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Ranking: todas las películas de Christopher Nolan, director de La Odisea, ordenadas de la peor a la mejor

En la actualidad, Christopher Nolan ocupa un lugar de privilegio, porque se trata de uno de los últimos directores cuyo nombre alcanza para vender entradas. La ambición de sus proyectos y el entusiasmo del público, hicieron de este realizador una figura de gran popularidad que, desde luego, cosecha tantos elogios como también críticas desfavorables. Y frente al éxito comercial de La Odisea, su decimotercera película, este es un buen momento para repasar toda su filmografía, yendo de sus piezas menos logradas hasta sus obras maestras, en un ranking absolutamente subjetivo. 13. Following (1998)El debut cinematográfico de Nolan no es necesariamente su peor película, pero el presupuesto casi ínfimo (apenas 6000 dólares) y la evidente falta de recursos, la coloca en desventaja frente a los monstruos presupuestarios que el director desarrollaría en el futuro. En Following, el realizador pone en marcha un pequeño relato sobre un escritor aficionado al arte de seguir gente, quien termina por establecer una relación con un ladrón, que llevará al protagonista a una vida delictiva de muy poca monta. Following es la primera muestra de un realizador que ya en ese momento demostraba una obsesión por el control total, y que aquí jugaba tímidamente con las líneas de tiempo cruzadas, las identidades confusas y el profesionalismo de sus personajes, todos temas que pronto se harían habituales en su obra. 12. El origen (2010)Ya instalado como un nombre fuerte dentro de la industria, y antes de terminar su trilogía gótica, Nolan dirigió este mamotreto pretencioso, de presuntas inspiraciones borgeanas, con un Leonardo Di Caprio al frente de una banda de ladrones que entran en el inconsciente de sus víctimas para sustraer información o inocular ideas. Esa premisa, que podría dar pie a un relato experimental sobre los universos oníricos, se transformó en la excusa para montar abarrotadas secuencias de acción, con personajes que explican mil veces las mismas ideas desconfiando del poder de comprensión del espectador. Quizá aquí se encuentra el peor Nolan, el que se enamora demasiado de sus ideas por sobre la evolución de sus protagonistas. 11. El gran truco (2006)Puede que este sea el film más alienígena en la obra de Nolan, por su temática, por las características de sus protagonistas (¿una rivalidad entre magos? ¡Volvé al policial Christopher!), o porque en buena medida, todo el relato queda supeditado a la vuelta de tuerca de su final. Pero lejos de otras piezas maravillosas de conclusión inesperada (como Nueve reinas), El gran truco no resiste muchos visionados, porque sabiendo su final el chiste pierde toda su gracia. Eso sí, este film gana puntos con la inclusión de David Bowie en la piel de Nikola Tesla, un hallazgo absoluto. 10. Noches blancas (2002)En una etapa temprana de su carrera, Nolan dirigió esta remake de un film noruego, con el protagónico de Al Pacino y Robin Williams. Se trata de un modesto thriller psicológico, que le permitió al realizador mostrar su talento al frente de un proyecto que contaba con dos grandes estrellas de Hollywood. Aquí Pacino compone a un policía que en el transcurso de una investigación en Alaska, comete un error que lo lleva a ser extorsionado por un retorcido testigo del episodio. A pesar de sus buenos resultados, este no es ni de cerca el mejor policial de Nolan, y quizá su mayor debilidad sea tener a su director algo encorsetado frente a la exigencia de entregar un film taquillero (que lo fue, casi triplicó en ganancias al presupuesto). 9. Oppenheimer (2023)Quizá el mayor vicio de este relato, es que corrió con evidente desesperación detrás del PRESTIGIO (así con mayúsculas), y vaya si lo consiguió. La biopic basada en el trabajo de Robert Oppenheimer, se convirtió en un film cargado de solemnidad, frases pomposas y actuaciones que aspiraron a cuanto premio hubiera por ahí. Acá la historia va y viene, salta en el tiempo y se convierte en el Quién es quién de personajes históricos, en el marco de una trama en la que cuesta encontrar el corazón de Nolan, esa emotividad y desparpajo que tanto bien le suele hacer a su cine. Pero nada de eso, porque Oppenheimer resulta demasiado medida, demasiado craneal, demasiado cronometrada. Claro, el largometraje no deja de ser bueno, aunque peque de frío. 8. Batman: El caballero de la noche asciende (2012)En el mismo año que Marvel Studios detonó la taquilla con Los Vengadores, Warrner Bros. salió a la cancha con la ambiciosa conclusión del ya legendario Batman de Nolan. Para la tercera entrega, el director tomó una decisión que suele ser peligrosa para las películas de supehéroes, y es incorporar demasiados personajes. De esa manera, aquí aparecen Bane, Gatúbela, Thalia Al Gul y un policía que funciona como una suerte de Robin. Y aunque Nolan supera la prueba, y entrega varias secuencias cinematográficas perfectas (ese inicio entre dos aviones aún hoy corta la respiración), el abarrotamiento de protagonistas la lleva a no a ser la peor, pero sí la menos prolija de sus tres películas de Batman. 7. Tenet (2020)Como una especie de El origen 2.0, Tenet también busca una excusa rebuscada (aquí la capacidad de revertir el tiempo) para poner en marcha un puñado de secuencias de acción terriblemente vistosas. Pero a diferencia del film con Di Caprio, acá Nolan parece dispuesto a divertirse con su idea, con personajes sumergidos en una trama de espionaje tan absurda como eficaz. Quienes supieron disfrutar de Tenet se encontraron con una película de acción fresca y con ideas visuales que compensan por mucho los baches de guion, en un proyecto que el propio Nolan reconoció alguna vez es su propia versión de un universo a la James Bond. 6. Batman inicia (2005)Luego del papelón de Batman y Robin, en Warner decidieron darle un respiro a los largometrajes del murciélago. Pero cuando la productora consideró que era tiempo de reiniciar la franquicia, rápidamente apareció Nolan en el mapa, un director muy amigo de los policiales, que tenía en mente una nueva forma de representar a Bruce Wayne. Para Nolan, la saga de Batman debía transcurrir en un mundo más "realista", anclado en el género policial más que en los villanos estrafalarios. De ese modo, el realizador buscó un ángulo más íntimo, que indagara en las grietas de Bruce para así resignificar su cruzada heroica. Y en ese camino Nolan logró lo impensado: apropiarse del mito del murciélago, darle una impronta renovada y dirigir una pieza sobre un viaje iniciático que le devolvió a las adaptaciones de Batman un esplendor renovado. 5. Dunkerque (2017)Una nota al pie en la vasta historia de la Segunda Guerra Mundial (la evacuación de 400.000 soldados franceses ante el asedio nazi), se convierte en un relato fascinante de resistencia. Protagonismos colectivos, poco diálogo y una duración menor a las dos horas, le alcanza al realizador para proponer un cuento bélico en el que no intentó inventar la pólvora, sino jugar con fórmulas y estructuras ya establecidas. No cuesta pensar en John Wayne o Lee Marvin en un film como Dunkerque, y ese ejercicio es el que revela la magia clasicista de este poderoso largometraje 4. Memento (2000)Un truco adentro de otro truco, una trama que va hacia adelante para revelar los conflictos del pasado, con un hombre que no entiende su presente y no sabe cómo revelar su futuro. En su segunda película, Nolan demuestra un soberbio control de la narrativa cinematográfica, para contar una saga de venganza llevada a cabo por un protagonista amnésico, incapaz ni siquiera de confiar en sí mismo. Memento evidencia de manera temprana, varios de los elementos que Nolan iba a pulir con precisión en futuros trabajos. Quizá porque se trataba de su primera película de mayor presupuesto, y porque del éxito de este título dependía la proyección de su carrera, es que aquí el director se contuvo y achicó la trama a unos pocos personajes, aunque todos de un desarrollo claro y consistente. Y por ese motivo es que al día de hoy, Memento no deja de ser una de las mejores piezas de su amplia filmografía. 3. La Odisea (2026)Que si Nolan es fiel al texto original, que si la película respeta la representación tradicional de sus personajes y otras tantas discusiones estériles no le hicieron ni sombra al coloso cinematográfico que es La Odisea, con facilidad, una de las mejores producciones de 2026. Luego de coquetear con varios de los temas claves de este relato (el exilio forzoso, la culpa por las acciones en el marco de una guerra, o la importancia de la familia como nido emocional), Nolan dirigió un film soberbio que combina aventura, horror y drama, y que gira alrededor del tormento de un hombre sometido al capricho de sus dioses. Pero con tenacidad, Odiseo modifica su propio destino, como ya lo habían hecho otros héroes nolanianos. La Odisea es la obra firme de un autor, de un director capaz de apropiarse de mundos ajenos, desentendiéndose de los aspectos pretendidamente sagrados de la obra original, para contar aquello que verdaderamente le interesa, y que tiene que ver con el tormento físico y emocional de un guerrero desterrado y alejado de su familia. Y como si todo eso fuera poco, La Odisea también es una reivindicación del cine como experiencia artística y social, en un ecosistema de plataformas que nos quieren convencer de que ver una película en el sillón es lo mismo que verla en una pantalla, como este mismo periplo, bigger than life. 2. Interestelar (2014)Luego de ocho películas de héroes taciturnos, que elegían sufrir en soledad o ignorar sus sentimientos, aparece un piloto espacial que no puede evitar romper en llanto frente a las imágenes de su hija. Por primera vez, Nolan sintió que había alcanzado la madurez que requería filmar la fragilidad humana, y entregó un relato profundamente emotivo sobre el amor filial. Porque si bien Interestelar es un catálogo de prodigios visuales asombrosos, antes que eso es la historia de un padre que dedica su vida a buscarle un mundo mejor a su hija. Acá no hay ideas rebuscadas ni escenas de acción estilizadas, sino la misión de un astronauta que como Odiseo, lleva adelante una épica solitaria con el reencuentro con su familia como único horizonte posible. Nolan hace de la emoción su bandera, y logra así una obra maestra insoslayable. 1. Batman: el caballero de la noche (2008)A casi veinte años de su estreno, El caballero de la noche no deja de ser uno de los policiales clave del siglo XXI. Para su segunda incursión en Gotham, Nolan eligió homenajear a Fuego contra fuego, y la reversionó a partir de la histórica rivalidad entre Batman y el Joker. El director plantea un juego de espejos con un villano que tiene como único objetivo quebrar psicológicamente al encapotado, y demostrarle que cualquier hombre es susceptible de ser corrompido. Nolan ubica sobre el tablero a dos verdadero profesionales, cuya única motivación es cumplir con su trabajo. Y mientras Batman sufre el peso de la capa, sueña con una vida normal y aspira a encontrar un sucesor político que continúe con su cruzada, el Joker disfruta la anarquía que lleva a las calles de Gotham, construyendo un paraíso de inestabilidad absoluta. Por otra parte, la muerte de Heath Ledger y el ícono popular en que se convirtió su versión del Joker, aumentaron el misticismo de un largometraje cuya relevancia traspasó por mucho el marco de las pantallas de cine.

A los 99 años: murió la actriz británica Jean Lodge, protagonista de películas como El caballero Negro

Jean Lodge, la actriz británica que interpretó a la reina Ginebra en la película de 1954 sobre el rey Arturo, El caballero negro, falleció el último miércoles, a los 99 años.Su nieta, Amy Shaughnessy, anunció su partida en redes sociales. "Jean Margaret Shaughnessy (de soltera Lodge) nos dejó hoy, un día después de cumplir 99", escribió Amy. "Falleció, como ella diría, 'en paz y tranquilidad' mientras dormía". View this post on Instagram Estuvo casada con Alfred Shaughnessy, el guionista principal de la exitosa serie británica de los años 70 Upstairs, Downstairs, desde 1948 hasta su fallecimiento en 2005. Lodge forjó una familia de artistas. Su hijo David Shaughnessy ha dirigido para Days of Our Lives, The Young and the Restless y The Bold and the Beautiful, entre otras series y es actor de doblaje, con créditos que incluyen Big Hero 6 y Star Wars Rebels.Otro de sus hijos, Charles, ha sido conocido especialmente por protagonizar, como Shane Donovan, Days of Our Lives y por haber sido Mr. Sheffield el compañero de fórmula de Fran Drescher durante los nueve años que trabajaron juntos en la comedia de situación La niñera (1993-1999).Por su parte, Lodge contó con una prolífica carrera en el cine y la televisión del Reino Unido, entre finales de la década del cuarenta y mediados de la del sesenta. Además de The Black Knight, participó en las películas White Corridors, Brandy for the Parson y, en 1961, The Hellfire Club junto a Peter Cushing. Lodge también actuó en el West End británico, durante la década de 1950.Su nieta no solo fue la encargada de dar la noticia. También se extendió en palabras para recordar a su abuela. "Amaba a sus dos hijos, Charles y David, a sus nueras, Susie y Annie, y a sus cinco nietas, Amy, Jenny, Katie, Maddy y Josie. Tuvo la dicha de tener dos bisnietos, Julian y Noa. Una matriarca siempre presente, su picardía, su terquedad, su alegría y su amor por contar historias perdurarán en su familia. En nosotros. Para siempre. La echaremos de menos. La llevaremos siempre con nosotros. La amamos con todo nuestro corazón."

Festival Internacional de Cine para Niños: arranca con películas y talleres para los más pequeños estas vacaciones

La 31ª edición arranca este sábado 8 de agosto y se extiende hasta el 23 de agosto con 64 proyecciones en 14 espacios, repartidas en tres fines de semana y solo sábados y domingos

Elon Musk sobre la crisis migratoria en España: comparó lo de Cueta con la Película Guerra Mundial Z

El líder tecnológico recordó la política migratoria de Estados Unidos durante el gobierno de Joe Biden

De "Rápido y furioso" al cine independiente: Sung Kang estrena una película sobre la comunidad del drifting

En una conversación durante la Comic-Con de San Diego, el actor contó cómo nació Drifter, una producción realizada sin apoyo de un estudio y sostenida por aficionados al automovilismo que aportaron dinero, autos, locaciones y pilotos

Jean Grey aterriza en la nueva película de Spider-Man y Marvel activa el camino hacia los X-Men

El debut de Sadie Sink como la telépata en "Brand New Day" marca el inicio de una transición entre los viejos X-Men de Fox y la próxima generación del UCM

Qué ver en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar este fin de semana del 8 y 9 de agosto

Después de varios días de inestabilidad climática que incluyeron altas temperaturas en una época del año poco usual, este viernes regresó el frío, lo que invita a quedarse en casa y extender la maratón de tu serie favorita o, por qué no, de empezar esa película que tenías en tu lista. A raíz de esto, te traemos el ranking de las producciones más vistas por los suscriptores de Netflix.Tomá nota, cancelá la salida o invitá a alguien para sumergirte en el mejor contenido del gigante del streaming.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Elize: Sombras de una mujer (2026)Suspenso/Crimen. Una antigua escort trata de ignorar las infidelidades de su rico marido. Pero esa traición envenena su matrimonio. Duración: 1 h 33 min. Ver Elize: Sombras de una mujer.2. Contrato para matar (2023)Acción/Suspenso. Charlie, un sicario de la mafia, pretende vengar el asesinato de todos sus compañeros por parte de una organización criminal rival. Para lograrlo, se alía con Marcie, la viuda de un hombre al que él mismo mató. Duración: 1 h 30 min. Ver Contrato para matar.3. Deseo (2026)Suspenso/Drama. Lucero, una exitosa abogada, lo tiene todo: una vida lujosa, un marido devoto y dos hijos perfectos. Pero en el fondo esconde una profunda insatisfacción, un vacío que la empuja a buscar riesgo y pasión. Cuando Matías, un joven y atractivo entrenador de natación contratado por su marido, irrumpe en sus vidas, Lucero se ve envuelta en una relación arriesgada y absorbente. A medida que el secretismo, el deseo y los celos se apoderan de ellos, los límites familiares comienzan a desmoronarse, atrapando a madre e hija en un peligroso triángulo emocional que amenaza con destruir todo lo que Lucero construyó. Duración: 1 h 39 min. Ver Deseo.4. 72 horas (2026)Comedia. Un ejecutivo de 40 años se ve incluido, por accidente, en el chat grupal de un grupo de veinteañeros que planean una despedida de soltero desenfrenada en Miami, y termina asistiendo al viaje. Duración: 1 h 45 min. Ver 72 horas.5. Kung Fu Panda 4 (2024)Comedia/Aventura. Po está entrenando a un nuevo guerrero que ocupe su lugar para que él pueda convertirse en líder espiritual del Valle de la Paz. Sin embargo, la irrupción de una malvada hechicera que puede cambiar de apariencia trastoca sus planes. Duración: 1 h 34 min. Ver Kung Fu Panda 4.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Mi vida con los chicos Walter, temporada 3 (2026)Romance/Drama adolescente. Ante la recuperación familiar tras la grave crisis de salud de George, los protagonistas enfrentan nuevos retos personales y dilemas románticos. Duración: diez episodios. Ver Mi vida con los chicos Walter, temporada 3.2. El otro padre (2026)Drama/Maternidad. Una médica que busca un donante de riñón para salvar la vida de su hija descubre una relación secreta y una prueba de ADN que podrían destrozar a dos familias. Duración: diez episodios. Ver El otro padre.3. Furioso (2026)Drama/Artes marciales. Un joven es rescatado de la muerte por un entrenador de artes marciales mixtas. Sin recordar quién es, adopta el nombre de Marcelo y encuentra un nuevo propósito en la lucha. Pero al adentrarse en este mundo, comienza a descubrir pistas sobre su enigmático pasado y se ve envuelto en una red de crímenes, secretos y disputas que trascienden los límites del octágono. Duración: seis episodios. Ver Furioso.4. Bomba en el Pan Am 103 (2025)Acción/Drama. El 21 de diciembre de 1988, el vuelo 103 de Pan Am explotó sobre la pequeña localidad escocesa de Lockerbie y acabó con la vida de 270 personas. El suceso desencadenó la mayor investigación por asesinato en la historia de la policía escocesa: la del atentado terrorista más letal perpetrado en suelo británico. Esta historia, basada en el testimonio de los que estuvieron allí, es el verdadero relato de la colaboración entre las autoridades escocesas y los cuerpos de seguridad de EE. UU., y de la lucha de las familias por la justicia. Duración: seis episodios. Ver Bomba en el Pan Am 103.5. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.

Sam Neill dejó filmadas sus escenas para la película 'The Legend of Zelda'

El actor alcanzó a rodar sus escenas, aunque su personaje todavía es secreto

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Dirigida por Agnieszka Holland ("Europa Europa") habla del personaje y de su legado. A veces la forma se come al contenido.

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Entre las sagas de Tobey Maguire, Andrew Garfield y Tom Holland, más los filmes animados y los derivados de Sony, el universo del Hombre Araña creció hasta volverse un verdadero rompecabezas

Kit Connor, estrella de Heartstopper, podría convertirse en Cyclops en la nueva película de los X-Men

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El productor de series y películas César Benítez, Premio Joan Ramón Mainat del FesTVal

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Engendro es una película de tesis con más conceptos que sustos

Engendro (Nightborn; Finlandia, Lituania, Francia y Reino Unido/2026). Dirección: Hanna Bergholm. Guion: Bergholm y Ilja Rautsi. Música: Eicca Toppinen. Fotografía: Pietari Peltola. Edición: Jussi Rautaniemi. Elenco: Seidi Haarla, Rupert Grint, Pamela Tola y Pirkko Saisio. Duración: 92 minutos. Nuestra opinión: buena.3 starsAcaso Ray Bradbury haya inaugurado un microgénero que podríamos llamar "baby horror" con su relato de 1946 "El pequeño asesino", acerca de un recién nacido que, como venganza por haber sido arrancado de la plenitud ingrávida del útero para ser arrojado a nuestro mundo de esfuerzo y dolor, logra matar a sus padres. Este cuento abreva en ansiedades comunes sobre la maternidad, como que el bebé no resulte exactamente lo que se espera y también empieza a desandar la narrativa de que tener un hijo es la mayor aspiración, la suma realización y máxima dicha que se puede alcanzar. Por influencia de la contracultura, ya en los años 60 películas como la perversamente cómica El bebé de Rosemary, acerca de un ama de casa que engendra al Anticristo, sugieren un contrarrelato al mandato social del embarazo como beatitud. Para David Cronenberg puede convertirse en un evento aberrante y grotesco y así lo exhibe en Cromosoma 5 (The Brood), como bien podía esperarse del padre del "body horror". Tal es el linaje del que proviene este segundo film de la realizadora finlandesa Hanna Bergholm, cuya primera película Cría siniestra (Hatching, 2022) visitaba temas similares al presentar a una familia pretendidamente perfecta que entra en crisis cuando la hija trae a la casa un huevo que eclosiona en una extraña criatura.El título local Engendro no deja demasiado lugar para la sutileza. De todos modos, la película no apuesta a crear un misterio acerca de la naturaleza de su espécimen. Desde que nace, el bebé de Jon (el exalumno de Hogwarts Rupert Grint) y Saga (Seidi Haarla) respira como si fuera Darth Vader con catarro. Su espalda cubierta de pelo y la presencia de una cola vestigial tampoco son señales muy promisorias. Sin embargo, solamente Saga parece notar las anormalidades de su hijo. Para los demás, desde su marido a sus padres, todo lo que ella percibe como aterrador es parte de las vicisitudes de ser mamá. Si cuando amamanta el bebé la muerde -claramente, porque prefiere la sangre materna antes que la leche-, su pediatra le explica que es normal. Si el engendro responde a todo con agresión, es su culpa porque le transmite sus propios temores. A caballo entre el exceso de la comedia negra (aunque con humor relativo) y la metáfora, la película nos dice que ambos tienen razón: todo lo que le sucede a Saga es normal porque lo cierto es que siempre el parto es un episodio de body horror que deforma el cuerpo de una mujer y siempre el recién nacido es un monstruo con el que hay que aprender a convivir. Lo anormal es pretender que no es así. Engendro es una amalgama de folk horror, body horror y, sí, baby horror en el que el segundo componente de las fórmulas queda un poco relegado. No hay demasiado miedo, ni sobresaltos. Algunas imágenes como el parto explosivo del comienzo y las mutaciones del cuerpo de Saga muestran un brío que, lamentablemente, no se mantiene. La película parece más interesada en exponer sus ideas que en vigorizar el relato con algo urgente o imprevisible. Al promediar el metraje, cuando ya queda claro qué sucede y dónde se dirige, la tensión se desinfla. La protagonista comienza como una especie de trad-wife que abandona su trabajo para tener tres hijos con su marido y descubre el dolor, la soledad y el espanto de esta determinación patriarcal, pero su drama no tiene mayor impacto emocional porque no sale de un personaje complicado y humano sino que existe solo como la expresión de un concepto. Esta es, ante todo, una película de tesis cuyo fundamento es establecer que la maternidad es monstruosa y que, sin embargo, las mujeres se las arreglan para sobrellevarla.

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Tras las denuncias por abuso sexual, Jared Leto quedó fuera de una importante película

Tras la publicación del documental de la BBC Jared Leto: El oscuro secreto de Hollywood, que expone una serie de denuncias por presunto abuso sexual en contra del actor, trascendió que el artista estadounidense perdió un papel clave en un thriller político de inminente realización.Según informó Page Six, la producción de la película Assassination descartó la contratación del líder de 30 Seconds to Mars debido a la repercusión de los testimonios recopilados en la investigación. Leto se encontraba en tratativas bastante avanzadas para sumarse al largometraje; tal como indicó un informante de la industria, estaba "sumamente interesado" en el proyecto y había mantenido múltiples conversaciones con el director para definir su personaje. Sin embargo, a pesar de que se trataba de "un trato prácticamente cerrado", los responsables optaron por cancelar el acuerdo conforme las acusaciones salían a la luz.La cinta, dirigida por el ganador del Oscar Barry Levinson a partir de un guion coescrito por David Mamet, cuenta con un reparto estelar encabezado por Jessica Chastain, Al Pacino, Brendan Fraser y Bryan Cranston. La trama se centra en Dorothy Kilgallen (Chastain) y plantea la hipótesis de que el asesinato de John F. Kennedy fue un golpe encargado por el capo de la mafia de Chicago, Sam Giancana, como venganza luego de que la administración presidencial iniciara una ofensiva contra el crimen organizado. La búsqueda de la verdad colocará a la periodista en un peligroso juego cruzado entre los líderes del crimen, la CIA y el FBI.El impacto sobre la carrera del actor responde a la gravedad de los testimonios expuestos tanto en la producción de la BBC como en investigaciones periodísticas previas, entre las que destaca un reportaje publicado en 2025 por el medio estadounidense Air Mail. Si bien las sospechas sobre su conducta circulaban de manera informal en Hollywood desde hacía años, las coberturas recientes le dieron un alcance internacional.El documental reúne los relatos de diez mujeres sobre episodios ocurridos entre 2002 y 2016, época en la que ellas tenían entre 16 y 18 años. Las denunciantes describen patrones de conducta que incluyen supuestos mecanismos de manipulación, acoso y abuso de poder, desarrollados principalmente durante los conciertos de su banda y en el ambiente del modelaje en Los Ángeles; de ellas, cuatro lo acusan directamente de agresión sexual. "Esto ocurrió hace 25 años y siempre se salió con la suya", apuntó una de las víctimas. De hecho, la cadena británica reportó haber contabilizado más de 120 testimonios y publicaciones en internet vinculados a comportamientos inapropiados del artista.Si bien el actor no respondió a las solicitudes de la BBC durante la realización del especial, tras el estreno rompió el silencio con un comunicado enviado a la revista People: "Nunca he agredido sexualmente a nadie en toda mi vida. Estas afirmaciones son absoluta y categóricamente falsas". Con este mensaje, Jared Leto buscó frenar el impacto de un escándalo que ya salpica de lleno su carrera en la industria, aunque por el momento las acusaciones no derivaron en procesos ni resoluciones en la Justicia.

Vicente Patrón, veterano de la Fuerza de Guerra Naval Especial, 55 años: "No es como las películas, hay gente que piensa que una misión consiste en llegar, disparar cuatro tiros y volver a casa. La realidad es que una misión puede durar unas horas, pero la preparación dura meses"

El exsoldado, quien recientemente publicó un libro en el que cuenta una arriesgada operación, se explayó sobre su experiencia de vida.Cuáles fueron sus misiones más difíciles.

Qué tiene "La Odisea" que mueve masas casi 2800 años después de su creación: qué atrae de la película de Cristopher Nolan

La adaptación de Christopher Nolan volvió a colocar el poema atribuido a Homero en el centro de la conversación cultural. El regreso de Odiseo, demuestra que algunos relatos sobreviven porque cada generación encuentra en ellos sus propios conflictos. Leer más

Jared Leto quedó fuera de una película tras las acusaciones de abuso sexual en su contra

La producción descartó al actor cuando las acusaciones de conducta sexual inapropiada se volvieron "imposibles de ignorar"

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Lejos de desaparecer, la plataforma de películas locales que sigue creciendo

Hace poco menos de un año, el sector cinematográfico se vio sacudido por la noticia del probable -entonces, inminente- traspaso de Cine.ar del INCAA a la Secretaría de Medios de la Presidencia de la Nación (es decir, hubiera quedado en la órbita del renunciado Manuel Adorni), lo que se veía como un paso previo a su venta o desaparición. De lo primero se habló: de privatizar el sistema que consiste en un canal de streaming y TV que aparece en los servicios de cable (Cine.ar TV), una plataforma de video on demand (Cine.Ar Play) y un portal de estrenos pagos (Cine.ar Estrenos). Después del decreto que oficializaba el traspaso, en octubre de 2025, se dio marcha atrás y quedó sin efecto. Hoy el servicio funciona como siempre. Y quizás el lector se entere no sólo de que estuvo a punto de desaparecer sino de que existe algo llamado Cine.ar porque lo está leyendo en este párrafo, lo que es una pena enorme dado que se trata de la posibilidad de acceder al mayor catálogo de cine nacional. El cine argentino se encuentra desde hace demasiado tiempo en una posición contradictoria: hay muchísimo producido y muy poco visto. El problema de la audiencia es fundamental: existe una desconexión absoluta entre las películas realizadas en nuestro país y el público local. Esto se disfraza un poco (muy poco) cuando aparece un éxito masivo, pero resulta un fenómeno demasiado esporádico. Si tomamos en cuenta que se estrenan en promedio más de doscientas películas nacionales al año y que la mayoría pasa totalmente inadvertida por el gran público, esa desconexión se vuelve evidente. Cine.ar nació como una búsqueda de solución en el momento en que empezaban a crecer las plataformas bajo el nombre de Odeón en 2015. Luego, en 2017, se convirtió en Cine.ar al integrarse al canal de cable INCAA TV. La idea era, justamente, que la producción cinematográfica nacional tuviera una ventana para poder mostrarse. Como todos los servicios de streaming, tuvo un pico en 2020, pandemia mediante. Y en general todas las películas de ese período sin salas se estrenaron en la plataforma. Que es, y esto es importante, gratuita (salvo "Estrenos", donde se pueden ver películas de lanzamiento reciente por un pago de $400 -sí, cuatrocientos). La tecnología de la plataforma está provista por Arsat. Es decir: existe una ventana gratuita en la que el espectador curioso puede acceder a la mayor parte de la producción audiovisual no sólo de los últimos años, sino también de cine clásico nacional. Es cierto que la mayoría de los éxitos de taquilla nacionales de las últimas décadas no figuran: la intervención de estudios de Hollywood o productoras extranjeras en su realización las ha llevado a otras plataformas y quien busque en HBO Max, Disney+, Mubi o Netflix los va a encontrar. Pero el acervo de Cine.ar es enorme, muestra las nueve décimas partes del iceberg de la producción local y permite trazar una historia no alternativa sino complementaria a la de los éxitos comerciales. Aclaremos: ni mejor ni peor. Resulta curioso, por otro lado, lo poco que se habla de ella y debe criticarse a INCAA y al Estado nacional que no tenga la difusión que merece. Porque realmente permite la reconstrucción de una historia y, casi, de una tradición. No es la intención de esta columna celebrar acríticamente todo el pasado cinematográfico argentino, por cierto. Pero sí hubo grandes films y una cinematografía exportable. El lector seguramente se asombrará de que Los tres berretines o Besos Brujos, películas de los años 30, tengan actuaciones y lenguaje más bien modernos (no como en la declamación de los años 40). O que el suspenso, el cine criminal, haya tenido una presencia grande: pueden verse obras fundamentales como No abras nunca esa puerta, Si muero antes de despertar o La muerte camina en la lluvia, de Carlos Hugo Christensen. O las películas que explican por qué Mirtha Legrand fue una gran estrella y una perfecta comediante, como Los martes, orquídeas, La pequeña señora de Pérez o Mi novia es un fantasma. Quien quiera saber por qué llenaban cines Luis Sandrini o Niní Marshall, están los clásicos. Y toda la obra de Armando Bó e Isabel Sarli, lo que alcanza para justificar la existencia de la plataforma. Por supuesto que faltan cosas: de Torre Nilsson hay solo dos películas (Días de Odio y La guerra del cerdo, adaptaciones de Borges y de Bioy Casares respectivamente); de Favio, solo Juan Moreira; casi no hay películas de la generación de los 60; y nada de Adolfo Aristarain. Las razones son, como siempre, los derechos y la propiedad intelectual. Pero lo que hay es mucho. Y, como se dijo, está gran parte de lo más reciente, lo que permite revisar con criterio y de manera crítica qué hizo el cine argentino en las últimas -por lo menos- dos décadas. Hay de todos los géneros: dramas, comedias, documentales -quizás el más abundante- e incluso películas fantásticas y de terror. Hay series (Sandro, Un gallo para Esculapio) pero no son el principal material. Y hay cortometrajes y cine para chicos. Una discusión seria sobre el cine argentino requiere una herramienta de este tipo donde se puedan ver las películas y analizar formas y temáticas. Si no, todo queda en el lugar común. Hoy Cine.ar tiene 2.767.372 cuentas activas en la Argentina y el exterior; un catálogo completo de 2100 títulos entre todos los formatos y un promedio de 47.000 visualizaciones mensuales. Y aquí hay un punto importante: se ve mucho más cine nacional desde esta plataforma que en las salas. Carlos Vargas Eguinoa, gerente general del INCAA, indica respecto de una potencial privatización que se estudian planes: "Sí, se está analizando cuál es el mejor procedimiento de transferencia. Se busca una mejor difusión del cine argentino", respondió al ser consultado. Por el momento funcionan los diferentes canales (Play, y TV) como siempre, y no hay ninguna definición sobre cerrar alguno. Tampoco si, en caso de que quede en manos del Estado, se volverá paga en el futuro. Lo que sí sabemos es que, por ahora, la plataforma funciona normalmente, que el archivo es enorme, que permite descubrir cine e incluso analizarlo (sí, también en algunos casos confirmar prejuicios) y que tiene una audiencia potencial grande. En todo caso, el problema es, como menciona el funcionario, la "mejor difusión del cine argentino". Puede sorprender al lector el hecho de que en casi todos los países hay un prejuicio contra el cine local, pero incluso así en casi todos los mercados con fuertes cinematografías nacionales (en nuestro idioma los ejemplos más importantes, numéricamente, son España y México) existe un conocimiento de títulos y nombres locales que alimentan de manera virtuosa el negocio. Proporcionalmente, Cine.ar es lo que mejor funciona dentro del ecosistema del cine argentino. ¿No sería entonces una gran oportunidad como canal de difusión apostar a ella? El cine nacional no tiene una proporción mayor de películas "malas" que ninguna otra cinematografía: en todo caso, es momento de reabrir un contacto con sus potenciales espectadores. Y en la era de las plataformas, quizás sea el mejor camino.

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Cuáles son las mejores películas de Spider-Man, según el puntaje de los fanáticos de Marvel

La espera de los fanáticos terminó y llegó a los cines Spider-Man: Un nuevo día, la cuarta película del Hombre Araña protagonizada por Tom Holland. De esta manera, se descubrió qué fue de la vida de Peter Parker tras los acontecimientos de Spider-Man: Sin camino a casa y la audiencia quedó expectante por descubrir cuándo podría llegar la quinta entrega de Marvel Studios. Y como sucede en cada estreno, el público reanimó el debate sobre cuál es el mejor de los nueve filmes, divididos entre Tobey Maguire, Andrew Garfield y el mencionado actor británico.Tras cinco años de espera -la tercera vez que la audiencia tiene que esperar esa cantidad de tiempo para volver a ver una película original de Spider-Man-, Un nuevo día tuvo su estreno y estuvo a la altura de las expectativas generadas en la previa, algo que se evidencia con los puntajes de la plataforma especializada Internet Movie Database (IMDb). En este sitio web, cualquier persona puede registrarse y dejar su calificación, lo que deja a las claras que la voz de los fans queda bien representada.Spider-Man: Brand New Day | Tráiler finalAl observar los puntajes de las nueve películas de Hombre Araña, se puede corroborar cuáles son las "mejores", al menos según los fanáticos de Marvel Studios. Además, como cada una tiene al menos 600 mil calificaciones de la audiencia, no se trata de un promedio aleatorio, sino que se consolidaron con el paso del tiempo.Cuáles son las mejores películas de Spider-ManSpider-Man: Un nuevo día (2026): 8.2La primera en el ranking es justamente la más nueva, y la única que todavía no tiene demasiadas calificaciones: al 1 de agosto, es decir dos días después de su estreno, un total de 70 mil personas dejaron su voto en IMDb y el promedio actual es de 8.2 sobre 10.Al tratarse de la primera aparición del Peter Parker de Tom Holland desde 2021, el público tenía muchas dudas sobre qué hizo a lo largo de estos cinco años y las expectativas eran muy altas. Con sus casi dos horas y media de duración, se desarrolla de forma natural qué ocurrió y la participación de distintas figuras no es una simple utilización de las licencias de Disney, sino que cada personaje tiene una justificación lógica para aparecer en Spider-Man: Un nuevo día, además de las típicas sorpresas de Marvel Studios.Spider-Man: Sin camino a casa (2021): 8.1A la espera del paso del tiempo para observar cuál era el puntaje final de Un nuevo día, la anterior entrega que estaba en la cima del ranking era Spider-Man: Sin camino a casa, la icónica película que reunió por primera vez a los tres actores que interpretaron al Hombre Araña a lo largo de los años.Esta producción es la única que tiene más de un millón de calificaciones por parte del público, con lo que alcanzó un promedio de 8.1 sobre 10. Además, al tratarse de un filme que llegó en medio de la salida de la pandemia del COVID-19, fue recibida con mucha emotividad por parte de la audiencia.El Hombre Araña 2 (2004): 7.5La segunda película protagonizada por Tobey Maguire fue, históricamente, la que mejor imagen tuvo con el paso del tiempo y la que más conectó con los fanáticos. Por eso, El Hombre Araña 2 tiene un 7.5 de calificación con casi 800 mil votos del público. En esta producción, el villano es Doctor Octopus (Alfred Molina), y siguen los problemas amorosos de Peter Parker con Mary Jane Watson (Kirsten Dunst).El Hombre Araña (2002): 7.4El inicio de la historia de Spider-Man siempre tendrá un lugar en el corazón de los fans de Marvel, ya que, tal como dijeron varios actores y actrices a lo largo de los años, es muy probable que sin El Hombre Araña, el género de superhéroes no tendría tanto éxito hoy por hoy. Este debut de Tobey Maguire lo enfrentó con el Duende Verde (Willem Dafoe) y fue el momento en el que la audiencia se enamoró del personaje. Por eso, acumula un promedio de 7.4 tras 980 mil calificaciones.Spider-Man: De regreso a casa (2017): 7.4La primera producción de Spider-Man en Marvel Studios fue muy esperada por la audiencia, ya que tuvo que ver pasar primero a Maguire y luego a Garfield para que Sony y Disney lleguen a un acuerdo para combinar sus universos. Tras el debut de Tom Holland en Capitán América: Civil War (2016), se generó un clima ideal para la llegada de su primera película como protagonista y la inclusión de Michael Keaton como el Buitre fue fundamental para ello. Así, con casi 815 mil calificaciones, consiguió la marca de 7.4.Spider-Man: Lejos de casa (2019): 7.3La expedición de Peter Parker a Europa no fue tan bien recibida por el público y, si bien su calificación no es mala, es la peor puntuada de las cuatro de Tom Holland. En este caso, se trata de la primera película luego del traumático final de Avengers: Endgame, es decir el primer filme desde la muerte de Tony Stark/Iron Man. Aquí, la inclusión de Jake Gyllenhaal como villano no alcanzó para que el público quede satisfecho y el puntaje promedio es de 7.3 con poco más de 650 mil calificaciones.El sorprendente Hombre Araña (2012): 7.0Para muchos el mejor, para otros el peor Hombre Araña. El protagonismo de Andrew Garfield como Spider-Man generó todo tipo de controversias luego de la confirmación y posterior cancelación de El Hombre Araña 4 con Tobey Maguire. En este reinicio de la historia se mostró a un Peter Parker mucho más sufrido y oscuro, quien tuvo que afrontar demasiadas pérdidas en muy poco tiempo. Coprotagonizada por Emma Stone (Gwen Stacy) y Rhys Ifans (Lagarto), el público le dio una calificación de 7.0 tras 775 mil votos.El sorprendente Hombre Araña 2: La amenaza de Electro (2014): 6.6La segunda "peor" película de Spider-Man es precisamente la secuela protagonizada por Andrew Garfield, donde termina por perder a su novia tras prometer a su fallecido suegro que iba a alejarse de ella para protegerla. Este giro argumental fue extremadamente oscuro para los fanáticos, quienes tuvieron la posibilidad de ver como villanos a Electro (Jamie Foxx) y al Duende Verde (Dane DeHaan). Con apenas menos de 600 mil calificaciones, el filme promedia un 6.6.El Hombre Araña 3 (2007): 6.3Para la sorpresa de muchos, la "peor" producción con el icónico superhéroe es El Hombre Araña 3. En este caso, varios fans coinciden en que el problema fue el guion, donde Sony "obligó" al director Sam Raimi a incluir al personaje Venom a último momento y esto provocó que todo se sienta apurado. Además de Topher Grace como el mencionado villano, también estuvieron James Franco (Duende Verde) y Thomas Haden Church (Hombre de Arena).Por eso, entre otras razones, las 710 mil calificaciones le dan un promedio de apenas 6.3 sobre 10, lo que la deja como la peor película del Hombre Araña, al menos según la mayoría de los fanáticos de Marvel.

Epic Games tiene gratis Marvel Rivals y se une al estreno de la película Avengers: Doomsday

Marvel Rivals es un juego de disparos de superhéroes y permite luchar en campos de batalla destruible

Las películas y series que reviven el espíritu de Gaudí, el gran arquitecto catalán

Existen ciudades que el cine utiliza como un simple escenario y otras que terminan convirtiéndose en un personaje más. Barcelona y su arquitectura claramente pertenecen a esa segunda categoría. Porque por dentro de ella existe otra ciudad, menos evidente, pero tan pretensiosa y mucho más poderosa, la Barcelona de Antoni Gaudí. Una urbe hecha de curvas imposibles, piedras vivas, cerámicas que parecen derretirse bajo el sol y edificios que desafían la lógica racional. Es que tal vez el mentado catalán no haya diseñado simples edificios, sino imaginado escenarios. Y por eso, a un siglo de su muerte, el cine continúa regresando una y otra vez a sus creaciones como si en ellas encontrara algo imposible de construir en un estudio de filmación. Las curvas de la Casa Batlló, las formas ondulantes de la Casa Milà (también conocida como La Pedrera), las excéntricas verjas de Casa Vicens, los mosaicos del Park Güell o las agujas de la Sagrada Familia simulan poseer cualidades excepcionales. Respiran, sienten, laten. Son espacios que transmiten emociones. Donde otros ven monumentos, los directores descubren planos y contraplanos capaces de dotar de misterio, sensualidad o melancolía a cualquier historia. Tal fascinación se pone de manifiesto en Ciudad de sombras, la nueva miniserie de Netflix basada en la novela El verdugo de Gaudí, del escritor Aro Sáinz de la Maza. El thriller policial sitúa una sucesión de crímenes en el corazón de la Barcelona modernista y convierte la obra del arquitecto catalán en el escenario entre idílico y poético, donde se cometerá cada próximo crimen. La ciudad parece observar a los investigadores desde sus fachadas de piedra, sus escalinatas y sus torres. Gaudí reaparece así como un protagonista invisible cuya arquitectura condiciona el clima emocional de la narración. A lo largo de los seis capítulos, sus investigadores, Milo Malart (Isak Férriz) y Rebeca Garrido (Verónica Echegui), deben articular los indicios que unen los crímenes con su autor, siempre bajo el marco místico que ofrecen las creaciones de Gaudí. Yendo a un pasado no tan lejano, Woody Allen fue uno de los realizadores que mejor comprendió ese potencial visual. Cuando filmó Vicky Cristina Barcelona (disponible en Prime Video), en 2008, no utilizó la capital catalana como una simple postal turística, sino que la convirtió en el territorio donde sus personajes descubren el deseo, la incertidumbre y la libertad. La historia de las dos jóvenes estadounidenses, Vicky y Cristina (Rebecca Hall y Scarlett Johansson), que llegan a pasar un verano a España y terminan envueltas en una sofisticada e intensa relación con el pintor Juan Antonio (Javier Bardem), encuentra en la geometría de Gaudí un reflejo de sus pulsiones más íntimas. Allen hace que los personajes recorran la ciudad casi como si siguieran un itinerario sentimental. La escalinata del Park Güell, presidida por la célebre salamandra de cerámica, es escenario de uno de los diálogos decisivos entre Juan y Vicky. Las curvas del parque parecen acompañar las vacilaciones afectivas de sus personajes. Más tarde, la Sagrada Familia aparece como un espacio de contemplación donde las dos amigas descubren un edificio que desafía cualquier idea convencional de belleza. La terraza de la Casa Milà, con sus célebres chimeneas escultóricas y la silueta de la basílica asomando en el horizonte, termina de consolidar esa Barcelona soñada que el director norteamericano filma con una mezcla de fascinación y licencia poética. En su universo, Gaudí representa el deseo de abandonar toda rigidez para dejarse llevar por lo inesperado, papel que se representa en toda su fuerza por Penélope Cruz. Muy diferente es la mirada de Pedro Almodóvar en Todo sobre mi madre (Mubi y Prime Video). Cuando estrenó la película en 1999 sorprendió al trasladar, por primera vez de manera decidida, el centro de su cine desde Madrid hacia Barcelona. Pero la elección respondía a una necesidad dramática. Manuela, interpretada por Cecilia Roth, llega devastada tras la muerte de su hijo. Necesita una ciudad capaz de acompañar el duelo sin caer en el sentimentalismo. Y Barcelona ofrece precisamente eso. Distracción, pirotecnia, deslumbramiento, diversidad. El conservadurismo en ninguna dosis. Pero Almodóvar, a diferencia de todos los directores que decidieron filmar en Barcelona, evita convertir la arquitectura modernista en una exhibición pregnante. La integra con naturalidad al recorrido emocional de los personajes. La Sagrada Familia aparece casi como una presencia silenciosa, un edificio todavía inacabado que simboliza la posibilidad de reconstruirse después de la pérdida. La Casa Ramos (diseño del arquitecto Jaume Torres i Grau), el Palau de la Música Catalana (obra de Lluís Domènech i Montaner), las avenidas arboladas y la luz mediterránea completan una ciudad donde el dolor se vuelve protagonista tácito, en perspectiva indeleble. Nadie lo pretende ocultar pero el film intenta mostrar una revalidación por la vida, por los que quedan. En el cine de Almodóvar, Gaudí deja de ser un espectáculo visual para convertirse en una metáfora de la resiliencia. Sus edificios, levantados a partir de la imperfección de las formas naturales, parecen recordarle a Manuela que también las heridas pueden dar origen a una nueva belleza. Mucho antes, en 1975, Michelangelo Antonioni ya había descubierto el extraordinario volumen cinematográfico de la arquitectura gaudiniana. En El reportero (puede verse en Xiclos.com), Jack Nicholson interpreta a un periodista desencantado que decide asumir la identidad de un hombre muerto para escapar de su propia existencia. Es una película atravesada por la soledad, la incertidumbre, el vagabundeo y la búsqueda de una nueva identidad. Cuando el recorrido conduce a Barcelona, Antonioni encuentra en la terraza de la Casa Milà el escenario perfecto para expresar ese estado interior. Las famosas chimeneas de La Pedrera, que hoy reciben diariamente a miles de visitantes, aparecen entonces casi desiertas, ásperas, todavía ajenas al turismo masivo. Y filmadas por Antonioni, adquieren una dimensión inquietante. Más que esculturas, parecen figuras humanas observando silenciosamente al protagonista. Ningún decorado habría podido transmitir esa mezcla de belleza, lejanía y extrañeza que define buena parte del cine del director italiano. La arquitectura se convierte así en una prolongación del conflicto existencial de David Locke (Nicholson), que a su vez, encuentra en la belleza de una intrigante mujer (Maria Schneider), argumentos para no padecer del todo una ciudad que lo asfixia. La capacidad de Gaudí para transformar el espacio en emoción explica que su obra haya atravesado géneros completamente distintos. La comedia generacional Una casa de locos, del realizador francés Cédric Klapisch, convierte el Park Güell y las torres de la Sagrada Familia en escenarios del descubrimiento personal de un grupo de estudiantes europeos que llegan a Barcelona gracias al programa Erasmus. Allí, las curvas del banco ondulante diseñado por Gaudí acompañan el nacimiento de amistades, romances y decisiones que marcarán el futuro de los protagonistas. En Tardes de Gaudí, Susan Seidelman propone un recorrido completamente diferente. La directora estadounidense utiliza Barcelona como escenario de una intriga donde la detective interpretada por Judy Davis se mueve por una ciudad en la que las construcciones modernistas parecen ocultar secretos detrás de cada fachada. La propia arquitectura aporta al relato un aire lúdico y enigmático que convierte a Gaudí en una presencia constante, aunque nunca explícita. Pero también Hollywood con su algoritmo mainstream recurrió al poder simbólico de la Sagrada Familia en Bird Box (Netflix). Basta una breve aparición de la basílica para que la cinta protagonizada por Mario Casas logre transmitir la dimensión universal de un mundo devastado. En pocos segundos, el edificio sintetiza la idea de que incluso los grandes íconos de la civilización pueden quedar atrapados en el caos. Por el contrario, adquiere un tono mucho más sombrío en la película La tabla de Flandes, inspirada en la homónima novela de Arturo Pérez-Reverte, donde el patrimonio artístico y los enigmas históricos conviven con una trama policial. La relación entre Gaudí y el cine, sin embargo, no se limita a las grandes producciones internacionales. Desde comienzos de la década de 1960, numerosos realizadores comprendieron que esa burbuja modernista podía aportar una identidad visual imposible de encontrar en otro lugar. En No temas a la ley (YouTube), de Víctor Merenda, la Casa Milà aparece integrada a una trama policial cuando todavía no era el ícono turístico que es hoy. Poco después, España otra vez, de Jaime Camino, y Biotaxia, de José María Nunes, incorporaron sus fachadas y terrazas como parte de una Barcelona todavía cotidiana, lejos de la ciudad plural que emergería décadas más tarde. Una de las películas más singulares de ese período fue El hombre desconocido de Shandigor, dirigida en 1967 por el suizo Jean-Louis Roy. Concebida como una delirante parodia de las historias de espionaje en plena Guerra Fría, encuentra en el Park Güell, la Sagrada Familia y, especialmente, en la azotea de la Casa Milà, un paisaje casi distópico. Las chimeneas de Gaudí dejan de ser elementos necesarios para la ventilación y eliminación de toxinas de cualquier edificio para transformarse en guardianes de un universo fantástico donde espías, científicos y organizaciones secretas se persiguen entre formas que parecen llegadas del futuro. Roy comprendió que la arquitectura gaudiniana podía sugerir un mundo imaginario sin necesidad de recurrir a escenografías del estilo de Georges Méliès. Algo similar ocurre en Vértigo en Manhattan, de Gonzalo Herralde. Antes de viajar a Nueva York para reencontrarse con un antiguo amor, la protagonista vive en la Casa Milà. El director establece un delicado paralelismo entre las ondulaciones de sus paredes y el estado emocional de una mujer atrapada entre los recuerdos y las ilusiones. La Pedrera deja de ser un edificio icónico para convertirse en un reflejo de la inestabilidad psicológica del personaje. La obra de Gaudí también atravesó el cine fantástico. Jess Franco eligió el Park Güell para rodar escenas de El castillo de Fu Manchú y de Marqués de Sade: Justine (pueden verse en YouTube). En ambos casos, las columnas, las escalinatas y la Sala Hipóstila aportan un clima inquietante que potencia el carácter onírico de las historias. Más adelante, producciones como Unveiled, dirigida por William Cole y Rastros de Sándalo de Maria Ripoll, continuarían utilizando Barcelona y sus edificios modernistas como una presencia narrativa constante, mientras que La Plaza del Diamante (liberada en plataforma M.ok.ru), dirigida por Francesc Betriú, incorporó la Sagrada Familia y el Park Güell al retrato íntimo de la ciudad durante los años más difíciles del siglo XX de la segunda capital española. Paradójicamente, la figura del propio Antoni Gaudí despertó menos interés cinematográfico que sus creaciones. Su vida, marcada en los últimos años por un profundo ascetismo y una dedicación casi absoluta a la Sagrada Familia, carecía del dramatismo biográfico de otros grandes artistas. Aun así, su historia se llevó a la pantalla. La primera biopic fue Gaudí (YouTube) dirigida por Josep Maria Argemí en 1960, que reconstruía la evolución espiritual del arquitecto hasta convertirse en un hombre obsesionado con culminar su gran obra. Años después, en 1974, John Alaimo rodó Antoni Gaudí, una visión inacabada, protagonizada por José Luis López Vázquez. La película permaneció inédita durante décadas debido a problemas financieros, lo que terminó rodeándola de un aura casi legendaria. Mucho mayor fue la repercusión del extraordinario documental que el japonés Hiroshi Teshigahara estrenó en 1984. Considerado una de las obras maestras del cine documental sobre arquitectura, Antonio Gaudí prescinde casi por completo de las explicaciones para dejar que la cámara dialogue directamente con la piedra, la luz y el color. Teshigahara entendió que las formas concebidas por Gaudí no necesitaban intérpretes. Bastaba recorrer lentamente las columnas de la Sagrada Familia, las superficies de la Casa Batlló o Park Güell para descubrir que aquellas construcciones parecían organismos vivos. Manuel Huerga retomaría años más tarde esa fascinación desde otro lugar con Gaudí, un falso documental que recrea el universo del arquitecto mediante imágenes que imitan el lenguaje del cine de comienzos del siglo XX. La influencia del creador catalán llegó incluso a la cultura popular de Los Simpson. En el episodio cuatro de la temporada 25, titulado Solo se vive una vez (Disney+), Homero viaja a Barcelona y visita la Sagrada Familia. El homenaje dura apenas unos segundos, pero alcanza para demostrar hasta qué punto la silueta del templo se volvió universal. Pocas obras arquitectónicas contemporáneas pueden ser reconocidas instantáneamente sobre todo en un dibujo animado. La basílica diseñada por Gaudí comparte ese privilegio con monumentos como la Torre Eiffel, la Estatua de la Libertad y el Coliseo romano. No es casual que tantos directores regresen una y otra vez a sus edificios. Gaudí nunca concibió una arquitectura inmóvil. Cada fachada parece moverse con la luz del día, cada columna pareciera acompañar el crecimiento de un árbol y cada chimenea adquiere presencia humana. Y esa condición orgánica ofrece al cine escenarios que transmiten emociones por sí mismos. Como Antonioni que encontró en ellos el reflejo de la soledad, Almodóvar un refugio para el duelo y Woody Allen un territorio para el deseo.

Una película para vincularse desde el afecto

En su retrato de Rita Segato, la documentalista venezolana practica un acercamiento íntimo y atento a los matices, sobre la pensadora y activista feminista.

La furia de Scott Eastwood con un colega que abandonó una película: "No seas un pedazo de m..."

Scott Eastwood lanzó una durísima crítica contra un colega con el que trabajó recientemente y al que acusó de abandonar una película cuando la producción ya había invertido una importante suma de dinero. Sus declaraciones despertaron una ola de especulaciones en Hollywood y volvieron a poner sobre la mesa los conflictos que pueden producirse detrás de escena en la industria cinematográfica, pero también, sobre el difícil carácter del actor.Eastwood, de 40 años, realizó las explosivas declaraciones durante una reciente participación en el podcast The Joe Rogan Experience, donde habló sobre su carrera, el legado de su padre Clint Eastwood y algunas de las experiencias más frustrantes que vivió trabajando en el cine.Sin necesidad de mencionar nombres, Scott describió el episodio como uno de los comportamientos más irresponsables que presenció en un set de filmación. "Acabo de trabajar con alguien y, sin mencionar nombres, hay personas que se vuelven demasiado famosas durante demasiado tiempo y creen que el mundo les debe algo", afirmó durante la conversación difundida el 29 de junio.Según relató, el conflicto estalló cuando esa persona decidió abandonar el proyecto pese a que la producción ya había avanzado considerablemente y había realizado importantes inversiones. "Después de que ya habíamos gastado mucho dinero, decidió que simplemente no quería trabajar con otra persona ni hacer el trabajo", recordó.El actor explicó que intentó hacer entrar en razón a su colega y le planteó que, si realmente no pensaba cumplir con el compromiso asumido, al menos debía devolver el dinero recibido."Le dije: 'Bueno, entonces tenés que devolverle ese dinero a la persona que invirtió en vos'. Me respondió: 'No voy a hacer eso'", contó.Finalmente, según su versión, la figura decidió abandonar definitivamente la producción, obligando al equipo a afrontar las consecuencias de esa decisión.Eastwood no aclaró si el proyecto logró completarse ni qué impacto económico tuvo la salida del intérprete, aunque dejó en claro que, desde su punto de vista, el daño fue considerable."Era su proyecto como director, su historia, su película. Y fue como: hermano, le sacaste el dinero a alguien", sostuvo.El actor calificó lo ocurrido como "impactante" e "increíble" y aseguró que, para él, no existe ninguna zona gris en una situación de ese tipo."Es blanco o negro. Hacé lo correcto. No seas un pedazo de mierda. No podés hacer eso", disparó con total contundencia.A lo largo de la entrevista, Eastwood amplió su reflexión sobre algunos comportamientos que, según dijo, son tolerados dentro de Hollywood únicamente por el peso que tienen ciertas figuras. "He visto comportamientos escandalosos en este negocio", aseguró. Y añadió que resulta llamativo que determinadas actitudes sean aceptadas únicamente porque provienen de celebridades."Eso no pasaría en otras industrias, pero por alguna razón, porque son estrellas...", comentó, dejando la frase abierta antes de describir a la industria del entretenimiento como un ámbito "realmente feo" cuando las cámaras dejan de filmar.Las declaraciones rápidamente generaron repercusión en redes sociales y entre los medios especializados, donde comenzaron las especulaciones sobre quién podría ser el actor o actriz al que hacía referencia. Sin embargo, Eastwood evitó ofrecer cualquier dato que permitiera identificar a la persona involucrada y tampoco dio pistas sobre la producción afectada.Pese a la dureza de sus críticas, Eastwood dejó en claro que ese tipo de experiencias no modifican la pasión que siente por su profesión. "Me encanta contar historias", explicó.Para el actor, el verdadero atractivo del cine sigue siendo la posibilidad de generar emociones en el público. "Cuando estás en un proyecto creativo y conseguís conmover a la gente, ya sea haciéndola reír, llorar o sentir cualquier otra emoción, eso es lo que realmente vale la pena", expresó.Durante la conversación también hubo espacio para hablar sobre la enorme influencia que tuvo su padre, tanto en su vida personal como en su carrera profesional. Scott describió al legendario director y actor, hoy de 96 años, como una persona que siempre entendió el trabajo desde la disciplina y la responsabilidad. "Era un hombre que se ponía las botas e iba a trabajar", recordó.Según explicó, una de las principales enseñanzas de Clint consistía en separar completamente la vida laboral de la personal. "Dejaba el trabajo en la puerta", comentó, destacando la capacidad de su padre para no trasladar las tensiones del set al ámbito familiar.No es la primera vez que Scott habla públicamente sobre los consejos que recibió de su padre. En una entrevista concedida en 2015 a la revista Treats!, recordó cuál fue la enseñanza profesional que más lo marcó. "Hagas lo que hagas, hacelo bien. Sé humilde, trabajá duro y comportate como un hombre", reveló que le repetía Clint. Esa filosofía, según explicó, nunca estuvo condicionada por el éxito en Hollywood ni por la posibilidad de continuar el legado familiar.Scott aseguró que su padre jamás le exigió convertirse en actor. "A él no le importaba si era plomero... o actor", explicó.Lejos de sentirse obligado a seguir los pasos de una de las mayores leyendas del cine estadounidense, afirmó que su decisión de dedicarse a la actuación surgió de una vocación genuina. "No entré en esto para ser famoso", aseguró. "Crecí admirando el trabajo de mi padre, amando el cine y la posibilidad de contar historias. Quería formar parte de ese mundo", agregó.

Qué ver en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar el primer fin de semana de agosto

Se acerca el fin de semana y, entre los planes que la mayoría de las personas priorizan, se encuentra el de quedarse en casa para retomar esa serie o película que quedó en pausa o empezar eso que tanto recomendaron. Ante una gran cantidad de ofertas, Netflix prepara todos los viernes el ranking de lo más visto en Argentina para que decidir qué ver no se convierta en un dolor de cabeza.A continuación te presentamos el ranking de las mejores producciones que podrás disfrutar en la plataforma de streaming; pero antes, agarrá un lápiz y un papel para que no se te escape ninguna.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Elize: Sombras de una mujer (2026)Suspenso/Crimen. Una antigua escort trata de ignorar las infidelidades de su rico marido. Pero esa traición envenena su matrimonio. Duración: 1 h 33 min. Ver Elize: Sombras de una mujer.2. Contrato para matar (2023)Acción/Suspenso. Charlie, un sicario de la mafia, pretende vengar el asesinato de todos sus compañeros por parte de una organización criminal rival. Para lograrlo, se alía con Marcie, la viuda de un hombre al que él mismo mató. Duración: 1 h 30 min. Ver Contrato para matar.3. 72 horas (2026)Comedia. Un ejecutivo de 40 años se ve incluido, por accidente, en el chat grupal de un grupo de veinteañeros que planean una despedida de soltero desenfrenada en Miami, y termina asistiendo al viaje. Duración: 1 h 45 min. Ver 72 horas.4. Kung Fu Panda 4 (2024)Comedia/Aventura. Po está entrenando a un nuevo guerrero que ocupe su lugar para que él pueda convertirse en líder espiritual del Valle de la Paz. Sin embargo, la irrupción de una malvada hechicera que puede cambiar de apariencia trastoca sus planes. Duración: 1 h 34 min. Ver Kung Fu Panda 4.5. Los creyentes (2026)Suspenso/Drama. Tras la muerte de su madre en extrañas circunstancias, Ruth, una mujer de 30 años, regresa a casa. Ahí se reencuentra con su padre, Martín, quien está obsesionado con una siniestra teoría conspirativa. La relación entre ambos es tan tensa que Ruth comienza a sospechar que Martín podría ser el responsable de la muerte de su madre. Duración: 1 h 46 min. Ver Los creyentes.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix1. El otro padre (2026)Drama/Maternidad. Una médica que busca un donante de riñón para salvar la vida de su hija descubre una relación secreta y una prueba de ADN que podrían destrozar a dos familias. Duración: diez episodios. Ver El otro padre.2. Los asesinatos de Idaho: Pesadilla en la universidad (2026)Documental/Basada en hechos reales. El horrible asesinato de cuatro estudiantes de la Universidad de Idaho con imágenes de cámaras corporales, mensajes y entrevistas a seres queridos. Duración: tres episodios. Ver Los asesinatos de Idaho: Pesadilla en la universidad.3. GIGN: Unidad de élite (2026)Acción/Suspenso. Tras un ataque sin precedentes contra su unidad, un agente de alto rango a punto de retirarse lidera una peligrosa misión que le obliga a enfrentarse a su pasado. Duración: seis episodios. Ver GIGN: Unidad de élite.4. Bomba en el Pan Am 103 (2025)Acción/Drama. El 21 de diciembre de 1988, el vuelo 103 de Pan Am explotó sobre la pequeña localidad escocesa de Lockerbie y acabó con la vida de 270 personas. El suceso desencadenó la mayor investigación por asesinato en la historia de la policía escocesa: la del atentado terrorista más letal perpetrado en suelo británico. Esta historia, basada en el testimonio de los que estuvieron allí, es el verdadero relato de la colaboración entre las autoridades escocesas y los cuerpos de seguridad de EE. UU., y de la lucha de las familias por la justicia. Duración: seis episodios. Ver Bomba en el Pan Am 103.5. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.

La obra peruana Ser Hamlet se convierte en película y se estrena en Lima el 7 de agosto

El largometraje de Chela De Ferrari tendrá su debut internacional en el 30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP, dentro de la sección Latinoamérica Fuera de Competencia, con una segunda proyección el 15 de agosto

Millonaria demanda contra Netflix por la desaparición de una película protagonizada por Nicolas Cage

Netflix atraviesa un conflicto sin precedentes: los productores de Fortitude, una película protagonizada por Nicolas Cage que aún no fue estrenada, demandaron al gigante del streaming por 105 millones de dólares luego de que la copia maestra del film desapareciera de las oficinas de la plataforma. El material, que había sido entregado para que la compañía evaluara una posible compra de los derechos de distribución, fue reportado como robado.Según consignaron medios especializados en la industria del entretenimiento como Variety y The Hollywood Reporter, la demanda fue presentada por el productor y guionista Simon Afram y su empresa británica Op-Fortitude. De acuerdo con Entertainment Weekly, Afram asegura haber invertido más de 45 millones de dólares de su propio patrimonio y dedicado siete años al desarrollo del proyecto.La presentación judicial sostiene que la pérdida del material compromete el futuro comercial de la película y reclama una indemnización de 105 millones de dólares por los daños ocasionados.Qué sucedió con la copia maestraTodo comenzó el 15 de junio pasado. De acuerdo con la presentación judicial, el productor asociado Daniel Haido entregó personalmente un Digital Cinema Package (DCP) -la copia digital utilizada para proyecciones profesionales- en las oficinas de Netflix ubicadas en Hollywood con el objetivo de que el material fuera visto en una exhibición privada.La plataforma proyectó la película al día siguiente. Sin embargo, los productores aseguran que, pese a haber solicitado reiteradamente la devolución del disco rígido, no obtuvieron respuesta. Recién el 25 de junio, un ejecutivo de Netflix les comunicó por correo electrónico que varios discos rígidos habían sido robados de los escritorios de la empresa, entre ellos el que contenía Fortitude. En ese mensaje, Sean Berney, uno de los ejecutivos de Netflix, admitía que el equipo de seguridad no había logrado recuperar los dispositivos.En la demanda, los productores sostienen que la desaparición del DCP destruyó la exclusividad de la película, un aspecto clave para su comercialización. Además, señalan que cualquier potencial comprador debería ser informado de que existe una copia perdida del largometraje, lo que incrementa el riesgo de piratería, hace más difícil la contratación de seguros y reduce significativamente su valor de mercado.Los demandantes también explicaron que el incidente podría afectar el plan de estreno y las posibilidades de competir en la temporada de premios.La respuesta de NetflixTras la demanda, Netflix rechazó las acusaciones y aseguró que no es responsable por la pérdida del material. En un comunicado citado por The Hollywood Reporter, la compañía afirmó que Fortitude fue entregada "sin las medidas de seguridad estándar de la industria" y remarcó que nunca adquirió los derechos de la película.La empresa sostuvo además que llevó adelante una investigación interna, ofreció monitorear sitios de piratería para detectar una eventual filtración y cuestionó el accionar de los abogados de Afram. Según su versión, antes de presentar la demanda enviaron una carta en la que reclamaban US$165 millones y, en su respuesta judicial, Netflix sostuvo que ese pedido constituyó un intento de extorsión.Dirigida por Simon West, Fortitude es un thriller de espionaje ambientado durante la Segunda Guerra Mundial que reconstruye la historia real de agentes de la inteligencia británica que recurrieron a innovadoras operaciones de engaño para confundir a la cúpula nazi. La trama sigue al espía serbio Dusko Popov, una figura histórica que, según distintas versiones, sirvió de inspiración a Ian Fleming para crear al personaje de James Bond.Además de Nicolas Cage, el elenco reúne a Ben Kingsley, Michael Sheen, Matthew Goode, Ed Skrein, Alice Eve, Lukas Haas y Ron Perlman.

Tom Holland habló de Colombia al presentar la nueva película de 'Spider-Man': "La he pasado muy bien"

Durante la promoción de 'Brand New Day', el actor rememoró su estadía en Bogotá y Cartagena, un episodio que sus seguidores relacionan con las fotos publicadas en 2019 y su trabajo previo fuera del universo Marvel

Disney prepara una nueva película de Mi pobre angelito, con el regreso más esperado: "Todos quieren que se haga realidad"

Más de tres décadas después del estreno de Mi pobre angelito, uno de los clásicos navideños más populares de todos los tiempos, Disney se encuentra trabajando en una nueva película de la saga con el regreso de su protagonista original. Según trascendió en las últimas horas, Macaulay Culkin encabezaría el proyecto retomando el papel de Kevin McCallister, el personaje que lo convirtió en una estrella infantil a comienzos de los años 90.De acuerdo con información publicada por la revista People, el proyecto se encuentra en una etapa muy temprana de desarrollo, aunque ya habría despertado un fuerte entusiasmo dentro de la industria. "Está en las primeras etapas, muy tempranas. Es solo una idea y prácticamente ha recibido luz verde de Disney", aseguró una fuente consultada por el medio estadounidense.La misma persona agregó que el estudio ve con muy buenos ojos el regreso del actor. "A Disney le encantó la idea de Macaulay y todos quieren que esto se haga realidad", sostuvo.La posibilidad de una nueva película protagonizada por Culkin no surge de la nada. Desde hace tiempo el actor viene hablando de cómo le gustaría continuar la historia de Kevin McCallister y, de hecho, ya había revelado públicamente cuál sería su propuesta para una nueva entrega.Según recordó el programa Today, la idea nació del propio Culkin y consiste en mostrar qué ocurrió con Kevin décadas después de haber defendido su casa de los ladrones que intentaban asaltarla.Durante uno de los encuentros de su gira An Evening of Nostalgia with Macaulay Culkin, realizada en 2025 en el Centro de Convenciones y Entretenimiento de Long Beach, California, el actor compartió con el público el argumento que imaginó para una posible continuación."Se me ocurrió esta idea", explicó. Según relató, la historia mostraría a Kevin convertido en padre, atravesando una complicada situación personal. "Soy viudo o divorciado. Estoy criando a un niño y todo eso. Trabajo muchísimo, no le presto suficiente atención, el chico se empieza a enojar conmigo y, al final, me quedo afuera de casa", contó.El giro llegaría cuando su propio hijo decidiera utilizar contra él las mismas estrategias que alguna vez hicieron famoso a Kevin. "Mi hijo me pone trampas para que no pueda volver a entrar", resumió el actor, invirtiendo así el planteo de la película original.La premisa mantiene el espíritu de la saga, aunque cambia por completo la perspectiva: esta vez Kevin dejaría de ser el niño ingenioso que protege su hogar para convertirse en el adulto que debe enfrentarse a una versión renovada de sus propias travesuras.La noticia despertó una enorme expectativa entre los fanáticos de la franquicia, especialmente porque el regreso de Culkin fue una deuda pendiente de casi todas las secuelas que se realizaron después del éxito original.Estrenada en 1990 y dirigida por Chris Columbus con guion de John Hughes, Mi pobre angelito se convirtió rápidamente en un fenómeno mundial. La historia seguía a Kevin McCallister, un niño de ocho años que era olvidado accidentalmente por su familia cuando todos viajaban a París para pasar la Navidad.Lejos de asustarse por quedarse solo, Kevin disfrutaba de la inesperada libertad hasta que descubría que dos ladrones pretendían entrar a robar a su casa.Los delincuentes, Harry y Marv, interpretados por Joe Pesci y Daniel Stern, terminaban cayendo una y otra vez en una sucesión de ingeniosas y dolorosas trampas preparadas por el pequeño protagonista, una combinación de humor físico y creatividad que convirtió a la película en un clásico de las fiestas.El enorme éxito comercial impulsó rápidamente una continuación. En 1992 llegó Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York, nuevamente con Culkin como protagonista. En esa oportunidad, Kevin volvía a separarse accidentalmente de su familia, aunque esta vez durante un viaje a Florida, y terminaba solo en Nueva York, donde volvía a cruzarse con Harry y Marv.La segunda película también fue un éxito de taquilla y terminó de consolidar al actor como una de las mayores estrellas infantiles de Hollywood.Sin embargo, la franquicia tomó otro rumbo en los años siguientes. Mi pobre angelito 3 (1997) presentó una historia completamente nueva con otro protagonista, mientras que Mi pobre angelito 4 (2002) recuperó algunos personajes clásicos, aunque interpretados por actores diferentes.La saga continuó con otras producciones para televisión hasta que, en 2021, Disney estrenó en su plataforma Disney+ una nueva versión titulada Home Sweet Home Alone. Aunque retomaba la premisa de un niño que debía defender su casa de unos intrusos, tampoco contó con la participación de Culkin ni del elenco original.Precisamente por eso, una eventual vuelta de Macaulay Culkin como Kevin McCallister sería la primera continuación directa protagonizada por el actor desde Mi pobre angelito 2, estrenada hace más de 30 años.A lo largo del tiempo, Culkin mantuvo una relación ambivalente con el personaje que marcó su carrera. Durante muchos años evitó explotar la nostalgia alrededor de la película, aunque en los últimos tiempos comenzó a mostrarse mucho más abierto a revisitar aquella etapa de su vida.Su participación en eventos dedicados a los fanáticos de la saga y las entrevistas en las que desarrolló nuevas ideas para Kevin alimentaron durante meses las especulaciones sobre un posible regreso.Si el proyecto finalmente recibe la aprobación definitiva de Disney, el estudio apostará no solo al regreso de uno de sus personajes más queridos, sino también a una fórmula que en los últimos años dio buenos resultados en Hollywood: recuperar franquicias clásicas con sus protagonistas originales, apelando tanto a la nostalgia de quienes crecieron con ellas como a una nueva generación de espectadores.

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El actor relató que fue en un pequeño restaurante dentro de los estudios que comenzó a charlar con un nombre con quien platicó de cine, música y la vida.

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Spider-Man Brand New Day: cuánto dura, dónde ver las películas anteriores y los nuevos personajes

Este miércoles 29 de julio llega a las pantallas la nueva entrega de Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day), protagonizada por Tom Holland, Zendaya y Jacob Batalon. Luego de los sucesos de la anterior película, Spider-Man: No Way Home, Peter Parker se enfrenta a un mundo que olvidó quién era. Ahora se dedica a proteger solo a la ciudad de Nueva York, mientras investiga una nueva amenaza y lidia con una peligrosa evolución de sus poderes.Tráiler de Spiderman: Brand New DayCon un aumento del 300% de las búsquedas en la web según Google Trends, muchos fanáticos esperan con ansias este estreno, del que ya se conocen varios de los nuevos personajes, aunque aún quedan algunas incógnitas. En este contexto, varios aprovechan para ver la trilogía que precede a este film para recordar la historia del superhéroe de Tom Holland.Dónde ver las películas de SpidermanDebido a que Sony Pictures, y no Marvel, tiene los derechos de las películas, la trilogía de Tom Holland no se encuentra en una misma plataforma. Las historias del resto de los superhéroes del MCU, incluidas las entregas de los Vengadores en las que aparece Spiderman, se pueden encontrar en Disney+. Sin embargo, este no es el caso para los films individuales del Hombre Araña:Spider-Man: Homecoming (2017) está disponible en HBO MaxSpider-Man: Far From Home (2019) se encuentra en NetflixSpider-Man: No Way Home (2021) se puede alquilar en You TubeCuánto dura la nueva película de SpidermanDe acuerdo con la cartelera, Spider-Man: Brand New Day tendrá una duración de dos horas y media (150 minutos). Las entradas ya están disponibles para el estreno en cines de todo el país.Los nuevos personajes de Spider-Man: Brand New DayLa nueva entrega de Spiderman tendrá el regreso de los ya clásicos personajes: Peter Parker (Tom Holland), Michelle Jones-Watson o MJ (Zendaya) y Ned Leeds (Jacob Batalon). Además, ya están confirmadas las nuevas caras que los acompañarán en esta historia. La que causó más emoción fue la Jon Bernthal en la piel de Frank Castle o Punisher, un exmilitar justiciero que combate a la mafia en venganza por el asesinato de su familia. En el tráiler parece que se unirá a Spiderman en la lucha contra una nueva amenaza. Aquellos que deseen conocer la historia de este personaje cuentan con una serie de dos temporadas y una película corta en Disney+.También volverá Mark Ruffalo como Bruce Banner (Hulk), quien ayudará a Peter a controlar sus nuevos poderes, hasta que su bestia interna se sale de control. En la orilla de los villanos, se espera que aparezcan La Mano, una temible orden ninja; Scorpion (Michael Mando), un demente con un supertraje letal; Boomerang, un exbasquetbolista devenido en criminal, Tarántula, quien utiliza como armas púas y cuchillas envenenadas; y Tombstone, jefe de la mafia neoyorquina.Por último, se confirmó que Sadie Sink (Max en Stranger Things) forma parte del elenco; sin embargo, aún no se conoce qué personaje interpretará. Varias teorías de los fanáticos apuntan a Jean Grey, una de las mutantes más poderosas en el universo de los X-Men. De acuerdo con los cómics, tiene poderes de telepatía, telequinesis y manipulación molecular.

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El actor estadounidense repasó junto a Josh Horowitz en Happy, Sad, Confused podcast el proceso detrás del proyecto, sus decisiones profesionales y los desafíos que enfrentó durante la producción

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Kevin Feige confirmó en la Comic-Con de San Diego que el actor tomará el papel de Johnny Blaze en una producción prevista para 2028

"Black Pantherâ?³ tendrá una tercera película con un nuevo protagonista

El director Ryan Coogler confirmó en la Comic-Con de San Diego que David Jonsson encabezará "Black Panther 3â?³

Indie Films: la cordobesa detrás de la película de Impira

A la par del proyecto cinematográfico sobre la histórica Posta de Impira, cerca de Oncativo, la empresa conducida por Pedro Veritier Pons combina un desarrollo propio que exporta a varios países con el objetivo de consolidar a Córdoba como un polo de producción capaz de competir con Buenos Aires. Leer más

Pamela Anderson, alejada de su imagen de sex symbol, habló sobre su "arriesgada" nueva película y sus ganas de ser abuela

Antes de la alfombra roja de Venecia y después de uno de los años más intensos de su carrera, Pamela Anderson atraviesa un presente que parece confirmar que su gran reinvención ya no tiene marcha atrás. A los 59 años, la actriz dejó definitivamente atrás la imagen de ícono sexual de los años 90 para convertirse en una de las figuras más buscadas del cine de autor. Y mientras disfruta de ese nuevo impulso profesional, también celebra un momento de plenitud en su vida personal: el reciente casamiento de su hijo Dylan Jagger Lee y la ilusión, cada vez más cercana, de convertirse en abuela. La protagonista de Baywatch acaba de estrenar Rosebush Pruning, una sátira dirigida por el brasileño Karim Aïnouz, el realizador de La vida invisible de Eurídice Gusmão y La reina de fuego [se podrá ver próximamente en la Argentina a través de la plataforma de streaming MUBI]. En la película, la actriz interpreta a la matriarca de una familia millonaria instalada en España cuya aparente perfección comienza a resquebrajarse hasta revelar una historia perturbadora. Escrita por Efthimis Filippou â??guionista habitual de Yorgos Lanthimos y responsable de títulos como Langostaâ??, la película propone una crítica feroz a los privilegios, la decadencia y los vínculos familiares. Lejos de promocionarla como una película fácil, Anderson fue la primera en advertir que no es un film pensado para complacer al público. "Es salvaje. Impacta, pero no busca escandalizar por el simple hecho de hacerlo, sino contar una historia", aseguró durante una entrevista con People. Incluso admitió que muchos espectadores tendrán reacciones encontradas frente a una trama que aborda el abuso, la violencia y los excesos de una familia completamente disfuncional. El proyecto confirma el camino artístico que la actriz comenzó hace algunos años. Después de sorprender con su debut en Broadway interpretando a Roxie Hart en Chicago, llegó el reconocimiento por The Last Showgirl, película que le valió una nominación al Globo de Oro y la devolvió al centro de la conversación cinematográfica. Más tarde participó en la nueva versión de ¿Y dónde está el policía? y siguió eligiendo personajes alejados de los estereotipos que durante décadas marcaron su carrera. "Será mi primera vez""Quiero trabajar con directores que asuman riesgos. Quiero desafiarme y contar historias diferentes", explicó Anderson, convencida de que esta nueva etapa recién empieza. De hecho, otra de sus próximas películas, Place to Be, donde comparte elenco junto a Ellen Burstyn y Taika Waititi, será presentada en el próximo Festival Internacional de Cine de Venecia, un debut muy esperado para la actriz. "Será mi primera vez en Venecia. Siento que recién ahora está empezando mi carrera", confesó. Pero mientras Hollywood le abre nuevas puertas, la emoción más profunda llegó lejos de un set de filmación. El 26 de junio, su hijo menor, Dylan Jagger Lee, se casó con Paula Bruss en una ceremonia celebrada en Saint-Tropez, Francia, después de nueve años de relación. Anderson viajó especialmente para acompañarlos y reconoce que fue uno de los momentos más movilizantes de su vida."Fue muy emocional. De golpe sentí que Dylan ya no era mío, que ahora él y Paula se pertenecen el uno al otro", le contó con sinceridad a la revista People. "No podría estar más feliz por ellos". La actriz explicó que, aunque sus hijos hace años viven de manera independiente, el casamiento marcó simbólicamente el comienzo de una nueva etapa para toda la familia.Una nueva etapa familiar y una gran ilusiónEsa transformación también despertó otro deseo. Cuando le preguntaron si espera convertirse pronto en abuela, respondió entre risas que cree que ese momento "está en los planes". "No veo la hora de ser abuela. En realidad ya llevo una vida bastante de abuela: paso los días en mi jardín. Lo único que todavía no hago es tejer", bromeó. Esa imagen cotidiana contrasta con el glamour que históricamente rodeó su figura. Desde que decidió instalarse definitivamente en su casa de la isla de Vancouver, en Canadá, Anderson encontró en la naturaleza un refugio creativo. Allí cultiva su huerta, escribe, analiza los guiones que recibe y asegura que toma sus mejores decisiones entre plantas y flores. "Todas mis ideas aparecen en el jardín. Es el lugar donde aclaro mi cabeza", explicó. La estrella buscó en esta etapa de su vida conectarse con la naturaleza e incluso mostrarse públicamente con un estilo relajado y natural. Por ejemplo, decidió posar sin maquillaje en premiaciones y eventos, y alejarse por completo de la imagen que la convirtió en un símbolo de los años noventa. Hoy, Anderson atraviesa uno de los mejores momentos de su vida: el reconocimiento profesional llega al mismo tiempo que la tranquilidad personal y siente ,según sus propias palabras, que "la verdadera historia recién comienza".

Todas las películas y series que hay que ver para entender Spider-Man: Brand New Day

A pocos días del estreno de Spider-Man: Brand New Day, el próximo 30 de julio, la audiencia se encuentra ante un interrogante habitual frente a las producciones de Marvel Studios: ¿es indispensable haber visto todo el catálogo previo del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) para seguir la trama? La respuesta de los expertos y creadores de contenido es negativa, aunque subrayan que existe una selección estratégica de películas y series que enriquecen sustancialmente la experiencia. El nuevo filme funciona como un reinicio emocional para Peter Parker, situándolo en un escenario de soledad tras los eventos de Spider-Man: No Way Home, por lo que este repaso busca facilitar el acceso a la historia sin necesidad de un visionado exhaustivo de décadas de contenido.La trayectoria del Hombre Araña dentro del UCM fue un proceso de maduración constante, donde Captain America: Civil War se posiciona como el prólogo indispensable para entender la génesis de esta versión. La película, que marcó la primera aparición del personaje, no solo cimentó la alianza entre el héroe y Tony Stark, sino que estableció la dinámica de mentoría que definiría los años posteriores de Peter Parker. Esta relación funciona como la piedra angular del peso emocional que el protagonista carga en la actualidad.Asimismo, la trilogía de Jon Watts, compuesta por Homecoming, Far From Home y No Way Home, se revela como la narrativa esencial. La primera consolidó la faceta adolescente del héroe frente a la sombra de Iron Man, la segunda exploró las secuelas psicológicas tras la muerte de su mentor, y la tercera planteó el sacrificio definitivo. El hechizo de Doctor Strange que borró la identidad pública de Peter Parker constituye el punto de inflexión fundamental para este nuevo arco.El contexto de las producciones que integran el UCM es vital para comprender los nuevos giros en la vida de Parker. Las participaciones de Spider-Man en Avengers: Infinity War y Endgame no son meros espectáculos de acción, sino que son el cierre emocional de un ciclo. La pérdida de su guía y la ausencia de una red de seguridad tecnológica obligan a un Peter Parker ya adulto a enfrentar amenazas con recursos limitados. En este sentido, la nueva película promete una vuelta a la esencia urbana, alejándose de los conflictos cósmicos previos para retomar las calles de Nueva York.Avengers: Endgame evidenció la importancia de Tony Stark para Peter ParkerAquí es donde la figura de Frank Castle, es decir The Punisher, cobra relevancia. El personaje interpretado por Jon Bernthal no solo aportará una visión de la justicia que colisiona con la de Spider-Man, sino que servirá como un aliado en un contexto de crimen organizado y corrupción política que recuerda a la atmósfera de las series de Netflix vinculadas a Marvel.En cuanto a las amenazas, la película incorpora elementos que los fanáticos comenzaron a conectar con producciones previas. El Departamento de Control de Daños, que tuvo apariciones recurrentes en series como Ms. Marvel o She-Hulk, será un factor de presión para el protagonista. Del mismo modo, la inclusión de personajes como Bruce Banner (Hulk), confirmado en el reparto, sugiere una exploración de la mutación biológica que afecta al ADN de Peter. Aquí, el director Destin Daniel Cretton buscó una dirección creativa que prioriza el desarrollo humano sobre el exceso de efectos visuales. Esta transición hacia un tono más callejero y crudo es la apuesta central para captar a una nueva generación de espectadores.Es importante mencionar el papel de la serie de animación Your Friendly Neighborhood Spider-Man, que si bien opera en una línea paralela, funciona como un homenaje a las raíces editoriales del Hombre Araña. El regreso de villanos clásicos como Scorpion y Tombstone en diversos formatos sugiere que el equipo creativo busca revitalizar la galería de antagonistas tradicionales del héroe. La incorporación de Sadie Sink, cuya identidad en el filme permanece bajo un estricto secreto, disparó especulaciones sobre la introducción de los mutantes al UCM. Los analistas en redes sociales sugieren que esto no es casual, sino que el estudio parece haber sembrado el terreno para la futura saga de los X-Men, con Spider-Man como un puente narrativo hacia las próximas entregas de Avengers: Doomsday y Secret Wars.Marvel no reveló el rol de Sadie Sink en la película y hay muchos rumoresPara aquellos que deseen un maratón eficiente, se recomienda priorizar la trilogía estelar de Tom Holland y las series de Daredevil, dado que la narrativa de La Mano y el submundo criminal neoyorquino cobrarán un protagonismo inusitado. The Punisher: One Last Kill, el especial diseñado para resumir la historia de Frank Castle, se consolidó como el atajo definitivo para entender la psicología de este personaje sin recurrir a todas las temporadas previas. El espectador no necesita realizar un máster en la cronología de Marvel, pero conocer las tensiones entre la moralidad de un vigilante y la responsabilidad heroica de Peter Parker hará que cada secuencia de acción posea un significado profundo y no solo un despliegue de pirotecnia tecnológica.Daredevil ya estuvo en Spider-Man: No Way Home y todo indica que podría volverEl presupuesto y el esfuerzo logístico detrás de esta entrega, que alcanza los 145 minutos de duración, reflejan la ambición de Sony y Marvel Studios por cerrar una etapa y abrir otra. La película fue descrita como el bautismo definitivo del héroe, quien ahora deberá valerse de sus propias capacidades, sin el traje financiado por Tony Stark ni la ayuda de sus amigos de la escuela. Esta premisa, que conecta con la famosa etapa de los cómics Brand New Day, promete explorar las consecuencias del aislamiento total de un héroe que, irónicamente, lucha por una ciudad que ya no recuerda su existencia. En última instancia, la invitación de los realizadores es clara: Spider-Man 4 no busca ser una secuela más, sino el inicio de una leyenda construida desde el barro de las calles de Nueva York, donde el sacrificio es la moneda de cambio cotidiana del Hombre Araña.Tráiler final de Spider-Man: Brand New DaySpider-Man: Brand New Day | Tráiler final

El pueblo de Illinois que parece una película navideña, pero no depende del invierno para atraer visitantes

Un pueblo de Illinois fue elegido como una de las localidades más lindas de Estados Unidos. Se trata de Galena, una ciudad ubicada a unas tres horas de Chicago que parece salida de una película navideña, aunque no necesita nieve ni luces blancas para resultar pintoresca.¿Por qué Galena fue elegida como una joya escondida?La revista Travel + Leisure distinguió en mayo a Galena como una "joya escondida subestimada" dentro de su selección de los 20 pueblos más hermosos de Estados Unidos. El listado contempló localidades con menos de 20.000 habitantes ubicadas en diferentes regiones del país norteamericano.La publicación comparó su apariencia con la de una película navideña de Hallmark. Sin embargo, destacó que Galena conserva su atractivo durante todas las estaciones y no depende del paisaje nevado ni de la decoración de fin de año.La histórica Main Street, cuyos orígenes se remontan al siglo XIX, concentra más de 125 tiendas, restaurantes, posadas y alojamientos tipo bed and breakfast. La mayoría pertenece a propietarios independientes, por lo que las grandes cadenas y franquicias tienen una presencia limitada.Fuera del área urbana existen senderos de caminata y ciclismo con vistas de elevados acantilados. La ciudad de Galena afirma que su arquitectura, sus colinas y las oportunidades recreativas disponibles durante todo el año atraen a casi un millón de visitantes anuales.La región no glaciada de Illinois que conserva colinas, valles y acantiladosGalena se encuentra en una zona no glaciada del noroeste de Illinois. Los glaciares que aplanaron gran parte de América del Norte durante la Edad de Hielo no llegaron a esa región ni a las áreas inmediatas situadas al norte y al oeste.Esta particularidad permitió que las colinas, los valles y los acantilados del área del río Mississippi conservaran su forma. El paisaje resultante es considerado uno de los más pintorescos del Medio Oeste.Casi el 62% de los edificios de Galena se encuentra dentro de un distrito incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos. La preservación de esas construcciones y del entorno natural alimenta la imagen de una ciudad detenida en el tiempo.La historia minera de Galena y el auge del plomo junto al MississippiEl gobierno municipal relata que los pueblos sac y fox fueron los primeros en explotar los depósitos de plomo de la región. A finales del siglo XVII, los franceses instalaron puestos comerciales, mientras que el Congreso de Estados Unidos estableció el Distrito Minero de Plomo del Alto Mississippi a comienzos del siglo XIX.La actividad minera impulsó el nacimiento de Galena, que se organizó como pueblo en 1826. Su nombre deriva del término técnico utilizado para designar el sulfuro de plomo.La John Dowling House se construyó ese mismo año. El edificio permanece en el distrito histórico del centro y está abierto a los visitantes. La población creció con la llegada de buscadores que recibieron permisos para ocupar temporalmente terrenos y extraer el mineral. Luego, el acceso al río Mississippi a través del río Galena favoreció la expansión económica. Durante la década de 1850, la localidad tuvo el puerto más activo entre St. Paul y St. Louis, con hasta 15 barcos de vapor atracados al mismo tiempo en Water Street.En 1845, Galena envió una cifra récord de 54.494.850 libras de plomo, equivalentes a unos 24,7 millones de kilogramos. Durante su período de mayor crecimiento, la población alcanzó los 14.000 habitantes y el ramal del Illinois Central Railroad conectó la ciudad con Freeport.La prosperidad permitió construir el DeSoto House Hotel, que todavía funciona como alojamiento, además de iglesias, bancos y establecimientos comerciales. También se levantaron mansiones y residencias señoriales en Prospect Street y en el sector este de Galena. Gran parte de ese patrimonio arquitectónico permanece en la actualidad.Cómo Galena preservó su arquitectura del siglo XIX y se convirtió en destino turísticoLa decadencia de la industria del plomo y el comienzo de la fiebre del oro de California provocaron una disminución de la población. El sitio oficial de la Ciudad de Galena indica una población actual aproximada de 3600 habitantes.Pese a esa reducción, la ciudad conservó sus edificios, residencias históricas y paisajes. Esa preservación explica que reciba el apodo de "el pueblo que el tiempo olvidó".La combinación de arquitectura del siglo XIX, establecimientos independientes y actividades al aire libre sostiene su propuesta turística durante las cuatro estaciones.

El Avatar llegó a streaming: dónde ver la película que trae de regreso a Aang, el último maestro aire

La nueva producción recupera al Equipo Avatar como adultos y recibió críticas iniciales positivas antes de su estreno digital

Qué ver en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar este fin de semana del 25 y 26 de julio

Como cada viernes, Netflix ya tiene seleccionada una lista con las mejores películas y series para disfrutar durante el fin de semana desde la comodidad del hogar. Después de los compromisos laborales, uno de los planes más elegidos es 'maratonear' y deleitarse con las producciones destacadas de la reconocida plataforma de streaming.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix1. GIGN: Unidad de élite (2026)Acción/Suspenso. Tras un ataque sin precedentes contra su unidad, un agente de alto rango a punto de retirarse lidera una peligrosa misión que le obliga a enfrentarse a su pasado. Duración: seis episodios. Ver GIGN: Unidad de élite. 2. El otro padre (2026)Drama/Maternidad. Una médica que busca un donante de riñón para salvar la vida de su hija descubre una relación secreta y una prueba de ADN que podrían destrozar a dos familias. Duración: diez episodios. Ver El otro padre.3. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.4. El mapa de los anhelos (2026)Drama/Romance. Tras perder a su hermana Lucy por leucemia, Greta encuentra un juego que Lucy creó llamado "El mapa de los anhelos". A través de este viaje y el encuentro con Will, ella aprende a procesar el dolor causado por la pérdida. Duración: seis episodios. Ver El mapa de los anhelos.5. Valle Salvaje 4 (2026)Drama/Época. Rosalía revela que le robaron a su hija al nacer, lo que desata una búsqueda de secretos del pasado. Mientras tanto, Mercedes y Victoria se ven obligadas a aliarse contra el peligroso y manipulador Dámaso. La Casa Pequeña se llena de tensión con la sospechosa llegada de Nicolás, quien es descubierto buscando algo oculto en el lugar. Todo esto ocurre mientras los enredos amorosos y las ambiciones económicas terminan de poner al valle patas arriba. Duración: cinco episodios. Ver Valle Salvaje 4.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Elize: Sombras de una mujer (2026)Suspenso/Crimen. Una antigua escort trata de ignorar las infidelidades de su rico marido. Pero esa traición envenena su matrimonio. Duración: 1 h 33 min. Ver Elize: Sombras de una mujer.2. Deseo (2026)Suspenso/Drama. Lucero, una exitosa abogada, lo tiene todo: una vida lujosa, un marido devoto y dos hijos perfectos. Pero en el fondo esconde una profunda insatisfacción, un vacío que la empuja a buscar riesgo y pasión. Cuando Matías, un joven y atractivo entrenador de natación contratado por su marido, irrumpe en sus vidas, Lucero se ve envuelta en una relación arriesgada y absorbente. A medida que el secretismo, el deseo y los celos se apoderan de ellos, los límites familiares comienzan a desmoronarse, atrapando a madre e hija en un peligroso triángulo emocional que amenaza con destruir todo lo que Lucero construyó. Duración: 1 h 39 min. Ver Deseo.3. El cobrador de deudas (2026)Acción/Aventura. Atormentado por los errores del pasado y un diagnóstico terminal, un excobrador de deudas regresa al mundo del hampa para proteger a las víctimas de una organización violenta. Duración: 2 h 14 min. Ver El cobrador de deudas.El cobrador de deudas, tráiler4. 23.000 vidas (2026)Basada en hechos reales/Drama. Un grupo de jóvenes se embarca en el Mediterráneo para salvar las vidas de refugiados; una misión que pone en duda sus ideales acerca de la ley y la justicia. Duración: 2 h 53 min. Ver 23.000 vidas.5. Una tóxica historia de amor (2026)Documental/True crime. Unos correos amenazantes derivan en una venganza donde se ven envueltos un agente federal de EE. UU. recién casado y su ex. Duración: 1 h 30 min. Ver Una tóxica historia de amor.