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Bartenders explican cómo pedir "el rey de los cócteles" lejos del error de James Bond que lo puso de moda y hoy vuelve a las barras

Pocos cócteles tienen una imagen tan reconocible como el Martini. La copa fría, la aceituna o el twist cítrico, la elegancia seca y esa idea de ritual lo convirtieron en un símbolo de la coctelería clásica. También ayudó el cine: James Bond lo instaló en el imaginario popular con su famosa preferencia por pedirlo batido, no refrescado, aunque esa elección sigue siendo discutida cuando se habla del Dry Martini tradicional. Con el tiempo, su popularidad aumentó y cada 19 de junio se instaló en el calendario coctelero internacional como el Día del Martini.En las barras, ese cruce entre mito, técnica y precisión vuelve a ganar espacio. El Martini reaparece entre consumidores jóvenes que buscan tragos menos dulces, más secos y con mayor identidad. La tendencia no se limita al Dry Martini: también empuja al Espresso Martini, una versión moderna, con vodka, café espresso y licor de café, que encontró su propio momento gracias al auge de las barras de autor y del café de especialidad.Por qué el Martini volvió a estar de modaEl Dry Martini es la versión seca y clásica del Martini moderno. La Asociación Internacional de Bartenders lo define a partir de gin y vermut seco, preparado en vaso de mezcla, servido en una copa fría y terminado con piel de limón o aceituna.Seba García, a cargo de la barra de Tradition & Rebellion, sotiene que el contexto de consumo cambió y lo resume desde una palabra: identidad. "El Martini no es un trago más; es una decisión. Es simple, directo, fotogénico, elegante, pero también tiene carácter", señala. Para él, las nuevas generaciones buscan "menos volumen y más intención. No necesariamente tomar más, sino tomar mejor"."El Martini es el rey de los cócteles y forma parte de la trilogía de los más vendidos y famosos del mundo. Nunca desapareció del todo, pero sí hubo momentos en que la tendencia se inclinó hacia los tragos más frutales, que no son exactamente su fuerte", dice Pablo Pignatta, socio bar manager de Mixtape. Según su mirada, después de la fiebre del Negroni, el público se acostumbró a sabores más amargos, secos y con carácter.Santiago Lambardi, bartender, mixólogo y socio de Hierro Casa de Fuegos, suma una lectura cultural. Para él, el regreso del Martini se vincula con "un poquito con el revisionismo de las redes y demás de los años 90 y 2000". "Creo que el Dry Martini jamás salió del mapa; es un clásico que vence al tiempo", dice Ezequiel Cunzolo, socio y bar manager de Porte Bar, lo ubica dentro de una continuidad. Mati Benitez, bartender de Malasangre, lo vincula con un cambio en la forma de tomar coctelería: "Durante años la tendencia estuvo en cócteles muy dulces, muy cargados o visualmente exagerados. Hoy muchos consumidores jóvenes buscan experiencias más limpias, más sofisticadas y con identidad".Qué busca quien pide un Dry MartiniCunzolo marca una precisión inicial: "Martini Dry es una marca de vermú; Dry Martini es el cóctel a base de gin, vermú seco y aceitunas". La aclaración no es menor: alrededor del nombre también aparecen confusiones. Para él, el término dry refiere a un perfil seco, pero cada bebedor tiene su propio punto de comodidad con la cantidad de vermut.Arroyo lo lleva al terreno de la personalización: "Que salga exactamente como le gusta a uno. Soy bastante hincha en realizar varias preguntas a la hora de prepararlos". Para ella, un clásico bien ejecutado puede generar regreso: "Un cliente con un cóctel clásico vuelve porque le gustó cómo se lo preparaste".García coincide en que quien pide un Martini busca experiencia: "Busca precisión, busca temperatura, busca una copa que llegue impecable". Pignatta distingue entre el bebedor que ya conoce el cóctel y quien lo elige por la imagen que proyecta. Lambardi, en cambio, pone el foco en el ritual: la copa refrescada, el vaso de composición y la sensación de que el trago se prepara especialmente para cada persona. Batido o refrescado: el mito James BondLa frase de James Bond instaló una confusión que todavía aparece en las barras: "Agitado, no revuelto". Sin embargo, para el Dry Martini clásico, la mayoría de los bartenders consultados coincide en que la técnica correcta es refrescado.Cunzolo no deja margen: "Refrescado, siempre. El Dry Martini no debe contener aire". Para asegurar temperatura, incluso recomienda trabajar con el gin bien frío. Y recuerda dos mitos extremos sobre el vermú: "â??El director de cine español Luis Buñuel decía que el Dry Martini debía servirse helado y que la presencia del vermú tenía que ser meramente "testimonial". Winston Churchill, por su parte, decía que para él bastaba con mirar hacia Francia (de donde es originario el vermú) mientras se lo bebía. La realidad es que, más allá de los mitos, cada uno lo bebe con la cantidad de vermú con la que se sienta cómodo".Arroyo también se inclina por el refrescado, aunque deja espacio al gusto personal: "Es subjetivo, para mí es refrescado y acá la elección del hielo para refrescar es clave; obvio que todos los sabores deberían sentirse y tiene que estar bien frío". La temperatura aparece como una condición básica: un Martini tibio pierde elegancia rápido.Pignatta atribuye al agente 007 "el error más mítico": al batirlo, dice, el cóctel se aguachenta, pierde características y se oxida de más. García ordena la discusión: para un Dry Martini clásico, se mezcla en vaso mezclador con hielo y se sirve colado en una copa muy fría. Benitez coincide con el eje técnico: "Tradicionalmente el Martini dry se refresca, no se bate". Cómo pedirlo por primera vez"Mi consejo sería que en principio prueben como lo consumía nuestro querido amigo James Bond, que arranquen por un martini con vodka, que suele ser mucho más amable, refrescante y neutro, no tan fortachón el gin, que tiene un poquito más de graduación alcohólica", sostiene Lambardi.García baja la exigencia de la primera vez: "Que no lo encare como un examen. El Martini puede parecer intimidante, pero en realidad es un cóctel muy honesto". Y agrega una clave simple: decir qué se busca â??más seco, más húmedo, con oliva, con twist, con gin o con vodkaâ?? ayuda a que la barra trabaje mejor.No hay una única puerta de entrada. Cunzolo recomienda empezar con un London Dry de perfil cítrico, una buena dosis de vermut y algo para comer. Después, propone bajar la cantidad de vermut y variar el gin hasta encontrar el Dry Martini propio.Arroyo prefiere una entrada más sutil: "A mí personalmente me gusta más el Martini 50/50, mitad gin, mitad vermut, ya que la percepción es más sutil". Pignatta también recomienda el Fifty-Fifty para una primera experiencia, porque resulta menos seco, más herbal y con menor presencia alcohólica.Qué comer con un Dry MartiniEl Dry Martini funciona muy bien como aperitivo y acompaña sabores salinos, grasos y limpios. Cunzolo es directo: "Los mariscos en general son un gran acompañante para este cóctel. Las ostras, los langostinos o los frutos de mar complementan su perfil seco y salino de forma excelente".García recomienda ostras, aceitunas, almendras, papas fritas bien hechas, conservas, anchoas, quesos duros, crudos de pescado, tartares o snacks con buen aceite de oliva. Pignatta amplía el rango hacia carnes, pickles y preparaciones saladas. Lambardi suma aceitunas rellenas con anchoa, salmón ahumado y gravlax.Arroyo coincide en el clásico: "El clásico es acompañar con ostras". Esa asociación se repite porque el Martini limpia el paladar, acompaña la salinidad y sostiene bien productos delicados.Espresso Martini: el otro fenómenoAunque comparte nombre y copa, el Espresso Martini no tiene un parentesco directo con el Dry Martini. La Asociación Internacional de Bartenders lo ubica entre los cócteles de la categoría New Era y lo prepara con vodka, licor de café, syrup y espresso.Arroyo va a la base: "Los ingredientes básicos, son vodka + café espresso + licor de café. La elección de las bebidas o el café espresso que se realice en una cafetería de especialidad hacen la diferencia, al fin y al cabo, es lo que le da la personalidad al cóctel". Para ella, el buen café y una batida correcta son decisivos para lograr espuma.Pignatta lo presenta como un neoclásico nacido en los años ochenta. Su popularidad, dice, se entiende por el lugar cultural del café, el efecto de la cafeína y el auge del café de especialidad. "El Espresso Martini parece, directamente, que estás tomando un espresso", resume.García lo define como un cóctel con vodka, café, licor de café y un toque de dulzor. Lambardi asocia su revival con el crecimiento de la cultura cafetera en la Argentina y remarca la importancia de usar espresso recién preparado, licor de café y una pequeña proporción de almíbar o syrup según el dulzor buscado.Cómo lograr un buen Espresso MartiniEl Espresso Martini sí se bate. La espuma no es solo estética: define textura, aroma y percepción. Arroyo lo sintetiza: "Un buen café y una batida correcta". Esa fórmula corta concentra dos puntos centrales: materia prima y técnica.García agrega que no es simplemente un trago con café: "Tiene que tener espuma, temperatura, intensidad y balance entre alcohol, amargor y dulzor". Para Pignatta, el café debe ser espresso, fresco y bien preparado cuando hay máquina; si no, algunos bares usan cold brew como solución práctica.Lambardi suma una advertencia: si el espresso está recién hecho y muy caliente, conviene darle tiempo en la coctelera con hielo para enfriarlo antes de batir. De lo contrario, el calor puede generar una mala reacción dentro de la coctelera.Con qué combinar un Espresso MartiniEl Espresso Martini suele funcionar en la sobremesa. Puede reemplazar al café, acompañar un postre o incluso ocupar el lugar de un digestivo.Arroyo propone una combinación directa: tiramisú y postres con chocolate. Pignatta suma crème brûlée, tortas, chocolate y mousse. García amplía el mapa hacia vainilla, caramelo, frutos secos, helado, pan brioche, dulce de leche o incluso quesos azules si se busca contraste.En todos los casos, el punto común es claro: el Espresso Martini funciona mejor al final de la comida, cuando el café, el postre y la continuidad de la noche se encuentran en la misma copa.Coordendas de las barras consultadasMixtape: Franklin D. Roosevelt 1806, Belgrano; @mixtape.barTradition & Rebellion: Olga Cossettini 731, Puerto Madero; @traditionandrebellionPorte Bar: Azcuénaga 1268, Recoleta; @Porte.barCima, rooftop bar de Orno: Guatemala 4701, Palermo; @laCimadeOrno y @Orno.pizzeria.cantinaHierro Casa de Fuegos: Costa Rica 5602, Palermo; @hierro.palerm y @hierronordeltaMalasangre, Av. Cramer 2704, Belgrano; @malasangre.bar

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LONDRES.- Mucho antes que la creatividad se convirtiera en un valor de marca, la italiana Elsa Schiaparelli ya entendía el poder transformador del arte. Su talento y su buena estrella la llevaron a rodearse de algunas de las mentes más brillantes de su tiempo. Visionaria, audaz y profundamente intuitiva, desafió las convenciones de su época, convirtiendo sus colecciones en una declaración cultural capaz de generar impacto, conversación y asombro.No es casual que Coco Chanel, su gran rival, la llamara despectivamente "la artista italiana que hace ropa" evitando reconocer su capacidad como diseñadora de moda.Elsa Maria Luisa Schiaparelli nació en Roma en 1890 en el seno de una familia intelectual y aristocrática. Schiap, como le gustaba ser llamada, creció rodeada de arte, literatura y ciencia. En su autobiografía titulada Shocking Life, confiesa que su vida comenzó marcada por la decepción ya que sus padres esperaban un niño al nacer. Tuvo una infancia difícil, pues recibía duras criticas de su madre por su apariencia, en contraposición a la belleza de su hermana mayor.Desde corta edad, Elsa mostró un espíritu rebelde e independiente desafiando la expectativa familiar. En un intento por mantener control sobre ella, sus padres la trasladaban permanentemente a diferentes instituciones e incluso llegaron a internarla en un convento en Suiza. Esto desencadenó que la joven iniciara una huelga de hambre, logrando la atención de su padre que, finalmente, la llevó de regreso a casa.Años mas tarde, rondando los 20, Elsa cursó brevemente estudios de filosofia en la Universidad de Roma. Sin embargo fue en Londres donde comenzó una nueva etapa de su vida, al aceptar un empleo como niñera. Durante su estadía en la capital británica, dedicaba gran parte de su tiempo libre a recorrer bibliotecas y fue allí donde conoció a un teósofo, el Conde Wilhelm de Wendt de Kerlor. El encuentro fue tan inesperado como vertiginoso: apenas 24 horas después de conocerse, contrajeron matrimonio. Poco tiempo después, la pareja se trasladó a Niza en una etapa marcada por la Primera Guerra Mundial. Cuando Wilhelm manifestó su deseo de emigar a América, en 1919, decidieron cruzar el Atlántico con destino a Nueva York. Allí, Elsa dio a luz a su única hija, María Luisa Ivonne Radha, a quien llamaria "Gogó". Sin embargo, la felicidad duró poco. William la abandonaría por la célebre bailarina Isadora Duncan, dejándola sola con una beba en una ciudad desconocida. Elsa regresó entonces a Europa con su pequeña hija. A este desafío se sumó una nueva adversidad: la niña contrajo poliomielitis, lo que obligó a su madre a emprender una intensa búsqueda de los mejores tratamientos médicos. Con una determinación que la acompañaría durante toda su vida, enfrentó sola aquellas pruebas que terminarian forjando su carácter.Corría 1920 cuando llegó a París. "Si llegué a ser quien soy se lo debo a dos factores: la probreza y París, porque la pobreza me obligó a trabajar allí", sostuvo en sus memorias.Sin formacion académica en diseño, pero impulsada por una curiosidad inagotable y una extraordinaria capacidad para reinventarse, Elsa encontró en la moda un territorio fértil para desplegar su imaginacion. Sus primeras creaciones surgieron a través de prendas de punto que encomendaba a terceras personas, entre ellas el célebre sweater con efecto trompe- l'oeil que simulaba un moño, pieza que causó sensacion inmediata por su originalidad. A partir de ese éxito inicial, continuó desarrollando looks cada vez más audaces que desafiaban las convenciones de su época.Su talento no tardó en captar la atención de la élite cultural parisina. El apoyo de otro maestro de la moda, el gran Paul Poiret, resultó decisivo en los primeros años de su carrera, al igual que la estrecha relación que entabló con las principales figuras de la vanguardia artística. Su diálogo creativo con Salvador Dalí, Jean Cocteau, Pablo Picasso y Man Ray enriqueció una visión estética en la que el arte y la alta costura dejaron de ser disciplinas separadas para fundirse en una misma expresión.Schiaparelli convirtió la audacia en su sello distintivo, la clave de su consagración como una de las creadoras más revolucionarias del siglo XX. Hoy, parte de su legado puede verse en la exhibicion del V&A, que incorporó al vestido llamado Skeleton, de 1938. Creado en alianza con Salvador Dalí, fue revolucionario por fusionar la alta costura y una reflexion sobre el cuerpo humano y la muerte.También se destaca el Tears Dress, con estampado que denota lágrimas en tono surrealista, y el vestido Langosta, junto a sus famosos sombreros.Camino propioEn 1927 Elsa abrió su boutique en Place Vendome y comenzó a vestir a personalidades como Wallis Simpson, la polémica esposa del Rey Eduardo de Inglaterra, Daisy Fellowes, la excéntrica heredera norteamericana que llegó a ser editora de la revista Bazaar, y a las grandes celebridades de Hollywood como Mae West, Marlene Dietrich, Joan Crawford y Greta Garbo.Tras la II Guerra Mundial Elsa se encontró con una industria de la moda totalmente transformada. Esos años habían dado paso a una nueva concepción de la elegancia, encabezada por Christian Dior, que exaltaba una feminidad clásica y sofisticada.En este nuevo escenario, la estética que había planteado su etiqueta había perdido protagonismo. Aunque la diseñadora continuó creando durante algunos años mas, en 1954 decidió cerrar su Maison y publicó su autobiografía. Ya retirada de la actividad, dedicó sus ultimos años a viajar y escribir hasta que falleció en París en 1973.Muchos años más tarde, la moda retomaría su legado: en 2007 el empresario italiano Diego della Valle, propietario del grupo Tod's, adquirió los derechos de la marca y desde 2019 la Maison es liderada por el norteamericano Daniel Roseberry. Bajo su mirada, la firma no solo recuperó sino que superó las expectativas del mercado del lujo por haber sabido rescatar el espíritu audaz, innovador y surrealista de su fundadora.

La actriz de "El diablo viste a la moda 2â?³ que convirtió la alfombra roja en un manual de elegancia contemporánea

Con apariciones calculadas en premieres y galas, la intérprete británica sostuvo una narrativa visual basada en proporciones, materialidad y terminaciones: alternó corsetería arquitectónica, encajes, satén y transparencias con sastrería depurada y acentos de joyería

"De última moda". La noche de Mirtha: la Chiqui sorprendió con un elegante look en blanco y negro

Mirtha Legrand volvió a deslumbrar con su look en La noche de Mirtha: la gran diva de la televisión argentina hizo gala de todo su encanto cuando apareció en la pantalla de eltrece enfundada en conjunto en blanco y negro con lunares que no pasó desapercibido.A las 21.30 puntual, la Chiqui apareció en escena, como siempre, con su clásica cortina musical de fondo. Luego recitó la frase con la que abre, desde hace unos años, sus míticas comidas: "Vamos a comenzar nuestros legendarios sábados porque yo, señores, ya soy una leyenda. Y la leyenda continúa", y como cada una de las veladas que anima los sábados por la noche compartió el look elegido para la ocasión."Miren qué bonito lo que tengo puesto hoy. Están de última moda los lunares", comentó la conductora mientras la cámara mostraba en detalle su vestuario. Para la ocasión, lució una falda negra de shantung combinada con una blusa blanca estampada con lunares negros, una elección clásica y elegante que, además, resaltó su figura."Qué lindo, ¿eh? Tiene que marcar bien la cinturita", señaló mientras mostraba el diseño, confeccionado por Iara, una de las marcas que suele acompañarla en sus apariciones televisivas.La diva complementó su outfit con aros de gran tamaño que no pasaron inadvertidos. "Qué lindos. Preciosos los aros, lindísimos", expresó al agradecer también las joyas que eligió para la noche.Antes de pasar a la mesa, Legrand adelantó el nombre de los invitados, quienes luego animaron una velada en donde los temas de actualidad fueron los protagonistas: la abogada y política Lilita Carrió, los periodistas Ernesto Tenembaum y Nacho Otero y el economista Fausto Spotorno.Mirtha, presente en todos los mundiales View this post on Instagram Mientras se prepara para una nueva emisión de su programa, Mirtha Legrand aprovechó las redes sociales para compartir un recuerdo ligado a una de las grandes pasiones argentinas: el fútbol. A tres días del comienzo del Mundial, la conductora publicó un video en su cuenta de Instagram en el que repasó uno de los momentos más felices que vivió siguiendo a la selección albiceleste."Esta semana comienza el Mundial. ¿Usted sabe que yo vi todos los mundiales? Vi a la Argentina campeona tres veces", comentó la diva, orgullosa de haber sido testigo de buena parte de la historia futbolística del país.Luego evocó uno de sus recuerdos más felices vinculados a la Copa del Mundo. "Mi mejor recuerdo mundialista es cuando fui con Daniel al Mundial de aquí", repasó en referencia a Daniel Tinayre, su marido. "Cómo la gente golpeaba con elementos... Fuimos recorriendo toda la ciudad y todo el mundo estaba golpeando con algo por lo felices que estábamos todos", relató, en referencia a los festejos por la consagración argentina.Entusiasmada con la nueva edición del torneo, Legrand cerró el mensaje con una expresión de deseo y una muestra de confianza en el equipo nacional comandado por Lionel Messi. "Ojalá se vuelva a repetir. Y arriba Argentina, que va a ser campeón, sí señor", aseguró.Legrand, protagonista en la noche de PiazzaEsta semana Mirtha también se hizo tiempo para cumplir con sus compromisos: invitada especial de Roberto Piazza a la presentación de su nueva colección, el martes por la noche la Chiqui ocupó uno de los palcos centrales de Señor Tango y observó con atención el desfile y el show que ofreció el diseñador.Después de una distancia de 14 años que comenzó con una pregunta desafortunada de Mirtha a Piazza en su mesa, la conductora y el diseñador parecen haber consolidado su reconciliación. Por eso, Legrand le dedicó unas emotivas palabras al gran protagonista de la noche.Después del desfile, Mirtha tomó el micrófono. Primero, en medio de una ovación, destacó al público y celebró haber podido ir. Luego, se enfocó en la figura de Piazza: destacó que los dos son de Santa Fe y que tuvieron una amistad muy grande hasta que, en un momento, se distanciaron. "Tuvimos una diferencia por un comentario en televisión del que me arrepentiré toda mi vida. Pero la amistad se reinició y acá estamos", celebró.

Quién es Bruna Biancardi, la novia de Neymar que se dedica a la moda y las redes

Bruna Biancardi tomó notoriedad internacional al comenzar a salir en el año 2020 con Neymar da Silva Santos Júnior, el famoso delantero brasileño, que jugará este año su último Mundial. Desde entonces se la ve en cada partido de Santos F. C. y ahora se prepara junto a sus hijas para alentar a su marido en la Copa del Mundo. Sin embargo, pese a lo que muchos creen, la joven ya era conocida en su país natal antes de comenzar a salir con el ex Barcelona. Nacida el 15 de abril de 1994 en San Pablo, Bruna desarrolló desde su adolescencia un fuerte interés por el mundo de la moda. Entre 2012 y 2015 estudió Negocios de Moda en la Universidad Anhembi Morumbi, una formación que le permitió combinar su pasión por las tendencias con proyectos vinculados al marketing.Con el paso de los años, logró posicionarse dentro del universo fashion brasileño y colaboró con reconocidas marcas de lujo como Louis Vuitton, Off-White y Balmain. Su presencia en redes sociales también fue clave para consolidar su perfil profesional. Actualmente, supera los 15 millones de seguidores en Instagram, donde comparte contenido relacionado con viajes, moda, belleza, estilo de vida y momentos familiares. Además, suele mostrar parte de su rutina cotidiana, sus mascotas y distintas colaboraciones comerciales que realiza con marcas nacionales e internacionales.¿Cómo se conocieron Bruna y Neymar?La historia de amor entre Bruna Biancardi y Neymar comenzó a finales de 2020. Según trascendió, ambos se conocieron durante una fiesta de Año Nuevo organizada por el delantero en su mansión de Mangaratiba, en Río de Janeiro. Durante varios meses mantuvieron la relación lejos de los medios, aunque los frecuentes viajes de Bruna a París â??ciudad donde Neymar jugaba por entoncesâ?? alimentaron las especulaciones.Las sospechas se confirmaron en agosto de 2021, cuando fueron fotografiados juntos durante unas vacaciones en Ibiza tras la Copa América. Meses más tarde oficializaron públicamente el romance. Pero debido a las reiteradas infidelidades del futbolista, los enamorados tuvieron escandalosos idas y vueltas.A mediados de 2022 comenzaron a circular versiones sobre una crisis luego de que ambos dejaran de mostrarse juntos y aparecieran sin sus anillos de compromiso. Aunque en ese momento la influencer pidió no alimentar rumores ni especulaciones, la pareja terminó distanciándose. "No crean todo lo que dicen por ahí afuera", escribió entonces en sus redes sociales.Sin embargo, la separación duró poco. A comienzos de 2023 volvieron a mostrarse juntos y confirmaron la reconciliación durante los festejos por el cumpleaños número 31 del futbolista. En abril de 2023 la pareja anunció que estaba esperando a su primera hija juntos. Durante el embarazo, Bruna compartió con sus seguidores distintos detalles de esa etapa y habló abiertamente sobre las dificultades físicas que atravesó.La pequeña Mavie nació el 6 de octubre de 2023 y la noticia fue celebrada por millones de seguidores alrededor del mundo. Sin embargo, pocos meses después, la relación volvió a atravesar dificultades luego de que Neymar reconociera públicamente una infidelidad con Amanda Kimberlly mientras Bruna estaba embarazada. En noviembre de ese mismo año, la modelo confirmó que ambos habían decidido separarse de manera amistosa. A su vez, del deportista debió anunciar en julio de 2024 el nacimiento de su hija con Amanda, Helena. Sin embargo, lo que llamó la atención es que lo hizo solo acompañado por su hijo mayor, Davi Lucca, producto de su primera relación amorosa con Carolina Dantas. Pese a la ruptura con Bruna, el vínculo entre ambos continuó en buenos términos por el bien de su hija y a mediados de 2024 anunciaron que habían decidido darse otra oportunidad. Meses más tarde, Bruna sorprendió al revelar que estaba embarazada por segunda vez del futbolista. En julio de 2025 nació su segunda hija, Mel.Desde entonces, la influencer suele compartir imágenes de su vida familiar ensamblada y de la crianza de sus hijas, una faceta que ganó cada vez más protagonismo en sus redes sociales.

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La creadora de contenido explicó en siete puntos cuál es su postura en medio del clima político por las elecciones presidenciales que se llevarán a cabo el 21 de junio

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Desde que la "Casa de Austria", que reinaba en España en el siglo XVI, descubrió que, bien tratada, la madera llamada "palo de Campeche" brindaba un tinte para tela de un negro perfecto, que no se deslucía con el uso, el rey Felipe II decretó un monopolio comercial absoluto sobre la explotación de esa materia prima que permitía obtener el tono que indicaba poder económico y sofisticación. Aquella medida iba a desatar conflictos bélicos, enfrentamientos y contrabando. Un ejemplo de cómo un recurso de la naturaleza y una tendencia pueden alterar el curso de los acontecimientos

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"Me di cuenta de que era distinto". Creció en el taller mecánico de su padre, persiguió su sueño y se convirtió en un ícono de la moda

Sentado en su atelier, rodeado de esos maniquíes que en su infancia en Navarro (125 kilómetros al suroeste de la ciudad de Buenos Aires) le resultaban amenazantes, Pablo Ramírez parece haber encontrado finalmente la calma en el centro de su propio universo estético. Reconocido unánimemente como el "hombre de negro" de la moda argentina, su nombre es hoy sinónimo de una estética monacal y una sofisticación sin fecha de vencimiento.El diseñador, que acaba de publicar su libro Archivo Ramírez (Fundación Medifé Edita), un registro exhaustivo de más de 25 años de trabajo, recibe a LA NACION y abre las puertas de su archivo personal. "En mi casa no hubo nunca nadie que tuviera que ver con el diseño, aunque siempre me interesó y mi mamá siempre dice que yo le elegía la ropa, 'esto sí, esto no'", recuerda Pablo Ramírez, nacido en septiembre de 1971. "Me acuerdo que la acompañaba a las tiendas de Navarro, a El Barato Argentino, la tienda más cara del pueblo. Y eso que sus maniquíes me daban terror, me parecían amenazantes. Al final, terminé trabajando con maniquíes por todas partes.-¿Cuándo empezaste a pensar en el diseño? -En los 80, ni siquiera existía el concepto. Pero sí me di cuenta de que era distinto, que me gustaban otras cosas... Además, me lo señalaban, algo que en la adolescencia fue doloroso. Todo eso ya está superado, no hay traumas, pero de chico ya quería ser grande para irme de Navarro, donde todos me señalaban y se burlaban. Buenos Aires pasó a ser el faro, porque veníamos mucho: mi papá era mecánico y venía a Warnes a comprar cosas.-¿Qué recuerdos te quedan de tu vida en Navarro?-Fui al jardín y la primaria a una escuela de monjas. Y, para el secundario, ahí solo tenías la Escuela Técnica, la agraria o el colegio comercial, pero yo siempre tuve negación para las matemáticas... Quedaba el colegio San José, donde iban todas las chicas. Entonces escuché de alguien que estaba pupilo con los hermanos Maristas en Luján y dije, "Quiero ir pupilo". En realidad, yo me quería ir a cualquier lado. Tenía 12 años, fue un delirio el convencer a mis padres que, además, no tenían el dinero. Era carísimo el pupilaje. Ahí iban hijos de padres separados, de los que viajaban o chetos con conflicto. Era casi como un reformatorio, un "si te portás mal, te mando pupilo". El único que estaba pupilo por motu proprio era yo. Y lo hice porque me quería ir de Navarro.-Colegio de monjas, hermanos maristas... Todo eso tiene que ver con tu estilo monacal.-Sí, obvio. Pero el pupilaje duró un año, porque el lugar cerró. Me dije "Vuelvo a Navarro y me meto en el San José, voy a ser el único varón de la clase, con 37 compañeras mujeres".-¿Cuál pensabas sería tu futuro?-En el secundario pensaba estudiar literatura. Me interesaba todo lo vinculado al arte: dibujar, pintar, la escenografía, el cine o el vestuario, pero todo me parecía como inaccesible. Nací en un pueblo, mi papá era mecánico y mi mamá, ama de casa... ¿Cómo voy a acceder yo a todo eso? Pero un día, en 1986, apareció en LA NACION la primera convocatoria de diseño del concurso de Alpargatas y me presenté. Hice los bocetos, viajé en el 136 hasta la fábrica, y entregué mi carpeta. No quedé seleccionado. Cuando fui a retirar la carpeta, me dijeron "no fuiste elegido porque sos menor de edad, tenés que ser mayor de 18â?³. Aun así, participé dos años más. Hasta que, otra vez en LA NACION, aparece la noticia de que la UBA estaba creando la carrera de diseño industrial textil. Dije, "este es el lugar". Yo estaba cursando el quinto años. Cuando terminó el colegio, me vine a Buenos Aires y viví en una pensión tres meses. Continúa Pablo: "Fui a la FADU pero no me recibí: debo Matemática del CBC y no tengo el título. Siempre aclaro que no soy recibido. De hecho, Verónica, que es la directora de la carrera, me lo reclama. '¿Qué materias te faltan?, hacemos una mesa', me dice. Pero olvidate, ya está. Además, en el 93 se murió mi papá de un infarto. Tenía apenas 53 años. Fue durísimo, porque mamá era ama de casa y papá era nuestro sustento. Tenía 22 años y empecé a buscar trabajo. No conseguía nada, fue un año muy complicado. Hasta que en el 94 se vuelve para hacer el concurso de Alpargatas y ahí me dije: 'Yo consigo trabajo acá, sí o sí'. Y fue así, tenía el objetivo muy claro".De profesión, diseñador"Para el concurso había que desarrollar una colección utilizando las telas de Alpargatas. Yo venía de colegio católico, donde las chicas usaban el jumper como uniforme. Y el uniforme de los jóvenes fuera del colegio era el jean. Entonces mezclé las dos cosas e hice jumpers escolares en jean. Hace poco, armando el libro, entendí que el denim también tiene que ver con mi infancia, con la ropa de trabajo, el mameluco y mi padre", cuenta Pablo. El primer premio era un contrato de trabajo y una beca en Central Saint Martins en Londres. Pablo obtuvo la Primera Mención, que también aseguraba un contrato de trabajo en Alpargatas. "Yo estaba feliz, ¡tenía trabajo!", recuerda Ramírez.La ceremonia de premiación se hizo en el galpón Hirsch, donde hoy funciona la disco Museum, en San Telmo. Casi al terminar, Roberto Pettinato, conductor del evento, dijo: "En el jurado hay dos diseñadores franceses que decidieron otorgar un premio especial, un contrato de trabajo a Pablo Ramírez para desarrollar su colección de jumpers escolares"."No estaba planeado, nos quedamos todos sorprendidos. ¡No lo podía creer! Así pasé de estar un año buscando trabajo a diseñar en París", recuerda divertido Pablo.De Europa a Via Vai-¿Cómo fue esa experiencia en París?-Fantástica. Estuve como medio año en el estudio. No hablaba francés, pero me las arreglé perfecto. Después volví a la Argentina, porque también tenía contrato de trabajo con Alpargatas. Estuve un tiempo hasta que me llamó Alan Faena para trabajar en Via Vai. Se acababa de separar de Paula (Cahen d' Anvers), estaba buscando diseñador y en París le habían hablado de mí... Ahí trabajé con Josefina Helguera (quien luego sería cofundadora de Rapsodia) hasta que Alan vendió la marca, por 1995", detalla. -Un gran comienzo para tu carrera. -Sí, después me llamaron de Gloria Vanderbilt, una marca que había explotado en los 80 y en los 90, que había hecho varias licencias y se había vuelto un descontrol. Querían que dirigiera todo eso. Y es que yo siempre fui de estar detrás de todo: desde el zapato al peinado, la foto, el estilismo... Yo dibujo todo, siempre fue así. -¿Recordás qué fue lo primero que compraste con tu sueldo? -No me acuerdo, pero seguro que no lo ahorré. Siempre fui un desastre. No compré un auto, aunque sabía manejar muy bien. Imaginate: hijo de mecánico, aprendí a manejar en un Torino a los once años. -¿Trabajaste en algún momento en el taller? -Yo tenía que ir al taller mecánico. Estaba obligado. Como no iba al club y no hacía deporte, mi papá no soportaba verme todo el día encerrado, mirando televisión, leyendo o dibujando. "Si no haces nada, venís al taller", me decía. Y yo me quería matar porque me parecía todo denigrante: el olor, el aceite, la nafta, la suciedad... ¡mi papá tirado en el piso abajo de un auto! "Qué feo es esto", pensaba. Me ponía a ordenar los tornillos o escribir las facturas. Pero yo terminaba dando vuelta el talonario y empezaba a dibujar cosas. "¡Pero pará de dibujar, esto es un taller mecánico!", me decía. Para mí era un castigo. Hombre de negro: nace Ramírez"En realidad yo no quería mi nombre en la marca. En las prendas de mi primera colección solo les ponía un alfiler de gancho, que se pudiera sacar o poner", detalla Ramírez.-¿Un estilo Martin Margiela antes de imponer su estilo con Maison Margiela, sin logos ni marcas? -Exacto, así. Cuando vino Margiela, me voló la cabeza. ¡Era lo que yo quería hacer! Pero él pudo no sacarse fotos, no hacer entrevistas y yo noâ?¦ La gente empezó a identificar mis diseños como "es un Ramírez". Y, cuando me instalo en San Telmo, LA NACION me hace una nota que titula: "El regreso de un tal Ramírez". Mi amigo Horacio Gallo me dijo "Pensalo como una marca, como si fuera Coca-Cola, no pienses que sos vos". Y eso me liberó. -¿Fue orgánico o premeditado el hacer del negro tu ADN? -Orgánico, aunque ahora en retrospectiva entiendo que fue una decisión que tomé y que hubo una búsqueda. Porque siempre hubo cosas conectadas con mis raíces. -¿Tuviste tu propia experiencia El Diablo Viste a la Moda? ¿Alguien del ambiente te trató mal a lo largo de tu carrera?-Sí, en la industria de la moda, pero no voy a decir quién.-En el mundo de los diseñadores hay mucha competencia, ¿dónde te situás vos?-Como un outsider. Siento que soy un sobreviviente, que logro como adaptarme. Pero me gusta tanto lo que hago y me siento muy agradecido de poder vivir de trabajar de lo que me gusta. Pienso en Navarro y queda tan lejanoâ?¦ Que a la gente le guste lo que hago, que vengan actrices, todo me parece increíble. Y ahora que estoy con el vestuario de obras de teatro, más todavía. - Hiciste trajes históricos para Gustavo Cerati y para Fito Paez, ¿cómo nació eso?-Trabajando en Via Vai ya le habíamos hecho cosas a Fito. Y, en el 99, cuando todavía no había presentado mi primera colección, surge la presentación de los shows de Fito, Abre Tour. El tuvo una confianza y una generosidad conmigoâ?¦ porque yo era un atrevido y le dije, "¿Y los músicos qué se van a poner? Van todos de blanco y vos todo de rojo", le dije.- ¿Y cómo nació el look "Principito" de Cerati?-Gustavo me llama para un proyecto que era secreto: me dice que iba a grabar un CD en vivo en el Teatro Avenida. Y agrega: "Voy a estar con esta sinfónica, pero yo tengo la vocecita de un cantante pop y me tengo que vestir para eso". Yo sentí que la manera de protegerlo era con un tapado. Y justo había hecho la colección Patria, así que tomé la idea de un tapado sanmartiniano con un guiño pop. Acá volvió lo de Alpargatas y el denim, porque... ¿qué es más pop o rock que el jean?Le hice un abrigo de jean azul, forrado en satén rojo, una camisa blanca de cuello alto y pantalón negro. Todo un look. Y cuando lo veo en escena se mueve con gracia como si hubiera nacido con el traje puesto. Fue increíble. Al año, el disco se presentó en el Teatro Colón y casi me muero. Sentí que mi dibujo cobró vida, una cosa muy impresionante."Yo hago clásicos, no tienen vencimiento"Después de muchos años, Pablo Ramírez (el diseñador y la maison) dejó San Telmo y se radicó en Recoleta. "Me fue bien durante casi 15 años en el barrio, pero los últimos tiempos fueron muy duros. Pasaron muchas cosas en la ciudad, entre obras y cortes, que convirtieron la tienda en un lugar inaccesible. Parecía que solo se podía llegar en helicóptero. No daba para más y nos mudamos", recuerda.-¿Te verías, como Jonathan Anderson en Dior, entregando diez colecciones por año? -No, yo en eso coincido y me siento identificado con Azzedine Alaïa, que siempre fue como un outsider también, que dijo: "No, yo me bajo de esto, hago mis desfiles y los muestro cuando yo quiero". Yo hago clásicos, no tienen vencimiento.-¿Y nunca imaginaste una carrera como la de Adrián Appiolaza en Moschino, en el exterior?-Tampoco, la veces que estuve afuera, en París o en Nueva York, me di cuenta de que no es para mí. Yo extraño mucho. Siento que mi idiosincrasia, mi forma de ser, es argentina. Y hay algo en el destierro que no es para mí. Yo, que hice el exilio de Navarro a Buenos Aires, y luego me he ido afuera, lo sentí mucho. Cuando me fui a París, subí a la escalera mecánica y dije "chau, me voy y no sé cuándo vuelvo". Incluso al llegar allá me di cuenta de que me encantaba y todo, pero que yo tenía que estar acá.Una vida con GonzaloEn junio de 2024, Pablo Ramírez fue homenajeado en la Legislatura porteña como Personalidad Destacada de la Cultura. Al día siguiente, pasó por el Registro Civil para formalizar su relación de veinte años con Gonzalo Barbadillo. "Nuestra historia es larguísima", comenta entre risas mientras muestra su anillo de casado.-¿Se conocieron trabajando? -No, mucho antes. En el CBC conocí a mi amiga Angélica, que me empezó a hablar de su amigo Gonzalo. Se pasó todo 1992 contándome cosas de Gonzalo, pero no nos presentaba. Igual, yo pensaba: "Este va a ser mi novio".-Finalmente, ¿cuándo te lo presentaron?-Lo curioso es que Gonzalo no era gay, viene de una familia del Opus Dei, de diez hermanos (de hecho tenía tres hermanos numerarios, ahora dos porque una se fue y se vino a trabajar con nosotros). ¡Si hasta tenía novia! En diciembre del 93 hay un cumpleaños y Angélica lo trae. Lo conocí ahí. Teníamos una relación platónica. Mi terapeuta me decía "vos no sos el objeto del afecto" y me recomendaba olvidarme de él. En el año 95 o 96, Gonzalo me invita a su casamiento. ¡Sí, se casó!-¿Fuiste?-Por supuesto. Y es una de las anécdotas más geniales de mi vida. Él se casó en la iglesia San Martín, en San Martín de Tours, una iglesia chiquita porque quería asegurarse que estuviera. Y como él también había ido a FADU, diseñó el vestido de novia. Angélica estaba indignada, no podía creer que se casara, le agarró un ataque de despecho y se fue a Cemento y se compró un vestido tipo minifalda, plateado y escotado. Y yo, que entonces estaba platinado y tenía el pelo carré, me fui a la Bond Street y decidí ponerme un borcegos con taco: medía 2,10 metro con eso. Y le sumé un palazzo de hilo de seda de Drugstore, blazer de terciopelo y una boa de marabú, todo de negro. Así vestidos, nos bajamos del taxi. Y, como llegábamos tarde, nos encontramos con la novia del brazo del papá de Gonzalo, que estaba por entrar. Ella nos saluda y de repente se abren las puertas de la iglesia. Entraron la novia y el padrino por acá y nosotros por la puerta del costado. Ahí caí en cuenta de lo que estaba haciendo: en efecto dominó, toda la iglesia se quedó mirándome. Nadie podía entender lo que estaba entrando, fue muy fuerte. Conclusión que Gonzalo estuvo casado un montón, hasta 2002.-Se terminó pronto tu ilusiónâ?¦-Gonzalo se casó, yo en el 99 me voy a Nueva York y él me llama para contarme que iba a ser el papá. Yo vengo, Valentín nace en febrero del 2000 y me acuerdo que en abril yo presento mi colección. Aquel desfile en el Sheraton fue la primera salida que hizo Valentín después de bautizarse. Estaba en el backstage y viene Gonzalo a saludarme con Josefina y Valentín en el cochecito. Me ve solo en medio del caos y me dice "¿Querés que te ayude?". Y al final, Josefina y Valentín vieron el desfile y él se quedó ayudándome en el backstage.Él siguió casado, pero como había estudiado diseño e indumentaria en FADU (fue la primera generación, estudió con Roberto Piazza y fue compañero de Jorge Ibañez), le ofrecí trabajo como asistente para mi segunda colección. Aí, hasta el día de hoy. Somos recontra complementarios, porque somos muy opuestos.-¿Y por qué a vos nunca te vemos vestido en color? -Porque yo, de color, no tengo nada. Solo tengo un piloto color caqui, que me compré en un viaje en el New York cuando era bien delgado. Creo que ahora no me entra, pero lo tengo porque me encanta. ¿Blanco? Más que nada son las sábanas, las toallas y las remeras de algodón para dormir. Y Gonzalo es igual, de a poquito se fue como acostumbrado. -¿Qué tiene el color negro que te atrae tanto? -Para mí, en el negro hay algo tranquilizador. Yo siento que tengo tanta cosa en la cabeza, tanta imagen, y cosas que no sé... en el negro hay algo zen, como muy japonés.El archivo de Pablo RamírezEl año pasado a Pablo le llegó una propuesta que lo llenó de satisfacción: una vida, una carrera plasmada en forma de libro: "Archivo Ramírez" (Fundación Medifé Edita)."Lo del libro es algo que no lo tenía en mis planes, surgió a raíz de idea de Daniela Lucena quien tras una entrevista me pregunta sobre mi archivo. Le cuento, 'mirá, yo tengo todo guardado, porque conservo cosas, pero no está organizado'. La propuesta de hacer un libro fue un regalo absoluto", comenta Pablo con una gran sonrisa. Y no es fácil sacarle una sonrisa. -¿Te fue difícil resumir tu vida en un libro? -Yo les entregué todo. Y ellos en la semana trabajaban solos y, los sábados, yo venía especialmente para que me mostraran el material y ahí les develaba qué era qué. Había de todo. Para mí es como una como una rareza porque es una mezcla de todo: es un libro de estudio, de texto, pero que tiene además una riqueza no es un coffee table, ¿entendés? Hay más de 25 años de trabajo, desde cuadernos míos del secundario donde incluso dibujé una pasarela ideal para mis desfiles con sus medidas. Más que un libro, se puede leer una historia, el lado b: además hay material, imágenes inéditas, bocetos, notas mías, cartas, correspondencia, las Polaroids de Fito en el 99, la de Cerati. -¿Cómo te ves de acá a diez años?-No tengo ni idea, porque yo hace 30 años no me veía como estoy ahora.

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Yazmín Jaureguy y el Colo Barco: la historia de amor que empezó en un desfile de moda y que hoy coronan como familia

Valentín "Colo" Barco vive uno de los momentos más trascendentes de su carrera luego de haber sido convocado por Lionel Scaloni en la lista de la selección argentina para disputar su primera Copa del Mundo. Mientras el ex Boca y flamante jugador del Chelsea de Inglaterra se enfoca en el mayor reto deportivo de su carrera, la atención también recayó sobre su pareja Yaz Jaureguy, la modelo e influencer que lo acompaña desde hace varios años.La pareja ya conforma una familia junto a Gemma, su primera hija, que nació a principios de 2025. Todo esto ocurre en paralelo al crecimiento futbolístico de Barco, quien con apenas 21 años sigue consolidando una trayectoria que comenzó muy temprano en Argentina y que ahora corona con grandes actuaciones en Europa. Desde sus primeros pasos en Boca, el zurdo fue señalado como una de las grandes promesas del fútbol argentino gracias a su versatilidad para desempeñarse como lateral izquierdo o mediocampista, además de su capacidad técnica y proyección ofensiva. Sin embargo, su adaptación al fútbol europeo no estuvo exenta de obstáculos y desafíos. Yaz acompañó a Valentín en todo este recorrido, que tuvo varios altibajos. La pareja se conoció a fines de 2023 y su historia de amor comenzó lejos de los estadios y los entrenamientos. Su primer contacto se produjo en un desfile de moda, donde el jugador había ido invitado por un amigo que presentaba una colección de ropa, mientras que la modelo asistió al evento como parte de su carrera profesional. Tras aquel encuentro, el futbolista decidió seguirla en Instagram y, a partir de entonces, iniciaron una relación que se fortaleció entre viajes, cambios de país y nuevos desafíos. Con el tiempo, la llegada de Gemma terminó de consolidar el vínculo.Las especulaciones sobre la relación crecieron cuando ambos fueron vistos juntos durante la final de la Copa Libertadores 2023 en Río de Janeiro, partido en el que Boca perdió frente a Fluminense. Tiempo después, el propio Barco oficializó el noviazgo con una publicación en sus redes.La pareja viajó hacia Europa para seguir la carrera de Valentín y el 28 de marzo de 2025 nació Gemma, su primera hija. Apenas unos meses más tarde, en junio, dieron un nuevo paso y celebraron su casamiento. Ambos acontecimientos coincidieron con una etapa positiva en la carrera del futbolista. Tras experiencias sin demasiada continuidad en Brighton y Sevilla, encontró estabilidad en el Racing de Estrasburgo, en Francia, equipo al que el Colo ayudó a destacarse en la Ligue 1. Ahora Barco fue cedido al Chelsea y Jaureguy emocionó a sus seguidores al despedirse de Francia con una extensa publicación. Allí destacó que Estrasburgo les permitió recuperar "la felicidad y las ganas" después de atravesar momentos complejos, y agradeció especialmente al club, a los hinchas y al personal médico que acompañó el nacimiento de su hija."Llegamos siendo cuatro y nos vamos siendo cinco", escribió la influencer al recordar todo lo vivido durante su etapa francesa junto al futbolista. Ahora, con el regreso de Barco al fútbol inglés después del Mundial, Yaz Jaureguy también se prepara para una nueva etapa. Antes, Estados Unidos, México y Canadá, serán el escenario donde el Colo demostrará todo su fútbol en su primera cita mundialista.

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Robots humanoides desfilaron junto a modelos en un evento de moda celebrado el jueves pasado en Seúl, Corea del Sur, en una presentación que fusionó tecnología, inteligencia artificial y la industria de la moda. Ataviados con conjuntos a juego con los de las modelos humanas, los androides recorrieron la pasarela como parte del desfile "MACH33: Physical AI Fashion Show", organizado por la empresa surcoreana de tecnología y entretenimiento Galaxy Corporation.Para evitar tragedias. ¿ChatGPT debería avisar a las autoridades si un usuario le consulta por contenido violento?El evento tuvo como objetivo debatir cómo humanos y robots pueden coexistir en el futuro. Durante el desfile, cada modelo estuvo acompañada por un robot humanoide con ropa similar, creando una especie de dúo humano-máquina. Los robots desfilaron, realizaron pasos de baile e interactuaron con los asistentes, demostrando las capacidades actuales de la robótica aplicada al entretenimiento.Modelos y robots comparten la pasarela en Seúl (Gentileza AFP/El Economista)Las colecciones presentaban una mezcla de referencias futuristas y elementos inspirados en la estética espacial de los años 70, incluyendo vestidos de seda, pantalones de pierna ancha y prendas que recordaban el estilo adoptado por el músico David Bowie durante su etapa glam rock. Las prendas fueron adaptadas a la estructura de los robots y desarrolladas por la propia Galaxy Corporation, que tiene previsto lanzarlas comercialmente a finales de este año bajo la marca MACH 33.Según la compañía, la iniciativa forma parte de una estrategia más amplia para acercar la tecnología a la vida cotidiana y la cultura popular. El desfile tuvo lugar en Galaxy Robot Park, un complejo dedicado a experiencias con robots en Seúl, donde los humanoides también participan en actuaciones musicales, espectáculos inspirados en el K-pop y otras atracciones dirigidas al público."El futuro de la industria". BMW apuesta por robots humanoides para ensamblar autos en Europa por primera vezLos robots humanoides están en augeEn los últimos años, Corea del Sur ha incrementado sus inversiones en robótica e inteligencia artificial, buscando integrar estas tecnologías en diversos sectores de la economía y el entretenimiento. El desfile refuerza esta tendencia al introducir máquinas en uno de los espacios tradicionalmente asociados con la expresión artística y la creatividad humana.Los robots, que cada vez son más eficientes, ya han demostrado su capacidad para realizar bailes coreografiados, participar en carreras e incluso dar volteretas hacia atrás y aterrizar de pie.El chip inspirado en los celulares modernos que busca dominar las notebooks baratasLa firma de servicios financieros Morgan Stanley predice que el mundo podría tener más de mil millones de humanoides para el año 2050.Sin embargo, los robots totalmente automatizados, que utilizan la incipiente tecnología de IA física, aún son poco comunes y la mayoría de las demostraciones más impresionantes se controlan de forma remota o se programan con antelación.AFP

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El Diablo Viste a la Moda no es solamente una comedia. La primera película, estrenada en 2006, y su secuela de 2026 funcionan como una representación de las diferentes concepciones del management en las organizaciones: 20 años de evolución del poder y del liderazgo."En la primera se muestra a Miranda Priestly como una yarará, donde el maltrato era parte del desarrollo", señaló Andrés Hatum, PhD y profesor de la Escuela de Negocios de la Universidad Torcuato Di Tella, durante el Summit de Recursos Humanos organizado por LA NACION. En diálogo con José Del Rio, secretario general de Redacción de LA NACION, explicó que antes el líder ejercía una autoridad visible: gritaba, generaba miedo explícito y predominaba una jerarquía rígida. "Las personas tenían temor, pero era transparente", agregó. No había explicaciones: simplemente era "porque yo lo digo". Sin embargo, en 2026 las cosas cambiaron. "Miranda debe sofisticar el maltrato, ser políticamente correcta", desarrolló Hatum, y agregó que, aunque la autoridad sigue existiendo, ahora es más sutil: feedback que amenaza, KPI [métrica cuantificable que evalúa el rendimiento de un proceso], presión emocional y una horizontalidad incómoda disfrazada de "¿cómo te sentís con esto?".El gran problema de la situación actual es que "está todo tan tamizado que no sabés a quién tenés enfrente", indicó el especialista. Entonces, el maltrato sigue existiendo, pero de forma oculta, lo que provoca que las personas no se muestren tal como son.Los dos escenarios contrastan entre sí, aunque el trasfondo continúa siendo el mismo. "Antes había órdenes, gritos y humillación, pero todo estaba sobre la mesa. Ahora hay métricas, disponibilidad permanente y, aunque estás agotado, tenés día de mental health, feedback continuo e hiperactividad emocional", resumió Hatum, quien aclaró que ninguna de las dos situaciones es ideal.Cómo cambió la cultura organizacional en 20 añosEl cambio de estos dos paradigmas no ocurrió de un día para otro, sino que se produjo una evolución del control. En este contexto, Hatum enumeró algunos de los cambios que atravesaron las organizaciones en las últimas dos décadas:DiversidadInclusiónCompliance (buenas practicas corporativas)Protocolo anti acosoLenguaje inclusivoSensibilidad sobre la salud mentalDenuncias de abusoTodas estas características nuevas se reflejan en El Diablo Viste a la Moda. "La asistente de Miranda ya no es más Andy, sino que ahora hay diversidad racial", apuntó el experto, y agregó que su presencia marca un cambio en el paisaje organizacional, ya que la Runway de 2006 parecía una "fábrica de homogeneidad aspiracional". Hoy, en cambio, se debe mostrar otra composición. "La pregunta es si esa diversidad en las organizaciones modifica el poder real o si apenas mejora la foto institucional", reflexionó.Esto no es una imagen completamente positiva, ya que, según el experto, todavía persiste el miedo, el culto al rendimiento que fomenta competencia, la obediencia emocional, la disponibilidad permanente, el narcisismo corporativo, la hiperexigencia y el burnout con glamour."Si no tenés líderes que realmente cambiaron, no sirve", comentó Hatum en referencia a Miranda Priestly, quien no abandonó su narcisismo corporativo. Esto implica que moderar las formas no transforma el fondo. Miranda cuelga su abrigo y mide sus palabras, pero el supuesto básico sigue siendo el mismo: debe ser obedecida.El rol del líder en 2026El nuevo liderazgo se relaciona con la actuación, se asocia con "una empatía performática, no somos empáticos, pero debemos parecerlo", resaltó Hatum. Entre las nuevas características del rol aparecen el lenguaje terapéutico â??un cuidado especial con las palabras utilizadasâ??, obsesión por las métricas, vulnerabilidad estratégica â??representada en la segunda película cuando aparecen los consultores de McKinsey para reorganizar la empresaâ??, corrección política y presión constante."El nuevo líder es Frankenstein, no es una figura genuina", apuntó el académico, quien desarrolló esta idea al afirmar que las figuras de autoridad hacen grandes esfuerzos por no quedar mal. "Son cosas para el mármol: si no lo hacemos, no aparecemos en un ranking", enfatizó.La paradoja contemporáneaEn un contexto atravesado por la actuación, surge una contradicción interesante. "La gente habla de bienestar, pero igual se queman", destacó Hatum. En la misma línea, se promueve la flexibilidad, pero hay que estar constantemente disponible: mirar siempre el mail y el WhatsApp.Hatum invitó entonces a reflexionar. ¿Es más complejo liderar hoy que hace 20 años? Sí, pero no porque la gente sea más sensible, sino porque las contradicciones son más visibles. "Hoy se espera que un líder sea exigente, pero cuidadoso; inclusivo, pero meritocrático; cercano, pero estratégico; veloz, pero reflexivo; humano, pero rentable. Debe dar feedback sin destruir, corregir sin humillar, presionar sin producir burnout y construir cultura mientras el directorio le pide reducción de costos", detalló.En este sentido vale la pena preguntarse: ¿estamos construyendo organizaciones más humanas o simplemente formas más sofisticadas de obediencia? "En muchos casos, estamos más inclinados por la segunda", concluyó Hatum.

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El propietario de este tres ambientes en Barrio Norte llamó a la arquitecta Lucía Guerberoff para que le diera forma. "Lo acababa de comprar para su hijo en un edificio recién terminado. Mi aporte pasó por la elección y colocación de artefactos de iluminación, revestimientos y mobiliario para darle la calidez que necesitaba". "Tuve mucha libertad para trabajar en el interiorismo. Los únicos requisitos fueron no caer en una obra y tenerlo listo para la mudanza en un mes", recuerda la arquitecta.Todos los espacios se mantuvieron según el plano original, excepto la cocina. El primer cambio acá fue el reemplazo de una alacena por un estante colgante que liberara la vista. La otra modificación fue el sumar una boca de luz indirecta sobre la pared (Huup) que supliera la falta de ventanas."Si bien los pisos son de madera, el hormigón le daba un aspecto muy moderno y frío. La propuesta fue armar una paleta de base neutra que transmitiera calidez y le aportara un poco más de humanidad", cuenta Lucía. Una de las primeras decisiones en esa búsqueda fue apostar por las paredes y textiles en crudo, algunos detalles en negro y el color ladrillo o terracota como protagonista para guiar el recorrido visual por la propiedad.Para resolver el pedido de calidez, Guerberoff propuso una paleta de colores neutra con un sutil protagonismo del terracota que recorre los diferentes espacios."Como el balcón es lo suficientemente amplio, apostamos por una mesa con sillas de Estudio Te en color terracota, algo así como la versión outdoor de las que usamos en el comedor, pero en negro y en madera". Espacios privadosEn el cuarto principal, la arquitecta culminó la idea que comenzó en el living comedor: con la misma melamina dio forma a un respaldo de cama con dos mesas de luz colgantes.El cuarto más chico fue pensado para recibir visitas, pero también como posible espacio de trabajo. Siguiendo la estética y materialidad del mobiliario del living y la cocina, Lucía diseñó una biblioteca con escritorio incorporado.

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Referentes y nuevas voces del diseño latinoamericano presentaron sus desfiles en la Mansión del Four Seasons.Entre encajes, corsetería y trabajo artesanal, las colecciones adelantaron las claves de la nueva moda nupcial.

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La diseñadora brindó una charla sobre estilo personal en el marco de los 25 años de BAFWeek y luego habló en exclusiva con Clarín."No quiero que desaparezcan las marcas de ropa en Argentina", sostuvo y pidió un país que apoye a la industria.

Clara Cullen, la hija de Teresa Anchorena que trabaja con grandes marcas y diseñadores de moda

La hija de la gestora cultural Teresa Anchorena es una fashion film maker radicada en Los Ángeles. Trabaja para diseñadoras como Stella McCartney y marcas como Chanel, Levis o Max Mara. Hace diez años decidió partir hacia Estados Unidos, donde estudió junto a grandes cineastas. Su trayectoria incluye premios en festivales internacionales, videos experimentales, fotografías y cortos para la industria de la moda, junto a la escritura de sus propios guiones.La conversación con LA NACION transcurrió on line desde su estudio en la casa de Los Ángeles donde vive con su marido y sus hijas, Alma y Azul, de 9 y 2 años. Con el storyboard de su próximo film sobre la pared y tomando mate, Clara Cullen contó su historia en medio de una familia patricia de Buenos Aires y cómo pegó el salto para posicionarse en la industria del cine y de la moda internacional.-Tu madre, Teresa Anchorena, contaba que te llevaba a todas partes: a una ópera, una vernissage, al teatro... ¿Cómo viviste esa etapa?-Mi sueño era ir a Disney, pero nunca fui. Hacía la tarea durante los entreactos del Colón. Me aburrí muchísimo; me pasé la vida en las vernissage de su galería de arte. Sé abrir muy bien botellas de champagne [risas]. Empecé a trabajar de chica. Atendía los llamados de clientes por teléfono. Vendía un cuadro y me pagaban una comisión. Durante las ferias llevaba colgado un cartel de la galería y hasta tenía tarjetas personales.-En tu casa familiar de Villa Crespo había un living con cuadros de artistas argentinos y al lado un galpón con muebles antiguos para restaurar. ¿Fue un modo de ir conformando tu mirada?-Claro. Íbamos a museos, mamá caminaba rápido, y nosotros la seguíamos por detrás. Nos pedía que eligiéramos la pintura que más nos gustaba de toda la sala. También me enseñó a comprar en remates. Tenía el savoir faire de participar sin que notaran que estaba subiendo la apuesta. En París, estando exliada, fue donde aprendió mucho del tema. Todo parecía un juego de ella, pero ahora me doy cuenta de que en realidad me estaba entrenando para mi trabajo actual.-Tu familia paterna, los Cullen, eran enemigos históricos de los Anchorena. Además, tu papá, el estanciero Carlos Cullen, y tu madre, nunca se casaron. ¿Qué hay en vos de este estilo poco convencional?-Por su forma de ser, mamá siempre fue la oveja negra. No me iba a buscar al colegio ni participaba de los actos escolares. Llegaba a casa a las 11 de la noche y ahí empezaba nuestro día juntas. Me iba a dormir a las dos de la madrugada. Todo era de una excentricidad absoluta. Por eso también yo soy una oveja negra, más negra que la oscuridad misma. Y mis papás, que eran dos ovejas negras, me hicieron sentir que yo era una oveja completamente normal [risas].-Tu documental, Lo que no se ve ni se oye, trata sobre tu bisabuela y también sobre vos misma, estando embarazada. ¿Cómo nació la idea de mezclar el presente y el pasado?-Enriqueta Salas de Anchorena hacía lo que quería, era un ser rebelde. Un día encontré una caja con sus películas y la llevé a la Fundación Universidad de Cine, F.U.C. Descubrí un tesoro; fue una de las primeras directoras de la Argentina. Hacer un film con todo ese material y viviendo un embarazo fue una necesidad. No quería ser solo un animal que pare un bebé.-Llegaste a Estados Unidos a los 22 años para estudiar con Spike Lee y Werner Herzog. ¿Qué pasó para que siendo tan chica lograras posicionaste ante grandes figuras del cine?-En Buenos Aires iba al Liceo Franco Argentino Jean Mermoz y después estudié cine en la F.U.C. Fue ahí donde Spike Lee dio una charla y nos propuso trabajar en la película que iba a filmar. Le escribí y me respondió que había sido seleccionada. Le mandé mi C.V., el primero de mi vida. Hablaba muy mal inglés. Llegué a Nueva York a los 22 años para hacer esa pasantía con él y también estar bajo la tutela de Herzog. Después, viviendo en esa ciudad, me puse de novia con Max [Max Farago, fotógrafo estadounidense y actual marido de Clara] y me dijo :"Venite a vivir acá". Años más tarde nos fuimos juntos a Los Ángeles.-¿Es cierto que una de tus primeras experiencias artísticas fue entrevistar a estrellas de cine porno?-"A vos siempre te gustaron las cosas un poco dark", decía mamá [risas]. Recuerdo que me invitaron a hacer un shoot (rodaje) con Sasha Grey que era la porn star del momento. Me tocó el back stage de las tomas del fotógrafo y nos hicimos amigas; teníamos la misma edad. Me dije: "Le voy a hacer una entrevista en la ducha a Sasha". Fue un éxito total. Estaba desnuda en un plano medio y el lente se iba empañando, cada vez se veía menos. Hice unos ocho cortos de ese tipo con porn stars. Me encantaba conocer a las actrices, descubrir a la persona detrás de este tabú que es el sexo.-Tu portfolio incluye marcas globales como Chanel y diseñadoras como Stella Mac Cartney. ¿Cómo definirías lo que hacés?-El otro día preparé una fiesta en casa y lo pasé bárbaro; elegí la comida, la música, el ambiente. Una película es lo mismo. Buscás la gente, que escale el sonido, que baje y que suba el ritmo captando la energía de las personas que, a su vez, se mueven de un lado para otro. Esto hacemos con la diseñadora Gabriela Hearst porque estamos en permanente diálogo; el vínculo va más allá de un video, es contar una historia y me encanta. Pero, además, desde hace 15 años estoy en el mundo de la moda trabajando con Gucci, Chloé, Rodarte, Levi's, Dropbox, Chanel, Adidas, Zara, Max Mara y Schiaparelli, entre otras. En la mayor parte de los casos estoy en contacto con los Directores de Arte.-Filmaste y entrevistaste para el New York Times Style Magazine a una serie de famosos como Quentin Tarantino. Son retratos con tu sello porque, por ejemplo, en el caso del actor John Waters, le vas alcanzando regalos, él los abre, y a partir de ahí se dispara la conversación. ¿Por qué elegís ese formato?-Cuando entrevistás a un famoso pone play y repite su historia de vida. Hay que sacar al personaje de ahí y soy muy buena desestructurando a la gente. Al empresario Jeff Koons le di un globo para que lo transforme en un objeto artístico porque él hace esculturas con globos. Es un empresario acostumbrado a tener un estudio con 7000 esclavos y él no hace nada. Lo puse a prueba. Por ejemplo, a Messi lo haría preparar un mate.-¿Qué es para vos la elegancia?-La elegancia es lo auténtico, lo propio. Podés serlo sin tener plata, aunque necesitás una mirada muy filosa. No elegantes son las cosas que se repiten, las obvias. Trato de ser única gracias a que me dieron mucha seguridad en mí misma.-Sobre tu ópera prima, Manuela, que ganó como Mejor filme latino en el Santa Barbara Film Festival, dijiste que tu intención era resignificar la maternidad. ¿En qué sentido?-La maternidad es como portrait, un retrato, algo aburrido y tradicional. No es el vínculo de un hijo, una madre, y nada más. Yo tuve muchas madres: mi tía, la niñera, la señora que cocinaba, porque mis padres a veces no estaban. Son pedazos de madre. En Manuela la chica se queda sin mamá y la niñera se queda sin hija. En ese sentido creo que es como la poligamia.-Tenés dos hijas, Alma y Azul, de 9 y 2 años. Alma actuó en Manuela. ¿La vas a incluir en tu próximo film? ¿De qué trata?-Tengo un personaje que, justamente, se llama Alma y me gustaría que lo encarnara. Mi obsesión por la historia de mi familia la estoy contando en forma contemporánea. Es un western infantil donde un grupo de primos a caballo buscan un tesoro que les dejó la abuela que se acaba de morir. Así pasé mi infancia, haciendo casitas en el campo, yendo a descubrir con facones objetos escondidos en medio del campo.-¿Como es un día tuyo típico en Los Ángeles ?-Muy rutinario, pero si viajo salgo a comer afuera, tengo reuniones, ando de acá para allá. No hay momento más feliz que cuando el avión está por despegar hacia Europa o Nueva York. Me muevo entre dos mundos; en uno de ellos no veo a nadie en todo el día y me encanta. Eso era muy de mi papá: leía, le gustaba la naturaleza. Mamá tenía el estilo contrario. Volviendo a mi rutina, hoy me levanté a las 6AM y estuve con mis hijas en la cama jugando un rato. Mi marido está en París trabajando. Les preparé el desayuno y las llevé al colegio. Tengo un personal trainer en la Argentina y me da clases desde ahí todos los días. Necesito estar bien físicamente porque lo mío es como estar en Fórmula 1. Trato de meditar. Después me preparo un mate y trabajo. Mis proyectos vinculados a Europa los gestiono en las primeras horas. A las seis y media de la tarde estamos sentados a la mesa. Cocino muy bien, y rápido. Mamá me enseñó.-¿Qué añorás de Argentina y qué te atrapa de Los Ángeles?-Extraño absolutamente todo: el clima, la radio en los taxis, mis amigos, mi familia, la manera de manejar, avenida del Libertador, los sonidos de los cafés, el campo, las parrillas al costado de la ruta, el cielo, las nubes, la luz, los pájaros. Tengo un romance, una fantasía absoluta con mi país. Los Ángeles, en cambio, es rarísima, imposible de entender. Es muy internacional y a su vez tiene una naturaleza maravillosa, estás en el mar y la montaña el mismo día y vivís en contacto con gente de todo el mundo. La mezcla de nacionalidades me fascina. Es muy linda Buenos Aires, pero Los Ángeles me permite trabajar.

La Revolución de Mayo se celebra con vigilia, danza, teatro, arte y moda en su escenario principal: el Museo del Cabildo

En tributo a las históricas jornadas que tuvieron lugar hace 216 años en lo que hoy es el Casco Histórico de la ciudad de Buenos Aires, instituciones oficiales celebran la Semana de Mayo. La sede principal es el Museo Histórico Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo (Bolívar 65), más conocido como el Cabildo porteño. Su director interino, el historiador Horacio Mosquera, dijo a LA NACION que a partir de 2024 la concurrencia se mantuvo estable, con más de medio millón de visitantes (550.000), "con el público escolar, y los turistas nacionales y extranjeros como principales públicos", indica."Dejamos de ser Mondongo para esto": buscan nombre para un "nuevo ser" creativo de tres cabezasEste viernes se puede visitar Celeste Bandera, muestra de Nora Iniesta. En su primera exposición en el Museo del Cabildo, la artista reúne piezas con los colores de la bandera argentina que caracterizan su obra y trayectoria, y en la que confluyen tres hitos históricos: el tricentenario del inicio de la construcción del Cabildo; el 250° aniversario del Virreinato del Río de la Plata y el mes de la conmemoración de la Revolución de Mayo (la muestra sigue abierta, de miércoles a domingos y feriados, hasta el 8 de noviembre). Iniesta y Roger Mac Entyre, además, protagonizan la muestra Patria, que se inaugurará el 27 en Parera 50. Ese día a las 19, el historiador Daniel Balmaceda dará una charla abierta al público.El sábado, a las 16, habrá una ronda de lecturas, "Memorias de la Revolución", con la difusión de textos de memorias escritos por personajes históricos como Antonio Berutti, Cornelio Saavedra, Mariquita Sánchez de Thompson y Juan Bautista Azopardo. Quienes deseen participar se pueden inscribir enviando un mail a cabildonacional@gmail.com. Para sábado y domingo, a las 15.30, se prepararon dos visitas especiales para el público infantil, titulada "Los niños quieren saber de qué se trata", recorrido por las salas del museo para conocer la ciudad colonial y la Revolución de Mayo de 1810 (dura unos treinta minutos). El domingo, a las 19, se hará el relevo anual de la Guardia de Patricios, con la presencia de público y autoridades. Y a la medianoche comienza la Vigilia de la Revolución, con la banda del Regimiento de Patricios "Tambor de Tacuarí", que interpretará y cantará con el público el Himno Nacional. Se distribuirán bebidas calientes para combatir el frío de mayo.Y el lunes 25, el Museo el Cabildo abrirá a las 13 y cerrará a las 20. A las 14, se bailará el pericón; animarán el festejo integrantes de centros tradicionalistas de baile folklórico, con trajes típicos. A las 15.30, el arqueólogo Néstor Zubeldía guiará una experiencia de arqueología urbana e historia del edificio en la excavación arqueológica que se lleva adelante en el patio del museo, y se referirá a sus hallazgos más importantes. A las 16, hay función teatral de Patriotas, historia de una revolución, musical patriótico escrito por Marisé Monteiro y Manuel González Gil. Un musical escrito por Marisé Monteiro y Manuel González Gil, con música de Martín Bianchedi y dirección general de Nacho Medina. La pieza narra los acontecimientos en Buenos Aires entre 1801 y 1810 desde las mesas del legendario Café de Marco (declarado de interés cultural), donde Mariano Moreno, Manuel Belgrano, Juan José Castelli, Cornelio Saavedra y Vicente López y Planes soñaron con la revolución.La charla "La vestimenta en la época de la Revolución de Mayo", a cargo de especialistas de la Sociedad Victoriana Argentina, asociación que se ocupa de la recreación histórica en el área social, civil y cultural, entre los años 1790 a 1919, se hará a las 18. Actividades patrias en el Palacio LibertadSábado y domingo, de 14 a 20, en la Explanada del Palacio Libertad (Sarmiento 151) se hará la apetitosa Feria Gustar con una Cocina Abierta, en la que la identidad de cada región argentina se hará presente a través de su gastronomía. Además, habrá un aula móvil del Instituto Nacional de Educación Tecnológica, en donde se brindarán clases y demostraciones de cocina.A partir de las 15, entre pastelitos y empanadas, no faltarán las presentaciones musicales y expresiones de danzas tradicionales de distintas regiones del país, con Raíces en Movimiento, La Pelegrina, Mellys Etcheverry y Monte América (sábado), y Las Checker, La Poblada, Yumbambe y Raíces en Movimiento (domingo).El 25, el Palacio abre de 12 a 20, con la Feria Gustar apta para todos los paladares. De 12 a 14, el Ejército Argentino convidará chocolate caliente, seguirán las actividades en el bibliomóvil educativo y unos redivivos French y Beruti repartirán escarapelas. En el escenario de Ritmos Argentinos se presentarán, a partir de las 13, Facundo Vega, Gicela Méndez Ribeiro, Brian Gibert, Litoral Mitá y La Patriada.En la Plaza Seca se hará un taller de escarapela y, a las 15, en la terraza del Auditorio Nacional, integrantes del Ballet Folklórico Nacional realizarán un taller participativo dedicado a la danza tradicional argentina. La propuesta incluye una práctica guiada dirigida al público en general, a cargo de Federico Santucho y Graciela Ferreyra.El Museo Saavedra abre sus puertas sin costoEl lunes 25 a partir de las 14, el Museo Histórico Saavedra (Crisólogo Larralde 6309) abrirá sus puertas con entrada libre y gratuita, en horario especial de 14 a 18, para que el público pueda recorrer a través de sus salas la historia argentina. Para celebrar la Revolución de Mayo, habrá una programación especial en sus jardines y salas, con visitas guiadas, intervenciones y espectáculos musicales y de danza al aire libre con el Ballet Folklórico Los de Boedo (a las 14), Ana Alvarado y compañía (a las 15) y La Tucu (16:30), talleres de bordado y estampa, de creación de mensajes secretos en clave revolucionaria, propuestas gráficas y experiencias lúdicas para todo público para imaginar cómo se vivía en 1810.

Construir una identidad a través de la moda en 2026: "La ropa es nuestra segunda piel"

En el marco de las Charlas de BAFWEEK, la fundadora y directora creativa de Kosiuko, Cynthia Kern, compartió claves para transformar el vestidor, lejos de la presión de los estereotipos

Fanáticos sin camiseta son las estrellas en Grandes Ligas por la moda 'Tarps Off'

Una nueva moda ha contagiado a los seguidores del béisbol en EE.UU.: "Tarps Off", donde los fanáticos se quitan la camiseta y la agitan al aire. El movimiento, iniciado en San Luis, se extiende a ciudades como Detroit y Seattle, inyectando energía y un ambiente festivo a los partidos.

Las claves de Juliana Awada para elegir outfits en otoño: de la moda urbana a la elegancia atemporal

En una reciente campaña, la empresaria muestra combinaciones simples construidas con una base versátil y prendas clásicas

La emprendedora "mutante" que ganó el Martín Fierro de la Moda a la Trayectoria

Jessica Trosman ganó el Martín Fierro de la Moda a la Trayectoria y, en el escenario, dijo algo que sorprendió: "Yo me olvido de todo lo que hice". No era una falsa modestia. Su vida es tan vertiginosa que, solo en ocasiones, como cuando recibe un premio, tiene la oportunidad para detenerse un segundo y mirar hacia atrás.Trosman nació en Buenos Aires en 1966, pero se crió entre la Argentina y Estados Unidos. Vivir afuera marcó su ritmo. "A los 12 años ya sabía que quería diseñar, pero a los 14 trabajaba en McDonald's. En mi casa te enseñaban que vos eras empresario de tu propio puesto", recordó en diálogo con LA NACION.De Detroit a Beijing. El futuro del auto ya se define en ChinaCuando volvió a Buenos Aires, el mandato familiar era claro: había que estudiar "una carrera". Eligió Traductorado Público, se recibió y hasta trabajó unos meses. "Soy muy cumplidora, necesitaba tener un título para quedarme tranquila. Pero apenas tuve el diploma dije: 'yo voy a hacer ropa'", enfatizó.La entrada al mundo de la moda fue artesanal: una valija con diez prendas, diez ideas y la decisión de golpear la puerta de quien admiraba. "Le toqué el timbre a Santiago Sáez -dueño de la marca Ona Sáez- con mis prototipos. Ahí empezó mi carrera", recordó.Antes había aprendido a confeccionar desde cero en el taller integral de la madre de su pareja de entonces, que trabajaba para Vitamina. "Yo iba a las ocho de la mañana como un soldado. Me enseñó todo".Luego vinieron los primeros trabajos para Kosiuko y marcas que, en los 90, definían el pulso de la moda local. "Yo hacía todo. Diseñaba, producía, hacía la caja de exportación, posaba en los catálogos. Épocas en las que uno hacía de todo".Trosman - Churba y la conquista del mundoA fines de los '90, Jessica Trosman se asoció con el diseñador Martín Churba y nació Trosman - Churba, una dupla que revolucionó el diseño local. Juntos ganaron el Premio Tijera de Plata como revelación del diseño argentino, presentaron su primera colección en Roma, participaron del New York Fashion Week y fueron los únicos extranjeros invitados al San Pablo Fashion Week 2001.Luego fundó Trosman, su propia marca, con la que escaló internacionalmente. Su éxito incluyó un showroom en París, y ventas a diferentes países, como Estados Unidos, China, Arabia Saudita, Suiza, Bélgica, Inglaterra, Francia y Japón.Tras caer 60% en un año. Globant anunció una recompra de acciones por hasta US$125 millonesEl hito japonés fue enorme. Trosman firmó un acuerdo con Onward Kashiyama, uno de los grupos económicos más grandes del mundo en comercialización y producción de ropa de lujo, que manejaba marcas como Viktor & Rolf, Jean Colonna, Hussein Chalayan y Marni. Ella diseñaba y ellos producían para 18 locales propios, con una calidad tecnológica que -recordó- hacía que a veces ni reconociera sus propias prendas. "La Argentina no puede competir con esas telas. Pero nuestro diseño sí puede conquistar el mundo. Exportamos cabeza, creatividad. Eso es lo que más vale".La reinvención: del diseño a la esculturaEn 2018 dio otro giro y se convirtió en artista: comenzó a producir esculturas y hoy prepara una muestra en agosto, otra participación en arteBA y un nuevo proyecto internacional.Pero la industria nunca quedó atrás. Tras dejar su marca JT hacia 2010, volvió desde otro lugar: hoy asesora marcas, diseña colecciones cápsula (para octubre prepara el lanzamiento de una colaboración con María Cher) y trabaja como consultora en estrategias de producto para firmas como Batuk. "Soy una emprendedora mutante. Mi camino no es lineal, es circular y expansivo", resumió.A diferencia del estereotipo del creativo puro, Trosman destacó su afinidad por la matemática y la hoja de ruta financiera. "Me gustan los números y me gusta entender que hay que escribir y cumplir los objetivos", afirmó. Esta disciplina la llevó a contar con mentores de peso como Mario Quintana y Randy Emch, de quienes aprendió la importancia del stock y la gestión de "hits" comerciales como base del sustento económicoSu gran aprendizaje reciente tiene que ver con el público y con la economía real. "Mientras hacía esculturas, empecé a preguntarme por los techos del negocio. En Argentina producís para muy pocos. Entonces pensé: el proyecto que tenga el día de mañana tiene que ver con aprender a diseñar para todos, democráticamente, y no tiene que ser caro".Trosman fue franca respecto del contexto. "Es un momento muy difícil. Hay caída del consumo, apertura de importaciones. Hay que sobrevivir". Pero también vio un diferencial competitivo local: "Nosotros conocemos el cuerpo y la cultura del consumidor argentino. Las marcas globales no. Ellos pueden tener mejor calidad, pero tardan en entender qué nos gusta. Ahí tenemos ventaja. Competir por precio es una batalla perdida. El lugar para competir es el diseño. Identidad y diseño".A la hora de dar un consejo para quien quiere emprender, no dudó: "Preguntáte para qué sos bueno. Sin mandatos, sin encasillarte. Sé sincero con lo que te sale naturalmente. Y no dejes para mañana lo que podés hacer hoy".

La reina Máxima de Holanda confía en la moda española para su aventurero look de scout: combina el pañuelo reglamentario con un chaleco de Massimo Dutti

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Desde los humildes comienzos en El Centro, California, hasta las giras mundiales del siglo XXI, la trayectoria de esta artista camaleónica desafió cada límite que la industria del entretenimiento intentó imponerle en sus 80 años

Sasha Meneghel: La hija de Xuxa sumó un nuevo hito en su carrera como diseñadora de moda

En una velada que reunió moda, familia y grandes emociones, Sasha Meneghel (27) firmó un decisivo capítulo de su joven -pero ya consolidada- trayectoria profesional. La hija de Xuxa inauguró otra tienda de su firma Mondepars en el exclusivo Shopping Leblon de Río de Janeiro (el primer local está en San Pablo). La celebración íntima fue, al mismo tiempo, simbólica porque se trata de la consolidación de un sueño que comenzó a gestarse años atrás en la prestigiosa Parsons School of Design de Nueva York, donde estudió. Sasha se ocupó de cada detalle, desde el diseño hasta la iluminación de la tienda, con el objetivo de traducir su visión estética en una experiencia envolvente. Como no podía ser de otra manera, la gran noche contó con el apoyo incondicional de su familia. Xuxa Meneghel acompañó a su hija con la emoción propia de una madre orgullosa y también estuvo presente el marido de Sasha, el cantante y compositor João Lucas. Además, hubo tiempo para el recuerdo: la diseñadora reveló que la próxima colección de Mondepars estará inspirada en doña Alda, su abuela materna, que murió en 2018. "Fue ella quien me introdujo al mundo del arte", dijo Sasha.

La historia del pantalón de jean: el invento pensado para el trabajo pesado que conquistó el cine y revolucionó el mundo de la moda

El 20 de mayo de 1873 nació la prenda de vestir más famosa del mundo, una mezcla de supervivencia, remaches de cobre y rebeliones que llevaron la tela de los mineros del Lejano Oeste a las pasarelas más glamorosas del mundo

Parricidio en la moda española: detienen al heredero de la marca Mango por matar a su padre

La Policía de Cataluña arrestó a Jonathan Andic, actual vicepresidente de la multinacional, a un año y medio de la fatal caída del magnate Isak Andic en un acantilado. El caso, caratulado inicialmente como un accidente, se investiga ahora como un asesinato. Leer más

La historia detrás del vestido de novia negro de Sarah Jessica Parker, la icónica pieza que cambió la moda nupcial

Hace 29 años, la actriz rompió con la tradición al llegar al altar con un diseño oscuro que aún inspira tendencias

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Leonardo (también) vistió a la moda

Mientras la Bienal de Venecia se sacudía con la renuncia en pleno de su jurado por el comeback del pabellón ruso (lo que dejó en suspenso sus premios por primera vez en cuarenta años) y varios países (España, Irlanda, Eslovenia, Países Bajos e Islandia) se retiraban del popular concurso Eurovisión (el que catapultó nada menos que a ABBA en 1975) por la participación de Israel, la segunda parte de El Diablo viste a la moda impacta en las salas con la fuerza de los antiguos blockbuster en el tiempo sin tiempo del streaming. A diferencia de Venecia o Viena (sede de Eurovisión 2026), el exangüe Hollywood no cruje por la geopolítica (acusaciones concretas de crímenes de guerra) sino ante la retirada del mismo sistema que hizo posible no solo esta película (que en 2026 parece encarnar el cine todo) sino también su tema. La historia de la revista Runway y su mítica directora es ahora la del fin de su historia. Y por eso, también la de todo lo que está en su principio. *****De la ciudad moderna de los rascacielos, la segunda parte de El Diablo viste a la moda traslada sus faustos a las angosturas de Milano pero la producción viaja también en el tiempo hasta el Quattrocento. En un agudo análisis sobre la adaptación de Miranda (Meryl Streep) a las nuevas reglas corporativas, Andrés Hatum escribió el viernes 8 en este mismo diario: "Miranda, que antes parecía omnipotente, ahora debe negociar con otro tipo de soberanía: la del consultor que no manda, pero define qué partes sobreviven. Nada muestra mejor esa pérdida de aura que verla viajando en economy". En la descripción de ese paso de comedia que podría pensarse como un síntoma de sana austeridad (si no fuera porque los tecno magnates sueñan con perforar la estratósfera para huir de nosotros), Hatum deja caer la palabra clave por detrás del drama de Runway: aura. Parada frente al mural de 36 metros cuadrados, Miranda pone a su audiencia global y masiva de frente a La última Cena de Leonardo Da Vinci en una versión expandida de la Pinacoteca de los Genios. Los de su generación que no pudieron peregrinar al convento de Santa Maria delle Grazie la han visto en reproducciones (tras las sucesivas restauraciones, la fidelidad con el original es más bien baja) ya populares o tipo coffee-table book. Hoy aparece como una de las imágenes más intervenidas por los caníbales digitales (para el francés Francois Jost, autor de Dígalo con memes, es una categoría en sí) para la producción de memes en escala de smartphone, una miniatura de la prodigiosa hazaña. Su actualidad entonces es tal que conduce el final de un estreno convertido en fenómeno cultural al tiempo que podría aparecer en el escroleo previo de los celulares luciérnaga que permanecen encendidos durante la tediosa previa publicitaria. Parada frente a la obra de Leonardo, el personaje definitivo de Meryl Streep escapa por un segundo inadvertido de su rol de fashion dictator para dar una breve lección de historia del arte. Le explica a Andy (Anne Hathaway), pero también a quienes la están viendo mientras pochoclean, que por Europa pululan cantidades de imágenes sobre La última cena, ninguna como esta. A Jesús le falta el halo, dice, porque Leonardo quiso que se viera que es tan humano como el resto. Como ella: arquetipo glamoroso del destrato. *****El regreso de la historia de Runway se guarda esta carta de la que solo el cine a gran escala es capaz. Una cena con La última cena de decorado que incluye una traición en curso. Miranda, que hizo del culto a la belleza un dogma, tiene que soportar que se le diga que en poco tiempo ni ella ni los diseñadores ni acaso las mannequins harán falta en un universo donde todo es promptografía (la creación de imágenes vía el prompteo necesario para activar la IA). No hace falta que conteste. Tiene a Leonardo y a la historia del aura de su lado. Ahí, en esa capilla donde el artista total trabajaba hacia 1497 ante la vista del público (una forma de pintura-espectáculo que nos es desconocida) a pedido de Ludovico Sforza ya estaba todo esto que quizás (o no) se pierda. Veinte años después, Runway volvió relanzada por Vasari, el que la contó primero. O por Mallarmé, el primero de los poetas modernos, que el 6 de setiembre de 1874 editó el primero de los ocho números de La Última Moda donde firmaba con seudónimos femeninos (Marguerite de Ponty, Miss Satin, Une dame créole) todos los artículos que escribía sobre joyas, toilettes, mobiliarios y comidas.

El entrenamiento de Anne Hathaway a los 43 años para su transformación en "El diablo viste a la moda"

La rutina de 30 minutos que combina técnica, elegancia y ciencia en movimientos inspirados en la danza

La estabilidad fiscal está de moda

Es un fenómeno sorprendente, pues ahora hasta el peronismo ha tomado nota de que la población desea mantener el valor de la moneda y dejar atrás la inflación. No es para menos. La evidencia de los últimos años es contundente. En 2019, al día siguiente de que Alberto Fernández ganara las PASO con el 47,78% frente al 31,79% de Mauricio Macri, el S&P Merval cayó el 37,9% en pesos y el 48% en dólares, mientras los ADRs argentinos se derrumbaron hasta el 59%. En 2025, cuando Fuerza Patria ganó ampliamente las elecciones de la provincia de Buenos Aires, los bonos cayeron hasta el 9% y se disparó el riesgo país. Por contraste, cuando La Libertad Avanza (LLA) revirtió el resultado en las legislativas nacionales de octubre, los activos argentinos se recuperaron con fuerza. Esa experiencia fue tan traumática que aún se refleja en el índice de riesgo país, penúltimo de América Latina, solo superior a Venezuela, pues el temor de que se repita en 2027 es difícil de superar.Para recuperar a su electorado y aventar su mala imagen, el denominado "peronismo federal" se reunió el pasado 1° de mayo bajo la consigna "Primero las Ideas" y elaboró un documento que afirma, como primer punto, que "sin orden macroeconómico no hay desarrollo sostenible para el país". Dejando a salvo que se trata de una "condición necesaria pero no suficiente". En esa salvedad quedó el huevo de la misma serpiente que, desde 1946, envenenó a nuestro país cuando se estatizó el Banco Central.Ahora que la inflación ha descendido desde el 211% en 2023 al 30%, algunos creen que basta con mantener las cuentas públicas en orden, como si fuera una simple cuestión de gestión económica, similar a bajar la tasa de interés, subir aranceles o subsidiar la energía. Y no es así. Desde 1900 la Argentina tuvo déficit fiscal en 113 de los últimos 126 años sufriendo 22 crisis económicas que forzaron nueve defaults (incluyendo el mayor del mundo en 2001) y siempre por causas fiscales. Un argentino de 56 años vivió cinco crisis estructurales con disrupciones institucionales: 1975, 1982, 1989, 1990, 2001. Y tres coyunturales profundas en 1995, 2009 y 2018. Desde 1956 hubo 24 acuerdos con el FMI y todos fueron repudiados por implicar ajustes del gasto estatal. Como consecuencia, desde 1970 se quitaron 13 ceros al peso y se sufrieron dos hiperinflaciones cuyas heridas todavía duelen. Por eso, la Argentina carece de moneda como medida de valor y para ahorro de las familias. Vive al borde de otra crisis.El gasto público no solo refleja las prioridades de una sociedad para atender necesidades colectivas, sino que también es campo de batalla por obtener empleos, contratos, subsidios u otros ingresos por fuera del mercado y a través de decisiones políticas. El prontuario de desatinos enumerado arriba es un síntoma grave de un problema profundo, consolidado por un sistema de ideas y creencias de nuestro ser nacional. Si nunca pudo ser corregido en años, se trata de una cuestión estructural que modela la distribución del ingreso de los argentinos, sus trabajos, sus quehaceres grandes y sus desvelos pequeños. Cualquier intento de austeridad implica alteraciones tan profundas de los devenires cotidianos y la afectación de intereses tan arraigados, que es imposible el éxito sin superar rechazos y abucheos.Para evitarlos, los programas de estabilización nunca redujeron de verdad las causas de los gastos, sino que congelaron gastos corrientes (como salarios y jubilaciones) y se focalizaron en aumentar ingresos para cubrir los déficits. Las huellas de esos malabares fiscales se reflejan en la estructura impositiva distorsionada que caracteriza a nuestro país, con retenciones al campo, los impuestos al cheque, a los bienes personales e ingresos brutos y las múltiples tasas municipales que traban la producción. En 2023 la presión fiscal de la Argentina era del 27,9% del PBI sobre quienes tributaban, por la enorme evasión del resto y a pesar de eso, el déficit alcanzó casi el 3% del PBI. En 2025 se redujo a 21,9%, la más baja en 19 años, con equilibrio fiscal. Aun así, las industrias sufren ese "costo argentino" que les impide tener una "cancha nivelada" para competir con las importaciones. Para protegerlas, se adoptó un modelo de economía cerrada con elevados costos unitarios (incluyendo la presión fiscal) e incapaz de generar divisas, que muestra sus falencias al momento de integrarse al mundo. Por ello, el equilibrio fiscal debe acompañarse de reformas estructurales (función del ministro de Desregulación, Federico Sturzenneger) para que la competitividad productiva pueda sostenerlo de forma genuina y creciente.Es la primera vez que la Argentina encara a fondo su mayor dolencia, pues es la primera vez que un economista ha sido ungido presidente. En el pasado, muchos buenos consejos del Palacio de Hacienda fueron desoídos por la Casa Rosada para no torcer antiguas consignas o desilusionar a bases históricas. Ahora la decisión de equilibrar las cuentas proviene de quien ejerce la primera magistratura y no es solo una carpeta con buenas intenciones. El "Diario de una temporada en el Quinto Piso" (Juan Carlos Torre, 2022) con las desventuras del equipo económico que diseñó el Plan Austral es ilustrativo. Impedido de reducir el gasto estatal, privatizar empresas y realizar reformas por la vieja guardia radical, Juan Sourrouille se sentía aislado e impotente. Raúl Alfonsín lo apoyaba en privado, pero carecía de convicciones para contener los desbordes del ala política que espiralizaron la carrera de precios y salarios. Y al final, debió renunciar.Todas las partidas del presupuesto reflejan finalidades plausibles y por algo fueron votadas por mayorías legislativas. La educación, la salud, la justicia, la seguridad como acápites mayores y una multiplicidad de necesidades específicas, cuya satisfacción es siempre prioritaria. "Por cada necesidad, un derecho", aun sin financiación. Las discapacidades, la tercera edad, los subsidios tarifarios, los trenes y los colectivos, la investigación científica, las universidades, el cine, los medios públicos y, por supuesto, la infraestructura insuficiente por todo el país. Cualquier recorte en una partida repercute en otra, como la sábana corta. Pero detrás de esos fines encomiables, hay costos redundantes y capas geológicas que se resisten, más allá de la corrupción que sustrae fondos masivos a los bolsillos familiares.La estabilidad está de moda, pero el costo de lograrla, no lo está. Las marchas, las cautelares, los cortes de rutas, las pancartas, los reclamos individuales y las quejas colectivas, todos tienen su razón y todos tocan el corazón. Por ello, su costo nunca fue asumido de forma explícita antes de 2024 y fue transferido, con disimulo inflacionario, a sectores vulnerables que cayeron en la pobreza.Detener la inflación y recuperar la existencia misma de moneda es condición previa e indispensable para que el país funcione, las empresas inviertan, demanden personal, paguen impuestos y hagan aportes jubilatorios. Nada puede hacer el Estado que comprometa sus finanzas para acelerar ese círculo virtuoso, pues si lo hiciera, giraría al instante en sentido contrario. Mucho puede hacer, en cambio, para generar confianza evitando ruidos internos y exhibiendo la ejemplaridad de sus funcionarios.Reformulando el fraseo peronista, la estabilidad fiscal es condición necesaria, pero no suficiente pues para que el país crezca y pueda sufragar sus aspiraciones, debe acompañarse de reformas estructurales que aumenten la productividad, cambiando los incentivos. Es indispensable que las iniciativas se conformen a las señales del mercado y lleguen las inversiones que han sido remisas a visitarnos para no estar expuestas a "pagar el pato" de nuestros desquicios fiscales con devaluaciones, confiscaciones u otras burlas populistas a la seguridad jurídica.

Un recorrido por la moda vintage porteña: tres lugares para descubrir ropa con historia, diseño y personalidad

En este nuevo capítulo, titulado "Moda vintage", Vanessa se mete en el universo de la ropa de segunda mano, las prendas con historia y los proyectos que proponen otra forma de consumir moda. El recorrido comienza en su oficina del Palacio Barolo, continúa en Provenzal, el local de Maitena, y cierra en DuDou, una tienda vintage en Recoleta.A través de distintas épocas, estilos y formas de curaduría, el episodio muestra que el vintage no se trata solamente de recuperar ropa antigua, sino de mirar las prendas de otra manera: por su calidad, su diseño, su origen y la historia que todavía conservan.Una estética propia en el Palacio BaroloEl capítulo comienza en la oficina de Vanessa en el Palacio Barolo, donde recibe a Alejandra, creadora de Holy Innocents, uno de sus proyectos favoritos de vintage curado. La marca, que comenzó en 2009 y funciona principalmente online, fue una de las precursoras de una forma más minuciosa y contemporánea de acercarse a la ropa vintage."Tenés una estética y una búsqueda muy marcada, muy minuciosa, muy exquisita", le dice Vanessa. Y agrega una idea que atraviesa todo el episodio: se trata de ropa para un público que quizás no quiere parecer "disfrazado de vintage", sino incorporar prendas de otras épocas de una manera natural y actual.En la selección aparecen tapados largos, blazers, suéteres, carteras de cuero, chalecos y camisas. Prendas amplias, cómodas, de buenos materiales y con detalles que hoy son difíciles de encontrar.Provenzal y la memoria de los años 2000La segunda parada es Provenzal, una boutique de vintage curado con una fuerte impronta de los años 2000. El proyecto nació a partir del stock que había quedado de dos marcas de ropa de la madre de Maitena, que durante años tuvo una fábrica y diseñó prendas con una identidad muy marcada.Provenzal comenzó en 2020, primero a través de Instagram y ferias, hasta llegar a su propio local. "No es lo mismo ver una prenda en una publicación que venir, tocar la ropa y probársela", cuenta Maitena. En un contexto donde gran parte de la compra pasa por lo online, el local recupera la experiencia de mirar, probar y descubrir en persona.Entre las prendas elegidas aparecen vestidos con piedras, encajes, estampas y pantalones de diseño argentino. Muchas de esas piezas remiten a una época muy particular de la moda local, entre fines de los años noventa y comienzos de los 2000.DuDou y el placer de revolverEl recorrido cierra en DuDou, un local vintage ubicado en una casona antigua. Vanessa lo elige porque abarca muchas décadas, distintos géneros y una selección amplia que permite encontrar desde tesoros accesibles hasta piezas especiales de diseñador.Su creadora, Majo, cuenta que empezó muy joven, y que el vínculo con la ropa antigua nació primero como una búsqueda personal. Con el tiempo, ese interés se transformó en un proyecto dedicado por completo al vintage.La curaduría es parte central del trabajo. No se trata de comprar cualquier lote, sino de elegir cada prenda, revisarla, lavarla, plancharla, restaurarla y devolverla al circuito en buen estado. "La ropa está cuidada", explica.Con una mirada sensible y curiosa, Con Otros Ojos propone redescubrir la moda vintage no como una tendencia pasajera, sino como una forma de leer épocas, rescatar oficios, valorar materiales y construir una identidad propia a partir de prendas que todavía tienen mucho para contar.

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El plan de Pampita para superar su separación de Martín Pepa: viaje al extranjero, paseo al aire libre y cátedra de moda

Tras varios rumores y especulaciones, hace unos pocos días Carolina "Pampita" Ardohain confirmó su separación de Martín Pepa. Empezaron a salir en octubre de 2024, un mes después del final de su matrimonio con Roberto García Moritán. Aunque tuvieron una fuerte crisis en el medio, se dieron una segunda oportunidad, pero a pesar de eso la relación se terminó y, aparentemente, no en los mejores términos. La modelo decidió afrontar este momento lejos de Buenos Aires y se refugió en Miami, para desconectarse, relajarse y descansar. Fiel a su estilo, no dudó en mostrar cómo da vuelta la página y recompone su vida.Para Ardohain, las vacaciones no se negocian. Actualmente se encuentra en Miami, Florida, disfrutando del sol, la playa y el clima primaveral. El martes subió a su cuenta de Instagram, red social en la que acumula ocho millones de seguidores, las postales de su día de paseo. Posó a pura sonrisa con un look total black muy canchero: body asimétrico con aperturas a la altura de las caderas, una falda larga â??una de las tendencias de la temporadaâ??, un cinturón ancho con tachas, sandalias, lentes de sol y joyería plateada. Para cortar con lo monocromático, agregó una cartera color nude. La modelo se mostró con su característica sonrisa mientras paseaba por un centro comercial de Miami. Además de hacer una sesión de fotos, frenó unos minutos para tomar un té en uno de los restaurantes y también para degustar un helado frutal. Si bien apareció sola en las imágenes, probablemente alguna de sus amigas viajó con ella para acompañarla en este complicado momento.Luego de que su vida sentimental volviera a dar de qué hablar, Pampita le confirmó a la prensa su separación de Pepa. Remarcó que efectivamente la distancia â??ella vive en la Argentina y él en los Estados Unidosâ?? influyó, pero desmintió los rumores de infidelidad de parte de él. Aunque dijo que "Martín es un amor de persona", presuntamente habría sido él quien tomó la decisión de terminar la relación y, aunque ella insistió por una reconciliación, no hubo respuesta positiva. "Pampita y Martín terminaron a los corchazos", dijo Yanina Latorre en la emisión del lunes 11 de mayo de Sálvese quien pueda (América TV). Reveló que se comunicó con alguien del entorno del polista, quien le aseguró que Pampita "torturó por teléfono y con mensajes" a Pepa. "Él se la sacó de encima. Ya está en Londres y la familia festeja la separación", sostuvo y señaló que Ardohain habría sido "muy absorbente" y nunca habría terminado de forjar un vínculo sólido con la familia de él.Yanina Latorre reveló detalles de la separación de Pampita y Martín PepaAparentemente, la modelo le habría dicho a Pepa "que se iba a arrepentir, que no la deje, que lo intenten. Le mendigó por teléfono y él todo el tiempo con un rotundo no. Por eso ella al principio no blanqueaba, porque tenía la ilusión de viajar y recuperarlo", sostuvo Latorre. Asimismo, agregó: "Ella no aceptaba la separación. Lo torturó con el teléfono con llamadas, mensajes y audios. Le dijo de todo. Se le soltó la cadena y lo insultó de arriba hacia abajo. Él les contó a sus amigos".En este sentido, sumó que, según las amigas de la modelo, ella "está destrozada". En cuanto a Pepa, parecería que ya dio vuelta la página. Latorre señaló que, si bien el polista todavía "no tiene nada fijo", tras la ruptura habría salido con una mujer a la que conocía desde antes de empezar su relación con Ardohain.

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