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'La Odisea', el viaje del héroe se convierte en la descomunal y oscura película del año

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La filmación recorrió seis países durante medio año y conviertió fortalezas, cuevas, playas y dunas en los escenarios donde toma forma la aventura épica de Christopher Nolan filmada completamente en formato IMAX

La Odisea: todo lo que tenés que saber antes del estreno de la nueva película de Christopher Nolan

El estreno cinematográfico más esperado del año finalmente desembarca en las salas de cine de la Argentina. Este jueves 16 de julio llega La Odisea (The Odyssey), basada en la epopeya de Homero. Una vuelta a un clásico de la literatura con un elenco coral encabezado por algunos de los actores más aclamados y multipremiados de Hollywood, liderado por Matt Damon, Anne Hathaway y Tom Holland, con Charlize Theron, Zendaya, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o y John Leguizamo. Las giras promocionales ya están en marcha y los fanáticos están encantados con el despliegue que hacen las estrellas en cada alfombra roja que pisan. La expectativa es alta teniendo en cuenta que es el primer trabajo de Christopher Nolan tras el éxito que le significó Oppenheimer, por la cual ganó su primer Oscar en la categoría de dirección y mejor película. Ahora, redobla la apuesta y, con un generoso presupuesto de 250.000.000 de dólares, pone sobre la mesa un ambicioso proyecto filmado íntegramente en IMAX y lo cierto es que el entusiasmo es tan grande que las entradas llevan un año disponibles para la venta. Pero, antes de sentarte en el cine por tres horas para viajar directo y sin escalas a la antigua Grecia, te contamos todo lo que tenés que saber sobre la mega producción de Hollywood. De qué se trata La OdiseaBasada en la obra de Homero, escrita estimativamente entre el siglo VIII a.C. y VII a.C., la historia sigue el viaje de diez años que hizo Odiseo para regresar a Ítaca y reunirse con su familia cuando finalizó la guerra de Troya. Durante la extensa travesía en la que debe lidiar con imposiciones de los dioses y criaturas mitológicas, en el reino griego su esposa Penélope y su hijo Telémaco buscan desestimar la larga lista de pretendientes que quieren desposar a la reina y ocupar el trono. Quién es quién en La OdiseaLa película producida por Nolan y su esposa Emma Thomas a través de su compañía, Syncopy, introduce a personajes ya conocidos tanto en la literatura como en el cine. El rol protagónico es de Matt Damon, quien interpreta a Odiseo, el guerrero que propuso ingresar el caballo de madera en la guerra de Troya y, tras la batalla, enfrenta un viaje de diez años para regresar al reino de Ítaca, donde lo esperan su esposa y su hijo. Pero además, hay varios otros personajes, entre diosas, guerreros y sirvientes del reino. Matt Damon es Odiseo, el rey de ÍtacaAnne Hathaway es Penélope, la reina de Ítaca y esposa de OdiseoTom Holland es Telémaco, el hijo de Odiseo y Penélope Robert Pattinson es Antínoo, uno de los pretendientes de PenélopeLupita Nyong'o es Helena de Troya, la reina de Esparta y la hermana gemela Clitemnestra, la reina de MicenasZendaya es Atenea, la diosa de la guerra y la sabiduríaCharlize Theron es Calipso, una ninfa inmortalJohn Leguizamo es Eumeo, el fiel servidor de OdiseoElliot Page es Sinón, un guerrero griegoSamantha Morton como Circe, una poderosa hechiceraJon Bernthal es Menelao, el rey de Esparta y esposo de Helena de TroyaHimesh Patel es Euríloco, el segundo al mando de la tripulación de OdiseoMia Goth es Melanto, una sirvienta de la reina PenélopeTony Bill Irwin es Cíclope, un gigante de un solo ojoBenny Safdie es Agamenón, el rey de MicenasCorey Hawkins es Polibo, uno de los pretendientes de Penélope.Así se filmó La Odisea"Filmar esta película fue una auténtica pesadilla. Somos los primeros en reconocerlo, pero en el buen sentido. Nos lo pasamos de maravilla rodándola", sostuvo el guionista en el CinemaCon 2026 en Las Vegas, según recogió People. Y sin duda la frase: "Hacelo grande o andá a casa" aplica a la perfección a su filosofía. La Odisea es la primera película comercial filmada íntegramente en formato IMAX, que ofrece una calidad de resolución superior a cualquier otro formato. Y de hecho, hubo tanta emoción por ver la película en 70 mm con esta tecnología que las entradas se pusieron a la venta un mes antes.Además de las dificultades de esta tecnología â??las cámaras, que además de ser pesadas solo permiten grabar unos pocos minutos antes de necesitar una recarga y, como detalle no menor, cuestan alrededor de 500.000 dólares cada unaâ??, el rodaje duró 91 días e incluyó locaciones en Grecia, Italia, Escocia, Islandia, Sahara Occidental, Malta, Marruecos y Los Ángeles."Rodamos más de dos millones de pies (600.000 metros) de película", le contó Nolan a Empire. Y una gran parte tuvo lugar en alta mar: "¡Es algo primitivo! Estuve allí los últimos cuatro meses. Llevamos al elenco que interpreta a la tripulación del barco de Odiseo a las olas reales, en los lugares reales. Y sí, es inmenso, aterrador, maravilloso y benevolente, a medida que cambian las condiciones. Queríamos capturar lo difíciles que debieron ser esos viajes para la gente. Y el salto de fe que se daba en un mundo inexplorado y desconocido".Cuánto dura La OdiseaQuienes siguen la filmografía de Christopher Nolan están al tanto de que el director ganador del Oscar no escatima en minutos a la hora de hacer una película. La película encabeza el top tres de las producciones más largas de Nolan: tiene una duración de 173 minutos, solo siete minutos menos que su predecesora, Oppenheimer, y cuatro minutos menos que Interestellar. Cómo se prepararon los actoresLa Odisea es una de esas películas soñadas para cualquier actor. De hecho, Robert Pattinson admitió que fue el único del elenco que pidió leer el guion antes de aceptar la propuesta. Para Matt Damon, un habitué de la filmografía del director británico â??trabajaron juntos en Interstellar y Oppenheimerâ??, el papel de Odiseo le demandó una transformación física extrema. Con un entrenamiento estricto y una dieta rigurosa, bajó 15 kilos para representar la travesía de su personaje para volver a casa."Estaba en muy buena forma. Perdí mucho peso. Dijeron que querían a alguien delgado pero fuerte. Es algo raro", sostuvo en el pódcast New Heights de Travis y Jason Kelce. Además, reveló que dejó de comer gluten incluso hasta después de finalizar el rodaje: "Antes pesaba entre 84 y 90 kilos. Y toda esa película la hice con 75 kilos. No había estado tan delgado desde el secundario. Así que fue mucho entrenamiento y una dieta muy estricta".Por su parte, Anne Hathaway se sometió a un intenso entrenamiento para aprender una tarea clave de su personaje: tejer en un telar antiguo. Mientras sus pretendientes hacían fila para desposarla, Penélope prometió que tomaría una decisión cuando finalizara su tejido, pero en secreto y confiada en que Odiseo estaba vivo y volvería a casa, lo hacía y deshacía para retrasar su veredicto."Christopher Nolan y Emma Thomas me encontraron a una maestra increíble y extraordinaria en el norte de California, experta en tejer con telares antiguos", sostuvo la ganadora del Oscar en una entrevista con Mega. "Empezamos con un telar sencillo y fuimos avanzando hasta llegar a uno mucho más grande. Hubo un momento en que todo encajó, como si conectara con una habilidad fundamental para el ser humano. Para ser claros, se necesitan años para aprender a crear algo verdaderamente bello y complejo con un telar. Pero estoy agradecida de haber aprendido lo que aprendí, así que pude crear esa ilusión y hacerles creer que la propia Penélope pasó años en su telar", agregó.La Odisea estará disponible en salas de cine de la Argentina este jueves 16 de julio.

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Flash Gordon, la película fallida que quiso George Lucas, produjo Dino de Laurentiis y protagonizó un actor inexperto

Entre todos los hijos de aquella revolución que empezó Star Wars en el cine de gran presupuesto, hay uno que implica la mayor de las curiosidades. Uno que debió haber sido el fiel de la balanza, el desembarco definitivo de la historieta fantástica en el cine, la recuperación de la historia pop americana para la pantalla grande. Y fue todo lo contrario, un caos que, con el tiempo, se transformó en película de culto, más allá de la cantidad enorme de dinero que costó. En el medio hay un nombre clave, el del productor italiano Dino de Laurentiis, uno de los más reconocidos y exitosos (aunque con algunos fracasos de campeonato) de los generadores de cine en Italia y, desde los setenta y con su propia oficina, en Hollywood. Para muchos (y tienen algo de razón) fue una máquina de destrozar mitos de la cultura popular. Y el ejemplo de ejemplos es justamente Flash Gordon, de 1980, dirigida por el británico Mike Hodges (un buen director, aunque no un maestro del cine) y protagonizada por Sam Jones, un actor que prácticamente nunca había actuado. La prehistoria de esta película es tan interesante como su realización y hay que remontarse a la Italia fascista. En 1939, el régimen de Mussolini impidió la importación de material estadounidense, lo que incluía productos culturales. Casi todas las historietas americanas que se publicaban en aquel país eran de "continuará", y para no decepcionar a miles de lectores, Italia tuvo su propia "continuidad".Mickey Mouse, Dick Tracy, Mandrake el Mago y Flash Gordon, entre otras, tuvieron su propia historia en Italia, y entre los que se dedicaron a dibujar y guionar estas tiras figuraba un joven recién llegado a Roma llamado Federico Fellini. Fellini quería hacer una adaptación al cine de cualquiera de las últimas tres (finalmente vistió a Marcello Mastroianni como Mandrake). Pero su primer plan era Flash Gordon y, en los sesenta, convenció a De Laurentiis de comprar los derechos. De Laurentiis, que comenzó a ser un exitoso productor gracias al clásico Arroz amargo y a -ni más, ni menos- las películas de Fellini que cruzaron el Atlántico (notablemente La Strada y Las noches de Cabiria), los compró. Pero Fellini dejó de lado la idea de Flash Gordon. Y aquí entra George Lucas. Entre sus pasiones figuraba la tira que creó a mediados de los años treinta el dibujante Alex Raymond que mezclaba aventuras de capa y espada con paisaje de ciencia ficción, seres improbables y batallas épicas. La tira, de paso -y sorprende mucho a quien se acerca a ella por primera vez- tiene mucho erotismo: basta ver una secuencia famosa en la que es latigada la protagonista femenina y novia de Flash, Dale Arden. E incluye a muchas mujeres activas.Flash Gordon había sido además el más exitoso de los seriales de los 40. Y Lucas quería recuperar ese espíritu, una "mirada atrás" que era parte de los intereses del New Hollywood que conformaba con Steven Spielberg, Brian DePalma, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. Claro, no tenía los derechos de la tira: estaban en manos de De Laurentiis, el hombre que estaba entonces rodando una versión de King Kong para la que había rechazado por "no ser linda" a Meryl Streep (y lanzaría a la fama a Jessica Lange y Jeff Bridges, aunque fue sólo medianamente exitosa). No le quiso vender los derechos a Lucas y Lucas decidió que iba a filmar su propia space opera inspirada en aquella historieta. El resultado cambiaría la historia del cine para bien y para mal: Star Wars se convertiría en mucho más que en un negocio megamillonario; sería también un fenómeno cultural que continúa cinco décadas después de su estreno. Fue allí cuando el productor italiano consideró, finalmente, producir Flash Gordon y se lanzó a buscar con quiénes. No iba a fijarse en gastos: Star Wars demostraba, o parecía demostrar, que había un público ávido para esta clase de aventuras. De todos modos, un año antes del estreno de la película de George Lucas, De Laurentiis había adquirido los derechos de la obra de Frank Herbert, Duna, que Alejandro Jodorowsky había intentado llevar a la pantalla (hay un documental excelente al respecto: Jodorowsky's Dune). Más curiosidades: ese proyecto de Duna alimentó los diseños posteriores de Star Wars y de Alien. Ahora bien: De Laurentiis prefirió probar con Flash Gordon porque el reciente éxito de Superman (1978) le hizo pensar en que la adaptación de un cómic funcionaría mejor y que -en esto no le faltaba razón- era mejor una película más "familiar". De todos modos, y para los estándares de corrección política de estos tiempos, los trajes de la princesa Alura (Muti) y de la heroína Dale Arden (Melodie Anderson) estaban más pensados para los potenciales espectadores adultos que para los niños. Puesto al trabajo, De Laurentiis pensó en una gran producción europeo-americana (o, para ser más específicos, ítalo-americana). No escatimó en gastos: el elenco incluía a Ornella Muti -que ya se había consagrado por La última mujer, obra maestra de Marco Ferreri-, a Mariangela Melato (que venía de hacer Mimí Metalúrgico, Insólito destino y Amor y Anarquía bajo dirección de Lina Wertmüller), un ascendente Timothy Dalton y, para interpretar al villanísimo Ming de Mongo, uno de esos intérpretes que le otorgan dignidad a todo, el hombre que fue Jesús, el mimado de Bergman, el exorcista Merrin y antagonista de James Bond: Max Von Sydow. También decidió que la banda de sonido iba a ser un éxito absoluto y contrató para componerla a Queen -la canción "Flash", de hecho, fue su primer gran hit de los años 80-, que además era el grupo de rock más exitoso -y caro- de ese momento. Otra ironía: en realidad De Laurentiis no tenía idea del grupo (de hecho, cuenta la leyenda que al mirar los títulos le preguntó a un asistente: "¿Quiénes son las 'Reinas'?"). Para reproducir el enorme colorido y el estilo camp de la historieta, el diseñador fue Danilo Donati, doble ganador del Oscar (por Romeo y Julieta, de Franco Zeffirelli, y por Casanova, de Fellini), que además acababa de hacer nada menos que Calígula para Tinto Brass. Realmente una súper producción. ¿Y quién iba a ser Flash Gordon, el terráqueo que conquistaría el Universo? Le ofrecieron el papel a Kurt Russell, que directamente rechazó el guion por considerarlo completamente plano. Y consideraron a Arnold Schwarzenegger, pero el problema era su tremendo acento austríaco (De Lautentiis, de todos modos, le daría en 1982 el rol de Conan, el Bárbaro, en la versión que dirigió John Milius y fue el primer gran éxito del actor). Pero en realidad el productor se había obsesionado por un muchacho al que vio en un episodio de The Dating Game (el célebre programa de citas estadounidense, donde una chica elegía a ciegas a un soltero). Pensó que su físico imponente era ideal para la película y lo hizo contratar. El muchacho se llamaba -y llama, pero lo de "muchacho" ya no le cuadra bien- Sam Jones, apenas sí había actuado. Pero para De Laurentiis eso era lo de menos. No así para el director Hodges: tuvo que contratar a otro actor, finalmente, no sólo para doblar casi todos los diálogos de Jones sino también para algunas escenas, porque el muchacho abandonó el rodaje cuando faltaban el diez por ciento de las tomas. Dato adicional: la voz de Jones la hizo Peter Marinker. El rodaje fue caótico por tres razones. La primera, Jones no tenía ninguna experiencia y era difícil dirigirlo. La segunda: De Laurentiis quería, sí o sí, que la película fuera una comedia, lo que obligó al guionista Lorenzo Semple Jr. a reescribir día a día cada escena en el tono que al productor le parecía mejor. Básicamente, cada día de rodaje podía suceder cualquier cosa. Y tercero, las discusiones entre el productor y la estrella. No por divismo (todos los testigos del rodaje aseguran que Jones se comportó correctamente) sino porque De Laurentiis tuvo problemas financieros y los pagos se retrasaban. Eso y el hecho de que Jones descubriera que lo estaban doblando fue suficiente para que abandonara la producción poco tiempo antes de que se culminase la fotografía principal. El resultado: nadie más quiso contratarlo, hizo telefilms y producciones clase B. De hecho, hizo para TV en los 80 un piloto de la serie The Spirit, basada en la célebre historieta de Will Eisner y que remedaba con humor el estilo de la vieja Batman de 1966. Pero se cansó y quedó fuera de la industria, hasta que el humorista Seth McFarlane lo incorporó a Ted y, a partir de allí, comenzó a circular por eventos de comics y fantasía como Comic-Con y hoy es uno de sus animadores principales. También de esta historia hay un documental notable, Life After Flash, tierno y amable, en la que Jones habla de aquella experiencia, se ríe de sus faltas y muestra cómo es su vida entre convenciones y su empresa de seguridad privada. En una entrevista con la revista Forbes, dice que lo mejor que le dio Flash Gordon fue entender que en la vida hay muchas otras cosas.Finalmente, y después de casi un año de campaña publicitaria previa, se estrenó en los Estados Unidos el 5 de diciembre de 1980. A precios de hoy, la película costó 81 millones de dólares y recaudó 110. Es decir, no fue un fracaso pavoroso pero ni de lejos el éxito que De Laurentiis preveía. La mayor parte de la recaudación provino de Italia y de Gran Bretaña, donde sí funcionó bien. Y de hecho, es de las primeras películas de Hollywood pre-globalización que obtuvo más dinero fuera que dentro de los Estados Unidos. Pero no fue nunca suficiente para generar una secuela -que se planeó: lo prueban los planos finales de la película- que, además, necesariamente debía cambiar de protagonista. La franquicia basada en un cómic capotó al despegar y quedó apenas como un experimento camp que, visto hoy, no carece de valores. La lucha entre el príncipe Barin y Flash sobre una plataforma llena de púas; el "partido de foot-ball" en la corte de Ming; el ataque de los hombres-halcón; la actuación sobradora y divertida de Von Sydow: los colores chillones por todas partes; el tono siempre humorístico y el homenaje constante a los bellísimos dibujos de Alex Raymond colocan el film por encima de las películas "que se disfrutan por lo malas que son". Nada de cinismo: Flash Gordon es sólo una película fallida, pero memorable. Eso sí, De Laurentiis volvió a la carga con su intento de ingresar al mercado de la ciencia ficción. Después de haber coproducido con Mel Brooks El hombre elefante, la película por la cual David Lynch tuvo nominaciones al Oscar, le ofreció al realizador Duna. Esta vez era tomar no el antecedente "aventurero" de Star Wars, sino el "serio", el épico, el drama político, esas cosas. Los chicos que vieron Star Wars ya eran adolescentes. Y Lynch, como todos saben, hizo "su" Duna, lo que implica una película de David Lynch que, por momentos recuerda el kitsch de Flash Gordon. Pero esa es otra historia.

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"De repente me sentí liberada": Quién es la princesa modelo que ahora también es actriz y protagoniza su primera película

Victoria de Saboya está viviendo uno de los momentos más importantes de su vida. A los 22 años, la hija del príncipe Manuel Filiberto de Saboya interpreta el papel principal de la película Toi + Moi - Seuls Contre Tous, una adaptación de la novela firmada por Emma M. Green que llegará a Prime Video en septiembre. Para presentar este proyecto, Victoria participó en un evento celebrado en el Noti Club de París junto a sus compañeros de elenco, entre ellos, el actor Lucas Barski. Canchera y sonriente, la princesa mostró la ilusión de quien ve recompensados años de preparación y constancia. La película narra la historia de amor entre Alma Lancaster y Vadim Arcadi, dos estudiantes universitarios con personalidades, orígenes y formas de ver la vida completamente opuestas. Para la heredera del extinto trono italiano este es su primer proyecto importante, después de haber participado en un cortometraje y en la miniserie de suspenso La Mère et l'Assassin. Nacida en Suiza, la princesa de Carignano y marquesa de Ivrea se crio entre Montecarlo, Francia e Italia, se formó en Ciencias Políticas e Historia del Arte, estudió en la Escuela Superior de Arte Dramático de París e hizo un curso en Nueva York en el Instituto de Teatro y Cine Lee Strasberg. Pero la pasión de Victoria por el mundo de la actuación tiene además un referente muy cercano: su madre, la reconocida actriz francesa Clotilde Courau. Durante años, la comparación con ella llegó a intimidarla, pero su apoyo fue fundamental para que la princesa se lanzara definitivamente a la interpretación. "De repente me sentí comprendida, viva y liberada", dijo al hablar de su vida como actriz.

Eludieron un control policial y fueron detenidos tras chocar con un patrullero en una persecución de película en la General Paz

Una persecución que comenzó sobre la avenida General Paz y se extendió hasta la localidad bonaerense de Villa Madero terminó con la detención de dos motociclistas que habían eludido un control de seguridad de la Policía de la Ciudad. Uno de los sospechosos tiene 17 años y registra cuatro antecedentes por robos cometidos en territorio porteño entre 2023 y 2025.El procedimiento se inició cuando operadores de la División Anillo Digital detectaron una moto Bajaj Rouser 200 que circulaba por la avenida General Paz, a la altura de Juan Bautista Alberdi, en sentido hacia el Riachuelo.Según informaron fuentes policiales, los dos ocupantes viajaban sin casco, por lo que los efectivos les ordenaron detener la marcha mediante señales lumínicas y sonoras.Lejos de acatar la indicación, el conductor aceleró, lo que dio inicio a un operativo de seguimiento coordinado desde el sistema de monitoreo y con móviles desplegados sobre la autopista.La persecución se prolongó durante varios minutos y finalizó en la colectora de la avenida General Paz, ya en jurisdicción de la localidad bonaerense de Villa Madero, partido de La Matanza.De acuerdo con la investigación, durante la maniobra de escape los sospechosos intentaron evitar el cierre policial y terminaron impactando contra un patrullero. Primero chocaron el paragolpes delantero del móvil y luego golpearon la puerta del conductor, aunque finalmente fueron reducidos por los efectivos.Una vez identificados, los policías constataron que ambos sospechosos se domiciliaban en el partido bonaerense de Lomas de Zamora.El dato que más llamó la atención de los investigadores fue el historial de quien iba de acompañante en la moto: un adolescente de 17 años que acumulaba cuatro antecedentes por robos cometidos en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires entre 2023 y 2025.Durante la inspección de la motocicleta, los efectivos advirtieron además una serie de irregularidades compatibles con un posible origen ilícito del vehículo.Según el acta del procedimiento, la Bajaj Rouser no tenía llave de encendido y presentaba el tambor de arranque dañado, circunstancias que motivaron la intervención de la Justicia para determinar si la moto había sido robada o adulterada.Con esos elementos, los policías consultaron al Juzgado Nacional en lo Criminal y Correccional de Menores Nº7, a cargo del juez Gonzalo Oliver de Tezanos, quien dispuso la detención de ambos sospechosos y ordenó instruir actuaciones por el delito de encubrimiento de robo automotor, mientras se realizan los peritajes correspondientes sobre la motocicleta para establecer su procedencia y verificar si posee pedido de secuestro o alguna otra irregularidad registral.El adolescente arrestado fue trasladado al Instituto Inchausti, mientras que el mayor quedó a disposición de la Justicia.

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Qué veo en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar este fin de semana del 11 y 12 de julio

Después de la vorágine de la semana y los compromisos laborales, muchos esperan el sábado y domingo para poder disfrutar de la familia, tomarse un tiempo de descanso y maratonear con el ranking de las mejores series y películas que ofrece Netflix.Como es habitual cada viernes, la plataforma de streaming seleccionó las producciones más vistas en la Argentina, para que los usuarios puedan elegir según sus preferencias y disfrutarlas desde la comodidad de su hogar, con un buen balde de pochoclos.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.2. La casa de la pradera (2026)Western/Drama. Una combinación de drama familiar con tintes de esperanza y relato de supervivencia. Esta nueva versión de los célebres libros semiautobiográficos de Laura Ingalls Wilder ofrece una visión única de las dificultades y los logros de quienes forjaron los orígenes del Oeste de EE. UU. Duración: ocho episodios. Ver La casa de la pradera.3. Mi otra yo, temporada 3 (2026)Drama/Romance. Esta entrega se centra en sus nuevas etapas personales, mientras confrontan traumas familiares, dilemas y relaciones sentimentales en el pueblo costero de Ayvalık. Las protagonistas buscan un nuevo comienzo y sanar de sus miedos, lidiando con decisiones trascendentales que lo cambian todo. Duración: ocho episodios. Ver Mi otra yo, temporada 3.4. El polígamo (2026)Drama/Romance. Joyce, muy popular en las redes sociales, parece el ejemplo ideal de la felicidad conyugal... hasta que las conquistas de su marido infiel desencadenan una gran crisis. Duración: 22 episodios. Ver El polígamo.5. Verano del 36 (2026)Drama/Intriga. Niza, verano de 1936, justo en el momento histórico en el que los trabajadores y las trabajadoras francesas comienzan a disfrutar de sus primeras vacaciones pagadas. Esta llegada masiva de veraneantes de clase media y baja altera por completo la paz de la alta burguesía que acostumbra veranear en la lujosa Costa Azul. En medio de este choque cultural y social, cuatro mujeres de orígenes muy distintos se ven involucradas en el misterioso asesinato de un fiscal en el exclusivo hotel Riviera. Duración: seis episodios. Ver Verano del 36.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Aguas que corroen (2018)Terror/Acción. Una mala decisión en la ruta provoca que Sawyer, una joven que se dirige a una entrevista laboral, se pierda en un bosque helado en el que se oculta una banda de criminales. Entrar fue un error; salir con vida del bosque será un milagro. Duración: 1 h 47 min. Ver Aguas que corroen.2. La portera (2020)Acción/Suspenso. Ali, una exmarina traumatizada en combate regresa a su país para comenzar una nueva vida como encargada de un antiguo edificio de Nueva York. Ali deberá enfrentar a un grupo de ladrones. Duración: 1 h 37 min. Ver La portera.3. Contrarreloj (2023)Acción/Suspenso. Matt, un empresario estadounidense que reside en Berlín lleva a sus dos hijos en auto cuando, de improvisto, recibe una llamada. Un desconocido le informa de que hay una bomba en el vehículo y la hará estallar si no sigue sus indicaciones. Duración: 1 h 31 min. Ver Contrarreloj.4. Hasta el final (2026)Drama/Maternidad. Cuando su hijo pequeño enferma, Jada, que lo dio todo por ser madre, está dispuesta a hacer cuanto sea necesario por encontrar un donante y salvarlo cueste lo que cueste. Duración: 1 h 42 min. Ver Hasta el final.5. Enola Holmes 3 (2026)Intriga/Comedia. La detective Enola Holmes viaja a Malta para casarse, donde sus aspiraciones personales se entremezclan con su caso más complejo y peligroso hasta la fecha: el secuestro de su hermano Sherlock el día de la ceremonia. Duración: 1 h 48 min. Ver Enola Holmes 3.

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La muerte de Bonnie Tyler conmocionó al mundo entero. La artista de 75 años falleció este miércoles 8 de julio en un hospital de Portugal debido a complicaciones derivadas de una cirugía intestinal de urgencia. Pese a su partida, su trabajo quedará vigente en la historia de la música, ya que su producción sonora integró el repertorio de numerosos proyectos audiovisuales que llevan a varias generaciones de espectadores a asociar sus canciones con producciones cinematográficas y televisivas de gran repercusión internacional.La relación de la apodada 'La Primera Dama del Rock' y la pantalla grande encontró su punto de inflexión a mediados de la década de 1980, cuando los directivos de la compañía Paramount Pictures buscaron material sonoro para la película Footloose (1984) y solicitaron a Tyler una pieza exclusiva para el largometraje. Los compositores Jim Steinman y Dean Pitchford asumieron la creación del tema "Esperando a un héroe", cuya enérgica interpretación convirtió la canción en un éxito inmediato, al tiempo que la cinta, bajo el protagonismo de Kevin Bacon, multiplicó su popularidad en los cines de todo el mundo.Aquel clásico musical mantuvo su fuerza intacta a través de los años y el cine de animación recurrió a él, como en la aclamada película Shrek 2 (2004), donde el tema dio vida a una de las secuencias climáticas más memorables de la pantalla grande: mientras el Hada Madrina interpreta de forma teatral la icónica canción en el piano del escenario real del castillo, la acción se traslada a las afueras de la fortaleza. Allí, Shrek, Burro (transformado en corcel blanco) y el Gato con Botas lideran el asalto para detener la boda de Fiona con el Príncipe Encantador.Décadas después, la producción animada Super Mario Bros: La película (2023) sirvió como una nueva prueba de su vigencia al incorporar la melodía de los años ochenta en un momento fundamental de su trama. En esa secuencia, el personaje principal completó un duro entrenamiento con el fin de defender el Reino de los Hongos de una gran amenaza, donde el ritmo de la música y el tono desgarrado de Tyler dieron una fuerza perfecta a las imágenes, las mismas que causaron interés en las nuevas generaciones.Por otra parte, la televisión también registró una presencia notoria de su catálogo, incluso mayor que la industria cinematográfica. El mismo tema apareció en producciones como Euphoria (2022), La hora del diablo (2022) y La caída de la Casa Usher (2023). El mundo de los superhéroes no resultó ajeno a este fenómeno, ya que la aclamada serie de Marvel, Loki (2021), que utilizó los acordes de la intérprete galesa para ambientar una de sus secuencias de combate más importantes. Asimismo, el exitoso fenómeno musical juvenil Glee rindió tributo a su legado con una versión que cautivó a sus fanáticos. Asimismo, los directores eligieron otras piezas de su discografía con intenciones similares, tanto en el drama como en el humor. La comedia cinematográfica Old School (2003) regaló un momento icónico a los espectadores gracias a una desopilante versión de su otra obra cumbre, mientras que la serie policial Mentes Criminales rescató en su ciclo de 2022 la emblemática balada original "Eclipse total del corazón".

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Tom Hanks cumple 70 años: diez películas para celebrar la trayectoria de una leyenda viva de Hollywood

Este 9 de julio, un tal Thomas Jeffrey Hanks â??Tom Hanks para los amigosâ?? cumple 70 años. Y es que de alguna forma u otra, en las más de cuatro décadas que lleva dedicándose a la actuación, supo introducirse en hogares de todo el mundo y especialmente traspasar generaciones. Hoy, en las pantallas grandes se puede ver su último trabajo, Toy Story 5, que convoca tanto al público infantil como al que vio la primera entrega de la franquicia hace 31 años. Y es que si alguien elabora su lista personal de actores favoritos, es muy probable que lo incluya, por la sensibilidad de sus interpretaciones, por su convicción de transformarse físicamente para construir un personaje y porque sus títulos no pierden vigencia. Hoy, en el día de su cumpleaños, repasamos diez de las películas más memorables de su filmografía. 1) Quisiera ser grande (1988)Película que marcó un punto de inflexión en la carrera de Hanks, dándole su primera nominación al Oscar. Dirigida por Penny Marshall (Despertares), cuenta la historia de Josh Baskin, un niño de 13 años que desea ser grande. De la noche a la mañana su sueño se hace realidad: se despierta con un cuerpo de 30 años y con las responsabilidades que eso conlleva, pero manteniendo su mentalidad adolescente. 2) Apolo 13 (1995)"Houston, tenemos un problema". En 1995, Ron Howard (Una mente brillante) reunió a un elenco de estrellas para llevar a Hollywood la fallida misión a la Luna de los Estados Unidos en 1970. Protagonizada por Hanks, Kevin Bacon, Bill Paxton, Ed Harris, Kathleen Quinlan y Gary Sinise, se convirtió en un éxito de taquilla, recaudando, según datos del sitio IMDb, 355.770.228 de dólares a nivel mundial, casi septuplicando su presupuesto. 3) Rescatando al soldado Ryan (1998)Uno de los mejores trabajos de Steven Spielberg. Ambientada durante el desembarco de Normandía de 1944, en plena Segunda Guerra Mundial, el capitán Miller (Hanks) y su equipo de soldados deben atravesar líneas enemigas para encontrar al soldado James Ryan (Matt Damon), un paracaidista que perdió a sus tres hermanos en la guerra y los altos rangos del ejército desean que regrese a su casa en Iowa para reunirse con su familia. 4) Atrápame si puedes (2002)La dupla Hanks-Spielberg es sinónimo de éxito. Luego del drama bélico, volvieron a reunirse para hacer otra película basada en hechos reales, pero como un tridente, con la incorporación de un joven Leonardo DiCaprio. El agente del FBI Carl Hanratty (Hanks) tiene una misión: encontrar a Frank Abagnale (DiCaprio), un habilidoso, manipulador y farsante joven con muchos millones que tiene la capacidad de hacerse pasar por médico, abogado y piloto de avión y siempre salirse con la suya. Tráiler - Atrápame si puedes5) Forrest Gump (1994)Mejor película, actor, director, guion adaptado, edición y efectos visuales son los seis reconocimientos que recibió de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Aunque Hanks no fue la primera opción para el papel protagónico â??Bill Murray, Chevy Chase y John Travolta eran los firmes candidatosâ??, la ingenuidad y sensibilidad que le dio a Forrest Gump terminó por transformar por completo su carrera. No solo es considerada una de las mejores actuaciones de la historia, que dejó frases icónicas como: "La vida es como una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar", sino que la película se convirtió en un clásico del cine, de esos que hay que ver por lo menos una vez en la vida.6) Milagros inesperados (1999)La historia de la relación entre el vigilante carcelario de la prisión Cold Mountain, Paul Edgecomb (Tom Hanks), y John Coffey (Michael Clarke Duncan), un prisionero con poderes especiales sentenciado a muerte por un brutal crimen que no cometió, se convirtió en un clásico del cine. Si bien está basada en la novela de Stephen King, se encontraron varias similitudes con el caso real de George Stinney, un niño de Carolina del Sur que, con 14 años, se convirtió en la persona más joven en toda la historia de los Estados Unidos en ser ejecutada. Luego de un acelerado juicio en 1944, lo enviaron a morir en la silla eléctrica, acusado del asesinato de dos niñas. Siete décadas después se determinó que lo condenaron injustamente.7) Náufrago (2000)La mayor transformación física a la que se sometió el actor en toda su carrera. Durante la primera etapa del rodaje, para personificar al empresario Chuck Noland, debió engordar 23 kilos. Luego, tuvo 13 meses en los que el rodaje se interrumpió para adelgazar 25 kilos y dejarse crecer el pelo y la barba para representar la experiencia de supervivencia de un hombre que terminó solo y aislado en una isla desierta tras sufrir un accidente aéreo. 8) Filadelfia (1993)Si bien para esta época el californiano ya era una figura destacada en Hollywood, el Oscar a mejor actuación principal que ganó por su trabajo en la película de Jonathan Demme (El silencio de los inocentes) comenzaría a marcar el poderío que tendría en la industria durante las siguientes tres décadas. Ambientada en la ciudad de Filadelfia, cuenta la historia del joven abogado Andrew Beckett (Hanks), que es despedido de su bufete luego de que descubrieran que tenía HIV. Decide demandar a sus exjefes, pero la única persona que acepta representarlo es Joe Miller (Denzel Washington), un abogado lleno de prejuicios, pero también dispuesto a derribarlos. 9) Un buen día en el vecindario (2019)Los dramas basados en hechos reales son de los favoritos de Hanks. En 2019 se puso en la piel de Fred Rogers, el famoso presentador de televisión infantil popular en los Estados Unidos entre los 70 y los 2000, que entabla una sincera y transformadora relación con Lloyd Vogel (Matthew Rhys), un periodista encargado de registrar su vida. 10) Toy Story Para cerrar la lista, la franquicia que hoy, a los 70 años, tiene a Hanks en los cines del mundo. Allá por 1995 le prestó por primera vez la voz al que se convertiría en uno de los personajes animados más famosos y queridos de la historia: el del vaquero Woody. La película de Disney se convirtió en un éxito y siguió con una segunda parte en 1999, una tercera en 2010, una cuarta en 2019 y una quinta en 2026, además del gigantesco universo que se creó alrededor de los juguetes. Más allá de los títulos mencionados, hay muchas otras películas destacadas en la filmografía de Tom Hanks. Desde dramas basados en hechos reales como Elvis (2022), The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (2018), La terminal (2004) y Sully: hazaña en el Hudson (2016) hasta las romcoms Splash (1994), Tienes un e-mail (1998) y Sintonía de amor (1993). ¿Cuál de todas es tu favorita?

Acemi se refirió al informe de estados financieros entre 2023 y 2024 de la Nueva EPS: "No está completa la película"

Ana María Vesga, presidente ejecutiva de la Asociación Colombiana de Empresas de Medicina Integral (Acemi), afirmó que la presentación del documento representa "un avance importante", y señaló que esta será una de las primeras "tareas" para el gobierno entrante de Abelardo de la Espriella

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El actor repasó en el podcast de Louis Theroux las complicaciones del rodaje de Aventuras en Shanghai, la convivencia con la cantante bajo el escrutinio constante de los tabloides y el impacto de todo eso en el resultado final del filme

Musical de Frida Kahlo tendrá película luego de su paso por el Fan Fest del Zócalo: cuándo y dónde ver

La película del musical, escrita por Gerardo Quiroz Acosta y Samantha Salgado, basada en la vida de la pintora mexicana, fue lanzada para el público internacional en la plataforma digital el mismo día de la presentación en el Zócalo

La película subida de tono que está en Netflix y es ideal para los amantes del amor prohibido

Se acerca el fin de semana extralargo y, entre los ítems de la lista de pendientes, el tomarse unos minutos recostado en el sillón y deleitarse con el mejor contenido de Netflix se posiciona como el ideal. En esta oportunidad, el gigante del streaming ofrece una opción fuera de lo habitual: la película subida de tono que es ideal para los amantes del amor prohibido.Siempre fiel es una cinta holandesa de 2022, dirigida por André van Duren. Pese a que se estrenó en la plataforma de la N roja en mayo de 2023, en los últimos días despertó un repentino interés por gran parte de los usuarios. A raíz de esto, muchos se preguntan qué es lo que la hace tan atrapante. La historia sigue en poco más de una hora y media a Bodil e Isabel, dos mejores amigas atrapadas en la rutina de sus matrimonios perfectos que encuentran una vía de escape bastante peligrosa. Cada tanto, se arman una escapada de fin de semana a la costa con la excusa de un "viaje de chicas", pero en realidad la usan como coartada perfecta para tener aventuras con otros hombres. El plan es milimétrico: se cubren la una a la otra, se pasan los teléfonos y mandan fotos falsas a sus maridos para que nadie sospeche nada.Todo marcha sobre ruedas hasta que, en uno de esos viajes, Isabel desaparece sin dejar rastro y Bodil encuentra la casa llena de sangre. A partir de ahí, la película se vuelve una carrera contrarreloj muy tensa. Bodil se encuentra en una encrucijada imposible: si le dice la verdad a la policía y a los esposos para ayudar a buscar a su amiga, destruye sus vidas y destapa toda la red de infidelidades; pero si se calla, todas las pistas falsas que armaron para engañar a sus parejas la terminan incriminando a ella misma como la principal sospechosa del crimen. Mientras intenta averiguar qué pasó con Isabel, se empieza a dar cuenta de que nadie a su alrededor es tan inocente como parece y que las mentiras eran mucho más profundas de lo que pensaba.Tres producciones para disfrutar en Netflix si te gustó Siempre fiel1. Amor adulto (2022)Leonora descubre que su marido Christian la engaña con una compañera de trabajo. Ambos tomarán medidas drásticas para conseguir sus fines, lo que demuestra que la línea entre el amor y el odio a veces es muy delgada. Duración: 1 h 44 min. Ver Amor adulto.Amor adulto - Trailer2. Perdida (2019)Eric es contratado como el nuevo director de orquesta de la Filarmónica de la Ciudad de México y se muda allí con Carolina, su mujer. Todo es perfecto hasta que un día ella desaparece. Eric, sumido en el dolor por el aparente abandono de Carolina, conoce a Fabiana, la camarera de un bar que suele frecuentar. Comienzan una relación llena de misterio, sexo y pasión, pero Fabiana se hace preguntas sobre la misteriosa desaparición de Carolina. Duración: 1 h 46 min. Ver Perdida.3. Encierro (2023)Decidida a averiguar qué le ocurrió realmente a su paciente en coma, una enfermera descubre que su síndrome oculta rivalidades, infidelidades, traiciones y asesinatos. Duración: 1 h 37 min. Ver Encierro.

La infanta Sofía rescata una película de su infancia para su primer discurso: "No os riais, me hizo ir con ánimo renovado a mi clase de tercero de primaria"

La benjamina de la familia real española ha estado arropada por sus padres, los reyes Felipe y Letizia, y su hermana, la princesa Leonor

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Matt Damon reveló los desafíos físicos y emocionales de La Odisea: "Fue la película más difícil que he hecho"

En una entrevista para el podcast Good Hang with Amy Poehler, el actor compartió detalles sobre su preparación para la nueva producción dirigida por Christopher Nolan, reflexionó sobre el significado del personaje de Odiseo y explicó cómo esta experiencia influyó tanto en su carrera como en su vida personal

La película Cordillera de Fuego llega a la capital guatemalteca con su primera proyección oficial

El cineasta explicó tras la exhibición en el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias que la historia evita el modelo del héroe individual y prioriza el impacto en la comunidad, según su visión mesoamericana

Murió el actor Luis Margani, la revelación de la película Mundo grúa

Murió Luis Margani a los 77 años, recordado por su protagónico en la película de Pablo Trapero Mundo grúa (1999). Según informó la Asociación Argentina de Actores, el intérprete nacido en Sicilia, Italia, el 4 de septiembre de 1948, falleció el domingo."Con profundo pesar, despedimos a Luis Margani. A lo largo de su carrera construyó personajes de gran humanidad y autenticidad en cine, teatro, televisión y plataformas. Acompañamos con nuestras más sinceras condolencias a sus familiares, amistades y seres queridos en este doloroso momento", expresó la entidad en un comunicado.Falleció el actor Luis Margani. A lo largo de su carrera construyó personajes de gran humanidad y autenticidad en cine, teatro, TV y plataformas. Acompañamos a sus familiares, amistades y seres queridos en este doloroso momento.https://t.co/OTquAlWThy pic.twitter.com/0a55pZ9li1— Asociación Argentina de Actores (@actoresprensa) July 6, 2026"Llegó a la actuación tras un recorrido de vida singular. Durante muchos años se desempeñó como electricista de automóviles y, en la década de 1970 integró, como bajista, el grupo musical Séptima Brigada, formación que popularizó la recordada canción 'Paco Camorra'. En 1995, el director Pablo Trapero lo convocó para protagonizar el cortometraje Negocios, iniciando allí una destacada trayectoria como actor. Alcanzó un amplio reconocimiento por su inolvidable interpretación de Rulo en la película Mundo grúa, actuación que le valió el Cóndor de Plata al actor revelación otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina", recordaron desde Actores.Margani desarrolló una sólida trayectoria cinematográfica en películas como La fuga, Una noche con Sabrina Love, El favor, Industria argentina, Forajidos de la Patagonia, El cazador, Doble discurso, La suerte está echada, Palermo Hollywood, La sublevación y numerosas producciones nacionales e internacionales.En televisión y plataformas participó en las ficciones Tumberos, Resistiré, Luna Salvaje, Los Roldán, Costumbres argentinas, Mujeres asesinas, Educando a Nina, Collar de esmeraldas, TV por la inclusión, Son amores, Viudas e hijos del rock and roll, Trátame bien, Los exitosos Pells y protagonizó la serie El presidente, donde interpretó a Julio Grondona.Su labor artística también se extendió al teatro, con destacadas participaciones en obras como El jardín de los cerezos, Casa de muñecas, El viejo criado, Patagonia en flor, Premonición, Tartufo, Así en la tierra como en el cielo, Papá duerme en casa, Proyecto Alaska, Mirando los pájaros, entre otras.Noticia en desarrollo

La película "Toy Story 5â?³ recauda USD 764 millones y consolida su éxito en la taquilla mundial

El largometraje ocupó el segundo lugar de la cartelera estadounidense durante el fin de semana del 4 de julio, con un sólido desempeño pese a la llegada de nuevos estrenos

Tess, la película llena de sombras y accidentales ironías que Roman Polanski dedicó a Sharon Tate

"Para Sharon": con esas palabras en la pantalla comienza el film de 1979 Tess. Roman Polanski dedicó la película a su esposa, la actriz Sharon Tate, asesinada en 1969 por el Clan Manson. Tate había leído la novela de Thomas Hardy antes de morir, convencida de que su marido algún día haría una gran película basada en ella, con la ilusión de protagonizarla. El estreno llegó una década después de su muerte, como un homenaje. Alguien, alguna vez, le había regalado a Tate un ejemplar de Tess, la de los D'Urberville con una dedicatoria que no era para ella, pero que bien podría haberlo sido: "Para mi heroína de Thomas Hardy"."Es el destino", diría Polanski años después, hablando de por qué eligió filmar el cruce de dos caminos al principio de la película. La frase podría aplicarse a toda la historia detrás de Tess. Pocas películas acumularon tantas coincidencias, sombras e ironías como esta adaptación silenciosa de una novela victoriana sobre una mujer condenada por la mirada de los hombres que la rodean.Un cineasta "enamorado" de un libroPolanski conocía el mundo rural desde adentro: sus primeros años los vivió en una granja. "Naturalmente, eso facilita las cosas si, décadas después, filmás una película que transcurre en las mismas condiciones. No solo facilita: inspira", reflexionó. Esa infancia explica, en parte, por qué se sintió tan identificado con la novela. "Estuve en el campo desde muy joven, así que podía identificarme mucho con Tess. Estaba enamorado de Tess. Estaba enamorado del libro", dijo.Lo que más lo atraía era la mecánica interna de la trama: la manera en que el destino de una joven queda decidido por un cruce casual. "Lo que más me gusta de esta historia, y de muchos libros de Hardy, es esa ironía de la coincidencia, del azar", explicó. "Al principio, el padre de Tess se cruza con el pastor a caballo, que le habla de sus ancestros nobles. Y eso trastorna la vida de esta chica: ese padre borracho decide enviarla con los D'Urberville, o con la gente que él cree que son los D'Urberville. Es el destino. Por eso elegí mostrar dos caminos que se cruzan al principio". La novela no era una referencia decorativa: era, en muchos sentidos, el espejo de su propia biografía, la de un hombre que desde chico vio cómo las fuerzas externas decidían por él.Tess transcurre en el condado inglés de Dorset. Se filmó en Francia. La razón no fue solo estética: Polanski era buscado por la Justicia de Estados Unidos acusado por un delito sexual, y pisar suelo británico significaba exponerse a una extradición. La película se convirtió en la producción francesa más cara hasta ese momento.La decisión encareció el proyecto de manera dramática. "Hay un actor que sale carísimo en la película: el paisaje, justamente porque hay que recrearlo", ironizó el productor Claude Berri. Polanski coincidía: "Lo que sale caro es recrear el Dorset de la época de Hardy en Francia. Es un paisaje que ya no existe. Tuvimos que rehacer las cosechas". El director recordaba los detalles con precisión: "Pedimos que sembraran los campos a la antigua, sin cortarlos. Cuando llegamos, en agosto y septiembre, teníamos todo lo que queríamos". Berri agrega que hasta consiguieron una trilladora de época, y que los extras que la operaban recuperaron enseguida "los gestos, los movimientos" de sus antepasados campesinos.Una adolescente para encarnar a la inocenciaPolanski había conocido a Nastassja Kinski años antes, cuando ella tenía apenas 15 y protagonizaba una película para televisión en Alemania. Se hicieron amigos. Él la trató, según recordaría ella después, "como a un igual intelectualmente", y le dio a leer varios libros, entre ellos Tess de los d'Urbervilles: "Me dijo: 'Quiero que lo leas bien y luego hablemos de ello'. Así lo hice y me encantó. Podía identificarme mucho con ella".Para cuando empezó el rodaje, en 1978, Kinski tenía 17 años. Era su primer papel protagónico y significaría su salto a la fama internacional. También era, según reconocería ella misma años más tarde, una especie de reparación: había hecho desnudos frente a cámara desde los 12 años y había sido sometida a insinuaciones de productores y directores durante buena parte de su adolescencia. En Tess, dijo en una entrevista de 2001, Polanski le devolvió algo de dignidad, porque la producción era hermosa y ella no tenía que desnudarse.Sobre la naturaleza exacta del vínculo previo entre ambos hubo versiones distintas a lo largo de los años: se habló de un romance antes del rodaje, cuando ella era menor de edad y él tenía 42. Kinski, en entrevistas posteriores, sostuvo que lo amó y lo admiró, pero que nunca tuvieron una relación. Sea cual sea la versión correcta, elegir a una adolescente alemana para interpretar a la heroína inglesa más célebre de la literatura victoriana no fue sencillo puertas adentro de la producción: el sindicato de actores británico, Equity, se resistió a que una "chica alemana" protagonizara lo que era, en esencia, una película británica.La directora de casting Mary Selway no encontró a nadie que igualara su presencia, y antes de confirmarla la mandaron a Londres a trabajar el acento de Dorset con una entrenadora de diálogo. El resultado asombró a todo el equipo. Para Polanski, la decisión nunca fue solo sobre talento actoral: "No se trata solo de la capacidad de actuar, sino de quién es la persona".Ella se entregó por completo a la transformación. Perdió su acento alemán, se mudó a Inglaterra y vivió meses en el campo junto a la gente local. "Fue una gran oportunidad para mí, no solo para prepararme para esta película, sino para cambiar y empezar mi propia vida", reflexionó.El clima de rodaje tuvo algo de comunidad improvisada. "Ese equipo era como un circo ambulante: cambiábamos de locación dos o tres veces por día. Había muchísimo entusiasmo, y la gente estaba dispuesta a todo", contó Polanski.El actor Leigh Lawson, que interpretó a Alec d'Urberville, recordaba las fiestas de fin de semana: "Tomábamos la discoteca del pueblo, 70 o 80 personas de golpe. Roman siempre se sumaba, siempre era parte de la fiesta". Para Kinski, el equipo funcionó casi como una familia sustituta: "Él era como mi hermano mayor, y el equipo era la familia". Hubo, incluso, un momento que la actriz recuerda con particular cariño: la vez que Polanski le habló de la sopa, de su infancia pobre en Polonia. "Escucharlo hablar sobre lo que significa tener una taza de sopa, desde su origen, desde su vida, fue realmente hermoso", contó.El peso de una miradaTess es, entre otras cosas, la historia de una mujer definida por la manera en que los hombres la observan. Alec la desea. Angel la idealiza hasta un punto imposible de sostener. La comunidad la juzga. El crítico John Berger escribió, en Modos de ver, que en la tradición occidental los hombres actúan y las mujeres aparecen. Pocas películas ilustran esa idea con tanta claridad como esta.Ahí aparece la paradoja central de Tess: fue dirigida por un hombre cuya propia biografía -el delito sexual por el que era buscado, la fuga a Francia- vuelve inevitable la pregunta sobre la relación entre la mirada, el poder y las mujeres. Y sin embargo, Kinski insistió durante décadas en que el rodaje fue una de las experiencias más respetuosas y formativas de su carrera.El contraste se vuelve más filoso si se lo compara con lo que la actriz contó sobre otros directores. Un año después de que su fotografía con una serpiente diera la vuelta al mundo, Paul Schrader la eligió para protagonizar El beso de la pantera y se obsesionó con ella durante el rodaje. Cuando terminó la película, Kinski cortó comunicación. Schrader la buscó hasta encontrarla, y la respuesta de ella fue tajante: "Paul, yo me acuesto con todos los directores con los que trabajo". No era una confesión: era una manera de espantarlo.Leigh Lawson ofreció, además, una reflexión incómoda pero honesta sobre la escena central de la violación. Explicó que construyó a Alec pensando en los códigos morales de la época, en los que ese vínculo podía leerse como casi aceptado. Pero fue tajante en un punto: reconoció, sin matices, que en los hechos fue una violación, porque Tess era una chica inocente.Hay una frase de Marguerite Duras, de su novela El amante que ilumina algo de lo que le pasa a Tess: "Muy pronto en mi vida fue demasiado tarde". Tess nunca tiene tiempo de ser, simplemente, una muchacha: el mundo decide quién será antes de que ella pueda decidirlo.El afiche original de la película llevaba una frase que, con los años, resultó profundamente incómoda: describía a Tess como víctima de "su propia belleza provocativa", en un mundo donde "lo llamaban seducción, no violación". Muchos señalaron después la ironía, considerando que su propio director enfrentaba acusaciones de haber "seducido" a una menor de 13 años.El vestido color sangre secaEl rodaje duró unos 10 meses y atravesó una tragedia propia: el director de fotografía Geoffrey Unsworth murió de un infarto durante el tercer mes de filmación, a fines de octubre de 1978. Había rodado buena parte de las escenas exteriores de la primera mitad de la película: la seducción entre la niebla, el establo donde ordeñan las vacas, las chicas viendo llegar a Angel al amanecer. Ghislain Cloquet lo reemplazó y filmó el resto. Ambos ganaron el Oscar a la Mejor Fotografía: Unsworth, de manera póstuma, Cloquet murió apenas siete meses después de recibir la estatuilla.Sobre el color, Polanski tomó una decisión drástica: eliminarlo casi por completo. "Pensé que no deberíamos usar color en toda la película, salvo en una escena, donde ella lleva un vestido rojo. Ese rojo tenía que ser el color de la sangre seca. Es curioso, porque ese es el vestido que todos recuerdan cuando hablan de la película", explicó.El vestuario, a cargo de Anthony Powell, cumplía una función igual de precisa. "Roman eligió a dos actores físicamente distintos para Alec y Angel, y mi trabajo fue acentuar esa diferencia. Con Alec todo era nítido, duro, gráfico. Angel vestía tonos beige y marrones: parecía parte del campo", explicó Powell, descrito por sus colaboradores como un perfeccionista con "ojo de águila" que llegó a vestir a los actores con ropa auténtica del siglo XIX. Cuando una costura de una campera de terciopelo empezó a deshacerse, su única instrucción fue: "Simplemente déjala como está". La búsqueda de locación fue igual de meticulosa: "En Dorset las granjas ya no se parecían en nada al siglo XIX. Pero en Normandía y Bretaña fue extraordinario: se veía exactamente como mis fotografías de investigación", contó.Con los actores, Polanski aplicaba una filosofía particular: "Nunca les muestro lo que quiero antes del ensayo. La escena les pertenece, y un buen actor la va a hacer de forma instintiva y natural. No hay cámara cuando ensayamos: eso pasa entre los actores, y después filmamos". Su manejo de cámara era igual de estricto: "Trato de filmar respetando la distancia de un observador invisible de la escena. Las películas hechas enteramente en primeros planos me parecen completamente arbitrarias".Esa exigencia lo llevaba a probar él mismo los riesgos que pedía a sus actores: Leigh Lawson recordaba una toma en la que Polanski quería que él y Kinski bajaran una colina a galope tendido -"Uno no discute con Roman en el set", contó-, y después vio al propio director manejando un carruaje, bajando la misma colina a toda velocidad. "Me gusta saber a qué expongo a mi actor, y siempre trato de hacer lo mismo yo mismo", confirmó Polanski.Una amistad rotaLa posproducción fue, según Polanski y Berri coinciden, el punto donde la amistad entre ambos empezó a resquebrajarse. Nunca habían discutido antes. La película debía durar dos horas y media, y sobraba casi media hora de metraje. "Empezamos a discutir por la duración. Yo decía que hay límites: a partir de cierto punto, ya no vale la pena mostrarla, porque empieza a cojear", contó Polanski. Las presiones financieras terminaron de tensar la relación: "Le dije: 'Claude, andá a tu casa y hacé las cuentas. La película no se puede tocar. Si se toca, está muerta'. Estaba tan contrariado que exploté". El costo personal fue alto: "Quedé completamente deprimido por la experiencia de Tess, por el esfuerzo enorme y las dificultades que encontré hacia el final", confesó.Berri, por su parte, guarda un recuerdo agridulce: "Para mí es algo importante, y guardo un recuerdo extraordinario de esta aventura, a pesar de que casi salté por los aires". Pero aclaró qué fue lo que realmente perdió en el proceso: "Polanski desapareció. No les voy a decir que me entusiasma volver a ver Tess, porque me va a recordar demasiadas cosas que me costó mucho esfuerzo olvidar". Y, sobre el vínculo que supieron tener: "Lo que extraño es al hombre. La relación que teníamos se destruyó de golpe, como pasó al final con Tess".Un fugitivo filmando a otra fugitivaTess ganó tres premios Oscar: fotografía, dirección de arte y vestuario, y un César en Francia para Polanski. Cuarenta y cinco años después, sigue siendo una de las adaptaciones literarias más elogiadas del cine, aunque también una de las más incómodas de reseñar sin mencionar la sombra que la rodeó siempre.Polanski, en una de sus últimas reflexiones sobre la película, reconoció una influencia que solo pudo identificar con el correr de los años: Larga es la noche, de Carol Reed, la historia de un fugitivo que escapa mientras es perseguido, que vio a los 14 años. "Durante años pensé que lo que me había marcado era la atmósfera de esa película", dijo. Recién de grande entendió que era otra cosa: la historia de alguien que escapa.Tess Durbeyfield también es, a su manera, una fugitiva: de su clase, de su pasado, de la mirada de los hombres que deciden por ella. Y la película que cuenta su historia fue filmada por un hombre que, mientras reconstruía cosechas del siglo XIX en el campo francés, huía de la Justicia de su propio siglo.Sharon Tate nunca llegó a ver esa película que había soñado protagonizar. Pero su nombre, esas dos palabras al principio de los créditos, sigue ahí, uniendo a una actriz asesinada en 1969, a una adolescente alemana que encontró en el personaje una forma de dignidad, y a un director que, como el fugitivo de Larga es la noche, escapó para filmar un clásico.

La actriz generada por IA, Tilly Norwood, estará al frente de su primera película

El avance de la inteligencia artificial en Hollywood parece no tener freno, aunque desde distintos sectores vinculados a la industria hay una fuerte resistencia. Y un nuevo paso parece concretarse en lo referido al uso de la IA en el cine, con la confirmación de la primera película que tendrá como protagonista a una actriz realizada a través del empleo de esa tecnología. Particle 6, el estudio especializado en inteligencia artificial que el año pasado presentó a la actriz Tilly Norwood, anunció que llevará adelante una película con ella como su principal figura. El título del film será Misaligned, y según comunicó la misma empresa, el largometraje presentará "una historia de crecimiento salpicada por el caos existencia que tiene una IA". A partir de esa premisa, la trama seguirá los pasos de Tilly, una IA que no cuenta con una infancia ni con recuerdo propios, aunque puede conocer el pasado de muchas personas. La situación para Tilly será aún más compleja, cuando un bot malvado proveniente de una internet oscura, la persuada de desarrollar nuevas emociones, con la ilusión de quizá así ser más humana. Según informaron desde Particle 6, la idea no es producir el largometraje de manera íntegra con IA, sino que la intención es la de combinar esa tecnología con el trabajo humano. Por ese motivo es que habrá un director, guionistas, montajistas y técnicos de distintas áreas, todos trabajando codo a codo con personal especializado en inteligencia artificial. En el mismo comunicado, la fundadora de Particle 6 expresó: "La IA puede apoyar a un cine narrativo de gran calidad, pero solo si cuenta con el respaldo del talento, el criterio y la habilidad humana. Esta no es una limitación de la tecnología, y ese es el punto. Los cineastas que se abran camino durante la próxima década, serán quienes le aporten su instinto narrativo a estas nuevas herramientas. Y Misaligned es el punto en el que ponemos esto a trabajar a gran escala".Taylor Swift contra la IAEl pasado mes de abril, el equipo legal de Taylor Swift presentó tres solicitudes de registro de marca ante la oficina de patentes de Estados Unidos. Dos de esas solicitudes contemplan expresiones utilizadas con su voz. Una de ella es "Hey, it's Taylor Swift", y la otra dice: "Hey, it's Taylor"Según trascendió, la tercera solicitud de marca consiste en un registro visual en el que se detalla que se trata de una fotografía de Taylor, sosteniendo una guitarra rosa que lleva una correa negra, en donde ella viste un body multicolor y botas plateadas. En esa misma imagen, la compositora se encuentra de pie, en un escenario rosa, frente a un micrófono multicolor con luces púrpuras que se aprecian en el fondo.Según detalló el equipo legal de Swift, este registro se relaciona al uso de imágenes y voces que se usan para educar determinados patrones utilizados por IA, para replicar de manera libre estilos y sonidos que deben estar bajo el paraguas de los derechos de autor. De otro modo, cualquiera puede usar en un software de IA apariencias, voces, canciones o cualquier tipo de obra de un artista, sin pagar derechos de ningún tipo.En el último tiempo, circularon en redes infinidad de imágenes y videos, algunos de contenido erótico, realizados con IA y que utilizaban la apariencia de Taylor Swift. El abogado Josh Gerben, que trabaja para la cantante, destacó en un comunicado: "En teoría, si se presentara una demanda contra una IA que utiliza la voz de Swift, ella podría argumentar legalmente que cualquier uso de su voz que suene de manera similar al registro realizado, puede considerarse una violación a los derechos de su marca".

Cinco películas para entender la historia de Corea del Sur, gratis en la UNAM

Películas sobre resistencia, represión y justicia se proyectarán en la ENAC

Choque de película en La Molina: Audi que iba a toda velocidad impactó a otro vehículo y dejó el accidente grabado en video

El conductor de 21 años fue trasladado a la comisaría de La Planicie y pasó por un examen de dosaje etílico. La Policía analiza el video del choque y otras evidencias para esclarecer cómo ocurrió el siniestro

La película que Harrison Ford estuvo a punto de protagonizar en 1969, pero un estudio le cerró la puerta

El actor recordó su frustración por quedarse fuera. El proyecto de Jacques Demy finalmente terminó encabezado por Gary Lockwood

Inglaterra le ganó a México un partido de película para dejar atrás un trauma y meterse en los cuartos de final

Ni el mejor de los guionistas podía armar un escenario más extraordinario para definir el pase a cuartos de final de un Mundial. Cuatro horas de lluvia continua en la previa y más agua una vez que el árbitro marca el inicio, como para que la pelota corra con más velocidad, dificulte los controles y multiplique las precauciones. Los 2.200 metros de altitud "a la que es imposible adaptarse", según Thomas Tuchel, el alemán que entrena al equipo de los Tres Leones. Dos equipos que cargan con un sinfín de complejos y urgencias históricas. Un público desbordante de entusiasmo y optimismo.México e Inglaterra ofrecieron uno de esos duelos que las circunstancias fijan para siempre en las memorias y las retinas de quienes tuvieron la fortuna de vivirlo. Fue 3-2 para los británicos, que jugaron casi un tiempo entero con diez jugadores y enfrentarán a Noruega por el lado más europeo del cuadro. Quizás porque la historia de los ingleses con México en general -nunca habían vencido a la selección local en los tres amistosos disputados en territorio mariachi-, y con el estadio Azteca en particular (el trauma de los dos goles de Diego Maradona en 1986 continúa latente, aunque hayan pasado 40 años); más el temor por los efectos de la altura llenaron de cautela a los Three Lions durante más de media hora.La maldición que persigue a los mexicanos en las grandes citas, sobre todo cuando tienen enfrente algunas de las selecciones de mayor renombre en el planeta, disminuyó el ímpetu arrollador que los dirigidos por Javier Aguirre habían mostrado en la etapa anterior ante Ecuador, aunque el empuje de las tribunas y la seguridad de un largo invicto en el coloso de Santa Úrsula les imprimiera una marcha más desde el arranque.Los pocos riesgos que asumían unos y la prudencia de los otros hicieron que durante algo más de media hora la trama se deslizara con pocas alteraciones, casi aburrida, con más estudio que emociones fuertes. Apenas un cabezazo de Raúl Jiménez que dio comienzo a una serie de brillantes atajadas de Jordan Pickford, y una carrera individual de Anthony Gordon que resolvió con seguridad Raúl Rangel. Muy poco para lo que la serie prometía de antemano.Hasta que de pronto una acción que parecía aislada desencadenó el carrusel de acontecimientos que obligó a agarrarse fuerte de la butaca para no moverse más hasta que apareció el the end y aparecieron los créditos.Iban 36 minutos cuando Declan Rice buscó a Bukayo Saka por derecha. El desborde sobre Jesús Gallardo, una novedad en el partido, acabó con un centro pasado y una palomita de Jude Bellingham (suscriptor de una actuación excepcional) para el 1-0. Sacó del medio el local, Elliot Anderson presionó a Érik Lira, tocó para Bellingham, prolongó hacia la derecha a Harry Kane, centro bajo y doblete del 10 del Real Madrid. A los 42, el iraní nacionalizado australiano Alirezza Faghani vio una falta inexistente de Saka a Gallardo, Ezri Konsa dejó corto el despeje y Julián Quiñones clavó el rebote arriba para restaurarle el aliento a los hinchas aztecas. Todavía antes del descanso, Pickford descolgó un balón del ángulo y Bellingham le ahogó el grito del empate a César Montes.A partir de ese momento, todo orden y explicación táctica dejaron de tener sentido. La lógica indicaba que la calma debía volver a la vuelta del vestuario, pero el guionista se enamoró del frenesí y desató otro buen rato de desenfreno al que no le faltó casi nada.Se sucedieron, casi sin tiempo para respirar, un remate al palo de Nico O'Reilly, una expulsión determinada por el VAR para Jarell Quansah, un penal clarísimo de Rangel a Gordon para que Kane pusiera el 3-1, y otro que inventaron entre el VAR y Faghali por un roce del goleador inglés sobre Brian Gutiérrez para que Jiménez vuelva a poner al local a tiro de empate. Iban 23 del período de cierre y media hora exacta de descontrol futbolístico.Por entonces ya había dejado de llover y la única altura que importaba era la de los tres centrales que incluyó Tuchel para rechazar el centenar de centros que comenzó a tirar México, ya olvidado el atildado juego por abajo, la apertura por las bandas y las pequeñas sociedades de los volantes que lo habían llevado a soñar con llegar más lejos que nunca en un Mundial.No hubo caso. Se agigantaron los Tres Leones pese a la desventaja numérica, apretaron los dientes y afilaron los cuchillos dispuestos a quitarse uno de los tantos traumas que los persiguen desde 1966 y se quedaron con el premio de seguir en carrera. Se fue México, una vez más -la octava- en octavos. Como en tantas otras ocasiones, se les nublaron las ideas en el momento crucial y el fútbol se les agotó antes de tiempo. Pasó Inglaterra, que en definitiva era lo que cabía esperar. No todos los guionistas se arriesgan con finales sorprendentes.

La película de Netflix perfecta para llorar: una historia de amor inolvidable que te va a romper el corazón

Un clásico volvió al catálogo con una trama que conquistó a todo el mundo y esconde un giro imposible de olvidar.

Millie Bobby Brown revela que tuvo una mala audición para una película de Marvel con Hugh Jackman: "Me sentí destrozada"

La actriz recordó que realizó una prueba de pantalla junto a Hugh Jackman antes de alcanzar la fama con 'Stranger Things'

"Fast Forever" está en marcha: el video con el que Vin Diesel adelanta la última película de "Rápidos y Furiosos"

El actor compartió imágenes inéditas desde el rodaje de la undécima entrega, programada para marzo de 2028

Una película francesa revoluciona el marketing y logró que los jóvenes se interesen por De Gaulle

A veces es divertido ver cómo las grandes noticias, las que importan de verdad, pasan inadvertidas detrás de otras. Una nota de la revista Variety reveló cómo una película francesa creció en público en las semanas posteriores a su estreno en gran medida gracias al trabajo de un creador de contenidos online. Detrás del enunciado, aparece el cambio definitivo en el ecosistema del entretenimiento, un episodio -crucial- en lo que podemos llamar la tercera ola de la revolución digital. La primera fue la llegada de Internet; la segunda, la de las redes sociales y el streaming. La tercera, finalmente, es el retorno de la herramienta al usuario, y a falta de otro nombre podríamos llamarla la de los creadores. Es divertido pensar que esto sucede cuando todos temen la competencia de la IA como nuevo cuco tecnológico demonizado a derecha y a izquierda, cuando en realidad las cosas pasan por otro lado que, convengamos, no es donde se presta verdadera atención: cómo surge una generación absolutamente nueva y que no le debe nada a nadie, y modifica el mercado, demuele el marketing tradicional y marca influencia real. El caso puntual involucra a una empresa centenaria (Pathé Films, de las primeras productoras cinematográficas del mundo), a una de las personalidades más importantes de la historia francesa y del siglo XX en general (Charles De Gaulle) y a un vloger, youtuber y creador de contenido de 22 años llamado Inès Benazzouz, más conocido por su nick Inoxtag. Sólo pensar en tres entidades separadas por medio siglo cada una podría servir de metáfora sobre la velocidad de progreso de la tecnología. Pero sigamos: Pathé produjo una película en dos partes sobre De Gaulle basada en el libro Charles De Gaulle: Une certaine idée de la France, de Julian Jackson y, en lugar de plantear al personaje con una biografía idealizada (algo que hizo en 2020 el film De Gaulle, de Gabriel Le Bomin, que en estas provincias nadie atinó a estrenar), lo hace a partir de un costado más cercano a lo popular, al hombre "solo contra todos", al resistente. Una imagen que conecta un poco más con el público joven. Pero de todos modos, es "De Gaulle", no Iron Man o Los Minions. Lo extraño es que arrancó lenta en taquilla, creció un 17% para segunda semana y un 68% en la tercera, cubriendo su costo con 1,2 millones de espectadores en el comienzo de su carrera comercial. Los motivos del salto en la tercera semana son varios. En principio, la Fiesta del Cine, evento anual en el que las salas presentan notables estrenos y combos para ver varios films con una sola entrada. En segundo, el calor feroz que sufre gran parte de Europa y la ausencia de aire acondicionado sobre todo en gran parte de París y su zona metropolitana, que empuja a mucha gente a meterse en los cines para refrigerarse. Pero ninguno de esos dos factores es tan determinante como el boca a boca: después de todo, si es por fresco se puede ver cualquier película. No: aquí el factor más importante es Inoxtag, que en combinación con Pathé organizó proyecciones de la película a las que invitó a su comunidad, apareció en ellas y hubo debates. Es decir, transformó la exhibición de la película en una experiencia. Eso generó el boca a boca en el público más reacio (en apariencia) a esta clase de películas -el joven-, y la audiencia creció. Las perspectivas económicas de la empresa, después de un inicio más bien pesimista, son de ganancia. Hay mucha tela para cortar y muchas enseñanzas a tener en cuenta. La primera: es falso que el público más joven sólo quiera fantasías, superhéroes o terror. Como ha sucedido desde que el arte es arte, una obra tiene éxito si sincroniza con los deseos y los temores de una sociedad. Aquí tiene un éxito feroz una película sobre una figura del pasado, héroe en un mundo quizás más conservador que el actual. Y no es, en modo alguno, un fenómeno aislado: sólo en Francia, han tenido éxito reciente El Conde de Montecristo y Los Tres Mosqueteros, ambas versiones bastante fieles a dos de las grandes obras de Alejandro Dumas (aquí puede ver la primera en Prime y la segunda, en dos partes, en Netflix), no casualmente también de Pathé. Es decir, existe la posibilidad de "vender" cine tradicional o basado en obras o personajes no necesariamente contemporáneos y hay un verdadero interés en ellos. La segmentación de temas y formas por público es, por lo menos, falaz. Segundo: los canales tradicionales de difusión están dejando de ser dominantes de un modo bastante más rápido de lo que parece. El creador de contenidos de YouTube es un personaje mucho más cercano a los nuevos públicos y más creíble porque interactúa con sus usuarios. Y porque la revolución tecnológica, el hecho de que casi gratuitamente cualquier persona pueda generar contenidos masivos para millones, hace que aparezcan nuevas voces. No solo eso: ante el desprestigio, la caída, la dilución de los medios tradicionales, estos creadores que están en un (aparente) lugar de igualdad con su público tienen aquello que el periodismo, por ejemplo, ha perdido en gran medida: la autoridad. Tercero: estos creadores son totalmente independientes de las estructuras económicas de difusión. Han creado y sostienen su propio público, y viven de él en la medida en que sostengan esa credibilidad, justamente. Y los productores más sabios hoy saben que son el campo donde ubicar lo que hacen. Además, no tienen ningún compromiso más que con aquellos que los siguen, ni necesitan más que eso. Inoxtag sólo difiere de otros tantos jugadores de Minecraft y creadores de desafíos para adolescentes en Twitch o YouTube en que habla francés. En la medida en que el matrimonio, o al menos la sociedad, entre estos creadores y los estudios audiovisuales crezca, los resultados en las salas van a cambiar. De hecho, Pathé ya había logrado un éxito cuando Pierre Ninay, estrella de El Conde de Montecristo, generó contenidos propios en redes sociales sobre la película. Cuarto: esto no tiene que ver con los "influencers": esos personajes invitados a avant-premières y que postean maravillas de cada estreno han perdido credibilidad porque viven del sponsoreo. No es el caso de estos creadores, que eligen qué difundir y qué no, y lo hacen para crecer en usuarios. Es decir, no aceptan nada que pudiera dañar su comunidad. Eso es lo que cimenta su autoridad: que tengan una relación más o menos democrática con su público y se presenten como "uno más", no parte de una élite académica o mediática. Y quinto: la necesidad de seleccionar entre una cantidad abrumadora de material on line en plataformas obligó a que el usuario y la conversación on line sofisticaran la mirada sobre las películas. Nadie se conforma con cualquier cosa y un vloger con autoridad impulsa o instala una conversación que se vuelve cada vez más inteligente -y "entrena" al público- a medida que se va desarrollando. Más claro: el público que compra cualquier cosa no existe más. El éxito de esta De Gaulle (algo así como si rompiera la taquilla argentina El Santo de la Espada) es una confirmación espectacular -y tanto más porque no sucede alrededor de Hollywood- de que el mundo del cine es definitivamente otro y que el poder lo tiene cada vez menos el marketing y cada vez más, y en un grado que nunca antes ejerció, la audiencia no ya pasiva, sino activa, atenta y capaz de discutir con autoridad. Es decir, liberté, égalité, fraternité.

Oasis reveló el primer tráiler de "No mires atrás con ira": así será la película sobre la reconciliación de Liam y Noel Gallagher

El documental, creado por Steven Knight, muestra desde adentro la histórica gira de reunión de la banda británica. Imágenes inéditas, acceso al backstage y las primeras entrevistas conjuntas de los hermanos Gallagher en más de 25 años.

La película de 90 minutos protagonizada por John Travolta y Bruce Willis que se ubicó en el podio de Netflix

No es la primera vez â??ni seguro la últimaâ?? que los suscriptores de Netflix rescatan del catálogo un título que se convierte en un éxito inmediato; y eso acaba de pasar con Un paraíso peligroso. La película, que en 2022 reunió en pantalla a las leyendas de Hollywood, Bruce Willis y John Travolta, volvió a la carga para revolucionar el podio y adueñarse de los primeros puestos de lo más visto en la plataforma.Dirigida por Chuck Russell, la cinta sigue en una hora y media la historia de Ryan Swan (Blake Jenner), un joven que viaja a las paradisíacas playas de Maui, Hawái, impulsado por una sed ciega de venganza. Su padre, Ian Swan (Willis), un legendario y rudo cazarrecompensas, fue emboscado y acribillado a tiros en la costa mientras perseguía un millonario botín. Las autoridades locales dan el caso por cerrado, pero Ryan sabe que hay algo mucho más oscuro detrás de esa desaparición.Decidido a encontrar a los verdaderos responsables, Ryan se infiltra en el peligroso y corrupto submundo criminal de la isla. Para lograrlo, forma una alianza con el antiguo y cínico socio de su padre, Robbie Cole (Stephen Dorff), y con Savannah (Praya Lundberg), una detective local que intenta mantenerlo dentro de la ley mientras desentierran peligrosos secretos corporativos.Toda la evidencia y los violentos enfrentamientos los conducen hacia Arlene "Buck" Buckley (John Travolta), un despiadado magnate inmobiliario que esconde un pasado criminal bajo una fachada de hombre de negocios influyente. Buckley controla los hilos políticos y económicos de la zona, y planea apoderarse de un refugio natural de los nativos hawaianos para sus propios negocios oscuros. A partir de ese momento, Ryan arriesgará su propia vida en una misión de infiltración, repleta de balaceras y persecuciones, con el único objetivo de derrocar al poderoso capo criminal."Ryan Swan se adentra en el mundo del crimen hawaiano para vengarse del jefe de la mafia que asesinó a su padre", dice la sinopsis oficial que invita a darle play.Más allá de la adrenalina y los paisajes tropicales, el verdadero gran atractivo de Un paraíso peligroso radica en la nostalgia: la producción logró el esperado reencuentro en pantalla de Bruce Willis y John Travolta. Las dos leyendas de Hollywood no compartían rodaje desde hacía casi tres décadas, cuando hicieron historia en el clásico de culto Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino. Tres películas para ver en Netflix si te gustó Un paraíso peligroso1. Triple frontera (2019)Cinco exsoldados se reúnen para robarle su fortuna a un narcotraficante en la notoria zona fronteriza de Paraguay, Argentina y Brasil y provocan una cadena de consecuencias no deseadas. Duración: 2 h 5 min. Ver Triple frontera.2. El escape perfecto (2009)Los recién casados Cydney y Cliff celebran su luna de miel paseando por una apartada región de Hawái. Su viaje idílico da un giro escalofriante cuando descubren a unos excursionistas aterrorizados que aseguran haber visto a otra pareja que fue brutalmente asesinada. Duración: 1 h 38 min. Ver El escape perfecto.Escape perfecto, tráiler3. Reptiles (2023)Tras el brutal asesinato de una joven agente inmobiliaria, un detective experimentado intenta descubrir la verdad en un caso en el que nada es lo que parece y, al hacerlo, desmonta las ilusiones de su propia vida. Duración: 2 h 16 min. Ver Reptiles.

Manuela Ocón: Quienes producimos películas tenemos el mejor trabajo del mundo

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este sábado 4 de julio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Cinco películas escondidas de grandes directores que hay que conocer

Es probable que no lo sepan, pero si contamos todas las plataformas disponibles hoy en la Argentina (las pagas, por lo menos) hay cerca de 20.000 películas a disposición. Aunque hay ciertos seres humanos que son capaces de haber visto tal cantidad â??y el autor conoce un par, aunque de lejosâ??, resulta un acervo inabarcable para el aficionado. Y eso si no tenemos en cuenta todo lo que falta: no vamos a dejar de protestar por la ausencia de clásicos, por el hecho de que muchos de esos maestros que parecían obligatorios hace algunas décadas (Ingmar Bergman o Federico Fellini) o siempre (John Ford o Douglas Sirk) están prácticamente ausentes de los catálogos. Sin embargo, el buceo en las procelosas aguas de los servidores permite encontrar todavía mucho para ver y eludir con elegancia el último grito publicitario hecho rápido y a reglamento para tener "otra novedad" en el catálogo. Seamos etimológicos: "elegancia" es la acción y el efecto de "elegir". Así que aquí elegimos para la amable lectora y el comprometido lector algunos títulos que, sorpresa, se pueden ver en la Argentina y a los que no va a llegar tan fácil. Spoiler: la mayoría no tuvo estreno comercial â??y algunos tampoco edición en videoâ?? en estas pampas, y todas corresponden o a grandes autores o, por lo menos, a directores de peso.Rebeldes y confundidos (Mubi)Vamos con un clásico de clásicos que â??adivinenâ?? nadie quiso estrenar acá. Se trata de la segunda película de Richard Linklater, Rebeldes y confundidos (Mubi), semillero de actores (debutó ahí Matthew McConaughey, con un personaje que se volvió icónico aunque iba a tener sólo una aparición) y que narra el último día de clases de una secundaria en Texas. Lo que implica que los del último año van a hacerle la vida imposible a los que recién entraron, pero eso es casi lo de menos. Con un uso muy preciso del tiempo y el espacio â??todo transcurre en alrededor de 24 horasâ?? y una descripción completamente realista de las relaciones adolescentes que incluye desde la torpeza hasta la súbita iluminación (una de las secuencias finales, en un campo de fútbol americano, es central en este sentido), va más allá de la típica "comedia del secundario". De hecho, parece que aceptara los clichés de ese subgénero para quebrarlos con amabilidad y humor, aunque no carece de momentos tensos y dramáticos. Linklater, en ese sentido, siempre tuvo la sensibilidad del documentalista, del que sabe que la vida no es ni toda risas ni toda lágrimas, aunque aquí se inclina un poco más por las primeras. Es una película rigurosa en lo formal, pero libre respecto de lo que narra; fue un fracaso de público en su estreno y se convirtió en un clásico absoluto. Por ahí andan Ben Affleck, Parker Posey, Adam Goldberg y Mila Jovovich.Pacto con la muerte (SonyOne)Hablando de autores o de nombres importantes, no deja de serlo el del alemán Barbet Schroeder. Aunque eso de "alemán" le queda chico a un hombre que, tras ser productor de las películas de Eric Rohmer, rodó en muchos países y un poco de todo. Quizás recuerden, sobre todo, su película más exitosa, La virgen de los sicarios, realizada en Colombia. O su muy premiada Mi secreto me condena, sobre el affaire Von Bulow y que le dio un Oscar a Jeremy Irons. Pero aunque no lo crean, este hombre rodó un delirio impresionante de acción y suspenso en pleno corazón de Hollywood y con dos -entonces- estrellas imbatibles, película que en la Argentina quedó sepultada en el "directo a video" porque en el mundo no obtuvo suficiente recaudación. En SonyOne figura como Pacto con la muerte y la protagonizan Michael Keaton y Andy García. Keaton es un asesino psicópata condenado a muerte. También es el único donante de corazón compatible con el hijito de García, el detective que lo encarceló. Adivinen: cuando lo están por operar (sí, a Keaton lo ejecutan mientras lo operan), el tipo escapa destrozando gente y no se lo puede matar porque el niño necesita de ese corazón. Lo interesante de este delirio es que funciona, que uno le cree a los personajes y que la tensión es absoluta. Eso y Keaton, que aquí logró llevar ese personaje que creó para Beetlejuice (el psicópata simpático) a un nivel de credibilidad y perversión extraordinario. Es una excelente película de suspenso que además comenta, con humor negro, los clichés del género y hasta los supera: la media hora final es pura acción de la mejor.La segunda guerra civil (HBO Max)La película que sigue también tuvo, como las dos anteriores, edición en VHS (¡VHS!) en nuestro país y nunca más apareció por ninguna parte hasta que se lanzó HBO Max porque, de hecho, es un telefilm. Y es otra película "de autor". Lateralmente, uno empieza a sospechar que los que manejan el negocio tienen bien claro que los films personales o con estilo propio son mal negocio y es una pena porque lo único que es mal negocio es una mala película (y abundan). En fin, esta es una comedia negra y política dirigida por Joe Dante (Piraña, Gremlins) y llamada La segunda guerra civil. En los EE.UU., un presidente demócrata (interpretado por ese enorme comediante que fue Phil Hartman) ordena recibir a refugiados pakistaníes â??la mayoría, niñosâ?? en el estado de Idaho. Pero el gobernador (Beau Bridges) desobedece, cierra las fronteras y declara la cesesión con un discurso xenófobo. Discurso cuestionado por una periodista de origen mexicano que, lateral e irónicamente, es su amante. Hay una secuencia de reunión de gabinete en la Casa Blanca que es una joya de sátira política, con un duelo de comendiantes entre Hartman y James Coburn (que siempre supo cómo hacer reír aunque interpretara tipos duros); hay una disección notable sobre el periodismo (el personaje de James Earl Jones parece ser el único que comprende el término "ética") y en cierto momento lo risueño desaparece y las cosas se ponen violentas y trágicas. Por varias razones, La segunda guerra civil, rodada hace cerca de tres décadas, hoy es mucho más relevante que entonces, más adecuada a lo que nos toca vivir. Y es también curioso que satirizara a Clinton, pero mucho se aplica a la administración Trump. Eso tienen las buenas películas: trascienden nombres propios y fechas fijas.Inventing the Abbots (Disney +)Hubo un tiempo en los años noventa en los que se habló mucho del "cine independiente americano", algo parecido a un movimiento que dio varios cineastas a Hollywood, muchos de los cuales dejaron de ser, en cierto sentido, independientes. Había muchas películas que tenían la siguiente estructura: un visitante que vuelve a su pequeño pueblo natal a saldar cuentas y revisar su propio pasado que descubre, de paso, varios secretos dramáticos. Y eran además películas corales, con muchos actores conocidos en pocas escenas (era más barato así). Entre esos films hay excelentes, buenos y mediocres, pero, curiosamente, no hay malos. Suelen ser realistas. Entre los mejores con tal esquema, y que representa bien el estilo, figura Inventing the Abbots, que tampoco tuvo jamás estreno comercial en la Argentina (está en Disney+). Ahora bien, resulta que su realizador es británico (Pat O'Connor) y tenía en su haber otras películas sobre mundos pequeños y sensibles (si ven por ahí Cal, con Helen Mirren, no lo duden: de lo mejor de la actriz). Lo que quizás explique el tempo pausado pero no lento, el desarrollo de la psicología de los personajes o sus gestos pequeños en lugar del estruendo o la "gran escena", etcétera. Aquí tenemos el pueblo chico donde dos hermanos de clase trabajadora (Billy Crudup y Joaquin Phoenix) se enamoran de dos hermanas de clase adinerada (Jennifer Connelly y Liv Tyler). Y en medio de momentos románticos y postales de vida cotidiana, se va descubriendo un secreto oscuro en el pasado de ambas familias. Es un muy buen melodrama con no poco de crítica social como marco.El cerebro del billón de dólares (Prime Video)Y cerremos esta selección con algo que debería figurar en los primeros puestos del delirio cinematográfico, una obra que parece imposible de pensar dado lo que sabemos de sus realizadores e intérpretes. Se llamó en el original El cerebro del billón de dólares, pero figura en Prime Video como Con el mundo a sus pies. En principio, parece ser de esas películas que se hicieron como clones de James Bond en los años sesenta. Pero esta, a diferencia de las parodias más evidentes como Matt Helm -con Dean Martin- o Flint -con James Coburn-, es un poco distinta y al mismo tiempo más delirante, porque lo que satiriza es la propia política en lugar del género. En principio, el protagonista es Michael Caine, en una de las dos aventuras que hizo como el agente Harry Palmer. De paso, es este personaje el que realmente parodia a Mike Myers en Austin Powers (¿recuerdan que en la tercera el papá de Austin es justamente Michael Caine?). La segunda rareza es que el director es Ken Russell, que aún no había hecho Mujeres enamoradas o Los demonios o Lisztomanía o Estados alterados, pero sí, ya estaba bastante demente. Y luego, la trama: un magnate hipermillonario tejano y bastante neonazi quiere eliminar el comunismo. Para ello crea una red de espías para causar una guerra en países soviéticos, todo programado por una supercomputadora. Es una película pop delirante disfrazada a veces de "seria", y el tono de las actuaciones recuerda mucho a la contemporánea serie británica Los Vengadores (no, nada que ver con Marvel y todo que ver con Patrick McNee y Diana Rigg). Russell realmente se divierte y se nota que Caine también. Y sin embargo, la manera en la que retrata la Guerra Fría como una especie de desquicio en el que todos fingen algo en lo que no creen, o los planos casi de historieta con ejércitos o camiones, o el hecho de que tipos como Karl Malden tengan claro cuál es el tono irónico de la película, le otorgan un extra que la hace también comentario sobre el presente y los desbordes potenciales de la tecnocracia. No hay películas así o, mejor dicho, andan escondidas. Seguiremos buceando.

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J.J. Abrams y David Robert Mitchell trasladan las criaturas prehistóricas de las islas remotas de Jurassic Park a un barrio residencial donde una familia común enfrenta lo extraordinario, con estreno previsto para el 14 de agosto. La palabra del director a Empire

Qué veo en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar este fin de semana del 4 y 5 de julio

Las bajas temperaturas azotan a gran parte del país y, si bien algunos esperan el fin de semana para salir de casa, dar un paseo o visitar algún rincón desconocido, la mayoría prefiere quedarse en la comodidad y la calidez del hogar para sumergirse en el mejor contenido de Netflix.En ese sentido es que el gigante del streaming dejó listo, como cada viernes, el ranking de las producciones más vistas por los suscriptores de Argentina para que disfrutes durante este sábado 4 y domingo 5 de julio. Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.2. Mi otra yo, temporada 3 (2026)Drama/Romance. Esta entrega se centra en sus nuevas etapas personales, mientras confrontan traumas familiares, dilemas y relaciones sentimentales en el pueblo costero de Ayvalık. Las protagonistas buscan un nuevo comienzo y sanar de sus miedos, lidiando con decisiones trascendentales que lo cambian todo. Duración: ocho episodios. Ver Mi otra yo, temporada 3.3. El polígamo (2026)Drama/Romance. Joyce, muy popular en las redes sociales, parece el ejemplo ideal de la felicidad conyugal... hasta que las conquistas de su marido infiel desencadenan una gran crisis. Duración: 22 episodios. Ver El polígamo.4. Love is Blind Argentina, segunda temporada (2026)Reality/Romance. Un grupo de solteros intenta enamorarse y comprometerse sin verse físicamente, comunicándose únicamente a través de unas cabinas. Las parejas que logran un vínculo se comprometen, se conocen en persona y conviven antes de decidir si realmente se casan en el altar. Duración: dos temporadas. Ver Love is Blind, segunda temporada.5. Avatar: la leyenda de Aang (2024)Aventura/Acción. Un chico de 12 años y sus amigos deben usar sus poderes para salvar al mundo del maléfico Señor del Fuego y traer paz para las tres naciones. Duración: dos temporadas. Ver Avatar: la leyenda de Aang.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Contrarreloj (2023)Acción/Suspenso. Matt, un empresario estadounidense que reside en Berlín lleva a sus dos hijos en auto cuando, de improvisto, recibe una llamada. Un desconocido le informa de que hay una bomba en el vehículo y la hará estallar si no sigue sus indicaciones. Duración: 1 h 31 min. Ver Contrarreloj.2. Enola Holmes 3 (2026)Intriga/Comedia. La detective Enola Holmes viaja a Malta para casarse, donde sus aspiraciones personales se entremezclan con su caso más complejo y peligroso hasta la fecha: el secuestro de su hermano Sherlock el día de la ceremonia. Duración: 1 h 48 min. Ver Enola Holmes 3.3. Un paraíso peligroso (2022)Acción/Suspenso. Ryan Swan se adentra en el mundo del crimen hawaiano para vengarse del jefe de la mafia que asesinó a su padre. Duración: 1 h 32 min. Ver Un paraíso peligroso.4. Mensajes de voz para Isabelle (2026)Romance/Comedia. Los mensajes de voz que una joven le envía a su hermana fallecida terminan llegando a manos de un desconocido, quien comienza a enamorarse de ella a pesar de la distancia. Duración: 1 h 58 min. Ver Mensajes de voz para Isabelle.5. Sin refugio (2024)Acción/Suspenso. Un francotirador profesional está atrapado en un ático de cristal y debe encontrar la manera de sobrevivir y escapar. Duración: 1 h 30 min. Ver Sin refugio.

Pese al pedido de los fans, el director de Ratatouille descarta una nueva película: "Esa historia ya está contada"

Brad Bird reveló que desde Pixar le enviaron señales para tantear su regreso al universo de Remy, en una etapa en que el estudio apuesta por ampliar sus franquicias con secuelas y precuelas

El primer tráiler de 'Los diarios de la boticaria: La película' desata expectativas globales

La película marca la primera vez que la franquicia apuesta por una historia inédita fuera del palacio imperial

Amazon en julio 2026: todos los estrenos de películas y series que llegan

La plataforma de streaming renueva su catálogo con nuevas series y películas. Project Hail Mary es uno de los estrenos más esperados de Amazon.

Lo más visto en Netflix Paraguay: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Paraguay.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.

Lo más visto en Netflix Panamá: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Panamá.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.

Lo más visto en Netflix Perú: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Perú.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.

Lo más visto en Netflix Estados Unidos: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Estados Unidos.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.

Lo más visto en Netflix Uruguay: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Uruguay.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.

Lo más visto en Netflix Venezuela: las 10 películas más exitosas del momento, con "Mensajes de voz para Isabelle" a la cabeza

Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en Venezuela.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este viernes 3 de julio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Las películas preferidas del público argentino: predecibles y muchas sorpresas

"Toy Story 5" y "El diablo viste a la moda 2" lideraron el lote de las que llevaron más público de enero a junio.Las argentinas, lejos del Top 20. Las cifras siguen bajando, pero junio tuvo alzas y se vienen las vacaciones de invierno.

Jodie Foster, sobre la más reciente película de Brad Pitt: "Parece haber sido hecha por inteligencia artificial"

Jodie Foster abordó esta semana uno de los temas que, por lo bajo, más se comentan en Hollywood: cómo la irrupción de los distintos modelos de inteligencia artificial están cambiando la manera en la que se hace cine, pero también la manera de contar una historia y hasta de actuarla. La actriz de El silencio de los inocentes realizó estas reflexiones en una charla titulada "¿Quién es el dueño del futuro de Hollywood?", que se llevó a cabo este martes en el Festival de Ideas de Aspen. Allí, mientras reflexionaba junto a Michael Lynton, ex director ejecutivo de Sony Pictures, sobre los cambios en la industria del cine, mencionó a F1, la película protagonizada por Brad Pitt, como ejemplo de cómo las máquinas ya comenzaron a marcar su identidad en las películas. Foster comentó entre risas que la película de carreras protagonizada parecía haber sido realizada por inteligencia artificial. "No lo digo con desdén, ¿cómo podría? Esta película recaudó millones de dólares. Pero veo una película como F1 y pienso: 'F1 fue creada por IA'", aseveró, ante la atenta mirada del público presente. Y continuó: "¿No es así? Es decir, la estructura era exactamente la que se aprende en la escuela. Los actores recitan sus diálogos tal como si hubiesen sido escritos por una computadora, diciendo exactamente lo que corresponde que digan en cada momento". Pero no todas fueron críticas. La actriz dejó en claro que, más allá de que reconoce la impronta no humana en aquel film, el resultado no le pareció malo. "Lograron dominar la tecnología para crear algo grandioso y hermoso, y potencialmente con mucha información proveniente de otras fuentes", aseguró.F1 sigue a Sonny Hayes (Pitt), un expiloto de Fórmula 1 que, tras años de ausencia, regresa a la pista para salvar a un equipo en crisis y entrenar a un joven y prometedor piloto, encarnado por Damson Idris. La película, dirigida y escrita por Joseph Kosinski junto a Ehren Kruger, recaudó 634 millones de dólares en todo el mundo y fue nominada a cuatro premios Oscar, incluyendo mejor película, y se alzó con la estatuilla de mejor sonido."La inteligencia artificial supone un paso de gigante más hacia la transformación de la industria", reflexionó Foster tras detallar los cambios que la tecnología digital y los efectos especiales generados por ordenador han traído al negocio del cine."La gran pregunta es: ¿Va a reemplazar a los actores y guionistas?, preguntó Lynton. Y la respuesta de Foster fue tajante: "Sí, va a reemplazar gente". La actriz explicó cómo los estudios ahorran dinero en las escenas con multitudes al duplicar a los extras. "Estamos eliminando muchos puestos de trabajo y, con suerte, los sindicatos podrán intervenir y decir: 'Pueden usar a mi actor 20 veces, pero le pagarán 20 veces'. Y creo que eso es justo".Foster afirmó que, para "cosas pequeñas y útiles", como la previsualización (la creación de escenas de películas antes de la producción), las herramientas de inteligencia artificial pueden ser de gran ayuda. "Lo que todos desearíamos es que los cineastas dominaran la IA y nunca perdieran de vista ese objetivo". Puso como ejemplo una secuencia onírica, con la ayuda de la IA, en su película más reciente, Vie privée, que consideró un éxito, a pesar de que las imágenes "no tenían sentido"."Si logramos dominar la IA de forma constante a lo largo del tiempo, podremos crear cosas que nos reflejen y podremos mejorarlas", afirmó.

Las mejores películas y series para ver este fin de semana: Netflix, HBO Max, Disney+, Prime Video, Apple TV, Movistar y Filmin

Las principales plataformas de streaming modifican sus catálogos con estrenos de fuerte impacto para combatir el frío invernal y cautivar a las audiencias globales. Leer más

'Minions & Monsters': el director de la película revela detalles sobre el verdadero origen de los minions

La nueva película introduce tribus de Minions y reabre debates sobre su historia dentro del universo de la franquicia

De Buscando a Nemo a Intensamente: las 10 mejores películas de Pixar, según Empire

La publicación británica elaboró su selección de animaciones y reservó los primeros puestos para títulos que marcaron a varias generaciones con historias que nunca pasan de moda

Los caminantes de la calle: una película diferente que lograr cumplir con lo que se propone

Los caminantes de la calle (Argentina, Perú / 2025). Dirección: Juan Martín Hsu. Guion: Martín Hsu y Marcelo Pitrola. Fotografía: Roman Kasseroller. Edición: Ana Remón. Música: Mowat y Jorge "Awelo" Miranda. Elenco: Victoria Almeida, Chien Min Lee, Andrés Alberto Tan He, Yuchen Che, Alex Kawen y León Yee. Duración: 90 minutos. Nuestra opinión: buena. 3 starsUna familia china cena en su restaurante mientras mira por televisión una película de Wu-xia, el género tradicional de espadachines que transcurre en una era mítica. La banda sonora exaltada del film de acción subraya de modo anómalo las circunstancias más prosaicas pero no menos dramáticas de estos personajes contemporáneos: una llamada interrumpe la cena y una voz al teléfono exige un pago exorbitante para terminar con una amenaza de muerte. El rojo y el amarillo de la fachada del restaurant y el neón del interior anticipan una fotografía de colores inflamados, como las de Christopher Doyle en las películas de Wong Kar-wai. Poco después, dos motociclistas anónimos que parecen salidos de una película de John Woo, uniformados de negro desde el casco hasta las botas, disparan a quemarropa contra el personal y clientes del local. Luego de este prólogo cargado de señales que apuntan al cine de acción asiático e insospechado para una película argentina, las contraseñas estéticas cambian un poco y sigue otra película, más normalizada y asentada en el realismo, que abandona las promesas de esos primeros minutos. Esto no quiere decir que sea convencional: está hablada en buena parte en cantonés y trata del enfrentamiento de dos facciones de la mafia china con el atípico fondo, para este relato, del paisaje mendocino. La trama queda separada en dos líneas paralelas que insinúan la desconexión entre las dos culturas. Por un lado, se desarrolla la historia de un conjunto de migrantes chinos, en particular una familia de comerciantes y un grupo de mujeres traídas como mercancía, en el marco de una guerra entre dos grupos mafiosos conocidos como el Tigre y la Serpiente, que pugnan por el control extorsivo de su comunidad. Por el otro, hay una investigación policial de estos clanes delictivos a cargo de la fiscal argentina Belenguer (Victoria Almeida) ayudada por el policía chino y traductor de cantonés Li (Chien Min Lee). Dentro del marco prestado, aparentemente, por una noticia periodística que el director leyó en el diario, el guion inserta un tópico característico del Wu-xia y también del policial negro, el género que regula este relato: la aparición de un personaje marginal que resulta tener un código moral y toma la determinación de hacer lo correcto. Este es el soldado callejero Xu (Andrés Tan He), un mafioso de baja ralea que entabla un vínculo con una joven víctima de su organización, solo conocida como La Pujanesa (Yuchen Che), a quien decide rescatar y entregar a su familia, sin calcular plenamente los riesgos.Seguramente debido a su historia familiar, la experiencia de las personas migrantes es un tema central en los tres largometrajes del realizador argentino e hijo de inmigrantes taiwaneses Juan Martín Hsu. Aquí aparecen representados con una insularidad extrema, como si vivieran en una realidad desfasada de la del país que habitan. En este policial, toda injusticia y justica recibida por los chinos proviene de otros chinos, no de instituciones del estado argentino. Aunque la fiscal intenta descifrar el mundo de sombras de estas organizaciones criminales, toda su actividad, su línea narrativa, casi no tiene efectos sobre el otro lado de la trama, que permanece impermeable. Así la película establece el aislamiento del migrante, al tiempo que se indica la insalvable impotencia de la ley, la idea que prácticamente funda el noir.Para alguien que no habla chino -como este cronista-, hay una brutal diferencia de eficacia entre las escenas en chino y las habladas en castellano. Si bien está claro que el director busca un estilo contemplativo y una suerte de grado cero de la emoción, aquí las intercambios en chino parecen fluir con una neutra naturalidad mientras que los que son en castellano se sienten forzados: exposiciones crudas que suelen cerrar con un "entiendo". La calidad de las actuaciones también fluctúa mucho (algunos actores no son profesionales). Con estos problemas y algunas inconsistencias narrativas -la investigación pasa de avanzar muy lento a muy rápido cuando hay que cerrar la película-, Los caminantes de la calle es una obra que logra lo que se propone y resulta muy distinta a cualquier otra del cine argentino actual.

Enola Holmes 3: lo mejor y lo peor de la nueva película de Millie Bobby Brown

"Las grandes historias comienzan con una boda", dice Enola Holmes, el personaje interpretado por Millie Bobby Brown, en la tercera entrega de la saga de la hermana menor de Sherlock Holmes, una talentosa detective a la altura de la fama de su familia. De hecho, la nueva película vuelve sobre el tema que recorrían los dos films anteriores aunque con un giro novedoso: después de conseguir ser reconocida como una gran investigadora más allá de la sombra de su misantrópico hermano, Enola está a punto de asumir una nueva identidad, la de esposa, que no la termina de conformar. Porque ella es, antes que todo, una rebelde decidida a hacer las cosas a su modo, sin importar lo que la sociedad victoriana le tenga reservado a las mujeres de su clase y edad. Acostumbrados a utilizar la lógica y la racionalidad que aprendió desde la cuna, las emociones son un misterio que los Holmes no tienen herramientas para resolver. Es más, en la trama Sherlock identifica la sensibilidad de Enola como un defecto de carácter imperdonable. Y ahí radica el conflicto principal del film. Hasta ahora las películas basadas en las novelas de Nancy Springer estaban repletas de escenas de acción, de aventuras juveniles diseñadas a la medida de su carismática protagonista, pero es recién en este tercer film que Brown a todo eso le suma al personaje una madurez que refleja la suya. Lo mejorUna mujer modernaMás allá de las muchas licencias históricas y culturales que se toma el guion para retratar a la Inglaterra victoriana, la premisa de esta película propone un conflicto muy real: Enola está enamorada de Lord Tewkesbury (Louis Partridge), su interés romántico desde la primera entrega, pero casarse con él implicaría unos sacrificios que no está convencida de querer afrontar. La vida de la aristocracia británica no parece ser el escenario más fértil para desarrollar sus ambiciones profesionales y esa duda transforma a la adolescente de siempre en la joven mujer que es más de la suma de sus talentos detectivescos. En este tipo de saga de entretenimiento suelen demorarse hasta lo ridículo los cambios vitales que atraviesan sus protagonistas juveniles, pero aquí Brown en su rol de productora, desafía esas convenciones. Tal vez porque sabe que sus espectadores crecieron a la par de ella. Así como las primeras dos entregas de la saga estaban dirigidas al público infantil, esta vez la trama apunta a un segmento algo mayor. Los chicos crecen y los personajes también. Mamá hay una solaA pesar de que no conviene adelantar detalles de su participación, sí se puede decir que tras convertirse en fugitiva de la justicia en el segundo film, Eudoria Holmes, la peculiar matriarca del clan, vuelve a escena. Tan independiente como indolente ante las preocupaciones de su hija, el personaje brilla gracias a la interpretación de Helena Bonham Carter, posiblemente la única actriz capaz de encarnar las excentricidades de Eudoria sin volverla una caricatura. En la dirección correcta Aunque en este tipo de franquicia no se destacan las marcas autorales de sus directores, en este caso la influencia de los realizadores se nota en pantalla. Detrás de la cámara en las dos primeras películas estuvo el realizador británico Harry Bradbeer, reconocido por haber dirigido la extraordinaria Fleabag. Más que versado en la ruptura de la cuarta pared, el recurso que utilizó con maestría la serie de Phoebe Waller-Bridge, Bradbeer era el realizador ideal para poner esa herramienta narrativa en uso en Enola Holmes. Y ahora, ya aceptada esa convención, la tercera parte necesitaba un director que le sumara vértigo y un tipo de edición que encajara todas las piezas del cuento como un rompecabezas. Para eso se sumó al equipo Philip Barantini, el celebrado director de la miniserie Adolescencia, que aportó al film algunas de esas trepidantes secuencias desplegadas en el fenómeno de Netflix. Se trata, además, de una reunión entre el realizador y Jack Thorne, guionista de toda la saga Enola Holmes y que también formó parte del equipo de escritores de Adolescencia. Thorne volverá a hacer equipo con Brown en la recientemente anunciada miniserie de Netflix que la actriz protagonizará junto a David Harbour, su "papá" en Stranger Things. Los escenarios en MaltaLa decisión de situar la trama fuera de Londres y en su lugar desarrollar el cuento en la isla de Malta le da a la nueva película el aspecto distintivo que necesitaba. Las persecuciones, las peleas cuerpo a cuerpo, los misterios a resolver y los pasajes románticos adquieren una textura que de alguna manera encaja con la etapa que atraviesa su personaje central y con el recorrido que emprenderá en adelante. Lo peorNo tan Super SherlockEl personaje creado por Arthur Conan Doyle ya tuvo numerosas adaptaciones, versiones y encarnaciones. Las historias del detective preferido de Hollywood parecen tener una inagotable capacidad para contarse una y otra vez desde diferentes puntos de vista y ambientaciones, aunque el éxito de esos relatos siempre depende de la interpretación que el actor en cuestión haga del maniático Sherlock. En el caso de la trilogía de Enola Holmes, esa responsabilidad recayó en Henry Cavill, un intérprete al que no suele identificarse con el tipo de héroe cerebral y racional creado por Doyle. Aunque aquí Sherlock es un personaje secundario que funciona como el catalizador del espíritu aventurero de Enola también es cierto que el guion lo presenta como su mayor enemigo interno, el que le pone voz a las dudas de la protagonista, un rol en el que Cavill, el ex Superman de DC, no alcanza a convencer. Demasiados enredos Una parte fundamental del atractivo de las historias de detectives es contar con un misterio lo suficientemente interesante para atrapar la atención de los espectadores y desafiarlos a que intenten resolverlo del otro lado de la pantalla. En este caso, la intriga que combina un par de asesinatos y un par de secuestros, un incendio y una subtrama antiimperialista, tiene muchos puntos ciegos y unas cuantas incongruencias que llegan a confundir. El relato demasiado recargado de giros y escaso en deducciones brillantes no le hace justicia a la tradición del detective británico. Aunque tal vez ese sea el punto: en Enola Holmes las tradiciones incomodan más de lo que ayudan.

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este jueves 2 de julio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Moscas, la película que hay que buscar, y ver, para no arrepentirse

Mejor no perdérsela. La realización mexicana tiene tres protagonistas y es una historia querible.La dirigió Fernando Eimbcke, el de "Temporada de patos".

Josh Brolin reveló que tuvo un ataque de pánico tras filmar la primera escena de su última película

Josh Brolin reveló que estuvo a punto de abandonar el rodaje de La guerra de los últimos, la nueva película de Ridley Scott, tras sufrir un ataque de pánico a minutos de haber pisado el set. El actor, de 58 años, habló en una nota reciente publicada por la revista Empire, en la que reconstruyó los primeros días de filmación junto al director británico de 88 años. Según contó, el método de trabajo de Scott lo tomó completamente por sorpresa. "Ridley contaba muchas historias y no ensayaba de verdad", recordó Brolin. "Eso me inquietó y me asusté mucho. Volví, llamé a mi agente y le dije: 'Quiero irme. Algo anda muy mal y tengo que largarme de aquí'", rememoró.La ausencia de ensayos formales y la sensación de estar improvisando por completo generaron en el actor una crisis de confianza que casi lo llevó a dejar el proyecto. Sin embargo, dos factores resultaron determinantes para que decidiera quedarse.En primer lugar, su agente â??a quien describió como "un amigo cercano"â?? le sugirió tomarse un día antes de tomar cualquier decisión drástica. La respuesta de Brolin fue contundente: "Yo le dije: 'No, hombre, sé perfectamente lo que estás haciendo'". Pero decidió hacerle caso.El segundo factor, y quizás el más revelador, fue una conversación directa con Scott. El director lo invitó a su tráiler para mostrarle el material que acababan de filmar. "Me dijo: 'Vení'. Y me mostró la escena que acabábamos de terminar", relató el actor. "Era una escena muy buena y dinámica entre Jacob [Elordi] y yo, y él me preguntó: '¿Estás conforme'. Yo le respondí: 'Estoy conforme', y entonces empecé a inspirarme en eso", relató. Ese gesto marcó un punto de inflexión. A partir de ahí, Brolin comenzó a confiar en el proceso creativo de Scott, aunque admite que la adaptación no fue inmediata pese a que ya habían trabajado juntos en Gángster americano (2007). El estilo dinámico y multicámara del director volvió a representar un desafío. "Me llevó un par de días asimilarlo del todo, y luego me enganché por completo porque era increíblemente creativo y tremendamente arriesgado", explicó.El actor, que también integra el elenco de La hora de la desaparición, reconoció que había estado buscando activamente proyectos de este tipo, aunque su primera reacción fue de resistencia. Con el tiempo, la experiencia terminó consolidándose como una de las más gratificantes de su carrera. "Se convirtió en uno de los proyectos más creativos y satisfactorios en los que he participado", aseguró.La guerra de los últimos se estrena a fines de agosto y está basada en la novela homónima de Peter Heller, publicada en 2012, con guion adaptado por Mark L. Smith. La historia sigue a Hig, un piloto civil interpretado por Elordi, que sobrevive en un brutal escenario postapocalíptico hasta que una misteriosa transmisión de radio lo empuja a partir en busca de esperanza y humanidad.El filme, en el que Brolin interpreta el papel del exsoldado Bangley, completa su elenco con Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong y Allison Janney.

Heartstopper forever en Netflix: fecha de estreno, de qué trata la película y quiénes integran el elenco principal

El largometraje que continúa la historia de amor entre Nick y Charlie llegará a la plataforma el próximo 17 de julio, explorando los desafíos de la distancia y el paso hacia la adultez. Leer más

Elon Musk convierte en fenómeno global desde X la película 'Citizen Vigilante', vetada en Alemania por incitación a la violencia

La decisión del magnate, tomada sin previo aviso, permitió que miles de usuarios pudieran ver la película de forma gratuita durante 48 horas

Netflix estrenó Enola Holmes 3: de qué trata la última película de la hermana de uno de los detectives más famosos del mundo

Basada en las novelas de Nancy Springer, el final de la trilogía relata el misterio más grande al que la protagonista debió enfrentarse. Leer más

Colony, la nueva película del director de Train to Busan, muestra zombis inteligentes y terror biotecnológico

Colony propone zombis con inteligencia colectiva, resultado de biotecnología fallida y amenaza global

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este miércoles 1 de julio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

Andy Muschietti: el argentino que dirigió It le pone voz "tanguera" a la nueva película de los Minions

El argentino Andy Muschietti (52) -en tándem con su hermana Bárbara, como productora- ya es una cara familiar en Hollywood: fue el creador de Mamá, el cortometraje de 2008 que llamó la atención de Guillermo del Toro y se convirtió en un largometraje que, allá por 2013, llegó al primer puesto de la taquilla estadounidense; dirigió It (2017), que fue todo un suceso, e It: Capítulo 2 (2019), adaptaciones del clásico de Stephen King que, además, le valieron una estrecha relación con el escritor; es la mente creativa detrás de It: Bienvenidos a Derry (2025), la exitosa serie que oficia de precuela de la historia del payaso Pennywise, cuya segunda temporada está actualmente en faceta de escritura, y puso un pie en el mundo de los superhéroes al frente de The Flash (2023), de DC. Entre los proyectos que lo tienen como director o como productor, el oriundo de Vicente López (que se crió en Acassuso) llegó a la pantalla grande como actor de doblaje en Minions & monstruos, la nueva película de los simpáticos personajes amarillos que, en esta entrega que hoy se estrena en los cines de Argentina, se convierten en estrellas de cine, liberan criaturas peligrosas e intentan salvar al planeta del caos que ellos mismos provocaron. Allí, Muschietti pone su voz a Max -en la versión original en inglés lo interpreta Christoph Waltz-, un director de cine tan severo como afectuoso cuyo set de rodaje es invadido por los minions. En diálogo con LA NACION, el argentino contó su inspiración detrás del tono arrabalero de su personaje -que incluye una famosa frase de Lionel Messi-, en qué etapa se encuentra la segunda temporada de It: bienvenidos a Derry y su deseo para el Mundial.-¿Es tu debut como actor de doblaje?-Tengo que aclarar que hice una pequeña participación en una película de Ramiro San Honorio, George Pal: un Marciano de Hollywood en Argentina, donde hice la locución; pero bueno, es otro animal [se ríe]. Me sentí muy honrado cuando me pidieron participar en Minions & monstruos porque la verdad es que no soy actor, pero el concepto era traer a un director latinoamericano para hacer el doblaje y sentí que lo podía hacer. La película me pareció fascinante, muy divertida, la premisa es genial. Dije: "¿Por qué no? Vamos a hacerlo. Si nos equivocamos, nos equivocamos". Pero creo que salió. -La película está cargada de referencias a la historia del cine: personajes como Charles Chaplin, la transición del cine mudo al sonoro y mucho más. ¿Te divertiste encontrando esas referencias?-Está lleno de lo que acá llaman huevos de Pascua, los easter eggs, no hay un plano en la película que no tenga uno de esos y es fascinante verlo. Es muy sutil, pero si prestás atención o ves la película dos o tres veces no te vas a perder nada. Están los grandes íconos del cine mudo como Harold Lloyd, Buster Keaton, Chaplin, están todos en algún momento, en algún rincón del cuadro, y es otro nivel de apreciación de la peli que merece una segunda mirada.-Sos un director de cine que interpreta a un director de cine. ¿Hay algo de tu experiencia que volcaste en Max, tu personaje?-Lo que yo comparto es el estrés que el tipo tiene cuando las cosas no salen, obviamente, porque todos pasamos por cosas así. Su personalidad es distinta, es un tipo neurótico, cascarrabias, peticito. Yo no soy eso pero hay una empatía con el personaje que tiene que ver con alguien que hace tu mismo trabajo y que se enfrenta a los mismos problemas. Y es fascinante porque no hay una escena en esta película con la que yo no me identifique, o que de alguna manera no me haya pasado. Y ese es otro de los atributos de la peli, que tiene una observación por los detalles que es genial. -La voz en inglés de tu personaje la hace Christoph Waltz. ¿Viste algo de lo que él hizo o se trabaja de forma separada?-Yo vi y escuché su performance y me pareció genial, Christoph Waltz es un gigante. Por cómo funcionan las cosas, la animación de esta peli empieza con su trabajo y el de todos los actores, después se anima en base a eso y, en mi caso, es una tercera capa donde uno básicamente trata de hacer una performance basada en la performance que ya está establecida. Obviamente poniéndole el color y la textura local.-En tu doblaje hay un lunfardo bastante marcado y una frase de Messi del Mundial anterior que recorrió el mundo. ¿Fueron ideas tuyas o te lo pidieron así?-¡No sé si quedó esa frase! [efectivamente está en el corte final de la película]. Universal me dijo: "Hacelo en argentino". Y yo les dije que soy argentino, no podía hacer de alemán [como Christoph Waltz], pero la idea era darle esa cosa local. Esto sucede en los años 20. No digo que todo el mundo en esa época hablaba con un acento tanguero y lunfardo, pero dije: "Vamos a hacerlo así". A mí me gusta mucho el tango y cuando ves las viejas películas de Gardel o las grabaciones de Gardel y su entorno hablando, era muy marcado ese tipo de enunciación. También, crecí en los 70 donde los personajes de Manuel García Ferré eran muy prominentes y quise hacer una especie de homenaje a Pucho, que a su vez era un homenaje a la manera en la que hablaban todos estos personajes en las películas y en otras expresiones artísticas de los años 20 y 30. Es un acento que se fue erosionando a través del tiempo, así que creo que es mi humilde homenaje a ese sonido. -James, uno de los minions, es un apasionado por contar historias que dibuja monstruos y descubre la magia del cine. ¿Te remontó a tu infancia cuando descubriste esa misma pasión mirando películas o cuando tu padre te las relataba?-Sin duda. Además, los Minions tienen una parte que es muy infantil también. Entonces, es como una especie de reflejo de cuando sos un niño y estás lleno de imaginación y fantasía y no te para nada. Después, es un camino de aprendizaje, pero en los primeros impulsos hacés lo que querés, dibujás en la pared; yo dibujaba mucho en la pared también. La fascinación que uno tiene por el cine cuando es un niño es difícil de sentir el resto de tu vida.-¿Cómo muta esa pasión cuando ya sos director y productor y tenés otras responsabilidades y obstáculos? -Hay que seguir creando, hay que mantener al niño interno vivo todo el tiempo. El niño está siempre, tenés que escucharlo, tenés que darle espacio a ese niño que se sigue fascinando y tiene esa capacidad de sorpresa, creación y libertad. Es una lucha y lo saben todos los creadores y los artistas a medida que se hacen grandes. It, que es una de las películas que hice, habla sobre eso. Stephen King habla sobre el tesoro de la infancia y la muerte de la infancia. Cuando uno pasa a ser adolescente y después adulto deja atrás un mundo de imaginación y fantasía, que es un comentario sobre el artista a lo largo de su vida, y Stephen King lo tiene muy a flor de piel al niño interno.-¿Qué nos podés contar de la segunda temporada de It: Bienvenidos a Derry?-Estamos trabajando en la segunda temporada, está buenísima, transcurre en 1935. Ahora mismo estamos escribiendo los guiones y ya a principios del año que viene entramos en producción. Después, estoy preparando una peli de terror que es más pequeña. La escribí yo con otro escritor y también espero poder producirla a principios del año que viene. -También se acaba de confirmar otra película que producís con tu hermana, un thriller psicosexual llamado Exposure. -Sí, es uno de los proyectos que tenemos como productores. Estoy como productor, pero no estoy tan envuelto como en mis propios proyectos. -¿Estás siguiendo el Mundial?-¿Qué te parece? ¡Obvio! ¡Argentina campeón!

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El director sostuvo que el paso de los años reconfigura la lectura del relato y que el nuevo enfoque busca devolverlo a la pantalla grande, con ajustes en la puesta en escena y sorpresas dentro del mismo trayecto

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El adelanto fue presentado en el Obsessed Fest y generó gran expectativa entre los usuarios

Netflix: todos los estrenos de películas y series en julio de 2026

La plataforma renueva su catálogo con nuevas series, películas, documentales, especiales y animé.Entre los estrenos más esperados aparecen Enola Holmes 3, Heartstopper para siempre y La casa de la pradera.

Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este martes 30 de junio de 2026 en Argentina

Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.

'9 lunas', una película sobre un hombre trans embarazado: "Es hora de quitar etiquetas"

Mensajes de voz para Isabelle: se consolida como la película más vista de Netflix con una historia de duelo y amor

El film romántico protagonizado por Zoe Deutch y Nick Robinson lidera las reproducciones en la plataforma, tras años de desarrollo y una trama inspirada en vivencias reales de su directora. Leer más

"Las películas sobre el cáncer hablan demasiado del final y muy poco de la vida", afirmó Angelina Jolie

La actriz, que se sometió a una doble mastectomía hace una década, contó en Harper's Bazaar que Couture retrata el diagnóstico, el deseo y la sexualidad con una autenticidad que solo es posible cuando la vivencia es real