película

La actriz generada por IA, Tilly Norwood, estará al frente de su primera película

El avance de la inteligencia artificial en Hollywood parece no tener freno, aunque desde distintos sectores vinculados a la industria hay una fuerte resistencia. Y un nuevo paso parece concretarse en lo referido al uso de la IA en el cine, con la confirmación de la primera película que tendrá como protagonista a una actriz realizada a través del empleo de esa tecnología. Particle 6, el estudio especializado en inteligencia artificial que el año pasado presentó a la actriz Tilly Norwood, anunció que llevará adelante una película con ella como su principal figura. El título del film será Misaligned, y según comunicó la misma empresa, el largometraje presentará "una historia de crecimiento salpicada por el caos existencia que tiene una IA". A partir de esa premisa, la trama seguirá los pasos de Tilly, una IA que no cuenta con una infancia ni con recuerdo propios, aunque puede conocer el pasado de muchas personas. La situación para Tilly será aún más compleja, cuando un bot malvado proveniente de una internet oscura, la persuada de desarrollar nuevas emociones, con la ilusión de quizá así ser más humana. Según informaron desde Particle 6, la idea no es producir el largometraje de manera íntegra con IA, sino que la intención es la de combinar esa tecnología con el trabajo humano. Por ese motivo es que habrá un director, guionistas, montajistas y técnicos de distintas áreas, todos trabajando codo a codo con personal especializado en inteligencia artificial. En el mismo comunicado, la fundadora de Particle 6 expresó: "La IA puede apoyar a un cine narrativo de gran calidad, pero solo si cuenta con el respaldo del talento, el criterio y la habilidad humana. Esta no es una limitación de la tecnología, y ese es el punto. Los cineastas que se abran camino durante la próxima década, serán quienes le aporten su instinto narrativo a estas nuevas herramientas. Y Misaligned es el punto en el que ponemos esto a trabajar a gran escala".Taylor Swift contra la IAEl pasado mes de abril, el equipo legal de Taylor Swift presentó tres solicitudes de registro de marca ante la oficina de patentes de Estados Unidos. Dos de esas solicitudes contemplan expresiones utilizadas con su voz. Una de ella es "Hey, it's Taylor Swift", y la otra dice: "Hey, it's Taylor"Según trascendió, la tercera solicitud de marca consiste en un registro visual en el que se detalla que se trata de una fotografía de Taylor, sosteniendo una guitarra rosa que lleva una correa negra, en donde ella viste un body multicolor y botas plateadas. En esa misma imagen, la compositora se encuentra de pie, en un escenario rosa, frente a un micrófono multicolor con luces púrpuras que se aprecian en el fondo.Según detalló el equipo legal de Swift, este registro se relaciona al uso de imágenes y voces que se usan para educar determinados patrones utilizados por IA, para replicar de manera libre estilos y sonidos que deben estar bajo el paraguas de los derechos de autor. De otro modo, cualquiera puede usar en un software de IA apariencias, voces, canciones o cualquier tipo de obra de un artista, sin pagar derechos de ningún tipo.En el último tiempo, circularon en redes infinidad de imágenes y videos, algunos de contenido erótico, realizados con IA y que utilizaban la apariencia de Taylor Swift. El abogado Josh Gerben, que trabaja para la cantante, destacó en un comunicado: "En teoría, si se presentara una demanda contra una IA que utiliza la voz de Swift, ella podría argumentar legalmente que cualquier uso de su voz que suene de manera similar al registro realizado, puede considerarse una violación a los derechos de su marca".

Cinco películas para entender la historia de Corea del Sur, gratis en la UNAM

Películas sobre resistencia, represión y justicia se proyectarán en la ENAC

Choque de película en La Molina: Audi que iba a toda velocidad impactó a otro vehículo y dejó el accidente grabado en video

El conductor de 21 años fue trasladado a la comisaría de La Planicie y pasó por un examen de dosaje etílico. La Policía analiza el video del choque y otras evidencias para esclarecer cómo ocurrió el siniestro

La película que Harrison Ford estuvo a punto de protagonizar en 1969, pero un estudio le cerró la puerta

El actor recordó su frustración por quedarse fuera. El proyecto de Jacques Demy finalmente terminó encabezado por Gary Lockwood

Inglaterra le ganó a México un partido de película para dejar atrás un trauma y meterse en los cuartos de final

Ni el mejor de los guionistas podía armar un escenario más extraordinario para definir el pase a cuartos de final de un Mundial. Cuatro horas de lluvia continua en la previa y más agua una vez que el árbitro marca el inicio, como para que la pelota corra con más velocidad, dificulte los controles y multiplique las precauciones. Los 2.200 metros de altitud "a la que es imposible adaptarse", según Thomas Tuchel, el alemán que entrena al equipo de los Tres Leones. Dos equipos que cargan con un sinfín de complejos y urgencias históricas. Un público desbordante de entusiasmo y optimismo.México e Inglaterra ofrecieron uno de esos duelos que las circunstancias fijan para siempre en las memorias y las retinas de quienes tuvieron la fortuna de vivirlo. Fue 3-2 para los británicos, que jugaron casi un tiempo entero con diez jugadores y enfrentarán a Noruega por el lado más europeo del cuadro. Quizás porque la historia de los ingleses con México en general -nunca habían vencido a la selección local en los tres amistosos disputados en territorio mariachi-, y con el estadio Azteca en particular (el trauma de los dos goles de Diego Maradona en 1986 continúa latente, aunque hayan pasado 40 años); más el temor por los efectos de la altura llenaron de cautela a los Three Lions durante más de media hora.La maldición que persigue a los mexicanos en las grandes citas, sobre todo cuando tienen enfrente algunas de las selecciones de mayor renombre en el planeta, disminuyó el ímpetu arrollador que los dirigidos por Javier Aguirre habían mostrado en la etapa anterior ante Ecuador, aunque el empuje de las tribunas y la seguridad de un largo invicto en el coloso de Santa Úrsula les imprimiera una marcha más desde el arranque.Los pocos riesgos que asumían unos y la prudencia de los otros hicieron que durante algo más de media hora la trama se deslizara con pocas alteraciones, casi aburrida, con más estudio que emociones fuertes. Apenas un cabezazo de Raúl Jiménez que dio comienzo a una serie de brillantes atajadas de Jordan Pickford, y una carrera individual de Anthony Gordon que resolvió con seguridad Raúl Rangel. Muy poco para lo que la serie prometía de antemano.Hasta que de pronto una acción que parecía aislada desencadenó el carrusel de acontecimientos que obligó a agarrarse fuerte de la butaca para no moverse más hasta que apareció el the end y aparecieron los créditos.Iban 36 minutos cuando Declan Rice buscó a Bukayo Saka por derecha. El desborde sobre Jesús Gallardo, una novedad en el partido, acabó con un centro pasado y una palomita de Jude Bellingham (suscriptor de una actuación excepcional) para el 1-0. Sacó del medio el local, Elliot Anderson presionó a Érik Lira, tocó para Bellingham, prolongó hacia la derecha a Harry Kane, centro bajo y doblete del 10 del Real Madrid. A los 42, el iraní nacionalizado australiano Alirezza Faghani vio una falta inexistente de Saka a Gallardo, Ezri Konsa dejó corto el despeje y Julián Quiñones clavó el rebote arriba para restaurarle el aliento a los hinchas aztecas. Todavía antes del descanso, Pickford descolgó un balón del ángulo y Bellingham le ahogó el grito del empate a César Montes.A partir de ese momento, todo orden y explicación táctica dejaron de tener sentido. La lógica indicaba que la calma debía volver a la vuelta del vestuario, pero el guionista se enamoró del frenesí y desató otro buen rato de desenfreno al que no le faltó casi nada.Se sucedieron, casi sin tiempo para respirar, un remate al palo de Nico O'Reilly, una expulsión determinada por el VAR para Jarell Quansah, un penal clarísimo de Rangel a Gordon para que Kane pusiera el 3-1, y otro que inventaron entre el VAR y Faghali por un roce del goleador inglés sobre Brian Gutiérrez para que Jiménez vuelva a poner al local a tiro de empate. Iban 23 del período de cierre y media hora exacta de descontrol futbolístico.Por entonces ya había dejado de llover y la única altura que importaba era la de los tres centrales que incluyó Tuchel para rechazar el centenar de centros que comenzó a tirar México, ya olvidado el atildado juego por abajo, la apertura por las bandas y las pequeñas sociedades de los volantes que lo habían llevado a soñar con llegar más lejos que nunca en un Mundial.No hubo caso. Se agigantaron los Tres Leones pese a la desventaja numérica, apretaron los dientes y afilaron los cuchillos dispuestos a quitarse uno de los tantos traumas que los persiguen desde 1966 y se quedaron con el premio de seguir en carrera. Se fue México, una vez más -la octava- en octavos. Como en tantas otras ocasiones, se les nublaron las ideas en el momento crucial y el fútbol se les agotó antes de tiempo. Pasó Inglaterra, que en definitiva era lo que cabía esperar. No todos los guionistas se arriesgan con finales sorprendentes.

La película de Netflix perfecta para llorar: una historia de amor inolvidable que te va a romper el corazón

Un clásico volvió al catálogo con una trama que conquistó a todo el mundo y esconde un giro imposible de olvidar.

Millie Bobby Brown revela que tuvo una mala audición para una película de Marvel con Hugh Jackman: "Me sentí destrozada"

La actriz recordó que realizó una prueba de pantalla junto a Hugh Jackman antes de alcanzar la fama con 'Stranger Things'

"Fast Forever" está en marcha: el video con el que Vin Diesel adelanta la última película de "Rápidos y Furiosos"

El actor compartió imágenes inéditas desde el rodaje de la undécima entrega, programada para marzo de 2028

Una película francesa revoluciona el marketing y logró que los jóvenes se interesen por De Gaulle

A veces es divertido ver cómo las grandes noticias, las que importan de verdad, pasan inadvertidas detrás de otras. Una nota de la revista Variety reveló cómo una película francesa creció en público en las semanas posteriores a su estreno en gran medida gracias al trabajo de un creador de contenidos online. Detrás del enunciado, aparece el cambio definitivo en el ecosistema del entretenimiento, un episodio -crucial- en lo que podemos llamar la tercera ola de la revolución digital. La primera fue la llegada de Internet; la segunda, la de las redes sociales y el streaming. La tercera, finalmente, es el retorno de la herramienta al usuario, y a falta de otro nombre podríamos llamarla la de los creadores. Es divertido pensar que esto sucede cuando todos temen la competencia de la IA como nuevo cuco tecnológico demonizado a derecha y a izquierda, cuando en realidad las cosas pasan por otro lado que, convengamos, no es donde se presta verdadera atención: cómo surge una generación absolutamente nueva y que no le debe nada a nadie, y modifica el mercado, demuele el marketing tradicional y marca influencia real. El caso puntual involucra a una empresa centenaria (Pathé Films, de las primeras productoras cinematográficas del mundo), a una de las personalidades más importantes de la historia francesa y del siglo XX en general (Charles De Gaulle) y a un vloger, youtuber y creador de contenido de 22 años llamado Inès Benazzouz, más conocido por su nick Inoxtag. Sólo pensar en tres entidades separadas por medio siglo cada una podría servir de metáfora sobre la velocidad de progreso de la tecnología. Pero sigamos: Pathé produjo una película en dos partes sobre De Gaulle basada en el libro Charles De Gaulle: Une certaine idée de la France, de Julian Jackson y, en lugar de plantear al personaje con una biografía idealizada (algo que hizo en 2020 el film De Gaulle, de Gabriel Le Bomin, que en estas provincias nadie atinó a estrenar), lo hace a partir de un costado más cercano a lo popular, al hombre "solo contra todos", al resistente. Una imagen que conecta un poco más con el público joven. Pero de todos modos, es "De Gaulle", no Iron Man o Los Minions. Lo extraño es que arrancó lenta en taquilla, creció un 17% para segunda semana y un 68% en la tercera, cubriendo su costo con 1,2 millones de espectadores en el comienzo de su carrera comercial. Los motivos del salto en la tercera semana son varios. En principio, la Fiesta del Cine, evento anual en el que las salas presentan notables estrenos y combos para ver varios films con una sola entrada. En segundo, el calor feroz que sufre gran parte de Europa y la ausencia de aire acondicionado sobre todo en gran parte de París y su zona metropolitana, que empuja a mucha gente a meterse en los cines para refrigerarse. Pero ninguno de esos dos factores es tan determinante como el boca a boca: después de todo, si es por fresco se puede ver cualquier película. No: aquí el factor más importante es Inoxtag, que en combinación con Pathé organizó proyecciones de la película a las que invitó a su comunidad, apareció en ellas y hubo debates. Es decir, transformó la exhibición de la película en una experiencia. Eso generó el boca a boca en el público más reacio (en apariencia) a esta clase de películas -el joven-, y la audiencia creció. Las perspectivas económicas de la empresa, después de un inicio más bien pesimista, son de ganancia. Hay mucha tela para cortar y muchas enseñanzas a tener en cuenta. La primera: es falso que el público más joven sólo quiera fantasías, superhéroes o terror. Como ha sucedido desde que el arte es arte, una obra tiene éxito si sincroniza con los deseos y los temores de una sociedad. Aquí tiene un éxito feroz una película sobre una figura del pasado, héroe en un mundo quizás más conservador que el actual. Y no es, en modo alguno, un fenómeno aislado: sólo en Francia, han tenido éxito reciente El Conde de Montecristo y Los Tres Mosqueteros, ambas versiones bastante fieles a dos de las grandes obras de Alejandro Dumas (aquí puede ver la primera en Prime y la segunda, en dos partes, en Netflix), no casualmente también de Pathé. Es decir, existe la posibilidad de "vender" cine tradicional o basado en obras o personajes no necesariamente contemporáneos y hay un verdadero interés en ellos. La segmentación de temas y formas por público es, por lo menos, falaz. Segundo: los canales tradicionales de difusión están dejando de ser dominantes de un modo bastante más rápido de lo que parece. El creador de contenidos de YouTube es un personaje mucho más cercano a los nuevos públicos y más creíble porque interactúa con sus usuarios. Y porque la revolución tecnológica, el hecho de que casi gratuitamente cualquier persona pueda generar contenidos masivos para millones, hace que aparezcan nuevas voces. No solo eso: ante el desprestigio, la caída, la dilución de los medios tradicionales, estos creadores que están en un (aparente) lugar de igualdad con su público tienen aquello que el periodismo, por ejemplo, ha perdido en gran medida: la autoridad. Tercero: estos creadores son totalmente independientes de las estructuras económicas de difusión. Han creado y sostienen su propio público, y viven de él en la medida en que sostengan esa credibilidad, justamente. Y los productores más sabios hoy saben que son el campo donde ubicar lo que hacen. Además, no tienen ningún compromiso más que con aquellos que los siguen, ni necesitan más que eso. Inoxtag sólo difiere de otros tantos jugadores de Minecraft y creadores de desafíos para adolescentes en Twitch o YouTube en que habla francés. En la medida en que el matrimonio, o al menos la sociedad, entre estos creadores y los estudios audiovisuales crezca, los resultados en las salas van a cambiar. De hecho, Pathé ya había logrado un éxito cuando Pierre Ninay, estrella de El Conde de Montecristo, generó contenidos propios en redes sociales sobre la película. Cuarto: esto no tiene que ver con los "influencers": esos personajes invitados a avant-premières y que postean maravillas de cada estreno han perdido credibilidad porque viven del sponsoreo. No es el caso de estos creadores, que eligen qué difundir y qué no, y lo hacen para crecer en usuarios. Es decir, no aceptan nada que pudiera dañar su comunidad. Eso es lo que cimenta su autoridad: que tengan una relación más o menos democrática con su público y se presenten como "uno más", no parte de una élite académica o mediática. Y quinto: la necesidad de seleccionar entre una cantidad abrumadora de material on line en plataformas obligó a que el usuario y la conversación on line sofisticaran la mirada sobre las películas. Nadie se conforma con cualquier cosa y un vloger con autoridad impulsa o instala una conversación que se vuelve cada vez más inteligente -y "entrena" al público- a medida que se va desarrollando. Más claro: el público que compra cualquier cosa no existe más. El éxito de esta De Gaulle (algo así como si rompiera la taquilla argentina El Santo de la Espada) es una confirmación espectacular -y tanto más porque no sucede alrededor de Hollywood- de que el mundo del cine es definitivamente otro y que el poder lo tiene cada vez menos el marketing y cada vez más, y en un grado que nunca antes ejerció, la audiencia no ya pasiva, sino activa, atenta y capaz de discutir con autoridad. Es decir, liberté, égalité, fraternité.

Oasis reveló el primer tráiler de "No mires atrás con ira": así será la película sobre la reconciliación de Liam y Noel Gallagher

El documental, creado por Steven Knight, muestra desde adentro la histórica gira de reunión de la banda británica. Imágenes inéditas, acceso al backstage y las primeras entrevistas conjuntas de los hermanos Gallagher en más de 25 años.

La película de 90 minutos protagonizada por John Travolta y Bruce Willis que se ubicó en el podio de Netflix

No es la primera vez â??ni seguro la últimaâ?? que los suscriptores de Netflix rescatan del catálogo un título que se convierte en un éxito inmediato; y eso acaba de pasar con Un paraíso peligroso. La película, que en 2022 reunió en pantalla a las leyendas de Hollywood, Bruce Willis y John Travolta, volvió a la carga para revolucionar el podio y adueñarse de los primeros puestos de lo más visto en la plataforma.Dirigida por Chuck Russell, la cinta sigue en una hora y media la historia de Ryan Swan (Blake Jenner), un joven que viaja a las paradisíacas playas de Maui, Hawái, impulsado por una sed ciega de venganza. Su padre, Ian Swan (Willis), un legendario y rudo cazarrecompensas, fue emboscado y acribillado a tiros en la costa mientras perseguía un millonario botín. Las autoridades locales dan el caso por cerrado, pero Ryan sabe que hay algo mucho más oscuro detrás de esa desaparición.Decidido a encontrar a los verdaderos responsables, Ryan se infiltra en el peligroso y corrupto submundo criminal de la isla. Para lograrlo, forma una alianza con el antiguo y cínico socio de su padre, Robbie Cole (Stephen Dorff), y con Savannah (Praya Lundberg), una detective local que intenta mantenerlo dentro de la ley mientras desentierran peligrosos secretos corporativos.Toda la evidencia y los violentos enfrentamientos los conducen hacia Arlene "Buck" Buckley (John Travolta), un despiadado magnate inmobiliario que esconde un pasado criminal bajo una fachada de hombre de negocios influyente. Buckley controla los hilos políticos y económicos de la zona, y planea apoderarse de un refugio natural de los nativos hawaianos para sus propios negocios oscuros. A partir de ese momento, Ryan arriesgará su propia vida en una misión de infiltración, repleta de balaceras y persecuciones, con el único objetivo de derrocar al poderoso capo criminal."Ryan Swan se adentra en el mundo del crimen hawaiano para vengarse del jefe de la mafia que asesinó a su padre", dice la sinopsis oficial que invita a darle play.Más allá de la adrenalina y los paisajes tropicales, el verdadero gran atractivo de Un paraíso peligroso radica en la nostalgia: la producción logró el esperado reencuentro en pantalla de Bruce Willis y John Travolta. Las dos leyendas de Hollywood no compartían rodaje desde hacía casi tres décadas, cuando hicieron historia en el clásico de culto Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino. Tres películas para ver en Netflix si te gustó Un paraíso peligroso1. Triple frontera (2019)Cinco exsoldados se reúnen para robarle su fortuna a un narcotraficante en la notoria zona fronteriza de Paraguay, Argentina y Brasil y provocan una cadena de consecuencias no deseadas. Duración: 2 h 5 min. Ver Triple frontera.2. El escape perfecto (2009)Los recién casados Cydney y Cliff celebran su luna de miel paseando por una apartada región de Hawái. Su viaje idílico da un giro escalofriante cuando descubren a unos excursionistas aterrorizados que aseguran haber visto a otra pareja que fue brutalmente asesinada. Duración: 1 h 38 min. Ver El escape perfecto.Escape perfecto, tráiler3. Reptiles (2023)Tras el brutal asesinato de una joven agente inmobiliaria, un detective experimentado intenta descubrir la verdad en un caso en el que nada es lo que parece y, al hacerlo, desmonta las ilusiones de su propia vida. Duración: 2 h 16 min. Ver Reptiles.

Manuela Ocón: Quienes producimos películas tenemos el mejor trabajo del mundo

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este sábado 4 de julio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Cinco películas escondidas de grandes directores que hay que conocer

Es probable que no lo sepan, pero si contamos todas las plataformas disponibles hoy en la Argentina (las pagas, por lo menos) hay cerca de 20.000 películas a disposición. Aunque hay ciertos seres humanos que son capaces de haber visto tal cantidad â??y el autor conoce un par, aunque de lejosâ??, resulta un acervo inabarcable para el aficionado. Y eso si no tenemos en cuenta todo lo que falta: no vamos a dejar de protestar por la ausencia de clásicos, por el hecho de que muchos de esos maestros que parecían obligatorios hace algunas décadas (Ingmar Bergman o Federico Fellini) o siempre (John Ford o Douglas Sirk) están prácticamente ausentes de los catálogos. Sin embargo, el buceo en las procelosas aguas de los servidores permite encontrar todavía mucho para ver y eludir con elegancia el último grito publicitario hecho rápido y a reglamento para tener "otra novedad" en el catálogo. Seamos etimológicos: "elegancia" es la acción y el efecto de "elegir". Así que aquí elegimos para la amable lectora y el comprometido lector algunos títulos que, sorpresa, se pueden ver en la Argentina y a los que no va a llegar tan fácil. Spoiler: la mayoría no tuvo estreno comercial â??y algunos tampoco edición en videoâ?? en estas pampas, y todas corresponden o a grandes autores o, por lo menos, a directores de peso.Rebeldes y confundidos (Mubi)Vamos con un clásico de clásicos que â??adivinenâ?? nadie quiso estrenar acá. Se trata de la segunda película de Richard Linklater, Rebeldes y confundidos (Mubi), semillero de actores (debutó ahí Matthew McConaughey, con un personaje que se volvió icónico aunque iba a tener sólo una aparición) y que narra el último día de clases de una secundaria en Texas. Lo que implica que los del último año van a hacerle la vida imposible a los que recién entraron, pero eso es casi lo de menos. Con un uso muy preciso del tiempo y el espacio â??todo transcurre en alrededor de 24 horasâ?? y una descripción completamente realista de las relaciones adolescentes que incluye desde la torpeza hasta la súbita iluminación (una de las secuencias finales, en un campo de fútbol americano, es central en este sentido), va más allá de la típica "comedia del secundario". De hecho, parece que aceptara los clichés de ese subgénero para quebrarlos con amabilidad y humor, aunque no carece de momentos tensos y dramáticos. Linklater, en ese sentido, siempre tuvo la sensibilidad del documentalista, del que sabe que la vida no es ni toda risas ni toda lágrimas, aunque aquí se inclina un poco más por las primeras. Es una película rigurosa en lo formal, pero libre respecto de lo que narra; fue un fracaso de público en su estreno y se convirtió en un clásico absoluto. Por ahí andan Ben Affleck, Parker Posey, Adam Goldberg y Mila Jovovich.Pacto con la muerte (SonyOne)Hablando de autores o de nombres importantes, no deja de serlo el del alemán Barbet Schroeder. Aunque eso de "alemán" le queda chico a un hombre que, tras ser productor de las películas de Eric Rohmer, rodó en muchos países y un poco de todo. Quizás recuerden, sobre todo, su película más exitosa, La virgen de los sicarios, realizada en Colombia. O su muy premiada Mi secreto me condena, sobre el affaire Von Bulow y que le dio un Oscar a Jeremy Irons. Pero aunque no lo crean, este hombre rodó un delirio impresionante de acción y suspenso en pleno corazón de Hollywood y con dos -entonces- estrellas imbatibles, película que en la Argentina quedó sepultada en el "directo a video" porque en el mundo no obtuvo suficiente recaudación. En SonyOne figura como Pacto con la muerte y la protagonizan Michael Keaton y Andy García. Keaton es un asesino psicópata condenado a muerte. También es el único donante de corazón compatible con el hijito de García, el detective que lo encarceló. Adivinen: cuando lo están por operar (sí, a Keaton lo ejecutan mientras lo operan), el tipo escapa destrozando gente y no se lo puede matar porque el niño necesita de ese corazón. Lo interesante de este delirio es que funciona, que uno le cree a los personajes y que la tensión es absoluta. Eso y Keaton, que aquí logró llevar ese personaje que creó para Beetlejuice (el psicópata simpático) a un nivel de credibilidad y perversión extraordinario. Es una excelente película de suspenso que además comenta, con humor negro, los clichés del género y hasta los supera: la media hora final es pura acción de la mejor.La segunda guerra civil (HBO Max)La película que sigue también tuvo, como las dos anteriores, edición en VHS (¡VHS!) en nuestro país y nunca más apareció por ninguna parte hasta que se lanzó HBO Max porque, de hecho, es un telefilm. Y es otra película "de autor". Lateralmente, uno empieza a sospechar que los que manejan el negocio tienen bien claro que los films personales o con estilo propio son mal negocio y es una pena porque lo único que es mal negocio es una mala película (y abundan). En fin, esta es una comedia negra y política dirigida por Joe Dante (Piraña, Gremlins) y llamada La segunda guerra civil. En los EE.UU., un presidente demócrata (interpretado por ese enorme comediante que fue Phil Hartman) ordena recibir a refugiados pakistaníes â??la mayoría, niñosâ?? en el estado de Idaho. Pero el gobernador (Beau Bridges) desobedece, cierra las fronteras y declara la cesesión con un discurso xenófobo. Discurso cuestionado por una periodista de origen mexicano que, lateral e irónicamente, es su amante. Hay una secuencia de reunión de gabinete en la Casa Blanca que es una joya de sátira política, con un duelo de comendiantes entre Hartman y James Coburn (que siempre supo cómo hacer reír aunque interpretara tipos duros); hay una disección notable sobre el periodismo (el personaje de James Earl Jones parece ser el único que comprende el término "ética") y en cierto momento lo risueño desaparece y las cosas se ponen violentas y trágicas. Por varias razones, La segunda guerra civil, rodada hace cerca de tres décadas, hoy es mucho más relevante que entonces, más adecuada a lo que nos toca vivir. Y es también curioso que satirizara a Clinton, pero mucho se aplica a la administración Trump. Eso tienen las buenas películas: trascienden nombres propios y fechas fijas.Inventing the Abbots (Disney +)Hubo un tiempo en los años noventa en los que se habló mucho del "cine independiente americano", algo parecido a un movimiento que dio varios cineastas a Hollywood, muchos de los cuales dejaron de ser, en cierto sentido, independientes. Había muchas películas que tenían la siguiente estructura: un visitante que vuelve a su pequeño pueblo natal a saldar cuentas y revisar su propio pasado que descubre, de paso, varios secretos dramáticos. Y eran además películas corales, con muchos actores conocidos en pocas escenas (era más barato así). Entre esos films hay excelentes, buenos y mediocres, pero, curiosamente, no hay malos. Suelen ser realistas. Entre los mejores con tal esquema, y que representa bien el estilo, figura Inventing the Abbots, que tampoco tuvo jamás estreno comercial en la Argentina (está en Disney+). Ahora bien, resulta que su realizador es británico (Pat O'Connor) y tenía en su haber otras películas sobre mundos pequeños y sensibles (si ven por ahí Cal, con Helen Mirren, no lo duden: de lo mejor de la actriz). Lo que quizás explique el tempo pausado pero no lento, el desarrollo de la psicología de los personajes o sus gestos pequeños en lugar del estruendo o la "gran escena", etcétera. Aquí tenemos el pueblo chico donde dos hermanos de clase trabajadora (Billy Crudup y Joaquin Phoenix) se enamoran de dos hermanas de clase adinerada (Jennifer Connelly y Liv Tyler). Y en medio de momentos románticos y postales de vida cotidiana, se va descubriendo un secreto oscuro en el pasado de ambas familias. Es un muy buen melodrama con no poco de crítica social como marco.El cerebro del billón de dólares (Prime Video)Y cerremos esta selección con algo que debería figurar en los primeros puestos del delirio cinematográfico, una obra que parece imposible de pensar dado lo que sabemos de sus realizadores e intérpretes. Se llamó en el original El cerebro del billón de dólares, pero figura en Prime Video como Con el mundo a sus pies. En principio, parece ser de esas películas que se hicieron como clones de James Bond en los años sesenta. Pero esta, a diferencia de las parodias más evidentes como Matt Helm -con Dean Martin- o Flint -con James Coburn-, es un poco distinta y al mismo tiempo más delirante, porque lo que satiriza es la propia política en lugar del género. En principio, el protagonista es Michael Caine, en una de las dos aventuras que hizo como el agente Harry Palmer. De paso, es este personaje el que realmente parodia a Mike Myers en Austin Powers (¿recuerdan que en la tercera el papá de Austin es justamente Michael Caine?). La segunda rareza es que el director es Ken Russell, que aún no había hecho Mujeres enamoradas o Los demonios o Lisztomanía o Estados alterados, pero sí, ya estaba bastante demente. Y luego, la trama: un magnate hipermillonario tejano y bastante neonazi quiere eliminar el comunismo. Para ello crea una red de espías para causar una guerra en países soviéticos, todo programado por una supercomputadora. Es una película pop delirante disfrazada a veces de "seria", y el tono de las actuaciones recuerda mucho a la contemporánea serie británica Los Vengadores (no, nada que ver con Marvel y todo que ver con Patrick McNee y Diana Rigg). Russell realmente se divierte y se nota que Caine también. Y sin embargo, la manera en la que retrata la Guerra Fría como una especie de desquicio en el que todos fingen algo en lo que no creen, o los planos casi de historieta con ejércitos o camiones, o el hecho de que tipos como Karl Malden tengan claro cuál es el tono irónico de la película, le otorgan un extra que la hace también comentario sobre el presente y los desbordes potenciales de la tecnocracia. No hay películas así o, mejor dicho, andan escondidas. Seguiremos buceando.

El castillo medieval de Italia a 1.500 metros de altitud: un paraíso de película entre las nubes que un terremoto casi destruyó y Hollywood recuperó

Rocca Calascio es una de las fortificaciones construidas a mayor altitud en toda Europa y ha sido escenario de filmes como 'El nombre de la rosa'

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J.J. Abrams y David Robert Mitchell trasladan las criaturas prehistóricas de las islas remotas de Jurassic Park a un barrio residencial donde una familia común enfrenta lo extraordinario, con estreno previsto para el 14 de agosto. La palabra del director a Empire

Qué veo en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar este fin de semana del 4 y 5 de julio

Las bajas temperaturas azotan a gran parte del país y, si bien algunos esperan el fin de semana para salir de casa, dar un paseo o visitar algún rincón desconocido, la mayoría prefiere quedarse en la comodidad y la calidez del hogar para sumergirse en el mejor contenido de Netflix.En ese sentido es que el gigante del streaming dejó listo, como cada viernes, el ranking de las producciones más vistas por los suscriptores de Argentina para que disfrutes durante este sábado 4 y domingo 5 de julio. Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.2. Mi otra yo, temporada 3 (2026)Drama/Romance. Esta entrega se centra en sus nuevas etapas personales, mientras confrontan traumas familiares, dilemas y relaciones sentimentales en el pueblo costero de Ayvalık. Las protagonistas buscan un nuevo comienzo y sanar de sus miedos, lidiando con decisiones trascendentales que lo cambian todo. Duración: ocho episodios. Ver Mi otra yo, temporada 3.3. El polígamo (2026)Drama/Romance. Joyce, muy popular en las redes sociales, parece el ejemplo ideal de la felicidad conyugal... hasta que las conquistas de su marido infiel desencadenan una gran crisis. Duración: 22 episodios. Ver El polígamo.4. Love is Blind Argentina, segunda temporada (2026)Reality/Romance. Un grupo de solteros intenta enamorarse y comprometerse sin verse físicamente, comunicándose únicamente a través de unas cabinas. Las parejas que logran un vínculo se comprometen, se conocen en persona y conviven antes de decidir si realmente se casan en el altar. Duración: dos temporadas. Ver Love is Blind, segunda temporada.5. Avatar: la leyenda de Aang (2024)Aventura/Acción. Un chico de 12 años y sus amigos deben usar sus poderes para salvar al mundo del maléfico Señor del Fuego y traer paz para las tres naciones. Duración: dos temporadas. Ver Avatar: la leyenda de Aang.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Contrarreloj (2023)Acción/Suspenso. Matt, un empresario estadounidense que reside en Berlín lleva a sus dos hijos en auto cuando, de improvisto, recibe una llamada. Un desconocido le informa de que hay una bomba en el vehículo y la hará estallar si no sigue sus indicaciones. Duración: 1 h 31 min. Ver Contrarreloj.2. Enola Holmes 3 (2026)Intriga/Comedia. La detective Enola Holmes viaja a Malta para casarse, donde sus aspiraciones personales se entremezclan con su caso más complejo y peligroso hasta la fecha: el secuestro de su hermano Sherlock el día de la ceremonia. Duración: 1 h 48 min. Ver Enola Holmes 3.3. Un paraíso peligroso (2022)Acción/Suspenso. Ryan Swan se adentra en el mundo del crimen hawaiano para vengarse del jefe de la mafia que asesinó a su padre. Duración: 1 h 32 min. Ver Un paraíso peligroso.4. Mensajes de voz para Isabelle (2026)Romance/Comedia. Los mensajes de voz que una joven le envía a su hermana fallecida terminan llegando a manos de un desconocido, quien comienza a enamorarse de ella a pesar de la distancia. Duración: 1 h 58 min. Ver Mensajes de voz para Isabelle.5. Sin refugio (2024)Acción/Suspenso. Un francotirador profesional está atrapado en un ático de cristal y debe encontrar la manera de sobrevivir y escapar. Duración: 1 h 30 min. Ver Sin refugio.

Pese al pedido de los fans, el director de Ratatouille descarta una nueva película: "Esa historia ya está contada"

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Lo más visto en Netflix Panamá: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Lo más visto en Netflix Perú: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Lo más visto en Netflix Estados Unidos: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Lo más visto en Netflix Uruguay: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Lo más visto en Netflix Venezuela: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este viernes 3 de julio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Las películas preferidas del público argentino: predecibles y muchas sorpresas

"Toy Story 5" y "El diablo viste a la moda 2" lideraron el lote de las que llevaron más público de enero a junio.Las argentinas, lejos del Top 20. Las cifras siguen bajando, pero junio tuvo alzas y se vienen las vacaciones de invierno.

Jodie Foster, sobre la más reciente película de Brad Pitt: "Parece haber sido hecha por inteligencia artificial"

Jodie Foster abordó esta semana uno de los temas que, por lo bajo, más se comentan en Hollywood: cómo la irrupción de los distintos modelos de inteligencia artificial están cambiando la manera en la que se hace cine, pero también la manera de contar una historia y hasta de actuarla. La actriz de El silencio de los inocentes realizó estas reflexiones en una charla titulada "¿Quién es el dueño del futuro de Hollywood?", que se llevó a cabo este martes en el Festival de Ideas de Aspen. Allí, mientras reflexionaba junto a Michael Lynton, ex director ejecutivo de Sony Pictures, sobre los cambios en la industria del cine, mencionó a F1, la película protagonizada por Brad Pitt, como ejemplo de cómo las máquinas ya comenzaron a marcar su identidad en las películas. Foster comentó entre risas que la película de carreras protagonizada parecía haber sido realizada por inteligencia artificial. "No lo digo con desdén, ¿cómo podría? Esta película recaudó millones de dólares. Pero veo una película como F1 y pienso: 'F1 fue creada por IA'", aseveró, ante la atenta mirada del público presente. Y continuó: "¿No es así? Es decir, la estructura era exactamente la que se aprende en la escuela. Los actores recitan sus diálogos tal como si hubiesen sido escritos por una computadora, diciendo exactamente lo que corresponde que digan en cada momento". Pero no todas fueron críticas. La actriz dejó en claro que, más allá de que reconoce la impronta no humana en aquel film, el resultado no le pareció malo. "Lograron dominar la tecnología para crear algo grandioso y hermoso, y potencialmente con mucha información proveniente de otras fuentes", aseguró.F1 sigue a Sonny Hayes (Pitt), un expiloto de Fórmula 1 que, tras años de ausencia, regresa a la pista para salvar a un equipo en crisis y entrenar a un joven y prometedor piloto, encarnado por Damson Idris. La película, dirigida y escrita por Joseph Kosinski junto a Ehren Kruger, recaudó 634 millones de dólares en todo el mundo y fue nominada a cuatro premios Oscar, incluyendo mejor película, y se alzó con la estatuilla de mejor sonido."La inteligencia artificial supone un paso de gigante más hacia la transformación de la industria", reflexionó Foster tras detallar los cambios que la tecnología digital y los efectos especiales generados por ordenador han traído al negocio del cine."La gran pregunta es: ¿Va a reemplazar a los actores y guionistas?, preguntó Lynton. Y la respuesta de Foster fue tajante: "Sí, va a reemplazar gente". La actriz explicó cómo los estudios ahorran dinero en las escenas con multitudes al duplicar a los extras. "Estamos eliminando muchos puestos de trabajo y, con suerte, los sindicatos podrán intervenir y decir: 'Pueden usar a mi actor 20 veces, pero le pagarán 20 veces'. Y creo que eso es justo".Foster afirmó que, para "cosas pequeñas y útiles", como la previsualización (la creación de escenas de películas antes de la producción), las herramientas de inteligencia artificial pueden ser de gran ayuda. "Lo que todos desearíamos es que los cineastas dominaran la IA y nunca perdieran de vista ese objetivo". Puso como ejemplo una secuencia onírica, con la ayuda de la IA, en su película más reciente, Vie privée, que consideró un éxito, a pesar de que las imágenes "no tenían sentido"."Si logramos dominar la IA de forma constante a lo largo del tiempo, podremos crear cosas que nos reflejen y podremos mejorarlas", afirmó.

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Los caminantes de la calle: una película diferente que lograr cumplir con lo que se propone

Los caminantes de la calle (Argentina, Perú / 2025). Dirección: Juan Martín Hsu. Guion: Martín Hsu y Marcelo Pitrola. Fotografía: Roman Kasseroller. Edición: Ana Remón. Música: Mowat y Jorge "Awelo" Miranda. Elenco: Victoria Almeida, Chien Min Lee, Andrés Alberto Tan He, Yuchen Che, Alex Kawen y León Yee. Duración: 90 minutos. Nuestra opinión: buena. 3 starsUna familia china cena en su restaurante mientras mira por televisión una película de Wu-xia, el género tradicional de espadachines que transcurre en una era mítica. La banda sonora exaltada del film de acción subraya de modo anómalo las circunstancias más prosaicas pero no menos dramáticas de estos personajes contemporáneos: una llamada interrumpe la cena y una voz al teléfono exige un pago exorbitante para terminar con una amenaza de muerte. El rojo y el amarillo de la fachada del restaurant y el neón del interior anticipan una fotografía de colores inflamados, como las de Christopher Doyle en las películas de Wong Kar-wai. Poco después, dos motociclistas anónimos que parecen salidos de una película de John Woo, uniformados de negro desde el casco hasta las botas, disparan a quemarropa contra el personal y clientes del local. Luego de este prólogo cargado de señales que apuntan al cine de acción asiático e insospechado para una película argentina, las contraseñas estéticas cambian un poco y sigue otra película, más normalizada y asentada en el realismo, que abandona las promesas de esos primeros minutos. Esto no quiere decir que sea convencional: está hablada en buena parte en cantonés y trata del enfrentamiento de dos facciones de la mafia china con el atípico fondo, para este relato, del paisaje mendocino. La trama queda separada en dos líneas paralelas que insinúan la desconexión entre las dos culturas. Por un lado, se desarrolla la historia de un conjunto de migrantes chinos, en particular una familia de comerciantes y un grupo de mujeres traídas como mercancía, en el marco de una guerra entre dos grupos mafiosos conocidos como el Tigre y la Serpiente, que pugnan por el control extorsivo de su comunidad. Por el otro, hay una investigación policial de estos clanes delictivos a cargo de la fiscal argentina Belenguer (Victoria Almeida) ayudada por el policía chino y traductor de cantonés Li (Chien Min Lee). Dentro del marco prestado, aparentemente, por una noticia periodística que el director leyó en el diario, el guion inserta un tópico característico del Wu-xia y también del policial negro, el género que regula este relato: la aparición de un personaje marginal que resulta tener un código moral y toma la determinación de hacer lo correcto. Este es el soldado callejero Xu (Andrés Tan He), un mafioso de baja ralea que entabla un vínculo con una joven víctima de su organización, solo conocida como La Pujanesa (Yuchen Che), a quien decide rescatar y entregar a su familia, sin calcular plenamente los riesgos.Seguramente debido a su historia familiar, la experiencia de las personas migrantes es un tema central en los tres largometrajes del realizador argentino e hijo de inmigrantes taiwaneses Juan Martín Hsu. Aquí aparecen representados con una insularidad extrema, como si vivieran en una realidad desfasada de la del país que habitan. En este policial, toda injusticia y justica recibida por los chinos proviene de otros chinos, no de instituciones del estado argentino. Aunque la fiscal intenta descifrar el mundo de sombras de estas organizaciones criminales, toda su actividad, su línea narrativa, casi no tiene efectos sobre el otro lado de la trama, que permanece impermeable. Así la película establece el aislamiento del migrante, al tiempo que se indica la insalvable impotencia de la ley, la idea que prácticamente funda el noir.Para alguien que no habla chino -como este cronista-, hay una brutal diferencia de eficacia entre las escenas en chino y las habladas en castellano. Si bien está claro que el director busca un estilo contemplativo y una suerte de grado cero de la emoción, aquí las intercambios en chino parecen fluir con una neutra naturalidad mientras que los que son en castellano se sienten forzados: exposiciones crudas que suelen cerrar con un "entiendo". La calidad de las actuaciones también fluctúa mucho (algunos actores no son profesionales). Con estos problemas y algunas inconsistencias narrativas -la investigación pasa de avanzar muy lento a muy rápido cuando hay que cerrar la película-, Los caminantes de la calle es una obra que logra lo que se propone y resulta muy distinta a cualquier otra del cine argentino actual.

Enola Holmes 3: lo mejor y lo peor de la nueva película de Millie Bobby Brown

"Las grandes historias comienzan con una boda", dice Enola Holmes, el personaje interpretado por Millie Bobby Brown, en la tercera entrega de la saga de la hermana menor de Sherlock Holmes, una talentosa detective a la altura de la fama de su familia. De hecho, la nueva película vuelve sobre el tema que recorrían los dos films anteriores aunque con un giro novedoso: después de conseguir ser reconocida como una gran investigadora más allá de la sombra de su misantrópico hermano, Enola está a punto de asumir una nueva identidad, la de esposa, que no la termina de conformar. Porque ella es, antes que todo, una rebelde decidida a hacer las cosas a su modo, sin importar lo que la sociedad victoriana le tenga reservado a las mujeres de su clase y edad. Acostumbrados a utilizar la lógica y la racionalidad que aprendió desde la cuna, las emociones son un misterio que los Holmes no tienen herramientas para resolver. Es más, en la trama Sherlock identifica la sensibilidad de Enola como un defecto de carácter imperdonable. Y ahí radica el conflicto principal del film. Hasta ahora las películas basadas en las novelas de Nancy Springer estaban repletas de escenas de acción, de aventuras juveniles diseñadas a la medida de su carismática protagonista, pero es recién en este tercer film que Brown a todo eso le suma al personaje una madurez que refleja la suya. Lo mejorUna mujer modernaMás allá de las muchas licencias históricas y culturales que se toma el guion para retratar a la Inglaterra victoriana, la premisa de esta película propone un conflicto muy real: Enola está enamorada de Lord Tewkesbury (Louis Partridge), su interés romántico desde la primera entrega, pero casarse con él implicaría unos sacrificios que no está convencida de querer afrontar. La vida de la aristocracia británica no parece ser el escenario más fértil para desarrollar sus ambiciones profesionales y esa duda transforma a la adolescente de siempre en la joven mujer que es más de la suma de sus talentos detectivescos. En este tipo de saga de entretenimiento suelen demorarse hasta lo ridículo los cambios vitales que atraviesan sus protagonistas juveniles, pero aquí Brown en su rol de productora, desafía esas convenciones. Tal vez porque sabe que sus espectadores crecieron a la par de ella. Así como las primeras dos entregas de la saga estaban dirigidas al público infantil, esta vez la trama apunta a un segmento algo mayor. Los chicos crecen y los personajes también. Mamá hay una solaA pesar de que no conviene adelantar detalles de su participación, sí se puede decir que tras convertirse en fugitiva de la justicia en el segundo film, Eudoria Holmes, la peculiar matriarca del clan, vuelve a escena. Tan independiente como indolente ante las preocupaciones de su hija, el personaje brilla gracias a la interpretación de Helena Bonham Carter, posiblemente la única actriz capaz de encarnar las excentricidades de Eudoria sin volverla una caricatura. En la dirección correcta Aunque en este tipo de franquicia no se destacan las marcas autorales de sus directores, en este caso la influencia de los realizadores se nota en pantalla. Detrás de la cámara en las dos primeras películas estuvo el realizador británico Harry Bradbeer, reconocido por haber dirigido la extraordinaria Fleabag. Más que versado en la ruptura de la cuarta pared, el recurso que utilizó con maestría la serie de Phoebe Waller-Bridge, Bradbeer era el realizador ideal para poner esa herramienta narrativa en uso en Enola Holmes. Y ahora, ya aceptada esa convención, la tercera parte necesitaba un director que le sumara vértigo y un tipo de edición que encajara todas las piezas del cuento como un rompecabezas. Para eso se sumó al equipo Philip Barantini, el celebrado director de la miniserie Adolescencia, que aportó al film algunas de esas trepidantes secuencias desplegadas en el fenómeno de Netflix. Se trata, además, de una reunión entre el realizador y Jack Thorne, guionista de toda la saga Enola Holmes y que también formó parte del equipo de escritores de Adolescencia. Thorne volverá a hacer equipo con Brown en la recientemente anunciada miniserie de Netflix que la actriz protagonizará junto a David Harbour, su "papá" en Stranger Things. Los escenarios en MaltaLa decisión de situar la trama fuera de Londres y en su lugar desarrollar el cuento en la isla de Malta le da a la nueva película el aspecto distintivo que necesitaba. Las persecuciones, las peleas cuerpo a cuerpo, los misterios a resolver y los pasajes románticos adquieren una textura que de alguna manera encaja con la etapa que atraviesa su personaje central y con el recorrido que emprenderá en adelante. Lo peorNo tan Super SherlockEl personaje creado por Arthur Conan Doyle ya tuvo numerosas adaptaciones, versiones y encarnaciones. Las historias del detective preferido de Hollywood parecen tener una inagotable capacidad para contarse una y otra vez desde diferentes puntos de vista y ambientaciones, aunque el éxito de esos relatos siempre depende de la interpretación que el actor en cuestión haga del maniático Sherlock. En el caso de la trilogía de Enola Holmes, esa responsabilidad recayó en Henry Cavill, un intérprete al que no suele identificarse con el tipo de héroe cerebral y racional creado por Doyle. Aunque aquí Sherlock es un personaje secundario que funciona como el catalizador del espíritu aventurero de Enola también es cierto que el guion lo presenta como su mayor enemigo interno, el que le pone voz a las dudas de la protagonista, un rol en el que Cavill, el ex Superman de DC, no alcanza a convencer. Demasiados enredos Una parte fundamental del atractivo de las historias de detectives es contar con un misterio lo suficientemente interesante para atrapar la atención de los espectadores y desafiarlos a que intenten resolverlo del otro lado de la pantalla. En este caso, la intriga que combina un par de asesinatos y un par de secuestros, un incendio y una subtrama antiimperialista, tiene muchos puntos ciegos y unas cuantas incongruencias que llegan a confundir. El relato demasiado recargado de giros y escaso en deducciones brillantes no le hace justicia a la tradición del detective británico. Aunque tal vez ese sea el punto: en Enola Holmes las tradiciones incomodan más de lo que ayudan.

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este jueves 2 de julio de 2026 en Argentina

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Moscas, la película que hay que buscar, y ver, para no arrepentirse

Mejor no perdérsela. La realización mexicana tiene tres protagonistas y es una historia querible.La dirigió Fernando Eimbcke, el de "Temporada de patos".

Josh Brolin reveló que tuvo un ataque de pánico tras filmar la primera escena de su última película

Josh Brolin reveló que estuvo a punto de abandonar el rodaje de La guerra de los últimos, la nueva película de Ridley Scott, tras sufrir un ataque de pánico a minutos de haber pisado el set. El actor, de 58 años, habló en una nota reciente publicada por la revista Empire, en la que reconstruyó los primeros días de filmación junto al director británico de 88 años. Según contó, el método de trabajo de Scott lo tomó completamente por sorpresa. "Ridley contaba muchas historias y no ensayaba de verdad", recordó Brolin. "Eso me inquietó y me asusté mucho. Volví, llamé a mi agente y le dije: 'Quiero irme. Algo anda muy mal y tengo que largarme de aquí'", rememoró.La ausencia de ensayos formales y la sensación de estar improvisando por completo generaron en el actor una crisis de confianza que casi lo llevó a dejar el proyecto. Sin embargo, dos factores resultaron determinantes para que decidiera quedarse.En primer lugar, su agente â??a quien describió como "un amigo cercano"â?? le sugirió tomarse un día antes de tomar cualquier decisión drástica. La respuesta de Brolin fue contundente: "Yo le dije: 'No, hombre, sé perfectamente lo que estás haciendo'". Pero decidió hacerle caso.El segundo factor, y quizás el más revelador, fue una conversación directa con Scott. El director lo invitó a su tráiler para mostrarle el material que acababan de filmar. "Me dijo: 'Vení'. Y me mostró la escena que acabábamos de terminar", relató el actor. "Era una escena muy buena y dinámica entre Jacob [Elordi] y yo, y él me preguntó: '¿Estás conforme'. Yo le respondí: 'Estoy conforme', y entonces empecé a inspirarme en eso", relató. Ese gesto marcó un punto de inflexión. A partir de ahí, Brolin comenzó a confiar en el proceso creativo de Scott, aunque admite que la adaptación no fue inmediata pese a que ya habían trabajado juntos en Gángster americano (2007). El estilo dinámico y multicámara del director volvió a representar un desafío. "Me llevó un par de días asimilarlo del todo, y luego me enganché por completo porque era increíblemente creativo y tremendamente arriesgado", explicó.El actor, que también integra el elenco de La hora de la desaparición, reconoció que había estado buscando activamente proyectos de este tipo, aunque su primera reacción fue de resistencia. Con el tiempo, la experiencia terminó consolidándose como una de las más gratificantes de su carrera. "Se convirtió en uno de los proyectos más creativos y satisfactorios en los que he participado", aseguró.La guerra de los últimos se estrena a fines de agosto y está basada en la novela homónima de Peter Heller, publicada en 2012, con guion adaptado por Mark L. Smith. La historia sigue a Hig, un piloto civil interpretado por Elordi, que sobrevive en un brutal escenario postapocalíptico hasta que una misteriosa transmisión de radio lo empuja a partir en busca de esperanza y humanidad.El filme, en el que Brolin interpreta el papel del exsoldado Bangley, completa su elenco con Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong y Allison Janney.

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Andy Muschietti: el argentino que dirigió It le pone voz "tanguera" a la nueva película de los Minions

El argentino Andy Muschietti (52) -en tándem con su hermana Bárbara, como productora- ya es una cara familiar en Hollywood: fue el creador de Mamá, el cortometraje de 2008 que llamó la atención de Guillermo del Toro y se convirtió en un largometraje que, allá por 2013, llegó al primer puesto de la taquilla estadounidense; dirigió It (2017), que fue todo un suceso, e It: Capítulo 2 (2019), adaptaciones del clásico de Stephen King que, además, le valieron una estrecha relación con el escritor; es la mente creativa detrás de It: Bienvenidos a Derry (2025), la exitosa serie que oficia de precuela de la historia del payaso Pennywise, cuya segunda temporada está actualmente en faceta de escritura, y puso un pie en el mundo de los superhéroes al frente de The Flash (2023), de DC. Entre los proyectos que lo tienen como director o como productor, el oriundo de Vicente López (que se crió en Acassuso) llegó a la pantalla grande como actor de doblaje en Minions & monstruos, la nueva película de los simpáticos personajes amarillos que, en esta entrega que hoy se estrena en los cines de Argentina, se convierten en estrellas de cine, liberan criaturas peligrosas e intentan salvar al planeta del caos que ellos mismos provocaron. Allí, Muschietti pone su voz a Max -en la versión original en inglés lo interpreta Christoph Waltz-, un director de cine tan severo como afectuoso cuyo set de rodaje es invadido por los minions. En diálogo con LA NACION, el argentino contó su inspiración detrás del tono arrabalero de su personaje -que incluye una famosa frase de Lionel Messi-, en qué etapa se encuentra la segunda temporada de It: bienvenidos a Derry y su deseo para el Mundial.-¿Es tu debut como actor de doblaje?-Tengo que aclarar que hice una pequeña participación en una película de Ramiro San Honorio, George Pal: un Marciano de Hollywood en Argentina, donde hice la locución; pero bueno, es otro animal [se ríe]. Me sentí muy honrado cuando me pidieron participar en Minions & monstruos porque la verdad es que no soy actor, pero el concepto era traer a un director latinoamericano para hacer el doblaje y sentí que lo podía hacer. La película me pareció fascinante, muy divertida, la premisa es genial. Dije: "¿Por qué no? Vamos a hacerlo. Si nos equivocamos, nos equivocamos". Pero creo que salió. -La película está cargada de referencias a la historia del cine: personajes como Charles Chaplin, la transición del cine mudo al sonoro y mucho más. ¿Te divertiste encontrando esas referencias?-Está lleno de lo que acá llaman huevos de Pascua, los easter eggs, no hay un plano en la película que no tenga uno de esos y es fascinante verlo. Es muy sutil, pero si prestás atención o ves la película dos o tres veces no te vas a perder nada. Están los grandes íconos del cine mudo como Harold Lloyd, Buster Keaton, Chaplin, están todos en algún momento, en algún rincón del cuadro, y es otro nivel de apreciación de la peli que merece una segunda mirada.-Sos un director de cine que interpreta a un director de cine. ¿Hay algo de tu experiencia que volcaste en Max, tu personaje?-Lo que yo comparto es el estrés que el tipo tiene cuando las cosas no salen, obviamente, porque todos pasamos por cosas así. Su personalidad es distinta, es un tipo neurótico, cascarrabias, peticito. Yo no soy eso pero hay una empatía con el personaje que tiene que ver con alguien que hace tu mismo trabajo y que se enfrenta a los mismos problemas. Y es fascinante porque no hay una escena en esta película con la que yo no me identifique, o que de alguna manera no me haya pasado. Y ese es otro de los atributos de la peli, que tiene una observación por los detalles que es genial. -La voz en inglés de tu personaje la hace Christoph Waltz. ¿Viste algo de lo que él hizo o se trabaja de forma separada?-Yo vi y escuché su performance y me pareció genial, Christoph Waltz es un gigante. Por cómo funcionan las cosas, la animación de esta peli empieza con su trabajo y el de todos los actores, después se anima en base a eso y, en mi caso, es una tercera capa donde uno básicamente trata de hacer una performance basada en la performance que ya está establecida. Obviamente poniéndole el color y la textura local.-En tu doblaje hay un lunfardo bastante marcado y una frase de Messi del Mundial anterior que recorrió el mundo. ¿Fueron ideas tuyas o te lo pidieron así?-¡No sé si quedó esa frase! [efectivamente está en el corte final de la película]. Universal me dijo: "Hacelo en argentino". Y yo les dije que soy argentino, no podía hacer de alemán [como Christoph Waltz], pero la idea era darle esa cosa local. Esto sucede en los años 20. No digo que todo el mundo en esa época hablaba con un acento tanguero y lunfardo, pero dije: "Vamos a hacerlo así". A mí me gusta mucho el tango y cuando ves las viejas películas de Gardel o las grabaciones de Gardel y su entorno hablando, era muy marcado ese tipo de enunciación. También, crecí en los 70 donde los personajes de Manuel García Ferré eran muy prominentes y quise hacer una especie de homenaje a Pucho, que a su vez era un homenaje a la manera en la que hablaban todos estos personajes en las películas y en otras expresiones artísticas de los años 20 y 30. Es un acento que se fue erosionando a través del tiempo, así que creo que es mi humilde homenaje a ese sonido. -James, uno de los minions, es un apasionado por contar historias que dibuja monstruos y descubre la magia del cine. ¿Te remontó a tu infancia cuando descubriste esa misma pasión mirando películas o cuando tu padre te las relataba?-Sin duda. Además, los Minions tienen una parte que es muy infantil también. Entonces, es como una especie de reflejo de cuando sos un niño y estás lleno de imaginación y fantasía y no te para nada. Después, es un camino de aprendizaje, pero en los primeros impulsos hacés lo que querés, dibujás en la pared; yo dibujaba mucho en la pared también. La fascinación que uno tiene por el cine cuando es un niño es difícil de sentir el resto de tu vida.-¿Cómo muta esa pasión cuando ya sos director y productor y tenés otras responsabilidades y obstáculos? -Hay que seguir creando, hay que mantener al niño interno vivo todo el tiempo. El niño está siempre, tenés que escucharlo, tenés que darle espacio a ese niño que se sigue fascinando y tiene esa capacidad de sorpresa, creación y libertad. Es una lucha y lo saben todos los creadores y los artistas a medida que se hacen grandes. It, que es una de las películas que hice, habla sobre eso. Stephen King habla sobre el tesoro de la infancia y la muerte de la infancia. Cuando uno pasa a ser adolescente y después adulto deja atrás un mundo de imaginación y fantasía, que es un comentario sobre el artista a lo largo de su vida, y Stephen King lo tiene muy a flor de piel al niño interno.-¿Qué nos podés contar de la segunda temporada de It: Bienvenidos a Derry?-Estamos trabajando en la segunda temporada, está buenísima, transcurre en 1935. Ahora mismo estamos escribiendo los guiones y ya a principios del año que viene entramos en producción. Después, estoy preparando una peli de terror que es más pequeña. La escribí yo con otro escritor y también espero poder producirla a principios del año que viene. -También se acaba de confirmar otra película que producís con tu hermana, un thriller psicosexual llamado Exposure. -Sí, es uno de los proyectos que tenemos como productores. Estoy como productor, pero no estoy tan envuelto como en mis propios proyectos. -¿Estás siguiendo el Mundial?-¿Qué te parece? ¡Obvio! ¡Argentina campeón!

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La actriz, que se sometió a una doble mastectomía hace una década, contó en Harper's Bazaar que Couture retrata el diagnóstico, el deseo y la sexualidad con una autenticidad que solo es posible cuando la vivencia es real

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Sony eliminará películas y series de bibliotecas digitales por fin de acuerdo con Studio Canal desde 2026

Los monumentos más raros, locos y bizarros de la Argentina, reunidos en una película

La nueva obra de Néstor Frenkel, realizador de "Todo el año es Navidad" y "Después de un buen día", entre otras, tratará sobre el armado de un catálogo de monumentos no convencionales.El documental será parte de un ambicioso proyecto transmedia que incluye también un Instagram, un libro y un mapa colaborativo. Llegaría a los cines en 2027.

Huida de película: escapó de China en un gomón y con un celular casi sin batería y llegó a Canadá

El disidente chino Dong Guangping intentó huir de su pais varias veces. En todas las ocasiones fue deportado de regreso y enviado a prisión.El mes pasado, lo intentó de nuevo.

La película de Luca Guadagnino sobre Sam Altman queda sin distribuidor tras el retiro de Amazon

Amazon MGM Studios, que originalmente iba a distribuir la obra, decidió retirarse después de que la empresa matriz realizara una fuerte inversión en OpenAI

Filmó con un viejo celular y la película parece una acuarela: Alexandre Koberidze y la belleza de una imagen pobre

El director georgiano estrena Hojas secas, un film rodado con un antiguo Sony Ericsson.En diálogo con Ñ, habla de fútbol, poesía, animales, la crisis política de Georgia y de su deseo de filmar en Rosario.

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'Michael' se convierte en la película biográfica más taquillera de todos los tiempos

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El director Luca Guadagnino rompió el silencio y habló de Artificial, la película que nadie se anima a estrenar

Desde la semana pasada cuando se conoció la noticia de que los estudios Amazon MGM decidieron no distribuir la película Artificial, un retrato de Sam Altman, CEO de OpenAI, dirigido por el reconocido realizador italiano Luca Guadagnino y protagonizado por Andrew Garfield como Altman, muchos en la industria del cine estaban esperando las declaraciones de los responsables creativos del film que por ahora no consiguió ninguna productora dispuesta a estrenarlo. Tal vez para estimular el interés de la industria por la película de 40 millones dólares, el encargado de romper el silencio fue el propio Guadagnino. El viernes pasado, el nominado a Oscar por el film Llámame por mi nombre, participó del programa periodístico de la TV italiana, Otto e Mezzo, y cuando su conductora, Lilli Gruber, le preguntó por qué Amazon había tomado la decisión y qué es lo que consideraron tan peligroso de su película, Guadagnino contestó con mesura pero aprovechó su tiempo en el aire para explicar que el problema de la IA y su evidente poder va mucho más allá de su película o de la herramienta en sí misma. "No puedo decir mucho porque estamos en medio de toda esta situación pero este asunto es una manifestación de las políticas de la industria que ciertamente no son nuevas", comentó el director en comunicación desde Los Ángeles con el ciclo político del Canal 7. Aunque es muy probable que el realizador tenga obligaciones contractuales que le impiden comentar directamente sobre el hecho de que tras firmar un acuerdo de cincuenta mil millones de dólares con la empresa de Altman, Amazon haya decidido deshacerse de Artificial. De todos modos, en el reportaje televisivo el realizador de la película que narra, -a partir de un guion de Simon Rich (Saturday Night Live)-, un momento clave del avance de la IA y muestra al CEO de OpenAI como un sociópata dispuesto a todo por salirse con la suya, dejó sentada su posición. "Rodamos parte de la película en San Francisco, una ciudad maravillosa, una de las grandes y más distintivas metrópolis de los Estados Unidos, la ciudad del Vértigo de Alfred Hitchcock. Esa ciudad que ahora es un lugar de contradicciones enormes: contiene una gran belleza y al mismo tiempo es un lugar de gran desesperación con muchísima gente sin hogar, dónde muchos padecen la epidemia causada por el abuso de fentanilo mientras esos asombrosos y silenciosos autos sin conductor se deslizan por las calles a su lado. Esa, para mí, es la imagen perfecta que ilustra el tema. Es una imagen perturbadora. Mucho más que perturbadora, en realidad", explicó Guadagnino sobre la esencia del enfrentamiento entre su producción y dos gigantes del aparato tecnológico como Amazon y OpenAI.Sin detallar si esas incongruencias sociales forman parte de la trama de su film que está en etapa de posproducción y cuyo lanzamiento original estaba planificado para principios de 2027 con una supuesta parada previa en el Festival de Cine de Venecia, la muestra que ya antes fue el escenario del lanzamientos de otras películas de Guadagnino como Suspiria, Queer y Cacería de brujas, el director prefirió profundizar su posición y preocupaciones sobre el estado del mundo. Si bien la empresa de Jeff Bezos emitió hace unos días un comunicado oficial en el que alagaban al director ("Tenemos el mayor respeto y admiración por Luca Guadagnino como cineasta galardonado"), al mismo tiempo que afirmaban que "Artificial se beneficiaría más si la estrenara otro estudio", lo cierto es que hasta el momento tal traspaso no ocurrió. Aunque el film fue exhibido a algunos interesados iniciales como Netflix, Warner y la productora A24, lo cierto es que los rumores en Hollywood indican que por ahora la única distribuidora que podría comprarla es Mubi, especialmente si en su afán por sacarse el "problema" de encima, Amazon la vende por menos de los 40 millones de dólares que necesitaría para cubrir lo que invirtió en producirla. "Para mí, el problema no es la inteligencia artificial en sí misma. Lo que más me importa es la gente y cómo esa tecnología, que no es particularmente sofisticada y que por ahora está llena de defectos y errores, está cambiando todo. No solo los modos de consumo y la manera en que nos relacionamos con estas herramientas sino que están modificando la identidad completa de un lugar como los Estados Unidos y del mundo entero debido al encumbramiento de la pequeña oligarquía que ejerce un control sin precedentes", argumentó el director sin mencionar a Bezos y ni a Altman, dos de los más notorios integrantes del grupo que señaló y que tras su asociación aparentemente prefirieron no formar parte del engranaje que iba a distribuir la película de Guadagnino en las salas de cine de todo el mundo. Un posible ejercicio de censura corporativa que parece estar confirmando los peores temores del realizador italiano.

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Cinco películas que pasaron sin pena ni gloria en su estreno, pero no hay que perderse

La cantidad de películas interesantes, buenas, muy buenas y excelentes que aparecen emboscadas en las plataformas nos permite seguir minando calidad para el amable lector. Debemos, de todos modos, dar una advertencia: es imposible asegurar que van a gustarle las películas que recomendamos, porque se sabe que sobre ese tema nada hay escrito y no vamos a empezar a legislarlo desde esta nota, que lo único que pretende es encender la curiosidad y comenzar una discusión sobre cosas que vale la pena conocer. Lo que sí podemos garantizar es que estos films valen la pena. Tienen algo que permite recomendar su visión y van más allá del adocenado (y, por momentos, irreconciliable con el principio del placer) estilo que muchas plataformas inyectan en sus producciones. Dicho esto, en lo que sigue hay de todo un poco, pero en general se trata de películas que o bien no se estrenaron en salas (aunque estaban previstas para eso), o bien pasaron inadvertidas, o bien fueron destratadas -cuando no hechas puré- por la crítica vernácula o internacional. Por suerte, las pantallas de los televisores de hoy permiten un buen visionado tanto en detalle de imagen como de sonido. Las películas están ahí; no verlas en su momento, cuando son buenas y trascienden su época, no es tan grave.Desierto de huesos (Prime Video)Empecemos por uno de los mejores westerns contemporáneos, Desierto de huesos (Prime/Adrenalina Pura+) de S. Craig Zahler. Es la ópera prima de este guionista, director y músico, y combina la mitología del Oeste con el horror. No es, convengamos, una película "fácil" por la manera directa en la que Zahler muestra la violencia. Pero aquí también está en justa proporción con lo que se narra: un par de malhechores, un sheriff, un granjero, una mujer secuestrada y unos nativos. Lo último recuerda a Más corazón que odio (¿quieren verla? Está en HBO Max, de nada) salvo por el hecho de que se trata de un clan de cavernícolas caníbales que no tienen problemas en comerse a sus enemigos. Ese detalle es el que permite el estallido de un horror tirando a gore en la última media hora, pero la primera muestra un mundo duro, de hombres valientes y desconfiados, donde la verdadera ley es la ausencia de ley. Y en ese punto, recuerda a Los imperdonables (ídem paréntesis anterior). Hay algo más: a pesar de lo sangriento que se pone el asunto, el uso de la luz y la puesta en escena seca es al mismo tiempo bello e inquietante, especialmente en secuencias nocturnas en las que un pequeño destello significa todo. Zahler, que luego se cebó demasiado en la violencia con sus dos largos posteriores, muestra que sabe filmar, lo que implica no solo belleza, sino que las imágenes sean pertinentes. Se destaca además un elenco notable con Kurt Russell, Patrick Wilson y Matthew Fox a la cabeza. Es excelente, pero como vimos, dura. No se estrenó en la Argentina.Seis grados de separación Tampoco se estrenó en la Argentina la que podemos considerar por lejos la mejor interpretación de Will Smith en toda su carrera, Seis grados de separación (MGM+), también difícil de conseguir en video y en gran medida indisponible hasta hace semanas, nomás. La película es una comedia dramática sobre un muchacho (Smith) que llega a revolucionar el hogar de una familia acomodada de Nueva York, el matrimonio integrado por Stockard Channing (justamente nominada al Oscar por esta interpretación) y Donald Sutherland, más el amigo de ambos (un muy gracioso Ian McKellen). Entre esos personajes se juega un cuento de simulaciones y dudas. Ese joven que cae emparentado con un amigo de un amigo a ese hogar acomodado es, en parte, la representación del "extraño que lo cambia todo" (un esquema que ha generado films tan disímiles como Teorema, de Pasolini, o Mary Poppins, de Disney), el que obliga a la alegría, pero también a la duda y a mirarse al espejo. En cierto sentido, el enfrentamiento siempre en tono amable de los personajes de Channing y Smith funciona como una película de detectives. Y mientras tanto, Fred Schepisi (un realizador que, incluso cuando trabajaba sobre géneros definidos, ponía el foco en el misterio de las relaciones humanas) se anima a la crítica social con sordina, emboscada entre citas intelectuales, diálogos filosos y sonrisas bien vestidas. Es de esas películas que uno nunca olvida. Lo de Smith es sorprendente.La chica del valle (Mubi)Si se acelera un poco el tono, hay otra comedia dramática (pero más comedia romántica) que tiene virtudes similares, además de ser un perfecto documento de época. Se trata de La chica del valle, de Martha Coolidge (Mubi), y de hecho es su ópera prima. Coolidge forma parte de una camada de cineastas que logró romper el techo de cristal para las mujeres en la silla de dirección en aquellos hoy lejanos años ochenta, junto con Amy Heckerling, Susan Seidelman, Penny Marshall, Nora Ephron o Penelope Spheeris. Aquí se trata del romance adolescente entre una chica de buena familia y un muchacho más bien rockero, para decirlo con eufemismos, "poco atildado". La chica era Deborah Foreman, pero la estrella real era el chico, un Nicolas Cage en su primer protagónico. El actor ya había trabajado en dos películas de su tío, Francis Ford Coppola, La ley de la calle (¿cuándo aparecerá en alguna plataforma?) y Cotton Club. Pero aquí es el centro absoluto, un representante perfecto de los años 80. Hay neón, hay mucha música de la new wave, el estilo es pop pero no deja de ser un coming of age duro atravesado por las discriminaciones y las diferencias de clase. Es, además, muy interesante el punto de vista femenino respecto de ese universo, sus propias elecciones y las relaciones. Nunca estrenada por estos pagos, como corresponde.La hora del espanto (HBO Max) Para entender un poco ese tiempo y lo que fueron los años ochenta (la última década en la que el cine tuvo una cohesión polémica, un aire de reacción respecto de lo que había sucedido en la historia del cine anterior) deben ver una de las grandes películas olvidadas de esa década, La hora del espanto (HBO Max), de Tom Holland (no confundir con el actor), uno de los artesanos más interesantes de aquellos años, el creador de Chucky, nada menos. Aquí lo que hace Holland es narrar el mito de Drácula en un pequeño pueblo estadounidense (escenario recurrente en esos años, como se puede ver en Gremlins o Volver al futuro), con un jovencito con necesidades hormonales insatisfechas y madre divorciada, nerd avant-la-lettre aficionado a las películas de terror en la televisión (la parafernalia pop es otra de las características de aquella autoconsciente década) y que, en última instancia, se ve enfrentado al descubrimiento del sexo, de la decepción y de la tragedia. Pero todo, absolutamente todo, narrado con un tono casi humorístico que combina el horror con la sonrisa (tampoco es una película cómica). Hoy es notable que no haya películas que vayan tan a fondo con una premisa narrativa o moral sin avergonzarse de entretener al público. Un cine que era para todo el mundo y que no tenía miedo.1941 (SonyOne)Y por hoy (el lector debería compartir lo maravilloso que es mirar estos catálogos y, de repente, encontrar algo que nos hace sonreír porque ni pensábamos en encontrarlo) vamos con un enorme fracaso, una película que fue destrozada por todos lados y en todas partes, digamos el penal errado de Messi porque gran parte del complejo cinematográfico, entonces, quería que su realizador fallase. Es cierto que cometió â??diría algún comunicadorâ?? el pecado de hybris y creyó que tenía las herramientas y el poder necesarios para hacer la Más Grande Comedia Cómica jamás filmada. No, no hablamos de Stanley Kramer y su grandotota El mundo está loco loco loco (que pueden ver en Prime Video, si llegan a bancarse tres horas de persecuciones) sino de la historia de la improbable y desaforada invasión de tropas japonesas a Hollywood poco después de Pearl Harbor, la comedia 1941 (SonyOne), dirigida por el entonces chico maravilla Steven Spielberg después de haberse comido medio planeta con Tiburón y Encuentros cercanos del tercer tipo. Era, originalmente, la posibilidad de que medio Saturday Night Live llegara al cine, que entonces era la gran sensación cómica de los Estados Unidos (¿por qué no aquí? Porque la dictadura prohibió ese humor increíble, surreal y movido por montañas de cocaína, pero como diría Kipling, esa es otra historia). Pero salió mal. La primera secuencia es parodia de Tiburón: una chica desnuda en el agua es atacada y termina agarrada al periscopio de un submarino nipón que, por desorientación, ha llegado a la costa de California, cerca de los grandes estudios. Y después hay un piloto guerrero y loco (John Belushi), un batallón que no sabe hacer las cosas bien comandado por Dan Aykroyd, un combate aéreo sobre Hollywood Boulevard y una secuencia de pelea entre marineros e infantería en un bar al ritmo del jazz que puede figurar, fácilmente, en cualquier antología de las mejores secuencias musicales de la historia. El guión era de Robert Zemeckis y Bob Gale, dos nenes que más tarde hicieron Volver al futuro. Pero entonces la película era demasiado larga, tenía demasiados altibajos y Spielberg aún no había controlado todas las gambetas de su deporte. Pero tiene momentos que hoy no podrían filmarse sin pasar por un comité de comisarios políticos, y ya por eso solo vale la pena. De paso: el director se recompuso con su siguiente película, Los cazadores del Arca Perdida, y lo que siguió fue gloria.

Las mejores películas y series para ver este fin de semana

Una selección de producciones que llegan a las principales plataformas con tramas potentes, actuaciones consagradas y propuesta que marcan la tendencia actual. Leer más

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Un análisis de Psychology Today y una investigación con más de 800 espectadores revelan que esos momentos cumplen funciones que la mayoría desconoce

Qué veo en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar este fin de semana del 27 y 28 de junio

Como cada viernes, Netflix ya tiene seleccionada una lista de las mejores series y películas para disfrutar durante el fin de semana desde la comodidad del hogar. Después de los compromisos laborales, uno de los planes más elegidos en varias partes del mundo es 'maratonear' y deleitarse con las producciones destacadas de la popular plataforma de streaming.A continuación, la lista para que elegir no sea tan tedioso y que puedas disfrutar del mejor contenido durante las próximas 48 horas.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.2. Mi otra yo, temporada 3 (2026)Drama/Romance. Esta entrega se centra en sus nuevas etapas personales, mientras confrontan traumas familiares, dilemas y relaciones sentimentales en el pueblo costero de Ayvalık. Las protagonistas buscan un nuevo comienzo y sanar de sus miedos, lidiando con decisiones trascendentales que lo cambian todo. Duración: ocho episodios. Ver Mi otra yo, temporada 3.3. Oasis (2026)Intriga/Secuestro. Oasis es el complejo vacacional más lujoso del país, un paraíso para las familias más adineradas. Pero todo se desmorona cuando la policía irrumpe para investigar una misteriosa desaparición. Hasta que se resuelva, nadie podrá abandonar el complejo. Duración: ocho episodios. Ver Oasis.4. Así aprenderás (2026)Comedia/Drama. Unos inspectores insólitos entran en escena en los colegios, con lecciones duras de las que no aparecen en los libros de texto, para terminar con las reiteradas faltas de respeto. Duración: 10 episodios. Ver Así aprenderás.5. Perdiendo el juicio (2026)Drama/Policial. Amanda, una prestigiosa abogada, sufre un grave estallido de su TOC durante un importante juicio. A partir de ese momento, su carrera cae en picado y se verá obligada a aceptar una oferta de trabajo en un decadente despacho de abogados. Duración: diez episodios. Ver Perdiendo el juicio.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Mensajes de voz para Isabelle (2026)Romance/Comedia. Los mensajes de voz que una joven le envía a su hermana fallecida terminan llegando a manos de un desconocido, quien comienza a enamorarse de ella a pesar de la distancia. Duración: 1 h 58 min. Ver Mensajes de voz para Isabelle.2. La trampa del asesino (2007)Acción/Suspenso. Un antiguo agente de la CIA es persuadido para volver al servicio y asesinar a un terrorista en Londres. Desgraciadamente, le tienden una trampa y le acusan de asesinato, obligándole a darse a la fuga. Una alianza con una niña de 12 años puede que sea la única opción que tenga para limpiar su nombre y vengarse de sus enemigos. Duración: 1 h 45 min. Ver La trampa del asesino.3. La asesina (2024)Acción/Suspenso. La misión de Zee es matar a una joven ciega en un club nocturno de París, pero al negarse, se sumerge en una peligrosa conspiración criminal. Duración: 2 h 6 min. Ver La asesina.4. Sin lugar para los débiles (2007)Suspenso/Wéstern. Mientras está de cacería, Llewelyn Moss descubre las horribles consecuencias de una venta de drogas frustrada. A pesar de saber que no debería, Moss no puede resistirse a tomar el dinero y se apodera de él. El cazador empieza a ser perseguido por un asesino llamado Chigurh. El alguacil Bell también está buscando a Moss, y reflexiona sobre los cambios en el mundo y un oscuro secreto que lo atormenta mientras intenta hallar a Moss para protegerlo. Duración: 2 h 2 min. Ver Sin lugar para los débiles.5. Resistencia (2023)Ciencia ficción/Acción. Un antiguo agente de las fuerzas especiales se encuentra al mando de un comando que debe cazar y matar al creador de una inteligencia artificial extraordinaria que tiene la capacidad de aniquilar a toda la humanidad. Duración: 2 h 13 min. Ver Resistencia.

DreamWorks expande el universo de Shrek con 'Burro', una película sobre los orígenes del personaje

El spin-off animado Donkey tendrá estreno en 2028 con Eddie Murphy y un equipo de renombre en DreamWorks

Lo mas visto en Netflix Estados Unidos: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Instinto maternal" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Estados Unidos.Hay un amplio catalogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clasicos de siempre.

Lo mas visto en Netflix Paraguay: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Lo mas visto en Netflix Chile: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Chile.Hay un amplio catalogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clasicos de siempre.

Lo mas visto en Netflix Honduras: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Honduras.Hay un amplio catalogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clasicos de siempre.

Lo mas visto en Netflix El Salvador: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

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Lo mas visto en Netflix Perú: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mi mejor enemiga" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Perú.Hay un amplio catalogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clasicos de siempre.

Lo mas visto en Netflix Uruguay: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Uruguay.Hay un amplio catalogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clasicos de siempre.

Lo mas visto en Netflix Venezuela: las 10 películas mas exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Venezuela.Hay un amplio catalogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clasicos de siempre.

Mel Brooks, el creador del Super agente 86 y El joven Frankenstein, cumple 100 años y estrena película

Tuvo una vida de penurias, combatió a los nazis y vivió una historia de amor única con Anne Bancroft. En 2027 llega la secuela de "Spaceballs".

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Uno de los beneficios es garantizar la calidad del video y evitar las esperas mientras carga

La película de Luca Guadagnino con Andrew Garfield que nadie se anima a estrenar: los motivos

Hollywood siempre supo encontrar a sus villanos entre los personajes más odiados o controvertidos de la vida real. Ya fueran los nazis en los años cuarenta, los jerarcas de la Unión Soviética de los cincuenta o los tiranos de Medio Oriente después, la usina de películas pensadas desde los Estados Unidos se acostumbró a exportar relatos en los que sus enemigos sociopolíticos eran además una amenaza para toda la humanidad. Un libreto que hasta hace pocos días también aplicaba al más reciente adversario al que le temen muchos: la inteligencia artificial. Sin embargo, la industria del cine ya no es lo que era y probablemente nunca vuelva a serlo porque ahora ese enemigo. tiene un lugar en la mesa de decisiones, forma parte de sus propios engranajes y aparentemente no está dispuesto a tolerar que retratos de ellos menos que halagadores lleguen a la pantalla. Al tiempo que muchos bromeaban con el hipotético avance de empresas modeladas en el espejo de la maléfica Skynet, la corporación de máquinas autoconscientes que provocan el apocalipsis en Terminator, Hollywood le abrió la puerta a un monstruo humano con enorme capacidad de destrucción. Hace pocos días se anunció que el estudio Amazon MGM Studios decidió no distribuir el film Artificial, del celebrado director italiano Luca Guadagnino (Llámame por tu nombre), un drama construido alrededor del polémico Sam Altman, CEO de OpenAI, la empresa pionera en el desarrollo de la tecnología aplicada a la inteligencia artificial detrás de ChatGPT. La sorpresiva decisión de Amazon se dio a conocer apenas unos meses después de que el gigante del e-commerce acordara una inversión de 50 mil millones de dólares con OpenAI que podrá usar los servicios web de Amazon y desarrollar modelos de inteligencia artificial personalizados que Amazon aplicará a su interfaz. La película, en la que el actor inglés Andrew Garfield (El sorprendente Hombre Araña) interpreta a Altman quedó ahora en un limbo del que parece le será muy complicado salir. Es que más allá de que Amazon difundiera un amable comunicado en el que asegura sentir "el mayor respeto y admiración por Luca Guadagnino como cineasta galardonado", el texto oficial también afirma que "Artificial se beneficiaría más si la estrenara otro estudio". Lo que traducido del palabrerío corporativo al lenguaje cotidiano significa que la empresa de Jeff Bezos está desesperada por desvincularse del film que retrata a Altman â??uno de los invitados de la fastuosa boda de Bezos celebrada en Venecia hace un añoâ??, como un sociópata y a Elon Musk como antipático manipulador. El problema es que por ahora ningún otro estudio, distribuidora o plataforma recogió el guante que Amazon arrojó al ruedo.Hasta el momento se sabe que ni A24, una de las compañías cinematográficas más exitosas de los últimos años, ni Netflix están interesadas en asumir el riesgo de comprar la película y que los estudios Lionsgate y Warner tampoco la quieren. Y ni siquiera el rumor de que Amazon estaría dispuesto a reducir el precio de 40 millones de dólares al que necesitaría venderla para recuperar su inversión tampoco parece haber atraído demasiados compradores. Según Variety, solo las distribuidoras Neon y Mubi siguen evaluando si se animan a adquirir el film.Es prematuro todavía evaluar si toda la promoción gratuita que le aportó a la película el conflicto con Amazon contribuirá a acrecentar la venta de entradas en el caso de que finalmente logre estrenarse en cines, y mucho más remota aún parece la posibilidad de que la publicidad pueda ponerla en el ojo de los votantes durante la temporada de premios. Sin embargo, aunque Artificial está en etapa de posproducción ya muchos en Los Ángeles leyeron versiones avanzadas de su guion y hasta vieron un primer corte del film que, según The Hollywood Reporter, recibió comentarios mayormente elogiosos. Escrita por Simon Rich, guionista formado en Saturday Night Live, la trama de la película se enfoca en el breve periodo de la vida de Altman ocurrido en 2023 cuando fue despedido de su puesto en OpenAI y logró que lo volvieran a contratar días después de un fin de semana en el que, especula el guion, cimentó las bases del poder que ahora detenta. Se trata, según todos los que accedieron al film, de un retrato nada amable del ejecutivo que resulta en un desenlace desesperanzado sobre el estado del mundo actual y del futuro por venir. El largo camino hasta la pantallaAún antes del escándalo desatado en estos días a su alrededor, lo cierto es que Artificial ya había atravesado algunas dificultades en su proceso de realización. En principio, el guion pasó por varias revisiones antes de que Guadagnino se incorporara al proyecto. Hace un año, cuando se anunció que el realizador italiano se haría cargo de la dirección de la película, se la describía como una comedia dramática ambientada en el mundo de la inteligencia artificial. Desde ese momento en adelante no se conocieron más detalles de la producción aunque sí se sabía que su lanzamiento en salas se postergaría a principios de 2027 para esquivar el estreno en octubre de este año de El poder de la red, de Aaron Sorkin, la continuación de Red social, el film de 2010 escrito por Sorkin y dirigido por David Fincher. Más allá de la poca información que circulaba sobre Artificial, ya muchos la asociaban con la secuela de Sorkin, especialmente porque como en el caso de la secuela de Red social, su personaje central es Mark Zuckerberg, otro de los muchachos del mundo tecnológico transformado para muchos en persona no grata de la humanidad, un título que Altman ahora le disputa. Ahora ya no se sabe cuándo o si la película de Guadagnino llegará a las salas. En el caso de que sea adquirida por un nuevo distribuidor, se especula con que pueda proyectarse en la próxima edición del festival de Venecia, a finales de agosto, ya que se trata de un certamen en el que el director italiano siempre fue bien recibido: el año pasado su última película, Cacería de brujas, tuvo allí su première mundial. Pero más allá de lo que suceda con Artificial, lo cierto es que la debacle que la involucra obliga a un cambio de foco. Mientras los trabajadores de la industria del cine y sus sindicatos se prepararon para vigilar y limitar el avance de la IA que se especula que podría reemplazarlos, los mandamás del poder asociado a la tecnología lograron infiltrarse en los circuitos de toma de decisiones de Hollywood al punto de detentar la autoridad suficiente para vetar los contenidos que se producen allí. El hecho de que un proyecto casi terminado firmado por un cineasta con los laureles de Guadagnino, quien incluso le reportó notables ganancias en taquilla a MGM con el film Desafiantes, y un famoso actor como Garfield no haya podido resistir el embate que algunos medios norteamericanos califican de "casi censura", da cuenta del estado de situación. Después de años de temer a lo que las máquinas podían hacerle al cine resultó que quienes más daño iba a infringirle eran los hombres que las crearon.

El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum: todo lo que se sabe y cuándo se estrena la película

Los seguidores de la saga El Señor de los Anillos ya pueden agendar la fecha del próximo estreno, puesto que ya se conoce el elenco oficial de El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum y cuándo se estrena la película.Este es el anticipo de El Señor de los Anillos: La Caza de GollumComo información preliminar para los miles de fanáticos de la saga de John Ronald Reuel Tolkien, ya se puede ver un adelanto del próximo estreno, que detalla los actores que estarán presentes en la nueva producción. Cuándo se estrena El Señor de los Anillos: La Caza de GollumDe acuerdo a la información proporcionada por la cuenta de Warner Bros. Pictures en redes sociales, El Señor de los Anillos: La caza de Gollum se podrá ver, solo en cines, el 17 de diciembre de 2027.Por lo que recién a fines del año próximo los seguidores podrán presenciar el estreno tan esperado.Cómo queda elenco de El Señor de los Anillos: La Caza de GollumLa fecha del estreno va a acompañada de la novedad de que Viggo Mortensen no formará parte de la nueva película. Recientemente se dio a conocer que Jamie Dornan será el encargado de calzarse el traje de Aragorn. Mientras que Serkis regresará en el papel de Gollum/Sméagol, Ian McKellen lo hará como Gandalf. Por su parte, Elijah Wood retomará su rol de Frodo Bolson y Lee Pace como Thranduil, de las películas de El Hobbit. Respecto a las nuevas incorporaciones, Kate Winslet se suma como Marigol, Leo Woodall como Halvard y Jamie Dornan en el papel de Trancos, más tarde conocido como Aragorn.En el marco de CinemaCon 2026 en Las Vegas, Warner Bros. anunció algunos de los títulos que llegarán a la gran pantalla en los próximos meses. Entre ellos, El Señor de los Anillos: La caza de Gollum que se suma a la trilogía que cuenta con millones de fanáticos en todo el mundo. Producida por Peter Jackson, esta nueva entrega se ubica antes de los eventos de La Comunidad del Anillo y se centra en la figura de Gollum, que es perseguida por un joven Aragorn mientras intenta encontrar el "tesoro" que le fue arrebatado.

Los colores del tiempo, una película como las que ya no se hacen

Salta de la Belle Époque al tiempo presente, con personajes que cambian, evolucionan.Santiago Amigorena es coguionista por séptima vez del director Cédric Klapisch.

Estrenos de cine: Los colores del tiempo, una película elegante que se queda a mitad de camino

Los colores del tiempo (La venue de l'avenir, Francia/2025). Dirección: Cédric Klapisch. Guion: Cédric Klapisch, Santiago Amigorena. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Música: Rob Coudert. Edición: Anne-Sophie Bion. Elenco: Suzanne Lindon, Abraham Wapler, Vincent Macaigne, Julia Piaton, Zinedine Soualem, Paul Kircher, Vassili Schneider, Sara Giraudeau, Cécile de France, Olivier Gourmet, Claire Pommet, Fred Testot. Duración: 126 minutos. Calificación: Restringida para menores de 13 años. Distribuidora: Mirada Distribution. Nuestra opinión: buena.3 starsPersonajes que atraviesan el tiempo, como parte de un rompecabezas que no necesariamente encaja a la perfección ni se completa, pero que permite adivinar entre sus piezas los retazos de un pasado que encuentra eco en la actualidad. Esta es, a grandes rasgos, la propuesta de Los colores del tiempo. Una película que, sin ser perfecta, ofrece en su simpleza un puñado de preguntas sobre la existencia, el amor y la identidad.El guion, escrito por el director Cédric Klapisch y el argentino Santiago Amigorena (primo del actor Mike Amigorena), desarrolla dos líneas temporales en paralelo. El presente está marcado por la necesidad de vender la casa abandonada de Adèle Vermillard, para lo cual, se convoca a una serie de herederos, que tienen que aprobar la operación inmobiliaria y, por ende, vaciarla de recuerdos. Esas visitas al lugar enfrentan a un grupo de personajes con un pasado familiar que desconocen, con pistas en forma de cartas arrumbadas y fotos descoloridas. La sucesión de estos hallazgos, y las preguntas que generan, le da pie al film para trasladarse en el tiempo, a comienzos del siglo XIX y contar otra historia: la de una joven Adele que, en busca de su madre, encuentra una vida, la pasión y, de alguna manera, el amor.Lo primero que llama la atención de la construcción narrativa de la película es que dialoga en ambos tiempos, sin por ello apelar a recursos como el flashback o la experiencia onírica. No, las dos líneas temporales funcionan de manera independiente, apenas conectadas por situaciones, gestos o la presencia de algún elemento convocante. Lo que primero desconcierta, enseguida se vuelve uno de los puntos fuertes de la propuesta. El relato va tomando forma de una manera natural, al punto de esperar con ansias el salto temporal y así agregar nuevos elementos al relato.Si bien las transiciones son fluidas, desde la fotografía hay una marcada diferencia entre ambas épocas. Las texturas, los colores, la composición, cada elemento funciona por separado, pero aunado en un mismo criterio. Esto permite un contraste visual muy interesante entre ambas realidades, diferentes entre sí, pero con hilos conductores en común que las unen irremediablemente.La estructura coral que propone Los colores del tiempo lleva a evitar personajes que se destaquen por sobre otros. Si bien Adele (Suzanne Lindon) en el pasado y Seb (Abraham Wapler) en el presente sobresalen un poco por su bagaje personal, no es intención del film subrayarlos en exceso. Como si se tratara de una pintura, tópico que también es parte del motor de la narración, cada color tiene su importancia; y la obra terminada no sería la misma sin cada uno de ellos.Entre las numerosas decisiones que toma la película, quizás una de las menos acertadas sea la de forzar la presencia de personajes que existieron en la vida real. Claude Monet, Sarah Bernhardt, Félix Nadar, Louis Leroy y algunos otros no consiguen aportarle por identidad un peso específico singular a la fantasía. La recreación es correcta, pero su presencia no empuja particularmente la acción. Podrían haber sido nombres ficticios, y el resultado habría sido el mismo.También vale señalar la búsqueda intencional de un vuelo rasante, en forma de una historia pequeña, bien contada, prolija y de mucha belleza estética, que no aspira a ser más que eso. Lo que, promediando el film, y con el recuerdo de otras películas que han utilizado recursos parecidos (como Medianoche en París, por ejemplo), deja una sensación algo más insustancial de lo prometido. Una película elegante, cuyos mecanismos funcionan muy bien, pero que carece de la profundidad emocional que prometía su premisa.

'Supergirl': estas son las primeras críticas de la película protagonizada por Milly Alcock

Las primeras reseñas de Supergirl reflejan una respuesta dividida: elogios para Milly Alcock y cuestionamientos sobre la construcción de la historia

Avatar 3 llegó al streaming: dónde puede verse una de las películas más taquilleras de 2025

Tras su paso por los cines y luego de convertirse en uno de los fenómenos de taquilla a nivel mundial, Avatar: Fuego y cenizas, la tercera entrega de la saga creada por James Cameron, finalmente llegó al streaming. La película está disponible desde este martes 24 de junio en Disney+, marcando el regreso al universo de Pandora y al nuevo capítulo de la historia de Jake Sully y su familia, en una incorporación que se suma al catálogo de la plataforma tras mucha espera de los fans.La película se estrenó originalmente en cines en diciembre de 2025 y, tras su paso por las salas comerciales y su exitoso recorrido en taquilla, llega ahora al streaming. Su incorporación a Disney+ representa una gran noticia para los fanáticos de la saga, que finalmente podrán volver a sumergirse en el universo de Pandora desde la comodidad del hogar.De qué trata Avatar 3En esta nueva entrega, la historia retoma a Jake Sully, Neytiri y su entorno más cercano luego de atravesar una gran pérdida. La familia Sully intenta adaptarse a su vida junto al clan Metkayina, mientras busca recomponerse y proteger a uno de sus integrantes. En ese recorrido, el relato introduce nuevos pueblos Na'vi: por un lado, los Wind Traders, una comunidad nómada que se desplaza en grandes embarcaciones impulsadas por velas con forma de medusa; y por otro, el Pueblo de las Cenizas, un grupo atravesado por el dolor, liderado por Varang.Fecha y hora de estreno en Disney+El estreno en Disney+ está programado para la madrugada del martes 24 de junio en Argentina, donde la película se habilitará a partir de las 04:00 horas. De esta manera, el público argentino podrá acceder al film desde las primeras horas del día, sumándose al lanzamiento mundial.Con esta incorporación, Disney+ reúne por primera vez toda la saga cinematográfica, incluyendo Avatar (2009), Avatar: El camino del agua (2022) y Avatar: Fuego y cenizas, además del documental Fire and Water: Making the Avatar Films, que repasa el proceso de producción de las secuelas y expande el detrás de escena del universo creado por James Cameron.

"The Real Wolf of Wall Street": la nueva docuserie sobre Jordan Belfort quiere mostrar lo que la película de Martin Scorsese no contó

Paramount+ estrenará el 14 de julio el documental sobre el financiero que inspiró "El lobo de Wall Street"

Lin-Manuel Miranda llevará a Broadway "The Warriors", la película que la dictadura prohibió en la Argentina

El creador de "Hamilton" adaptará al teatro el clásico de culto de 1979 dirigido por Walter Hill.La película, que generó polémica por su violencia en los Estados Unidos, fue directamente vetada por el régimen militar en nuestro país y recién pudo estrenarse en 1985.

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este miércoles 24 de junio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

El drama que vivió Matt Damon al bajar 23 kilos en menos de 100 días para una película

Matt Damon puso su salud al límite durante la producción del thriller bélico Coraje bajo fuego en 1996. En aquel entonces bajó 23 kilos en solo 100 días para encarnar al especialista Andrew Ilario, un militar con adicción a la heroína en el contexto de la Guerra del Golfo Pérsico. El actor, quien contaba con 1,80 metros de estatura, alcanzó un peso de 61 kilos tras una rutina que calificó años después como una decisión que pudo costarle la vida.Fue Damon quien relató en 2022, durante una aparición en el programa The One Show, los detalles de aquel proceso. "Tuve que estar delgado y seguí una dieta sin supervisión que podría haberme matado", confió ante las cámaras. Según sus palabras, el régimen consistió únicamente en pechuga de pollo, claras de huevo, brócoli al vapor y papas al horno. Además, corría 19 kilómetros diarios para acelerar la pérdida de peso. A su vez, inventó aquel método de manera solitaria y sin la guía de especialistas, lo cual resultó un desafío físico agotador y peligroso.El impacto en su cuerpo fue inmediato y severo. Los médicos le advirtieron sobre los riesgos de su comportamiento, entre ellos el posible encogimiento permanente de su corazón. El actor recordó que se sentía muy débil durante el rodaje. "Estaba hecho un desastre. Tenía mareos y sofocos. No le dije nada a nadie durante un tiempo porque tenía miedo de estar realmente enfermo", sostuvo en la entrevista. El estado de fragilidad física fue tal que, en sus propias palabras, no necesitó actuar para representar el sufrimiento y la desnutrición del personaje porque el malestar era real."Fui demasiado lejos. Me enfermé y no volvería a hacer eso porque fue simplemente demasiado. Al mismo tiempo, ayudó a la interpretación", reconoció el protagonista. Pese a las consecuencias negativas para su bienestar, el sacrificio transformó su trayectoria en Hollywood. La entrega demostrada en Coraje bajo fuego atrajo la atención de directores destacados de la industria cinematográfica internacional.Tras el estreno de la película, Francis Ford Coppola seleccionó a Damon para integrar el elenco de El poder de la justicia, en 1997. Poco tiempo después, Steven Spielberg le ofreció un papel en el clásico Rescatando al soldado Ryan. Estas oportunidades consolidaron su carrera profesional después de la etapa que él mismo definió como un periodo crítico. A pesar de los logros alcanzados, el actor mantiene hoy una postura crítica sobre aquel método. El esfuerzo realizado para encarnar al médico del ejército se convirtió en un ejemplo de los límites que algunos actores cruzan para lograr transformaciones físicas en sus personajes, aunque las advertencias médicas sobre las complicaciones cardíacas y la debilidad sistémica marcaron un precedente negativo en su experiencia personal. La falta de un nutricionista o guía profesional fue el elemento que agravó su situación durante los tres meses y medio que duró su estricta y peligrosa transformación.

Cinco películas y series sobre Lionel Messi que podés ver en streaming

En medio de la euforia mundialista, en la que muchos argentinos se ilusionan con que La Scaloneta obtenga su segundo título consecutivo, hay otro evento que revoluciona a los fanáticos de la albiceleste: este miércoles su capitán, Lionel Messi, cumple 39 años. A raíz de esto, te traemos cinco películas y series sobre el futbolista rosarino que podés ver en streaming. Messi (2014)La película Messi, dirigida por Álex de la Iglesia en 2014, es un documental que combina ficción y realidad para explicar cómo un chico bajito y tímido de Rosario se convirtió en el mejor futbolista del mundo.La estructura de la película transcurre en una gran cena de restaurante donde se sientan a charlar las personas que mejor lo conocen. En distintas mesas debaten sus amigos de la infancia, sus maestras de escuela, periodistas, leyendas como Johan Cruyff y Diego Maradona, y compañeros del Barcelona como Andrés Iniesta y Gerard Piqué.A través de estas conversaciones, la cinta intercala videos reales de Leo de chico con escenas recreadas por actores. Así muestra sus inicios en el club Grandoli, el tratamiento médico para la hormona del crecimiento y el sacrificio familiar que significó armar las valijas para irse a España con solo 13 años.Duración: 1 h y 33 min.Messi está disponible en Flow.Esto es fútbol (2019)En lugar de enfocarse en las tácticas, los resultados o el día a día de un solo club, esta serie pone la lupa sobre el impacto social, cultural y emocional que tiene el fútbol en el mundo al abordar este deporte desde un concepto o valor humano universal. Así, la serie viaja a Ruanda para mostrar cómo el deporte ayudó a reconstruir comunidades enteras después del genocidio de los años 90, o a Japón para retratar cómo la selección femenina le devolvió la esperanza al país ganando el Mundial de 2011 a meses de un devastador tsunami. Un punto altísimo de la producción es el episodio dedicado enteramente a Lionel Messi, donde científicos, estadísticos y fanáticos analizan la física, la belleza y el asombro detrás del estilo de juego del astro argentino. Duración: seis episodios.Esto es fútbol está disponible en Prime Video.Sean eternos: Campeones de América (2022)Se trata de una docuserie que narra la intimidad, el sufrimiento y la redención de la selección argentina de fútbol durante la conquista de la Copa América 2021 en Brasil. La historia se centra en el enorme peso emocional y las críticas que arrastraba el plantel, especialmente Lionel Messi, tras una sequía de 28 años sin títulos y múltiples finales perdidas.La producción retrata lo que ocurre más allá de la cancha; desde las anécdotas del vestuario hasta el estricto confinamiento donde el grupo convivió durante 45 días debido a la pandemia. La narrativa combina imágenes inéditas de las concentraciones â??donde destaca la ya mítica e intensa arenga final de Messi en el Maracanáâ?? con testimonios muy sinceros de los propios jugadores, el cuerpo técnico y estrellas del fútbol mundial como Neymar, Luis Suárez y Ronaldinho. Duración: tres episodios.Sean eternos: Campeones de América está disponible en Netflix.Matchday: dentro del FC Barcelona (2019)La serie Matchday: Dentro del FC Barcelona se mete de lleno en la intimidad del plantel profesional durante la temporada 2018-2019. A diferencia de los resúmenes deportivos comunes, el foco de la producción está puesto en mostrar el lado B del fútbol y lo que pasa cuando las cámaras de la televisión se apagan.La ficción se mete directamente adentro del vestuario para ver las charlas técnicas del entrenador Ernesto Valverde, los festejos desaforados después de ganarle los clásicos al Real Madrid y también el silencio y desolación del equipo tras derrotas históricas, como la recordada eliminación en la Champions League contra el Liverpool en Anfield.Además de lo deportivo, cada capítulo se apoya en la figura de algunos futbolistas para mostrar su costado más humano fuera de la cancha. La producción acompaña a los jugadores en su día a día y permite ver, por ejemplo, a Lionel Messi y Luis Suárez tomar mate mientras charlan de la vida.Duración: ocho episodios.Matchday: Dentro del FC Barcelona está disponible en Netflix.Selección Argentina, la serie - Camino a Qatar (2022)A diferencia de otras producciones que salieron después del Mundial, esta serie se grabó y se estrenó en la previa de Qatar 2022, por lo que funciona como la crónica perfecta del nacimiento y la consolidación de La Scaloneta.La trama arranca con la histórica consagración en la Copa América 2021 en el Maracaná. A partir de ahí, los capítulos acompañan al plantel en toda la intimidad de su preparación: las concentraciones, los viajes, las charlas técnicas y el festejo de la Finalissima contra Italia en Wembley.A través de imágenes exclusivas desde adentro del predio de Ezeiza y testimonios de los propios jugadores (como Messi, Di María y el Dibu Martínez) junto al cuerpo técnico, retrata cómo se construyó ese grupo humano que pasó de ser mirado de reojo por la prensa a convertirse en una verdadera familia.Duración: seis episodios.Selección Argentina, la serie - Camino a Qatar está disponible en Prime Video.

Dejó una película en la videocasetera de su casa y desapareció: 40 años después, la policía ofrece una recompensa para romper el misterio

Carla Anderson tenía 23 años cuando se esfumó en Wadena, Minnesota, en 1987. Casi cuatro décadas más tarde, el misterio sigue intacto

Romeo Beckham debutará como actor en una película de romance LGBTQ+

El hijo de David Beckham y Victoria Beckham aparece en las primeras imágenes de "Forty Love"

Murió Paul Avery, actor de la película Superman: se incendió su casa y falleció junto a su esposa

El actor Paul Avery y su esposa Sheila murieron el martes pasado por la madrugada tras incendiarse su casa en la localidad de Blairstown, Nueva Jersey. Los bomberos rescataron a la pareja dentro de la propiedad, pero ambos fallecieron por inhalación de humo.Sus hijos, Parker Sanchez y Kyle Avery, confirmaron la noticia y el diario estadounidense Los Ángeles Times informó que el accidente ocurrió por la mañana en la vivienda familiar, ubicada sobre la calle Mohican Road. La causa que originó el fuego se desconoce por el momento, aunque está bajo investigación por parte de las autoridades locales.Paul Avery tenía 81 años y su esposa, Sheila Avery, 77. El actor trabajó durante 12 años en la serie de televisión All My Children, donde interpretó a "Hughie", el barman del establecimiento ficticio Foxy's. El artista también participó en la película Superman de 1978, en los programas Three's Company y Soap, y filmó más de 300 anuncios comerciales a lo largo de su carrera. Además, produjo obras de teatro en Nueva York y Los Ángeles."Él tenía un papel muy chico, una sola línea en Superman, pero realmente hizo un gran trabajo con eso", recordó Parker Sanchez, hija de la pareja. Por su parte, Kyle Avery añadió que durante una ceremonia de los premios Oscar emitieron un fragmento de esa película donde aparecía su padre, lo que motivó a un amigo a fabricarle una estatuilla casera con papel de aluminio. Sus carreras y relaciónPaul Avery nació el 8 de octubre de 1941 en Indianápolis, sirvió en la Guerra de Vietnam durante su juventud y luego se mudó a las ciudades de Los Ángeles y Nueva York para trabajar en la actuación. Sheila Avery, en cambio, nació el 22 de mayo de 1949 en Kansas City, estudió teatro en la universidad, participó en giras artísticas para soldados en Vietnam y trabajó de enfermera matriculada.La pareja se conoció a fines de la década de 1970 en Nueva York, en un edificio residencial habitado por actores independientes que se trasladaban según las temporadas de los teatros regionales.Ambos comenzaron su relación en 1982 y se casaron en 1984, por lo que en abril pasado celebraron sus 42 años de aniversario. La mujer estuvo casada previamente con John Quincy Bruce Jr., padre de Sanchez.El matrimonio se radicó en Blairstown debido a que Paul Avery, que tenía una licencia de piloto de aviones pequeños, solía aterrizar en un aeródromo de esa localidad de Nueva Jersey. Allí abrieron la librería Cabbages and Kings, y el actor fundó la revista Warren County Companion, trabajó de proveedor de internet y redactó críticas de cine para los diarios New Jersey Herald y The New York Times.La mujer se desempeñó como consejera de sobrevivientes de violencia doméstica y abuso sexual, capacitando a voluntarios encargados de asistir a las víctimas del área. "Personas que hicieron su capacitación hace 20 años nos contactaron para decirnos que nuestra madre cambió su forma de pensar el mundo", remarcó Parker Sanchez a Los Ángeles Times al respecto.

La película "Toy Story 5â?³ supera los 310 millones de dólares en su estreno mundial y rompe el récord de la franquicia

La nueva producción de Disney y Pixar registró la mayor apertura del año en Estados Unidos y consolidó un sólido desempeño en los principales mercados internacionales

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este martes 23 de junio de 2026 en Argentina

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La película que cambió el cine: guerra de egos, un leopardo suelto y el secreto de su escena más psicodélica

Hay rodajes que son mucho más importantes de lo que parecen. Incluso pueden ser mucho más influyentes que las películas en las que desembocan. No suele haber libros ni artículos; difícilmente se hable en esos casos de asuntos presupuestarios, presiones de los estudios o los siempre amortizables celos y locuras de las estrellas. De hecho, uno de los rodajes más importantes del siglo XX está lleno de estrellas especialmente silenciosas, pero cambió de manera definitiva la manera de hacer películas y se adelantó a lo que podemos considerar la principal de las tendencias actuales en el espectáculo en salas: la sensación inmersiva. También fue la piedra de consagración de un realizador que podemos (debemos) discutir, pero que de un modo muy claro se convirtió en el "director's director", el director de (para) directores. La película en cuestión es 2001: Odisea del espacio (HBO Max) y el director, Stanley Kubrick. Aclaramos rápidamente que este texto no lo escribe un fan ni del director ni de la película, con lo cual se garantiza la ecuanimidad. Pero cómo ese film llegó a existir y su propia existencia son centrales para comprender una parte grande del cine.Para el momento en el que el proyecto comenzó a gestarse, la marca "Stanley Kubrick" era conocida. Se trataba del director que se animaba a hacer lo que otros no; del maníaco de la precisión; del que además tocaba temas tabú. Es cierto que Casta de malditos, su noir, tiene una innovación en el relato, pero por lo demás â??e incluso si es de lo mejor que hizoâ?? está dentro de la tradición. Pero Lolita â??sobre la entonces controvertida y hasta prohibida novela de Vladimir Nabokovâ??, La patrulla infernal â??que destruía la lógica militarâ?? y Dr. Insólito â??que se atrevía a reírse de la más que justificada paranoia nuclear, otra vez de los militares y mucho del estado norteamericanoâ?? permitían pensar en un realizador aparte. Claro que también hizo Espartaco â??tras el abandono de Anthony Mann por "diferencias creativas" con el productor y estrella Kirk Douglasâ??, que podría pensarse como una película más cercana a la moda de aquel Hollywood de fines de los cincuenta y principios de los sesenta que jugaba alrededor de la Biblia o el Imperio Romano. Pero incluso allí se animó a presentar apenas en clave la homosexualidad masculina (la relación entre Laurence Olivier y Tony Curtis) y hablar de política. Su fama de iconoclasta respecto del Hollywood tradicional estaba bien establecida. Y su manía y detallismo disimulaban un hecho que merece tenerse en cuenta: Kubrick siempre apostó por el gran espectáculo. Controvertido quizás, detallista por demás, lo que quieran, pero en general sus películas hacían dinero. Y muchas pertenecen a géneros bien definidos como el bélico, el péplum, el drama de época (Barry Lyndon) o el terror (El resplandor). Sin embargo, 2001, si bien muestra todas las virtudes y vicios del realizador, es una especie de válvula estilística que cambió todo el género de ciencia ficción, le dio cartas de ciudadanía y permitió que, una década más tarde, dominara las taquillas globales.La leyenda cuenta que Kubrick se entusiasmó con un cuento de Arthur Clarke llamado El centinela y que decidió llevarlo a la pantalla con un guion escrito entre ambos. Quería hacer "una buena de ciencia ficción", algo que superara la medianía del género y su pertenencia a la Clase B (donde tiene obras maestras como El increíble hombre menguante). De hecho, el lector quizás conozca la novela del film, pero es algo que se escribió al mismo tiempo, no un texto previo (lo mismo sucede, valga la curiosidad, con El tercer hombre: Graham Greene escribió la novela después de hacer el guion de la película de Carol Reed). Clarke tenía una cosa en común con Kubrick: el detallismo maníaco. Con Isaac Asimov y Robert Heinlein, conformaba la "línea dura" de la ciencia ficción, los que especulaban sobre las posibilidades lógicas y ciertas de los avances científicos en lugar de entregarse a la fantasía (como Fredric Brown) o a una vertiente más poética (como Ray Bradbury). Lo que Clarke buscaba con sus textos era pensar e incluso predecir el futuro. Y lo que Kubrick buscaba era precisión y exactitud en cada plano. Parecía una colaboración ideal y lo fue en principio porque había varias coincidencias. La idea de Kubrick, y básicamente la clave de por qué se trata de una película a su modo revolucionaria, era que todo fuera realista, que siguiera las leyes de la física, que se basara en lo posible, no en la fantasía. Clarke estaba de acuerdo. ¿Por qué hizo Kubrick la película? Nunca lo explicó demasiado, pero siempre una parte de su mente pensó el cine como un deporte de alta competición donde había que intentar lo imposible y romper récords. Quizás sea ese aspecto el que lo hace ídolo de muchos cineastas, de Spielberg a Nolan.El primer gran diferenciador fue que se investigó ciencia para el film. Y uno de esos asesores fue el joven astrofísico Carl Sagan. Hay un punto crucial de sus aportes â??paralelos al de ingenieros, diseñadores y científicos de la NASAâ?? que aparece en la película: que los extraterrestres no aparecieran, que se sugiriera la aparición de una especie de divinidad "natural", un súper ser. Según los testimonios (aquí difieren) es el que sugirió el monolito que es testigo de los diferentes estadios de la evolución humana (e incluso la causan) desde el prólogo de "El amanecer del hombre" hasta la ¿muerte? del astronauta Bowman, aunque en otros testimonios se menciona como invención del propio Clarke.Kubrick filmó con la minuciosidad de siempre. Hay algunas anécdotas que lo pintan completamente. Como tenía fobia a volar, dirigió la segunda unidad â??la que tomó los exteriores en Namibia para el prólogo prehistóricoâ?? por teléfono. En las imágenes, vio unos árboles que le parecían ideales para el set donde se rodó la acción principal, en Londres, y ordenó talara once y llevarlos a través del desierto para embarcarlos hacia Gran Bretaña, lo que costó una fortuna (tanto como la construcción del set circular que reproduce el interior de la nave espacial Discovery, y que rodaba sobre un eje como una noria gigante y vertical). Los árboles no se usaron, resultaron demasiado chicos y Kubrick mandó a esculpir los que aparecen en esa secuencia. Que incluye un leopardo adiestrado que ataca a uno de los antropoides. El animalito estaba amaestrado, pero se asustó con los trajes simiescos y atacó al doble que interpretaba a la víctima, lo que obligó a clavarle un dardo tranquilizante ante el pánico del equipo. Kubrick rodaba de cerca, pero dentro de una jaula.La minuciosidad del paisaje prehistórico se trasladó al espacial. Sobre todo porque nunca se había hecho algo similar y eso implicaba crear efectos especiales nuevos, técnicas que se volvieron innovadoras. En principio, el estilo es hiperrealista: nada de colores saturados a la manera de las historietas o las ilustraciones de las revistas pulp, nada de fantasía. Predomina el blanco limpísimo, casi esterilizado, en contraste con la negrura del espacio exterior. Las naves y vehículos tienen lógica; su movimiento (la célebre sincronización de un trasbordador con la estación orbital) y operación están registrados con rigor documental, como si realmente estuviéramos viendo una crónica de algo que está sucediendo realmente ante nuestros ojos. Algunos efectos son de un ingenio notable, como la lapicera que flota en una cabina (pegada de modo invisible a un vidrio que varios asistentes hacían girar desde fuera de campo). Otros requirieron la construcción de sets enormes: la azafata que parece desafiar la gravedad implicaba la combinación de un set semigiratorio y una cámara que también giraba, todo sincronizado con el movimiento de la actriz.Hay, sin embargo, una especie de paradoja o contradicción: el estilo de encuadre de Kubrick es casi contrario a lo que se hace en cine siempre: todas las líneas de la perspectiva convergen en un punto central. Y esta película se filmó en70 mm un formato hiperancho e hiperpanorámico, incluso en algunos cines transformados al Cinerama (es decir, con tres cámaras que básicamente cubrían casi todo el campo visual del espectador) para crear una sensación inmersiva absoluta del espectador. Pero un encuadre "central" muchas veces difumina los bordes de la pantalla. Pero aquí funciona, obliga al espectador a "mover" la vista y recorrer la pantalla, a un trabajo más activo de visualización. Eso fue innovador y moderno, aunque sí, se pierde el efecto al verse en el hogar, por muy grande que sea la pantalla.En cuanto al "viaje" psicodélico, y uno de los motivos por los cuales la película se convirtió en un éxito de taquilla en 1969 y de culto para el hippismo entonces en boga, es una hazaña tecnológica. Y el punto más brillante en la carrera de Douglas Trumbull, el hombre que básicamente cambió la forma en que vemos la ciencia ficción desde entonces, con su trabajo en La amenaza de Andrómeda, Encuentros cercanos del tercer tipo o Blade Runner, entre otras. Trumbull inventó un sistema en el que la cámara se desliza por unos rieles con un par de ranuras delante. Detrás de esas ranuras, había reels con arte abstracto, registros de gráficos por computadora y explosiones de color varias, que se "estiraban" al moverse la cámara creando el efecto de túnel. Fue algo que nunca se había visto (además de otros planos de la secuencia, virajes de color de tomas aéreas, mezclas químicas coloreadas, etcétera) y que se volvió, con la computadora asesina HAL 9000 (el nombre: las letras siguientes a IBM, que colaboró en la producción) y el monolito, iconos más allá del film.Pero sí, todo tiene un "pero". Clarke y Kubrick trabajaron juntos cuatro años. Cuando el escritor vio por primera vez la película, se fue de la sala antes de la mitad. Kubrick había eliminado diálogos y explicaciones científicas que, para Clarke, eran sustanciales. Queda muy claro si se lee la novela, donde además el final carece de todo misterio y explícitamente dice lo que, muchos años más tarde y en una entrevista telefónica realizada por el documentalista japonés Jun'ichi Yaoi para una película nunca terminada sobre experiencias paranormales, explicaría: que el astronauta Bowman es tomado, luego de traspasar el portal, por extraterrestres que lo colocan en un "habitat" como los humanos a los animales en el zoológico, para estudiarlo, y luego le otorgan el último "salto evolutivo" a una conciencia pura y superpoderosa. Para Clarke, 2001 era la historia de cómo la conciencia humana pasaba de aprender a usar herramientas (el prólogo prehistórico), luego crear herramientas que piensan (HAL) y finalmente prescindir del cuerpo físico, todo desde "la ciencia". De hecho, era también el enfoque de Carl Sagan, que lo utilizaría luego en su novela Contacto, llevada al cine por Robert Zemeckis. Pero Kubrick quería algo más metafísico, incluso algo más religioso (llegó a decir que la película se trataba de la "búsqueda de Dios"), algo que tanto el agnóstico Sagan como el materialista Clarke rechazaron. Sí, es cierto, con el tiempo hablaron "bien" del film. Pero es que queda mal decir que es bastante tedioso por momentos.Eso sí, mostró a toda una generación de cineastas que era posible hacer "la de uno" y que la tecnología estaba a punto para forzarla a cumplir con cualquier imagen. Abrió, pues, la puerta a lo que sería la ciencia ficción posterior, tanto realista (Encuentros cercanos... y recuérdese que Inteligencia Artificial era un proyecto conjunto de Spielberg y Kubrick) como fantástica. Por eso esta película explica la admiración de los directores de cine â??y de los estudiantesâ?? por el director: es un logro de la ingeniería de imágenes que cambió todo en un momento en el que tal clase de cine no existía. Las huellas de 2001 se encuentran por todos lados en la ciencia ficción y hasta en la fantasía (el "viaje" del Gandalf de Ian McKellen recién muerto en El Señor de los Anillos: las dos torres es un homenaje explícito al "trip" kubrickeano), aunque lo visionario en términos científicos es lo que quedó de la visión mucho más accesible de Arthur Clarke. Kubrick, como siempre, creó planos inolvidables, como cuadros, bellos más allá de la película. Quizás ese talento fotográfico explique su entronización. 2001, mientras tanto, sigue siendo tan fascinante y abrumadora como cuando se estrenó.

Timothée Chalamet y Selena Gomez se reúnen para una nueva película

Cada nuevo título que encabeza Timothée Chalamet, rápidamente llama la atención del público. Y algo parecido sucede con Selena Gomez, otra figura de gran convocatoria entre los espectadores. Por ese motivo es que la industria mira con mucha atención a un nuevo proyecto animado, que los tendrá a ambos como principales estrellas.En las últimas horas el estudio Ilumination (responsable de Minions y las películas de Super Mario) informó que está en marcha un largometraje titulado Not Alone, que contará con Chalamet y Gomez a cargo de las voces principales. En este film, el primero animado al que el actor le prestará su voz, la trama gira alrededor de Joe. Según la sinopsis oficial, él es un "introvertido mecánico de cohetes que vive una tranquila vida solitaria", mientras que Selena compondrá a Fran, "una brillante botánica espacial que trabaja en el desarrollo del primer cohete impulsado por plantas".Según promete la historia, "cuando Joel y Fran se unan para presentar el lanzamiento inaugural de ese cohete, habrá una chispa inmediata, aunque ninguno se los dos será demasiado hábil para el romance". Y la situación se complicará aún más, frente a la aparición de tres alienígenas, que se refugiarán en la casa de Joe, y cuya única forma de regresar a su planeta será utilizando el cohete diseñado por Fran. Esta no es la primera vez que Chalamet y Gomez actúan juntos, ya que ambos fueron protagonistas de Un día lluvioso en Nueva York, un largometraje dirigido por Woody Allen y estrenado en 2019. La fecha de lanzamiento en Estado Unidos de Not Alone está programada para el próximo 16 de abril de 2027, por lo que es muy probable que en Argentina llegue el día quince de ese mismo mes. Un guiño a la ScalonetaA comienzos de mayo, y con la fiebre del mundial a pocos días de distancia, Timothée Chalamet lució una campera retro de la selección argentina en las calles de Broadway y revolucionó las redes sociales. Las fotos y videos del momento se dieron en el marco de la asistencia del actor y su pareja, Kylie Jenner, a la función de la obra llamada The Fear of 13, celebrada por esos días.Con un look relajado y descontracturado, el actor de Marty Supreme bajó de un lujoso auto con la campera de la selección argentina que se utilizó durante el Mundial 2006. A raíz de esta ocurrencia, Chalamet, oriundo de Estados Unidos, acaparó las miradas de usuarios latinoamericanos de las redes sociales, quienes celebraron la ocurrencia de vestir esta prenda deportiva.La elección de la obra The Fear of 13 se dio por una razón especial: Kim Kardashian, hermana de Kylie, es la productora. La obra de Broadway también es producida por el argentino Diego Kolankowsky. La historia de dicha producción narra la historia de Nick Yarris, un hombre que pasó 21 años privado de su libertad por un error judicial que lo condenó a vivir tras las rejas.La producción, protagonizada por Adrien Brody y Tessa Thompson, indaga sobre la verdad del caso y expone las fallas judiciales que lo condenaron a Yarris a vivir un calvario en una cárcel de Pensilvania. Bajo este contexto, la pareja decidió presenciar la obra para darle más repercusión y fueron retratados por los fotógrafos en la vía pública.Esta aparición en conjunto se dio en la previa a la MET Gala 2026, la cual se celebró el pasado 4 de mayo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Tanto Chalamet como Jenner formaron parte de ese evento que organiza la revista de moda llamada Vogue para juntar fondos para el Costume Institute, en donde se invita a las personalidades más destacadas que deben vestirse de acuerdo a una temática especial y un código de vestimenta.

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