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Murió Sergio Mendes, embajador de la música del Brasil e inventor de lo que otros creyeron inventar, a los 83 años

La muerte del pianista, arreglador y compositor Sergio Mendes, ocurrida el jueves en Los Ángeles, lleva inevitablemente a pensar que si la música del Brasil tuvo tanto éxito fuera de su territorio cultural y político, aun con las limitaciones idiomáticas que conlleva, fue por el trabajo de este hombre que se convirtió en baluarte y embajador. Mendes, que partió a los 83 años, es una figura insoslayable de ese Brasil fuera del Brasil. Y lo seguirá siendo por la dimensión de su popularidad, una que no se talló a base de una imagen o una buena voz. Fue suficiente con estar sentado al piano para lograr, desde allí, la expansión que generó haciendo música de su país. En ese sentido, aquel menino de Niterói, fue brasileño hasta el último día, aunque llegó a los Estados Unidos a principios de los sesenta, y allí se quedó.Convirtió en oro varias cosas que tocó. A principios de los sesenta, Jorge Ben escribió una canción titulada "Mas que nada", que fue una de las perlitas de su primer álbum, aunque no logró el mismo éxito que luego tuvo en las manos de Mendes. "Cuando 'Más que nada' llegó a Estados Unidos, en 1966 -contó Mendes en una entrevista reciente con el diario O Globo-, dos meses después fue el mayor éxito también en Brasil. No es que buscara el éxito en Estados Unidos, Brasil, Japón o Filipinas. Así es la música". Así de simple, como esas cosas simples que son difíciles de explicar, pero abren a algunos músicos una gran puerta a la fama. Aquella versión que se podía ver en programas de televisión, donde Sergio aparecía al frente de su grupo Brasil 66, fue la gran llave al éxito.Brasil 66 era un sexteto de piano, contrabajo, batería, percusión y dos voces. Una de las cantantes era Lani Hall, la otra, Gracinha Leporace, quien fue su esposa hasta el último día de Mendes. Desde su contagio de Covid-19 el músico venía con problemas de salud que se fueron agravando con el tiempo y que no tuvieron retorno. Según un comunicado de su representante, "su esposa y compañera musical durante los últimos 54 años, Gracinha Leporace Mendes, estuvo a su lado, al igual que sus amados hijos. Mendes actuó por última vez en noviembre de 2023 en foros con entradas agotadas y muy entusiastas en París, Londres y Barcelona". Something Special 1967)">Abandonado por su familia, dibujó su propio destino o se fue guiando por la intuición para ver lo que le marcaba el destino. Comenzó a llamar la atención como pianista y conoció a los que luego fueron grandes referentes de la música del Brasil, como Tom Jobim, Vinicius de Moraes y Baden Powell, en Beco das Garrafas, un local de música de Copacabana. Y ya como parte de ese mundillo, dijo presente, con sus jóvenes 21 años, en aquel hito de la música brasileña que fue el desembarco, el 21 de noviembre de 1961, en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue uno de los músicos de aquel famoso concierto, donde acompañó a Carlos Lyra, João Gilberto, Tom Jobim y Milton Banana. Allí se dio cuenta de que el terreno era propicio para desarrollar ideas y para usar al gran país del Norte como amplificador de sus invenciones.Luego de sucesivas visitas se terminó instalando, pero en la Costa Oeste, donde vivió hasta su último día. En sus pergaminos hay méritos valuados con nombres y números. Tocó y grabó con celebridades de la talla de Cannonball Adderley y Herbie Mann. Ya convertido en principal exponente del samba-jazz, se alió artísticamente a figuras consagradas como Herb Alpert y se ganó el aprecio de otros famosos, como Frank Sinatra. Las estadísticas dicen que fue el brasileño con más grabaciones que entraron en el Top 100 de los charts estadounidenses (fueron 14, en total, desde su versión de "Más que nada", que alcanzó el puesto 47, en 1966). En 2012 fue nominado al Óscar en el rubro mejor canción original como coautor del tema "Real in Rio", de la película de animación Río.¿Y acaso fue el hombre que inventó lo que otros creyeron inventar? Porque mientras que desde finales del siglo pasado se comenzó a cultivar una corriente que versionaba en clima "hotelero", músicas de diversos géneros, Sergio, ya en los sesenta y los setenta, ponía su creatividad para llevar a la bossa o el samba, la música de los Beatles o aquel "The look of love", de Burt Bacharach. Fue el mismísimo Paul McCartney quien le dio el visto bueno luego de escuchar la versión que con Brasil 66 había hecho de "Fool On The Hill".Recién varias décadas después se extendía la costumbre de recrear repertorios que terminaron en álbumes con títulos del estilo: Bossa & Lounge, Bossa & Beatles o Bossa & Roll. Mendes ya lo había hecho mucho antes. Incluso, artistas famosos, entre ellos Rita Lee, fueron hacia esas experiencias, teniendo al trabajo del muchacho de Niterói como antecedente.Con buenas ideas como productor, supo encontrar posibilidades en el universo pop. La versión de "Mas que nada", que grabó con Black Eyed Peas, en 2006, no es mejor que la original de Jorge Ben ni la que el propio Mendes había hecho cuatro décadas atrás, pero le dio un nuevo impulso a la canción y la puso a consideración de nuevas generaciones. Quizá, del mismo modo se pudo ver aquello que había hecho con los ritmos de la bossa nova y del samba. Sin salir de la formalidad del smoking (así se lo puede ver en muchos registros de televisión), lograba una mixtura entre lo rítmico del Brasil, ese jazz que amaba con grandes secciones orquestales, y cierta actitud "decontracté", que fue aquella que en los sesenta comenzó a imponer el rock y la música beat. Su buen ojo y su buen oído serán siempre recordados.

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Alberto Ginastera: la música de las pampas

Ginebra. Diciembre de 1980. Querida Georgy: Aquí van mis augurios para unas felices fiestas. Estoy terminando el Concierto nº 2 que se estrenará en Viena. Se anuncian varias cosas por mis 65 abriles y el 6 de julio se tocarán Panambí, mi opus 1 y este 2º concierto para cello, mi opus 50, en el Teatro Colón. Entre una y otra obra transcurren 45 años de lucha hasta alcanzar un ideal. No son muchas obras si pienso en Britten o en Shostakovich. A mi edad, ellos habían pasado las cien. Pero no hay que olvidar que soy argentino y no es mi país el que más me ayudó. Si fuera inglés hoy sería un lord. Si fuera ruso, sería 'el artista del pueblo'. Pero es mejor seguir adelante sin mirar a los costados como las mulas en los senderos montañosos." La carta dirigida a su hija Georgina la firmaba Alberto Ginastera, uno de los más grandes compositores del siglo XX, desde ese largo y definitivo exilio interior en Suiza donde transcurrió la última década de su vida. Un lamento en el que dejaba traslucir las huellas de las experiencias más amargas que le deparó la política.1945. La primera de ellas, cuando en agosto de ese año fue exonerado como profesor del Liceo militar luego de manifestar su repudio por el despido de varios docentes que habían participado de una protesta contra el gobierno de Farrell, y dejó asentado que se lo despedía por su postura antiperonista y "por defender los principios de la libertad", afirmación por la cual decidió que el sombrío momento político lo obligaba a alejarse del país.1952. La segunda experiencia dolorosa tras regresar a la Argentina y fundar el Conservatorio de Música y Arte escénico en La Plata, cuando en 1952 se le impuso rebautizar el instituto de formación musical con el nombre de Eva Perón, despropósito al que se opuso y por el que fue nuevamente exonerado bajo el causal de "antiperonismo explícito", perdiendo las cátedras que eran su sustento.1967. El golpe final con la hora de Bomarzo cuando, bajo la dictadura de Onganía con un decreto de julio de 1967, firmado por el intendente de la ciudad y el director del Teatro Colón justificando "la indeclinable tutela de los intereses de la moral frente a las referencias obsesivas del sexo, la violencia y la alucinación", se prohibía en el coliseo porteño la ópera que lo consagraba como compositor lírico tras su estreno mundial en Washington, erigiendo el caso como paradigma de la censura."Mi padre era católico al extremo", me contaba Georgina durante la lectura de una colección de cartas que recopilamos en un libro llamado De Padre a Hija, de entre las cuales surge el resignado párrafo inicial. "Mi padre era católico, creía en Dios y en la religión, pero tenía un principio fundamental para el arte: que debe ser libre e independiente de la moral. No se tomaba la vida con sarcasmos porque todo le dejaba una huella profunda en lo recóndito del corazón y ese hecho último -la prohibición de Bomarzo-, había abierto en él una herida incurable que marcó un antes y un después con la Argentina para el resto de su vida."Alberto Ginastera nació en Buenos Aires en 1916 y murió en Ginebra en 1983. De entre toda la pletórica música que compuso hay una simple y entrañable melodía con que los cantantes lo recuerdan como una caricia en la voz ¡pero vaya contraste porque dice "en mis pagos hay un árbol que del olvido se llama"!Film&Arts lo recuerda con un documental de Marcelo Lezama para la serie Breaking Music que cuenta el viaje de la violinista berlinesa Carolin Widmann a Buenos Aires tras los pasos del compositor y la inspiración de su arte, el ritmo de la ciudad y el frenesí de los años que dieron sus Pampeanas, el ballet Estancia, los conciertos para piano y violín, la guitarra, las Danzas criollas y ese espléndido, tan implacable y generoso Malambo suyo que como un trofeo se sube a cada escenario llevando orgulloso la música argentina -la música de las pampas-, un destello en medio de la noche con todos los colores y sonidos del universo.

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SADAIC confirmó que los salones de fiesta y los hoteles van a seguir pagando por pasar música

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Qué dice Sadaic sobre la medida que exime a los salones de fiesta, hoteles y bares tener que pagar por pasar música

Si al momento de planificar un casamiento presupuestamos lo que se gastará en el alquiler de un salón, la mantelería, el catering y tantos otros detalles, incluido el pago al DJ, ¿por qué no habría que pagar por la música que servirá de entretenimiento a todos aquellos que asistan a la fiesta? ¿Sería lo mismo que el DJ pase música de su propia creación y no aquellos clásicos inoxidables del carnaval carioca o los últimos éxitos de la música urbana que sirven para bailar hasta altas horas de la madrugada?Este tipo de preguntas podría servir para quienes se ubiquen a un lado y al otro del debate en torno al Decreto que el Poder Ejecutivo publicó ayer en el Boletín Oficial, mediante el cual se plantea una nueva definición de "ejecución pública" de música. Porque, en definitiva, de eso se trata esta reglamentación, más allá de que en el mundo del turismo y de los eventos festejaran la medida porque evita el pago de un canon, que en algunos casos puede ser una cifra elevada, por la reproducción de música en vivo o grabada.Desde las entidades colectivas de recaudación por derechos de propiedad intelectual (ya sea de creadores o intérpretes, como Sadaic y Aadi) se puede poner en duda el verdadero alcance del decreto, ya que señala que este derecho no se vería afectado cuando se trata de actividades comerciales que generan beneficios económicos. Así lo manifiesta el artículo segundo: Sin perjuicio de los derechos exclusivos que acuerdan las leyes a titulares de los derechos, sus derechohabientes, representantes, las sociedades de gestión colectiva que los representen o una plataforma autorizada por estos a ofrecer licencias con ese fin, estos tienen el derecho de percibir una remuneración equitativa de cualquier persona que en forma ocasional o permanente obtenga un beneficio económico directo o indirecto con la utilización pública de una obra y, en general, quien realice ejecución pública por cualquier medio directo o indirecto".Sin embargo, y aunque suene contradictorio, la redefinición que se hace de ejecución pública puede estar por encima del carácter comercial que pueda tener la actividad. Al tratarse de un decreto sustitutivo, lo que hace es cambiar los lineamientos o los alcances de uno anterior. Y este lo que dice es: ARTÍCULO 1°.- Sustitúyese el artículo 33 del Decreto N° 41.223/34 por el siguiente: "Art. 33.- A los efectos del art. 36 de la Ley N° 11.723, se entiende por representación o ejecución pública aquella que se efectúe -cualquiera que fueren los fines de la misma- en un espacio de acceso público, libre y dirigido a una pluralidad de personas. Y en esto dará a entender que no importa que sea comercial o sin fines de lucro. Su condición de ejecución pública o privada sería lo que determine el cobro de un canon.Como ya se dijo, esto resultará en un incentivo para actividades de rubros como el turismo y el entretenimiento. Incluso fue en ese tono que lo manifestó el ministro Federico Sturzenegger, en un posteo en redes sociales: "Logramos bajar los costos a la actividad hotelera y turística. Hoy por el Decreto 765/24 el presidente @JMilei aclaró el alcance de los derechos de propiedad intelectual para la reproducción de contenidos en ámbitos privados. Existía una controversia sobre si, por ejemplo, el uso de un televisor en una habitación de hotel consistía una difusión pública o privada. (...) La confusión había provocado el absurdo de que se cobraran derechos por la mera existencia de televisores en la habitación", indicaba el posteo.Más allá del ejemplo, al que se le aplicaba un canon que podía ser considerado distorsivo, hay otros casos en los que se podría seguir pensando en el hecho de que al momento de producir un evento, se pague por absolutamente todo menos por la música, gracias a una normativa que le da a ese evento un carácter "privado". En todo caso, el planteo pudo haber sido al revés. Replantear el sistema de recaudación de las entidades de gestión de derecho intelectual para que realmente no se impongan sumas fijas sin discriminación efectiva del destino de ese canon y deje de haber recaudación por un televisor encendido. Al mismo tiempo, que los creadores de música no dejen de percibir ingresos por el trabajo que han hecho, de la manera más directa posible.Sobre lo que representa el derecho intelectual en el mundo artístico habló con LA NACIÓN el Director General de Sadaic, Guillermo Ocampo. "El derecho de autor está reconocido en el artículo 17 de la Constitución Nacional, asimilado al derecho de propiedad sobre las cosas, de modo tal que cualquier avance sobre ese derecho implica un avance sobre el derecho de propiedad. La importancia de protección del derecho de autores y compositores, en definitiva, se trata no solamente de proteger a la creación globalmente considerada, porque tenemos convenio con otros países (somos una red), sino al que vive de su trabajo intelectual, en este caso de la música. El decreto pretende mejorar la actividad de los hoteles, que es una actividad comercial empresarial, a costa del derecho de los autores y compositores. Es absolutamente injusto y disvalioso como concepto", agrega. Según los números de Sadaic, el decreto afectará el 18 por ciento de lo que hoy son sus ingresos totales."Por supuesto que hay gente que está contenta con esto y que piensa que entidades como Sadaic no tienen nada detrás que las justifique. En realidad, existe como tal porque hay autores y compositores que la única forma que tienen para poder tener ingresos por el uso de sus obras es a través de la gestión colectiva -explica Ocampo-. Sadaic tiene 50.000 socios y representa a todos los autores y compositores. Lo que se hace con este tipo de medidas que se toman supuestamente en nombre de la libertad es que demuestran que la Argentina no respeta los derechos. En todas las sociedades hay tensión de intereses en juego. Pero no se puede resolver haciéndole pagar los platos rotos a una sola de las partes, suponiendo que con esta medida se resuelve el problema económico de los hoteles y eventualmente de salones de fiesta. Eso es una falacia, un argumento que no tiene ningún tipo de sustento. Es un argumento emocional que no está sustentado en los hechos. Por otro lado, lo dice el decreto para su (nuevo) artículo 35: todo aquel que tenga un beneficio directo o indirecto derivado del uso de obras artísticas en general, le genera a esta persona la obligación de remunerar a los titulares de derecho. Y cuando hay uso de contenido protegido, ya sea por un hotel o salón de fiesta, hay que reconocer el derecho de los titulares de esos contenidos. Lo que la gente entiende que el decreto pretende es hacer tabula rasa y eso no es concebible".

Bautista Mascia, íntimo: cómo cambió su vida tras "Gran Hermano", su sueño con la música y la historia de amor con Denisse

El uruguayo habló con Clarín y se confesó sobre todo lo que vivió tras vencer en el reality."Lo que más me impactó fue el cariño de la gente", confiesa el uruguayo, que el 6 de septiembre se presentará en el teatro Gran Rex.

Detractores y fanáticos, cada vez son más los corredores que se hacen una pregunta inevitable: ¿Correr con o sin música?

Se habla mucho de la parte positiva de correr con música. Del disfrute, del placer que significa acompañar kilómetros con melodías y letras que nos gustan, entretienen, motivan, y hasta transportan hasta momentos y lugares buenos.El equilibrio entre la motivación y el entrenamiento mentalMuchas personas aseguran que tanto una sesión de entrenamiento como una carrera resultan más llevaderas con música. Que se pasan más rápido el tiempo o los kilómetros, y que hay veces que no podrían completar la distancia pautada si no fuera por la compañía de su playlist favorita. Y en esto aparece el primer alerta o punto a analizar. Si precisamos siempre de una ayuda externa para completar un trabajo, quizás nos esté fallando la parte mental y debamos trabajar en eso. Especialmente si se pretende mejorar. Distinto es el caso de quienes sólo corren con fines recreativos, estéticos, o netamente por salud.Si lo que se busca es mejorar el rendimiento, es importante encarar también el entrenamiento mental, además del físico. Y eso podría incluir realizar algunas sesiones sin los recursos que facilitan lo que más nos cuesta. Como puede ser enfrentar en silencio la monotonía de las salidas largas. Hay quienes deciden usar música para abstraerse. Del resto, y también de sí mismos. Valeria Pinto es una corredora amateur con pretensiones, corre hace tres años y ya participó de muchas carreras de hasta 21 K. Quiere seguir mejorando tiempos y entrena a conciencia para eso, pero no logra correr distancias largas sola, sin música. Confiesa: "Escucho música porque no quiero escucharme yo". Sucede que muchas veces el silencio propicia voces internas o diálogos con uno mismo que no se tiene ganas de afrontar. El problema es que el hecho de abstraerse totalmente puede exponernos a situaciones de peligro. En la calle o en el parque, por ejemplo, los auriculares pueden silenciar sonidos que es mejor escuchar: una moto, un tren, un auto, una bocina, un grito de alerta, etc.Hay varios casos de accidentes sufridos por runners con música. Y muchos de estos podrían haberse evitado sin música, o simplemente con algunos recaudos. Por ejemplo, si no se puede prescindir por completo de la música, escucharla a un volumen bajo que no tape otros sonidos, o usar sólo un auricular.El placer de la música y el placer de correrNo se discute que la música, en todo ámbito, puede aportar placer. Pero correr sin música también puede resultar en una experiencia personal muy nutritiva. Es interesante algunas veces escucharse a uno mismo en cuerpo y mente: desconectarse de artefactos y estímulos externos, centrarse en el sonido de las pisadas, la respiración, y en esas voces internas que en compañía de las endorfinas pueden traer buenas ideas o respuestas a cuestiones que precisan resolverse.Otro punto a analizar es el hecho de escuchar música durante una carrera. Y acá conviene volver a diferenciar los perfiles, el del runner que corre para participar, completar el recorrido, disfrutar, y el que corre para competir, en busca de un tiempo o posición. Quien corre para ganar difícilmente opte por escuchar música. Es imposible ver a un atleta de élite compitiendo en una prueba importante con auriculares. Y esto tiene un porqué: para hacer algo muy bien se precisa toda la atención en eso. Enfocado y sin distracciones. Ahora bien, si no corremos para ganar ni tampoco para superarnos, si lo que indique el reloj nos tiene sin cuidado; aún así, por seguridad y por respeto a los demás, deberíamos poder correr escuchando lo que ocurre alrededor. No percibir sonidos como la sirena de una ambulancia o el pedido de paso de otro corredor, podría perjudicarnos no sólo a nosotros mismos sino al resto. Y todo empeora si el ámbito de la carrera es en las sierras o montañas, donde abundan los senderos estrechos con espacio para un sólo corredor, además de los imponderables. Por todo esto, podría ser una buena idea aún sin ganas, algunas veces hacer el esfuerzo de correr sin música. Seguramente descubriremos un universo de sensaciones y pensamientos nuevo. Y tal vez, nos termine gustando el sonido de nuestras reflexiones, ideas, el escuchar a nuestro cuerpo, y a la naturaleza. Después de todo, ellos pueden ser también una especie de música.Entrenadora Nacional de atletismo y corredora @CarolinaRossiOk

De Banfield a París: la historia del argentino que llevó su música a los Juegos Olímpicos

Inspirado por su abuelo, Martín Catoira comenzó a cantar a los 9 años y grabó tres discos con diferentes bandas. Solista desde 2016, viene realizando shows en distintas partes del mundo y presenta su segundo álbum

El Gobierno decretó la eliminación el cobro del derecho de autor por reproducir música y películas en ámbito privado

La nueva disposición resuelve que las obras pueden usarse con el consentimiento del autor y que no se abonará a asociaciones como Sadaic. Leer más

Casi abogado, hace saltar a miles con su música electrónica

Franco Pellegrini trabajó durante tres años como experto en Soporte Informático en el microcentro.Hoy, a los 27 años cursa las últimas materias de Derecho y es un consagrado artista que muestra su talento en el "tech house" y otros géneros.

Los salones de fiesta, hoteles, bares y restaurantes ya no deberán pagar a Sadaic por pasar música

Los salones de fiesta, hoteles, bares y restaurantes ya no deberán pagar a la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (Sadaic) por pasar música en fiestas privadas. Así lo dispuso el Gobierno a través del Decreto N° 41.223, publicado ayer en el Boletín Oficial, que establece una serie de modificaciones a la ley de propiedad intelectual."Se entiende por representación o ejecución pública aquella que se efectúe -cualquiera que fueren los fines de la misma- en un espacio de acceso público, libre y dirigido a una pluralidad de personas", sostiene el decreto. De esta manera, para la ley el ámbito privado queda excluido.En consecuencia, "se considerará ejecución pública de una obra musical o cinematográfica, discos, films sonoros, transmisiones radiotelefónicas y su retransmisión o difusión por altavoces la que se efectúe por ejecutantes o por cantantes, así como también la que se realice por medios mecánicos, electrónicos o digitales, incluyendo Internet".El ministro de Desregulación y Transformación del Estado, Federico Sturzenegger, explicó el motivo de la actualización de la normativa: "La confusión había provocado el absurdo de que se cobraran derechos por la mera existencia de televisores en la habitación de un hotel (aun si el cuarto estaba vacío), lo que encareció significativamente la prestación de los servicios".Logramos bajar los costos a la actividad hotelera y turística. Hoy por el Decreto 765/24 el presidente @JMilei aclaró el alcance de los derechos de propiedad intelectual para la reproducción de contenidos en ámbitos privados. Existía una controversia sobre si, por ejemplo, elâ?¦— Fede Sturzenegger (@fedesturze) August 28, 2024Especialistas consultados por LA NACION coincidieron en que la quita del impuesto tendrá un impacto positivo dentro del rubro, ya que representaba un costo "difícil" de pagar."Llevamos muchos años en una lucha importante respecto a lo que es salones de eventos sociales a nivel nacional y provincial, así que recibimos esta novedad con gran satisfacción", expresó a este medio María José Oliva, presidenta de la Cámara de Salones de Fiesta de Córdoba (Casafic). Y agregó que, con esta nueva normativa, la realización de este tipo de eventos podrá ser "mucho más barata" para los clientes."El mínimo de una reunión de 50 personas era de $70.000. Con la quita de este arancel, que era totalmente injusto, oneroso y discrecional, el cliente ya puede flexibilizar sus gastos", detalló.Bajo esta línea, Gustavo Mustoni, vocero de la Cámara de Empresarios de Discotecas y Bares de la provincia de Buenos Aires (Cedibba), añadió que, para el negocio de los boliches, también sería un gran beneficio quedar exentos de pagar dicho impuesto."Nosotros pagamos el 7% de entradas por Sadaic y otro 14% de AADI-Capi. Era un impuesto muy difícil de pagar, más teniendo en cuenta que la actividad bajó entre un 25 y 30% respecto del año pasado, y sigue en caída", indicó.Por su parte, los gimnasios también estaban obligados a pagar el impuesto de Sadaic por pasar música en televisores. "Nos parece una muy buena medida, va en la dirección correcta y creemos que va a ser muy bien recibida por el sector", dijo a este medio Federico Storchi, presidente de la Cámara de Gimnasios.

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A su presentación del 27 de septiembre en el Gran Rex sumó otra el 28. Además estará en el Quality de Córdoba y llegará al país acompañado por cuatro músicos cubanos a los que lo une una simpática anécdota. Falta poco para que podamos disfrutar de su energía y sus composiciones en vivo. Leer más

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Al mismo tiempo que se desarrolla el Tango BA Festival y Mundial en el segundo piso de la Usina del Arte en el barrio de La Boca se encuentra instalada una feria de emprendedores relacionados con la confección de prendas y calzados para bailar tango. PERFIL habló con tres emprendedores que luego de haber integrado grandes compañías de espectáculos de tango y recorrer el mundo, decidieron crear sus propias marcas de indumentaria para bailar, tanto en escenarios como en las milongas porteñas. Las historias de Lucila Segura, Viviana Laguzzi y Leandro Gómez. Leer más

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El auge de la música para concentrarse

Muchos escuchaban la denominada "focus music" o "música para concentrarse" mucho antes de que tuviera un nombre oficial o listas de reproducción de moda. El jazz y el downtempo siempre fueron opciones populares para desconectar y también centrarse en una tarea. Hoy en día, cada vez más personas gravitan hacia esta música y su capacidad para estimular la concentración. La música para concentrarse se puede definir como cualquier cosa que ayude a prestar atención, reducir las distracciones y mantener la productividad.Como sociedad, nunca hemos estado más distraídos. Según la Asociación Estadounidense de Psicología, el 86% de los estadounidenses dicen que revisan constante o frecuentemente sus correos electrónicos, mensajes de texto y cuentas de redes sociales, lo que genera mayores niveles de estrés. Un estudio de la Universidad de California en Irvine encontró que a las personas les toma alrededor de 23 minutos en promedio regresar a su tarea después de una interrupción, lo que destaca el impacto negativo de las interrupciones digitales.Para ayudar a combatir la lista interminable de distracciones tecnológicas, la gente está recurriendo a la música. Muchas estadísticas muestran el ascenso del género en los últimos años. Spotify compartió un aumento del 50% en el tiempo de escucha de listas de reproducción para concentrarse en su informe Wrapped de 2023 y Pandora tuvo un aumento del 47% en las estaciones que pasan este tipo de música en 2023 en comparación con el año anterior.¿Por qué esta música está creciendo tan rápidamente?La tendencia no se debe a cambios demográficos; como muestran los datos, el interés no se limita a un solo grupo de edad. Sabemos que la pandemia y el cambio al trabajo desde casa ciertamente influyen. La pandemia creó una tormenta perfecta de circunstancias que permitieron que la música para concentrarse floreciera, satisfaciendo la necesidad de estar más centrado en tiempos difíciles. La música resuena en las personas que luchan por concentrarse mientras estudian o trabajan desde casa con múltiples factores estresantes e interrupciones.El género también estaba bien alineado para los músicos que no podían ingresar a los estudios. A medida que más personas sintonizaban la música para concentrarse, se allanó el camino para que más artistas la crearan. Los estilos de música que normalmente se encuentran en estas listas de reproducción son instrumentales y, a menudo, de baja fidelidad. Como no había giras, no había necesidad de llenar grandes lugares y festivales con himnos impulsados por voces. Muchos artistas encontraron oportunidades para experimentar con estos paisajes sonoros instrumentales desde la comodidad de un estudio socialmente distanciado.¿Cómo afecta nuestra productividad?Sabemos que se requiere atención sostenida para realizar tareas creativas y comerciales, pero mantener la concentración en información relevante para la tarea durante un período prolongado de tiempo es mentalmente demandante. Las personas tienden a experimentar lapsos de atención que se dividen en dos campos generales: distracción mental (hipoexcitación) o distracción externa (hiperexcitación). El poder de la música para concentrarse es su capacidad comprobada para mantener la atención reduciendo ambos tipos de lapsos.Un estudio de 2020 de la Universidad Goldsmiths de Londres "proporciona evidencia de la capacidad de la música para mejorar la atención enfocada y el rendimiento (al aumentar la excitación a un nivel intermedio óptimo para el rendimiento) y sugiere que las personas pueden beneficiarse de escuchar música mientras realizan tareas poco exigentes".Mike Savage trabaja en estrecha colaboración con productores para crear música para concentrarse. Tiene un conjunto de criterios bien investigados que busca cuando encarga música. "Uno de los componentes más importantes es un ritmo estable que mantiene la mente lo suficientemente ocupada como para ser productiva, pero no tanto como para distraerla de la tarea en cuestión. Buscamos ritmos repetitivos y melodías constantes que no exijan demasiada atención, lo que puede resultar contraintuitivo para los artistas, pero que realmente funcionan en este contexto", comparte.¿Por qué cada vez más marcas y empresas están adoptando esta música?Las tendencias de bienestar como la atención plena, el yoga y la medicina funcional están ganando popularidad a medida que personas de todo el mundo luchan contra el agotamiento y la ansiedad. Las marcas de todos los sectores están incorporando estas tendencias en sus ofertas para seguir siendo relevantes y atraer a los consumidores preocupados por su salud. Ejemplos recientes incluyen Whole Foods, que comenzó a ofrecer clubes de bienestar y clases sobre temas como manejo del estrés, meditación y nutrición holística. Incluso Urban Outfitters vende ahora una gama de productos, desde suplementos y alimentos saludables hasta esterillas de yoga y música para concentrarse y estudiar.A medida que los consumidores se vuelven más conscientes de la importancia del bienestar general, buscan herramientas para controlar el estrés y aumentar el rendimiento. La música para concentrarse es una herramienta fácilmente disponible, sin efectos secundarios y con enormes ventajas.Hay razones para esperar que la escucha de música de este género aumente aún más rápido en los próximos años. Los departamentos de recursos humanos buscan nuevas soluciones para ayudar a sus trabajadores remotos a mantenerse productivos y conectados. Abogar por listas de reproducción de música para concentrarse es una manera fácil para que los empleadores ayuden a promover una atención sostenida y crear una experiencia compartida entre sus empleados. Los servicios de streaming para consumidores satisfarán la creciente demanda de esta música ampliando el desarrollo y la promoción de listas, aumentando aún más el consumo. A medida que nuevos estudios de investigación validen la eficacia de esta música para mejorar los niveles de concentración, el género se volverá más refinado y ganará aún más impulso para ayudar a combatir el flagelo de las distracciones digitales.

Bacilos: por qué creen que su música trascendió generaciones, cómo es su vida en Miami y qué comprarían con un millón de dólares

Los artistas participaron en el ciclo de entrevistas Casino Resort en Infobae. Compartieron la historia del origen de la banda, su evolución a lo largo de más de 20 años de carrera y los objetivos detrás del lanzamiento de su nuevo disco.

J Balvin encabezará la próxima edición de la Semana Anual de la Música Latina de 'Billboard'

El reguetonero será el artista principal del evento que se realizara en Miami, Estados Unidos, del 14 al 18 de octubre

Sones castellanos y música de origen sefardí abren una nueva edición de Folk Plasencia

Julián Álvarez en Atlético de Madrid: música y un efecto especial en la particular presentación de la Araña

Atlético de Madrid vivió una fiesta en el estadio Metropolitano. Con sus tribunas repletas, el conjunto Colchonero realizó la habitual "Noche de bienvenida", en la que presentó a los cuatro refuerzos de cara la temporada 2024/2025 que comenzó a disputarse el pasado fin de semana con la primera fecha de la Liga de España. El que se llevó todas las ovaciones fue Julián Álvarez. El argentino apareció en pantalla gigante con un efecto especial en su rostro y también con una canción muy particular. Además, le habló a todos los fanáticos.A pesar de que todos los futbolistas que arribaron al equipo dirigido por Diego Simeone ya fueron presentados en conferencias de prensa, con fotos, e incluso formaron parte del empate 2 a 2 del último lunes frente a Villarreal por la primera fecha de la liga española, este martes se realizó en el estadio Metropolitano la Noche de Bienvenida, el evento en el que los jugadores se mostraron más cerca de la gente.Con una sonrisa, Julián Álvarez y los nuevos jugadores de Atlético de Madrid recorren el Metropolitano en su presentación... ¿Cómo crees que le irá a la Araña en el Colchonero?ð??¹ @Atleti pic.twitter.com/8J4Ta38BfA— SportsCenter (@SC_ESPN) August 21, 2024Los nuevos futbolistas del Atleti son el atacante Alexander Sørloth, quien llegó de Villarreal a cambio de 32 millones de euros. El defensor Robin Le Normand, adquirido a Real Sociedad a cambio de 34,5 millones de euros, y el más flamante, el británico Conor Gallagher, que firmó este mismo martes, proveniente desde Chelsea por una suma de 40 millones de la moneda europea. Los tres jugadores estuvieron junto a Julián Álvarez, que al igual que sus nuevos compañeros tuvo una presentación especial.El argentino estaba en uno de los palcos del estadio y los presentadores de la jornada comenzaron a advertir que el jugador estaba allí. Acompañado por su novia, con la música del Hombre Araña de fondo, y un efecto como si le caminara una araña por su cara, el delantero saludó al público con su tradicional festejo y luego se dirigió al campo de juego.¡UNA PRESENTACIÓN ESPECIAL PARA EL CAMPEÓN DEL MUNDO! Con la presencia de su familia, Atlético de Madrid le da la bienvenida a JULIÁN ÁLVAREZ ð??·ï¸?ð??¦ð??·.ð??¹ @Atleti pic.twitter.com/ervHosNEFD— SportsCenter (@SC_ESPN) August 21, 2024Una vez que estaba en el túnel por hacer su entrada en el campo de juego, los animadores de la noche de bienvenida comenzaron a presentarlo como "el campeón del mundo y doble campeón de América". Cuando ingresó en el terreno de juego con la casaca número 19, el locutor expresó "la araña ya pica", luego comenzó a gritar su nombre ("Juliáaaaan") y mientras la gente respondía con su apellido, ante el saludo del exManchester City, que llegó hasta el centro del campo.¡EXPLOTA EL METROPOLITANO! Máscaras de Spiderman y camisetas de la Selección Argentina... Julián Álvarez es presentado en Atlético de Madrid.ð??¹ @Atleti pic.twitter.com/IOoJQLOTyU— SportsCenter (@SC_ESPN) August 21, 2024Una vez allí, la presentadora le dio la bienvenida y le consultó sobre lo que generaba la gente de Atlético de Madrid. En ese momento, Álvarez habló por primera vez para el público y expresó: "Es un honor estar acá. Varios de mis compañeros con los que hablé, el 'Cholo' incluso antes de venir, fueron una de las primeras cosas que me dijeron, que me iba a enamorar de esta afición. Se puede sentir ya esto tan lindo y esperemos vernos el domingo de vuelta. Es la primera vez que piso la cancha, es una emoción muy linda y como dije antes, vamos todos el domingo ¡Aúpa Atleti!".Vale destacar que el club español desembolsó más de 75 millones de euros por la ficha del delantero. Julián Álvarez desembarcó en Atlético de Madrid para convertirse en uno de los fichajes estrella del mercado de pases español tras la llegada de Kylian Mbappé a Real Madrid, y firmó un acuerdo con el club colchonero por seis años. El último lunes hizo su debut en el equipo frente a Villarreal."AUPA ATLETI" Julián Álvarez le habla al Metropolitano en su presentación como refuerzo de Atlético de Madrid.ð??¹ @Atleti pic.twitter.com/ZKZGCWTaZw— SportsCenter (@SC_ESPN) August 21, 2024Álvarez, que viene de disputar la Copa América de Estados Unidos y luego disputó el torneo de los Juegos Olímpicos, participó el lunes en el último tramo del partido, unos 20 minutos de acción, con un mundo de miradas sobre su figura. Ovacionado por el grupo de hinchas del Colchonero y bajo el calor de algunos hinchas de Villarreal que lo aplaudieron, su debut fue una anécdota que no olvidará en su vida. Arrancó la nueva era de la Araña, lejos de la Premier League, con Diego Simeone y otros campeones del mundo, en un eléctrico 2-2, que pudo tener más goles. Y tal como lo mencionó el Araña, el próximo domingo, los de Madrid se presentarán de manera oficial ante su gente cuando reciban a Girona, la revelación del año pasado, desde las 16.30 de la Argentina, en el duelo de la segunda fecha de la Liga de España.

La moda toma las calles de Buenos Aires con una agenda repleta de eventos de diseño, música y creatividad

Desde hoy y hasta el 7 de septiembre se llevará a cabo BA está de Moda. La capital argentina será el epicentro de actividades que reunirán a diseñadores, insignias y creadores emergentes. Un repaso por algunas de ellas

Jhonny Rivera vivió momentos de tensión: estas son las carreteras que tiene que cruzar para llevar su música por Colombia

El intérprete de género popular mostró en un video cómo debieron cruzar una carretera en malas condiciones para llegar a tiempo a una presentación

La Chirichota: música y humor que llega desde las Islas Canarias directo al Opera

Surgido como expresión carnavalera, sus integrantes se convierten en músicos clásicos que fueron despertados en el cementerio por el retumbar de las canciones actuales y, con los criterios de su época y su sabiduría, la analizan para diversión de los espectadores que ya están llenando el primer show. Leer más

Transforma tu forma de dormir con música: Estos son los géneros que realmente te ayudan a conciliar el sueño

Estos géneros musicales crean un entorno relajante que puede reducir el estrés y facilitar la conciliación del sueño, ayudando a alcanzar un descanso más profundo y reparador.

A veinte años del regreso de Gabo Ferro a la música y el comienzo de su carrera solista

Publicado a cuatro años de la temprana muerte del cantante, un mes antes de cumplir 55 años, el volumen se presenta como un recorrido por su "vida-obra". Este extracto cuenta cómo, estimulado por la aparición de Flopa Manza Minimal y gracias al poeta Vicente Luy, llegó a grabar su debut como solista.

Música por los refugiados

Coldplay superó a leyendas de la música y ahora ostenta el tour más grande y exitoso en la historia del rock

Antes de Music of The Spheres, el primer lugar en el periplo musical con mayores ganancias lo tenía Elton John; la banda irlandesa U2 también lideró por un tiempo este ranking

Una ciudad del mundo prohibió a sus habitantes escuchar música de Karol G, Maluma, Feid y otros artistas de género urbano un día del año

La administración de esta ciudad cuenta con agentes que supervisan que no suene este tipo de música. Hay multas

Cuál es la música que ayuda a mejorar el estado de ánimo, según un estudio

La música tiene un poder significativo que puede influir en el estado de ánimo de las personas; la clásica, en particular, demostró tener efectos positivos en el cerebro. Investigaciones recientes profundizaron en este tema, dado que por medio de un estudio analizaron las ondas cerebrales utilizando técnicas de imágenes neuronales que permitieron sacar grandes conclusiones.A partir del análisis, los investigadores llegaron a la conclusión de que estas melodías puede mejorar el estado de ánimo y generar un impacto favorable en la actividad cerebral, proporcionando una mayor sensación de bienestar. El propósito fue descubrir métodos más eficaces para emplear la música como una herramienta que estimule el cerebro en personas que, de otro modo, no responden, como los pacientes con depresión resistente a los tratamientos convencionales. Los hallazgos de este estudio fueron publicados en la revista Cell Reports y su autor principal, Bomin Sun, director y profesor del Centro de Neurocirugía Funcional de la Universidad Jiao Tong de Shanghá, explicó: "Nuestra investigación integra los campos de la neurociencia, la psiquiatría y la neurocirugía, proporcionando una base para cualquier investigación dirigida a la interacción entre la música y la emoción". En ese sentido, añadió: "En última instancia, esperamos trasladar los resultados de nuestra investigación a la práctica clínica, desarrollando herramientas y aplicaciones de musicoterapia convenientes y efectivas".Cómo se llevó adelante la investigaciónEl estudio se enfocó en pacientes con depresión resistentes al tratamiento que ya contaban con electrodos implantados en sus cerebros para llevar a cabo una estimulación profunda. Estos dispositivos se insertaron en un circuito que conecta dos áreas del prosencéfalo: el núcleo del lecho de la estría terminal (BNST) y el núcleo accumbens (NAc), regiones clave en la regulación de emociones y recompensas.A través de estos implantes, los investigadores descubrieron que la música produce efectos antidepresivos al sincronizar las oscilaciones neuronales entre la corteza auditiva, encargada de procesar la información sensorial, y el circuito de recompensas, que maneja el procesamiento de la información emocional. Este hallazgo sugiere que las piezas musicales pueden actuar como un puente entre la percepción sensorial y la regulación emocional, lo que ofrece un nuevo enfoque para tratar trastornos depresivos."El circuito BNST-NAc, a veces denominado parte de la 'amígdala extendida', subraya la estrecha relación entre este circuito y la amígdala, una estructura central en el procesamiento de la información emocional", relató Sun, mientras que también aclaró: "Este estudio revela que la música induce un triple bloqueo temporal de las oscilaciones neuronales en el circuito cortical-BNST-NAc a través de la sincronización auditiva".Tratamientos personalizados de musicoterapia para la depresiónLos pacientes del estudio se dividieron en dos grupos: alta y baja apreciación musical. Aquellos con alta apreciación musical mostraron una mayor sincronización neuronal y mejores efectos antidepresivos, mientras que los de baja apreciación musical presentaron resultados menos favorables. Esta clasificación permitió a los investigadores analizar con mayor precisión los mecanismos antidepresivos de la música y proponer planes de musicoterapia personalizados para optimizar el tratamiento.Por lo que dieron a conocer en la investigación, al incorporar ruido de frecuencia theta en la música para mejorar la sincronización oscilatoria entre el BNST y el NAc, los pacientes del grupo con baja apreciación musical reportaron un mayor disfrute de la melodía. Durante el proceso, se utilizaron distintas piezas de música clásica occidental, género que fue seleccionado porque la mayoría de los participantes no lo conocía, lo que ayudó a evitar posibles sesgos causados por la familiaridad previa.Las conclusiones sobre usar música para mejorar el estado de ánimo"Llegamos a la conclusión de que las elecciones musicales durante el proceso formal de escucha eran individualizadas y no estaban relacionadas con el trasfondo emocional de la música", expresó el experto.La investigación futura del equipo se enfocará en varias áreas claves: en primer lugar, buscarán entender cómo la interacción entre la música y las estructuras profundas del cerebro contribuye a los trastornos depresivos. Además, planean incorporar otros tipos de estímulos sensoriales, como imágenes visuales, para explorar los posibles efectos terapéuticos combinados de la estimulación multisensorial en el tratamiento de la depresión."Los datos de esta nueva investigación revelan que la relación de la música con el placer es tan fuerte que ayuda a aliviar la depresión. Y esa relación podría tener un patrón de actividad eléctrica cerebral identificable, medible", opinó Rafael Román Caballero, investigador de Marie SkÅ?odowska-Curie en el McMaster Institute for Music & the Mind de McMaster University (Canadá), en diálogo con SMC España. Aunque no formó parte de este estudio, profundizó: "Lo que nos depara el futuro es entender si este tipo de patrones de actividad puede inducirse".

Conversaciones con Dino Saluzzi: del mate cocido y la música de su "querido tata", en los carnavales de Salta, a los escenarios de toda Europa

El apellido Saluzzi trae consigo una connotación que está relacionada a un hecho musical que se hace en familia, con la tutela de un miembro del clan que oficia de guía. Se llama Timoteo, aunque nadie lo reconoce por ese nombre. Todos lo llaman Dino. Nació hace 89 años en Campo Santo, Salta. Su voz fue y sigue siendo el bandoneón y su música comienza en los cerros y puede terminar en cualquier parte del mundo. Sus grabaciones para el sello alemán ECM Records (más de una docena de discos), dan cuenta de esto. También lo hace Dino Saluzzi, con palabras que elije para presentarse."Mi padre [Cayetano Saluzzi] trabajaba en una plantación de azúcar y, en su tiempo libre, tocaba el bandoneón y estudiaba partituras de tango y de música folclórica. No había libros, ni escuelas, ni radio... nada. Sin embargo, mi padre supo transmitirme una educación musical; música que, después, cuando estudiaba, me di cuenta de que ya la conocía, no desde el punto de vista de la razón o de la racionalidad, sino de una manera diferente, de una manera extraña, la que produce la música".Dino es dueño de un humor bastante particular, quizás difícil de entender para quien apenas comienza a tratar con él. Ha escrito música bella, ha compartido una manera de tocar el bandoneón única, muy por fuera de los cánones del tango (aunque lo tocó durante años y formó parte de orquestas típicas), y ha generado cofradías musicales con artistas de las más diversas latitudes, sin dejar de nutrirse de un entorno musical cercano: sus hermanos, su hijo, su sobrino (Celso, Félix, José María, Matías). La música de raíz folklórica, la de cámara y el jazz contemporáneo quedaron ligados por los puentes que ha sabido tender Dino.Sostiene un espíritu irrenunciable a ciertas ideas de cómo debe ser transmitida la música. Y poca paciencia frente a la irreverencia que otros tienen, al desafiarlas. Todo el que ha tratado con Dino en algún momento se habrá sentido interpelado por este artista. Aquello que se hace sin querer o sin saber que no se debe hacer. Una vez, un fotógrafo llegó a una entrevista y le preguntó qué día sería su próximo show, mientras se percataba cómo el rostro de Dino comenzaba a transformarse. "Nosotros no hacemos 'shows' -fue la respuesta-. Lo que pasa es que la gente está muy confundida". Dino ofrece conciertos, no shows; eso ha hecho toda la vida. Y bastante nervioso se pondrá si el iluminador de una sala comienza a hacer juego de luces sobre los músicos y las partituras, durante uno de sus conciertos. La defensa de lo más puro de la música lo ha embarcado en una cruzada que, por momentos, ha enfrentado de un modo bastante solitario; sin embargo, nunca ha renunciado, quizá por la fuerte convicción de estar en lo cierto. Una ética musical a la que jamás renunciará.Dino Saluzzi, Una vida en diez jornadas es un libro que resume diez conversaciones de este gran artista salteño con Javier Magistris. Se trata de un libro publicado por Mil Campanas que será presentado el 30 de este mes, a las 19, en la Biblioteca Nacional, con entrada libre y gratuita.Dino habla de todo lo que se le propone; reflexiona y trae nuevos recuerdos. Uno recurrente es de la infancia y del ingenio azucarero San Isidro, donde trabajaba su padre: "La vida de los ingenios azucareros es ingrata, dura, hostil; sin embargo, en ese contexto comprobé cómo en esas condiciones las personas pueden experimentar sentimientos positivos y vi allí a algunos que contribuían a una sociedad más armónica y justa. En este mundo, todos compartimos el sufrimiento, no importa en qué situación y condición nos encontremos individualmente".Claro que esa pátina de nostalgia hace que, a la distancia, las cosas no se vean tan mal. El punto de partida de su relación con la música puede ser un buen ejemplo. Dino recuerda los carnavales, que en el noroeste argentino representan una cuestión idiosincrática fortísima. "Carpas de Salta , las vuelvo a recordar. / Bandoneón y guitarra, / zambas para bailar". Así comienza la tradicional zamba "carpera" en homenaje al famoso "Payo" Solá.Saluzzi sabé bien de ese espíritu: "Para nosotros los carnavales eran una panacea porque mi padre, que tocaba el bandoneón, podía ganar algún dinero más -explica Dino-. Mi papá solía tocar en la carpa de la vieja Tula. Ella ponía un toldo con chapas y ahí armaba la carpa. Justamente ahí la vía hacía una curva abierta. El tren pasaba frente a la fábrica de cemento, llegaba hasta la estación y partía hacia Buenos Aires, a lo desconocido: un mundo imaginario que jamás pensé conocer (...) Yo era chiquito, unos 6 años. Fue el inicio de todo. En ese clima de carpa, de diversión se jugaba con agua, espuma, serpentina y se tocaba y cantaba folklore, tango, pasodobles y rancheras. La vieja Tula pasaba regando el suelo con agua para evitar que se levantara el polvo. Eran dos los músicos, mi tata querido, mi gran maestro y mi tío José Eustaquio. Ellos tenían firmado un contacto por una jornada larguísima que empezaba a las 3 de la tarde y terminaba a las 4 de la madrugada. A las 6 de la tarde tenían que darle un jarro de mate cocido y bollos y a las diez de la noche una gallina hervida con papas. Pero a mí, después de jugar con otros chicos durante todo el día, me daban ganas de volver a casa y me quedaba dormido".La música de Saluzzi por momentos le pertenece al mundo y en ciertas ocasiones tiene un fuerte arraigo con su Salta natal. Fue de lo tradicional a la experimentación con total naturalidad. Grabó folklore con Los Chalchaleros, salió de gira y llegó hasta Japón con la orquesta de Enrique Mario Francini. Experimentó con su grupo familiar, se metió en los festivales de jazz y de música de cámara europeos, vivió en Alemania y en Suiza."¿Cuánto hay en usted ahora del paisaje y los personajes de su infancia?", indaga Magistris. "Los sueño siempre como una recurrencia. Sueño y escucho. En Europa me aferraba a eso. Una de las cosas más terribles que puede sucederle a una persona es tener que irse de su lugar. Nadie se va porque quiere. En mi desesperación por ver perderse todo en la nada, en el olvido, llegué a pensar que el que no ha experimentado ni sentido todas esas cosas que son la base del sentimiento, y la razón, no es ni será feliz sin eso que somos verdaderamente. Todo está dicho por la gente simple. Sin embargo, nosotros asistimos a la muerte de ese mundo sin que se nos mueva un pelo ¿Qué extraño, no?".Si hay algún tipo de licencia en la música instrumental -esa que Dino ha encardo desde diversas formas-, su abstracción es la que otorga la excusa perfecta para sumergirse en el pensamiento de Saluzzi durante diez charlas. Ya al principio del libro se puede dar ese gran paso, o salto (aunque no sea al vacío) con reflexiones que se entreveran con la existencia (o no) del mal. Todo esto viene a cuento por una obra musical llamada El encuentro. Dino dice: "El mal existe por una decisión nuestra, pero en determinado momento, una persona al poner la cabeza en la almohada, debe reconocer sus errores. La buena intención y el deseo de una vida mejor pueden evitar el mal. El perdón, la fraternidad, la música, el amor, el recuerdo de todo lo vivido, con dolor o sin dolor, evitar la batalla estúpida de ser el mejor o el peor, en ese pienso cuando pienso en una vida mejor. El ejemplo más contundente lo da el funcionamiento de una orquesta. La obra tiene que sonar bien, pero para eso todos (desde el director hasta cada ejecutante individual) tienen que ceder su protagonismo para que se dé este fenómeno misterioso que llamamos arte".En este libro, a medida que la charla avanza, adquiere profundidad y, también, síntesis. Hay definiciones muy bellas y certeras en ese universo Saluzzi: "Escuchar la Sinfonía N°6 Patética De Tchaikovski lo deja a uno frente a la tragedia íntima de un hombre sin que hable explícitamente sobre quién la escribe. Lo que le pasa al creador, le pasa a todo el mundo. El arte es el único lugar donde todos somos iguales".

El bar más antiguo de Soria: no tiene ni música ni televisión

El local, fundado en 1932, ha mantenido su esencia a lo largo de los años, respetando los elementos que le han dado su carácter distintivo

Los Palmeras: cuál es la clave del éxito con más de 50 años en la música, qué herramientas les brindó la madurez y cómo mantienen la unidad del grupo

En diálogo con Infobae, los artistas Marcos Camino y Rubén Deicas contaron los secretos del detrás de escena de la reconocida banda de cumbia santafesina y explicaron cómo se reinventaron con el paso del tiempo. Próximamente, se presentarán en el Movistar Arena.

Música francesa

Un útero gigante, una máquina que crea la música del sol, pinturas, eso es HITO: un taller para 30 artistas seleccionados

Un enorme galpón en el corazón de una manzana en Parque Patricios se convirtió un la sede para artistas que fueron elegidos de 600 postulantes. 20 de los elegidos reciben una mensualidad en dólares. Allí se dan talleres y clases magistrales. Leer más

La Bomba Tucumana cambió de rubro e inició un nuevo emprendimiento lejos de la música

La cantante tucumana se mostró ilusionada con su nuevo proyecto."Estoy nerviosa, ansiosa y entusiasmada", reconoció.

Denisse Guerrero decepciona a fans de Belanova por decir que no tiene ganas de lanzar música: "Cada quien por su lado"

La intérprete de "Rosa Pastel" fue criticada por mostrarse con desgano ante la prensa y cierto desdén hacia el grupo de electropop mexicano

Quién es la novia de Tony Mils, nieto de Carlos Slim que prueba suerte en la música, y cuál es su relación con Mariana Rodríguez

El nieto del empresario tiene varias canciones en la plataforma de música Spotify y mantiene una relación con una influencer regiomontana

Un estudio cerebral muestra cómo la música clásica levanta el ánimo

Healthday Spanish

Las románticas vacaciones de Nicolás Cabré y su novia en la Riviera Maya: música, playa y mimos

Nicolás Cabré y Rocío Pardo se encuentran viviendo un momento muy especial en su relación. Después de un tiempo de confirmar su romance, la pareja decidió tomarse unas románticas vacaciones en la Riviera Maya, dejando por unos días la rutina y disfrutando de la compañía mutua en un entorno paradisíaco.La Riviera Maya, ubicada en la costa caribeña de México, es uno de los destinos más deseados por parejas que buscan una mezcla de lujo y naturaleza. Con playas de arena blanca, aguas turquesas y una rica cultura maya, esta región ofrece un ambiente perfecto para quienes desean desconectar y disfrutar de la belleza natural y la historia ancestral.Además de sus paisajes, la Riviera Maya es famosa por sus resorts de alta gama, gastronomía de primer nivel, y actividades como buceo en los arrecifes de coral y visitas a cenotes sagrados.La relación entre Cabré y Pardo comenzó a florecer durante la última temporada de teatro en Carlos Paz, y desde entonces, su vínculo no ha hecho más que fortalecerse. Las imágenes que ambos compartieron en sus redes sociales reflejan la complicidad y el cariño que se tienen, con paisajes de playas idílicas y cenas a la luz de la luna como telón de fondo.Aunque este viaje fue exclusivamente para ellos dos, en una ocasión anterior, la pareja ya había dado un paso importante al incluir a Rufina, la hija de Cabré con la China Suárez, en una escapada familiar. Fue durante ese viaje que la pareja mostró públicamente su amor por primera vez.En relación con estos comentarios negativos, uno de los mensajes que más llamó la atención fue el de un usuario que cuestionó la estabilidad emocional de los hijos de parejas famosas. Para sorpresa de todos, la China Suárez, expareja de Cabré y madre de Rufina, no dudó en salir en defensa del actor. "Preocúpate por la cabeza de tus hijos. Por la de nuestra hija nos ocupamos nosotros. Y bien criada y feliz está", respondió tajantemente, demostrando su apoyo y desestimando las críticas sobre la crianza de su hija.Cabe recordar que, desde hace tiempo, la expareja se muestra muy cercana en las redes sociales, donde comparten postales de momentos junto a su hija e, incluso, algunos videos de TikTok, por lo que es habitual que se comenten mutuamente las publicaciones que tienen a la pequeña como protagonista. Esto deja en evidencia la buena relación que lograron en pos de la crianza de la niña, pese a su separación de años atrás.La efusiva respuesta de la China Suárez no pasó desapercibida en la red social; tanto así que, al poco tiempo de subirlo, la actriz se arrepintió de sus dichos y decidió borrar su comentario. Por su parte, el periodista Gustavo Méndez capturó el comentario y opinó al respecto: "Me encanta esta versión de la China Suárez, pero una pena que después borre el mensaje". Mismo, Pochi de la cuenta Gossipeame, quien dio a conocer lo que había ocurrido, expresó: "La China se picó con una seguidora que criticó cómo cambian de pareja y se la presentan a la hija. ¿Qué opiniones tienen ustedes al respecto? Para mí los confunde...".Este nuevo viaje de Nicolás Cabré y Rocío Pardo en la Riviera Maya parece haber consolidado aún más su relación, mostrándolos como una pareja que, a pesar de las miradas y opiniones externas, se enfoca en vivir su amor de manera plena y sin preocupaciones.

Gustavo Cerati: el sentido mensaje de su hija Lisa y la versión multitudinaria de "De música ligera" en Vicente López

A finales del mes pasado, Mario Pergolini anunció la convocatoria para conmemorar el aniversario número 65 del nacimiento de Gustavo Cerati. El punto de reunión previsto, a partir de las 14, era la Costa de Vicente López (Raúl Ricardo Alfonsín y Laprida). Hoy, la promesa, desplegó sus formas desafiando el viento y al frío de la tarde. El nombre de esta movida se llamó "Once, tu cumpleaños: homenaje a Gustavo Cerati" cuyo punto máximo previsto era la interpretación de la multitud tocando y cantando el clásico "De música ligera". Desde la página de Vorterix, a la hora señalada, la transmisión se inició con una locución en off que repasó su vida desde sus primeros días en la casa de Villa Ortúzar, la conformación de este grupo icónico que fue Soda Stereo, su carrera solista y su muerte, a los 55 años, en 2014. "Esto es un sueño que se hizo realidad", reconoció Mario Pergolini casi a las 14.30, cuando aparecieron las primeras imágenes del predio con alrededor de mil personas reunidas en la costanera de Vicente López para interpretar el clásico. Como era de imaginar, muchos de los fanáticos fueron vestidos con remeras originales de Soda Stereo o algunos con otras realizadas para la ocasión en medio de cables, más de cien micrófonos, parlantes, cámaras, drones y clima de festejo al que concurrieron padres con sus hijos como grupos de adolescentes.¿Por qué este tema?, se preguntó el mismo Pergolini para terminar afirmando que la consideraba como la canción más "tribunera" de la banda. La historia del nacimiento de este tema remite a México. En 1989, Soda estaba por presentarse en la Plaza de Toros Calafia, de Mexicali. Al parecer, previo a un concierto, en medio de una improvisación, Gustavo Cerati fue dando forma a este tema icónico del grupo. Una vez editado en Canción animal, el quinto álbum de estudio de Soda Stereo, varias publicaciones la consideraron como la mejor canción de rock de Iberoamérica.Para la versión de esta tarde se sumaron más de 200 cantantes junto a los integrantes del Coro Kennedy, bajistas, bateristas (entre ellos, Andrea Álvarez, la expercusionista de Soda) y guitarristas, que habían tenido disponible un tutorial para poder interpretar la versión multitudinaria de esa canción instalada en la memoria colectiva. Entre los invitados a la previa estuvo la fotógrafa Nora Lezano, responsable de muchas imágenes icónicas de Cerati. "Ahora, viniendo para acá, vi tantas remeras con fotos que yo le saqué a Gustavo que genera una sensación tremenda", apuntó la gran fotógrafa y amiga del músico, quien recordó cuando filmaron un video juntos de "De música ligera".Todo esto sucedía mientras cientos de fanáticos ensayaban el tema. "Es un día emocionante", reconocía Pergolini desde el estudio montando en el lugar. En un móvil a cargo de Guillermina Casero, parte del staff de Vorterix, recorría el lugar topándose con un chico de 11 años como con un padre y un hijo con sus respectivos bajos en medio del gentío.Otro de los que se sumó a la transmisión que condujo Pergolini junto a Dani Jiménez, su compañero del programa Maldición, va a ser un día hermoso, fue el músico Tweety González, quien entre 1990 y 1997 fue parte de Soda Stereo. "Nunca imaginé ver a 200 bateristas juntos", admitía quien también estuvo involucrado en la etapa solista de Cerati. "Casi todos los días me pregunto qué estaría haciendo Gustavo si estuviera vivo", comentó quien formó parte de la grabación de "De música ligera". En paralelo, en el chat de la transmisión se sumaban comentarios de fanáticos de distintas partes de América que se sumaban al festejo.Amelia Álvarez, encargada de prensa de Cerati desde 2005 para el lanzamiento de Ahí vamos, el disco solista que elaboró junto a Richard Coleman, Fernando Nalé, Leandro Fresco y Tweety González, también pasó por el estudio. "A todos los periodistas, no importa en qué medio trabajaran, él siempre contestaba", apuntó la estrecha colaboradora del músico.La transmisión de "Once, tu cumpleaños: homenaje a Gustavo Cerati" culminó con escasas imágenes de la esperada interpretación coral de "De música ligera", dejando cierto sabor a poco, a falta de un verdadero cierre. En algunos días, según lo anunciado, se conocerá el video editado de la versión final interpretada por cientos de fanáticos."Feliz cumpleaños papá"En otro escenario, el de las redes sociales, hoy Lisa Cerati, hija del musico, subió a su cuenta de Instagram un enternecedor video acompañado por un texto. "Querido padre. Hoy cumplís 65 años (un jovencito!) Donde sea que estés, quiero que sepas que tu presencia me sigue generando la misma calma. Puedo y pude experimentar lo que es el amor en su estado más puro gracias a vos, a tu música y a la familia que generaste a mi alrededor. Te amo, ¡y el mundo te ama! Gracias por todo, que es demasiado. Siempre te llevo en mi corazón y trato de que estés orgulloso, donde sea que la vida me lleve. Feliz cumpleaños papá", escribió junto a un video compuesto por imágenes familiares del músico en rol de padre feliz. View this post on Instagram A post shared by Lisa Maria (@lisacerati)Por su parte, su otro hijo, Benito Cerati, utilizó sus historias de Instagram para compartir una imagen de su papá con un signo de infinito. Hoy, ese "ángel inquieto que sobrevuela la ciudad de la furia", como escribió Luis Alberto Spinetta cuando murió este artista único, habría cumplido 65 años. Hoy, domingo de invierno, su música volvió a sonar con fuerza en hogares, autos, en la misma costanera de Vicente López. En todas partes.

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El escalofriante video con música de Freddy Krueger que difundió el gobierno de Maduro con la detención de una dirigente opositora

CARACAS.- El video de la detención de una colaboradora de la líder opositora venezolana María Corina Machado, que había quedado registrado en una transmisión vivo, fue difundido en las redes sociales de la Dirección General de Contrainteligencia Militar (Dgcim) del gobierno de Nicolás Maduro con una escalofriante edición que busca promocionar su llamada "Operación Tun Tun", la ola de persecución y arrestos masivos por las protestas contra su gobierno.María Oropeza, coordinadora del comando de campaña de Machado en el estado Portuguesa, en el centro de Portuguesa, difundió el martes por la noche a través de su cuenta en Instagram el momento en que funcionarios de la Dgcim golpean y fuerzan la puerta para ingresar a su casa."Están ingresando a mi hogar de manera arbitraria, no hay ninguna orden de allanamiento. Están destruyendo la puerta, yo de verdad pido ayuda, pido auxilio a todo el que pueda. Yo no soy una delincuente, yo solo soy una ciudadana más que quiere un país distinto", decía Oropeza antes de que la transmisión se vaya a negro, mientras casi 8000 personas miraban el "vivo" y sus seguidores clamaban por ayuda en los comentarios. El video difundido después por la Dgcim muestra las imágenes de la detención de Oropeza con efectos especiales y música de la película de terror Pesadilla en la calle Elm, de Freddy Krueger.El escalofriante video del gobierno de Maduro sobre la operación Tun Tun"Uno, dos, Freddy viene por ti... Tres, cuatro, mejor cierra la puerta... Cinco, seis, coge tu crucifijo", dice una voz tétrica en la canción de la película de terror. "Siete, ocho mantente despiertaâ?¦ Nueve, diez, nunca más dormirás", continúa la canción, mientras las imágenes pasan de la detención en la casa de la dirigente opositora al momento en que la bajan con las manos atadas de un avión, y luego de una camioneta. La canción vuelve a empezar.El video termina con una imagen de Oropeza con las manos atadas con un precinto y le agregan con edición la imagen de unas rejas. "La operación Tun Tun continúa", dice con letras amarillas, mientras sigue sonando la canción.Oropeza había criticado horas antes de su detención la llamada "Operación Tun Tun" de la Dgcim, que habilitó una línea telefónica para denunciar casos de "odio" físico o virtuales en medio de las medidas que se han tomado ante las movilizaciones desatadas tras las presidenciales del 28 de julio, que la oposición denuncia como fraudulentas.Ella es María Oropeza. Una joven extraordinariamente valiente, inteligente y generosa de Portuguesa.Es la Coordinadora del @ConVzlaComando en Portuguesa y ha hecho un trabajo extraordinario uniendo y organizando a los ciudadanos de su estado.El régimen acaba de llevársela porâ?¦ https://t.co/lT0lv07u8P— María Corina Machado (@MariaCorinaYA) August 7, 2024En el marco de la campaña, la Dgcim pide datos de la persona que denuncia, fecha, ubicación, "evidencia física o digital que demuestre la agresión o amenaza" y el teléfono o perfil social, según una publicación del director de la policía científica, Douglas Rico."Esa fulana 'Operación Tun Tun' carece de cualquier argumento jurídico, es decir que lo que realmente estamos enfrentando es la cacería de brujas (...) contra toda la ciudadanía que se expresó a través del sufragio el 28 de julio", había dicho Oropeza en un video anterior difundido en sus redes sociales.Machado condenó en redes sociales la detención de Oropeza y exigió su liberación."Tun tun" hace referencia al sonido de la puerta al ser tocada por la autoridad, en una frase acuñada por el poderoso líder chavista Diosdado Cabello. Hasta el momento, la ONG Foro Penal confirmó 1229 detenciones en el marco de esta escalada.Mientras tanto, el paradero de la abogada María Oropeza, de 30 años, todavía es desconocido, según denunció su familia. Su madre, Flor Oropeza, contó que el miércoles recorrieron varios penales en búsqueda de la joven, pero no consiguieron información.La oposición presume que a la coordinadora del Comando con Venezuela del estado Portuguesa la trasladaron hasta Caracas por las imágenes el video difundido por la Dgcim.#8Ago Flor Oropeza, denuncia la detención arbitraria y desaparición forzada de su hija, María Oropeza, Jefe del Comando de @PortuConVzla a 48 horas de su público, notorio y comunicacional secuestro por parte de funcionarios Policiales y de Inteligencia de la DGCIM del Régimen. pic.twitter.com/OqgULptMEi— DDHH Vente Venezuela (@VenteDDHH) August 8, 2024"Estoy angustiada porque no sé absolutamente nada de mi hija, quien tuvo una desaparición forzada. Le violaron todos sus derechos (â?¦) necesito que me den fe de vida de ella. Que me digan cómo está y que por favor no me nieguen dónde la tienen", expresó Flor Oropeza desesperada.Mientras tanto, Maduro en tanto sigue denunciado un "ataque" y golpe de Estado en su contra y apunta contra las redes. El mandatario, que asegura que dejó de usar WhatsApp, también ordenó la suspensión de X (ex Twitter) por 10 días el jueves. La red social dejó de funcionar pasadas las 21 (22 en la Argentina).El presidente comparecerá este viernes ante la Corte Suprema a la que pidió validar su cuestionada reelección, en medio de una creciente presión internacional para que divulgue las actas de la votación del 28 de julio, que la oposición denuncia como un fraude.La audiencia responde a una solicitud que hizo la semana pasada Maduro al Tribunal Supremo de Justicia (TSJ), señalado de servir al chavismo, para "certificar" la elección a través de un proceso que académicos y dirigentes políticos consideran improcedente.Maduro fue proclamado como presidente reelecto con el 52% de los votos frente a un 43% de su principal rival, Edmundo González Urrutia, pero el Consejo Nacional Electoral (CNE) no publicó el detalle del escrutinio alegando un jaqueo al sistema de votación. Doce días después, sigue sin hacerlo.La oposición denunció fraude y aseguró tener el 80% de las actas, que comprueban la victoria de González Urrutia, un discreto embajador que representó a la líder María Corina Machado en las votaciones tras su inhabilitación para ejercer cargos públicos.Después de los resultados, estallaron protestas en el país que se saldaron con al menos 24 muertos, de acuerdo con organizaciones de derechos humanos.Agencia AFP y diario El Nacional

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Hacer música es urgente

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De la música al campo: Abel Pintos presentó un novedoso proyecto agropecuario

El cantautor y artista Abel Pintos presentó el domingo pasado en la 136a. Exposición Rural de Palermo el proyecto "Establecimiento La Matera", que surgió de una iniciativa de su productora Plan Divino, comprometida con el cuidado del ambiente y la sustentabilidad.En el evento estuvo el presidente de la Sociedad Rural Argentina (SRA), Nicolás Pino, que agradeció que se haya escogido ese ámbito para la presentación y también comentó lo que la SRA viene haciendo en favor de la sostenibilidad, responsabilidad que comparten.Tras caer un 2,6%, se acentuó el descenso del valor de la soja en la Bolsa de ChicagoTiempo atrás, la productora compró un campo en Mercedes, en la provincia de Buenos Aires, donde comenzó con una plantación de nuez pecán y seguirán con almendras y cítricos. Pintos contó que "Pecanito Argentino" es la marca con la que se comercializarán su producción de nueces y destacó que ya concretaron también, el vivero sustentable Guardián de Luz que, incentivado por el compromiso con la educación, la formación y la concientización ambiental, dio paso a la concreción de un Campo Escuela Recreativo. Es un espacio destinado a la educación ambiental y agraria, donde se comparten saberes vinculados al campo, a las plantaciones, al desarrollo de las especies y, sobre todo, al cuidado del ambiente y la sustentabilidad. Es para personas de todas las edades, desde niños hasta adultos. "La idea es crear, generar nuevas oportunidades para la comunidad y para las futuras generaciones", dijo."La gente se dio cuenta de todo": es argentino, ayudó a un cambio en Venezuela y habla del momento crítico en ese paísSegún comentaron, el proyecto cuenta con el apoyo del Departamento de Formación y Capacitación de la Bolsa de Cereales de Buenos Aires, y de la Universidad de Buenos Aires (UBA).En una primera etapa dijeron que apuntan a capacitaciones periódicas orientadas a fundamentos agronómicos, a operación de equipos y a tecnología e innovación. Desde el área de Formación y Capacitación de la Bolsa diseñaron un programa de contenidos para incentivar el intercambio de aprendizaje, formando a las futuras generaciones, promoviendo las prácticas sostenibles, el compromiso social y la responsabilidad con el cuidado del ambiente.El plan es enseñar sobre el ciclo productivo completo, desde la plantación hasta el desarrollo y mantenimiento de diversas especies, promoviendo conocimiento integral, sostenible, y resaltando la importancia de prácticas agrícolas responsables."El campo siempre estuvo cerca de mí", dijo Abel Pintos, rememorando sus inicios en fiestas camperas, y comentó que a partir de haber formado su familia le cambió la forma de ver las cosas: "La sustentabilidad es también para el futuro de nuestros hijos. Cuando llegamos a La Matera dijimos este es nuestro lugar y algo vamos a hacer".La nuez pecán es una inversión a largo plazo. "Nos enfocamos mucho en el tiempo y el proceso de las cosas, por eso con los aliados estratégicos priorizamos la visión a futuro, que nos trasciende, dejar todo listo y preparado para las nuevas generaciones. No estamos enfocados en la productividad inmediata, más allá de que lo hacemos y trabajamos para ello. Pero trabajamos pensando en la humanidad del futuro y no en cuántas plantas saldrán el año que viene", repasó el cantante.Comparando con las producciones musicales, destacó: "Con La Matera queremos contar nuestra historia de sueños y de trabajo, y ojalá eso le de herramientas a otros para contar su propia historia. La sustentabilidad no tiene que ver solamente con la cuestión ecológica, sino con sostener las cosas en el tiempo, que no es fácil. Hace falta el trabajo y el compromiso de mucha gente que nos acompaña en este sueño, locura, deseo, como quieran llamarlo".

Los 600 discos de Latinoamérica: así se creó la lista que celebra la música del continente

Lo que comenzó como un animado debate en redes sociales, terminó en un ambicioso proyecto que juntó periodistas musicales de toda América Latina. Infobae Colombia habló con José Juan Zapata y Angie Rojas, dos de los involucrados en el proyecto

Simone Biles y una performance de lujo con música de Taylor Swift

La estadounidense brilló en la reconquista del título olímpico por equipos de gimnasia artística. Su próxima presentación será el jueves, donde buscará su medalla individual.

Mark Everett, de Eels: la operación a corazón abierto, la teoría de su padre que aprovecha Marvel y el lugar de su música en Shrek

Para Mark Everett, el tiempo es algo bastante valioso. El músico, que lleva tres décadas al frente de Eels, un proyecto que es a la vez banda y carrera solista, eligió titular Time! a su nuevo álbum, y la elección tiene varias lecturas posibles. La primera es la literal: si se lee de corrido la portada del disco puede entenderse que es una connotación lúdica con el nombre de la banda ("Tiempo de Eels"), como se supo hacer con las primeras ediciones norteamericanas de las bandas inglesas en los sesenta, como The Rolling Stones, Now! o Meet the Beatles! La segunda es más sencilla y permite pensar que el decimoquinto disco del grupo simplemente debe su nombre a su primera canción, "Time". Pero para su autor, aunque no fue algo planeado de antemano, de un momento a otro se volvió algo más profundo: "Creo que es algo bastante natural para todos nosotros. A medida que envejecés, la idea de 'tener tiempo' es algo que tenés cada vez más presente, porque te volvés más consciente de que cada vez vas a tener menos tiempo disponible en el futuro, así que pensás bastante en eso", explica Everett en diálogo con LA NACIÓN.En la obra de Everett (o de E, el escueto seudónimo artístico con el que firma cada disco de Eels desde Beautiful Freak, su debut de 1996) la honestidad es materia prima, sin importar cuán cruda pueda llegar a ser. Un mes antes de la publicación del disco, Everett subió una foto a Instagram con el torso descubierto para que se apreciase una cicatriz a lo largo de su pecho, y un texto para concientizar sobre la cirugía programada que lo había hecho pasar por el quirófano a sus 60 años. "Sabía de antemano que iba a ocurrir y por eso quise hacerlo público, porque soy uno de los afortunados que sabe que tiene esta condición", explica para detallar una operación a corazón abierto para reemplazar su aorta. "Mucha gente muere de esto porque no sabe que lo tiene, porque por lo general no tienen ningún tipo de síntoma. Yo no tuve ninguno, y por lo único que sabía que lo tenía fue porque mi papá murió de un paro cardíaco", completa para acentuar la importancia de haber sido diagnosticado a tiempo.Hugh Everett falleció a los 51 años, y su cuerpo fue encontrado por su hijo cuando tenía 19, lo que motivó a E a someterse a chequeos rutinarios todos los años. "Así fue que me lo descubrieron, fue solo porque hago eso, entonces quería hacer un llamado de atención que dijera: 'solo estoy vivo porque sabía que lo tenía y me lo solucionaron a tiempo'. Quería que todos supieran que es una buena idea que hay que revisarse esto cada tanto", completa. La relación entre ambos fue por muchos años una herida a cerrar, hasta que en 2008 Everett condujo para la BBC el documental Parallel Worlds, Parallel Lives, centrado en su vínculo, pero también en la carrera profesional de su padre como físico, que le permitió crear la filosofía de la Interpretación de los Muchos Mundos en física cuántica, que dio pie al concepto de multiverso cada vez más utilizado en ficción. "Es muy loco que cada película de Marvel básicamente esté basada en su teoría, es una lástima que no genere regalías", dice entre risas. Incluso, Everett llegó a tener un fugaz cameo en la última entrega de la saga Ant-Man, que transcurre en el reino cuántico.Las tragedias en su entorno familiar fueron durante muchos años una constante en la vida de Everett: a mediados de los 90, su hermana se quitó la vida y al poco tiempo su madre falleció víctima de un cáncer terminal (ambas experiencias recorren varias de las canciones del segundo disco de Eels, Electro-Shock Blues), y su primo fue uno de los pasajeros del avión que se estrelló contra el Pentágono en los ataques del 11 de septiembre de 2001. Sin embargo, lejos de revolverse en la tragedia y en el sufrimiento, muchas de sus canciones funcionan como un bálsamo a ese dolor, un resquicio de luz que se abre paso en donde pareciera haber lugar solo para la oscuridad. "Es un aspecto importante de mucho de lo que hago. Podés leer los títulos de algunos temas y pensar: '¡Uh! esto va a ser un bajón'. Pero si le prestás atención a las letras, cuando termina el disco te das cuenta de que casi siempre tienen un giro positivo. Y como antes de ese giro estaba el dolor, creo que hace que todo sea mucho más significativo", reflexiona sobre su propia obra.Aunque su música está lejos de estar orientada al público infantil, Eels es el grupo con mayor presencia en la banda de sonido de las películas de Shrek, con canciones en las tres primeras entregas y también en un especial navideño. "Cuando hicieron la primera, me mostraron cómo había quedado para ver si estaba ok el uso de mi canción. Me impresionó mucho cómo al final la historia no se trata de la rana que se convierte en princesa, sino que es exactamente al revés, y me pareció un gran mensaje. Hoy en día es difícil de valorar, pero en su momento fue algo bastante innovador, así que quería ser parte de eso. Acepté feliz sin saber que se iba a transformar en la cosa gigante en la que se convirtió", analiza. Sus canciones han sonado en varias series y películas, de Mi novia Polly a Six Feet Under, pasando por El Grinch, Futurama y Scream 2, algo que asegura le gusta por darle a su obra un nuevo contexto en el que incluso tiene su favorita. "Me gustó mucho lo que hicieron en The Jinx, que usaron nuestro tema 'Fresh Blood' como cortina de la serie, fue muy emocionante. Además fue la primera serie documental de true crime, y cuando me lo pidieron no sabía ni a qué se refería ese criterio. No solo era la primera, sino que terminó siendo la mejor", dice con orgullo.Muchas de las canciones de Eels están protagonizadas o inspiradas en la vida de los y las integrantes de su círculo cercano ("No lo saben, o eso me gusta creer", bromea), a la manera de Woody Allen en Los Secretos de Harry. Ese aspecto de la obra de Everett cobró un mayor impulso en 2008 cuando publicó Cosas que los nietos deberían saber, una autobiografía donde la tragedia y el humor ácido van de la mano y que se convirtió en un inesperado éxito de ventas que llegó a tener su edición local y cuya repercusión sorprendió a su propio autor. "Me siento muy afortunado de que cualquiera escuche mis canciones, y lo mismo pasó con el libro. Lo hice para mí, y de repente ver a todas estas personas disfrutarlo y sacando algo positivo de él después de leerlo fue algo fantástico", reconoce. A dieciséis años de su publicación, la idea de una segunda entrega aparece como una necesidad para sus seguidores, aunque para Everett el pedido esconde un problema. "La gente me lo pide todo el tiempo y debo decir que hay muchas cosas locas que pasaron en mi vida desde que escribí el primero. Pero me di cuenta que muchos de los personajes claves del primer libro estaban ya muertos cuando lo hice, así que sentí que tenía cierta libertad para poder hablar sobre ellos. Todos los que tendría que mencionar en este nuevo volumen están vivos, así que simplemente estoy esperando que mueran", agrega antes de soltar una risa.Por más de treinta años, Everett construyó su carrera en base a hacer minería a cielo abierto de su universo privado, una estrategia que no fue deliberada pero resultó siendo el sostén de su obra. "No puedo creer que fui lo suficientemente afortunado de hacer mi primer disco, mucho menos todos los que vinieron después. Creo que la razón por la que llevo tanto tiempo haciéndolo y por la que puedo seguir es porque soy una de esas personas que lo haría de todos modos. Hay algo en mí que tiene que salir y me siento lo suficientemente afortunado de que todos quieran subirse a este viaje", reflexiona. Los efectos de ese éxito inesperado incluso llegaron a hacer correr el rumor de que su libro autobiográfico podría llegar a ser adaptado al formato de biopic para el cine: "Todo es posible y esa idea se planteó varias veces, pero no se transformó en nada concreto todavía. Es posible que algo así ocurra, quién sabe", desliza, lo que lleva a preguntarse quién podría ser el adecuado para personificarlo en la pantalla grande, algo que para Everett se cae de maduro. "Creo que la respuesta es obvia: Arnold Schwarzenegger".

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Una vida atravesada por la música, el cine y su amistad con Luis Eduardo Aute

De una caminata por la calle Cerrito surgieron las ganas de entrar. Es que era una disquería, lugar ideal para esa chica de 16 que tocaba la guitarra y cantaba. Y si bien en esa tarde de los años 60 había vinilos para mirar, decidirse por cuál podía llevar tiempo. Pero no a ella. En el local pequeño se paró frente a la tapa cuadrada que para otros hubiese pasado desapercibida: una foto tipo carné en blanco y negro, todo contraste, como si fuese una fotocopia. La cara de un hombre joven, enmarcada por dos bandas negras -una arriba antes del flequillo y otra abajo donde nacía el cuello- sobre las que se leía: Luis Eduardo Aute. 24 canciones breves. "Ah, este es el que pinta", dijo la chica, que ya había visto pinturas del artista por su hermana, que estudiaba Bellas Artes.Pero no era cualquier adolescente; ella, además de cantar, también era actriz, había debutado a los 15 años en el teatro. Con eso y todo, salió de la disquería con lo que le había llamado la atención. Al llegar a su casa y poner el disco, algo cambió. "Empecé a escuchar esas canciones que eran breves y dije: quiero componer. Creo que empecé a componer por eso, por él".Así habla la actriz y cantante María José Demare sobre su relación con la obra y la persona del artista español, a quien conoció a fines de los años 70 en España y con el que compartió ese ida y vuelta de entendimiento y simetrías del arte, de la vida. De esa impronta -subrayada, además, por los 60 años de trayectoria de la mujer con apellido que suena a cine-, nació el último trabajo de ella sobre él: Aute por Demare (EPSA Music, 2023)."Un espectáculo armadito como si fuese casi un unipersonal, más que un recital", remarca sobre el clima que quiso darle. Además de que esto resuena a cuatro años de la muerte del músico. "Lo que van a encontrar -dice- es un espectáculo con mucho sentimiento. Y en este Café Berlín, que también está en España. Ahí también está unido Aute, de alguna manera".El disco tiene 11 temas. Ella lo sintetiza así: "No es un tributo ni un homenaje, quería que no perdiera la cosa de Aute. No lo llevaría tampoco a otra música. Dentro de lo que es Aute, conservar algo de ese estilo llevado a mi manera de cantarlo. Lamento no haberlo hecho cuando él vivía".El presente de la artista tiene este último disco y el show próximo. Por detrás, las seis décadas de su trayectoria. Es que María José Demare (Buenos Aires, 1949) es hija del director de cine Lucas Demare y de la actriz Norma Castillo. Debutó en teatro a los 15 años con la obra Nuestra Natacha, de Alejandro Casona. Llegó al papel porque estudiaba con Marcelo Lavalle y buscaban chicas para otro roles de esa misma obra. "La protagonista era una modelo, pero se enfermó y después entré yo", recuerda Demare.Sobre el día de su debut como actriz, en el estreno de la obra de teatro, dice: "Mi papá invitó a todos sus amigos actores y vino Tita Merello. Me vio y me dijo: 'Yo quiero ser tu madrina'. Me regaló un libro de Pierre Fresnay, Yo soy un comediante, y me dijo que quería que fuese su hija en Acacia Montero, un unitario de Alberto Migré en TV. Debuté haciendo de su hija, de muy chica. Todo fue vertiginoso". Sobre Tita, con quien su papá trabajó en diferentes películas, tuvo un vínculo muy cercano. La definió como una gran actriz con la que era sencillo trabajar."Con los grandes actores es fácil trabajar. Tuve la suerte de hacerlo con grandes, en televisión mucho y en cine. Cuando un actor no es bueno, vos no sabés cómo entrar. Pero si es bueno, es como el músico cuando te acompaña bien, te pone el acorde justo para que vos cantes". Entre lo más destacado de Demare como actriz de cine -pasó por más de 20 películas-, figuran: La guerra del cerdo, Los gauchos judíos, Contar hasta diez, Rosarigasinos (ternada al Cóndor de plata y recibió el premio Luis Sandrini).En TV, estuvo en producciones como Alta Comedia, Situación límite, Hombres de ley, Nueve lunas, entre otros. En teatro hizo obras icónicas; una en particular, que después se representaría muchas veces, con diferentes elencos: Hair. También pasó por El diluvio que viene y La dama de las rosas. Como cantante y compositora cantó tango, balada, rock. Un paseo por sus álbumes en Spotify, por ejemplo, además de ser la puerta de entrada a su universo musical, permite ver las tapas de los discos en los diferentes años. Y descubrirla.El primero de la lista en reversa es El tren de las ocho (1969), ahí, una jovencísima cantante con lacio de época y una gorra en la cabeza, en blanco y negro; otro, Viva María (1983), así: ella de espaldas mira como a un cielo, y el pelo rebajado en capas y capas, muy ochentoso. En el carrusel de tapas se ve a una María José Demare con los diferentes looks según las épocas, los géneros que transitó.Antes de ésta última obra sobre Aute, ganó el Premio Gardel 2023 en la categoría "Artista melódico romántico", por su álbum Emociones, que nació en pandemia. Sobre esto dice: "Yo encerrada no quería estar y compuse dos discos De amores y Emociones. Gané el Gardel". Y su estrategia de movimiento y creación, sucedió así: "Primero fui y alquilé las bicicletas gratis de la ciudad, como vi que me iba bien, me compré una. Y mi vida cambió, fue una libertad total. Iba a Flores a grabar mi disco con la bolsa, si me paraba la policía yo decía que iba al supermercado en bicicleta", resalta al recordar el contexto de aquellos días y cómo lo capitalizó.El hábito de la bicicleta lo mantiene a diario: va todos los días por la bicisenda desde San Telmo, donde vive, hasta Vicente López. Tres horas de un tiempo para sí. "Me muero si no puedo andar porque llueve. Ahí voy escuchando música con mis auriculares, ensayando. En general, siempre que compongo voy por la calle, al caminar o en bicicleta me vienen las letras, después llego a mi casa y las anoto".Para comprender el recorrido de María José Demare tal vez sea necesario repasar su contexto. Volver por un rato a la casa de su infancia donde hubo arte acá y allá. En el piano que fuera de la madre, con el que, junto a su hermana, practicaban sus clases de música, y donde ella, a la par, estudiaba también guitarra. "A mamá le gustaba la música clásica -resalta- y nos despertaba con la radio con esa música. Yo sentía que eso que iba despertándome era lindo. No me di cuenta de que era diferente esa casa, me di cuenta después, cuando empecé a visitar las de mis amigos. Era como otro mundo".También hubo otras formas del arte en la infancia, en ese séptimo piso de Salguero y Santa Fe del que salían hacia el cine todos los fines de semana por funciones de tres películas en continuado. Solo iban las hermanas con su niñera y una canasta de comida para pasar la tarde. "Teníamos un cine enfrente, el Odeón, y mi mamá nos mandaba los sábados y domingos con nuestra niñera a ver las películas. Nos mandaba con una canasta para que ella pudiera descansar de nosotras. Veíamos las tres películas. Una podía ser con James Dean, otra con Doris Day y una tercera con Audrey Hepburn, que era mi ídola total. Veía eso en el cine y quería ser todos esos personajes, James Dean de Rebelde sin causa, María de Amor sin barreras: todos a la vez".Y estaba ese otro cine, el que se hacía en la casa, ahí donde el padre llevaba sus ideas para conversarlas con la esposa, a trabajar guiones y macerar historias. Por esa familia pasaba el cine en un modo doble faz: el que se veía en las salas y el que se generaba ahí. Tenía de padre al cineasta Lucas Demare (1910-1981). Aunque él murió joven, hizo una obra amplia. Recibió el Cóndor de Plata a la dirección por La guerra gaucha, Su mejor alumno, Los isleros.Filmó con los grandes de la época. "En mi casa -destaca la artista- todo tenía que ser silencio, porque mi papá estaba trabajando. El preparativo de una película, que llevaba un año, era en casa. El cine era sagrado, era lo que nos daba de comer. Mi papá tenía el escritorio y así era mi vida. Un lugar donde siempre había algo de una película: antes, durante y después. También los viajes. Todo lo vivíamos en familia".Si bien el padre era ese padre, la madre tuvo un lugar de par. "Mi mamá participaba de todo. Él nunca hacía nada sin que ella lo leyera o lo aprobara. Se complementaban. Yo sentía siempre ese lugar de la mujer con mucho respecto. Mi mamá era más intelectual que mi papá. Mi papá era más pura emoción". Por ese hogar pasaron muchos artistas y se compartía en familia. "Las grandes comidas que hacía mi mamá, donde venían todos. A mí casa llegó a comer Vittorio Gassman, por ejemplo. A nosotras nos sentaban con ellos, pero después nos teníamos que ir cuando pasaban al living a tomar café y charlar".Todo lo empezó desde muy joven. "Me casé muy chica. Tuve a mi primer hijo, Sebastián, a los 17 años y a Rodrigo a los 18â?³. Su segundo hijo vivió tres meses y murió. "Nació muy enfermo del corazón. Fue tremendo. Al poco tiempo me separé. Era mucho para alguien tan joven. Mi marido era mi mejor amigo, nos criamos juntos, nos enamoramos, nos casamos. Viene un baldazo así, y bueno, parte de la vida. Solamente las madres que han perdido hijos pueden saber. Pasaron años y sin embargo está presente siempre". Su otro hijo, Sebastián Mónaco, hace cine. "También dirige. Edita muy bien. Tiene toda esa relación que tuvo muy fuerte con mi papá. Mi papá murió en 1981, pero él lo pudo disfrutar. Mucha historia". Por su hijo mayor es abuela de Victoria, de 13 años. "Es mi locura", dice."Empecé a cantar 'Aleluya', la primera canción que canté de Aute. Y 'Rosas en el mar'". Y vinieron otras. "Cantaba muchas canciones de él en todos lados. Si lo analizo hoy, no sé por qué. Esas canciones eran bastante heavys para una chica de esa edad. Hablaban mucho de la muerte, siempre con esa poesía muy de él. A mí me pasó algo con esas canciones. Pero mucha gente me decía, ¿quién es Aute? No lo conocían".En 1978 viajó a España. Vivió un tiempo en Barcelona, después en Madrid. La recién llegada fue a la casa de una amiga y cantó canciones de Aute. El marido de la dueña de casa dijo las palabras claves: "Yo soy amigo". De esta coincidencia, Demare destaca: "A mí jamás se me había ocurrido conocer a Aute, llamarlo o buscarlo. Esto es lo más loco de toda la historia". Al día siguiente, se cruzaron teléfonos, porque el cantautor quería conocer a la argentina que hacía sus canciones."Nos vimos en el café Gijón. Le llamó la atención el apellido, como él hacía cine también, era como muy fan de mi papá. Y nos empezamos a ver, a hacer amigos. Teníamos muchas cosas en común. A él le gustaba el cine francés, la Nouvelle Vague, Truffau, igual que a mí, y si bien él me llevaba seis años, era la misma generación". En esa mesa de café ella empezó a conocer más del hombre que había descubierto, primero, a través de sus pinturas."Me encuentro con un tipo como Aute, un intelectual, que hablaba cinco idiomas. Nos comunicábamos mucho en francés. Nos habíamos hecho amigos. Cuando me escuchó cantar, me quiso producir. Hicimos unos demos. Pagó todo él. Yo no lo podía creer. Me produjo eso. Después me fui a vivir a París". A fines de los años 70, Aute no era tan conocido. "Él explotó en los 80, cuando empezó a venir acá. Grabó canciones mías y yo de él. Quedó eso y quedó una relación. Yo le mandaba cartas desde París, él también. Siempre ese proyecto de grabarlo, pero después me metí en el tango, en otras cosas. La vida me pasó por otro lado".El vínculo entre ellos siguió con los años. Luego, el tiempo le hizo lugar a los pendientes. Es por eso que María José Demare dice: "Me empezaron a dar ganas de grabar aquellas canciones que yo había cantado tanto y que me gustaban. Entre tanto disco de canciones mías, fue como un deseo. No sabía si le iba a gustar a alguien. Quise hacerlo". La tapa de Aute por Demare está armada a partir de la grafía del cantautor: un recorte de las cartas que él le escribió a ella. La letra, tan singular como una foto, una voz. Sobre el show en sí, la cantante dice que trata de las cosas "que nos pasan a todos". De lo universal. "Nos pasa a todos lo mismo: engaños, desengaños, pasiones, todo junto. Y vayan al Café Berlín, es un café lindo, por algo todo el mundo quiere cantar ahí".

Música cuyana

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Pascual Di Tella, el único esgrimista argentino en los Juegos Olímpicos París 2024 y que combina deporte con música, arte y filosofía

Solo él sobre la pedana con los colores celeste y blanco: Pascual Di Tella es la única cara de la esgrima argentina en los Juegos Olímpicos París 2024. Y también, una suerte de continuidad familiar en el plano internacional, porque su hermana, Isabel, ganó la medalla dorada en los Panamericanos de Santiago 2023 y su padre -Rafael Matías- fue olímpico en Seúl '88 y Barcelona '92. Todo en sus seres queridos se vincula estrechamente con el deporte, ya que incluso su madre, Astrid Steverlynck, compitió en esquí alpino en los Juegos Olímpicos de Invierno de Calgary '88, en Canadá, y de Albertville '92, en Francia."Mis dos padres desarrollaron una carrera de atletas olímpicos, así que desde chico siempre fue importante para nosotros hacer un deporte y competir. Empecé con la esgrima porque mi papá la practicaba y mi hermana había empezado. En todo momento quería copiarla a ella, así que arranquéâ?¦ y quedé", reflexiona Pascual, especialista en sable. Vive en Brooklyn, es músico, trabaja en la representación de artistas y es licenciado en Filosofía y Ciencias Políticas. A los 28 años, el nieto del excanciller Guido Di Tella combina esgrima, arte y vibra al ritmo de su música bajo el seudónimo "ex.reii". Le tocará competir este sábado, el día después de la ceremonia inaugural.-¿Qué encontraste en la esgrima?-Querer ser como tu papá o tu hermana siempre te tira hacia ese lado. Pero todo chico jugó en algún momento con espadas durante su infancia. Mi papá conocía a fondo este deporte y digamos que "me puso ahí", pero también me gusta mucho el básquet y jugué durante un tiempo en un club como federado. A favor de la esgrima, influyó además un tema de flexibilidad horaria. En un deporte de equipo no podés dejar de lado un entrenamiento porque perjudicás a todo un plantel; en cambio, una disciplina individual como la esgrima es más fácil de balancear entre los estudios o el trabajo. Eso fue súperdeterminante para mí y estoy feliz por mi decisión.-¿Cuánto te trasladó tu papá del "espíritu olímpico" que se vive en los Juegos y te está tocando comprobar a vos en París?-De chico, mi viejo me contaba las historias de cuando él competía, al igual que el padrino de mi hermana, que competía con él. Siempre había historias flotando. Eran "los mitos de mi papá que hacía esgrima", todo medio raro, eran historias un poco aumentadas. Era otra época porque se viajaba muy poco al exterior. En algún relato, capaz que él arribaba a París y el torneo quedaba en Orleans, a dos horas en auto; caminaba una hora al no tener Uber ni Google Maps y luego conseguía otro auto, cosas medio extrañas que le pasaban. Una vez que empecé a competir, todo tomó cierta realidad. También, de chico veía los pósters en mi casa de los Juegos Olímpicos en los que habían participado mis padres y ya me predisponía a soñar.-¿Cómo viviste la clasificación a los Juegos?-La viví como un alivio, en parte porque fue por ranking. La presión venía acumulándose durante muchos meses y hasta el último torneo estaba la posibilidad de que me superaran en el listado mundial. La verdad es que resultó un desahogo tremendo y también por lo que significan los Juegos para mí. View this post on Instagram A post shared by Duke Fencing (@dukefen)-¿Cuáles son tus expectativas?-Lógicamente no estoy llegando a los Juegos rankeado como favorito, pero por otro lado puede implicar una ventaja porque tengo poca presión; mi contrincante va a tener mucha más exigencia para ganar que yo. Sé que puedo superarlos porque me entrené con los mejores tiradores del mundo y los derroté varias veces. Creo que lo puedo hacer y especialmente si el otro llega a la pista con la mochila de ser favorito. En esgrima se dice que "se te achica el brazo" si tenés mucha presión, así que estoy rezando que se le achique el brazoâ?¦ No siento mucha presión por sacar una medalla, pero sí obviamente estoy con ganas de competir y ver qué puede llegar a salir. Es un torneo súper corto ¿eh? Puede pasar cualquier cosa.-¿Cuánto hay de verídico en ficciones como El Zorro y Piratas del Caribe, cuando ves espadear a los actores?-La esgrima que se practica en las películas y series es "escénica" y los movimientos son muy grandes a propósito para que sea más vistosa y se observe desde afuera. En la esgrima real casi que no se puede ver qué está pasando, excepto que lo mires en cámara lenta. Es súper difícil de seguir y resulta muy diferente a lo que se hace en una obra de teatro o en una película. Pero no me parece que la ficción ridiculice a nuestra disciplina. Me imagino que cuando los boxeadores ven Rocky también se emocionan, por más que saben que las trompadas no son de verdad y que todo parece todo un poquito exagerado. A mí me divierte ver Piratas del Caribe y todo eso.-¿Cómo es tu otra vida en la industria de la música?-Toda mi vida hice música y me encanta, incluso tenía mis fantasías de ser músico. Después de que no me clasifiqué para Tokio 2020, estaba trabajando en un restaurant en Nueva York y justo salíamos del Covid. La empresa en la que trabajo hoy negocia shows en vivo; durante el Covid echó a bastante gente y tuve mucha suerte porque allí necesitaban a alguien que hablara castellano, más allá de que yo tenía un background por haber hecho un poco de música. Por aquella época volvieron a organizarse muchísimos recitales y estaban explotando Bad Bunny y J. Balvin. Mi empresa le estaba prestando mucha atención a la música latina, así que estaban desesperados por contratar a alguien que pudiera hablar castellano e inglés de manera correcta y que supiera manejarse dentro de una empresa norteamericana. Me contactaron a través de varias personas y me incorporaron.-¿Y cómo vivís tu trabajo en lo cotidiano?Es superdivertido, me encanta. Todos los días pasa algo nuevo y también tengo la ventaja de que puedo ir a muchos shows en vivo gratis gracias a esta empresa donde estoy, que negocia los shows. Es un laburo entretenido, especialmente en Nueva York. Específicamente represento a músicos. Capaz que uno dice: "Quiero hacer una gira por Latinoamérica el año que viene". Entonces levanto el teléfono o mando mails a los promotores de la zona. Ellos nos envían sus mejores ofertas, estiman cuántos tickets pueden vender y ahí negociamos las condiciones, hasta que se cierra el contrato. Por ejemplo, Juanes tocó en Buenos Aires en septiembre pasado en el Gran Rex. Ese show lo negocié yo. View this post on Instagram A post shared by Pascual Di Tella (@ex.reii)-¿Qué instrumento tocás?Toda mi vida hice música: arranqué con piano, después empecé a tocar la guitarra y un poquito de bajo, además de cantar. Eso sí: toco muy mal la trompeta y la batería ¿eh? Aprendí una canción con la trompeta durante la pandemia para mi abuela y su reacción fue: "Pascual, la música no es para todo el mundo". Falleció poco despuésâ?¦ no por la canción que toqué, sino por otras razones, jaja. Después, llegué a tocar el saxo en la banda del secundario. Pero diría que mi mejor instrumento es el piano y puedo cantar pasablemente bienâ?¦-¿Y ahora?-Actualmente no tengo mucho margen para hacer música y grabar debido a los Juegos Olímpicos: me falta tiempo libre entre el laburo y el entrenamiento de la esgrima. Al mismo tiempo, en la universidad tocábamos en una banda y después armamos otra cuando nos mudamos a Nueva York, pero se terminó desmembrándose hace un año y medio. Ahora hago música por mi cuenta bajo el nombre de ex.reii, es una manera de relajar un poco, como hobby, porque ser músico profesional requiere muchísima energía y foco.-¿Y cómo combinás el trabajo con la esgrima?-Tengo la suerte de que mi jefe me entendió cuando le dije que tenía esta oportunidad de intentar clasificarme a unos Juegos Olímpicos. Me dio medio permiso para que trabajara remoto durante los torneos. Es cansador, pero dio sus frutos. El trabajo pasó a un segundo plano este año y veremos si después de París puedo rebalancear todo para dedicarme un poco más a la música. Está claro que el laburo es lo que paga las cuentas, así que toma presencia por sobre lo demás. Y durante los Juegos me dieron un permiso especial para no tener que trabajar.-¿Cuál es el vínculo que encontrás entre la esgrima y la música?-Las veo más como actividades complementarias, pero no comparten tanto. El deporte de alto rendimiento requiere que apagues un poco las emociones. En cambio, la música es una actividad opuesta, donde volcás tus sentimientos y tu originalidad. Es una llave de escape de la presión que genera ser un atleta de alto rendimiento, que es súper desgastador para lo emocional.-¿Cómo manejás el concepto de la argentinidad, siendo que estás radicado en el exterior?-Vivir en el extranjero siempre complica tu relación con la identidad, la argentinidad y todo. Es una pregunta difícil de contestar. Pero una cosa que me gusta mucho de mi laburo es que constantemente estoy hablando con productoras en Argentina o artistas latinos, así que con eso me conecto un poco más con la argentinidad, ¿no? Y después, por suerte, en cada diciembre se apaga la industria y siempre paso dos semanas en Argentina, así que con eso mantengo un poco los lazos. Otra ventaja es que en torneos Panamericanos o mundiales estás acompañado por otros dentro de una delegación. Además, en Nueva York hay miles de argentinos y tengo unos siete u ocho compañeros del secundario que viven allí. Armás tu propia comunidad en el exterior, pero se extraña la pizza y las empanadas, que en Estados Unidos son horribles. Es difícil explicarle a la gente norteamericana que las empanadas argentinas son las mejores del mundoâ?¦ View this post on Instagram A post shared by Pascual Di Tella (@ex.reii)-Cómo es tu alimentación?-Tomo batidos de proteína tipo "protein shakes". Soy más flaco de lo que debería ser, así que por suerte no tengo que controlarme tanto a la hora de contar las calorías. E intento comer alimentos saludables, como ensalada o pollo.-¿En dónde quedó tu faceta de la filosofía y ciencias políticas?-Siento que es una un área de mi vida que quizás dejé de lado un poco, pero ahora estoy leyendo más, porque es más fácil viajar con un libro que con un piano. Y después, vivo en una familia de académicos, como mi hermana, que está terminando un doctorado en Economía y es supergenia en ese sentido, y mi viejo, que es profesor de Economía en la Universidad de Harvard. Así que los temas y las discusiones que se arman en casa son bastante "académicas". Esa faceta la tengo cumplida solo por charlar y debatir con mi hermana y mi papá.-¿Con qué soñás en París?-Mi sueño es salir campeón olímpico. No sé si es realista o no, pero los sueños son irreales. Así que ¡déjenme soñar!

María Pombo vende miles de entradas para celebrar un festival de música en un palacio protegido del siglo XVIII sin tener todavía todos los permisos

La influencer es la promotora del 'Suave Fest'. Ya se anuncia que se celebrará en septiembre en el Palacio del Infante Don Luis, un Bien de Interés Cultural situado en Boadilla del Monte. Pero no cuenta todavía con la autorización municipal ni de la Comunidad de Madrid

Omar Varela, el productor de los primeros hits de Duki: "Pasamos de jugar a hacer música a pelearnos por plata"

El productor y DJ recordó los inicios del trap y analizó los conflictos que llegaron después con distintos artistas del género."Yo me quedo con que cambiamos la industria con un grupo de amigos", asegura.Su paso por el RKT y su nueva apuesta sonora.

Chubut: un ex policía pidió a sus vecinos que bajen el volumen de la música y lo apuñalaron en la cara

Al no poder conciliar el sueño, la víctima de 55 años se acercó hasta el domicilio donde se desarrollaba una ruidosa fiesta. Allí fue agredido por varios jóvenes. Además de la herida con arma blanca, el hombre recibió trompadas en todo el cuerpo.

DJ Livi: cómo funciona la Inteligencia Artificial de Spotify, que te pasa música según tus gustos

Spotify presentó a DJ Livi, la IA de esta aplicación, que está programada para pasar a cada usuario música que coincida con sus gustos.Esta funcionalidad de la plataforma asociada a la música, los podcast y el audio ya estaba disponible para la versión en inglés, pero a partir de ahora llega, en versión beta, al español. En palabras de la aplicación de origen sueco, se trata de "una guía de IA personalizada que te conoce a vos y a tus gustos musicales tan bien que puede elegir qué reproducir para ti".DJ Livi se presenta dentro de Spotify como una playlist, por lo que los usuarios que deseen interactuar con ella deben escribir en el buscador: "DJ AI". Entonces, aparece una playlist llamada "DJ", que en la portada tiene un círculo turquesa cobre un fondo cerúleo.La misma combina "una selección curada de canciones con una voz impulsada por IA y complementa la experiencia con datos e información relevantes sobre las canciones y artistas que te recomienda", según subrayan desde Spotify. En un comunicado oficial, también delinearon los elementos que hacen posible la nueva funcionalidad: "La poderosa mezcla entre la tecnología de personalización de Spotify, la IA generativa en manos de nuestros editores expertos en música y una voz de IA real y cercana".La nueva funcionalidad adopta algunos elementos de las radios de Spotify, que seleccionan canciones para el oyente basadas en sus gustos. Pero en el caso de DJ Livi, estas recomendaciones son más amplias, y además, como se mencionó, vienen acompañadas de interacciones de voz que aportan datos sobre la música.Para crear el modelo de voz para AI DJ en español, la aplicación realizó un "extenso casting internacional", tras el cual se impuso la idea de tomar como referencia a la editora senior de Spotify, Olivia "Livi" Quiroz Roa, que está basada en la Ciudad de México. Quiroz "se encarga de la curaduría de playlists populares en la plataforma" y "ha dedicado toda su carrera a esta industria", como dicen desde Spotify.https://t.co/fmVdpZHcO5 https://t.co/rZTVohmmq5 pic.twitter.com/Roae1shwNW— Spotify (@Spotify) July 23, 2024Según cuentan desde Spotify, decidieron ampliar el DJ al español luego de observar el éxito de Xavier Jernigan o "X", el primer modelo de voz de DJ con IA, surgido en inglés. "A los usuarios Premium les encanta DJ. El oyente medio de DJ pasa más tiempo escuchando DJ que los oyentes de cualquier otro set recomendado", anotaron.En ese sentido, notaron un interés creciente entre usuarios de habla española que utilizaban la función de X: "en los últimos meses, hemos visto un aumento de más del 215 % en las conversaciones en social media sobre AI DJ en español". Basándose en dicha tendencia, "lanzar AI DJ en español fue el siguiente paso natural en la evolución del producto".Cómo usar DJ Livi, la nueva función con IA de SpotifyIr a la pestaña Buscar en Spotify.Buscar "DJ".Poner play y dejar que el DJ personalizado elija la lista de canciones.Para cambiar de idioma, simplemente tocar el menú de tres puntos dentro de AI DJ y elegir entre inglés o español.

Vuelve Creamfields a la Argentina: cuándo se hará el legendario festival de música electrónica y dónde comprar entradas

Se originó en el Reino Unido en 1998 y causó furor en Buenos Aires durante la década del 2000.La última edición local fue hace 9 años.

Sean Ono Lennon no permitirá que se olvide la música de su padre: "Es mi deber"

El hijo de John Lennon y Yoko Ono también reveló cómo la relación de sus padres fue un ejemplo de afecto incondicional

Vuelve Creamfields: cómo será el icónico festival de música electrónica que regresa luego de 9 años

Uno de los festivales de música electrónica más importantes a nivel internacional volverá a desembarcar en Buenos Aires. A nueve años de su última edición en el país, Creamfields regresará a la escena porteña el 16 y 17 de noviembre en el Parque de la Ciudad.Los tickets de preventa se podrán adquirir a partir del próximo viernes 26 de julio a las 10, de forma exclusiva para clientes del Banco Galicia. Luego, a partir del lunes 29 de julio al mediodía, se habilitará la venta general de entradas únicamente a través del sitio web oficial: www.entradauno.com. Desde la productora Fenix Entertainment Group señalaron que el festival contará con un nuevo formato: en vez de un solo día y en horario de la trasnoche, se anunciaron dos fechas diferentes al aire libre y en un horario acorde con festivales musicales como Lollapalooza o Primavera Sound, de 13 a 1 de la madrugada.Un festival con historiaEl festival Creamfields nació en 1998 en Winchester, Reino Unido y en el año 2001 Buenos Aires fue utilizada como plataforma de lanzamiento para América Latina. En aquella ocasión asistieron al hipódromo de San Isidro 18.000 personas y al año siguiente la segunda edición convocó a 24.000, que se dieron cita, en esa oportunidad, en un predio de Puerto Madero.Durante las ediciones pasadas de Creamfields Argentina se presentaron centenares de DJ y los productores más importantes del mundo, así como nuevos exponentes de la escena electrónica. Calvin Harris, David Guetta, Martin Garrix, Deadmau5, Carl Cox, Sasha & John Digweed, Above & Beyond, Paul Kalkbrenner, Sven Väth, Richie Hawtin, Jamie Jones, Alesso y Tiësto, entre otros, además de LCD Soundsystem, Faithless, Underworld, The Chemical Brothers, Groove Armada, The Prodigy, Tale Of Us, Solumun, The Martinez Brothers y Luciano, entre muchísimos más. View this post on Instagram A post shared by Creamfields Argentina (@creamfieldsargentina)A lo largo de los años y de sus distintas ediciones, Creamfields se preocupó por mantener su esencia, sin dejar de adaptarse a la cultura local, ofreciendo una experiencia con estilo propio. En este nuevo desembarco en el país, el festival promete sorprender a su público con un line up de artistas nacionales e internacionales y una producción de vanguardia. En su nuevo formato diurno, el encuentro se propone hacer dialogar a las generaciones pasadas y actuales en un espectáculo que logre maridar su espíritu innovador y la pasión por la música electrónica.