película
Los psicólogos coinciden: volver a ver películas o series que ya vimos está relacionado con la búsqueda del bienestar
¿Quién no vio una película o serie más de una vez? Más allá de que esto ocurre con las producciones que encabezan la lista de nuestras preferidas, los especialistas señalan que detrás de esta conducta existe un mecanismo psicológico profundo relacionado con el bienestar y el manejo del estrés. En la era del streaming, donde las opciones son infinitas, el acto de volver a ver contenidos conocidos parece una contradicción. Sin embargo, la ciencia demuestra que esta práctica ofrece beneficios psicológicos específicos que la novedad no logra sustituir.Un estudio clave publicado por Cristel Antonia Russell y Sidney J. Levy en el Journal of Consumer Research analiza el fenómeno del "reconsumo" de medios. Los investigadores descubrieron que volver a ver una película no es una simple repetición pasiva, sino una experiencia hedónica y reparadora. Según el análisis, las personas reobservan producciones para controlar sus emociones, procesar momentos de transición personal y reconectar con su propia identidad.La previsibilidad de una trama ya conocida otorga un refugio mental inmediato. Cuando atravesamos períodos de fatiga o ansiedad, el cerebro busca minimizar el esfuerzo cognitivo. Una historia nueva exige atención constante, procesamiento continuo de datos e incertidumbre sobre el destino de los personajes. En cambio, una serie familiar elimina la carga mental del suspenso. Sabemos exactamente qué ocurre en cada escena, cuándo llega el conflicto y cómo se resuelve, lo cual genera una sensación de seguridad y absoluto control en un entorno cotidiano a menudo impredecible.Este efecto se conecta directamente con la regulación emocional y la fisiología del descanso. La psicología indica que la familiaridad produce comodidad y reduce significativamente los niveles de cortisol, la hormona asociada al estrés. El espectador sabe de antemano qué emociones va a experimentar y en qué momento preciso van a surgir. Por ende, la elección de un contenido conocido funciona como una herramienta activa de autorregulación: si alguien necesita reír, llorar o sentirse tranquilo, recurre a una producción que garantiza ese resultado de manera inmediata y sin sorpresas desagradables.Por otro lado, la nostalgia desempeña un rol fundamental en la construcción del bienestar psicológico. Las obras audiovisuales actúan como anclas temporales que nos vinculan con etapas específicas del pasado. Al revisar una serie favorita, la persona no solo reconecta con la ficción en sí, sino también con el estado psicoemocional que tenía durante el primer momento en el que reprodujo la ficción. Este viaje al pasado fortalece el sentido de continuidad personal, consolida la autoestima y brinda un espacio seguro de reconexión con valores, vínculos afectivos o momentos felices de la vida. A diferencia del desgaste habitual que genera la repetición de otros estímulos, las producciones artísticas retienen su valor psicológico a lo largo del tiempo. Aunque la trama permanezca idéntica, el espectador cambia con los años. Al regresar a una historia en una etapa vital distinta, la persona descubre nuevos matices, reinterpreta los diálogos, identifica detalles inadvertidos y resignifica el mensaje original según su realidad actual. Así, la reobservación audiovisual se consolida no como una pérdida de tiempo, sino como un hábito saludable, profundamente rico en significado y fundamental para preservar el equilibrio mental.
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Qué ver en Netflix: las mejores series y películas para disfrutar este fin de semana largo
En medio de un nuevo fin de semana largo por la conmemoración del Paso a la Inmortalidad del General José de San Martín, muchas personas aprovecharán el sábado, domingo y lunes para descansar y ponerse al día con el abanico de posibilidades que ofrecen las plataformas de streaming. Entre las más solicitadas, se encuentra Netflix, la cual ya tiene listo el ranking de las series y películas más vistas por los suscriptores de Argentina para que, a la hora de elegir, no sea tan tediosa la búsqueda.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. La última casa (2026)Ciencia ficción/Terror. En una situación inexplicable, una familia se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa. Duración: 1 h 52 min. Ver La última casa.2. Nando entre dos mundos (2026)Drama/Crimen. Atrapado entre la vida familiar y sus obligaciones con el mundo del crimen, Nando se enfrenta a una elección imposible sobre a quién debe su verdadera lealtad. Duración: 1 h 49 min. Ver Nando entre dos mundos.3. Un hijo propio (2026)Drama/Maternidad. Alejandra finge un embarazo por la presión de su madre y la sociedad. La mentira se convierte en una farsa elaborada que dura meses y abarca todas sus relaciones, dejándola atrapada en un engaño de su propia creación. Duración: 1 h 36 min. Ver Un hijo propio.4. La era de la extinción (2015)Terror/Ciencia ficción. Nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en zombis, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en Harmony. Sin embargo, la calma se verá truncada cuando las sanguinarias criaturas regresen. Duración: 1 h 53 min. Ver La era de la extinción.5. Charlie y la fábrica de chocolate (2005)Infantil/Fantasía. Un niño pobre y cuatro jovencitos ricos ganan un paseo a la increíble empresa de un raro fabricante de dulces. Duración: 1 h 55 min. Ver la Charlie y la fábrica de chocolate.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Mi vida con los chicos Walter, temporada 3 (2026)Romance/Drama adolescente. Ante la recuperación familiar tras la grave crisis de salud de George, los protagonistas enfrentan nuevos retos personales y dilemas románticos. Duración: diez episodios. Ver Mi vida con los chicos Walter, temporada 3.2. Mi brillante carrera (2026)Drama/Romance. En la Australia de 1900, una obstinada joven campesina sueña con escribir, mientras las expectativas sociales y familiares chocan con su feroz deseo de independencia y libertad creativa. Duración: seis episodios. Ver Mi brillante carrera.3. Acaramelados (2026)Romance/Comedia. Una fiscal ambiciosa pierde la memoria y termina conviviendo con un entrenador de boxeo que asegura ser su novio. ¿Puede el amor verdadero nacer de una mentira? Duración: diez episodios. Ver Acaramelados.4. Moria (2026)Biográfico. Serie que recorre distintas etapas de la vida â??pasado, presente e incluso futuroâ?? de la legendaria vedette argentina Moria Casán, mostrando cómo se construyó su figura como ícono cultural. Duración: ocho episodios. Ver Moria.5. Operación Safed Sagar: La misión más alta de la Fuerza Aérea India (2026)Política/Drama. Un escuadrón de pilotos de la Fuerza Aérea se esfuerza por superar diversos desafíos y llevar sus límites al máximo para lograr el éxito en una misión peligrosa. Duración: seis episodios. Ver Operación Safed Sagar: La misión más alta de la Fuerza Aérea India.
Lilly Wachowski asegura que Hollywood le cierra las puertas a su nueva película por tener un "elenco trans"
La cineasta detrás de 'The Matrix' busca US$10 millones para producir 'The Hunted', un proyecto que conecta con la situación de las personas transgénero
De Toy Story 5 a Spider-Man, un nuevo día: las películas que están en cartelera para ver con los más chicos el Día del Niño
Este fin de semana largo ofrece una buena oportunidad para cortar con la rutina y aprovechar el tiempo libre en familia. El feriado nacional por el Paso a la Inmortalidad del General Don José de San Martín cae el lunes, por lo que habrá tres días para organizar distintos planes. Además, el domingo 16 se celebra el Día del Niño, una fecha ideal para compartir actividades con los más chicos. Entre las opciones para disfrutar juntos aparecen tres películas que forman parte de la cartelera de los cines.El cine siempre es una buena alternativa para compartir un rato con los más chicos, especialmente durante un fin de semana largo en el que hay más tiempo para organizar actividades en familia. En este caso, la cartelera ofrece tres opciones diferentes para elegir, con propuestas pensadas para distintos gustos y edades:1. Toy Story 5Tráiler de Toy Story 5La pandilla de Toy Story regresa a la pantalla grande con una nueva aventura en la que deberá enfrentarse a un desafío muy actual: el vínculo de los chicos con las pantallas y la tecnología. La historia vuelve a centrarse en Bonnie, que ahora tiene ocho años y recibe un nuevo dispositivo que rápidamente se convierte en el centro de su atención. A medida que la niña se entusiasma cada vez más con el mundo digital, sus juguetes comienzan a quedar relegados.Ante esta situación, Jessie toma el liderazgo y decide recurrir a Woody, que vuelve a encontrarse con Buzz Lightyear para intentar ayudar a la niña y recuperar su lugar. La película combina así el humor y la aventura característicos de la saga con un tema cercano a las familias actuales, mientras los personajes atraviesan distintos desafíos que los llevan a reencontrarse con parte de su pasado.2. Spider-Man: Un nuevo díaSpider-Man: Brand New Day | Tráiler finalLa nueva película de Spider-Man llegó a los cines con Tom Holland nuevamente en el papel de Peter Parker. La historia retoma al personaje después de los acontecimientos de la entrega anterior, cuando tomó una decisión extrema para proteger al mundo y terminó perdiendo los vínculos más importantes de su vida. Desde entonces, el joven héroe quedó prácticamente solo y debe afrontar las consecuencias de aquella elección.En esta nueva etapa, Peter continúa recorriendo las calles como Spider-Man y enfrenta a distintos peligros mientras intenta reconstruir su vida. Sin embargo, una nueva amenaza comienza a generar comportamientos extraños y confusión entre las personas, lo que obliga al protagonista a descubrir qué está ocurriendo y encontrar la manera de detenerlo. La película combina acción, aventura y el costado más personal del personaje, sin perder el tono característico de la saga.A tener en cuenta: Spider-Man: Un nuevo día tiene una clasificación equivalente a PG-13, por lo que está recomendada para mayores de 13 años debido a la intensidad de sus escenas de acción, la violencia propia del género de superhéroes y el uso de lenguaje moderado.3. PAW Patrol: La Dino PelículaLos cachorros de PAW Patrol se embarcan en una nueva misión que los llevará a un escenario completamente diferente. Después de una tormenta, la patrulla termina en una misteriosa isla habitada por dinosaurios y deberá adaptarse rápidamente a un entorno lleno de peligros y sorpresas.Para enfrentar el desafío cuentan con la ayuda de Rex, un cachorro especializado en dinosaurios. Juntos deberán impedir que los planes del alcalde Humdinger provoquen una catástrofe: su actividad minera despierta un volcán que amenaza con poner en peligro a toda la isla. Con aventura, dinosaurios y trabajo en equipo, la película propone una nueva historia para los más chicos.
"El Hombre Gris", la película de Netflix que reunió a Ryan Gosling y Chris Evans para ver el fin de semana largo
La película no sólo destaca por sus secuencias de combate y explosiones alrededor del globo, sino por la presencia de dos de las estrellas más codiciadas del ámbito cinematográfico en su elenco. Leer más
Las mejores series y películas para ver este fin de semana largo
De la ficción sobre Moria Casán a la cuarta temporada de Ted Lasso, pasando por Godzilla y el Oscarizado Another Round: las propuestas para armar una maratón frente a la pantalla. Series, películas, clásicos y estrenos para disfrutar durante el fin de semana largo, con propuestas disponibles en Netflix, Apple TV+, Prime Video y MUBI. Leer más
La película que Matthew McConaughey casi no hizo y que terminó convirtiéndose en la más rentable de su carrera
Aunque después protagonizó grandes dramas y ganó un Oscar, ninguna de sus películas le trae tantos ingresos residuales como esta recordada comedia
"Bandits": la olvidada película de robos con Bruce Willis y Billy Bob Thornton que vale la pena volver a ver
Dirigida por Barry Levinson y estrenada en 2001, la comedia criminal reunió a Bruce Willis, Billy Bob Thornton y Cate Blanchett en una original historia de atracos, romance y fama mediática que conserva su vigencia más de dos décadas después. Leer más
Lo más visto en Netflix México: las 10 películas más exitosas del momento, con "La última casa" a la cabeza
Netflix actualiza cada semana el listado de las mejores películas en México.Hay un amplio catálogo de historias para maratonear, entre estrenos recientes y clásicos de siempre.
Lo más visto en Netflix Panamá: las 10 películas más exitosas del momento, con "La última casa" a la cabeza
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Lo más visto en Netflix Perú: las 10 películas más exitosas del momento, con "La última casa" a la cabeza
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Lo más visto en Netflix Paraguay: las 10 películas más exitosas del momento, con "La última casa" a la cabeza
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Lo más visto en Netflix Estados Unidos: las 10 películas más exitosas del momento, con "La última casa" a la cabeza
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La película de Andrew Patterson tiene como protagonista al actor estadounidense, que interpreta a un apicultor y músico de una comunidad rural de Oklahoma. El elenco también incluye a Kurt Russell y a Angelina LookingGlass, en su debut cinematográfico. Leer más
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De acuerdo con la IBERO este resurgimiento del interés por los relatos antiguos representa una oportunidad para renovar el diálogo sobre los retos sociales que enfrenta México y el mundo
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Yo, Narciso: una película "a medida" de Adrián Suar que entretiene pero podría haber sido más
Yo, Narciso (Argentina/2026). Dirección: Adrián Suar. Guion: Pablo Solarz, Adrián Suar. Fotografía: Guillermo Nieto. Música: Nicolás Sorín. Edición: Florencia Efrón. Elenco: Adrián Suar, Natalia Oreiro, Sofi Morandi, Julieta Zylberberg, Mariano Saborido, Camila Peralta, Eleonora Wexler, Fernanda Metilli, Moria Casán, Jessica Abouchain, Andy Chango, Patricia Viggiano. Duración: 95 minutos. Calificación: G - Audiencia general. Distribuidora: Walt Disney Company. Nuestra opinión: buena.3 starsCuando se habla de una película de Adrián Suar, suele describirse como "un producto hecho a su medida". La valoración posterior dependerá si uno se sitúa en la verdad de los detractores o de los entusiastas. Para poner la cuestión en blanco sobre negro desde el principio, quien escribe se coloca en el segundo de los grupos: con el correr de los años, y el rodar televisivo, cinematográfico y teatral, el actor aprendió qué cuerdas precisas tocar para afinar al detalle su impronta humorística. El resultado: es uno de los más dotados actores de comedia de su generación, cualidad muchas veces despreciada por quienes reniegan de su sello popular.Presentada la aclaración, y retomando el concepto de que Yo, Narciso es "una película hecha a su medida", es importante señalar que la valoración no alcanza para colocar su tercer trabajo como director (luego de 30 noches con mi ex y Mazel Tov) al nivel de sus predecesoras. Por el contrario, el film en el que recupera dupla con Natalia Oreiro al mejor estilo de Solamente vos, trastabilla y en varios momentos cae en una trampa nostálgica y banal que él mismo construyó a su alrededor.Máximo Rey (Suar) es cirujano plástico y el arquetipo del vanidoso. Un auténtico "Narciso", adjetivo hoy en desuso, que remite al homónimo personaje de la mitología griega, que se amaba a sí mismo por sobre todas las cosas. Esta condición lo convierte en el objeto de estudio ideal para la socióloga y docente Rocío Flores (Oreiro), quien investiga sobre el tema para un libro. En pos de acercarse a él, para conocer sus secretos, la chica lo seduce haciéndose pasar por una paciente. Sin advertir lo que sucede, Max se enamora (como en el mito, de su reflejo), con las consecuencias imaginables para una comedia romántica de este estilo.Luego no hay mucho más que decir. La dupla protagónica juega de memoria, y transmite un enorme oficio y talento para la comedia, de la primera a la última escena. Acompaña un elenco repleto de figuras, cuya presencia funciona como puente entre los personajes principales, sea para reafirmar lo ya visto, o para lanzar a la historia un pasito hacia adelante. Del grupo, se desmarca a fuerza de matices Camila Peralta, y de naturalidad, Sofía Morandi. Jugando en otra liga aparece Moria Casán -haciendo de Moria Casán pero con otro nombre- desplegando toda su desmesura e impronta. Luego de verla, no hay manera de imaginar otra actriz mejor para interpretar a la madre de un narcisista.Pero no todo es alegría. Lo que llama la atención de Yo, Narciso es la debilidad del guion, puesto que lleva la firma de Pablo Solarz, hombre avezado en esas lides, y del propio Adrián Suar. Fuera del mito ya mencionado, no hay un trabajo muy exhaustivo en situaciones y personajes secundarios, más allá de dotarlos de las condiciones necesarias para que la historia se retuerza las veces que sean necesarias. Subtramas como la relación entre Sofi Morandi y Natalia Oreiro, o el vínculo de esta con Julieta Zylberberg, incluso el de Rey y su madre, todas están apenas delineadas, y casi siempre en función del gag. Es cierto que, de otro modo, la historia habría perdido el tono pasatista evidentemente buscado, pero tal vez habría ganado en profundidad e ido más allá del tópico. Quizás no era una mala idea.También, y en otra decisión que restó -esta vez responsabilidad del director-, el ritmo de su primera mitad es algo lento, con una cámara que apenas se mueve y exceso de plano y contraplano. El contraste con la actuación de Suar, siempre efervescente, movediza y de réplica rápida, se hace notar. El asunto se acomoda promediando el metraje.Yo, Narciso daba para más. Tenía una materia prima que podía trascender, aunque fuera un poco, su estilo ligero. Aun así funciona, saca más de una sonrisa y reafirma su concepto basal: "Una película hecha a la medida de Adrián Suar".
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Era para promocionar su nueva producción "The Last House".El inquilino fue visto aparentemente perdido y agotado.
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La historia detrás de la película independiente que marcó el regreso de Matthew McConaughey a la actuación después de cinco años
En una entrevista con The Hollywood Reporter, el intérprete de 56 años contó cómo fue el proceso que lo llevó a involucrarse en esta producción y qué aspectos del proyecto despertaron su interés, luego de cinco años alejado de los rodajes
Funciones gratis por el Día del Cine Mexicano en CDMX: sedes, películas y horarios
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De empleada de Blockbuster a Broadway y una película con Spielberg: la impresionante trayectoria de Lena Waithe
La escritora y productora repasó su carrera en el pódcast Good Hang with Amy Poehler, donde también habló de su Emmy histórico, sus años en los videoclubs y su rol como coproductora de Cats: The Jellicle Ball
La película "Los Creyentes" protagonizada por José Coronado lleva 13 millones reproducciones en Netflix
El film español logró posicionarse en el Top 10 en decenas de países. Las trama aborda temas contemporáneos como las teorías de conspiración y el quiebre de las relaciones familiares en la era de las "fake news". Leer más
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Reencuentros, perlitas y romance: cumbre de famosos en el preestreno de Yo, Narciso, la película de Adrián Suar y Natalia Oreiro
Cine gratis en el Centro Cultural de San Marcos: ciclo cinematográfico dedicado a María Félix proyectará tres películas de la actriz mexicana
La programación permitirá recorrer los primeros años de la trayectoria de la artista, desde su debut cinematográfico hasta uno de sus papeles más reconocidos
'Spider-Man: Brand New Day' se convierte en la película de Hollywood más taquillera en India
La producción también había establecido el mayor estreno para una película de Hollywood no india en la historia de la taquilla del país
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Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.
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En diálogo con The Hollywood Reporter, el actor canadiense habló sobre su regreso al universo de Marvel, el reencuentro con el elenco y las escenas de acción que marcaron su participación en la nueva producción
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Ranking: todas las películas de Christopher Nolan, director de La Odisea, ordenadas de la peor a la mejor
En la actualidad, Christopher Nolan ocupa un lugar de privilegio, porque se trata de uno de los últimos directores cuyo nombre alcanza para vender entradas. La ambición de sus proyectos y el entusiasmo del público, hicieron de este realizador una figura de gran popularidad que, desde luego, cosecha tantos elogios como también críticas desfavorables. Y frente al éxito comercial de La Odisea, su decimotercera película, este es un buen momento para repasar toda su filmografía, yendo de sus piezas menos logradas hasta sus obras maestras, en un ranking absolutamente subjetivo. 13. Following (1998)El debut cinematográfico de Nolan no es necesariamente su peor película, pero el presupuesto casi ínfimo (apenas 6000 dólares) y la evidente falta de recursos, la coloca en desventaja frente a los monstruos presupuestarios que el director desarrollaría en el futuro. En Following, el realizador pone en marcha un pequeño relato sobre un escritor aficionado al arte de seguir gente, quien termina por establecer una relación con un ladrón, que llevará al protagonista a una vida delictiva de muy poca monta. Following es la primera muestra de un realizador que ya en ese momento demostraba una obsesión por el control total, y que aquí jugaba tímidamente con las líneas de tiempo cruzadas, las identidades confusas y el profesionalismo de sus personajes, todos temas que pronto se harían habituales en su obra. 12. El origen (2010)Ya instalado como un nombre fuerte dentro de la industria, y antes de terminar su trilogía gótica, Nolan dirigió este mamotreto pretencioso, de presuntas inspiraciones borgeanas, con un Leonardo Di Caprio al frente de una banda de ladrones que entran en el inconsciente de sus víctimas para sustraer información o inocular ideas. Esa premisa, que podría dar pie a un relato experimental sobre los universos oníricos, se transformó en la excusa para montar abarrotadas secuencias de acción, con personajes que explican mil veces las mismas ideas desconfiando del poder de comprensión del espectador. Quizá aquí se encuentra el peor Nolan, el que se enamora demasiado de sus ideas por sobre la evolución de sus protagonistas. 11. El gran truco (2006)Puede que este sea el film más alienígena en la obra de Nolan, por su temática, por las características de sus protagonistas (¿una rivalidad entre magos? ¡Volvé al policial Christopher!), o porque en buena medida, todo el relato queda supeditado a la vuelta de tuerca de su final. Pero lejos de otras piezas maravillosas de conclusión inesperada (como Nueve reinas), El gran truco no resiste muchos visionados, porque sabiendo su final el chiste pierde toda su gracia. Eso sí, este film gana puntos con la inclusión de David Bowie en la piel de Nikola Tesla, un hallazgo absoluto. 10. Noches blancas (2002)En una etapa temprana de su carrera, Nolan dirigió esta remake de un film noruego, con el protagónico de Al Pacino y Robin Williams. Se trata de un modesto thriller psicológico, que le permitió al realizador mostrar su talento al frente de un proyecto que contaba con dos grandes estrellas de Hollywood. Aquí Pacino compone a un policía que en el transcurso de una investigación en Alaska, comete un error que lo lleva a ser extorsionado por un retorcido testigo del episodio. A pesar de sus buenos resultados, este no es ni de cerca el mejor policial de Nolan, y quizá su mayor debilidad sea tener a su director algo encorsetado frente a la exigencia de entregar un film taquillero (que lo fue, casi triplicó en ganancias al presupuesto). 9. Oppenheimer (2023)Quizá el mayor vicio de este relato, es que corrió con evidente desesperación detrás del PRESTIGIO (así con mayúsculas), y vaya si lo consiguió. La biopic basada en el trabajo de Robert Oppenheimer, se convirtió en un film cargado de solemnidad, frases pomposas y actuaciones que aspiraron a cuanto premio hubiera por ahí. Acá la historia va y viene, salta en el tiempo y se convierte en el Quién es quién de personajes históricos, en el marco de una trama en la que cuesta encontrar el corazón de Nolan, esa emotividad y desparpajo que tanto bien le suele hacer a su cine. Pero nada de eso, porque Oppenheimer resulta demasiado medida, demasiado craneal, demasiado cronometrada. Claro, el largometraje no deja de ser bueno, aunque peque de frío. 8. Batman: El caballero de la noche asciende (2012)En el mismo año que Marvel Studios detonó la taquilla con Los Vengadores, Warrner Bros. salió a la cancha con la ambiciosa conclusión del ya legendario Batman de Nolan. Para la tercera entrega, el director tomó una decisión que suele ser peligrosa para las películas de supehéroes, y es incorporar demasiados personajes. De esa manera, aquí aparecen Bane, Gatúbela, Thalia Al Gul y un policía que funciona como una suerte de Robin. Y aunque Nolan supera la prueba, y entrega varias secuencias cinematográficas perfectas (ese inicio entre dos aviones aún hoy corta la respiración), el abarrotamiento de protagonistas la lleva a no a ser la peor, pero sí la menos prolija de sus tres películas de Batman. 7. Tenet (2020)Como una especie de El origen 2.0, Tenet también busca una excusa rebuscada (aquí la capacidad de revertir el tiempo) para poner en marcha un puñado de secuencias de acción terriblemente vistosas. Pero a diferencia del film con Di Caprio, acá Nolan parece dispuesto a divertirse con su idea, con personajes sumergidos en una trama de espionaje tan absurda como eficaz. Quienes supieron disfrutar de Tenet se encontraron con una película de acción fresca y con ideas visuales que compensan por mucho los baches de guion, en un proyecto que el propio Nolan reconoció alguna vez es su propia versión de un universo a la James Bond. 6. Batman inicia (2005)Luego del papelón de Batman y Robin, en Warner decidieron darle un respiro a los largometrajes del murciélago. Pero cuando la productora consideró que era tiempo de reiniciar la franquicia, rápidamente apareció Nolan en el mapa, un director muy amigo de los policiales, que tenía en mente una nueva forma de representar a Bruce Wayne. Para Nolan, la saga de Batman debía transcurrir en un mundo más "realista", anclado en el género policial más que en los villanos estrafalarios. De ese modo, el realizador buscó un ángulo más íntimo, que indagara en las grietas de Bruce para así resignificar su cruzada heroica. Y en ese camino Nolan logró lo impensado: apropiarse del mito del murciélago, darle una impronta renovada y dirigir una pieza sobre un viaje iniciático que le devolvió a las adaptaciones de Batman un esplendor renovado. 5. Dunkerque (2017)Una nota al pie en la vasta historia de la Segunda Guerra Mundial (la evacuación de 400.000 soldados franceses ante el asedio nazi), se convierte en un relato fascinante de resistencia. Protagonismos colectivos, poco diálogo y una duración menor a las dos horas, le alcanza al realizador para proponer un cuento bélico en el que no intentó inventar la pólvora, sino jugar con fórmulas y estructuras ya establecidas. No cuesta pensar en John Wayne o Lee Marvin en un film como Dunkerque, y ese ejercicio es el que revela la magia clasicista de este poderoso largometraje 4. Memento (2000)Un truco adentro de otro truco, una trama que va hacia adelante para revelar los conflictos del pasado, con un hombre que no entiende su presente y no sabe cómo revelar su futuro. En su segunda película, Nolan demuestra un soberbio control de la narrativa cinematográfica, para contar una saga de venganza llevada a cabo por un protagonista amnésico, incapaz ni siquiera de confiar en sí mismo. Memento evidencia de manera temprana, varios de los elementos que Nolan iba a pulir con precisión en futuros trabajos. Quizá porque se trataba de su primera película de mayor presupuesto, y porque del éxito de este título dependía la proyección de su carrera, es que aquí el director se contuvo y achicó la trama a unos pocos personajes, aunque todos de un desarrollo claro y consistente. Y por ese motivo es que al día de hoy, Memento no deja de ser una de las mejores piezas de su amplia filmografía. 3. La Odisea (2026)Que si Nolan es fiel al texto original, que si la película respeta la representación tradicional de sus personajes y otras tantas discusiones estériles no le hicieron ni sombra al coloso cinematográfico que es La Odisea, con facilidad, una de las mejores producciones de 2026. Luego de coquetear con varios de los temas claves de este relato (el exilio forzoso, la culpa por las acciones en el marco de una guerra, o la importancia de la familia como nido emocional), Nolan dirigió un film soberbio que combina aventura, horror y drama, y que gira alrededor del tormento de un hombre sometido al capricho de sus dioses. Pero con tenacidad, Odiseo modifica su propio destino, como ya lo habían hecho otros héroes nolanianos. La Odisea es la obra firme de un autor, de un director capaz de apropiarse de mundos ajenos, desentendiéndose de los aspectos pretendidamente sagrados de la obra original, para contar aquello que verdaderamente le interesa, y que tiene que ver con el tormento físico y emocional de un guerrero desterrado y alejado de su familia. Y como si todo eso fuera poco, La Odisea también es una reivindicación del cine como experiencia artística y social, en un ecosistema de plataformas que nos quieren convencer de que ver una película en el sillón es lo mismo que verla en una pantalla, como este mismo periplo, bigger than life. 2. Interestelar (2014)Luego de ocho películas de héroes taciturnos, que elegían sufrir en soledad o ignorar sus sentimientos, aparece un piloto espacial que no puede evitar romper en llanto frente a las imágenes de su hija. Por primera vez, Nolan sintió que había alcanzado la madurez que requería filmar la fragilidad humana, y entregó un relato profundamente emotivo sobre el amor filial. Porque si bien Interestelar es un catálogo de prodigios visuales asombrosos, antes que eso es la historia de un padre que dedica su vida a buscarle un mundo mejor a su hija. Acá no hay ideas rebuscadas ni escenas de acción estilizadas, sino la misión de un astronauta que como Odiseo, lleva adelante una épica solitaria con el reencuentro con su familia como único horizonte posible. Nolan hace de la emoción su bandera, y logra así una obra maestra insoslayable. 1. Batman: el caballero de la noche (2008)A casi veinte años de su estreno, El caballero de la noche no deja de ser uno de los policiales clave del siglo XXI. Para su segunda incursión en Gotham, Nolan eligió homenajear a Fuego contra fuego, y la reversionó a partir de la histórica rivalidad entre Batman y el Joker. El director plantea un juego de espejos con un villano que tiene como único objetivo quebrar psicológicamente al encapotado, y demostrarle que cualquier hombre es susceptible de ser corrompido. Nolan ubica sobre el tablero a dos verdadero profesionales, cuya única motivación es cumplir con su trabajo. Y mientras Batman sufre el peso de la capa, sueña con una vida normal y aspira a encontrar un sucesor político que continúe con su cruzada, el Joker disfruta la anarquía que lleva a las calles de Gotham, construyendo un paraíso de inestabilidad absoluta. Por otra parte, la muerte de Heath Ledger y el ícono popular en que se convirtió su versión del Joker, aumentaron el misticismo de un largometraje cuya relevancia traspasó por mucho el marco de las pantallas de cine.
A los 99 años: murió la actriz británica Jean Lodge, protagonista de películas como El caballero Negro
Jean Lodge, la actriz británica que interpretó a la reina Ginebra en la película de 1954 sobre el rey Arturo, El caballero negro, falleció el último miércoles, a los 99 años.Su nieta, Amy Shaughnessy, anunció su partida en redes sociales. "Jean Margaret Shaughnessy (de soltera Lodge) nos dejó hoy, un día después de cumplir 99", escribió Amy. "Falleció, como ella diría, 'en paz y tranquilidad' mientras dormía". View this post on Instagram Estuvo casada con Alfred Shaughnessy, el guionista principal de la exitosa serie británica de los años 70 Upstairs, Downstairs, desde 1948 hasta su fallecimiento en 2005. Lodge forjó una familia de artistas. Su hijo David Shaughnessy ha dirigido para Days of Our Lives, The Young and the Restless y The Bold and the Beautiful, entre otras series y es actor de doblaje, con créditos que incluyen Big Hero 6 y Star Wars Rebels.Otro de sus hijos, Charles, ha sido conocido especialmente por protagonizar, como Shane Donovan, Days of Our Lives y por haber sido Mr. Sheffield el compañero de fórmula de Fran Drescher durante los nueve años que trabajaron juntos en la comedia de situación La niñera (1993-1999).Por su parte, Lodge contó con una prolífica carrera en el cine y la televisión del Reino Unido, entre finales de la década del cuarenta y mediados de la del sesenta. Además de The Black Knight, participó en las películas White Corridors, Brandy for the Parson y, en 1961, The Hellfire Club junto a Peter Cushing. Lodge también actuó en el West End británico, durante la década de 1950.Su nieta no solo fue la encargada de dar la noticia. También se extendió en palabras para recordar a su abuela. "Amaba a sus dos hijos, Charles y David, a sus nueras, Susie y Annie, y a sus cinco nietas, Amy, Jenny, Katie, Maddy y Josie. Tuvo la dicha de tener dos bisnietos, Julian y Noa. Una matriarca siempre presente, su picardía, su terquedad, su alegría y su amor por contar historias perdurarán en su familia. En nosotros. Para siempre. La echaremos de menos. La llevaremos siempre con nosotros. La amamos con todo nuestro corazón."
Festival Internacional de Cine para Niños: arranca con películas y talleres para los más pequeños estas vacaciones
La 31ª edición arranca este sábado 8 de agosto y se extiende hasta el 23 de agosto con 64 proyecciones en 14 espacios, repartidas en tres fines de semana y solo sábados y domingos
Elon Musk sobre la crisis migratoria en España: comparó lo de Cueta con la Película Guerra Mundial Z
El líder tecnológico recordó la política migratoria de Estados Unidos durante el gobierno de Joe Biden
De "Rápido y furioso" al cine independiente: Sung Kang estrena una película sobre la comunidad del drifting
En una conversación durante la Comic-Con de San Diego, el actor contó cómo nació Drifter, una producción realizada sin apoyo de un estudio y sostenida por aficionados al automovilismo que aportaron dinero, autos, locaciones y pilotos
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Qué ver en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar este fin de semana del 8 y 9 de agosto
Después de varios días de inestabilidad climática que incluyeron altas temperaturas en una época del año poco usual, este viernes regresó el frío, lo que invita a quedarse en casa y extender la maratón de tu serie favorita o, por qué no, de empezar esa película que tenías en tu lista. A raíz de esto, te traemos el ranking de las producciones más vistas por los suscriptores de Netflix.Tomá nota, cancelá la salida o invitá a alguien para sumergirte en el mejor contenido del gigante del streaming.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Elize: Sombras de una mujer (2026)Suspenso/Crimen. Una antigua escort trata de ignorar las infidelidades de su rico marido. Pero esa traición envenena su matrimonio. Duración: 1 h 33 min. Ver Elize: Sombras de una mujer.2. Contrato para matar (2023)Acción/Suspenso. Charlie, un sicario de la mafia, pretende vengar el asesinato de todos sus compañeros por parte de una organización criminal rival. Para lograrlo, se alía con Marcie, la viuda de un hombre al que él mismo mató. Duración: 1 h 30 min. Ver Contrato para matar.3. Deseo (2026)Suspenso/Drama. Lucero, una exitosa abogada, lo tiene todo: una vida lujosa, un marido devoto y dos hijos perfectos. Pero en el fondo esconde una profunda insatisfacción, un vacío que la empuja a buscar riesgo y pasión. Cuando Matías, un joven y atractivo entrenador de natación contratado por su marido, irrumpe en sus vidas, Lucero se ve envuelta en una relación arriesgada y absorbente. A medida que el secretismo, el deseo y los celos se apoderan de ellos, los límites familiares comienzan a desmoronarse, atrapando a madre e hija en un peligroso triángulo emocional que amenaza con destruir todo lo que Lucero construyó. Duración: 1 h 39 min. Ver Deseo.4. 72 horas (2026)Comedia. Un ejecutivo de 40 años se ve incluido, por accidente, en el chat grupal de un grupo de veinteañeros que planean una despedida de soltero desenfrenada en Miami, y termina asistiendo al viaje. Duración: 1 h 45 min. Ver 72 horas.5. Kung Fu Panda 4 (2024)Comedia/Aventura. Po está entrenando a un nuevo guerrero que ocupe su lugar para que él pueda convertirse en líder espiritual del Valle de la Paz. Sin embargo, la irrupción de una malvada hechicera que puede cambiar de apariencia trastoca sus planes. Duración: 1 h 34 min. Ver Kung Fu Panda 4.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix 1. Mi vida con los chicos Walter, temporada 3 (2026)Romance/Drama adolescente. Ante la recuperación familiar tras la grave crisis de salud de George, los protagonistas enfrentan nuevos retos personales y dilemas románticos. Duración: diez episodios. Ver Mi vida con los chicos Walter, temporada 3.2. El otro padre (2026)Drama/Maternidad. Una médica que busca un donante de riñón para salvar la vida de su hija descubre una relación secreta y una prueba de ADN que podrían destrozar a dos familias. Duración: diez episodios. Ver El otro padre.3. Furioso (2026)Drama/Artes marciales. Un joven es rescatado de la muerte por un entrenador de artes marciales mixtas. Sin recordar quién es, adopta el nombre de Marcelo y encuentra un nuevo propósito en la lucha. Pero al adentrarse en este mundo, comienza a descubrir pistas sobre su enigmático pasado y se ve envuelto en una red de crímenes, secretos y disputas que trascienden los límites del octágono. Duración: seis episodios. Ver Furioso.4. Bomba en el Pan Am 103 (2025)Acción/Drama. El 21 de diciembre de 1988, el vuelo 103 de Pan Am explotó sobre la pequeña localidad escocesa de Lockerbie y acabó con la vida de 270 personas. El suceso desencadenó la mayor investigación por asesinato en la historia de la policía escocesa: la del atentado terrorista más letal perpetrado en suelo británico. Esta historia, basada en el testimonio de los que estuvieron allí, es el verdadero relato de la colaboración entre las autoridades escocesas y los cuerpos de seguridad de EE. UU., y de la lucha de las familias por la justicia. Duración: seis episodios. Ver Bomba en el Pan Am 103.5. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.
Sam Neill dejó filmadas sus escenas para la película 'The Legend of Zelda'
El actor alcanzó a rodar sus escenas, aunque su personaje todavía es secreto
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La disputa entre dos meteorólogos para definir qué día las tropas aliadas desembarcarían en Normandía.El ganador del Oscar es Eisenhower.
Engendro es una película de tesis con más conceptos que sustos
Engendro (Nightborn; Finlandia, Lituania, Francia y Reino Unido/2026). Dirección: Hanna Bergholm. Guion: Bergholm y Ilja Rautsi. Música: Eicca Toppinen. Fotografía: Pietari Peltola. Edición: Jussi Rautaniemi. Elenco: Seidi Haarla, Rupert Grint, Pamela Tola y Pirkko Saisio. Duración: 92 minutos. Nuestra opinión: buena.3 starsAcaso Ray Bradbury haya inaugurado un microgénero que podríamos llamar "baby horror" con su relato de 1946 "El pequeño asesino", acerca de un recién nacido que, como venganza por haber sido arrancado de la plenitud ingrávida del útero para ser arrojado a nuestro mundo de esfuerzo y dolor, logra matar a sus padres. Este cuento abreva en ansiedades comunes sobre la maternidad, como que el bebé no resulte exactamente lo que se espera y también empieza a desandar la narrativa de que tener un hijo es la mayor aspiración, la suma realización y máxima dicha que se puede alcanzar. Por influencia de la contracultura, ya en los años 60 películas como la perversamente cómica El bebé de Rosemary, acerca de un ama de casa que engendra al Anticristo, sugieren un contrarrelato al mandato social del embarazo como beatitud. Para David Cronenberg puede convertirse en un evento aberrante y grotesco y así lo exhibe en Cromosoma 5 (The Brood), como bien podía esperarse del padre del "body horror". Tal es el linaje del que proviene este segundo film de la realizadora finlandesa Hanna Bergholm, cuya primera película Cría siniestra (Hatching, 2022) visitaba temas similares al presentar a una familia pretendidamente perfecta que entra en crisis cuando la hija trae a la casa un huevo que eclosiona en una extraña criatura.El título local Engendro no deja demasiado lugar para la sutileza. De todos modos, la película no apuesta a crear un misterio acerca de la naturaleza de su espécimen. Desde que nace, el bebé de Jon (el exalumno de Hogwarts Rupert Grint) y Saga (Seidi Haarla) respira como si fuera Darth Vader con catarro. Su espalda cubierta de pelo y la presencia de una cola vestigial tampoco son señales muy promisorias. Sin embargo, solamente Saga parece notar las anormalidades de su hijo. Para los demás, desde su marido a sus padres, todo lo que ella percibe como aterrador es parte de las vicisitudes de ser mamá. Si cuando amamanta el bebé la muerde -claramente, porque prefiere la sangre materna antes que la leche-, su pediatra le explica que es normal. Si el engendro responde a todo con agresión, es su culpa porque le transmite sus propios temores. A caballo entre el exceso de la comedia negra (aunque con humor relativo) y la metáfora, la película nos dice que ambos tienen razón: todo lo que le sucede a Saga es normal porque lo cierto es que siempre el parto es un episodio de body horror que deforma el cuerpo de una mujer y siempre el recién nacido es un monstruo con el que hay que aprender a convivir. Lo anormal es pretender que no es así. Engendro es una amalgama de folk horror, body horror y, sí, baby horror en el que el segundo componente de las fórmulas queda un poco relegado. No hay demasiado miedo, ni sobresaltos. Algunas imágenes como el parto explosivo del comienzo y las mutaciones del cuerpo de Saga muestran un brío que, lamentablemente, no se mantiene. La película parece más interesada en exponer sus ideas que en vigorizar el relato con algo urgente o imprevisible. Al promediar el metraje, cuando ya queda claro qué sucede y dónde se dirige, la tensión se desinfla. La protagonista comienza como una especie de trad-wife que abandona su trabajo para tener tres hijos con su marido y descubre el dolor, la soledad y el espanto de esta determinación patriarcal, pero su drama no tiene mayor impacto emocional porque no sale de un personaje complicado y humano sino que existe solo como la expresión de un concepto. Esta es, ante todo, una película de tesis cuyo fundamento es establecer que la maternidad es monstruosa y que, sin embargo, las mujeres se las arreglan para sobrellevarla.
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Tras las denuncias por abuso sexual, Jared Leto quedó fuera de una importante película
Tras la publicación del documental de la BBC Jared Leto: El oscuro secreto de Hollywood, que expone una serie de denuncias por presunto abuso sexual en contra del actor, trascendió que el artista estadounidense perdió un papel clave en un thriller político de inminente realización.Según informó Page Six, la producción de la película Assassination descartó la contratación del líder de 30 Seconds to Mars debido a la repercusión de los testimonios recopilados en la investigación. Leto se encontraba en tratativas bastante avanzadas para sumarse al largometraje; tal como indicó un informante de la industria, estaba "sumamente interesado" en el proyecto y había mantenido múltiples conversaciones con el director para definir su personaje. Sin embargo, a pesar de que se trataba de "un trato prácticamente cerrado", los responsables optaron por cancelar el acuerdo conforme las acusaciones salían a la luz.La cinta, dirigida por el ganador del Oscar Barry Levinson a partir de un guion coescrito por David Mamet, cuenta con un reparto estelar encabezado por Jessica Chastain, Al Pacino, Brendan Fraser y Bryan Cranston. La trama se centra en Dorothy Kilgallen (Chastain) y plantea la hipótesis de que el asesinato de John F. Kennedy fue un golpe encargado por el capo de la mafia de Chicago, Sam Giancana, como venganza luego de que la administración presidencial iniciara una ofensiva contra el crimen organizado. La búsqueda de la verdad colocará a la periodista en un peligroso juego cruzado entre los líderes del crimen, la CIA y el FBI.El impacto sobre la carrera del actor responde a la gravedad de los testimonios expuestos tanto en la producción de la BBC como en investigaciones periodísticas previas, entre las que destaca un reportaje publicado en 2025 por el medio estadounidense Air Mail. Si bien las sospechas sobre su conducta circulaban de manera informal en Hollywood desde hacía años, las coberturas recientes le dieron un alcance internacional.El documental reúne los relatos de diez mujeres sobre episodios ocurridos entre 2002 y 2016, época en la que ellas tenían entre 16 y 18 años. Las denunciantes describen patrones de conducta que incluyen supuestos mecanismos de manipulación, acoso y abuso de poder, desarrollados principalmente durante los conciertos de su banda y en el ambiente del modelaje en Los Ángeles; de ellas, cuatro lo acusan directamente de agresión sexual. "Esto ocurrió hace 25 años y siempre se salió con la suya", apuntó una de las víctimas. De hecho, la cadena británica reportó haber contabilizado más de 120 testimonios y publicaciones en internet vinculados a comportamientos inapropiados del artista.Si bien el actor no respondió a las solicitudes de la BBC durante la realización del especial, tras el estreno rompió el silencio con un comunicado enviado a la revista People: "Nunca he agredido sexualmente a nadie en toda mi vida. Estas afirmaciones son absoluta y categóricamente falsas". Con este mensaje, Jared Leto buscó frenar el impacto de un escándalo que ya salpica de lleno su carrera en la industria, aunque por el momento las acusaciones no derivaron en procesos ni resoluciones en la Justicia.
Vicente Patrón, veterano de la Fuerza de Guerra Naval Especial, 55 años: "No es como las películas, hay gente que piensa que una misión consiste en llegar, disparar cuatro tiros y volver a casa. La realidad es que una misión puede durar unas horas, pero la preparación dura meses"
El exsoldado, quien recientemente publicó un libro en el que cuenta una arriesgada operación, se explayó sobre su experiencia de vida.Cuáles fueron sus misiones más difíciles.
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La adaptación de Christopher Nolan volvió a colocar el poema atribuido a Homero en el centro de la conversación cultural. El regreso de Odiseo, demuestra que algunos relatos sobreviven porque cada generación encuentra en ellos sus propios conflictos. Leer más
Jared Leto quedó fuera de una película tras las acusaciones de abuso sexual en su contra
La producción descartó al actor cuando las acusaciones de conducta sexual inapropiada se volvieron "imposibles de ignorar"
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ESET advierte que recurrir a servicios de streaming no oficiales puede exponer a los dispositivos y redes domésticas a virus y malware
Un robot se desmaya en plena presentación y deja una imagen de película con Qualcomm
En la feria Computex 2026, el humanoide 4NE-1 de NEURA Robotics, tuvo un rol central al entregar la placa de demostración Dragonwing IQ10
Máquina de Guerra: la película más vista de Netflix en 2026, se reprodujo 147 millones de veces
La producción no sólo conquistó los rankings globales en más de 90 países durante semanas consecutivas, sino que también se confirmó el desarrollo de una secuela. Dirigida y coescrita por el guionista australiano, Patrick Hughes, quién se destacó como director de 'El guardaespaldas del sicario' en 2017. Leer más
"Spider-Man: Un nuevo día": estos son todos los récords de taquilla que rompió la película en su histórico estreno
La producción protagonizada por Tom Holland acumuló 932 millones de dólares en todo el mundo durante su primer fin de semana y superó marcas que permanecían intactas desde 2019
Qué ver en Disney+ hoy: las 10 series y películas que lideran el ranking este martes 4 de agosto de 2026 en Argentina
Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.
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La actriz se pone en la piel de la delincuente marplatense que se convirtió en leyenda del hampa.El filme está dirigido por Lucía Puenzo y llega a los cines el 3 de septiembre.
WiFi de 2.4 GHz vs. 5 GHz: cuál elegir para ver películas en streaming sin cortes
Mientras 2,4 GHz cubre mayores distancias y atraviesa obstáculos, 5 GHz ofrece velocidades de hasta 1300 Mbps y menor interferencia
"Tengo 45 años y mi familia nunca ha sido de esas cálidas y unidas que se ven en las películas. El amor siempre ha venido con condiciones, manipulaciones emocionales y malabarismos. De pequeña, pensaba que así funcionaban las familias"
Una mujer cuenta cómo se dio cuenta y por qué se alejó de sus familiares biológicos.Da varios tips para "sobrevivir" a las reuniones familiares.
Esta noche, Demon Slayer: el Castillo Infinito, la película del anime que rompió internet y fue tendencia en cines
Tras romper récords históricos de taquilla global durante su paso por la pantalla grande, el largometraje hizo su desembarco oficial en la plataforma este 28 de julio. Conocé de qué trata la franquicia y cuándo llegará la próxima entrega a las salas. Leer más
Qué personaje es Sadie Sink en "Spider-Man: Brand New Day", la nueva película de Tom Holland
La actriz de "Stranger Things" fue una de las incorporaciones más comentadas del UCM antes del estreno de la película
Lejos de desaparecer, la plataforma de películas locales que sigue creciendo
Hace poco menos de un año, el sector cinematográfico se vio sacudido por la noticia del probable -entonces, inminente- traspaso de Cine.ar del INCAA a la Secretaría de Medios de la Presidencia de la Nación (es decir, hubiera quedado en la órbita del renunciado Manuel Adorni), lo que se veía como un paso previo a su venta o desaparición. De lo primero se habló: de privatizar el sistema que consiste en un canal de streaming y TV que aparece en los servicios de cable (Cine.ar TV), una plataforma de video on demand (Cine.Ar Play) y un portal de estrenos pagos (Cine.ar Estrenos). Después del decreto que oficializaba el traspaso, en octubre de 2025, se dio marcha atrás y quedó sin efecto. Hoy el servicio funciona como siempre. Y quizás el lector se entere no sólo de que estuvo a punto de desaparecer sino de que existe algo llamado Cine.ar porque lo está leyendo en este párrafo, lo que es una pena enorme dado que se trata de la posibilidad de acceder al mayor catálogo de cine nacional. El cine argentino se encuentra desde hace demasiado tiempo en una posición contradictoria: hay muchísimo producido y muy poco visto. El problema de la audiencia es fundamental: existe una desconexión absoluta entre las películas realizadas en nuestro país y el público local. Esto se disfraza un poco (muy poco) cuando aparece un éxito masivo, pero resulta un fenómeno demasiado esporádico. Si tomamos en cuenta que se estrenan en promedio más de doscientas películas nacionales al año y que la mayoría pasa totalmente inadvertida por el gran público, esa desconexión se vuelve evidente. Cine.ar nació como una búsqueda de solución en el momento en que empezaban a crecer las plataformas bajo el nombre de Odeón en 2015. Luego, en 2017, se convirtió en Cine.ar al integrarse al canal de cable INCAA TV. La idea era, justamente, que la producción cinematográfica nacional tuviera una ventana para poder mostrarse. Como todos los servicios de streaming, tuvo un pico en 2020, pandemia mediante. Y en general todas las películas de ese período sin salas se estrenaron en la plataforma. Que es, y esto es importante, gratuita (salvo "Estrenos", donde se pueden ver películas de lanzamiento reciente por un pago de $400 -sí, cuatrocientos). La tecnología de la plataforma está provista por Arsat. Es decir: existe una ventana gratuita en la que el espectador curioso puede acceder a la mayor parte de la producción audiovisual no sólo de los últimos años, sino también de cine clásico nacional. Es cierto que la mayoría de los éxitos de taquilla nacionales de las últimas décadas no figuran: la intervención de estudios de Hollywood o productoras extranjeras en su realización las ha llevado a otras plataformas y quien busque en HBO Max, Disney+, Mubi o Netflix los va a encontrar. Pero el acervo de Cine.ar es enorme, muestra las nueve décimas partes del iceberg de la producción local y permite trazar una historia no alternativa sino complementaria a la de los éxitos comerciales. Aclaremos: ni mejor ni peor. Resulta curioso, por otro lado, lo poco que se habla de ella y debe criticarse a INCAA y al Estado nacional que no tenga la difusión que merece. Porque realmente permite la reconstrucción de una historia y, casi, de una tradición. No es la intención de esta columna celebrar acríticamente todo el pasado cinematográfico argentino, por cierto. Pero sí hubo grandes films y una cinematografía exportable. El lector seguramente se asombrará de que Los tres berretines o Besos Brujos, películas de los años 30, tengan actuaciones y lenguaje más bien modernos (no como en la declamación de los años 40). O que el suspenso, el cine criminal, haya tenido una presencia grande: pueden verse obras fundamentales como No abras nunca esa puerta, Si muero antes de despertar o La muerte camina en la lluvia, de Carlos Hugo Christensen. O las películas que explican por qué Mirtha Legrand fue una gran estrella y una perfecta comediante, como Los martes, orquídeas, La pequeña señora de Pérez o Mi novia es un fantasma. Quien quiera saber por qué llenaban cines Luis Sandrini o Niní Marshall, están los clásicos. Y toda la obra de Armando Bó e Isabel Sarli, lo que alcanza para justificar la existencia de la plataforma. Por supuesto que faltan cosas: de Torre Nilsson hay solo dos películas (Días de Odio y La guerra del cerdo, adaptaciones de Borges y de Bioy Casares respectivamente); de Favio, solo Juan Moreira; casi no hay películas de la generación de los 60; y nada de Adolfo Aristarain. Las razones son, como siempre, los derechos y la propiedad intelectual. Pero lo que hay es mucho. Y, como se dijo, está gran parte de lo más reciente, lo que permite revisar con criterio y de manera crítica qué hizo el cine argentino en las últimas -por lo menos- dos décadas. Hay de todos los géneros: dramas, comedias, documentales -quizás el más abundante- e incluso películas fantásticas y de terror. Hay series (Sandro, Un gallo para Esculapio) pero no son el principal material. Y hay cortometrajes y cine para chicos. Una discusión seria sobre el cine argentino requiere una herramienta de este tipo donde se puedan ver las películas y analizar formas y temáticas. Si no, todo queda en el lugar común. Hoy Cine.ar tiene 2.767.372 cuentas activas en la Argentina y el exterior; un catálogo completo de 2100 títulos entre todos los formatos y un promedio de 47.000 visualizaciones mensuales. Y aquí hay un punto importante: se ve mucho más cine nacional desde esta plataforma que en las salas. Carlos Vargas Eguinoa, gerente general del INCAA, indica respecto de una potencial privatización que se estudian planes: "Sí, se está analizando cuál es el mejor procedimiento de transferencia. Se busca una mejor difusión del cine argentino", respondió al ser consultado. Por el momento funcionan los diferentes canales (Play, y TV) como siempre, y no hay ninguna definición sobre cerrar alguno. Tampoco si, en caso de que quede en manos del Estado, se volverá paga en el futuro. Lo que sí sabemos es que, por ahora, la plataforma funciona normalmente, que el archivo es enorme, que permite descubrir cine e incluso analizarlo (sí, también en algunos casos confirmar prejuicios) y que tiene una audiencia potencial grande. En todo caso, el problema es, como menciona el funcionario, la "mejor difusión del cine argentino". Puede sorprender al lector el hecho de que en casi todos los países hay un prejuicio contra el cine local, pero incluso así en casi todos los mercados con fuertes cinematografías nacionales (en nuestro idioma los ejemplos más importantes, numéricamente, son España y México) existe un conocimiento de títulos y nombres locales que alimentan de manera virtuosa el negocio. Proporcionalmente, Cine.ar es lo que mejor funciona dentro del ecosistema del cine argentino. ¿No sería entonces una gran oportunidad como canal de difusión apostar a ella? El cine nacional no tiene una proporción mayor de películas "malas" que ninguna otra cinematografía: en todo caso, es momento de reabrir un contacto con sus potenciales espectadores. Y en la era de las plataformas, quizás sea el mejor camino.
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La espera de los fanáticos terminó y llegó a los cines Spider-Man: Un nuevo día, la cuarta película del Hombre Araña protagonizada por Tom Holland. De esta manera, se descubrió qué fue de la vida de Peter Parker tras los acontecimientos de Spider-Man: Sin camino a casa y la audiencia quedó expectante por descubrir cuándo podría llegar la quinta entrega de Marvel Studios. Y como sucede en cada estreno, el público reanimó el debate sobre cuál es el mejor de los nueve filmes, divididos entre Tobey Maguire, Andrew Garfield y el mencionado actor británico.Tras cinco años de espera -la tercera vez que la audiencia tiene que esperar esa cantidad de tiempo para volver a ver una película original de Spider-Man-, Un nuevo día tuvo su estreno y estuvo a la altura de las expectativas generadas en la previa, algo que se evidencia con los puntajes de la plataforma especializada Internet Movie Database (IMDb). En este sitio web, cualquier persona puede registrarse y dejar su calificación, lo que deja a las claras que la voz de los fans queda bien representada.Spider-Man: Brand New Day | Tráiler finalAl observar los puntajes de las nueve películas de Hombre Araña, se puede corroborar cuáles son las "mejores", al menos según los fanáticos de Marvel Studios. Además, como cada una tiene al menos 600 mil calificaciones de la audiencia, no se trata de un promedio aleatorio, sino que se consolidaron con el paso del tiempo.Cuáles son las mejores películas de Spider-ManSpider-Man: Un nuevo día (2026): 8.2La primera en el ranking es justamente la más nueva, y la única que todavía no tiene demasiadas calificaciones: al 1 de agosto, es decir dos días después de su estreno, un total de 70 mil personas dejaron su voto en IMDb y el promedio actual es de 8.2 sobre 10.Al tratarse de la primera aparición del Peter Parker de Tom Holland desde 2021, el público tenía muchas dudas sobre qué hizo a lo largo de estos cinco años y las expectativas eran muy altas. Con sus casi dos horas y media de duración, se desarrolla de forma natural qué ocurrió y la participación de distintas figuras no es una simple utilización de las licencias de Disney, sino que cada personaje tiene una justificación lógica para aparecer en Spider-Man: Un nuevo día, además de las típicas sorpresas de Marvel Studios.Spider-Man: Sin camino a casa (2021): 8.1A la espera del paso del tiempo para observar cuál era el puntaje final de Un nuevo día, la anterior entrega que estaba en la cima del ranking era Spider-Man: Sin camino a casa, la icónica película que reunió por primera vez a los tres actores que interpretaron al Hombre Araña a lo largo de los años.Esta producción es la única que tiene más de un millón de calificaciones por parte del público, con lo que alcanzó un promedio de 8.1 sobre 10. Además, al tratarse de un filme que llegó en medio de la salida de la pandemia del COVID-19, fue recibida con mucha emotividad por parte de la audiencia.El Hombre Araña 2 (2004): 7.5La segunda película protagonizada por Tobey Maguire fue, históricamente, la que mejor imagen tuvo con el paso del tiempo y la que más conectó con los fanáticos. Por eso, El Hombre Araña 2 tiene un 7.5 de calificación con casi 800 mil votos del público. En esta producción, el villano es Doctor Octopus (Alfred Molina), y siguen los problemas amorosos de Peter Parker con Mary Jane Watson (Kirsten Dunst).El Hombre Araña (2002): 7.4El inicio de la historia de Spider-Man siempre tendrá un lugar en el corazón de los fans de Marvel, ya que, tal como dijeron varios actores y actrices a lo largo de los años, es muy probable que sin El Hombre Araña, el género de superhéroes no tendría tanto éxito hoy por hoy. Este debut de Tobey Maguire lo enfrentó con el Duende Verde (Willem Dafoe) y fue el momento en el que la audiencia se enamoró del personaje. Por eso, acumula un promedio de 7.4 tras 980 mil calificaciones.Spider-Man: De regreso a casa (2017): 7.4La primera producción de Spider-Man en Marvel Studios fue muy esperada por la audiencia, ya que tuvo que ver pasar primero a Maguire y luego a Garfield para que Sony y Disney lleguen a un acuerdo para combinar sus universos. Tras el debut de Tom Holland en Capitán América: Civil War (2016), se generó un clima ideal para la llegada de su primera película como protagonista y la inclusión de Michael Keaton como el Buitre fue fundamental para ello. Así, con casi 815 mil calificaciones, consiguió la marca de 7.4.Spider-Man: Lejos de casa (2019): 7.3La expedición de Peter Parker a Europa no fue tan bien recibida por el público y, si bien su calificación no es mala, es la peor puntuada de las cuatro de Tom Holland. En este caso, se trata de la primera película luego del traumático final de Avengers: Endgame, es decir el primer filme desde la muerte de Tony Stark/Iron Man. Aquí, la inclusión de Jake Gyllenhaal como villano no alcanzó para que el público quede satisfecho y el puntaje promedio es de 7.3 con poco más de 650 mil calificaciones.El sorprendente Hombre Araña (2012): 7.0Para muchos el mejor, para otros el peor Hombre Araña. El protagonismo de Andrew Garfield como Spider-Man generó todo tipo de controversias luego de la confirmación y posterior cancelación de El Hombre Araña 4 con Tobey Maguire. En este reinicio de la historia se mostró a un Peter Parker mucho más sufrido y oscuro, quien tuvo que afrontar demasiadas pérdidas en muy poco tiempo. Coprotagonizada por Emma Stone (Gwen Stacy) y Rhys Ifans (Lagarto), el público le dio una calificación de 7.0 tras 775 mil votos.El sorprendente Hombre Araña 2: La amenaza de Electro (2014): 6.6La segunda "peor" película de Spider-Man es precisamente la secuela protagonizada por Andrew Garfield, donde termina por perder a su novia tras prometer a su fallecido suegro que iba a alejarse de ella para protegerla. Este giro argumental fue extremadamente oscuro para los fanáticos, quienes tuvieron la posibilidad de ver como villanos a Electro (Jamie Foxx) y al Duende Verde (Dane DeHaan). Con apenas menos de 600 mil calificaciones, el filme promedia un 6.6.El Hombre Araña 3 (2007): 6.3Para la sorpresa de muchos, la "peor" producción con el icónico superhéroe es El Hombre Araña 3. En este caso, varios fans coinciden en que el problema fue el guion, donde Sony "obligó" al director Sam Raimi a incluir al personaje Venom a último momento y esto provocó que todo se sienta apurado. Además de Topher Grace como el mencionado villano, también estuvieron James Franco (Duende Verde) y Thomas Haden Church (Hombre de Arena).Por eso, entre otras razones, las 710 mil calificaciones le dan un promedio de apenas 6.3 sobre 10, lo que la deja como la peor película del Hombre Araña, al menos según la mayoría de los fanáticos de Marvel.
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Las películas y series que reviven el espíritu de Gaudí, el gran arquitecto catalán
Existen ciudades que el cine utiliza como un simple escenario y otras que terminan convirtiéndose en un personaje más. Barcelona y su arquitectura claramente pertenecen a esa segunda categoría. Porque por dentro de ella existe otra ciudad, menos evidente, pero tan pretensiosa y mucho más poderosa, la Barcelona de Antoni Gaudí. Una urbe hecha de curvas imposibles, piedras vivas, cerámicas que parecen derretirse bajo el sol y edificios que desafían la lógica racional. Es que tal vez el mentado catalán no haya diseñado simples edificios, sino imaginado escenarios. Y por eso, a un siglo de su muerte, el cine continúa regresando una y otra vez a sus creaciones como si en ellas encontrara algo imposible de construir en un estudio de filmación. Las curvas de la Casa Batlló, las formas ondulantes de la Casa Milà (también conocida como La Pedrera), las excéntricas verjas de Casa Vicens, los mosaicos del Park Güell o las agujas de la Sagrada Familia simulan poseer cualidades excepcionales. Respiran, sienten, laten. Son espacios que transmiten emociones. Donde otros ven monumentos, los directores descubren planos y contraplanos capaces de dotar de misterio, sensualidad o melancolía a cualquier historia. Tal fascinación se pone de manifiesto en Ciudad de sombras, la nueva miniserie de Netflix basada en la novela El verdugo de Gaudí, del escritor Aro Sáinz de la Maza. El thriller policial sitúa una sucesión de crímenes en el corazón de la Barcelona modernista y convierte la obra del arquitecto catalán en el escenario entre idílico y poético, donde se cometerá cada próximo crimen. La ciudad parece observar a los investigadores desde sus fachadas de piedra, sus escalinatas y sus torres. Gaudí reaparece así como un protagonista invisible cuya arquitectura condiciona el clima emocional de la narración. A lo largo de los seis capítulos, sus investigadores, Milo Malart (Isak Férriz) y Rebeca Garrido (Verónica Echegui), deben articular los indicios que unen los crímenes con su autor, siempre bajo el marco místico que ofrecen las creaciones de Gaudí. Yendo a un pasado no tan lejano, Woody Allen fue uno de los realizadores que mejor comprendió ese potencial visual. Cuando filmó Vicky Cristina Barcelona (disponible en Prime Video), en 2008, no utilizó la capital catalana como una simple postal turística, sino que la convirtió en el territorio donde sus personajes descubren el deseo, la incertidumbre y la libertad. La historia de las dos jóvenes estadounidenses, Vicky y Cristina (Rebecca Hall y Scarlett Johansson), que llegan a pasar un verano a España y terminan envueltas en una sofisticada e intensa relación con el pintor Juan Antonio (Javier Bardem), encuentra en la geometría de Gaudí un reflejo de sus pulsiones más íntimas. Allen hace que los personajes recorran la ciudad casi como si siguieran un itinerario sentimental. La escalinata del Park Güell, presidida por la célebre salamandra de cerámica, es escenario de uno de los diálogos decisivos entre Juan y Vicky. Las curvas del parque parecen acompañar las vacilaciones afectivas de sus personajes. Más tarde, la Sagrada Familia aparece como un espacio de contemplación donde las dos amigas descubren un edificio que desafía cualquier idea convencional de belleza. La terraza de la Casa Milà, con sus célebres chimeneas escultóricas y la silueta de la basílica asomando en el horizonte, termina de consolidar esa Barcelona soñada que el director norteamericano filma con una mezcla de fascinación y licencia poética. En su universo, Gaudí representa el deseo de abandonar toda rigidez para dejarse llevar por lo inesperado, papel que se representa en toda su fuerza por Penélope Cruz. Muy diferente es la mirada de Pedro Almodóvar en Todo sobre mi madre (Mubi y Prime Video). Cuando estrenó la película en 1999 sorprendió al trasladar, por primera vez de manera decidida, el centro de su cine desde Madrid hacia Barcelona. Pero la elección respondía a una necesidad dramática. Manuela, interpretada por Cecilia Roth, llega devastada tras la muerte de su hijo. Necesita una ciudad capaz de acompañar el duelo sin caer en el sentimentalismo. Y Barcelona ofrece precisamente eso. Distracción, pirotecnia, deslumbramiento, diversidad. El conservadurismo en ninguna dosis. Pero Almodóvar, a diferencia de todos los directores que decidieron filmar en Barcelona, evita convertir la arquitectura modernista en una exhibición pregnante. La integra con naturalidad al recorrido emocional de los personajes. La Sagrada Familia aparece casi como una presencia silenciosa, un edificio todavía inacabado que simboliza la posibilidad de reconstruirse después de la pérdida. La Casa Ramos (diseño del arquitecto Jaume Torres i Grau), el Palau de la Música Catalana (obra de Lluís Domènech i Montaner), las avenidas arboladas y la luz mediterránea completan una ciudad donde el dolor se vuelve protagonista tácito, en perspectiva indeleble. Nadie lo pretende ocultar pero el film intenta mostrar una revalidación por la vida, por los que quedan. En el cine de Almodóvar, Gaudí deja de ser un espectáculo visual para convertirse en una metáfora de la resiliencia. Sus edificios, levantados a partir de la imperfección de las formas naturales, parecen recordarle a Manuela que también las heridas pueden dar origen a una nueva belleza. Mucho antes, en 1975, Michelangelo Antonioni ya había descubierto el extraordinario volumen cinematográfico de la arquitectura gaudiniana. En El reportero (puede verse en Xiclos.com), Jack Nicholson interpreta a un periodista desencantado que decide asumir la identidad de un hombre muerto para escapar de su propia existencia. Es una película atravesada por la soledad, la incertidumbre, el vagabundeo y la búsqueda de una nueva identidad. Cuando el recorrido conduce a Barcelona, Antonioni encuentra en la terraza de la Casa Milà el escenario perfecto para expresar ese estado interior. Las famosas chimeneas de La Pedrera, que hoy reciben diariamente a miles de visitantes, aparecen entonces casi desiertas, ásperas, todavía ajenas al turismo masivo. Y filmadas por Antonioni, adquieren una dimensión inquietante. Más que esculturas, parecen figuras humanas observando silenciosamente al protagonista. Ningún decorado habría podido transmitir esa mezcla de belleza, lejanía y extrañeza que define buena parte del cine del director italiano. La arquitectura se convierte así en una prolongación del conflicto existencial de David Locke (Nicholson), que a su vez, encuentra en la belleza de una intrigante mujer (Maria Schneider), argumentos para no padecer del todo una ciudad que lo asfixia. La capacidad de Gaudí para transformar el espacio en emoción explica que su obra haya atravesado géneros completamente distintos. La comedia generacional Una casa de locos, del realizador francés Cédric Klapisch, convierte el Park Güell y las torres de la Sagrada Familia en escenarios del descubrimiento personal de un grupo de estudiantes europeos que llegan a Barcelona gracias al programa Erasmus. Allí, las curvas del banco ondulante diseñado por Gaudí acompañan el nacimiento de amistades, romances y decisiones que marcarán el futuro de los protagonistas. En Tardes de Gaudí, Susan Seidelman propone un recorrido completamente diferente. La directora estadounidense utiliza Barcelona como escenario de una intriga donde la detective interpretada por Judy Davis se mueve por una ciudad en la que las construcciones modernistas parecen ocultar secretos detrás de cada fachada. La propia arquitectura aporta al relato un aire lúdico y enigmático que convierte a Gaudí en una presencia constante, aunque nunca explícita. Pero también Hollywood con su algoritmo mainstream recurrió al poder simbólico de la Sagrada Familia en Bird Box (Netflix). Basta una breve aparición de la basílica para que la cinta protagonizada por Mario Casas logre transmitir la dimensión universal de un mundo devastado. En pocos segundos, el edificio sintetiza la idea de que incluso los grandes íconos de la civilización pueden quedar atrapados en el caos. Por el contrario, adquiere un tono mucho más sombrío en la película La tabla de Flandes, inspirada en la homónima novela de Arturo Pérez-Reverte, donde el patrimonio artístico y los enigmas históricos conviven con una trama policial. La relación entre Gaudí y el cine, sin embargo, no se limita a las grandes producciones internacionales. Desde comienzos de la década de 1960, numerosos realizadores comprendieron que esa burbuja modernista podía aportar una identidad visual imposible de encontrar en otro lugar. En No temas a la ley (YouTube), de Víctor Merenda, la Casa Milà aparece integrada a una trama policial cuando todavía no era el ícono turístico que es hoy. Poco después, España otra vez, de Jaime Camino, y Biotaxia, de José María Nunes, incorporaron sus fachadas y terrazas como parte de una Barcelona todavía cotidiana, lejos de la ciudad plural que emergería décadas más tarde. Una de las películas más singulares de ese período fue El hombre desconocido de Shandigor, dirigida en 1967 por el suizo Jean-Louis Roy. Concebida como una delirante parodia de las historias de espionaje en plena Guerra Fría, encuentra en el Park Güell, la Sagrada Familia y, especialmente, en la azotea de la Casa Milà, un paisaje casi distópico. Las chimeneas de Gaudí dejan de ser elementos necesarios para la ventilación y eliminación de toxinas de cualquier edificio para transformarse en guardianes de un universo fantástico donde espías, científicos y organizaciones secretas se persiguen entre formas que parecen llegadas del futuro. Roy comprendió que la arquitectura gaudiniana podía sugerir un mundo imaginario sin necesidad de recurrir a escenografías del estilo de Georges Méliès. Algo similar ocurre en Vértigo en Manhattan, de Gonzalo Herralde. Antes de viajar a Nueva York para reencontrarse con un antiguo amor, la protagonista vive en la Casa Milà. El director establece un delicado paralelismo entre las ondulaciones de sus paredes y el estado emocional de una mujer atrapada entre los recuerdos y las ilusiones. La Pedrera deja de ser un edificio icónico para convertirse en un reflejo de la inestabilidad psicológica del personaje. La obra de Gaudí también atravesó el cine fantástico. Jess Franco eligió el Park Güell para rodar escenas de El castillo de Fu Manchú y de Marqués de Sade: Justine (pueden verse en YouTube). En ambos casos, las columnas, las escalinatas y la Sala Hipóstila aportan un clima inquietante que potencia el carácter onírico de las historias. Más adelante, producciones como Unveiled, dirigida por William Cole y Rastros de Sándalo de Maria Ripoll, continuarían utilizando Barcelona y sus edificios modernistas como una presencia narrativa constante, mientras que La Plaza del Diamante (liberada en plataforma M.ok.ru), dirigida por Francesc Betriú, incorporó la Sagrada Familia y el Park Güell al retrato íntimo de la ciudad durante los años más difíciles del siglo XX de la segunda capital española. Paradójicamente, la figura del propio Antoni Gaudí despertó menos interés cinematográfico que sus creaciones. Su vida, marcada en los últimos años por un profundo ascetismo y una dedicación casi absoluta a la Sagrada Familia, carecía del dramatismo biográfico de otros grandes artistas. Aun así, su historia se llevó a la pantalla. La primera biopic fue Gaudí (YouTube) dirigida por Josep Maria Argemí en 1960, que reconstruía la evolución espiritual del arquitecto hasta convertirse en un hombre obsesionado con culminar su gran obra. Años después, en 1974, John Alaimo rodó Antoni Gaudí, una visión inacabada, protagonizada por José Luis López Vázquez. La película permaneció inédita durante décadas debido a problemas financieros, lo que terminó rodeándola de un aura casi legendaria. Mucho mayor fue la repercusión del extraordinario documental que el japonés Hiroshi Teshigahara estrenó en 1984. Considerado una de las obras maestras del cine documental sobre arquitectura, Antonio Gaudí prescinde casi por completo de las explicaciones para dejar que la cámara dialogue directamente con la piedra, la luz y el color. Teshigahara entendió que las formas concebidas por Gaudí no necesitaban intérpretes. Bastaba recorrer lentamente las columnas de la Sagrada Familia, las superficies de la Casa Batlló o Park Güell para descubrir que aquellas construcciones parecían organismos vivos. Manuel Huerga retomaría años más tarde esa fascinación desde otro lugar con Gaudí, un falso documental que recrea el universo del arquitecto mediante imágenes que imitan el lenguaje del cine de comienzos del siglo XX. La influencia del creador catalán llegó incluso a la cultura popular de Los Simpson. En el episodio cuatro de la temporada 25, titulado Solo se vive una vez (Disney+), Homero viaja a Barcelona y visita la Sagrada Familia. El homenaje dura apenas unos segundos, pero alcanza para demostrar hasta qué punto la silueta del templo se volvió universal. Pocas obras arquitectónicas contemporáneas pueden ser reconocidas instantáneamente sobre todo en un dibujo animado. La basílica diseñada por Gaudí comparte ese privilegio con monumentos como la Torre Eiffel, la Estatua de la Libertad y el Coliseo romano. No es casual que tantos directores regresen una y otra vez a sus edificios. Gaudí nunca concibió una arquitectura inmóvil. Cada fachada parece moverse con la luz del día, cada columna pareciera acompañar el crecimiento de un árbol y cada chimenea adquiere presencia humana. Y esa condición orgánica ofrece al cine escenarios que transmiten emociones por sí mismos. Como Antonioni que encontró en ellos el reflejo de la soledad, Almodóvar un refugio para el duelo y Woody Allen un territorio para el deseo.
Una película para vincularse desde el afecto
En su retrato de Rita Segato, la documentalista venezolana practica un acercamiento íntimo y atento a los matices, sobre la pensadora y activista feminista.
La furia de Scott Eastwood con un colega que abandonó una película: "No seas un pedazo de m..."
Scott Eastwood lanzó una durísima crítica contra un colega con el que trabajó recientemente y al que acusó de abandonar una película cuando la producción ya había invertido una importante suma de dinero. Sus declaraciones despertaron una ola de especulaciones en Hollywood y volvieron a poner sobre la mesa los conflictos que pueden producirse detrás de escena en la industria cinematográfica, pero también, sobre el difícil carácter del actor.Eastwood, de 40 años, realizó las explosivas declaraciones durante una reciente participación en el podcast The Joe Rogan Experience, donde habló sobre su carrera, el legado de su padre Clint Eastwood y algunas de las experiencias más frustrantes que vivió trabajando en el cine.Sin necesidad de mencionar nombres, Scott describió el episodio como uno de los comportamientos más irresponsables que presenció en un set de filmación. "Acabo de trabajar con alguien y, sin mencionar nombres, hay personas que se vuelven demasiado famosas durante demasiado tiempo y creen que el mundo les debe algo", afirmó durante la conversación difundida el 29 de junio.Según relató, el conflicto estalló cuando esa persona decidió abandonar el proyecto pese a que la producción ya había avanzado considerablemente y había realizado importantes inversiones. "Después de que ya habíamos gastado mucho dinero, decidió que simplemente no quería trabajar con otra persona ni hacer el trabajo", recordó.El actor explicó que intentó hacer entrar en razón a su colega y le planteó que, si realmente no pensaba cumplir con el compromiso asumido, al menos debía devolver el dinero recibido."Le dije: 'Bueno, entonces tenés que devolverle ese dinero a la persona que invirtió en vos'. Me respondió: 'No voy a hacer eso'", contó.Finalmente, según su versión, la figura decidió abandonar definitivamente la producción, obligando al equipo a afrontar las consecuencias de esa decisión.Eastwood no aclaró si el proyecto logró completarse ni qué impacto económico tuvo la salida del intérprete, aunque dejó en claro que, desde su punto de vista, el daño fue considerable."Era su proyecto como director, su historia, su película. Y fue como: hermano, le sacaste el dinero a alguien", sostuvo.El actor calificó lo ocurrido como "impactante" e "increíble" y aseguró que, para él, no existe ninguna zona gris en una situación de ese tipo."Es blanco o negro. Hacé lo correcto. No seas un pedazo de mierda. No podés hacer eso", disparó con total contundencia.A lo largo de la entrevista, Eastwood amplió su reflexión sobre algunos comportamientos que, según dijo, son tolerados dentro de Hollywood únicamente por el peso que tienen ciertas figuras. "He visto comportamientos escandalosos en este negocio", aseguró. Y añadió que resulta llamativo que determinadas actitudes sean aceptadas únicamente porque provienen de celebridades."Eso no pasaría en otras industrias, pero por alguna razón, porque son estrellas...", comentó, dejando la frase abierta antes de describir a la industria del entretenimiento como un ámbito "realmente feo" cuando las cámaras dejan de filmar.Las declaraciones rápidamente generaron repercusión en redes sociales y entre los medios especializados, donde comenzaron las especulaciones sobre quién podría ser el actor o actriz al que hacía referencia. Sin embargo, Eastwood evitó ofrecer cualquier dato que permitiera identificar a la persona involucrada y tampoco dio pistas sobre la producción afectada.Pese a la dureza de sus críticas, Eastwood dejó en claro que ese tipo de experiencias no modifican la pasión que siente por su profesión. "Me encanta contar historias", explicó.Para el actor, el verdadero atractivo del cine sigue siendo la posibilidad de generar emociones en el público. "Cuando estás en un proyecto creativo y conseguís conmover a la gente, ya sea haciéndola reír, llorar o sentir cualquier otra emoción, eso es lo que realmente vale la pena", expresó.Durante la conversación también hubo espacio para hablar sobre la enorme influencia que tuvo su padre, tanto en su vida personal como en su carrera profesional. Scott describió al legendario director y actor, hoy de 96 años, como una persona que siempre entendió el trabajo desde la disciplina y la responsabilidad. "Era un hombre que se ponía las botas e iba a trabajar", recordó.Según explicó, una de las principales enseñanzas de Clint consistía en separar completamente la vida laboral de la personal. "Dejaba el trabajo en la puerta", comentó, destacando la capacidad de su padre para no trasladar las tensiones del set al ámbito familiar.No es la primera vez que Scott habla públicamente sobre los consejos que recibió de su padre. En una entrevista concedida en 2015 a la revista Treats!, recordó cuál fue la enseñanza profesional que más lo marcó. "Hagas lo que hagas, hacelo bien. Sé humilde, trabajá duro y comportate como un hombre", reveló que le repetía Clint. Esa filosofía, según explicó, nunca estuvo condicionada por el éxito en Hollywood ni por la posibilidad de continuar el legado familiar.Scott aseguró que su padre jamás le exigió convertirse en actor. "A él no le importaba si era plomero... o actor", explicó.Lejos de sentirse obligado a seguir los pasos de una de las mayores leyendas del cine estadounidense, afirmó que su decisión de dedicarse a la actuación surgió de una vocación genuina. "No entré en esto para ser famoso", aseguró. "Crecí admirando el trabajo de mi padre, amando el cine y la posibilidad de contar historias. Quería formar parte de ese mundo", agregó.
Qué ver en Netflix: las mejores películas y series para disfrutar el primer fin de semana de agosto
Se acerca el fin de semana y, entre los planes que la mayoría de las personas priorizan, se encuentra el de quedarse en casa para retomar esa serie o película que quedó en pausa o empezar eso que tanto recomendaron. Ante una gran cantidad de ofertas, Netflix prepara todos los viernes el ranking de lo más visto en Argentina para que decidir qué ver no se convierta en un dolor de cabeza.A continuación te presentamos el ranking de las mejores producciones que podrás disfrutar en la plataforma de streaming; pero antes, agarrá un lápiz y un papel para que no se te escape ninguna.Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix1. Elize: Sombras de una mujer (2026)Suspenso/Crimen. Una antigua escort trata de ignorar las infidelidades de su rico marido. Pero esa traición envenena su matrimonio. Duración: 1 h 33 min. Ver Elize: Sombras de una mujer.2. Contrato para matar (2023)Acción/Suspenso. Charlie, un sicario de la mafia, pretende vengar el asesinato de todos sus compañeros por parte de una organización criminal rival. Para lograrlo, se alía con Marcie, la viuda de un hombre al que él mismo mató. Duración: 1 h 30 min. Ver Contrato para matar.3. 72 horas (2026)Comedia. Un ejecutivo de 40 años se ve incluido, por accidente, en el chat grupal de un grupo de veinteañeros que planean una despedida de soltero desenfrenada en Miami, y termina asistiendo al viaje. Duración: 1 h 45 min. Ver 72 horas.4. Kung Fu Panda 4 (2024)Comedia/Aventura. Po está entrenando a un nuevo guerrero que ocupe su lugar para que él pueda convertirse en líder espiritual del Valle de la Paz. Sin embargo, la irrupción de una malvada hechicera que puede cambiar de apariencia trastoca sus planes. Duración: 1 h 34 min. Ver Kung Fu Panda 4.5. Los creyentes (2026)Suspenso/Drama. Tras la muerte de su madre en extrañas circunstancias, Ruth, una mujer de 30 años, regresa a casa. Ahí se reencuentra con su padre, Martín, quien está obsesionado con una siniestra teoría conspirativa. La relación entre ambos es tan tensa que Ruth comienza a sospechar que Martín podría ser el responsable de la muerte de su madre. Duración: 1 h 46 min. Ver Los creyentes.Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix1. El otro padre (2026)Drama/Maternidad. Una médica que busca un donante de riñón para salvar la vida de su hija descubre una relación secreta y una prueba de ADN que podrían destrozar a dos familias. Duración: diez episodios. Ver El otro padre.2. Los asesinatos de Idaho: Pesadilla en la universidad (2026)Documental/Basada en hechos reales. El horrible asesinato de cuatro estudiantes de la Universidad de Idaho con imágenes de cámaras corporales, mensajes y entrevistas a seres queridos. Duración: tres episodios. Ver Los asesinatos de Idaho: Pesadilla en la universidad.3. GIGN: Unidad de élite (2026)Acción/Suspenso. Tras un ataque sin precedentes contra su unidad, un agente de alto rango a punto de retirarse lidera una peligrosa misión que le obliga a enfrentarse a su pasado. Duración: seis episodios. Ver GIGN: Unidad de élite.4. Bomba en el Pan Am 103 (2025)Acción/Drama. El 21 de diciembre de 1988, el vuelo 103 de Pan Am explotó sobre la pequeña localidad escocesa de Lockerbie y acabó con la vida de 270 personas. El suceso desencadenó la mayor investigación por asesinato en la historia de la policía escocesa: la del atentado terrorista más letal perpetrado en suelo británico. Esta historia, basada en el testimonio de los que estuvieron allí, es el verdadero relato de la colaboración entre las autoridades escocesas y los cuerpos de seguridad de EE. UU., y de la lucha de las familias por la justicia. Duración: seis episodios. Ver Bomba en el Pan Am 103.5. Te encontraré (2026)Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.
La obra peruana Ser Hamlet se convierte en película y se estrena en Lima el 7 de agosto
El largometraje de Chela De Ferrari tendrá su debut internacional en el 30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP, dentro de la sección Latinoamérica Fuera de Competencia, con una segunda proyección el 15 de agosto
Millonaria demanda contra Netflix por la desaparición de una película protagonizada por Nicolas Cage
Netflix atraviesa un conflicto sin precedentes: los productores de Fortitude, una película protagonizada por Nicolas Cage que aún no fue estrenada, demandaron al gigante del streaming por 105 millones de dólares luego de que la copia maestra del film desapareciera de las oficinas de la plataforma. El material, que había sido entregado para que la compañía evaluara una posible compra de los derechos de distribución, fue reportado como robado.Según consignaron medios especializados en la industria del entretenimiento como Variety y The Hollywood Reporter, la demanda fue presentada por el productor y guionista Simon Afram y su empresa británica Op-Fortitude. De acuerdo con Entertainment Weekly, Afram asegura haber invertido más de 45 millones de dólares de su propio patrimonio y dedicado siete años al desarrollo del proyecto.La presentación judicial sostiene que la pérdida del material compromete el futuro comercial de la película y reclama una indemnización de 105 millones de dólares por los daños ocasionados.Qué sucedió con la copia maestraTodo comenzó el 15 de junio pasado. De acuerdo con la presentación judicial, el productor asociado Daniel Haido entregó personalmente un Digital Cinema Package (DCP) -la copia digital utilizada para proyecciones profesionales- en las oficinas de Netflix ubicadas en Hollywood con el objetivo de que el material fuera visto en una exhibición privada.La plataforma proyectó la película al día siguiente. Sin embargo, los productores aseguran que, pese a haber solicitado reiteradamente la devolución del disco rígido, no obtuvieron respuesta. Recién el 25 de junio, un ejecutivo de Netflix les comunicó por correo electrónico que varios discos rígidos habían sido robados de los escritorios de la empresa, entre ellos el que contenía Fortitude. En ese mensaje, Sean Berney, uno de los ejecutivos de Netflix, admitía que el equipo de seguridad no había logrado recuperar los dispositivos.En la demanda, los productores sostienen que la desaparición del DCP destruyó la exclusividad de la película, un aspecto clave para su comercialización. Además, señalan que cualquier potencial comprador debería ser informado de que existe una copia perdida del largometraje, lo que incrementa el riesgo de piratería, hace más difícil la contratación de seguros y reduce significativamente su valor de mercado.Los demandantes también explicaron que el incidente podría afectar el plan de estreno y las posibilidades de competir en la temporada de premios.La respuesta de NetflixTras la demanda, Netflix rechazó las acusaciones y aseguró que no es responsable por la pérdida del material. En un comunicado citado por The Hollywood Reporter, la compañía afirmó que Fortitude fue entregada "sin las medidas de seguridad estándar de la industria" y remarcó que nunca adquirió los derechos de la película.La empresa sostuvo además que llevó adelante una investigación interna, ofreció monitorear sitios de piratería para detectar una eventual filtración y cuestionó el accionar de los abogados de Afram. Según su versión, antes de presentar la demanda enviaron una carta en la que reclamaban US$165 millones y, en su respuesta judicial, Netflix sostuvo que ese pedido constituyó un intento de extorsión.Dirigida por Simon West, Fortitude es un thriller de espionaje ambientado durante la Segunda Guerra Mundial que reconstruye la historia real de agentes de la inteligencia británica que recurrieron a innovadoras operaciones de engaño para confundir a la cúpula nazi. La trama sigue al espía serbio Dusko Popov, una figura histórica que, según distintas versiones, sirvió de inspiración a Ian Fleming para crear al personaje de James Bond.Además de Nicolas Cage, el elenco reúne a Ben Kingsley, Michael Sheen, Matthew Goode, Ed Skrein, Alice Eve, Lukas Haas y Ron Perlman.
Tom Holland habló de Colombia al presentar la nueva película de 'Spider-Man': "La he pasado muy bien"
Durante la promoción de 'Brand New Day', el actor rememoró su estadía en Bogotá y Cartagena, un episodio que sus seguidores relacionan con las fotos publicadas en 2019 y su trabajo previo fuera del universo Marvel
Disney prepara una nueva película de Mi pobre angelito, con el regreso más esperado: "Todos quieren que se haga realidad"
Más de tres décadas después del estreno de Mi pobre angelito, uno de los clásicos navideños más populares de todos los tiempos, Disney se encuentra trabajando en una nueva película de la saga con el regreso de su protagonista original. Según trascendió en las últimas horas, Macaulay Culkin encabezaría el proyecto retomando el papel de Kevin McCallister, el personaje que lo convirtió en una estrella infantil a comienzos de los años 90.De acuerdo con información publicada por la revista People, el proyecto se encuentra en una etapa muy temprana de desarrollo, aunque ya habría despertado un fuerte entusiasmo dentro de la industria. "Está en las primeras etapas, muy tempranas. Es solo una idea y prácticamente ha recibido luz verde de Disney", aseguró una fuente consultada por el medio estadounidense.La misma persona agregó que el estudio ve con muy buenos ojos el regreso del actor. "A Disney le encantó la idea de Macaulay y todos quieren que esto se haga realidad", sostuvo.La posibilidad de una nueva película protagonizada por Culkin no surge de la nada. Desde hace tiempo el actor viene hablando de cómo le gustaría continuar la historia de Kevin McCallister y, de hecho, ya había revelado públicamente cuál sería su propuesta para una nueva entrega.Según recordó el programa Today, la idea nació del propio Culkin y consiste en mostrar qué ocurrió con Kevin décadas después de haber defendido su casa de los ladrones que intentaban asaltarla.Durante uno de los encuentros de su gira An Evening of Nostalgia with Macaulay Culkin, realizada en 2025 en el Centro de Convenciones y Entretenimiento de Long Beach, California, el actor compartió con el público el argumento que imaginó para una posible continuación."Se me ocurrió esta idea", explicó. Según relató, la historia mostraría a Kevin convertido en padre, atravesando una complicada situación personal. "Soy viudo o divorciado. Estoy criando a un niño y todo eso. Trabajo muchísimo, no le presto suficiente atención, el chico se empieza a enojar conmigo y, al final, me quedo afuera de casa", contó.El giro llegaría cuando su propio hijo decidiera utilizar contra él las mismas estrategias que alguna vez hicieron famoso a Kevin. "Mi hijo me pone trampas para que no pueda volver a entrar", resumió el actor, invirtiendo así el planteo de la película original.La premisa mantiene el espíritu de la saga, aunque cambia por completo la perspectiva: esta vez Kevin dejaría de ser el niño ingenioso que protege su hogar para convertirse en el adulto que debe enfrentarse a una versión renovada de sus propias travesuras.La noticia despertó una enorme expectativa entre los fanáticos de la franquicia, especialmente porque el regreso de Culkin fue una deuda pendiente de casi todas las secuelas que se realizaron después del éxito original.Estrenada en 1990 y dirigida por Chris Columbus con guion de John Hughes, Mi pobre angelito se convirtió rápidamente en un fenómeno mundial. La historia seguía a Kevin McCallister, un niño de ocho años que era olvidado accidentalmente por su familia cuando todos viajaban a París para pasar la Navidad.Lejos de asustarse por quedarse solo, Kevin disfrutaba de la inesperada libertad hasta que descubría que dos ladrones pretendían entrar a robar a su casa.Los delincuentes, Harry y Marv, interpretados por Joe Pesci y Daniel Stern, terminaban cayendo una y otra vez en una sucesión de ingeniosas y dolorosas trampas preparadas por el pequeño protagonista, una combinación de humor físico y creatividad que convirtió a la película en un clásico de las fiestas.El enorme éxito comercial impulsó rápidamente una continuación. En 1992 llegó Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York, nuevamente con Culkin como protagonista. En esa oportunidad, Kevin volvía a separarse accidentalmente de su familia, aunque esta vez durante un viaje a Florida, y terminaba solo en Nueva York, donde volvía a cruzarse con Harry y Marv.La segunda película también fue un éxito de taquilla y terminó de consolidar al actor como una de las mayores estrellas infantiles de Hollywood.Sin embargo, la franquicia tomó otro rumbo en los años siguientes. Mi pobre angelito 3 (1997) presentó una historia completamente nueva con otro protagonista, mientras que Mi pobre angelito 4 (2002) recuperó algunos personajes clásicos, aunque interpretados por actores diferentes.La saga continuó con otras producciones para televisión hasta que, en 2021, Disney estrenó en su plataforma Disney+ una nueva versión titulada Home Sweet Home Alone. Aunque retomaba la premisa de un niño que debía defender su casa de unos intrusos, tampoco contó con la participación de Culkin ni del elenco original.Precisamente por eso, una eventual vuelta de Macaulay Culkin como Kevin McCallister sería la primera continuación directa protagonizada por el actor desde Mi pobre angelito 2, estrenada hace más de 30 años.A lo largo del tiempo, Culkin mantuvo una relación ambivalente con el personaje que marcó su carrera. Durante muchos años evitó explotar la nostalgia alrededor de la película, aunque en los últimos tiempos comenzó a mostrarse mucho más abierto a revisitar aquella etapa de su vida.Su participación en eventos dedicados a los fanáticos de la saga y las entrevistas en las que desarrolló nuevas ideas para Kevin alimentaron durante meses las especulaciones sobre un posible regreso.Si el proyecto finalmente recibe la aprobación definitiva de Disney, el estudio apostará no solo al regreso de uno de sus personajes más queridos, sino también a una fórmula que en los últimos años dio buenos resultados en Hollywood: recuperar franquicias clásicas con sus protagonistas originales, apelando tanto a la nostalgia de quienes crecieron con ellas como a una nueva generación de espectadores.
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