Mac Donald, la esposa de Barreda, que fue asesinada a los 57 años. "Para mí, además de buscar a mi personaje, lo más interesante fue construir el funcionamiento familiar y descubrir qué rol ocupaba cada uno dentro de esa casa. Supe, por ejemplo, que ella también era odontóloga, pero había quedado en otro plano para darle lugar a él", sostuvo Peterson en una entrevista con LA NACION. "Más allá de lo terrible del caso y de cómo nos impacta, creo que hicimos un gran trabajo. Tiene grandes hallazgos en la manera de narrar la vida dentro de esa casa y también el juicio. Estoy muy orgullosa. Es el tipo de cine que a mí me gusta ver", expresó. Mercedes Morán es Elena Arreche La intérprete de 70 años, que viene de presentar su libro Madre mía, es Elena Arreche, la suegra del odontólogo, que fue asesinada a los 86 años. Su figura tuvo un fuerte impacto en la mediatización del crimen, puesto que un importante sector de la sociedad catalogó a Barreda como un "ídolo" por haberse atrevido a asesinar a su suegra. Él justificó el crimen, argumentando que las mujeres de su casa lo maltrataban y le decían "conchita". Maite Lanata es Cecilia BarredaPasaron 15 años desde que Lanata sorprendió al público con su actuación de Alma en la telenovela El elegido. A partir de ese momento, su carrera se consolidó con títulos como 100 días para enamorarse, El jardín de bronce y En el barro. Ahora, a los 26 tiene la misma edad que tenía Cecilia Barreda, la hija mayor del matrimonio que acaba de recibirse de odontóloga, cuando su padre la asesinó.Margarita Páez es Adriana Barreda Heredó de sus padres, Fito Páez y Romina Ricci, el gusto por el arte y, tras su paso por distintas producciones teatrales, presenta su primera gran producción cinematográfica. La actriz de 22 años interpreta a Adriana Barreda, la joven abogada de 24 años que murió a manos de su padre.

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Barreda, la película que se estrenó el viernes 28 de agosto y está disponible en Amazon Prime, cuenta el cuádruple femicidio cometido por Ricardo Barreda en 1992.El film, que dura 1 hora y 45 minutos, está dirigida por Daniela Goggi y protagonizada por Luis Machín. El elenco incluye a Carla Peterson, Mercedes Morán, Maite Lanata, Marcelo Subiotto, Paola Barrientos, Alberto Ajaka y Margarita Páez â??hija de Fito Páez y Romina Ricci, en su debut cinematográficoâ??.La intención de la producción, según explicaron sus responsables, es desplazar la mirada morbosa que rodeó al caso durante más de tres décadas y devolverles centralidad a las víctimas. Sin omitir al asesino, se busca revisar el relato que él mismo construyó.Durante décadas, argumenta Goggi, se les quitó peso a los asesinatos mientras la atención se concentraba en las supuestas humillaciones que Barreda decía haber sufrido.El el 15 de noviembre de 1992, con una escopeta Víctor Sarrasqueta calibre 16, el odontólogo asesinó a su esposa Gladys Marta Mac Donald, a sus dos hijas Cecilia y Adriana y a su suegra Elena Arreche en la casa en que convivían en La Plata. Tres años después y luego de un controversial juicio, fue condenado a cadena perpetua. En 2016 quedó en libertad y falleció el 25 de mayo de 2020, a los 83 años.El reparto de Barreda, la película: uno por uno, todos los protagonistasRicardo Barreda: Luis MachínGladys McDonald, esposa de Barreda: Carla Peterson Elena Arreche, suegra de Barreda: Mercedes MoránCecilia Barreda, hija del asesino: Maite LanataAdriana Barreda, hija del asesino: Margarita PáezAbogado defensor de Barreda: Marcelo SubiottoPirucha, la vidente amiga de Barreda: Paola BarrientosFiscal Roitman: Alberto AjakaDónde ver Barreda, la película, en streaming: la opción para seguir la escalofriante historia del cuádruple homicidaLa película está disponible en Prime Video. Para verla es necesario:Entrar al sitio oficial de Prime Video con nombre de usuario y contraseña.En el buscador, escribir la serie o película que se desea ver. En este caso, hay que tipear Barreda y hacer click en play para ver el film.

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Se acerca el fin de semana y, entre los planes que la mayoría de las personas priorizan, se encuentra el de quedarse en casa viendo una serie o película. Ante tanto contenido, Netflix prepara todos los viernes el ranking del contenido más visto en Argentina para que decidir qué ver no se convierta en un dolor de cabeza.A continuación, te presentamos el top ten y el tráiler de las mejores producciones que podrás disfrutar en la plataforma streaming. Así que agarrá un lápiz y un papel para que no se te escape ninguna.Las cinco mejores películas para ver este fin de semana en Netflix1. Un recorrido por Grand Theft Auto VI (2026)Acción/Aventura. Comienza con la presentación de Jason y Lucía â??protagonistas de la historiaâ?? y se desarrolla mostrando varias de sus actividades y relaciones por la ciudad, capturado en PS5 con cámaras cinematográficas, intercalando segmentos de gameplay. Duración: 26 min. Ver Grand Theft Auto VI.2. La captura (2026)Acción/Suspenso. 2016, estado de Sinaloa. Dos policías mexicanos, durante un control rutinario en las últimas horas de su turno, detienen un coche robado y se encuentran cara a cara con uno de los delincuentes más peligrosos del mundo: el Chapo Guzmán, patrón del temible Cártel de Sinaloa. Duración: 1 h 32 min. Ver La captura.3. En la tormenta (2021)Acción/Suspenso. Un tornado amenaza con devastar una pequeña ciudad, donde los residentes solo cuentan con 13 minutos para encontrar refugio, buscar a sus seres queridos y luchar por sus vidas. Duración: 1 h 48 min. Ver En la tormenta.4. Shrek (2001)Animación/Comedia. Hace mucho tiempo, en una lejanísima ciénaga, vivía un feroz ogro llamado Shrek. De repente, un día, su soledad se ve interrumpida por una invasión de sorprendentes personajes. Hay ratoncitos ciegos en su comida, un enorme y malísimo lobo en su cama, tres cerditos sin hogar y otros seres que han sido deportados de su tierra por el malvado Lord Farquaad. Para salvar su territorio, Shrek hace un pacto con Farquaad y emprende viaje para conseguir que la bella princesa Fiona acceda a ser la novia del Lord. En tan importante misión le acompaña un divertido burro, dispuesto a hacer cualquier cosa por Shrek: todo, menos guardar silencio. Duración: 1 h 30 min. Ver Shrek.5. Back to Black (2024)Musical/Documental. Inspirada por la complicada relación sentimental que mantiene con Blake Fielder-Civil, la cantante Amy Winehouse compone el álbum "Back to Black". Duración: 2 h 2 min. Ver Back to Black.Las cinco mejores series para ver este fin de semana en Netflix 1. Moria (2026)Biográfico/Drama. Distintas etapas de la vida â??pasado, presente e incluso futuroâ?? de la legendaria vedette argentina Moria Casán, en donde se muestra cómo se construyó su figura como ícono cultural. Duración: ocho episodios. Ver Moria.2. Sacrificio de sangre (2026)Suspenso/Drama. Es verano en Estocolmo, cuando la oscuridad nunca llega a instalarse del todo. Se recibe una llamada al 911 en la que se denuncia un allanamiento de morada. Se envía a dos agentes de policía a la dirección indicada, una casa de verano situada en el archipiélago. Pero al llegar, se encuentran con que no hay nadie allí, al menos a simple vista. Al día siguiente se hallan los cadáveres de los agentes: un crimen brutal. Es el comienzo de una serie de aterradores asesinatos, todos ellos aparentemente dirigidos contra agentes de policía. El detective encargado del caso tiene que pedir ayuda a su padre, un detective jubilado, para resolver el caso. Duración: cinco episodios. Ver Sacrificio de sangre.3. Beauty in Black, temporada 3 (2026)Drama. Se centra en la lucha por el control del imperio cosmético de los Bellarie, mientras Kimmie se adentra más que nunca en la familia y forma una alianza inesperada con Mallory en medio de una sangrienta disputa interna. Duración: ocho episodios. Ver Beauty in Black temporada 3.4. La muerte de la esposa del pastor (2026)Documental/True crime. Cuando el 27 de abril de 2024 se halló el cadáver de Mica Miller en un parque estatal de Carolina del Norte, su muerte se calificó de inmediato como suicidio. Sin embargo, el caso atrajo la atención de todo el país tras salir a la luz pruebas de que Mica, esposa de John-Paul Miller, el pastor de la iglesia de su familia en Myrtle Beach (Carolina del Sur), había afirmado ser víctima de un caso de acoso, por lo que incluso llegó a decir a los agentes de policía que 'temía por su vida' un mes antes de su muerte. Duración: tres episodios. Ver La muerte de la esposa del pastor.5. Outer Banks, temporada 5 (2026)Suspenso/Drama. Sin dinero y lejos de casa, John B, Sarah, Kiara, Pope y Cleo buscan venganza y persiguen a Chandler Groff por la Corona Azul, formando una frágil alianza con Rafe para sobrevivir. Duración: diez episodios. Ver Outer Banks, temporada 5.

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El director de Atracción fatal reveló el secreto mejor guardado de la película: "Tan rápido que ni se ve"

Casi cuatro décadas después de haber incomodado, fascinado y dividido a la audiencia con su thriller erótico más recordado, el director Adrian Lyne todavía tiene anécdotas de rodaje para sorprender. La más reciente involucra a Michael Douglas, una bacha de cocina y un fotograma que sobrevivió al montaje final sin que casi nadie lo notara. Lyne, de 85 años, habló sobre Atracción fatal durante una proyección de otro de sus clásicos, Infidelidad, y terminó revelando un detalle que hasta ahora había quedado en la intimidad del set: hay un solo cuadro, uno solo, en el que se ven los genitales de Douglas. La escena en cuestión es la del primer encuentro sexual entre Dan Gallagher y Alex Forrest, el personaje que consagró a Glenn Close como una de las villanas más temidas del cine de los 80.Estrenada en 1987 y basada en un guion de James Dearden, Atracción fatal narra el romance de fin de semana entre un abogado neoyorquino felizmente casado y una editora que, despechada, decide no dejarlo ir. La película fue un fenómeno de taquilla â??recaudó más de 320 millones de dólares en todo el mundoâ?? y también un fenómeno cultural: instaló en el imaginario colectivo el término "hirvió el conejo" y reabrió, en plena era del sida, el debate sobre el castigo narrativo al deseo femenino.Pero antes de convertirse en manifiesto cultural, la película tuvo que resolver un problema mucho más terrenal: cómo filmar una escena de sexo sin caer en el golpe fácil de la cama. Lyne fue claro sobre su método: "Intento evitar la cama porque es un poco aburrida". La alternativa fue la cocina del departamento de Alex, con Douglas y Close apoyados contra la pileta.El director reconstruyó, con el detalle de quien todavía disfruta contar la escena, cómo fue sumando elementos hasta darle al momento su textura particular: "Estaba encima de la bacha de la mesada, y lo bueno es que pensás: 'Bueno, habrá vajilla o platos ahí dentro, y chocarán entre sí, ¿sabés?, y eso es gracioso, potencialmente gracioso. Y podría haber agua, también'. Es bonito cómo vas añadiendo más y más detalles para que ella pudiera meter la mano [en el agua] y salpicarla sobre sus pechos".Para Lyne, ese tipo de detalles cumplen una función muy concreta: bajarle la tensión a una escena que, de otro modo, corre el riesgo de incomodar antes que seducir. El director sostiene que el humor le permite al espectador soportar mejor la exposición de los cuerpos en pantalla, algo que explica buena parte de las decisiones de puesta en escena que tomó a lo largo de su carrera, de 9 semanas y 1/2 a Infidelidad.Si en la memoria colectiva la escena de la cocina quedó asociada casi exclusivamente a Close â??a su ferocidad, a la ambigüedad de su deseoâ??, Lyne quiso reivindicar también el trabajo de Douglas, que según el director aportó algo que el guion no pedía explícitamente: comedia física."Michael tiene un sentido del humor encantador", dijo Lyne. "Es muy bueno con la comedia, y cuando intentaba quitarse los pantalones al final, y no podía, y ella se reía un poco. Y antes de rodar la escena, me dijo: '¿Estás seguro de que querés grabarla así?'"La pregunta de Douglas no era un capricho de actor incómodo, sino una advertencia bastante literal sobre lo que iba a suceder frente a cámara. El actor, que entonces tenía 42 años y venía de consolidarse como estrella con Tras la esmeralda perdida y Wall Street â??esta última le valió el Oscar ese mismo 1987â??, resolvió la torpeza de Gallagher al desvestirse sin la ayuda de un detalle de vestuario que hoy parece impensado en un set: no llevaba ropa interior.La consecuencia de esa decisión quedó registrada, literalmente, en la película que millones de espectadores vieron en cines y después en VHS durante años. "Solo hay un fotograma, uno solo, de sus testículos", explicó Lyne, y aclaró que la producción decidió conservarlo en el corte final en lugar de eliminarlo en la sala de edición: "Lo dejamos. Es tan rápido que ni se ve", aseguró.El dato, que Lyne compartió públicamente funciona casi como una curiosidad de culto: una prueba más de que la película, pensada por un director obsesionado con el detalle, guarda todavía secretos que ni el ojo más entrenado logra captar a velocidad normal.La revelación de Lyne llega apenas unos meses después de que su film volviera a estar en el centro de la escena por otro motivo. En 2025, Close se reencontró con sus compañeros de elenco de Todo vale, la serie de Ryan Murphy, para organizar una proyección especial de la película en la casa de la madre de Kim Kardashian, Kris Jenner, después de que la propia Kardashian confesara que nunca la había visto.Consultada por la revista People sobre esa experiencia, Close admitió que hacía "muchísimo tiempo" que no volvía a ver su trabajo más recordado. Lo que encontró la sorprendió: "Me quedé asombrada. Fue maravilloso darme cuenta de que la película se mantiene increíblemente bien. De hecho, creo que ha habido casi un cambio cultural completo desde que se estrenó. Fue una noche muy especial".

Así se filmó Barreda: del escalofriante sueño de Luis Machín al mito que la película busca desarmar

MONTEVIDEO.- Detrás de una fachada de aparente normalidad, el equipo del film Barreda reconstruyó la casa en la que vivió una familia de clase media sumergida puertas adentro en un espiral de violencia. En el set montado en Montevideo, Uruguay, predominan el silencio, la concentración y un respeto que se percibe tanto en los movimientos precisos de los técnicos como en el trabajo minucioso de los actores. La ambientación está cuidada al detalle, cada objeto, cada rincón, cada textura. La atmósfera es sofocante, pero también reconocible, con esa tranquilidad que da un ambiente cotidiano aunque por debajo esté agazapada una amenaza.No es un rodaje más. Todos parecen conscientes de que el guion se sostiene sobre una historia real y de que detrás de un nombre convertido en noticia existieron cuatro mujeres cuyos relatos nunca pudieron escucharse. Gladys McDonald; su madre, Elena Arreche, y sus hijas, Adriana y Cecilia Barreda, fueron víctimas dos veces: primero, del hombre que las asesinó; y después, de una cultura mediática y social que redujo el cuádruple crimen a una sucesión de chistes y tomó como cierta la versión del victimario.La noticiaEl 15 de noviembre de 1992, Ricardo Barreda, un odontólogo de La Plata, tomó una escopeta y mató a su esposa, su suegra y sus dos hijas en el interior de la casa familiar. Luego intentó instalar la hipótesis de un robo. Cuando finalmente confesó los asesinatos, dijo que las mujeres lo maltrataban y que lo llamaban "conchita". Esa explicación se impuso en buena parte de la cobertura mediática de la época, aunque provenía del único integrante de la familia que había sobrevivido: el propio asesino.A partir de entonces, Barreda se convirtió en un símbolo de doble cara: para algunos, su nombre representó la violencia machista y la necesidad de reclamar justicia por las víctimas; mientras que para otros, adquirió la categoría de "ídolo" por haberse atrevido a "matar a su suegra". Hubo canciones, bromas y una identificación inquietante con aquel hombre de clase media, universitario, "buen vecino" y aparentemente inofensivo. La familiaridad de su apariencia pareció volverlo comprensible para un sector de la sociedad.Carla Peterson: "Creo que las mujeres le tenían mucho miedo a Barreda"La película dirigida por Daniela Goggi se propone revisar esa construcción. Protagonizada por Luis Machín y con un elenco que incluye a Carla Peterson, Mercedes Morán, Maite Lanata, Marcelo Subiotto, Paola Barrientos, Alberto Ajaka y Margarita Páez â??hija de Fito Páez y Romina Ricci, en su debut cinematográficoâ??, llegará el 28 de agosto a Prime Video, con estreno simultáneo en más de 240 países y territorios.La intención, según explicaron sus responsables, es desplazar la mirada morbosa que rodeó al caso durante más de tres décadas y devolverles centralidad a las víctimas. No se trata de omitir al asesino, sino de revisar el relato que él mismo construyó y que encontró una sociedad dispuesta a escucharlo.La oscuridad del personajeMachín se sumergió en grabaciones públicas, documentos del juicio y distintos registros de Barreda. No buscó reproducirlo de manera mecánica. "Mi observación sobre él fue bastante minuciosa. No con el intento de repetirlo exactamente ni de copiarlo, pero sí de rescatar esa oscuridad y esa psicología tan escabrosa", explicó el actor durante una entrevista con LA NACION.La convivencia con el personaje, admite, no terminó el último día de filmación. Después del rodaje soñó dos veces con Barreda. En el primero de esos sueños, el femicida lo guiaba por una casa que no era la verdadera ni la reconstruida para la película, sino otra creada por su inconsciente. "Me mostraba los lugares donde había matado a cada una. Cuando salía, lo estaba esperando el patrullero. Él se subía y me saludaba", recuerda.Luis Machín: "Soñé a Barreda"El segundo sueño llegó poco antes del estreno: Machín se encontraba junto a Barreda en una especie de exhibición y lo presentaba ante un grupo de personas. En un momento, el actor tomaba una escopeta similar a la utilizada en los asesinatos y le disparaba. "Me desperté transpirado y con la respiración entrecortada, como cuando uno grababa esas escenas. Pensé que, antes del estreno, tenía que terminar este pacto demoníaco", cuenta. Para él, aquella imagen funcionó como un cierre: "Es evidente que mi cabeza finalmente se desprendió".La experiencia también lo llevó a preguntarse por qué una parte de la sociedad pudo empatizar con un hombre que asesinó a cuatro mujeres. "Lo paradigmático del caso es la cantidad de gente que estuvo a favor de Barreda. Eso es lo llamativo y lo lamentable", sostiene.Según el actor, regresar hoy sobre aquel crimen permite discutir la identidad de los supuestos "héroes románticos" construidos por la cultura popular y poner el acento en quienes ya no tienen voz. "Los asesinos deben ocupar el lugar del repudio y de la condena", afirma.Pero el imaginario creado alrededor de Barreda no desapareció. Machín lo comprobó en conversaciones cotidianas. Una joven, al enterarse de que estaba trabajando en la película, reaccionó con una frase que lo desconcertó: "Barreda, pobre tipo". Él la corrigió: "Pobre su familia". Incluso entre hombres progresistas, dice, persisten expresiones que relativizan lo sucedido: "También, pobre, mirá cómo lo trataban, le decían conchita". Esa reacción muestra hasta qué punto la versión del asesino continúa flotando en el sentido común."Creemos que cambiamos mucho más de lo que realmente cambiamos", advierte Machín. "Se consiguió instalar una discusión sobre comportamientos que hace treinta años no existía, pero los números de los femicidios siguen creciendo. Queda un camino larguísimo".Una matanza rápida y quirúrgicaLa filmación del cuádruple crimen fue uno de los momentos más difíciles del rodaje. Goggi decidió no convertir la secuencia en una exhibición del sufrimiento de las víctimas ni recrearse en sus cuerpos. La cámara permanece sobre el asesino y lo obliga a cargar con la acción."La secuencia de la matanza era completamente incómoda de grabar", admite la directora. "Cuando empezás a pensar qué pasó, cómo ese tipo atraviesa el living, sube la escalera y en un minuto y medio mata a cuatro personas, es perturbador".La rapidez fue una decisión narrativa: "Queríamos que esa incomodidad fuera muy rápida y muy quirúrgica. Al único que se ve durante la matanza es al personaje de Barreda disparando; se ve al asesino, no a las víctimas".Durante décadas, argumenta Goggi, se les quitó peso a los asesinatos mientras la atención se concentraba en las supuestas humillaciones que Barreda decía haber sufrido. La puesta en escena busca invertir ese mecanismo: "Para nosotros era importante devolverles ese peso a los crímenes y ver al asesino ejecutando esas muertes".La perspectiva de género también atravesó la construcción cotidiana del personaje. Goggi y Machín trabajaron sobre gestos aparentemente pequeños que revelaban su desprecio no solo hacia las mujeres de su familia, sino hacia las mujeres en general."Cada vez que hablaba la abogada joven, había una marca para que Luis la mirara como diciendo: '¿Por qué habla esta pelotuda?'. En cambio, si hablaba el abogado defensor, él escuchaba. Si la abogada comentaba algo, le quitaba la mirada y la atención", explica Goggi.Esos micromachismos no aparecen como detalles ornamentales, sino como señales de una estructura de pensamiento. "No dejé nada atrás en mi rol de mujer", dice la directora. "Pensar la ideología machista también es una forma de reivindicar lo que nos cuesta a las mujeres ocupar lugares de poder y tomar decisiones".La construcción del "pobre hombre"Marcelo Subiotto interpreta al abogado defensor. El actor no buscó imitar al letrado real ni mantuvo encuentros con él. Su objetivo fue representar al hombre capaz de darle seriedad jurídica a la narrativa que presentaba al acusado como alguien llevado al límite por una familia que lo maltrataba. "El abogado tenía que construir para el espectador común la idea de que Barreda era un caso para observar, una persona a la que podía haberle pasado algo, un 'pobre tipo' al que una situación había llevado a la tragedia", explica.Por supuesto, aclara, todo acusado tiene derecho constitucional a una defensa. Pero su personaje incorpora una motivación adicional: el deseo de aprovechar la repercusión del caso para construir una carrera mediática."Es un tipo muy interesado en convertirse en un abogado conocido. El caso le viene como anillo al dedo. Piensa: 'A ver si para el próximo caso mediático me llaman a mí'", señala Subiotto.El abogado no es solamente el encargado de defender a Barreda ante la Justicia: también funciona como arquitecto de un discurso capaz de convertir al asesino en representante de otros hombres que fantaseaban con rebelarse contra las mujeres de sus familias.Aquella narrativa solo puede comprenderse dentro del contexto de los años noventa. No existía la figura penal del femicidio y los asesinatos de mujeres solían ser presentados como "crímenes pasionales". La televisión transformaba casos policiales en espectáculos y sus protagonistas podían adquirir una categoría cercana a la fama."Barreda podía ser una tragedia que leías en el diario y que terminaba convertida en un chiste sobre la suegra", resume Subiotto.Al recibir el guion, el actor descubrió hasta qué punto aquella versión había permanecido también en su propia memoria. "Cuando vi el uso de 'conchita', pensé: 'Ah, pero ¿no le decían así?'. Y no: eso era lo que decía él. Incluso quienes tenemos herramientas para revisar el caso podemos seguir funcionando con ese chip".El mecanismo resulta revelador: la palabra del asesino sobrevivió y se repitió durante años, mientras las cuatro mujeres a las que acusaba ya no podían contradecirlo.La película lleva el apellido del victimario, una decisión que puede generar interrogantes. Para el actor, el propósito es apropiarse de ese nombre ya instalado en el imaginario colectivo y obligar a observarlo desde otra perspectiva. "En el caso de Barreda, las víctimas desaparecen. La película busca que, cuando lo nombremos, lo veamos con otra lente".Dentro de la casa reconstruida en Montevideo, esa intención atraviesa cada jornada. El clima sofocante, la precisión de los movimientos y los silencios revelan las señales de una violencia que estaba a punto de estallar.Más de treinta años después del cuádruple femicidio, la película vuelve sobre el crimen no para descifrar al asesino, sino para revisar a la sociedad que decidió creerle, convertirlo en personaje y reírse con él.

Ricardo Darín: el regreso de El Eternauta, la controversial película que estrena y su deseo para la producción nacional

En buena medida, el año 2025 estuvo atravesado por la enorme repercusión que tuvo El Eternauta. La ambiciosa adaptación de Netflix basada en la historieta homónima de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López, que tuvo a Ricardo Darín como protagonista, fue un verdadero sismo que captó la atención del público argentino y mundial. En una entrevista con el ciclo radial Cine y series 1079, el actor se refirió a la esperada segunda temporada, reflexionó acerca del estado de la producción audiovisual nacional y adelantó qué puede esperar el público de su próxima película, Lo dejamos acá. "Te puedo contar que en este momento se está trabajando a brazo partido, no solo con la escritura sino con la pincelada final, y que los guiones queden listos como para ir a rodaje. Y te puedo decir que una de las premisas más interesantes que noto en el equipo de guionistas y en la producción es que la expectativa que generó la primera temporada de El Eternauta, moralmente nos obliga a que como mínimo tenga la misma calidad. Y eso no es fácil", aseguró Darín acerca del trabajo detrás de los nuevos episodios de la serie.ð??¨ NOVEDADES SOBRE EL ETERNAUTA 2Ricardo Darín anticipó que la espera "va a valer la pena" y reflexionó sobre el éxito absoluto que la serie generó en los más chicos.ð??¿ #CineYSeries1079 con Martín Fernández Cruz ð??? Seguilo en vivo https://t.co/WOipG1kKMw https://t.co/qLlVXKn6cc pic.twitter.com/5NFIP3lgoJ— El Observador 107.9 (@Observador1079) August 28, 2026Ante la pregunta de si 2027 podría ser el año del estreno de la segunda temporada, el actor respondió: "No sé... En proyectos como El Eternauta, que dependen tanto de la posproducción, de los efectos especiales y de tantas otras cosas que ocurren después del rodaje, todo depende en gran medida de eso. Vos calculá que en efectos especiales estuvimos cerca de un año después del fin del rodaje, y son cosas que el espectador tiene que saber porque no son fáciles, sobre todo cuando tenés en la cabeza del equipo a un tipo como Bruno Stagnaro, que no está dispuesto a resignar nada en calidad, ni en ninguno de los aspectos que componen a un proyecto de semejante envergadura". "Lo que ha ocurrido con los chicos con El Eternauta es algo que a mí no deja de asombrarme", destacó. "Vos calculá que por una cuestión de edad, hasta El Eternauta yo caminaba por la calle y los adultos me conocen, pero no podías esperar que los chicos me reconocieran, porque de golpe alguien me paraba por la calle y si estaba con una criatura, le tenía que explicar quién era yo" dijo Darín. "Eso dejó de ocurrir y yo no lo puedo creer. Esto tiene que ver con que a los chicos les gustan mucho las historias heroicas; es impresionante, me llena de orgullo y satisfacción porque no fue buscado, pero sí fue encontrado". ð??£ï¸? "ESPEREMOS QUE EN ALGÚN MOMENTO PODAMOS HACER PELÍCULAS CON LA NUESTRA"Ricardo Darín destacó el apoyo de las plataformas de streaming en producciones locales.ð??¿ #CineYSeries1079 con Martín Fernández Cruz ð??? Seguilo en vivo https://t.co/WOipG1kKMw https://t.co/Ir6LBveRms pic.twitter.com/i9O7Nxocg4— El Observador 107.9 (@Observador1079) August 28, 2026Sin despegarse de El Eternauta, el actor también detalló el rol de Netflix en la ecuación, y lanzó una crítica sobre el estado actual de la producción audiovisual en la Argentina: "El Eternauta se produjo gracias a la intervención de una productora como K&S y a una plataforma como Netflix. Gran parte de las realizaciones cinematográficas y audiovisuales se debe a la aparición de las plataformas; sino estaríamos en el horno, todos lo sabemos. Esperemos que en algún momento podamos volver a la vieja usanza de poder soñar con hacer películas, como dicen los haters, 'con la nuestra' y no tener que depender de otros. Pero por el momento estamos, creo yo, saliendo adelante con bastante hidalguía".Durante la entrevista emitida en la radio El Observador 1079, Darín habló sobre el film Lo dejamos acá, que se estrenará en Netflix el 16 de octubre. "Fue un gran placer volver a trabajar con Diego (Peretti), que es un tipo al que quiero mucho, es un gran compañero. Tuvimos la posibilidad de hacerlo hace mucho tiempo, y fue una experiencia espectacular, él es un animal de trabajo (â?¦). Este proyecto nació con la idea de juntarnos Diego y yo, nos gustaba esta historia que es rara y creo que es divertida. Pero no es solamente divertida, también ayuda a reflexionar, a pensar y a esas cosas que todos pretendemos que tenga una buena historia. Y va a ser controversial, no es de fácil digestión". En uno de los últimos tramos de la charla, el actor reflexionó sobre la recordada entrevista que tuvo con Alejandro Fantino, en la que reveló haber rechazado un papel en Hollywood debido a la fuerte estereotipación de los latinos en las producciones estadounidenses. "Yo creo que estamos permanente en movimiento, se aprende y se corrige. Lo que pasa es que mezclar una actividad como la cinematográfica con el pulso que se demuestra en idiosincrasias como la norteamericana, es cometer un error, porque hay de todo", destacó Darín. "A la luz de lo que vemos y de la persecución inmigratoria que hay en los Estados Unidos, yo diría que no ha cambiado nada, sino que por el contrario, se ha entorpecido. Pero en el cine afortunadamente existe la posibilidad de mejorar, reacondicionar esas cosas, y yo creo que sí, que hay cambios en ese sentido. No está tan cliché en este momento la participación de actores y actrices latinoamericanas. Yo sentí eso en un momento determinado, me llamó la atención y me generaba cierto rechazo, pero creo que esas cosas es probable que hayan cambiado un poco,".

Robo a mano armada, persecución, choque con patrulleros y vuelco: el raid de película que acabó con cuatro delincuentes detenidos

Tres hombres y un menor asaltaron un mini market y robaron una camioneta para escapar en la localidad de Funes, en Santa Fe. Tras una persecución policial de más de 13 kilómetros, terminaron volcados en Rosario, tras impactar contra dos patrulleros. Uno de los detenidos, con frondoso prontuario policial.

Zona Cero: la nueva película del director de Train to Busan, ya tiene fecha de estreno en México

Zona Cero, la nueva película de Yeon Sang-ho, director de Train to Busan, llega a los cines de México

'El Poder de la Red': sale a luz el primer tráiler de la esperada película sobre la investigación que llevó a Mark Zuckerberg a juicio

La nueva película de Aaron Sorkin aborda el caso de Frances Haugen y los documentos internos que pusieron a Facebook bajo la lupa

Frank Rodríguez asegura que la muerte de 'El Mencho' hundió el estreno de su película "Tomorrow" en taquilla

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Los proyectos que Dolly Parton dejó en marcha antes de morir: una película biográfica, series, caricaturas y más

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Netflix: todos los estrenos de películas y series en septiembre de 2026

Fito Páez, Ricardo Darín y Diego Peretti protagonizan algunos de los lanzamientos argentinos más destacados del mes.El calendario también suma nuevas series, películas internacionales, anime y producciones con episodios semanales.

De qué trata Lo dejamos acá, la película que reúne a Ricardo Darín y Diego Peretti y llega a Netflix

Ricardo Darín y Diego Peretti vuelven a trabajar juntos en Lo dejamos acá, la nueva película argentina que llegará a Netflix. El largometraje está dirigido por Hernán Goldfrid y tendrá su estreno mundial en la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, antes de desembarcar en la plataforma de streaming el próximo 16 de octubre.Para Darín, el proyecto marca su regreso a la pantalla grande después de Argentina, 1985 y del alcance internacional que tuvo El Eternauta. Además de protagonizar la película, el actor participa como productor junto a su hijo, Chino Darín, y Federico Posternak, a través de Kenya Films.De qué trata Lo dejamos acáLa historia gira en torno a un psicoanalista interpretado por Ricardo Darín, cuya relación con su profesión comienza a cambiar después de atravesar una crisis de confianza en los métodos que utilizó durante años. En ese contexto, decide explorar nuevas maneras de abordar a sus pacientes y comienza a acercarse a los límites de lo permitido dentro de su práctica.La situación toma un nuevo rumbo cuando aparece en su consultorio un escritor interpretado por Diego Peretti. El hombre atraviesa un bloqueo creativo que le impide encontrar nuevas ideas y desarrollar su trabajo. El encuentro entre ambos genera una relación que excede el vínculo habitual entre profesional y paciente y termina modificando la manera en que el psicoanalista observa su propia profesión.A medida que avanza la historia, los problemas del escritor funcionan como un disparador para que el personaje de Darín revise sus propios métodos y se cuestione las certezas que tenía sobre el ejercicio del psicoanálisis. Así, la película combina el vínculo entre los dos protagonistas con una mirada sobre los límites profesionales y las transformaciones personales que surgen a partir de ese encuentro.Un proyecto que ya da que hablarLo dejamos acá cuenta con la dirección de Hernán Goldfrid, responsable de películas como Tesis sobre un homicidio y Música en espera. El guion fue escrito por Emanuel Díez, quien también participó en producciones como El encargado, Nada y Coppola, el representante. Además, la película es una producción de Kenya Films, la compañía audiovisual fundada por Ricardo Darín, Chino Darín y Federico Posternak. Sin lugar a dudas, el regreso de Darín y Peretti a una historia compartida, sumado al recorrido de sus realizadores y al estreno internacional en San Sebastián, convierte a Lo dejamos acá en una de las próximas producciones argentinas que buscarán captar la atención del público local e internacional.

Ridley Scott sobre sus 5 décadas en el cine: "Nunca quiero repetirme y todas mis películas dieron en el blanco"

A los 88 años y a punto de recibir un Oscar honorífico, el director británico habló sobre su filosofía creativa, su amistad con Tarantino y sus próximos proyectos en una entrevista con The Sunday Times

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El Festival La Mujer y el Cine comienza su 38° edición con el estreno argentino de Dance Around the Self, de Sabine Lidl, sobre la escritora y su vínculo con Paul Auster, y Two People Exchanging Saliva, ganador del Oscar 2026. La programación, que incluye homenajes, pioneras de la animación y nuevas voces, se extiende hasta el domingo con entrada gratuita en cinco salas de la Ciudad.

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A los 91 años. Ya tiene fecha y lugar confirmados el comienzo de rodaje de la nueva película de Woody Allen

Woody Allen pasó los últimos tres años especulando sobre la posibilidad de alejarse definitivamente del cine, pero nunca dejó todas las puertas cerradas a algún posible regreso. Cerca de cumplir 91 años (nació el 30 de noviembre de 1935), parecen ser más fuertes en su caso las ganas de seguir activo. En su entorno se afirma que está trabajando en una segunda novela y una nueva obra de teatro. Ese mismo impulso creativo le puso un punto final en las últimas horas a todos los trascendidos sobre su retiro del cine. En España y en Hollywood ya se da por seguro que el 5 de octubre Allen comenzará el rodaje de su largometraje número 51. Será en Madrid, gracias al generoso respaldo de las autoridades locales que desde hace algo más de un año tomaron la decisión política de recurrir al pequeño gran genio neoyorquino para mostrar al mundo a través de la pantalla las bondades de la capital española. Para hacer realidad este nuevo proyecto, Allen se sacó de encima el principal obstáculo que aparecía en su camino cada vez que quería hacer una nueva película: cómo hacer para financiarla. Esa búsqueda fue definida en su momento por el propio artista como "un dolor en el pescuezo". En el pasado todo eso se resolvía rápido. Alcanzaba con su prestigio, la respuesta de su público más fiel (ese apoyo fue incondicional en países como Francia y la Argentina) y las ganas que tenían todos los actores del mundo de trabajar con él. Todo eso se mantuvo hasta que en los últimos años la figura de Allen quedó bajo las sombras cada vez más oscuras de la llamada "cultura de la cancelación", sobre todo desde que Dylan Farrow, hija adoptiva de Allen y Mia Farrow, acusó al director de haberla agredido sexualmente cuando ella tenía siete años. No alcanzaron ni las recurrentes desmentidas del propio Allen ni el respaldo de varios de los intérpretes que participaron de sus films. El impacto de las denuncias, que elevó su temperatura durante el auge del movimiento #MeToo, fue mucho más fuerte. Otros actores lo repudiaron, los contratos se cayeron y Allen se convirtió en una especie de activo tóxico. La última película de Allen, apoyada por capitales franceses, fue Golpe de suerte en París. Se estrenó en septiembre de 2023 en el Festival de Venecia y casi un año después, el 14 de noviembre de 2024, en los cines argentinos. Ahora, para su película 51, el apoyo económico proviene directamente de la Comunidad Autónoma y el Ayuntamiento de Madrid con la condición, que Allen parece dispuesto a aceptar sin problemas, de incluir el nombre de la ciudad en el título definitivo. Del nombre de la película todavía no hay precisiones y lo mismo pasa con la trama y el elenco, como es costumbre en Allen. Mientras tanto empezaron a trascender los números finales que sostendrán el proyecto, que costaría unos 12 millones de dólares. Cerca de Allen se repitió mucho en los últimos tiempos que una película suya cuesta alrededor de 15 millones de dólares. Según reveló Variety en las últimas horas, unos 3 millones y medio de dólares llegarán a la producción directamente como subvenciones del gobierno autónomo y municipal de Madrid. A esa cifra pueden sumarse otros dos millones y medio en concepto de créditos fiscales, otro millón aportado por el equivalente español de nuestro INCAA (el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, Icaa) y un millón más como anticipo de la compra anticipada de los derechos para la exhibición en VOD. El resto del total estimado para financiar la película surgiría de lo recaudado por la venta internacional en distintos territorios. Lo que también trascendió en las últimas horas, toda una rareza para proyectos de este tipo es la lista de condiciones virtualmente obligatorias que la Comunidad y el Ayuntamiento de Madrid le impusieron a Allen: la inclusión de la palabra "Madrid" en el título definitivo del film (algo que Allen toda la vida decidió después del proceso de edición y podría implicar una renuncia a su eterna libertad creativa), el estreno mundial en un festival internacional de los más importantes y, lo más importante para la política madrileña, que al menos el 15% de las escenas transcurran en exteriores de la capital española, "lo que permitirá reconocer fácilmente la ciudad y mostrar sus facetas culturales, arquitectónicas e históricas", según dijo oficialmente el Ayuntamiento de Madrid en diciembre de 2025. Variety aportó otros números significativos en las últimas horas. Citó estimaciones del propio Ayuntamiento de Madrid según las cuales el 79% de la inversión total de la película se gastará en la ciudad, generando 1196 empleos directos y 2293 indirectos. Ese respaldo público duplica lo que el gobierno autónomo de Cataluña y el Ayuntamiento de Barcelona aportaron en 2008 para que Allen filmara en esa ciudad Vicky Cristina Barcelona. Desde que se conoció el proyecto se habla de que Javier Bardem y Penélope Cruz, dos de los protagonistas de Vicky Cristina Barcelona, podrían reencontrarse con Allen en su próximo rodaje madrileño, pero quienes están al tanto del proyecto dicen que falta todavía mucho para confirmar el elenco. Queda algo más de un mes de definiciones antes del comienzo oficial del rodaje.

'Avengers Endgame: Bonus': todo sobre el relanzamiento de la película con minutos extra, adelantos exclusivos y más

La película regresará a los cines el 24 de septiembre con cinco minutos de material adicional

Un exactriz infantil denunció que fue abusada repetidamente en el rodaje de una película de Disney Channel

La demanda fue presentada en el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles. Los hechos habrían sucedido hace aproximadamente 25 años, cuando la mujer tenía 14.

Ítaca espera el boom turístico por la película "Odisea" de Christopher Nolan

La película de Christopher Nolan despertó el interés por Ítaca, la isla griega vinculada desde hace siglos con Ulises y la Odisea. El destino espera recibir más visitantes atraídos por la mitología. Sin embargo, ninguna escena del filme fue rodada allí.

Ricardo Darín y Diego Peretti se reencuentran en el cine: cuándo estrena "Lo dejamos acá", la nueva película de Netflix

El filme dirigido por Hernán Goldfrid tendrá su premiere mundial en el Festival de San Sebastián y luego llegará a la plataforma de streaming.Cuándo estará disponible y de qué va la historia.

Charlize Theron recuerda cómo el elenco de 'Mad Max: Fury Road' ayudó a criar a su hija durante el rodaje de la película

La actriz recordó que Jackson, entonces una bebé, permaneció cerca de ella durante los seis meses de rodaje en Namibia

El robo de dos camionetas desató una persecución de película sobre Ruta 11: disparos, choques y cuatro detenidos

Un persecución policial de película se desató este lunes sobre Ruta 11 por el robo de dos camionetas que tenían origen en la provincia de Buenos Aires. Las imágenes del operativo, que incluyó intercambio de disparos de armas de fuego, choques y al menos cuatro detenidos, se viralizaron en redes sociales.Según consignó Diario Chaco, uno de los vehículos fue interceptado a la altura de María Sara, donde se produjo un primer enfrentamiento entre los delincuentes y las fuerzas de seguridad de la provincia de Chaco. La segunda camioneta fue interceptada sobre la misma ruta, a la altura del kilómetro 1046, en jurisdicción de La Leonesa.El robo de dos camionetas desató una persecución de película en Ruta 11: disparos, choque y cuatro detenidosEl jefe de la Policía del Chaco, Fernando Romero, señaló que los involucrados en el hecho delictivos son oriundos de Formosa. "La fuerza contaba con información de que una banda delictiva que se dedica a esta modalidad de traer vehículos robados en la ciudad de Buenos Aires o la provincia de Buenos Aires, con destino hacia Formosa donde son comercializados a narcotraficantes y contrabandistas, pasaría por la provincia", dijo al medio local.Y acotó: "Teníamos información de que iban a pasar por el lugar. La Policía Rural era la que manejaba esa información y, en función de ello, detectaron el paso de dos vehículos: una camioneta Toyota blanca carrozada y una Toyota negra doble cabina", detalló. En consecuencia, se dispuso un operativo cerrojo -consiste en bloquear o cerrar de forma táctica una zona, ruta o perímetro específico para evitar la fuga de sospechosos-.Siempre de acuerdo con el testimonio de Romero, al advertir la presencia policial, la camioneta Toyota blanca "regresó sobre su marcha" en dirección hacia Basail -una localidad del departamento chaqueño de San Fernando-, por lo que se dispuso el seguimiento de una patrulla policial. La camioneta Toyota negra, por el contrario, "siguió su paso, evadió el control e ingresó a la zona sur de Resistencia".Fue allí que se produjo la persecución que quedó plasmada en imágenes. La filmación muestra cómo, a la altura del kilómetro 1046, agentes abren fuego contra el conductor del rodado. Acto seguido, un vehículo policial impacta contra el lado izquierdo del automóvil, lo que produce que se desestabilice y termine en la banquina.Noticia en desarrollo.

'Obsession' hace historia y se convierte en la película original más taquillera de la última década

La película de terror de Curry Barker alcanzó los 501.5 millones de dólares a nivel mundial

Persecución de película en Chaco: secuestraron dos camionetas robadas y hay dos prófugos

Recuperaron dos Toyota que habían sido robadas en Buenos Aires, detuvieron a dos hombres oriundos de Formosa y buscan a otros dos sospechosos que escaparon hacia una zona de monte. Leer más

Alfonso Herrera y Laisha Wilkins sostiene fuerte debate en redes por película sobre la captura de "El Chapo"

El actor que encarna a uno de los policías en la película 'La Captura' defendió el proyecto ante la crítica de la ex actriz de Televisa

Murió Shelley Fabares, la actriz que coprotagonizó tres películas con Elvis Presley

La actriz estadounidense falleció a los 82 años en Los Ángeles tras una enfermedad

Brad Pitt regresará a San Sebastián para presentar la última película de David Ayer

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Netflix reconstruye en La Captura el día que El Chapo Guzmán fue detenido por última vez en Los Mochis, vista desde los ojos de los policías que lo interceptaron

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La película protagonizada por Tom Holland y Zendaya acumula 2.22 mil millones de dólares a nivel mundial

Como en una película: le dijo a su hija que estaba en un campamento de verano, pero era un centro de detención del ICE

Una madre venezolana le hizo creer a su hija de seis años que estaban en un campamento de verano, pero en realidad permanecían bajo custodia del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE, por sus siglas en inglés) en un centro de detención en Texas. Luego de pasar un mes y medio en condiciones que describió como "insalubres", fueron liberadas gracias a la intervención de un congresista.La hija de la migrante cumplió seis años en un centro de detención del ICEGénesis Torres, una mujer venezolana, fue arrestada junto con su hija Martina en circunstancias que aún no fueron esclarecidas. Poco después, ambas fueron ingresadas al Centro de Procesamiento de Dilley, en Texas, denunciado en reiteradas ocasiones por condiciones insalubres para los reclusos.Para intentar proteger el bienestar emocional de la menor, Torres le ocultó la realidad y le dijo que hacían un viaje a un "campamento". Pese al esfuerzo de su madre, Martina se daba cuenta de la hostilidad del entorno.En ocasiones, según relató Torres en diálogo con Univisión N+, la niña le comentaba que el lugar era "muy feo" y le preguntaba por la tristeza de la gente."Mami, aquí la gente está muy triste. ¿Por qué la gente llora?", consultó en una ocasión, según contó su madre. En las seis semanas que permanecieron bajo custodia, Martina cumplió los seis años de edad, aunque no pudo celebrarlo por el lugar en el que se encontraban.Las condiciones del centro de detención del ICE y la liberaciónDurante su permanencia en el centro de detención, la madre denunció las condiciones en las que se encontraban. En su relato, indicó que compartió celda con otras cinco madres, cada una con sus respectivos hijos. En el área donde estaban recluidas había unas 80 familias, de las cuales la mayoría fue finalmente deportada. Entre las situaciones más difíciles que enfrentaron, Torres mencionó que estuvieron tres semanas en una habitación llena de cucarachas.Pasado el mes y medio, la familia logró recuperar su libertad gracias a las gestiones del congresista Mario Díaz-Balart, quien intercedió activamente en su caso y destacó el resultado en un mensaje en redes sociales publicado el 16 de agosto."Me complace oír que Génesis y su hija Martina han sido liberadas de la custodia del ICE y ahora pueden reunirse con su familia en Miami. Agradezco a todos aquellos que trabajaron junto a mi oficina para hacer posible este reencuentro", escribió en una publicación en X.Al margen de la participación del congresista, documentos consultados por Univision señalan que Torres y la menor presentaron el 9 de julio una petición de habeas corpus ante la Corte Federal para el Distrito Oeste de Texas con el propósito de impugnar su reclusión.El regreso a casa de la madre venezolana y su hija tras la detención del ICEAl regresar a su hogar, Génesis fue recibida por su madre con una fiesta de cumpleaños para compensar la celebración que Martina no pudo tener en el centro. Sin embargo, ambas aún se enfrentan a secuelas psicológicas tras el encierro.Según contó Génesis a Univision, Martina experimenta temores nocturnos constantes: debe dormir con una pequeña lámpara encendida y le pide con insistencia a su mamá que no la deje sola.A pesar de esta experiencia, la menor ya retomó su asistencia a la escuela en el condado de Miami-Dade, mientras que Torres intenta reconstruir su vida cotidiana y superar el trauma de la detención.

En un salvataje de película rescataron a un alpinista que estuvo colgado en el vacío durante 12 horas

Pese al cansancio y a las horas transcurridas en plena oscuridad, el escalador se mantuvo consciente y lúcido.Estaba a 2.000 metros de altura en una de las cumbres más emblemáticas de las Dolomitas italianas.

Dónde ver todas las películas de "La noche del demonio"

La franquicia "Insidious" construyó su universo alrededor de El Más Allá, tomando las historias de la familia Lambert y la médium Elise Rainier

Dónde ver Cuenta conmigo online: la película basada en un libro de Stephen King que cumple 40 años

El autord dice que es la mejor adaptación de una obra suya y destacó que la película capturó la esencia emocional de su relato

Marvel confirma que usó IA generativa en la producción de la última película de Spider-Man

El libro de arte oficial de Spider-Man: Brand New Day revela que el estudio recurrió a esta tecnología para desarrollar algunos bocetos y conceptos visuales

Tom Cruise explica el reto de "Digger": "Me tomó todos mis conocimientos de cada película que hice"

En una entrevista exclusiva con Empire, el actor confiesa que interpretar a un poderoso magnate petrolero moralmente ambiguo le demandó todo el arsenal técnico acumulado en sus 40 años de trayectoria

Alberto Lecchi: "Es más fácil hacer una película que manejar un club de fútbol"

Alberto Olmedo lo vio caminando por la calle Corrientes, frenó el auto, bajó la ventanilla y le gritó: "¡Tocayo!". Aunque había compartido rodajes, Alberto Lecchi se sorprendió cuando lo invitó a subir, sin imaginar que terminaría en una larga mesa de la cantina Fechoría junto a Javier Portales y otros actores del momento. "Era un señor", recuerda hoy. La escena parece salida de una película, pero resume bastante bien su propia historia: una vida construida entre rodajes, aprendizajes y encuentros con algunos de los nombres más importantes del cine argentino.Director y guionista de películas como Perdido por perdido, Nueces para el amor, Apariencias y Sola contigo, y de series como Mujeres asesinas, Epitafios y En terapia, Lecchi entiende el cine como un oficio artesanal. Pero desde hace algunos años esa experiencia convive con otra pasión igual de intensa: la presidencia del Club Atlético Temperley. Heredó ese sentimiento de su abuelo y hoy conduce la institución convencido de que dirigir una película y liderar un club tienen muchos puntos en común: ambas tareas exigen escuchar, persuadir, formar equipos y tomar decisiones. Aunque, aclara, en algunos aspectos sostener una institución deportiva puede ser incluso más complejo que llevar adelante un film.La conversación, en su oficina en el club, sobre la Avenida 9 de Julio, en Temperley, va y viene entre esos dos mundos. Habla del cine, teatro y arte, pero también del barrio; de los rodajes, de la política de un club; de las películas que permanecen y de las obras que uno deja cuando se apagan las luces.â??Antes de ser uno de los directores y guionistas más reconocidos del cine argentino, atravesó una etapa de búsqueda. ¿Cómo fue ese camino hasta descubrir su lugar en ese arte?â??Me recibí en el secundario en 1971 y andaba medio perdido, era un tiempo de búsqueda. Probé con Ciencias Económicas y Sociología, pero solo en Bellas Artes sentí que algo pasaba. Expuse cuadros en Lomas de Zamora, donde vivía, y en Victoria, Entre Ríos, por invitación. Aunque vendí mucho, me frustró que la gente comprara todo excepto las obras que yo más valoraba. Ahí comprendí que ese camino no era para mí.â??La pintura quedaba atrás. ¿El cine, todavía sin proponérselo, ya empezaba a ocupar ese lugar?â??En esa época me rateaba para ir al cine y, cuando volvía, les contaba las películas a mis compañeros de escuela. Pero les inventaba finales que me gustaban más. Como no tenía plata, esperaba que el acomodador terminara de ubicar al público para colarme en la sala. Por eso vi cientos de películas habiéndome perdido los primeros diez minutos, justo donde aparecían los créditos del director.â??Esa pasión por aprender lo llevó a buscar otros espacios de aprendizaje. ¿Cómo empezó a formarse como cineasta?â??Me anoté en un curso gratuito del Museo del Cine. Después del examen quedé afuera del grupo que iba a filmar, pero yo quería escuchar a maestros como Claudio España, que daba teoría, y a Andrés José Rolando Fustiñana, más conocido como Roland, crítico de cine y por entonces director del Museo del Cine. Así que me escondía detrás de una columna para asistir a las clases. Roland me descubría una y otra vez, hasta que un día decidió dejarme quedar. Al final, en un grupo de diez personas donde varios abandonaron, terminé dirigiendo el único corto que se hizo. Esa perseverancia me dio el impulso para empezar a recorrer productoras dejando currículums.â??Y uno de esos currículums terminó en las manos justas. â??Ya estaba cansado de que no me atendieran. Había decidido pararme delante de los autos Torino de la Productora Aries para no dejarlos salir hasta que Fernando Ayala y Héctor Olivera, sus directores, me recibieran. Pero la suerte quiso que, cuando subí a dejar una carta que me dieron para llevar del Museo del Cine, fuera el propio Ayala quien saliera a atenderme. Ahí nomás me dio trabajo como meritorio en Custodio de señoras (1979) y desde ese lunes no paré más. Trabajé con los mejores. Estuve con María Luisa Bemberg en Camila y con Adolfo Aristarain, con quien escribí Un lugar en el mundo. Antes de dirigir mi primera película hice alrededor de cincuenta como asistente de dirección. Esa fue mi verdadera escuela.â??¿Qué recuerda de aquellos años?â??Empecé el lunes siguiente a esa charla con Ayala y no paré nunca más. Custodio de señoras, dirigida por Hugo Sofovich, con Jorge Porcel y Graciela Alfano fue la llave. Aries Cinematográfica Argentina tenía una producción industrial impresionante: hacía tres películas por año con Olmedo y Jorge Porcel, una de cada uno y otra con los dos juntos. En esos rodajes se trabajaba a un ritmo que hoy ya no existe. Todo era distinto.â??¿Qué siente cuando mira el cine de hoy?â??Siento que muchas veces el negocio terminó desplazando a las historias. El pochoclo pasó a ser más importante que la película porque para algunos dueños de las salas lo único que importa es vender comida y bebidas. â??Y cambió el lugar o el rol del directorâ?¦ â??También cambió el lugar del director. Antes tenía una autoridad que hoy muchas veces desaparece. Ahora las plataformas eligen actores por la cantidad de seguidores que tienen en Instagram y hay productores que pretenden corregirte una escena desde su casa mirando un monitor. Para alguien de mi generación eso resulta difícil de aceptar. Por eso hoy voy mucho más al teatro. Y también disfruto ver qué películas que hice hace treinta años siguen encontrando espectadores.â??Después de tantos años, ¿qué director cree que terminó siendo?â??Más que un artista, me considero un artesano. Los artistas son esos tipos extraordinarios que parecen estar por encima de todo. Yo simplemente quise contar historias y traté de hacerlo de la mejor manera posible. Algunas salieron mejor que otras, pero mi mayor satisfacción es comprobar que, treinta años después, películas como Perdido por perdido la siguen pasando por televisión y mantienen su vigencia. Ese reconocimiento nadie me lo puede quitar.Teatro como refugio Aunque su nombre es un sello del cine y de la televisión, Lecchi ha construido un sólido camino sobre las tablas. Debutó como director teatral en 2013 con Illia, historia de un hombre honesto, en el Teatro 25 de Mayo, y continuó explorando el lenguaje escénico con piezas como El hombre lobo, La hora de la calabaza, Divino divorcio y Feria Americana. Su trabajo más reciente, Ana por la ventana, en El Camarín de las Musas, confirma que su necesidad de contar historias ha encontrado en el teatro un espacio de libertad que el cine industrial hoy parece retacear.â??Recién hablaba de la importancia de la mirada del director. Después de tantos años en el cine y la televisión, ¿qué lugar ocupa hoy el teatro para usted?â??Absoluto. Hoy cambió todo. El director dejó de ser el dueño del set. El teatro aparece como el lugar donde todavía se respeta el oficio y la visión de quien cuenta la historia.â??En ese contexto, ¿qué le ofrece el teatro que hoy no encuentra en otros ámbitos audiovisuales?â??Sin dudas, para mí el teatro se convierte en el espacio donde todavía se puede encontrar esa conexión real y profunda que antes buscábamos en las salas, lejos de las exigencias puramente comerciales de las grandes plataformas. Pasión celeste El Club Atlético Temperley que milita en el campeonato de la Primera Nacional tiene su fecha de fundación el 1º de noviembre de 1912, aunque distintas investigaciones sitúan sus antecedentes en 1910 bajo el primer nombre de Centenario Foot-Ball Club. Desde entonces se convirtió en uno de los grandes símbolos deportivos y sociales del sur del conurbano bonaerense.Tras desempeñarse como vicepresidente de Temperley, Lecchi asumió la presidencia de la institución en 2016. Luego de ese primer mandato volvió a ser elegido presidente en noviembre de 2024, asumió el 9 de diciembre de ese año, y actualmente conduce el club.â??Usted suele decir que un director de cine o teatro tiene que nutrirse de lo que vive y de lo que siente. ¿Cómo se traslada esa idea al fútbol?â??Para dirigir hay que nutrirse de lo que uno vive y siente. De lo contrario, la obra carece de alma. El futbolista se parece mucho al artista: hay ego, vanidad y competencia. Mi experiencia en los rodajes me sirve para conducir el club porque en ambos casos necesitás empatía y convencer a la gente de que el camino que proponés es el mejor para el proyecto. Si no hay carga emocional en lo que hacés, no se comunica nada.â??En casi todas sus películas hay un guiño a Temperley. ¿Es una forma de llevar el club al cine?â??Sí. Siempre trato de que aparezca de alguna manera. A veces es una camiseta, un banderín, un escudo, una foto, el paso de algunos hinchas, una expresión o algún objeto celeste. Es un juego conmigo mismo. Me gusta que Temperley esté presente, aunque sea como un pequeño detalle que quizás solo descubran los más atentos.â??Esa identificación tan fuerte con Temperley se volvió una marca registrada en su carrera. ¿Cómo viven sus colegas del ambiente del cine esa pasión que usted traslada a cada rodaje?â??Mi fanatismo por Temperley me causa alegrías y, a veces, que me carguen porque estoy muy identificado. Pero yo a la cancha, imaginate, he ido con el Puma Goity, con Gastón Pauls, con Darío Grandinetti, con Viggo Mortensen... Son amigos y, como les insisto tanto con el club, les vendo rifas cada vez que puedo; por ahí, como son futboleros, me han acompañado y terminan prendiéndose en esta locura.No hace falta buscar demasiado para entender ese vínculo. La entrevista con Lecchi transcurre en la sede del Club Atlético Temperley, ubicada en el mismo predio del estadio Alfredo Martín Beranger. Desde allí, a pocos metros del campo de juego, la historia del club se hace presente de manera permanente. Inaugurado el 13 de abril de 1924, lleva el nombre de un notable dirigente de la institución.Con la cancha como testigo y la historia del club presente en cada rincón, la conversación deriva naturalmente hacia otro desafío: el de conducir hoy una institución con más de un siglo de vida.â??Me imagino que llevar adelante una película debe generar ejercicio para conducir un club.â??Te digo una cosa: es mucho más fácil hacer una película que manejar un club. En el fútbol las decisiones son políticas y muchas veces muy duras. A veces tomás medidas que, en lo personal, no te gustan, pero benefician a la institución. Es parecido a cuando incorporás a un actor por una cuestión de producción para conseguir el financiamiento de una película.â??¿Cómo convive con esa tensión entre las convicciones personales y las necesidades de la institución?â??Hoy me toca enfrentar decisiones políticas difíciles. Hay gente que critica a la AFA casi por reflejo, sin saber la ayuda que nos da el presidente de la AFA, Claudio "Chiqui" Tapia. Hay que tener la cabeza fría para no equivocarse.Lejos de idealizar la tarea, describe una gestión atravesada por decisiones complejas. Habla de un juicio laboral que enfrenta Temperley, de las cuentas que deben cerrar y de la responsabilidad cotidiana que implica conducir una institución.â??Temperley atraviesa un momento delicado por el fallo de un reciente juicio laboral que obliga al club a afrontar una indemnización millonaria. ¿Cómo recibió esa noticia?â??Con mucha tristeza. Uno sabe el esfuerzo que hacen los dirigentes, los socios y los hinchas para sacar el club adelante. Ojalá encontremos una solución. Temperley ya atravesó momentos muy difíciles y siempre logró ponerse de pie.No es una frase hecha. Temperley conoce de cerca lo que significa estar al borde del abismo. La quiebra de 1991, el cierre de sus puertas y el regreso a la competencia dos años después, gracias al esfuerzo de socios, hinchas y dirigentes, forman parte de una memoria que todavía atraviesa al club.â??Su vínculo con Temperley parece mucho más que una pasión futbolera. Es una historia de familia.â??Mi abuelo jugó en el club en la década del treinta y dejó el fútbol cuando quisieron venderlo a Racing. Mi abuela me llevaba a la platea y yo me pasaba el partido jugando arriba de un banco, pegado al alambrado, mientras ella miraba el partido. Y confiesa: "De chico hice un pacto con mi viejo. Yo fingía que lloraba delante de mi mamá para que me dejara ir a la cancha de River los domingos (su padre era fanático del Millonario) y, a cambio, él me llevaba a ver a Temperley de visitante los sábados, mi única pasión. Era una verdadera odisea salir de Lomas de Zamora: colectivo, tren, subte y otro colectivo. Salíamos a las diez de la mañana y volvíamos a las diez de la noche. Ese pacto fue sagrado".â??Sus hijos crecieron lejos de Temperley, en el barrio de Saavedra. Sin embargo, terminaron abrazando esos mismos colores. ¿Qué significa eso para usted?â??[Hace una pausa. Se emociona antes de responder. Suspira] Mis hijos son mi mayor orgullo. Son una parte fundamental de mi identidad. Se criaron a diez cuadras de la cancha de Platense, rodeados de amigos de River y del Calamar. Muchas veces me preguntaban qué tenía Temperley para despertar semejante sentimiento, pero terminaron sosteniendo esos colores con orgullo. Agustín incluso atravesó los años de la quiebra, cuando el club no jugaba. Hoy con ellos compartimos ese almuerzo sagrado de los domingos y me acompañan en este camino tan difícil que significa conducir el club.â??Si tuviera que elegir entre ganar un Oscar o ver a Temperley campeón de Primera, ¿qué elegiría?â??Temperley campeón. Un Oscar pone contento a un grupo muy pequeño de personas. Que el club de tu barrio salga campeón hace feliz a una ciudad entera. En el cine siento que ya hice mi camino. Todo lo que venga será un regalo. En Temperley todavía tengo sueños: consolidar el predio en Guernica para las inferiores, terminar la cancha de hockey, poner en funcionamiento la escuela primaria dentro de las instalaciones del club.â??Cuando habla de obras, de dejar algo construido, ¿siente que ahí aparece otra forma de trascender?â??Sí. Porque al final lo único que quedan son las obras. Haber recuperado el jardín de infantes, construir una platea o dejar un club más ordenado también es una manera de contar una historia. Mi huella en el cine ya quedó. Ahora quiero dejar una en Temperleyâ?¦En Alberto Lecchi el arte y el deporte recorren caminos paralelos. La cámara y la pelota, las butacas y las plateas, los actores y los futbolistas conviven bajo una misma mirada. Quizás por eso, cuando habla de legado, el cine y Temperley terminan encontrándose en un mismo lugar: la certeza de que las obras más importantes son aquellas que perduran en la vida de los demás.

"La película plantea un mundo muy femenino"

Lorena Vega y Jazmín Stuart hablan con Perfil sobre el film policial de Nicanor Loreti que cruza humor negro, amistad y delito. Las actrices cuentan cómo construyeron sus personajes, qué implica trabajar una dupla femenina y cómo fue filmar en tiempos de crisis del cine nacional. Leer más

¿El Chapo era un psicópata? Esto dijo su psicóloga, consultada para La Captura, la película de Alfonso Herrera

El filme ya se estrenó en streaming y está generando conversación en redes

Qué veo en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar este fin de semana del 22 y 23 de agosto

Se acerca un nuevo fin de semana. Pese a que hay decenas de planes para hacer, el clima te pedirá a gritos que te quedes en tu casa y que recurras al mejor contenido de Netflix. A raíz de esto es que la plataforma de streaming preparó el ranking del contenido más visto por los suscriptores de Argentina: series y películas para todos los gustos.Las cinco mejores series para ver este fin de semana en Netflix1. Moria (2026)Biográfico/Drama. Distintas etapas de la vida â??pasado, presente e incluso futuroâ?? de la legendaria vedette argentina Moria Casán, en donde se muestra cómo se construyó su figura como ícono cultural. Duración: ocho episodios. Ver Moria.2. Sacrificio de sangre (2026)Suspenso/Drama. Es verano en Estocolmo, cuando la oscuridad nunca llega a instalarse del todo. Se recibe una llamada al 911 en la que se denuncia un allanamiento de morada. Se envía a dos agentes de policía a la dirección indicada, una casa de verano situada en el archipiélago. Pero al llegar, se encuentran con que no hay nadie allí, al menos a simple vista. Al día siguiente se hallan los cadáveres de los agentes: un crimen brutal. Es el comienzo de una serie de aterradores asesinatos, todos ellos aparentemente dirigidos contra agentes de policía. El detective encargado del caso tiene que pedir ayuda a su padre, un detective jubilado, para resolver el caso. Duración: cinco episodios. Ver Sacrificio de sangre.3. Outer Banks, temporada 5 (2026)Suspenso/Drama. Sin dinero y lejos de casa, John B, Sarah, Kiara, Pope y Cleo buscan venganza y persiguen a Chandler Groff por la Corona Azul, formando una frágil alianza con Rafe para sobrevivir. Duración: diez episodios. Ver Outer Banks, temporada 5.4. El peso de la ley (2026)Suspenso/Drama. Una joven fiscal muy competente se ve envuelta en una brutal organización criminal carcelaria liderada por el hermano al que creía perdido, lo que la obliga a elegir entre la justicia y la familia, la ley y la supervivencia, la verdad y la traición. Duración: siete episodios. Ver El peso de la ley.5. Mi brillante carrera (2026)Drama/Romance. En la Australia de 1900, una obstinada joven campesina sueña con escribir, mientras las expectativas sociales y familiares chocan con su feroz deseo de independencia y libertad creativa. Duración: seis episodios. Ver Mi brillante carrera.Las cinco mejores películas para ver este fin de semana en Netflix1. La última ola (2015)Acción/Suspenso. Cuando cae el paso de montaña de Ã?kneset sobre el estrecho fiordo noruego Geiranger, se crea una violenta ola de 85 metros que amenaza con arrasarlo todo. Duración: 1 h 45 min. Ver La última ola.La Última Ola - Trailer2. No se desea buena suerte (2026)Comedia/Drama. Sophie Birenbaum está encantada de tener el papel protagonista en la obra de teatro de su instituto, hasta que de repente el cáncer de su madre reaparece. Duración: 1 h 35 min. Ver No se desea buena suerte.3. La fiera (2026)Drama/Basado en hechos reales. Cuenta la historia de Manolo Chana, Álvaro Bultó, Darío Barrio y Carlos Suárez, cuatro amigos a los que les unía su pasión por el salto BASE, literalmente saltar a gran altura desde sitios fijos, usando un paracaídas para llegar hasta el suelo. Duración: 1 h 55 min. Ver La fiera.4. Un hijo propio (2026)Drama/Maternidad. Alejandra finge un embarazo por la presión de su madre y la sociedad. La mentira se convierte en una farsa elaborada que dura meses y abarca todas sus relaciones, dejándola atrapada en un engaño de su propia creación. Duración: 1 h 36 min. Ver Un hijo propio.5. La última casa (2026)Ciencia ficción/Terror. En una situación inexplicable, una familia se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa. Duración: 1 h 52 min. Ver La última casa.

El caso real que inspiró la película "La Captura" protagonizada por Poncho Herrera y que se estrena hoy en Netflix

Noé Hernández interpreta a Héctor Rosales y Alfonso "Poncho" Herrera a Arturo Carmona, agentes ficticios; Héctor Kotsifakis encarna al líder del Cártel de Sinaloa en una ficción basada en hechos reales

Melconian le respondió a Milei por la frase de la foto y la película, y reclamó una hoja de ruta

El economista Carlos Melconian criticó la lectura del presidente Javier Milei sobre la coyuntura nacional y reclamó un proyecto "de fondo" que vaya más allá de una contención fiscal de urgencia. También aseguró que el ministro de Economía, Luis Caputo, se dedica "con diez arqueros" a mantener los números fiscales.El expresidente de Banco Nación se refirió de modo directo a la afirmación que Milei pronunció este jueves en la reunión anual del Consejo de las Américas. "La foto sigue siendo horrible, pero es la mejor película de la historia argentina", sostuvo el Presidente durante su discurso."Diría lo contrario, lo que tengo claro es que no hay película, por no decir que es mala. La foto es una cosa rara, está dividida. Todo lo que tiene que ver con el sector real, mal. Ahí estaríamos, tanto en foto como en película, mal", respondió Melconian en diálogo con radio Mitre.Milei habló de "los argentinos que no quieren convertirse en Cuba" y de la campaña de los "pañuelitos verdes"En la misma línea, el economista sostuvo que la realidad productiva no muestra un escenario homogéneo, sino que sectores como la producción agropecuaria y la actividad energética en Vaca Muerta le "salvan las papas". Por este motivo, dijo que definiría la supuesta película como un "continuará" de cara a las elecciones presidenciales del 2027.Pese a sus consideraciones sobre la falta de un proyecto a largo plazo, Melconian destaca ciertas reformas iniciales de la gestión mileísta. "Patear el hormiguero de la decadencia argentina es meritorio, pero eso alcanzó un límite. No aparece una hoja de ruta de como seguir. Es diferente romper a construir. Está lejos de construirse una economía que genere que la gente esté mejor", advirtió. Además, desmintió que las variables principales estén equilibradas: "La macro no está resuelta, es mentira que 'está resuelta solo que no le llega a la gente'. Tuvo el coraje de patear el hormiguero, pero no sabe reconstruirlo, no hay proyecto".En cuanto a las principales medidas del Ministerio de Economía, sostuvo que el foco oficial se limita a frenar un eventual colapso. "Se maneja solo una cuestión de emergencia y eso el ministro lo tiene claro. Se dedica con diez arqueros a mantener los números fiscales, lo que, además, le salió con licuadora, no con motosierra", explicó. En la misma línea, indicó que el equipo económico se limita a "evitar una volatilidad cambiaria y buscar plata para la deuda", aunque reconoció que los rubros que crecen lo hacen porque la administración nacional decidió no poner trabas, como sí ocurría en el pasado.Por último, analizó el impacto sobre el entramado comercial e industrial y la respuesta del sector privado: según detalló con un cálculo aproximado, el 50% del país sigue en caída, un 20% se mantiene en un momento próspero y el 30% restante permanece en una posición neutra.Al referirse a las cámaras empresariales que respaldan el discurso oficial â??como ocurrió durante el evento de este jueves en el que fue aplaudido por empresariosâ?? concluyó: "Cuando uno es presidente, tiene que saber lo que quiere. Si mañana no está este presidente, sino otro, van a aplaudir igual a ese otro. La crítica la hacen después. No te tenés que creer que te aplauden a vos".

Las mejores series y películas para ver este fin de semana de agosto

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El recorrido cultural incluye a Rubén Blades en la Costa Verde, un viaje escénico por el universo Fania, temporadas extendidas bajo carpa, shows infantiles y varias actividades sin costo en galerías.

La Cumbre será sede de la Muestra de Cine de Punilla: cuatro días de películas, talleres y actividades gratuitas

Del 21 al 23 y el 29 de agosto, la localidad cordobesa recibirá la segunda edición del encuentro, que ofrecerá más de 50 proyecciones, conversatorios, capacitaciones y la participación de cineastas de distintos puntos del país. Todas las actividades serán con entrada libre. Leer más

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A sus 86 años, más de 80 películas y un Oscar, una leyenda de Hollywood trabaja en una cinta inspirada en una historia real: "Es un honor que se sume a nuestro increíble elenco"

Al Pacino se suma al reparto de Maserati: The Brothers para interpretar al empresario Vincenzo Vaccaro, figura clave en la financiación inicial de la mítica dinastía automovilística italiana.

La película 'Ghost Song', de Fatih Akin, inaugurará la Sección Oficial en San Sebastián

Marcha atrás y a contramano: cómo fue la persecución de película, con tiros y choques, de la policía de Neuquén para atrapar al conductor de una camioneta

Tuvieron que intervenir varios patrulleros y motos policiales para detener al vehículo, que tenía un pedido de secuestro y realizaba maniobras indebidas.Tanto el conductor de la camioneta como su acompañante tenían antecedentes penales.

Disney anunció la lista de sus nuevas películas: de Frozen 3 y Coco 2 a Los Simpson, todos los estrenos en carpeta

Estrenos en 2026Hexed (25 de noviembre). Nueva apuesta de animación original enfocada en la magia y la brujería.Avengers: Doomsday (18 de diciembre). El regreso a gran escala de Marvel Studios con Robert Downey Jr. como el Doctor Doom.Estrenos en 2027La era del hielo: Boiling Point (5 de febrero). La sexta entrega se centra en la aparición de volcanes en el mundo prehistórico, mientras Scrat (que ahora es padre) trata de proteger del calor a su apreciada bellota.Gatto (5 de marzo). Película animada de Pixar ambientada en las calles de Venecia bajo la dirección de Enrico Casarosa, el mismo de Luca.Star Wars: Starfighter (28 de mayo). Una nueva aventura galáctica independiente de la saga Skywalker, protagonizada por Ryan Gosling.The Bluey Movie (6 de agosto). El salto a la pantalla grande de la exitosa serie infantil australiana.The Simpsons Movie 2 (3 de septiembre). Veinte años después de su primer film, la familia amarilla regresa a los cines.Frozen 3 (24 de noviembre). La continuación de las aventuras de las hermanas Anna y Elsa.Avengers: Secret Wars (17 de diciembre). La cumbre del Universo Cinematográfico de Marvel que cerrará la actual fase de superhéroes. Estrenos 2028Ghost Market (10 de marzo). Producción original de Pixar, se trata de una historia de fantasmas que lleva a su joven protagonista, un muchacho de familia oriental, de Chicago a Hawaii para encontrarse allí en medio de un cruce entre el mundo de los vivos y la realidad de ultratumba.Tangled (Enredados) (31 de marzo). Con actores de carne y hueso y con la australiana Teagan Croft como Rapunzel y Kathryn Hahn encarnando a la malvada bruja Gothel. El rodaje se realizó íntegramente en España.X-Men (5 de mayo): El reinicio oficial de los mutantes dentro de Marvel Studios, con Sadie Sink retomando su papel de Jean Gray, Kit Connor como Cyclops, Samara Weaving en la piel de Emma Frost, Inde Navarrete como Rogue; Christopher Abbott en la versión joven del Profesor X y Maya Boyd como Storm. El villano, Mr. Sinister, marcará la entrada triunfal al mundo Marvel de Adam Driver.Lilo & Stitch 2 (26 de mayo): Segunda parte del film con actores de carne y hueso. La secuela suma a Angel, la contraparte rosa de Stitch.Los Increíbles 3 (16 de junio): Pixar cierra su trilogía de superhéroes bajo la dirección de Peter Sohn, diez años después de la segunda parte. La historia ahora está centrada en los hijos de la familia de superhéroes.Clay (Noviembre). Nueva película original de Disney con una estética de animación 2D. Estrenos de 2029 en adelanteCoco 2 (21 de noviembre). Secuela animada que mostrará a Miguel ya adolescente viajando de nuevo a la tierra de los muertos.Avatar 4 (21 de diciembre de 2029). James Cameron continúa expandiendo el universo de Pandora con la cuarta parte de su saga de ciencia ficción.Zootopia 3 (fecha a confirmar). El gran éxito animado confirmó oficialmente su tercera parte.El diario de la princesa 3 (fecha a confirmar). Anne Hathaway vuelve a meterse en la piel de Mia Thermopolis.Avatar 5 (prevista para 2031). El capítulo final planificado para la franquicia de ciencia ficción llegará en cinco años.

Maia Reficco junto a Fernando Líndez habla de su última película, su vida y cómo fue filmar en España con Eva Longoria

Una estudiante universitaria, que padece una enfermedad crónica, viaja a Mallorca con su madre. Allí conoce a Julián, un lugareño del que no sólo se enamora sino que la impulsa a animarse a experiencias que hasta entonces había postergado. Este podría ser un breve resumen de El último amanecer, la nueva película protagonizada por Maia Reficco y Fernando Líndez que llegará a la pantalla de Prime Video el próximo 26 de agosto. Basada en la novela homónima de Anna Todd â??la autora de la exitosa saga Afterâ?? y dirigida por Carlson Young, esta trama que, al principio, parece ser sobre un amor de verano, pronto se convierte en una historia atravesada por la desesperada lucha por vivir, los secretos familiares y la urgencia de aprender a disfrutar del presente. "Para mí lo más importante fue, sin dudas, rendirle el homenaje necesario a la situación de salud que tiene Ry", le confiesa la actriz argentina a LA NACION sobre el gran desafío que le implicó este papel. Aunque muchos la conozcan por ser la última pareja de Franco Colapinto, la actriz, cantante y bailarina (nacida en Boston pero criada en la Argentina) tiene una sorprendente carrera en el medio. Hija de la cantante y entrenadora vocal Katie Viqueira y hermana de Joaquín Reficco, quien interpreta a Zeki en Margarita, esta joven de 26 años saltó a la fama con su protagónico en Kally's Mashup, la serie de Nickelodeon. Luego, vino la remake de Pretty Little Liars, su protagónico en La Dolce Casa de Netflix, y el teatro musical, donde desembarcó en Broadway con títulos como Hadestown y The Notebook. Líndez, por su parte, construyó una carrera entre el modelaje y la actuación. Mientras que desfiló para las pasarelas más importantes de Nueva York, Milán, París y Londres, sus participaciones en ficciones españolas como Skam España, Escándalo: relato de una obsesión y Élite (donde interpretó a Joel Castellano Soler) le abrieron las puertas de Hollywood. "El poder abrirme a un mercado nuevo como actor ha sido un regalo", reconoce quien para este film tuvo que rodar con un acento muy diferente al suyo. El rodaje, que se extendió durante dos meses en los paradisíacos paisajes de Mallorca, dejó en ambos algo más que el recuerdo de filmar una película: la experiencia de trabajar juntos por primera vez, de compartir el set con una figura de la talla de Eva Longoria y de enfrentarse a distintos desafíos profesionales y personales. "Nos divertimos mucho"â??¿Cómo fue ponerse en la piel de Ry y de Julián?Fernando Líndez: â??La verdad es que fue un proceso muy bonito. Desde el primer día formamos un grupo y un equipo excepcional en el que había muy buenas energías, en el que cada uno intentaba dar lo mejor de sí mismo y bueno, yo creo que día a día fuimos construyendo una peli muy conmovedora y muy bonita.Maia Reficco: â??Para mí fue un desafío muy hermoso. Sin dudas, el equipo hace que sea disfrutable. Desde lo actoral me sentí muy amparada, cuidada y motivada a contar esta historia con el respeto que merece y, además, lo personal acompañó. La pasamos muy bien, nos divertimos mucho, nuestra directora nos guió de la mejor forma y ni hablar de Mallorca... Realmente fue un privilegio muy grande.â??¿Cómo fue la experiencia de filmar en España?Líndez: â??¡Idílico! Un paraíso. Nos la pasamos genial. Realmente no se sintió como si estuviéramos trabajando. Reficco: â??Sí, era una injusticia llamarlo así porque â??así y todo, con la responsabilidad que significa filmar una películaâ?? fue realmente un disfrute constante. Además de la comida... ¡riquísima! â??¿Cuánto duró el rodaje?Líndez: â??Dos meses. Encima fue en la mejor época: entre agosto y septiembre. Pleno verano. Y en septiembre había cero turistas, así que tuvimos la isla para nosotros.â??Eva Longoria tiene su casa en Marbella, así que debe haber sido una gran anfitriona en esa tierra...Reficco: â??Eva es lo mejor que hay. Yo la admiro muchísimo. Más allá de todo lo que ha construido con el cine, es una mujer muy inspiradora, así que haberla conocido fue realmente una experiencia hermosa. Siento que conectamos mucho en lo personal. Además, comanda el set de una manera... Es una ídola total. â??En tu caso, Fernando, se trata de tu primera experiencia en Hollywood, ¿cómo fue rodar en otro idioma?Reficco: â??¡La rompió!Líndez: â??Fue una oportunidad muy grande para mí el poder mostrar una faceta que no había experimentado todavía. El poder abrirme a un mercado nuevo como actor ha sido un regalo. Así que estoy muy agradecido porque se me haya dado esta oportunidad y por haber aprendido de este grupo maravilloso. Me siento un privilegiado. â??¿Cuál fue el mayor reto que tuvieron en el set? Reficco: â??Para mí, fue sin dudas rendirle el homenaje necesario a la situación de salud que tiene Ry. Lo más importante desde un principio era poder contarlo con la mayor cantidad de verdad, así que vino mi coach actoral, que me acompaña desde que soy muy chiquita (desde mi primer trabajo en Telefe) y junto a la directora hicimos mucho análisis de qué era exactamente lo que necesitaba el personaje. Creo que ese fue el desafío más grande. Líndez: â??Para mí, hablar mallorquín [risas]. Tuve un gran reto con los idiomas en esta película. Hablar en inglés y hablar en mallorquín porque tengo algunas escenas también en ese idioma. Tuve un profesor que me ayudó. Hacer locuras por amorâ??La película es una gran historia de amor. Julián viene a cambiarle la vida a Ry y la anima a hacer cosas que antes no había hecho. ¿Qué locura hicieron ustedes por amor?Reficco: â??Ja, ¡de todo! Yo he hecho de todo por amor, la verdad. Hay una frase que dice: "En el amor y en la guerra todo vale". Para mí, siempre que sea sano y haga felices a las personas involucradas, hacer estas cosas vale la pena. Líndez: â??Yo he hecho cosas muy buenas y cosas muy tontas también [risas]. Por ejemplo, un tatuaje. Un tatuaje que ahora me estoy borrando [risas].Reficco: â??Ay, ¿es el tatuaje del que hablamos antes? Nooo... y bueno, está bien. Es parte de la vida.Líndez: â??Sí, al fin y al cabo, el amor es una emoción muy fuerte y esto [en referencia al tatuaje] es parte del aprendizaje. Pero bueno, ninguna cosa mala más allá de eso.Reficco: â??¡No aclares que oscurece, rey! [risas].â??Y vos Maia, ¿tenés algo que aclarar? ¿Cómo está tu corazón por estos días?Reficco: â??[Risas]. Yo estoy muy bien, muy bien. Muy feliz y contenta de estar promocionando esta peli que nos ha dado muchas alegrías.

Por qué El silencio de los inocentes sigue siendo la película de terror perfecta, 35 años después

De todas las grandes ganadoras de los premios Oscar, probablemente la más extraña sea la que, en estos días, cumple 35 años desde su estreno, El silencio de los inocentes, de Jonathan Demme. Por las dudas â??y porque merece revisión o descubrimientoâ??, la película se encuentra en Mubi, Paramount+ y MGM+. Ese ya es un dato: hay algunos títulos (El Padrino, Jurassic Park) que están en muchas, casi todas, las plataformas porque se las busca constantemente. Son verdaderos clásicos. Eso mismo pasa con El silencio... No porque no hubieran existido antes películas sobre asesinos seriales, por supuesto. Pero de algún modo es la definitiva, la referencia absoluta. Y posee una serie de características notables que la colocan en un lugar diferente del resto del cine de género â??en este caso, el terror no sobrenaturalâ?? que merecen subrayarse. Pero sobre todo, porque es una gran película, una que satisface a cualquiera que la ve, sea o no amante del cine de sustos y suspenso.En principio, están las novelas de Thomas Harris. El escritor, como muchos creadores de best sellers (y no solo en los EE.UU.), comenzó como periodista en la década de los sesenta haciendo policiales para la Associated Press. Y conoció a los tipos que inventaron la profesión de "perfiladores" de asesinos seriales, Robert Ressler y John E. Douglas, que fueron la inspiración para la trunca serie de David Fincher, Mindhunter. Vio el desarrollo de las técnicas y los recursos que se crearon para comprender a seres como Ed Gein, el papá de todos estos monstruos. Gein, dicho sea de paso, asesinó, usó cuerpos y embalsamó a su madre, y fue la inspiración de Psicosis, El loco de la motosierra y, sí, el modelo del "Buffalo Bill" de El silencio... (entre otros muchos personajes). Harris no solo conoció de primera mano estas historias, sino que en un reportaje realizado en una cárcel conoció a un médico muy refinado y culto al que llama "Dr. Salazar" que era, en realidad, el mexicano Alfredo Ballí Treviño. De enorme amabilidad, a los 28 años Ballí Treviño había asesinado, tras una discusión por dinero, a su amante de 20. Lo desangró con total cuidado, lo desmembró prolijamente y lo enterró. Bueno, tan precavido no fue, de todos modos: lo pescaron a los pocos días. A Harris lo sorprendió el contraste entre el hombre que conoció y alguien capaz de esa terrible, sobrenatural violencia y frialdad, las características que definirían a Lecter. Sobre el médico (último condenado a muerte en México, con la pena conmutada por 20 años de prisión y de la que salió para volverse casi un filántropo) hay mucho que contar. Pero es otra historia.Lecter apareció por primera vez en la segunda novela de Harris, Dragón rojo, que más que una precuela es una especie de ensayo de El silencio..., en el que el primero en capturar a Lecter, un perfilador del FBI retirado, debe volver al ruedo para atrapar a otro asesino, y quien le da las pistas es nuestro caníbal favorito. En el cine, fue primero interpretado por Brian Cox, aunque el personaje se llama Lecktor (asuntos de derechos con el nombre del personaje...), y la película es el excelente thriller de Michael Mann, Manhunter (Cazador de hombres, sin estreno comercial en la Argentina, quizás alguna vez en alguna plataforma, muy pasada por el cable). Pero el camino de El silencio... a la pantalla, a pesar de que Manhunter fue un moderado éxito, fue más complejo. El primero en tener los derechos de la película y desarrollar un guion fue un proyecto personalísimo nada menos que de Gene Hackman. El actor de La conversación estaba enamorado del texto y tenía decidido no solo interpretar a Lecter sino también dirigir la película. Pero cuando tuvo un primer guion, la violencia de la historia lo disuadió de hacerlo. En realidad, el rumor es que su hija le dijo que un personaje así podía acabar con su carrera. Sea como fuere, ahí había un guion, un proyecto y un montón de dinero esperando ser aprovechado por alguien.Entra Jonathan Demme, pero por motivos un poco extraños. El realizador venía de hacer dos comedias con algo de humor negro: Totalmente salvaje (con Melanie Griffith y Jeff Daniels) y la sátira Casada con la mafia, vehículo para una Michelle Pfeiffer con peluca morocha. Pero además tenía en su haber una obra maestra del documental y todavía hoy el mejor recital filmado de la historia, Stop Making Sense, sobre los Talking Heads. De hecho, Demme siempre había tenido un pie en el documental con contenido social o político (Swimming to Cambodia, Cousin Bobby, The Agronomist) y siguió con el mundo del rock y el pop (sus trabajos sobre Neil Young y Justin Timberlake, además de su última película, la bella Ricki and the Flash, con Meryl Streep cantando rock). Es decir, nada que ver con un realizador de thrillers. El hombre quería en ese momento filmar otra comedia ambientada en el mundo de la música, pero los ejecutivos de la Orion le dijeron "sí, pero primero estás obligado a leer algo". Ese "algo" era El silencio... Y a Demme le gustó. La razón: el film se concentraba en un personaje femenino muy fuerte. Y, de hecho, esa es la clave de toda la puesta en escena.Qué actores querían... y qué actores finalmente aceptaronDemme no eligió a Jodie Foster: Foster quería desesperadamente el papel de Clarice Starling desde que leyó la novela, de la que era fanática y cuyos derechos quiso comprar hasta que apareció Hackman y se la sacó de las manos. Pero Demme primero pensó en Michelle Pfeiffer. Creía que era la película perfecta para que ganase el Oscar que siempre mereció. Pero Pfeiffer se horrorizó con el tema demasiado oscuro y truculento (pasaría a filmar Batman vuelve, y su Gatúbela es un capolavoro). Demme entonces probó a Foster y sí, era la indicada. El caso de Anthony Hopkins fue más complejo: el estudio quería a Sean Connery, que consideró la novela demasiado terrorífica y violenta. Alguien debería investigar si el problema de Connery, después de la interesante y fallida Zardoz, era con la fantasía o el horror: este es uno de sus dos grandes rechazos, el otro fue el de El señor de los anillos, donde le propusieron ser Gandalf. Descartado Connery, Demme optó por Hopkins por dos razones. La primera quería un actor que pareciera amable e inteligente, no un monstruo del cine de terror. Quería contraste y necesitaba esa amabilidad potencial dado el peso de la relación maestro-discípulo entre Lecter y Clarice. Y porque lo había visto actuar como científico en El hombre elefante. Hopkins aceptó. No solo aceptó: se preparó a conciencia para el rol.¿Qué cosas hizo? En principio, y esto está en muchas entrevistas al intérprete, creó a su Lecter basándose en dos modelos. El primero, la Katharine Hepburn de comedias como La adorable revoltosa: el tono irónico y veloz viene directo de esa joya de Howard Hawks. El segundo, la impersonal, terrible, gélida computadora HAL 9000 de 2001: Una odisea espacial. Pero hizo dos cosas más: la primera, practicar meses hasta desarrollar una manera de mirar a la cámara sin parpadear, uno de los elementos más perturbadores de su personaje. El segundo, convencer a los vestuaristas de llevar vestimenta blanca, aunque en las cárceles suele ser amarilla o naranja. Su argumento: la gente teme inconscientemente a los médicos y, sobre todo, a los dentistas. Gran parte del aplauso a su trabajo proviene de haberlo dibujado a conciencia. Por cierto, el caníbal puede ser terrible (la secuencia de su huida es al mismo tiempo una joya de ingenio y puesta en escena como un gran chiste de humor negro), pero también fascinante. Todo mérito de Hopkins, que se come â??no es bromaâ?? la película apareciendo sólo 16 minutos.IncomunicadosEl rodaje careció de problemas, salvo algunos muy menores. Por ejemplo, la mariposa que se encuentra en la boca de una de las víctimas se hizo moldeando una gomita de caramelo con forma de osito. Por suerte se hizo más de una: la actriz que interpreta al cadáver se tragó una entre tomas. Es fama que Foster y Hopkins no se hablaron durante el rodaje. La primera se sentía muy atemorizada por el segundo cuando estaba en personaje y creía que Hopkins continuaba en él a la manera del "método". Pero no: Hopkins se sentía intimidado por el talento de Foster y su reciente Oscar, creía que simplemente no le iba a dar bolilla. Se sinceraron al final del rodaje y se volvieron muy amigos desde entonces. De todos modos, Foster se asustó en serio con el gesto del labio que hace Hopkins al contar cómo devoró a un paciente: no estaba previsto en el guion. La película se terminó de rodar en tiempo y forma, con un Demme que potenció el punto de vista de una mujer acosada por las miradas de todos (ese es el punto central de la película: vean toda la secuencia inicial, vean cómo se la observa a Clarice en un ascensor lleno de hombres). Ese aspecto, totalmente novedoso y revolucionario para un thriller en 1991, cambió definitivamente el género y le permitió al director acercarse a los temas sociales que le interesaban, que aparecerían de otro modo en su película siguiente, Filadelfia.Una decisión acertada y una quiebra inevitableEso sí, el film estaba terminado en 1989 y listo para estrenar. Pero resulta que Orion tenía otra película importante para estrenar en los cines: Danza con lobos. Como sabe el lector, el título original de la película de Demme es The Silence of the Lambs (El silencio de los corderos), y a un ejecutivo de la Orion le pareció poco feliz estrenar "lobos" y "corderos" en una misma temporada. Fue un acierto porque ambas películas le dieron a la firma el Oscar principal de 1990 y de 1991. El único detalle es que, cuando ganó el segundo, la Orion ya estaba en quiebra incluso si El silencio... se había convertido en el thriller de suspenso más exitoso y recaudador de la historia.Y no solo eso. Hay nada más que tres films que se llevaron los cinco Oscar principales (película, director, actor, actriz y guion â??original o adaptadoâ??). Una es Lo que sucedió aquella noche, de Frank Capra, con Clark Gable y Claudette Colbert. Otra, Atrapado sin salida, con premios actorales para Jack Nicholson y Louise Fletcher. El tercero es El silencio de los inocentes, que además comparte con Lo que sucedió... representar a un género siempre despreciado en los premios. El silencio... es el único film de terror que ganó el premio; Lo que sucedió..., la única comedia pura y romántica. Pero si hoy es un clásico, si sus truculencias siguen funcionando hoy, se debe a una aproximación muy humana al material, a que todos los implicados decidieron que valía la pena. La máscara de Lecter, el "me encanta su vestido", el monólogo sobre los corderos llorando en la noche, la cabeza de Mr. Raspail, el laberinto de la cárcel subterránea, el plan de escape de Lecter, el "tengo un amigo a cenar", el uso impecable y sorprendente del montaje paralelo en la secuencia clave, la genial y poco reconocida interpretación de Ted Levine como Buffalo Bill, el juego a la Sherlock Holmes en clave de hemoglobina, los cameos de directores queridos por Demme como Roger Corman (maestro del horror de bajo presupuesto, y quien formó a Demme) o John Sayles (icono independiente, también guionista de Piraña y script doctor de Aliens y Terminator 2) transforman la película en un auténtico festín, para devorarlo con unas habas salteadas y un buen Chianti.

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