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Noah Wyle: de su segunda oportunidad en Hollywood a ser elegido el hombre más sexy del mundo

A los 55 años, Noah Wyle es el ejemplo de que en la vida hay que ser pacientes, hay que entender que a veces hay que alejarse y soltar para tener un regreso triunfal e histórico y, sobre todo, hay que estar dispuestos a dar segundas oportunidades cuando se cree que llegó el momento correcto. A los 23 años, irrumpió en la escena con su personaje del doctor John Carter en ER Emergencias (ER) y, a pesar de que captó la atención de la audiencia, quedó un poco relegado frente a George Clooney. Tenía todo para abrirse paso en Hollywood, pero â??por decisión propia u obra del destinoâ?? su carrera solo quedó asociada a este proyecto, la mayor pesadilla de cualquier intérprete. Sin embargo, en lugar de rechazar este encasillamiento, cuando estuvo listo decidió usarlo a su favor, aceptarlo y resignificarlo. Y los hechos demuestran que fue, sin lugar a dudas, la mejor decisión que pudo haber tomado. Hoy protagoniza una de las series más galardonadas y exitosas de los últimos años, rompió un prestigioso récord de Hollywood, recibió una estrella en el Paseo de la Fama y, como frutilla del postre, esta semana fue elegido por la revista People como el hombre más sexy del mundo.Había mucha expectativa por conocer al elegido de la revista como el hombre más sexy del mundo de 2026. El misterio se reveló el martes 27 de octubre con la portada de Noah Wyle y la frase "no se necesita segunda opinión". Explicaron que su elección se basó en "su intensidad cautivadora" y su "aspecto de galán de cine". No obstante, el actor reconoció que no podía creerlo cuando se lo informaron y que hasta pensó que era una broma. Pero su esposa, Sara Wells, fue quien lo convenció de que era merecedor de este reconocimiento. Y si hay alguien que en los últimos años aprendió a recibir elogios como en ningún otro momento de su carrera, ese es él.ER Emergencias, la serie que lo sacó del anonimatoAntes de Dr. House, Grey's Anatomy, New Amsterdam y The Good Doctor, existió ER Emergencias (ER), la que caminó para que sus sucesoras corrieran. Ambientada en el ficticio Cook County General Hospital de Chicago, la serie creada por Michael Crichton, emitida entre 1994 y 2009 y cuyas 15 temporadas se pueden ver en Netflix y HBO Max, encontró la fórmula del éxito al mezclar diagnósticos médicos, internaciones, consultas y cirugías con romances, amistades, secretos y, sobre todo, mucho drama. En ese momento, un tal George Clooney, de 33 años, y un desconocido Noah Wyle, de 23, se convirtieron en estrellas por sus papeles del carismático y seductor médico pediatra Doug Ross y el tímido y talentoso residente John Carter, respectivamente. Su dupla fue tan icónica que aparecieron en la primera temporada de Friends, una oportunidad de la que solo un selecto grupo de actores pudo disponer. Aunque arrancaron en "igualdad de condiciones" y se volvieron grandes amigos, en el medio sus carreras tomaron rumbos bastante diferentes.Clooney dejó la serie al final de la quinta temporada para dedicarse de lleno al cine. Y es que, por ese entonces, ya se había puesto el traje de Batman en la película de Joel Schumacher de 1997 y había experimentado lo que era ser protagonista en Del crepúsculo al amanecer (From Dusk Till Dawn). Su decisión fue acertada porque, aunque nunca se lo podrá desvincular del Dr. Ross â??al cual volvió a interpretar en participaciones especiales de la serieâ??, supo aprovechar el envión de la popularidad y convertirse en uno de los actores y productores más aclamados de Hollywood. Sin embargo, su coprotagonista no tuvo la misma suerte.Tras la salida de Clooney, Wyle dio un paso al frente para convertirse en el líder de ER. A pesar de su escasa experiencia cuando asumió el proyecto, entre 1995 y 1999 recibió cinco nominaciones al Emmy y tres al Globo de Oro como actor de reparto. Sin embargo, nunca llegó a ser del todo reconocido ni por la crítica ni por la audiencia. El tiempo le pasó factura y en 2005 consideró que era hora de dar un paso al costado. Casi 12 años vestido con bata blanca y ambo fueron más que suficientes, sobre todo porque en casa lo esperaba algo, o mejor dicho, alguien más importante.El momento de quiebre fue el 9 de noviembre de 2002, cuando nació su hijo, Owen, fruto de su relación con su primera esposa, Tracy Warbin. "Era jueves y no fui a trabajar el viernes. Tenía que estar el lunes temprano y fui a trabajar, y alrededor de las 10:30 de la mañana, por primera vez en casi una década, miré mi reloj, levanté la vista y dije: '¿Qué estamos haciendo? ¡Vamos!' (...) Simplemente pensé: 'No puedo estar acá 80 horas a la semana y perderme esto'. Y renuncié", le reconoció a The Hollywood Reporter en una entrevista de 2019. Lo describió como un "divorcio con derecho a visita" porque no quería despedirse, según dijo, del "mejor trabajo" y "la mejor experiencia" que tuvo.Aunque supo consolidar una "familia sustituta" en el set, la verdadera era la que necesitaba ser su prioridad. Tras reducir su carga horaria, finalmente, se fue al término de la undécima temporada. Aunque dejó de ser un personaje regular, regresó para hacer algunas participaciones especiales. Pero su decisión estaba tomada y por eso se abocó de lleno a su familia. Junto a su primera esposa también fue padre de Auden y, junto a Sara Wells, su pareja desde 2014, le dio la bienvenida a Frances.De darle la espalda a George Clooney a rechazar un papel icónico del cineSu salida de ER no estaba solamente vinculada con su necesidad de pasar más tiempo en casa, sino que también, como fueron los casos de Patrick Dempsey, Sandra Oh y Ellen Pompeo, sentía una necesidad imperiosa de ser más que un médico de ficción. Protagonizó la serie de ciencia ficción Falling Skies (2011-2015), estuvo en The Librarians (2014) y en 2021 volvió al ruedo con Leverage: Redemption. No obstante, al público le costó verlo en otro tipo de personajes en la pantalla chica y su carrera en el cine tampoco logró despegar.Si bien el "qué hubiese pasado siâ?¦" es un interrogante que nunca tendrá respuesta, sí da lugar a las especulaciones. Hubo un momento crucial en la carrera del californiano que pudo haberlo cambiado todo. Antes de que un joven e inexperto Matt Damon interpretara al soldado Ryan y saltara al estrellato, Steven Spielberg tenía a otro actor en mente para Rescatando al soldado Ryan (Saving Private Ryan). Wyle era su primera opción, pero sorpresivamente se encontró con una respuesta negativa de su parte."Me ofrecieron el papel del soldado Ryan, pero no pude hacerlo. Hubo un montón de proyectos que, en retrospectiva, casi me alegro de no haber hecho porque esos actores que quedaron con el papel tenían lo que se necesitaba", admitió en el pódcast Still Here Hollywood de Steve Kmetko. ¿Qué hubiese sido de la carrera de Wyle si aparecía en una de las películas más aclamadas de la historia? ¿Habría logrado despegar en el cine? ¿Matt Damon igualmente se habría convertido en una estrella? Aunque estas preguntas nunca tendrán respuesta, lo que sí se sabe es que el interés de Spielberg por trabajar con él era tan grande que también le ofrecieron el personaje del cabo Timothy Upham, integrante del escuadrón liderado por el capitán Miller (Tom Hanks). Ante su rechazo, se lo otorgaron a Jeremy Davies. "Estuvo fenomenal. No puedo imaginarme hacer algo ni siquiera cercano a eso", admitió Wyle.No está del todo claro el motivo por el cual Wyle rechazó, según sus propias revelaciones, varios papeles. De hecho, admitió que el propio George Clooney, con quien hasta la actualidad tiene una muy buena relación, lo convocó para hacer Buenas noches, buena suerte (Good Night, and Good Luck), la cual él mismo escribió, dirigió y protagonizó y con la que recibió su primera nominación al Oscar. "No pude salir del jardín y hacerlo", se limitó a decir.La vuelta al hospital y el reconocimiento que por fin llegóA esta altura es difícil saber si el curso de la carrera de Wyle dependió de sus elecciones o de las de terceros. Quizás una parte suya sabía que nunca iba a poder descolgarse el estetoscopio. El público quería verlo en ese papel y fue por eso que, 16 años después del final de ER, consideró que era el momento oportuno de volver a ponerse el ambo. En 2025 se convirtió en el Dr. Michael "Robby" Robinavitch en The Pitt (HBO Max), una serie creada por R. Scott Gemmill y producida por John Wells, quienes también fueron productores de ER.Wyle admitió que durante mucho tiempo no quiso hacer nada relacionado con el género médico por "razones obvias", pero cuando regresó al hospital, la sensación fue la de "volver" a la escuela. "Fue como recoger un instrumento que no había tocado en 15 años y descubrir que mis dedos aún sabían dónde estaban las notas", le dijo a People. ¿Qué lo impulsó a volver al ruedo? La necesidad de visibilizar el trabajo del personal de salud y que la gente tenga "una nueva perspectiva de cómo son los hospitales y la atención médica hoy en día"."Nunca me había obligado a salir de mi zona de confort ni a actuar con tanta agresividad y perseguir algo como lo hice con esto. Esto fue extremadamente importante para mí y me sorprendió lo lejos que estaba dispuesto a llegar para lograrlo y lo duro que estaba dispuesto a trabajar", reconoció. Y es que además es productor ejecutivo y guionista de la serie y fue uno de los mayores impulsores para que el proyecto se concretara. "Sabiendo que era nuestra responsabilidad no cometer errores, reflexionamos mucho sobre cómo hacerlo y fue realmente gratificante", sostuvo. Y es que su mayor temor, al igual que el de Gemmill y Wells, era no arruinar el legado que construyeron con ER. Definitivamente no lo hicieron, sino que, por el contrario, se superaron.De un récord a una estrella en el Paseo de la Fama de HollywoodThe Pitt le devolvió al público esa pasión por los dramas médicos que se diluyó en los últimos años. Se convirtió en un éxito total y absoluto y fue renovada para una segunda temporada â??incluso antes de la finalización de la primeraâ?? y recientemente para una tercera. En 2025 arrasó en los Emmy, consagrándose como la mejor serie dramática del año, hazaña que repitió en los Globo de Oro y en los Critics Choice Awards. Pero, sin duda, lo que terminó de cerrar el círculo fue la consagración de Wyle tras su regreso a la pantalla chica y con un papel ya conocido, pero reversionado, adaptado al paso del tiempo, a su experiencia y con otro ritmo, pero sin perder la esencia. Tras años de mirar desde la butaca cómo otros se llevaban la estatuilla, finalmente, a los 54 años, le llegó el turno."¡Qué momento tan conmovedor es este! Estoy increíblemente agradecido, y no sé cómo expresar toda mi gratitud por 54 años en 60 segundos", dijo el 11 de enero en el hotel Beverly Hilton de California, cuando subió al escenario a recibir el Globo de Oro a mejor actor de serie dramática, hazaña que también logró en los Emmy, Television Critics Association Awards, Critics Choice Television Awards y Actors Awards, convirtiéndose en el primer actor en la historia en ganar los cinco premios más importantes de la televisión en una misma temporada y con una sola serie. Este año consiguió su segundo Emmy tanto en la categoría actor como de mejor drama.Para coronar este regreso triunfal, el 9 de abril de 2025 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, más precisamente la número 2840 en la categoría de televisión, ubicada en 6164 Hollywood Boulevard. La ceremonia contó con la presencia de su mujer Sara Wells, su hija en común, Frances, y sus dos hijos mayores, Owen y Auden, fruto de su matrimonio con Tracy Warbin, y con discursos de Jonathan Frakes y Steven Weber."Tengo historia a lo largo y a lo ancho de esta calle como en ningún otro lugar del mundo. Hoy, formar parte de esa historia es un verdadero sueño de mi infancia hecho realidad. Desde que tengo memoria, quise formar parte de esto. (...) Lo amo más de lo que puedo expresar. Esto es todo lo que siempre quise hacer y todo lo que siempre quise ser", expresó el actor frente a todos los presentes.Y todavía queda mucho de Noah Wyle para ver. Tras el éxito de las dos primeras temporadas de The Pitt â??disponibles en HBO Maxâ??, la tercera temporada ya está en marcha con nuevas "emergencias, confrontaciones y complicaciones". Sus fanáticos marcan los días en el calendario hasta enero de 2027 para ver a "Robby" nuevamente al frente de la sala de urgencias.

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No es algo inusual escuchar historias de artistas que, pese a que tienen un futuro prometedor en el ambiente, deciden dejar atrás los flashes y sets de filmación para vivir una vida tranquila y, por qué no, descubrir una nueva pasión; este también fue el caso de Evangeline Lilly, una de las figuras de Lost.La intérprete de Kate Austen en la exitosa serie dramática que retrata las vivencias de los pasajeros supervivientes del vuelo 815 de Oceanic Airlines Sidney-Los Ángeles habló con CBN News y contó el verdadero motivo por el que se alejó del foco mediático.Si bien ser actriz era uno de sus mayores sueños, la fama siempre fue un problema para ella. "Preferiría un puesto más tranquilo. Siempre odié ser famosa. Nunca lo oculté. Siempre dije que la fama es el precio de la riqueza que uno puede obtener como actor. Es lo que se paga: la riqueza", comentó.Sin embargo, dejar atrás eso no fue fácil. "Cuando tenés éxito en algo, se siente muy bien que el mundo te diga 'te queremos' o 'sos increíble'. Es una sensación maravillosa. ¿Cómo te alejás de eso? Tuve momentos de un miedo paralizante, como si me preguntara '¿qué estoy haciendo?'. Pero, en definitiva, la decisión la tomé con mucha convicción", lanzó.Aunque al principio tenía dudas, la actriz señaló que ahora "se siente liberada" y afirmó haber alcanzado una "confianza y entrega totales". "Estoy convencida de que Dios tiene un plan para mi vida", aseveró. "Mi salud ha mejorado muchísimo. Cuando me jubilé, tenía graves problemas crónicos", aseguró Lilly. Aunque en este tiempo de ausencia también sufrió afecciones que hizo públicas. La última de ellas ocurrió el pasado mes de enero, cuando reveló que sufría daño cerebral a consecuencia de un traumatismo craneoencefálico tras desmayarse en una playa de Hawái."El veredicto está... Tengo daño cerebral por mi TBI (lesión cerebral traumática en español). Reconfortante saber que mi declive cognitivo no es solo la perimenopausia; incómodo saber lo que cuesta arriba será tratar de revertir las deficiencias. Gracias a todos por preguntar siempre, por preocuparse siempre y por sus oraciones continuas", expresó en un video que compartió desde su cuenta de Instagram, donde acumula 2.6 millones de seguidores. Evangeline Lilly reveló detalles de su estado de salud tras el desmayo que sufrió el año pasadoCabe recordar que la actriz canadiense de 47 años anunció su retiro definitivo en 2024 mediante un posteo de su red social. "Gracias a @lost_theothers por desenterrar este metraje (de hace casi veinte años) de mí expresando mis sueños bajo (lo que parece ser) una luna llena. Y gracias a @femalepoetsociety por desenterrar este metraje (mucho más antiguo) de la increíble #mayaangelou articulando perfectamente cómo me siento respecto a la vida", escribió.Y completó: "Hoy estoy tan llena de alegría y satisfacción al vivir mi visión. Alabado sea Dios, me siento muy agradecida por mis bendiciones. Alejarse de lo que parece la opción obvia (riqueza y fama) puede dar miedo por momentos, pero dar el paso hacia tu dharma reemplaza el miedo con plenitud. Puede que algún día regrese a Hollywood, pero, por ahora, aquí es donde pertenezco. Una nueva etapa ha llegado, y estoy lista y soy feliz".

Evangeline Lilly reveló por qué abandonó Hollywood y dedica su vida a la fe cristiana

Evangeline Lilly supo lo que significa convertirse en una estrella internacional. Fue Kate Austen en Lost, interpretó a Tauriel en la trilogía de El Hobbit y se sumó al universo cinematográfico de Marvel como Hope van Dyne, la Avispa, en la saga de Ant-Man. Sin embargo, después de años de éxitos, decidió alejarse de la actuación y renunciar a una carrera que le había dado reconocimiento, dinero e influencia. Hoy, a los 47 años, la actriz explicó por qué eligió abandonar Hollywood y dedicar su vida a otras prioridades, entre ellas su fe cristiana y el trabajo humanitario."Preferiría un puesto más tranquilo. Siempre he odiado ser famosa. Nunca lo he ocultado", declaró en una entrevista con Christian Broadcasting Network, en la que habló sobre los motivos que la llevaron a tomar una decisión que durante mucho tiempo mantuvo en privado. Para Lilly, la popularidad es una contrapartida inevitable de los beneficios económicos que puede ofrecer la profesión. "Siempre he dicho que la fama es el precio de la riqueza que podés obtener como actor. Es como si eso fuera lo que pagás: la riqueza", explicó.Aunque su retiro se hizo público en 2024, la intérprete había dejado de actuar en 2020. La decisión, que tomó después de consolidar su lugar en algunas de las franquicias más exitosas de Hollywood, implicó alejarse de una industria que todavía podía ofrecerle nuevas oportunidades. No se trataba solamente de abandonar los sets de filmación, sino también de renunciar a los beneficios que acompañan a una carrera de ese nivel.Lilly reconoció que desprenderse de ese mundo no fue sencillo. De hecho, una vez que se emitió la última temporada de Lost, en 2010, la actriz anunció que se retiraba de la actuación para dedicarse a la escritura de libros infantiles, pero terminó "recayendo". El reconocimiento público puede resultar gratificante, especialmente después de años de esfuerzo, y ella no fue ajena a esa experiencia. "Cuando tenés éxito en algo, se siente realmente bien cuando el mundo dice: '¡Te queremos! ¡Sos increíble!'. Es una sensación maravillosa", admitió. La pregunta, entonces, era cómo alejarse de una fuente de satisfacción semejante. "¿Cómo te alejás de eso?", planteó. Y reconoció que atravesó momentos de "miedo paralizante", en los que se preguntaba qué estaba haciendo al renunciar a semejante oportunidad.Sin embargo, aseguró que su decisión estuvo respaldada por una profunda convicción. Su fe cristiana fue fundamental para atravesar el cambio y encontrar una manera distinta de pensar el futuro. "Ha sido increíblemente liberador y hermoso dar un paso hacia la confianza y la entrega total, sabiendo que Dios tiene un plan para mi vida", sostuvo.Ese plan, explicó, no necesariamente tiene que estar relacionado con los parámetros que suelen definir el éxito en Hollywood. "Y ese plan no tiene por qué tratar sobre fama, dinero, riqueza y poder, sino que puede tratar sobre cosas más importantes", agregó. Para la actriz, alejarse de la industria significó abrir la puerta a una vida en la que sus decisiones no estuvieran condicionadas por las expectativas del público ni por las posibilidades de crecimiento profesional.La adaptación, de todos modos, llevó tiempo. Lilly recordó que ya a los 26 años imaginaba cómo quería que fuera su vida y que, con los años, consiguió alcanzar muchos de aquellos objetivos. "Ya me he jubilado", comentó al repasar su trayectoria y explicar que, cuando anunció públicamente su retiro, llevaba cuatro años fuera de la actuación. "Ha sido un largo período de adaptación", reconoció.Su recorridoLa decisión de dejar Hollywood cobra otra dimensión cuando se repasa el recorrido que llevó a Lilly a convertirse en una figura reconocida en todo el mundo. Su consagración llegó con Lost. Allí interpretó a Kate Austen, uno de los personajes centrales de una historia que conquistó a millones de espectadores. Su trabajo le valió una nominación al Globo de Oro en 2007 como mejor actriz en una serie dramática de televisión.Después de ese éxito, Lilly amplió su carrera con producciones de gran presupuesto. En la saga de El Hobbit, dirigida por Peter Jackson, interpretó a Tauriel en El Hobbit: la desolación de Smaug (2013) y El Hobbit: la batalla de los cinco ejércitos (2014). También participó en películas como Vivir al límite (2008), ganadora del Oscar, y Gigantes de acerol (2011), en la que compartió pantalla con Hugh Jackman.Su incorporación al Universo Cinematográfico de Marvel consolidó su presencia en el cine comercial. Como Hope van Dyne, también conocida como la Avispa, actuó junto a Paul Rudd en Ant-Man (2015), Ant-Man and the Wasp (2018) y Ant-Man and the Wasp: Quantumania (2023). Tenía, por lo tanto, un lugar asegurado en una de las franquicias más rentables de la industria cuando decidió poner punto final a su carrera como actriz.Pero su vocación no siempre estuvo vinculada con la interpretación. Antes de dedicarse a la actuación, estudió ciencias políticas y relaciones internacionales. En aquella etapa, contemplaba otros caminos profesionales: llegó a considerar la posibilidad de convertirse en misionera, trabajar en el ámbito humanitario o dedicarse a la diplomacia. Su interés por los problemas del mundo y su deseo de contribuir a mejorar la vida de otras personas precedían a la fama."Quería hacer del mundo un lugar mejor", recordó. Lilly sabe que hay quienes consideran que el trabajo de los actores también puede transformar vidas, a través de las historias que cuentan y de los personajes que interpretan. Sin embargo, explicó que siempre sintió la necesidad de tener un impacto más directo. En ese sentido, destacó que lleva 22 años trabajando directamente en tareas humanitarias en Ruanda.Ese compromiso ayuda a entender por qué la actriz no considera que abandonar la pantalla equivalga a renunciar a sus aspiraciones. Por el contrario, su decisión le permitió volver a poner en primer plano intereses que existían antes de que su carrera despegara y que continuaron acompañándola durante sus años de mayor exposición pública.Lilly tampoco dejó de lado su interés por las historias. Lo que cambió fue la manera en que quiere relacionarse con ellas. "Me encanta contar historias, pero preferiría contar mis propias historias en lugar de estar frente a la cámara", afirmó.

Protagonizó Volver al Futuro, pero una trágica razón la llevó a abandonar Hollywood y fue reemplazada en las secuelas del filme

En 1985, Volver al Futuro se convirtió en uno de los grandes éxitos del cine y marcó a toda una generación. La película protagonizada por Michael J. Fox y Christopher Lloyd no solo conquistó al público con su historia de viajes en el tiempo, sino que también impulsó las carreras de varios de sus actores. Sin embargo, Claudia Wells, quien interpretó a Jennifer Parker, la novia de Marty McFly, decidió alejarse de Hollywood cuando su futuro profesional parecía muy prometedor.Después de muchos años alejada de las cámaras, en 2015, en una entrevista a la revista estadounidense People, la actriz se animó a contar que la razón por la que se distanció de Hollywood fue porque su madre contrajo cáncer de mama y debió quedarse en su hogar para cuidarla. "La vida era muy, muy difícil y estresante. Simplemente no tenía fuerzas para hacer nada más que lidiar con el estrés y las emociones que estaban sucediendo como resultado de que mi madre estuviera en proceso de morir", aseguró. "Simplemente no estaba en condiciones de pensar en mi carrera, en la película o en nada más que en lo que estaba haciendo con mi propia vida", continuó Wells sobre su complicada situación en esa época. Aun así, reconoció que, al enterarse de que Elisabeth Shue la sustituiría, se sintió muy contenta. "Cuando me enteré de que la habían elegido, me sentí muy halagada y honrada porque creo que es una actriz increíble", reconoció. Al ver que no podría dedicarse a la actuación, durante muchos años Claudia trabajó en distintos comercios e incluso llegó a abrir su propio local de ropa para hombres. Sin embargo, en su corazón siempre soñaba con poder volver al trabajo de sus sueños. "Siempre, incluso cuando era actriz, nunca me consideré actriz a menos que estuviera actuando activamente", explicó durante una conversación con el canal de YouTube de Zane Lamprey.Con el paso del tiempo, comenzó a retomar algunos proyectos audiovisuales y participó en producciones independientes. También tuvo una aparición en la serie El mentalista, lo que le permitió reencontrarse con el público desde una nueva etapa de su carrera. En una entrevista con Fox News, Wells dejó en claro que su alejamiento nunca había significado una despedida definitiva de la actuación. "Dejé la actuación por completo, pero sabía que volvería. Nunca sentí que hubiera terminado. Todavía estoy esperando el momento de regresar. Todavía no siento que haya terminado", remarcó. En los últimos años también fue convocada para realizar distintas apariciones en encuentros de fans de Volver al Futuro de todo el mundo. Allí pudo reencontrarse con Michael J. Fox, Christopher Lloyd, entre otros grandes actores de la saga. En su cuenta de Instagram oficial, acumula más de 45 mil seguidores, donde también deja en cada aniversario algunas de las mejores fotos de su paso por el set, además de anécdotas de la filmación.

Denzel Washington, actor de Hollywood: "Los sueños sin metas son solo sueños, y en última instancia, alimentan la decepción"

Tener grandes aspiraciones no siempre significa estar cerca de cumplirlas. El actor Denzel Washington abordó esta diferencia durante un discurso universitario en el que destacó la importancia de establecer metas concretas. Su reflexión también permite examinar qué factores psicológicos intervienen cuando una persona intenta alcanzar sus objetivos.En 2015, durante una ceremonia de graduación en la Universidad Dillard, en Nueva Orleans, Estados Unidos, Washington pronunció una frase que resume su planteamiento: "Los sueños sin metas son solo sueños, y en última instancia, alimentan la decepción".El ganador de dos premios Óscar explicó que las aspiraciones necesitan acompañarse de decisiones y acciones para convertirse en proyectos. Durante su intervención propuso organizar los objetivos en diferentes periodos: metas de vida, anuales, mensuales y diarias.¿Cuál es la diferencia entre tener un sueño y establecer una meta?Según el psicólogo José Martín del Pliego, citado por la revista '¡Hola!', una de las principales diferencias está en la planificación. Mientras un sueño puede mantenerse como una idea sobre el futuro, una meta implica definir actividades, recursos y plazos para alcanzar un resultado."Un sueño equivale a una fantasía. En cambio, un objetivo tiene fecha, planificación y acciones concretas. Sabemos qué vamos a hacer, cómo vamos a hacerlo, qué paso daremos esta semana y qué recursos necesitamos", explicó el especialista.Esta distinción puede observarse en actividades cotidianas como aprender un idioma, iniciar estudios, escribir un libro o prepararse para una competencia deportiva. En cada caso, establecer una meta supone identificar las tareas necesarias y distribuirlas durante un periodo determinado.¿Por qué algunas personas abandonan sus objetivos antes de alcanzarlos?El psicólogo señala que una de las dificultades más frecuentes aparece cuando las personas subestiman el esfuerzo y el tiempo que requiere conseguir determinados resultados."Para alcanzar un sueño hay que invertir energía y aceptar que el camino nunca es lineal. Cuando llegan los primeros obstáculos, muchas personas sienten que no serán capaces y abandonan con rapidez", afirmó.Otro factor relacionado con el abandono de las metas es la expectativa de obtener recompensas inmediatas. Cuando los avances no aparecen con la rapidez esperada, pueden surgir frustración y dificultades para mantener la motivación.El especialista también advierte que intentar modificar demasiados hábitos simultáneamente puede dificultar la continuidad de un proyecto. Por esta razón, recomienda introducir cambios progresivos y ajustar las expectativas al tiempo que requiere cada proceso.La recomendación para convertir los sueños en objetivos alcanzablesUna de las estrategias consiste en dividir los objetivos de largo plazo en actividades pequeñas y específicas. Este procedimiento permite concentrar la atención en las tareas inmediatas en lugar de mantenerla exclusivamente en el resultado final.Hay que reconocer los progresos y contar con un entorno que favorezca la continuidad de los proyectos. Estas medidas pueden contribuir a mantener la motivación durante procesos prolongados.Además de la falta de planificación, el especialista identifica otros comportamientos que pueden afectar el desarrollo de los objetivos, entre ellos esperar resultados demasiado rápidos, asumir múltiples compromisos al mismo tiempo y no evaluar los recursos disponibles.En ese sentido, es importante evaluar si los objetivos corresponden a las prioridades individuales antes de comprometer tiempo y recursos en su cumplimiento.¿Cómo mantener las metas?Mantener una rutina de trabajo es una de las condiciones que favorecen el avance hacia las metas. Depender únicamente de momentos de entusiasmo puede producir interrupciones prolongadas.El actor destacó que las aspiraciones deben acompañarse de objetivos organizados y acciones sostenidas para avanzar hacia los resultados esperados.Denzel Washington nació en Estados Unidos en 1954 y ha desarrollado una trayectoria como actor, director y productor cinematográfico. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos reconocimientos, incluidos dos premios Óscar.Obtuvo el premio de la Academia como mejor actor de reparto por Glory y posteriormente ganó el de mejor actor por Training Day, reconocimiento recibido en la ceremonia de 2002 por su interpretación de Alonzo Harris.Además de su trabajo cinematográfico, Washington ha participado en intervenciones públicas sobre disciplina, esfuerzo y desarrollo personal. *Este contenido fue escrito con la asistencia de una inteligencia artificial, basado en informacioÌ?n de conocimiento puÌ?blico divulgado a medios de comunicacioÌ?n. AdemaÌ?s, contoÌ? con la revisioÌ?n de la periodista y una editora.JOS GUERRERO

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Ralph Echemendia, 'hacker de Hollywood': "La IA permite ataques complejos sin saber mucho"

Estrellas de Hollywood, modelos top, herederos famosos y hasta dos princesas dijeron presente en la mejor fiesta de la moda en París

Jennifer Lopez, cantante y actriz de Hollywood, 56 años, sobre su rutina: "No tomo alcohol ni consumo cafeína, y como espárragos, brócoli y kale"

La artista contó que sus hábitos son estrictos.Productos frescos verduras y proteínas de calidad para cuidar su alimentación.

Estefanía de Mónaco. Deslumbró como anfitriona en un evento solidario junto a sus hijos y una estrella de Hollywood

El viernes 9, el Hôtel de Paris Montecarlo fue el escenario de la nueva edición de la Global Gift Gala, que tuvo como anfitriones a la princesa Estefanía de Mónaco (61) junto a sus hijos, Camille Gottlieb (28), Pauline (32) y Louis Ducruet (33), y a su nuera Marie Chevallier (33). Una velada inolvidable en la que los herederos de Grace Kelly compartieron protagonismo con una estrella de Hollywood como Eva Longoria: unidas por su vocación filantrópica, la princesa y la actriz lograron consolidar a este evento -destinado a apoyar familias en situación de vulnerabilidad- como una cita ineludible del calendario social del principado.SOLIDARIDAD E INVITADAS DE HONOR Radiante y orgullosa de sus hijos, Estefanía inauguró la pista de baile enfundada en un llamativo vestido rojo que destacaba su figura. A su lado, como coorganizadora de la gala a través de su agencia CMC Consulting, brilló su hija menor, Camille, que eligió un sofisticado diseño negro de importante escote en V, rematado con un peinado recogido alto y alhajas de diamantes. Pero más allá de la moda, la noche rindió homenaje a Fight Aids Monaco, la asociación que la propia princesa fundó y preside desde 2004. Así, tras un cóctel en la terraza, cerca de doscientos invitados que pagaron mil quinientos euros la entrada disfrutaron de la comida en la mítica Salle Empire. Eva Longoria, deslumbrante con un diseño de terciopelo negro con detalles plateados, se graduó como anfitriona y contó con invitadas de lujo, como Alexandra Leclerc, la mujer del piloto de Fórmula 1 Charles Leclerc, espectacular con un vestido que le marcaba su avanzado embarazo. Aunque Charles no pudo ser de la partida porque se encontraba a muchos kilómetros de distancia, listo para disputar el Gran Premio de Singapur, estuvo presente donando un casco firmado y sus guantes para la subasta, el momento que le puso un broche de oro a una noche fabulosa.

Al Pacino, actor de Hollywood, de 86 años: "Me encanta la pasta, pero reduje casi a la mitad las porciones"

Con el paso del tiempo, el actor incorporó algunos cambios en sus hábitos relacionados con la alimentación.Pero lejos de abandonar los platos que disfruta, explicó que su estrategia consiste en moderar las cantidades.

Brad Pitt, actor de Hollywood de 62 años, sobre su drástico cambio de dieta: "Antes tomaba 4 gaseosas al día"

El actor contó cómo era su rutina diaria en 1994, cuando todavía buscaba consolidar su carrera en Hollywood y su alimentación era muy diferente.

Cameron Díaz, actriz de Hollywood, 54 años: "La responsabilidad de estar sano está en tus manos, nadie más lo va a hacer por ti"

Desde hace más de una década la actriz tiene una mirada basada en la alimentación, el movimiento y el descanso.

Yina Calderón expresó su decepción al conocer el Paseo de la Fama de Hollywood en Los Ángeles: "Yo me imaginaba algo diferente"

La empresaria de fajas viajó a Los Ángeles para promocionar el nuevo 'reality' en el que participará, pero una parada en el camino de un lugar que soñaba conocer de Hollywood terminó en una queja inesperada

El español Ángel Gómez Hernández lleva el terror de las arañas a Hollywood con 'Crawlers'

Un cineasta español se adentra en el terror con una trama claustrofóbica sobre arañas venenosas que siembran el pánico en un edificio confinado.La cinta busca generar aracnofobia en la audiencia, mostrando una lucha por la supervivencia en un entorno donde la amenaza es constante e ineludible.

Fue la estrella de Baywatch, terminó tras las rejas y ahora luce irreconocible en su nueva vida lejos de Hollywood

En medio del anuncio del regreso de Baywatch, la icónica ficción de los 80 que gira en torno a las aventuras de un grupo de guardavidas en la playa Malibú en Los Ángeles, desde la producción lanzaron el primer adelanto y un detalle no pasó inadvertido por los fanáticos. Es que Stephen Amell asumirá el papel de Hobie Buchannon, el hijo de Mitch (David Hasselhoff), por lo que Jeremy Jackson â??el Hobie de los años 90â?? no formará parte del proyecto.Jackson obtuvo el papel de Hobie a los diez años, tras superar en las audiciones a un joven Leonardo DiCaprio. Durante casi una década, el actor disfrutó de una fama descomunal gracias a un éxito que alcanzó el Récord Guinness como la ficción más vista del planeta y catapultó al estrellato a figuras como Pamela Anderson. Sin embargo, detrás de ese fenómeno masivo, la abundancia de dinero y la popularidad destruyeron la estabilidad del pequeño actor.Con solo 18 años y ganancias de millones de dólares, Jackson abandonó la serie de forma abrupta. Tal como comentó en varias entrevistas, la soberbia y el consumo de drogas le permitieron continuar con su carrera. Su vida ingresó en un declive destructivo: consumió marihuana, derivó en una severa adicción a las metanfetaminas e incluso aprendió a fabricar dicha sustancia en su hogar para financiar su consumo. A los 19 años enfrentó su primer arresto por posesión y venta, hecho que lo llevó tres meses a prisión.Durante un episodio de 2006 de E!'s Child Star Confidential, habló de su adicción a las drogas y de cómo lo afectó la fama a tan corta edad. "Probablemente gané entre 2 y 3 millones de dólares con Baywatch", reveló por aquel entonces. "Tenía todos los medios para destruirme: tenía mucho dinero y mucha gente a mi alrededor que en realidad no eran mis amigos, pero yo creía que sí, y me metí de lleno en un espiral descendente de estilo de vida", añadió.Los problemas judiciales y mediáticos se multiplicaron durante la siguiente década. En 2012 contrajo matrimonio con la modelo Loni Willison, quien lo denunció años más tarde por agresión física e intento de estrangulamiento. En 2015, su participación en el reality Celebrity Big Brother UK duró apenas tres días: la producción lo expulsó inmediatamente tras un incidente donde abrió sin consentimiento la bata de una compañera.Ese mismo año, el ex actor tocó fondo en el ámbito legal al protagonizar dos incidentes de apuñalamiento en Los Ángeles, uno de ellos contra una mujer. Estos ataques le valieron una condena de 270 días de prisión y cinco años de libertad condicional, acuerdo judicial que concluyó en 2017.Tras cumplir sus penas con la justicia y tras varios pasos por clínicas de rehabilitación, Jackson tomó la decisión de alejarse para siempre de los reflectores hollywoodenses. Reapareció públicamente en 2024 durante la alfombra roja del documental After Baywatch: Moment in the Sun, en Santa Mónica, donde exhibió una imagen física completamente renovada.En la actualidad, el exintérprete de 46 años trabaja como entrenador personal y guía de recuperación para personas con adicciones. En varias ocasiones, Jackson aseguró que ayuda a otros a salir de las adicciones para sostener su propia sobriedad, lejos del brillo superficial de la actuación.

Brad Pitt, actor de Hollywood de 62 años: "Por naturaleza, siempre estoy en movimiento, amigo. Mi teoría es: sé como un tiburón. Simplemente tienes que seguir moviéndote. No puedes detenerte"

Ni el éxito ni el fracaso deberían convertirse en escollos profesionales o personales.Pero la acción, la búsqueda, puede ser el camino a una buena forma de vida.

En la década de 1980, Goldie Hawn y Kurt Russell construyeron su rancho de ensueño de 6.500 pies cuadrados en Colorado; 40 años después, la exclusiva propiedad sigue siendo su refugio lejos de los paparazzis de Hollywood

Una de las parejas más estables de Hollywood afirma que disfruta más de la naturaleza que de la agitada Los Ángeles.Los gustos de Russell son semejantes a los de su personaje en The Madison.

Ethan Hawke habló sobre las contradicciones de Hollywood: "Cuanto más amas un proyecto, menos te pagan"

El nominado a los Premios de la Academia repasó su trayectoria profesional entre cintas independientes y comerciales en una entrevista con GQ, y defendió la necesidad de que surjan nuevas voces

'Squadron 42â?² muestra combates y a su reparto de Hollywood en un nuevo tráiler

Su estreno está previsto entre abril y junio de 2027, con Mark Hamill, Gary Oldman y Henry Cavill en el reparto

Hollywood sería el próximo destino de Sora, la herramienta de video que OpenAI dejó de lado

OpenAI estudia dar un nuevo uso a su modelo de video tras cerrar la aplicación para consumidores en marzo y poner fin a su alianza con Disney

La histórica terminal de Hollywood Burbank Airport cierra tras 96 años de operaciones y deja paso a un nuevo edificio

El aeropuerto californiano inaugurará un edificio un 50 % más grande, mientras prepara la demolición de la instalación de 1930 por razones de seguridad y normas sísmicas

Catherine Zeta-Jones, actriz de Hollywood, 56 años: "En invierno desayuno avena caliente con bananas y azúcar morena"

La actriz mantiene desde hace años una rutina basada en comidas simples, actividad física y descanso.

Olivia Rodrigo, 23 años, desafía el silencio político de Hollywood y se pronuncia contra Trump: "No usen jamás mis canciones para promover su propaganda racista y odiosa"

Su postura contrasta con la de otros artistas que prefieren evitar las controversias políticas para proteger sus carreras.

El método Hollywood: los videojuegos se refugian en los remakes para sobrevivir

El negocio de los videojuegos atraviesa un momento donde la innovación ya no garantiza el éxito comercial. Ante la incertidumbre económica global, aumentos en los costos de producción y la retracción del consumo masivo, los referentes del rubro se adaptaron a la lógica de Hollywood: refugiarse en franquicias consolidadas con secuelas y remakes."No creo que estemos atravesando una crisis de creatividad, sino de financiamiento y de tolerancia al riesgo", analizó Hernán López, presidente de la Asociación de Desarrolladores de Videojuegos Argentinos (ADVA) en diálogo con LA NACION. "La industria 'AAA' llegó a un punto donde un juego puede costar cientos de millones de dólares y llevar cinco o seis años. No es que se terminaron las ideas; se volvió mucho más caro apostar por ideas nuevas", agregó.Nintendo revela un remake de su juego más icónico, su primera película live action y nuevas entregas para la Switch 2El caso paradigmático fue el de Concord, un juego de acción en primera persona de Firewalk Studios y publicado por Sony, que tuvo más de ocho años de desarrollo y un presupuesto estimado entre US$200 y 400 millones. Salió en 2024 vendió apenas 25.000 copias, por lo que la compañía retiró el producto y devolvió el dinero, en un intento de dejar atrás uno de los fracasos más relevantes de la historia reciente del entretenimiento digital.El aprendizaje entre la industria se vio reflejado en su evento global Summer Game Fest de junio pasado, donde se mostraron más de una veintena de próximos lanzamientos basados en títulos históricos, entre relanzamientos, remakes y remasterizaciones. En la reciente Switch 2, Nintendo se prepara para lanzar The Legend of Zelda: Ocarina of Time y ya tiene en su catálogo a Star Fox 64, ambos clásicos de los 90. Aunque el primero se encamina a competir con Grand Theft Auto VI, uno de los juegos más esperados de la década, el segundo tuvo un buen recibimiento entre la crítica, comparado a títulos previos en esa franquicia.No obstante, las acciones de la firma japonesa cayeron cerca de un 10% en la Bolsa de Tokio tras la presentación del próximo Zelda, ya que los inversores esperaban el anuncio de un título inédito (como un nuevo Super Mario) para justificar el recambio generacional de hardware.Shigeru Miyamoto, el legendario diseñador de los juegos ya mencionados y más, defendió la postura de la compañía ante Famitsu: "Cada cinco años, muchas personas dejan de jugar y entran nuevas generaciones que no tuvieron la oportunidad de probar títulos de hace 10 o 20 años. Rehacerlos para adaptarlos a los estándares actuales es una forma saludable de responder a esa demanda y generar ingresos que financien los desarrollos del futuro".Esa adaptación fue un punto de polémica entre los fanáticos de Star Fox, aunque el debate pareció apaciguarse cuando Takaya Imamura, director artístico del juego de 1997, apoyó los nuevos diseños fotorrealistas: "Es exactamente la imagen visual que tenía en mi cabeza cuando desarrollaba el juego en la Nintendo 64", aseguró según Polygon.Por su parte, Sony se enfocó en remake de la trilogía de God of War, que recién está en una etapa inicial y se estima que podría salir entre 2027 y 2028. Además, según reportó Push Square, la empresa matriz de PlayStation se abrió a propuestas a estudios independientes para revivir franquicias inactivas como Killzone, Ape Escape y Sly Cooper.En este contexto, LA NACION contó que la cúpula corporativa de la empresa abandonó desarrollos de autor de alto presupuesto como Physint â??el nuevo proyecto de Hideo Kojimaâ?? por demoras y dudas sobre su eventual ganancia, luego de que Death Stranding 2 no alcanzara las expectativas después de su lanzamiento exclusivo en PlayStation 5.En paralelo, Noriaki Okamura, productor de Konami a cargo de Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, explicó a Inverse los motivos detrás de la reedición del clásico de Kojima de 2004: "El ciclo de evolución del hardware en los videojuegos es extremadamente rápido comparado con otros medios; las remakes apasionadas permiten transmitir estas obras a futuras generaciones para luego reiniciar nuevas propiedades intelectuales".Por otro lado, Microsoft apostó por Halo: Campaign Evolved, una reconstrucción desde cero del juego insignia de su primera consola. Sin embargo, el desempeño del título no convenció a la empresa, por lo que se cancelaron los planes para rehacer Halo 2 y Halo 3. Así, Xbox le quitó el control de la saga a su estudio histórico y se lo cedió a Activision para intentar reflotarla.Los números respaldan los remakesAunque los costos de rehacer juegos son más elevados, un estudio de Ampere Analysis â??que analizó 42 títulos y el comportamiento de 72,4 millones de usuarios en plataformas como PlayStation, Xbox y Steamâ?? reveló que los jugadores gastan 2,2 veces más en un remake que en una remasterización.Para la empresa de videojuegos Epic Games, un remake consiste en reprogramar los sistemas de control, de inteligencia artificial, animaciones y cinemáticas, mientras que una remasterización mejora la resolución de imagen, la performance de imagen y la calidad de audio, por lo que se suelen dejar casi intactas las mecánicas, en algunos casos con mejoras.Nvidia da el salto hacia los gráficos generados con IA y desata una polémica en la industria de los videojuegosSegún Katie Holt, analista de Ampere, los remakes generan mayores ingresos por comercializarse a precio premium (US$70 promedio) y registran 1,4 veces más tiempo de juego que las remasterizaciones. "Las remasterizaciones ofrecen un desarrollo rápido y de bajo costo, pero menor compromiso; los remakes permiten rejuvenecer propiedades intelectuales clásicas y capturar a consumidores jóvenes con estándares visuales modernos", señaló en declaraciones recogidas por CBR y VGC.Sin embargo, un informe de la consultora Sensor Tower publicado por GameSpot indicó que en un año se registraron 138 millones de descargas globales de este tipo de versiones, de las cuales 60 millones corresponden a remakes y 78 millones a remasterizaciones."Un remake puede reducir costos porque la narrativa y el diseño ya están resueltos y permite estimar mejor el riesgo, pero conocer una IP (propiedad intelectual) no significa necesariamente que el usuario quiera volver a comprarla", advirtió López, titular de la ADVA.Detrás de los balancesAparte de tener un valor económico para los estudios de videojuegos, los remakes cumplen con algunas funciones estratégicas para las empresas. Es que en parte funcionan como una prueba para que los programadores y diseñadores se formen en nuevas herramientas como Unreal Engine 5 de Epic Games, utilizada para Halo: Campaign Evolved.La modernización también abre una ventana de negocios para estudios externos. "Un remake representa una oportunidad comercial enorme para estudios de outsourcing y co-development", señala López. "Muchas grandes compañías necesitan socios internacionales para modernizar gráficos, adaptar motores, reconstruir sistemas o llevar juegos a nuevas plataformas".Además, las remakes sirven de prueba piloto. Si las ventas acompañan â??como ocurrió con las trilogías de Crash Bandicoot y Spyroâ??, se suele dar luz verde a secuelas inéditas (pasaron 22 años entre Crash 3 y 4). Además, relanzar una obra histórica con gráficos de última generación suele ser un evento en el mundo del gaming que un juego nuevo difícilmente pueda equiparar.Financiar lo nuevo con lo viejoEl mayor caso de éxito lo tiene la desarrolladora japonesa Capcom. Según GameSpot, el remake de Resident Evil 4 alcanzó un récord de 16,8 millones de unidades vendidas, el doble de rendimiento de cualquier otro remake de la actual generación de consolas.En declaraciones a la prensa especializada, Jun Takeuchi, productor ejecutivo de la saga, dijo que "la serie actual de Resident Evil se está desarrollando en dos vías paralelas: los títulos numerados permiten a los jugadores experimentar la historia en curso de la franquicia, mientras que la serie de remakes les permite experimentar el pasado"."Algún día, la serie de remakes alcanzará la era de los títulos numerados, y ya estamos pensando en qué haremos cuando eso suceda. De hecho, nos hemos estado preparando gradualmente para eso desde Resident Evil Village", adelantó Takeuchi.De todos modos, la proliferación de remakes tiene sus detractores. Takashi Iizuka, productor general de Sonic the Hedgehog, pidió disculpas ante Automaton: "Escuchamos todo tipo de solicitudes de la comunidad para remakes y remasterizaciones, pero nuestros recursos son limitados. Tenemos un deseo mucho más fuerte de brindarles a los fanáticos juegos completamente nuevos y entregarles nuevas sorpresas"."Con las remakes, esencialmente estás ofreciendo la misma experiencia otra vez. Pero hoy en día, rehacer un juego antiguo requiere casi los mismos recursos que crear un título inédito", planteó el creativo de Sega.Ante la consulta de este medio sobre si depender de títulos viejos es viable para el futuro de la industria, el presidente de la ADVA contestó: "En el corto plazo es una estrategia comercial perfectamente válida, pero en el largo plazo no es sostenible como pilar principal. Todas las grandes franquicias que hoy generan remakes fueron alguna vez propiedades intelectuales nuevas por las que alguien decidió apostar".PlayStation canceló el nuevo juego de Hideo Kojima y Microsoft salió a su rescatePara López, la innovación vendrá por otro lado: "En lugar de grandes compañías invirtiendo US$300 millones en una IP desconocida, muchas de las grandes franquicias del futuro van a nacer como pequeñas producciones independientes o de escala AA que demuestren su potencial comercial y escalen orgánicamente"."Cuanto más conservadoras se vuelven las grandes compañías, más oportunidades tienen los estudios independientes y de categoría AA de diferenciarse con ideas originales. Los AA también son proyectos millonarios, pero necesitan menos millones para desarrollarse y menos millones de jugadores para ser rentables", ponderó el titular de la ADVA y concluyó: "No creo que dejemos de tener nuevas grandes franquicias. Lo que va a cambiar es la manera en que nacen y crecen".

Scarlett Johansson evoca el glamour del viejo Hollywood: las claves de su vestido rojo de Prada

La actriz neoyorquina acaparó todas las miradas en el Festival de Cine de Londres con un diseño monocromático. Los detalles

Alerta en Hollywood: la participación de Estados Unidos en la producción global de cine se redujo a la mitad en 25 años

Una coalición de sindicatos del entretenimiento publicó un estudio que revela la magnitud de la fuga de rodajes al exterior y exige que el Congreso apruebe un incentivo fiscal federal antes de que concluya el año

El actor de Hollywood que compró un rancho de 25 hectáreas y lo convirtió en el refugio del caballo que lo acompañó en su salto a la fama

En 1988, el actor estadounidense Tom Selleck adquirió una propiedad rural de 25 hectáreas ubicada en Hidden Valley, California, con el propósito de alejarse del vertiginoso ritmo de Hollywood. El lugar funciona como hogar permanente para Spike, un caballo australiano que acompañó al artista en la gran pantalla y cuyo traslado internacional fue costeado íntegramente por su dueño.El rancho de 25 hectáreas que un actor de Hollywood convirtió en el refugio de su caballoEn 1988, en el punto culminante de su popularidad tras finalizar la serie Magnum, P.I., Selleck compró la propiedad en Hidden Valley por un valor aproximado de cinco millones de dólares junto con su esposa, la actriz británica Jillie Mack. El terreno, que en el pasado perteneció a Dean Martin, fue elegido por la pareja como un lugar privado para alejarse de los reflectores de Hollywood y recuperar la tranquilidad tras años de intensa atención mediática.La vivienda principal fue construida en la década de 1930 y se integró a un entorno de trabajo agrícola real. Durante décadas, una parte significativa del terreno estuvo dedicada a una explotación de paltas, complementada con la plantación de robles y flores silvestres realizada por el propio actor."Este rancho es un gran contrapunto al mundo de la actuación, que es una abstracción. Haces algo, aparece en una película y todo el mundo discute si es bueno o malo. Cavas un hoyo y plantas un roble â??y probablemente he plantado milâ??, es real", expresó en 2015 en diálogo con AARP, citado por la Revista Hello. En ese sentido, remarcó la importancia de la vivienda en su estado de ánimo. "Está ahí, y puedes verlo crecer. Es muy diferente a ser famoso, y me ayuda a mantener la cordura", sostuvo.Los detalles del rancho de 25 hectáreas de Tom Selleck en CaliforniaLa casa principal está diseñada con un estilo colonial español, y cerca de la residencia se erige un pabellón de caza restaurado de 1910, que durante años fue el lugar donde la familia Selleck celebraba su tradición navideña."Teníamos un ritual. Toda la familia Selleck, mis hermanos y hermanas, mi madre y mi padre, abríamos los regalos en el pabellón y luego íbamos a la casa a cenar", relató a Parade.Además de esta instalación, la casa también cuenta con una cancha de tenis, una piscina y un campo de golf.El refugio del caballo traído desde Australia por SelleckMás allá de la permanencia de Selleck y Mack, uno de los habitantes más curiosos de la finca es el caballo Spike, llevado por el actor desde Australia. El animal es el equino que montó en la película Con todas las de la ley (1990) y que figuró en otras dos producciones suyas.Finalizado el trabajo del animal en la industria cinematográfica, Selleck financió su traslado desde Australia para instalarlo de forma permanente en su rancho.En una entrevista concedida en 2009 a CBS News, el actor explicó que hacerse cargo de la manutención y cuidado de Spike durante más de dos décadas obedeció estrictamente a un vínculo personal generado entre ambos, con lo que descartó cualquier motivación promocional.A pesar de su estatus de estrella, el actor eligió mantener una vida privada reservada y en contacto directo con la naturaleza en su refugio californiano. Con una extensa trayectoria, sus producciones más destacadas corresponden a Magnum, P.I. -por la que recibió un premio Emmy al Mejor Actor Protagonista-, Blue Bloods, Tres hombres y un bebé y In & Out, además de su participación en la serie televisiva Friends.

En la década de 1980, Michael Keaton estaba en la cima de Hollywood con "Batman" y compró un rancho ganadero de 1000 acres en Montana; durmió en una tienda de campaña mientras construía una mansión de montaña desde cero

Realizó la compra luego del espectacular éxito del Batman de Tim Burton.Desde hace unos años, es la residencia principal del actor.

Steve Buscemi, actor y comediante de Hollywood: "El cine es colaboración, y creo que todos los buenos directores se rodean de los mejores profesionales"

Una frase sobre confianza, oficio y trabajo en equipo.Steve Buscemi recuerda que actuar también implica saber soltar el control y confiar en una construcción colectiva.

Jessica Lange, actriz de Hollywood de 77 años: "Me arrepiento de las veces en que elegí el lado oscuro. He perdido demasiado tiempo no siendo feliz"

Una frase sobre el peso de la culpa, la sensación de haber desperdiciado tiempo y el antídoto para disfrutar de los años.

Josh Hartnett: por el acoso y el encasillamiento, abandonó Hollywood en pleno éxito y ahora regresa con dos protagónicos

Antes de cumplir 25 años, Josh Hartnett se perfilaba como una de las grandes apuestas de Hollywood. Había sido el chico irresistible de Las vírgenes suicidas, un protagonista de Pearl Harbor y un soldado en La caída del halcón negro. La industria veía a su próxima estrella, pero él todavía estaba tratando de entender quién quería ser.Por estos días, vuelve a ser difícil no cruzarse con él. Verity: La sombra de un engaño llegó a los cines argentinos el jueves 1° de octubre y Bajo la superficie, la miniserie de Netflix que protagoniza, se estrena este jueves 8 de octubre. Dos lanzamientos que marcan el regreso de un actor que aprendió a elegir cuánto espacio darle al trabajo y cuánto a su intimidad. "Estaba en pausa en la mente de la gente, supongo", dijo en una entrevista que salió publicada en la revista People. Sin embargo, el artista aclaró que -por decisión personal- siguió actuando durante los años de menor exposición, pero en proyectos más pequeños. Su debut en cine fue en 1998 como el hijo de Jamie Lee Curtis en Halloween H20: 20 años después. Luego, vinieron Aulas peligrosas y Las vírgenes suicidas, dos películas que lo catapultaron a la fama. Llegaron las superproducciones, las portadas y las comparaciones con otras estrellas. De la mano de sus papeles en Pearl Harbor y La caída del halcón negro, Hartnett se convirtió definitivamente en el galán del momento, pero él quería probar otros personajes. Las ofertas, en cambio, insistían con el mismo tipo de protagonistas que ya había interpretado."Yo no quería eso para mí""No quería que los demás me definieran", explicó en 2024. La frase ayuda a entender sus decisiones: mientras la industria buscaba repetir una fórmula, él intentaba averiguar qué le interesaba hacer. Elegir películas más pequeñas tenía un costo profesional, pero también le permitía alejarse del foco mediático. "Siempre buscaba algo que se alejase de lo que la gente esperaba de mí. Reconozco la oportunidad perdida de trabajar con un tipo como Christopher [Nolan] y he descubierto que, por mucho que te preocupe centrar tu carrera en cosas que te interesen, ya no creo que eso sea lo más importante. Se trata de encontrar personas en las que confíes de verdad", se sinceró en diálogo con The Guardian.También había razones para preocuparse fuera del set. Hartnett contó que sufría acoso y que algunas personas se presentaban en su casa y violaban su intimidad. Recordó incluso a un hombre que llegó armado a un estreno y decía ser su padre. La fama había invadido su vida de una manera difícil de manejar. Tomar distancia le permitió recuperar algo que los grandes papeles no podían garantizarle: tranquilidad. Entre estas drásticas decisiones, también sorprendió su elección de abandonar Hollywood y mudarse a Hampshire para vivir rodeado de naturaleza y animales junto a su familia: la actriz Tamsin Egerton y sus cuatro hijos. En distintas oportunidades se encargó de dejar en claro que no desea para ellos la exposición que él conoció de joven. "Simplemente, no quería que el trabajo devorase mi vida. En aquel momento había una idea de que tenías que darlo todo, y si viste lo que les pasó a algunas personas por aquel entonces... Acabaron destrozadas. Yo no quería eso para mí", aseguró mientras subrayó que "los medios crearon una historia muy simple de que yo estaba loco" por alejarse de la meca del cine en pleno éxito.En una entrevista publicada esta semana en Vanity Fair, habló de su relación actual con la exposición y aseguró que ya no necesita que lo que se escribe sobre él defina su identidad. Y además, reveló que sigue eligiendo vivir lejos del centro de la industria, aun cuando la distancia pueda costarle alguna oportunidad laboral.Una segunda oportunidadAfortunadamente, Hartnett no tuvo que lamentarse demasiado la decisión de haberle dicho que no a Nolan ya que la vida le dio revancha. Es que el actor pudo trabajar con el director británico en Oppenheimer, un film que no solo batió récords de público, sino que se llevó todos los premios, incluido el Oscar. Ahora, se abre una nueva etapa para la vida profesional de Hartnett, con el tipo de papeles con el que se siente cómodo. En Verity..., dirigida por Michael Showalter y basada en la novela de Colleen Hoover, comparte elenco con Anne Hathaway y Dakota Johnson e interpreta a Jeremy Crawford, el marido de una escritora que necesita que otra autora continúe el trabajo de su mujer. Un manuscrito abre una trama de deseo y sospechas en la que resulta difícil saber cuánto confiar en él.En Bajo la superficie interpreta a Calvin Penney, un pescador de Terranova marcado por la misteriosa muerte de su padre. Una criatura marina amenaza al pueblo y lo obliga a proteger a su familia y a su comunidad. La serie tiene seis episodios, reúne también a Mackenzie Davis y Charlie Heaton y cuenta con Hartnett como productor ejecutivo. Con dos estrenos casi simultáneos, el actor vuelve a posicionarse en el centro de la escena, algo que alguna vez le resultó difícil de sostener.

Matthew Lillard cuestionó el molde de Hollywood tras más de tres décadas: "Creo que buscan a alguien apuesto"

El intérprete repasó su recorrido, atribuyó la falta de protagónicos a los encasillamientos y señaló que todavía debe competir por nuevos papeles

Bruce Lee, leyenda de Hollywood: "No pidas una vida fácil, pide la fuerza para soportar una vida difícil"

El actor que revolucionó el cine de las artes marciales reflexionó con estas palabras sobre cómo se construye y alimenta la fuerza interior.

Fue estrella de Hollywood y dejó Nueva York para criar a sus hijas en un pueblo pequeño: la razón detrás de su decisión

El actor estadounidense Robert Sean Leonard eligió abandonar la ciudad de Nueva York para establecer la residencia de su familia en Ridgewood, una localidad de Nueva Jersey. Su decisión respondió al deseo de ofrecer a sus tres hijas una infancia vinculada a la nostalgia y al entorno de su propio pueblo natal.Por qué Robert Sean Leonard dejó Nueva York junto a su familiaLeonard alcanzó reconocimiento internacional por su interpretación del Dr. James Wilson en la serie House y por su papel en la película La sociedad de los poetas muertos. Tras residir en Manhattan, el artista decidió modificar su estilo de vida familiar.Según AOL, el nacimiento de sus tres hijas entre 2009 y 2018 junto a su esposa Gabriella Salick motivó la búsqueda de un entorno diferente para la crianza. El actor concluyó que la dinámica neoyorquina no coincidía con el modelo de vida que buscaba para su familia.Así, la familia resolvió mudarse a Ridgewood, Nueva Jersey, donde el actor creció durante su niñez. Esta localidad le ofreció la posibilidad de revivir sus experiencias infantiles y brindar a sus hijas un espacio con jardín.Qué dijo Leonard sobre su decisión de marcharse de Nueva YorkEn una entrevista en septiembre de 2026, Leonard explicó los argumentos que impulsaron la mudanza. Según AOL, el actor declaró: "Sabía que no podía hacerlo en Nueva York". Además, mencionó la sugerencia de su esposa respecto al nuevo hogar. "Mi esposa me dijo: 'Necesitas nostalgia. Te bañas en ella'", contó.Respecto a su rutina diaria y su colaboración escolar, el artista detalló: "Atesoré todos los momentos que pasé allí. Ahora reparto pizza los jueves en la misma escuela primaria a la que asistí".En relación con las actividades de sus hijas, Leonard manifestó: "Miro a mi hija hacer animaciones en el mismo campo de la escuela secundaria al que fui. Y me encanta".Cómo fue la trayectoria de Leonard en EE.UU.Leonard nació en Ridgewood, Nueva Jersey, y comenzó su carrera profesional a temprana edad en el teatro neoyorquino. A los 16 años se mudó solo a Manhattan tras asumir el papel sustituto de Matthew Broderick en una obra de Neil Simon.Posteriormente, el actor cursó estudios en la Universidad de Fordham y consolidó su presencia en Broadway. En 2004 se trasladó a Los Ángeles para incorporarse al elenco de House, programa en el que permaneció durante ocho temporadas.En el ámbito teatral reciente, el actor protagonizó la obra An American Daughter, escrita por Wendy Wasserstein. Asimismo, participó como narrador de dos nuevos episodios del documental New York: A Documentary Film, dirigido por Ric Burns.Esta serie documental estrenó sus episodios noveno y décimo en septiembre de 2026 para abordar la evolución de la ciudad antes y después del 11 de septiembre de 2001. El director Ric Burns elogió el trabajo de Leonard y destacó su talento en cine, teatro y televisión.En la actualidad, Leonard combina sus compromisos profesionales en Manhattan con su vida cotidiana en Nueva Jersey a los 57 años de edad. El actor mantiene su residencia en el pueblo pequeño donde colabora como voluntario escolar.

Murió Eva Marie Saint, a los 102 años: adiós a la última gran estrella rubia del Hollywood más clásico

En estos tiempos de famas fugaces, imposturas exhibidas con inexplicable orgullo y asuntos banales transformados a la fuerza en cuestiones de interés público, vale más que nunca sostener el recuerdo de las estrellas más genuinas como Eva Marie Saint, que ya era por mérito propio un auténtico mito de Hollywood mucho antes de la noticia de su fallecimiento, conocida hace pocas horas. Saint murió a los 102 años en su casa de Los Ángeles rodeada de familiares y seres queridos, según informó este martes su representante. Era una de las últimas sobrevivientes de una historia que a partir de ahora solo se alimentará de recuerdos y testimonios registrados en imágenes o libros de historia, con estrellas que podían contar sus experiencias junto a grandes realizadores clásicos como Alfred Hitchcock, Elia Kazan y Otto Preminger. Solo queda entre nosotros Vera Miles como exponente de la misma condición en una etapa irrepetible del cine. Saint fue la última y dignísima representante de la estirpe de aquellas grandes estrellas femeninas rubias que en un momento se adueñaron de la tradición hollywoodense en una transición clave. En su caso, lo más llamativo es que supo llegar a lo más alto en el cine a través de una carrera que comenzó en la televisión. El papel más memorable de Saint fue el de la novia de Terry Malloy (Marlon Brando), el protagonista de Nido de ratas (1954), papel por el que ganó su único Oscar como actriz de reparto de la película dirigida por Kazan. Pero también la recordaremos casi a la misma altura como Eve Kendall, la enigmática, seductora y muy inteligente pareja de Cary Grant en Intriga internacional (1959), una de las obras maestras de Hitchcock, inolvidable entre otras cosas por haber sido la película que alteró para siempre el concepto tradicional que siempre tuvimos de las rubias fatales elegidas por el Maestro del Suspenso para protagonizar sus historias. No hubo jamás en toda la filmografía de Hitchcock una rubia tan resuelta y decidida como la Eve Kendall de Saint. "Me tomé mucho trabajo con ella, transformándola y haciéndola aparecer elegante y sofisticada. Controlé hasta el último pelo de su cabeza", llegó a confesar el propio Hitchcock sobre su experiencia con la actriz, que siempre salió airosa de cualquier comentario insidioso que circuló a lo largo de los años sobre los vínculos entre el realizador y sus estrellas, en especial las rubias. Saint siempre ejerció en pantalla una presencia magnética y llena de sensibilidad que contrastó con la aparente fragilidad que su apariencia física sugería. El gran personaje que completó la trilogía de sus mejores apariciones en el cine, el de Katty Fremont, la enfermera estadounidense que se une a la lucha por la conformación del Estado de Israel en Éxodo (1960), de Otto Preminger. Allí muestra valor, sensibilidad y una poderosa veta romántica junto al personaje encarnado por Paul Newman. Saint nació en Newark (Nueva Jersey) el 4 de julio de 1924. Llegó a la actuación casi por azar durante sus estudios universitarios en Ohio, lugar al que llegó con la intención de formarse como maestra. Fue una precoz actriz de radionovelas, trabajó fugazmente como modelo y completó su formación en el Actors Studio antes de empezar formalmente en los primeros tiempos de la televisión estadounidense una carrera que a partir de ese momento nunca se detuvo. Gracias a su presencia en la primera adaptación teatral de un drama televisivo (The Trip To Bountiful, de Horton Foote), Elia Kazan la eligió para ser la protagonista femenina de Nido de ratas. Después de ese trío consagratorio de películas que filmó con Kazan, Hitchcock y Preminger, Saint se consolidó como una reconocida y prestigiosa actriz de reparto, a pesar de que muchas de sus apariciones no alcanzaron la trascendencia que su talento merecía. A cada cual su propio infierno (1962, junto a Warren Beatty), 36 horas de suspenso (1964), Almas en conflicto (1965), ¡Ahí vienen los rusos! (1966), Grand Prix (1967) y El amor es así (1970) fueron muestras acabadas de ductilidad y destreza artística en un abanico de géneros, del drama romántico a la comedia y el gran entretenimiento. Se movió desde allí con mucha comodidad entre el cine, Broadway y la televisión. En el regreso a su medio originario se destacó sobre todo personificando a la madre de Cybill Shepherd en la formidable serie Moonlighting. Y también se hizo conocer entre generaciones más jóvenes gracias a algunos títulos de su etapa de madurez: Nada en común (1986, junto a Tom Hanks), Pasión por Africa (2000) y sobre todo Superman regresa (2006), donde personificó a Martha Kent. Se despidió del cine en 2014 con un papel secundario en Un cuento de invierno, de Akiva Goldsman. Cuatro años después, se sumó a las celebraciones por los 90 años del Oscar entregando esa noche el premio al mejor vestuario, adjudicado a El hilo fantasma. Tenía en ese momento 93 años y fue recibida con una de las más grandes ovaciones de toda la noche. Allí recordó que ese mismo año había fallecido el productor y director Jeffrey Hayden, el hombre con el que estuvo casada 65 años. "Veníamos a la fiesta de la Academia de Hollywood todos los años, lo extraño mucho y este momento compensó tanta tristeza. Pero acabo de darme cuenta de algo. Soy mayor que la Academia. Cuatro meses más, tal vez cinco. Estoy muy orgullosa de eso". La próxima ceremonia del Oscar seguramente tendrá un lugar reservado para recordarla. Sobre todo porque fue protagonista de otro momento inolvidable de la historia del premio máximo de la industria de Hollywood. Cuando Frank Sinatra anunció que había ganado como la mejor actriz de reparto de 1955 (la única estatuilla de toda su carrera) gracias a Nido de ratas, subió al escenario entre aplausos luciendo un muy avanzado embarazo. "Podría dar a luz en este mismo momento", señaló al recibir el Oscar. Dos días después nació Darrell, el primero de sus dos hijos.

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La megafusión de US$110.000 millones que sacude Hollywood y cambia el negocio del entretenimiento

Tras varios meses de negociaciones y una demanda antimonopolio de por medio, Paramount Skydance y Warner Bros. Discovery despejaron el último obstáculo legal de su postergada, polémica e histórica fusión. La jueza federal Araceli Martínez-Olguín firmó el acuerdo con 12 estados, cuyos compromisos rigen por cinco años, y Paramount fijó este 6 de octubre como fecha de cierre.Paramount paga US$31 por acción en efectivo, lo que termina valuando a Warner en US$81.000 millones en capital y US$110.000 millones en valor empresarial. Esa cifra equivale a unas 7,5 veces la ganancia proyectada de Warner para 2026, con todas las sinergias incluidas. El financiamiento combina US$47.000 millones de capital, respaldados por la familia Ellison â??Larry, cofundador de Oracle, y su hijo David, hoy CEO de Paramountâ?? y por el fondo RedBird Capital, con US$54.000 millones en deuda comprometida por Bank of America, Citigroup y Apollo. De esa deuda, US$39.000 millones son nuevos y US$15.000 millones refinancian la de Warner. Paramount también se hizo cargo de los US$2800 millones de penalidad que Warner debía pagarle a Netflix y se comprometió a una multa de US$7000 millones si los reguladores frenaban la operación.Negocio cerrado: Hollywood deja atrás parte de su pasado y mira hacia un futuro concentrado en pocas manosDe esta forma, la operación se convierte en la mayor de las compras recientes de la industria del entretenimiento. Disney pagó US$71.300 millones por 21st Century Fox y cerró la operación en marzo de 2019, después de mejorar su oferta inicial de US$52.400 millones para enfrentar una contraoferta de Comcast. Por su parte, AT&T puso unos US$85.000 millones por Time Warner, rebautizada WarnerMedia, en 2018. El valor de Warner en esta operación es alrededor de un 55% mayor que el de Disney-Fox y cerca de un 30% mayor que el de AT&T-Time Warner. Solamente la fusión de AOL con Time Warner fue mayor. Anunciada en 2000, en pleno auge de la burbuja de las "puntocom", por unos US$165.000 millones, terminó siendo una de las más recordadas por su fracaso, y AOL y Time Warner se separaron en 2009.Curiosamente, o no tanto si se tiene en cuenta su historial, Warner es protagonista de dos de esas tres operaciones: la de AT&T y esta. En el medio hubo una más, cuando en 2022 se unió con Discovery en una fusión de unos US$43.000 millones.La empresa resultante cargaría con unos US$79.000 millones de deuda neta. Para sostenerla, el CEO David Ellison prometió más de US$6000 millones en sinergias anuales, es decir, gastos que la compañía dejaría de tener por operar de manera unificada. Paramount espera alcanzar el total en tres años, con cerca del 30% en el primero y el 70% en el segundo.Paramount atribuye esas sinergias a la unificación de sistemas administrativos, la consolidación de las plataformas de streaming HBO Max y Paramount+, las compras a proveedores en mayor volumen y la reducción de oficinas. Ese ahorro no es inmediato ni gratuito y, como buena parte surge de eliminar funciones duplicadas, se esperan miles de despidos, aunque Paramount sostiene que provendrá sobre todo de eficiencias operativas.En streaming, la compañía reuniría HBO Max, Paramount+, Pluto TV y Discovery+, con más de 200 millones de suscriptores y más de US$30.000 millones de gasto en contenido. Todavía no se definió si habrá un servicio unificado, paquetes combinados o cambios de precios.En cine, Paramount se comprometió a producir al menos 30 películas por año para salas y a mantener una ventana mínima de 45 días en cines antes del alquiler digital. El acuerdo con los estados suma US$1500 millones de inversión en producción local, un fondo de US$47,5 millones para capacitación laboral y el respeto de los convenios colectivos vigentes.La fusión también reúne a CBS News y CNN. Por eso, el acuerdo incluye una junta de independencia editorial para ambas cadenas, con compromisos vinculantes por cinco años. Colorado y Washington firmaron el resto del acuerdo, pero no aceptaron los términos de esa junta. La coalición Block the Merger, un grupo integrado por organizaciones de defensa de la industria, de derechos de autor y de creadores independientes que se había opuesto a la operación, calificó el pacto de demasiado débil y advirtió que efectivamente costará empleos.De esta forma, bajo el mismo techo quedan ahora marcas como Warner Bros. Pictures, New Line, DC Studios, Paramount Pictures, Nickelodeon, MTV, TNT, Comedy Central, HBO, HBO Max, Discovery+, CNN, Cartoon Network, Adult Swim, Discovery Channel, Food Network, Investigation Discovery, Travel Channel, Animal Planet, Science Channel y Discovery en Español, entre varias más.La película de este negocio comenzó en octubre de 2025, cuando Warner anunció que evaluaría propuestas, con una oferta privada de Paramount ya sobre la mesa. El 5 de diciembre, Netflix cerró un acuerdo por los estudios de Warner y HBO Max por unos US$82.700 millones, pero tres días después Paramount lanzó una oferta pública hostil por toda la compañía. Warner la rechazó y Paramount mejoró su propuesta varias veces, con una garantía personal de Larry Ellison. A fines de febrero de 2026, la junta de Warner la consideró superior. Netflix se retiró sin igualarla. El contrato definitivo se firmó el 27 de febrero. El Departamento de Justicia lo aprobó en junio; 12 estados demandaron en julio, llegaron a un acuerdo el 21 de septiembre y la jueza lo ratificó el 30.Paramount y Warner son dos de los estudios fundadores de Hollywood. Entre las dos poseen algunos de los mayores éxitos y clásicos de la historia del cine. Paramount, creada en 1912, ayudó a organizar el sistema de estudios, y el fallo antimonopolio de 1948 que lleva su nombre obligó a los estudios a vender las salas de cine que poseían, un cambio que reordenó la industria durante las décadas siguientes. Fue la productora de Wings, la película que ganó el primer Oscar a mejor película, en 1929, y a lo largo del tiempo sumó títulos como El Padrino, Chinatown, Forrest Gump y las sagas de Star Trek y Misión Imposible. Hoy sigue bajo el mando de Skydance, que la compró apenas el año pasado.Warner Bros., fundada en 1923 por los hermanos Warner, impulsó el cine sonoro con El cantante de jazz en 1927 y produjo Casablanca, ganadora del Oscar a mejor película en 1944. Su catálogo incluye además Looney Tunes, Batman y Superman, y más tarde Harry Potter y Matrix. Con HBO, hoy parte de la compañía, cambió además la televisión de calidad con series como Los Soprano, The Wire, Sex and the City, Succession, Chernobyl y The Last of Us.

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Negocio cerrado: Hollywood deja atrás parte de su pasado y mira hacia un futuro concentrado en pocas manos

A partir de este martes, Hollywood experimentará un cataclismo que cambiará rotundamente a la industria audiovisual en todo el mundo. Después de que la justicia estadounidense aprobara la megafusión de Paramount y Warner Discovery, los centenarios estudios que le dieron forma al cine y la TV globales, en las últimas horas su nuevo dueño, David Ellison, anunció que el nuevo conglomerado se llamará igual que la productora que fundó en 2006, Skydance. La elección del nombre parece buscar que no queden dudas de que Ellison resultó ganador en la larga batalla empresarial que comenzó cuando Warner se puso a la venta y él se presentó como uno de los ofertantes. El 30 de septiembre un juez aprobó el acuerdo de compra por 111 mil millones de dólares que convierte a los dos estudios en una sola compañía, tan grande en producción, alcance e influencia como Disney y Netflix. Ahora, bajo el nombre de Skydance se engloban tanto los estudios de cine Paramount y Warner como CNN, los servicios de streaming HBO Max y Paramount+ y las señales televisivas CBS, MTV, Nickelodeon, TBS y Comedy Central, entre otras. What once was the peak, is now just the beginning.Paramount and Warner Bros. shaped over a century of culture. By combining them, we aren't rewriting history â?? we're equipping these iconic studios with a more powerful engine. Together, we are Skydance: a creative-first home forâ?¦ pic.twitter.com/uInLRY3IrE— David Ellison (@davidellison) October 2, 2026"Paramount y Warner Bros. moldearon nuestra cultura por más de un siglo. Al combinarlos no estamos reescribiendo la historia sino que estamos equipando a estos dos icónicos estudios con un motor más poderoso. Juntos somos Skydance: el primer destino para ver historias atrevidas y de calidad", escribió Ellison el viernes pasado en su perfil de X. Y antes de que Hollywood pudiera darle sentido al cambio tectónico el magnate explicó: "Elegimos este nombre por varias razones importantes. La primera y principal es que al unir Paramount y Warner Bros. queríamos preservar lo que los hizo icónicos. Ambos tienen identidades distintivas, legados extraordinarios y marcas que resuenan con el público hace generaciones. No queríamos que una nueva identidad corporativa disminuyera, alterara o ensombreciera a ninguna de las dos. En cambio, queríamos un nombre que le diera a la combinación de ambos una identidad propia al mismo tiempo permitiendo que Paramount y Warner -y todas sus maravillosas marcas-, sigan en el centro de la escena". Cabe preguntarse cómo el cambio de nombre se conjuga con la anunciada intención de Ellis de preservar los 114 años de historia de Paramount, el estudio más antiguo de Hollywood, y los 103 de Warner. "Tenemos grandes objetivos para Skydance y tenemos la intención de perseguirlos con pasión, imaginación y una voluntad de asumir riesgos inteligentes. Al mismo tiempo, vamos a honrar lo que hizo especial a Paramount y Warner Bros. dándole a ambos estudios la oportunidad de crecer, contar relatos grandiosos y hacer que esas historias lleguen a más audiencias en todo el mundo impulsados por la escala y las capacidades de Skydance. No podría estar más entusiasmado por lo que vamos a construir juntos", concluyó el ejecutivo que como primera medida de su gigantesco emprendimiento anunció a los equipos de trabajo que integrarán la flamante compañía, un paso que da algunas pistas de lo que pueden esperar los espectadores de ella en el futuro cercano.Por un lado, Ellison decidió despedir a Michael De Luca y Pamela Abdy, quienes durante los últimos años habían codirigido la división de cine de Warner. Aunque en un principio muchos en Hollywood, incluidos De Luca y Abdy, suponían que el dúo conservaría su puesto gracias al éxito tanto en taquilla como en los premios Oscar de películas como Pecadores, Una batalla tras otra y La hora de la desaparición, aparentemente los resonantes fracasos de su gestión inclinaron la balanza en su contra. Fueron De Luca y Abdy quienes decidieron enfocar la producción del estudio hacia el cine de autor con el que obtuvieron resultados que no siempre fueron los deseados. Aprobaron films como ¡La novia!, de Maggie Gyllenhaal, un fracaso de público y crítica y, sobre todo, fueron señalados como los responsables de firmar los más de 200 millones de dólares de presupuesto para Digger, la película de Alejandro G. Iñárritu protagonizada por Tom Cruise que tras su primer fin de semana en cartel ya se perfila para ser el desastre del año y la peor taquilla en la carrera de Cruise. Tras recibir una mayoría de críticas negativas, la comedia negra sumó en sus primeros días en las salas unos 8 millones de dólares en venta de entradas en Norteamérica y cerca de 20 millones en el resto del mundo. Con la inversión en la producción y la promoción de Digger escalando por arriba de los 250 millones de dólares, el film necesita recaudar al menos 300 millones para que el estudio no pierda dinero. Un objetivo que hasta el más optimista de los expertos califica de misión imposible. Sobre todo porque, aunque usualmente la mayoría de las películas encabezadas por Cruise recaudan la mayoría de su dinero en la venta de entradas internacionales, en esta ocasión ni siquiera la gran estrella de Hollywood pudo convencer al público global de ir a las salas. En la Argentina, Digger vendió 16316 entradas y quedó quinta en el ranking de las más vistas del fin de semana. Los reemplazantes de De Luca y Abdy serán Dana Goldberg y Josh Greenstein, quienes hasta ahora comandaban la producción de películas de Paramount y ahora sumarán a las de Warner a sus responsabilidades. CNN no cambia de manosEntre tantos cambios, algunas cosas permanecen. El destino de la señal de noticias CNN fue uno de los puntos discutidos desde el anuncio de la fusión, un discurso que en las últimas semanas se agudizó tras la decisión del gobierno de Donald Trump de no permitir el acceso de sus corresponsales a la Casa Blanca ni al avión presidencial. Como tanto David Ellison como su padre Larry -fundador de Oracle y cuya enorme fortuna sirvió como garantía de la compra de Warner- son considerados como aliados de Trump, muchos anticipaban un futuro sombrío para CNN. Sin embargo, ayer, se confirmó que Mark Thompson, actual presidente del canal de noticias, continuará en su puesto. Según reveló la publicación especializada The Hollywood Reporter, el ejecutivo anunció que había llegado a un acuerdo con Ellison para seguir al frente de CNN. "Estoy convencido de que de David Ellison para abajo los líderes de Paramount Skydance realmente ven a las noticias y el entretenimiento como principales estrategias para la nueva compañía. Además, habiendo tenido largas conversaciones sobre el tema con ellos, tengo confianza en que entienden y van a apoyar los principios y la práctica del tipo de periodismo independiente que siempre representó CNN", explicó Thompson ayer a los empleados del canal. Del lado de las plataformas de streaming ahora bajo el paraguas de Skydance, HBO Max, Paramount+ y Pluto, todo parece indicar que los nuevos dueños no están dispuestos a cometer los mismos errores de la administración anterior, que al sumar los contenidos de Discovery a HBO Max tuvieron la mala idea de borrar a la prestigiosa marca de su nombre.El experimento Max -a secas- se convirtió en una de las decisiones de marketing más absurdas y efímeras de la industria audiovisual. Por el contrario, con el anuncio de que el ejecutivo Casey Bloys, responsable hasta ahora de HBO y HBO Max, asumirá el mando de las otras dos plataformas, el mensaje parece ser claro: HBO, HBO Max y su equipo creativo son las joyas de la corona televisiva y del streaming de la compañía y así serán tratadas de aquí en adelante. Aunque todavía no se sabe si las plataformas se combinarán en una sola, Bloys ya anticipó que lo más factible es que ambas funcionen en paralelo, aunque los suscriptores podrían tener la posibilidad de adquirirlas juntas. Otros que también continuarán en sus puestos, al menos por ahora, son James Gunn y Peter Safran, encargados de los estudios DC, usina de las adaptaciones de los cómics que Warner reformuló en varias oportunidades para poder competir de igual a igual con Marvel, propiedad de Disney. Según The Hollywood Reporter, el dúo se reunió la semana pasada con Ellison y el magnate les pidió que se quedaran en la compañía y que "siguieran haciendo lo que están haciendo". Una vez más, el nuevo dueño está tratando de evitar el traspié cometido por la administración anterior, que despidió al equipo de ejecutivos responsables de desarrollar las películas de DC cuando todavía tenían Flash y Aquaman y el reino perdido por estrenar, lo que resultó en que esas películas no contaran con el respaldo del estudio. Así que, en principio, Gunn y Safran tienen garantizada su permanencia hasta julio de 2027, cuando llegue a las salas la secuela de Superman, dirigida por Gunn. Más allá de los primeros anuncios, lo cierto es que, desde hoy, Hollywood ya no será el mismo y que el cambio de época afectará, más temprano que tarde, lo que verán los espectadores de todo el mundo.

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De San Isidro a Los Ángeles: el compositor argentino de 27 años que se abre camino en Hollywood

Una orquesta. Una partitura. Una batuta. Meses previos de arduo trabajo condensados en apenas 30 minutos. Nada puede salir mal. Desde el podio, Nicolás Urricelqui se enfrenta a una de las pruebas más exigentes como compositor de cine. Ante él, un grupo de músicos ejecuta Poseidón, una pieza que escribió imaginando un encuentro entre Odiseo y el dios griego en medio del mar. La escena es un ensayo de grabación profesional en una de las instituciones de música más prestigiosas del mundo. Solo 12 de los 300 alumnos del departamento de Film Scoring tienen la posibilidad de acceder a esa clase. En ese instante, todo depende de él. "Si vos me hubieses dicho hace seis años que yo estaría grabando con una orquesta, no te lo habría creído", dice Nicolás, que acaba de instalarse en Los Ángeles para continuar construyendo su carrera como compositor de bandas sonoras. "Esa fue la primera vez que tuve una orquesta entera tocando algo que yo había compuesto", recuerda sobre esa exitosa sesión que dirigió a principios de este año. "Sonó igual a como lo imaginaba. La sensación posterior a eso fue de alivio tras mucho esfuerzo y trabajo", rememora.Nicolás Urricelqui dirige una orquestaFormado y graduado con honores en Berklee College of Music -la universidad de la que también egresó Ramin Djawadi, el compositor de la icónica música de Game Of Thrones-, el joven de 27 años ya colaboró en el departamento de música de producciones para Netflix, HBO, Movistar Plus+ y Apple TV+. Ahora trabaja desde la meca del cine en nuevos proyectos, entre ellos un videojuego y un thriller político argentino que se encuentra en preproducción.El fino arte de la música para escenasUna de las experiencias destacadas de su carrera fue su colaboración â??â??con el equipo del compositor español Lucas Vidal (Rápidos y Furiosos 6), uno de sus mentores y ganador de dos premios Goya y un Emmy, durante varios meses en Madrid. Allí se involucró especialmente en la edición musical de la serie española El Inmortal (2022-2026), un rol invisible para el espectador pero que resulta fundamental en la relación entre el realizador y el compositor y entre la escena y la banda sonora. Esa tarea implica un proceso vivo y complejo. Un episodio puede tener escenas para las que ya existe música compuesta, pero el montaje puede cambiar: se corta un plano, se modifica la duración de una secuencia o cambia el ritmo de una escena. "Podés tener una composición escrita para una imagen. Al otro día te despertás y cambiaron siete cortes del capítulo entero y los siete momentos musicales trabajados no funcionan de la misma manera. Es un tema desafiante y lo viví muy fuerte con Lucas. Entonces arreglás esos pequeños problemas que son constantes", explica Nicolás.Su labor junto a Vidal trascendió la edición. Para Las Azules (2024-2026), la serie mexicana con música compuesta por Vidal que fue premiada por los Hollywood Music in Media Awards, Nicolás viajó a Austria para participar en la orquestación y preparación de las partituras que luego serían grabadas por una orquesta en el Vienna Synchron Stage, uno de los estudios especializados en música cinematográfica más reconocidos del planeta. Allí, donde se registró también la música de producciones como The Crown, Ad Astra y Daredevil: Born Again, Nicolás también colaboró en las sesiones de grabación de la banda sonora de la serie.Como asistente de Vidal, también trabajó para hacer más eficiente su proceso de composición. Para la música de Aquel, una nueva serie sobre el cantante y actor español Raphael que se estrenará próximamente en Netflix, participó en la implementación de un sistema que permitía proyectar en pantallas en tiempo real la partitura que Vidal iba escribiendo mientras componía junto a los músicos.De los beats en la PC a dirigir una orquestaEl camino musical de Nicolás comenzó en la adolescencia. En su familia no había músicos profesionales, pero en esa casa sabían que aquello no sería un hobby pasajero. De chico tomó clases de guitarra y más tarde de piano, cuyo estudio profundizó con Daniel Elía, discípulo de Vincenzo Scaramuzza, uno de los grandes maestros en la tradición pianística argentina y también maestro de Martha Argerich. A los 13 años, Nicolás se obsesionó con los beats electrónicos. Empezó a producir sus propios temas en la computadora y años después lanzó su proyecto artístico MUNSE, bajo el cual colaboró con sellos internacionales y recibió el respaldo de artistas destacados de la escena como Anyma, de Tale Of Us.Pero tal vez su afinidad con la música cinematográfica comenzó mucho antes. Su recuerdo más nítido es el CD de la banda sonora de Gladiador, compuesta por Hans Zimmer, y que pertenecía a su madre. "Esa música me vuela la cabeza. Creo que ahí lo escuché por primera vez", expresa.Sin embargo, al terminar sus cursos secundarios, Nicolás no sentía que una carrera musical en su país podría aportar algo más a sus proyectos artísticos. Entonces se inscribió en Administración de Empresas en la Universidad de Di Tella con el deseo de regresar a su casa a componer después de cada clase. Mientras seguía produciendo tracks electrónicos, algo en sus canciones comenzó a cambiar. Cada vez más sumido en la música clásica y el estudio de piano y orquestación, notó que su sonido estaba evolucionando de forma natural hacia atmósferas y texturas cinematográficas."Mi música sola empezó a irse a un sonido similar al de las películas. En la mitad de mis tracks había esos momentos en los que no tenías ritmo, bombo ni bajo y quedaba el resto, las cuerdas. Me parece interesante ese crossover entre géneros", reflexiona Nicolás. En ese entonces, sin proponérselo, ya empezaba a componer música para imágenes que todavía no existían.Un camino en el cineUn mes después de terminar la facultad, descubrió Berklee y aplicó. En 2022 se mudó a Boston para estudiar composición para cine y medios interactivos, pero nunca lo vivió como una apuesta arriesgada: "No lo dudé un segundo. Estaba loco por entender miles de inquietudes musicales y de poder hacer música de películas", recuerda hoy.En 2025, durante su último año en esa institución, recibió la Beca Conmemorativa Georges Delerue, uno de los máximos galardones que otorga el Departamento de Composición para Cine en honor al multipremiado compositor francés. El premio distingue a alumnos cuyo trabajo demuestran un talento excepcional y un potencial para desarrollar la composición audiovisual. "Eso me hizo creer muchísimo en lo que hago y en mis habilidades. Fue un boost de confianza y reconocimiento necesario. Me impulsó un montón. Fue realmente inspirador", valora.Para llegar hasta la grabación con la orquesta, Nicolás tuvo que aprender también a dirigir. Como parte de su formación, todos los alumnos de Berklee deben tomar clases básicas de conducción orquestal. Pero él decidió profundizar en esa disciplina tras entablar un vínculo cercano con uno de sus profesores, que había estudiado con grandes directores. Tomó clases particulares con él y durante un semestre trabajó especialmente en la conducción de orquesta. Todo ese esfuerzo tenía un objetivo concreto: conseguir un lugar en aquella clase y estar preparado cuando llegara el momento.Antes de escribir una nota -explica Nicolás-, hay que comprender lo que necesita la historia y hacer una investigación ineludible. "No es inteligente tirar notas sobre la imagen así con nada", remarca. Pensar y construir los motivos, melodías y armonías, definir la emoción que se quiere transmitir, determinar qué instrumentos pueden expresarlo e identificar los momentos esenciales del film: una escena de acción, un romance, un beso, el climax y el final. "Tenés que construir un mundo sonoro único y especial para esa película", sostiene Nicolás, mientras elogia las memorables bandas sonoras de Ennio Morricone (Cinema Paradiso), James Newton Howard (Los Juegos del Hambre) y de Ludwig Goransson (La Odisea). Ese paisaje sonoro puede estar hecho de instrumentos acústicos, texturas ambientales intercaladas con ingenio y sintetizadores que permiten expandir el horizonte de los sonidos conocidos. En busca de esa música inédita y original, Nicolás trabaja con un synthe semimodular libre de sonidos preconfigurados: cada combinación de perillas, cables y condiciones de uso puede originar algo diferente.Desde la meca A pesar de semejante recorrido, Los Ángeles conserva aún algo de irreal para él. En esta ciudad californiana instaló un estudio junto a dos socios y amigos de Berklee. Desde allí Nicolás trabaja en la música de El Fotógrafo, un thriller político argentino ambientado en la noche electrónica porteña y que se encuentra en preproducción. El largometraje, dirigido por Ramiro Biera, tendrá como protagonista a Tatu Glikman, conocida por sus trabajos en En el Barro -spin off de El Marginal-, Amor Animal y Entrelazados. El joven compositor busca involucrarse en más películas argentinas y en producciones de cine en Los Ángeles. "Películas que impacten, de directores únicos con una mirada interesante", se entusiasma."Salvo excepciones, no existe el cine sin música", sostiene el joven compositor. "El valor que trae la música a la película y a lo que siente la persona que está mirando no se puede ni cuantificar. Cuando me llegan esas imágenes, sin ese sonido trabajado, siento que le falta algo, tensión, emoción, como que algo no se entiende. La música hace una diferencia abismal".Teaser El FotógrafoUno de sus primeros profesores sentenció en una clase que cuando se hacen bandas sonoras "no se trata de tu música en lo absoluto, se trata de la película". Quizá ahí esté también una de las mayores virtudes del compositor de cine: lograr que la música de un film parezca inevitable, o, mejor dicho, anular la posibilidad de que ese film exista sin ella: que una melodía quede asociada para siempre en la memoria del espectador a un rostro, una línea de diálogo o una escena."De tantas veces en las que recibí una escena vacía y logré contar una historia con la música, y después se la mostré a mi familia, a mis amigos y a gente que no está metida en el rubro y vi que se emocionaban, tomé total certeza de lo que genera la música", concluye Nicolás.

El joven galán de Hollywood que se disparó en la cabeza mientras jugaba con un arma y las vidas que salvaron sus órganos

Jon-Erik Hexum protagonizaba la serie de TV Modelo masculino. En un descanso de las grabaciones ocurrió el accidente. La hipótesis de cómo ocurrió la muerte del actor conocido como el "nuevo Travolta"

Jacob Tremblay: cómo el niño de La habitación logró crecer en Hollywood y protagonizar la película más vista en Netflix

A los nueve años, Jacob Tremblay recorría la temporada de premios de Hollywood con la naturalidad de quien todavía no terminaba de comprender la dimensión de lo que sucedía a su alrededor. Había protagonizado La habitación junto a Brie Larson y posaba con Leonardo DiCaprio y Steven Spielberg. Mientras buena parte de la industria hablaba de él como una de las grandes revelaciones del cine, sus prioridades eran bastante distintas: conocer a los personajes de Star Wars y aprovechar las piletas de los hoteles por los que pasaba. "La mayor parte del tiempo solo veía un mar de piernas", recordó años después, en diálogo con The New York Times.Una década más tarde, aquel chico está a punto de cumplir 20 años y ya se topó con un nuevo desafío. Este 25 de septiembre estrenó Unabomber (Netflix), película dirigida por Janus Metz en la que Tremblay interpreta al joven Ted Kaczynski, el prodigio matemático que ingresó a Harvard a los 16 años y que décadas más tarde se convertiría en el terrorista que da nombre al film. Russell Crowe, Shailene Woodley y Annabelle Wallis completan el elenco principal.La película, inspirada en hechos reales, alterna dos momentos de la vida de Kaczynski: sus años como estudiante en Harvard, cuando participó de controvertidos experimentos psicológicos dirigidos por el profesor Henry Murray, interpretado por Crowe, y la posterior investigación del FBI para dar con el Unabomber.El caso real se extendió durante casi dos décadas. Entre 1978 y 1995, Kaczynski colocó 16 bombas que mataron a tres personas e hirieron a casi dos docenas. Sus primeros objetivos vinculados con universidades y aerolíneas dieron origen al nombre con el que el FBI bautizó la investigación, UNABOM â??por "University and Airline Bombing"â??, y del que luego derivó el apodo Unabomber. Finalmente, fue detenido en 1996 y murió en prisión en 2023.Para Tremblay, el personaje representa algo más que un nuevo trabajo: forma parte de la transición que lleva años construyendo entre el actor infantil que Hollywood conoció y el intérprete adulto que quiere ser. El actor conocía el caso apenas superficialmente cuando recibió el papel. Para prepararse investigó especialmente las motivaciones de Kaczynski y leyó todo lo que pudo de su manifiesto, aunque intentó no perder de vista una diferencia fundamental: "Estoy interpretando al Unabomber antes de que ocurrieran los ataques. Por eso, aunque era importante entender todo ese contexto para mi actuación, como lo interpreto a sus 16 años, quería mantenerlo un poco separado, pero tener todo el resto en el fondo de mi cabeza", explicó en diálogo con el programa Today.Para encontrar un punto de contacto con alguien de quien se siente profundamente distante, recurrió a su propia infancia. Kaczynski había ingresado a Harvard a los 16 años; Tremblay también sabía qué significaba ser un chico en espacios dominados por adultos. "Puedo identificarme con la idea de ser la persona más joven de la habitación y con cómo eso puede resultar un poco incómodo a veces", explicó. La comparación, aclaró, termina ahí: mientras él recuerda haber estado "rodeado de gente increíble" durante toda su carrera, la película muestra una experiencia radicalmente distinta. "No creo que pueda ser más diferente de este personaje. Pero eso era algo a lo que podía aferrarme".El rodaje le permitió, además, trabajar con Russell Crowe, a quien admiraba desde antes. Tremblay contó que aprendió mucho simplemente observándolo actuar. "No puedo creer que haya tenido la oportunidad de trabajar con este tipo", contó.Su historiaNacido el 5 de octubre de 2006 en Vancouver, Canadá, Tremblay llegó a la actuación casi por contagio familiar. Tenía apenas 5 años cuando comenzó a acompañar el recorrido de su hermana mayor, Emma, que ya hacía castings y más tarde tendría papeles en películas como Elysium y The Giver. Él también quiso probarse frente a cámara, y luego su hermana menor, Erica, seguiría el mismo camino.Después de algunos comerciales, consiguió su primer papel cinematográfico en Los Pitufos 2, estrenada en 2013. El salto llegaría poco después. A los 7 años envió una prueba grabada para La habitación, adaptación de la novela de Emma Donoghue que preparaba el director irlandés Lenny Abrahamson.Cientos de chicos habían sido considerados para interpretar a Jack, el hijo de una mujer secuestrada que pasó años encerrada con él en un pequeño cobertizo. Cuando Abrahamson conoció a Tremblay, sintió que la búsqueda había terminado."No había película sin Jake", aseguró.Aquella experiencia también le dejó una herramienta que todavía utiliza. Cuando le preguntaron cómo conseguía desprenderse de un personaje tan oscuro, Tremblay dijo: "Creo que desde La habitación, porque era algo muy serio y yo lo hice siendo tan chico, aprendí bastante bien a apagar ese interruptor", contó recientemente en CBS. "Volvés a tu casa, te das una ducha, de alguna manera te lo sacás de encima y al día siguiente estás listo para volver".La película transformó su carrera. Brie Larson ganó el Oscar como mejor actriz, mientras Tremblay obtuvo el Critics Choice Award como mejor intérprete joven y fue nominado por el Sindicato de Actores. Con apenas 9 años, pasó de los sets de filmación a recorrer alfombras rojas y ceremonias junto a algunas de las mayores estrellas del cine.Pero mientras su carrera avanzaba a una velocidad poco habitual para un chico de su edad, en su casa intentaban que el resto cambiara lo menos posible. Su padre, Jason Tremblay, trabaja en la policía de Vancouver y su madre, Christina, se dedicó al cuidado de la familia. Tremblay atribuye a ellos buena parte de la relación que consiguió mantener con la actuación. En una reciente entrevista con The New York Times, contó que el trabajo nunca fue presentado en su casa como una obligación y destacó también el cuidado de sus representantes a la hora de decidir a qué ambientes podía estar expuesto. "Realmente fueron mis padres", señaló. "Estuve realmente protegido".Nunca dejó de ir al colegio y vivir su infancia. "Mi vida ha sido muy linda. Siento que logré encontrar un muy buen equilibrio entre el trabajo y una buena infancia. Pude ir a una escuela pública prácticamente toda mi vida. Actuaba y al mismo tiempo iba al colegio, y estoy muy agradecido con el sistema educativo canadiense", contó en CBS.De Jack a AuggieEn 2017 apareció el personaje que terminaría de fijarlo en la memoria del público: Auggie Pullman en Extraordinario, junto a Julia Roberts y Owen Wilson.Para interpretar al chico con una deformidad facial congénita que comienza a asistir a la escuela después de años de educación en su casa, Tremblay pasaba alrededor de dos horas en maquillaje entre prótesis faciales y de cuello, peluca, lentes de contacto y dentadura. Pero la preparación no quedó limitada a la caracterización: se puso en contacto con chicos que vivían con diferencias faciales y llevó al rodaje una carpeta con las cartas que ellos le habían enviado. Antes de algunas de las escenas más difíciles volvía a leerlas.A medida que él crecía, también empezó a buscar personajes distintos. En 2019 llegó Chicos buenos, una comedia producida por Seth Rogen en la que interpretó a uno de tres preadolescentes que intentaban descifrar un mundo adulto que apenas entendían. En paralelo encontró en la animación una posibilidad distinta. Fue la voz protagonista de Luca, de Pixar; interpretó a Flounder en La Sirenita y prestó su voz al protagonista de Orión y la oscuridad. El recorrido le permitió pasar de un género a otro mientras, fuera de la pantalla, dejaba de ser el niño con el que Hollywood lo había identificado.Después llegaron personajes cada vez más alejados de aquella primera etapa. En The Life of Chuck, adaptación de Stephen King dirigida por Mike Flanagan, interpretó una versión joven del personaje central. Y en Sovereign, estrenada en 2025, compartió pantalla con Nick Offerman como Joe Kane.Una vida más allá de HollywoodEn 2024, Tremblay terminó la secundaria en Walnut Grove Secondary School, en Langley, British Columbia. Por ahora decidió no ir a la universidad, aunque la mayoría de sus amigos sí lo hacen. "A veces es difícil cuando se van a estudiar. Ahora, con el receso, todos volvieron a la ciudad. La banda está otra vez junta", celebró en diálogo con Today. View this post on Instagram A los 19 años, esa normalidad convive con una carrera que comenzó cuando todavía estaba en la escuela primaria. Conserva en su habitación el Children's & Family Emmy que ganó por su trabajo de voz en Orión y la oscuridad. "A veces es lindo despertarme y verlo ahí. Es un buen recordatorio del trabajo que pude hacer", contó.Por ahora, su intención es seguir experimentando. "Me gusta cambiar, probar géneros diferentes, hacer comedia y drama. Eso me resulta mucho más emocionante que quedarme en un tipo específico de película", reflexionó sobre el futuro de su carrera.

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Oscar 2027: La virgen de la tosquera es la representante argentina para los premios de la Academia de Hollywood

Este lunes, la Academia de Cine argentina anunció que la película La virgen de la tosquera será la representante nacional para la categoría de mejor film internacional en los Oscar, premios que se entregarán el 14 de marzo de 2027. El largometraje dirigido por Laura Casabé, basado en dos relatos de Mariana Enríquez que fueron adaptados a la pantalla grande por Benjamín Naishtat, ya había sido elegido a principios de mes para presentar al comité de selección de los premios Goya.En el camino quedaron El partido, de Juan Cabral y Santiago Franco; Nuestra tierra, de Lucrecia Martel, y Parque Lezama, de Juan José Campanella, el grupo de finalistas entre los que la Academia eligió a La virgen de la tosquera. El film de terror, que transcurre durante el sofocante verano posterior al estallido social de diciembre de 2001, sigue a Natalia, Mariela y Josefina, tres amigas adolescentes que viven en las afueras de Buenos Aires y están enamoradas de Diego, su amigo de toda la vida. La aparición de Silvia, una mujer mayor que conquista al joven, despierta especialmente los celos y la furia de Natalia, que comienza a acercarse, de la mano de su abuela Rita, a un universo de conjuros y fuerzas sobrenaturales.Camino al OscarEl recorrido que tienen que emprender las películas que aspiran a formar parte de los premios Oscar en el rubro de film internacional se pondrá en marcha desde este jueves, fecha límite establecida para la presentación de las obras que luego de ser evaluadas por la Academia integrarán una lista de 15 preseleccionadas que se dará a conocer el 15 de diciembre. De ese listado derivarán las cinco nominadas para la categoría que se anunciarán el 21 de enero de 2027 junto al resto de los candidatos. A partir de esta edición, la número 99, además de las películas que cada país elija como sus representantes, los galardones de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood sumaron una nueva regla para los largometrajes no hablados en inglés que quieran participar de sus premios: cualquier film que haya ganado el galardón principal en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia, Sundance, Busan y Toronto será considerado automáticamente como precandidato, más allá de que no sean la elección oficial de su país.Así, algunos de los films ya presentados a la Academia y que ya están en competencia comenzaron sus campañas para el Oscar hace meses, posicionándose en un lugar de privilegio para atraer el interés de los votantes. Entre esos precandidatos figuran la ganadora de Cannes, Fjord, la representante de Rumania dirigida por Cristian Mungiu y protagonizada por Sebastian Stan -en su debut en el cine de su país natal- y Renate Reinsve (Valor sentimental); la francesa Minotaur; la española La bola negra -que consiguió el premio a mejor director para sus realizadores Javier Calvo y Javier Ambrossi en Cannes además de los galardones del público en San Sebastián y Toronto-, y la polaca Fatherland. También están en carrera la austriaca Rose -ambas protagonizadas por la actriz alemana Sandra Hüller-; la surcoreana Possible Love -uno de los films premiados en el festival de Venecia, donde su realizador, Lee Chang-dong, se quedó con el galardón a mejor director-, y All of a Sudden, la candidata de Japón dirigida por Hamaguchi Ryusuke, el realizador que en 2022 ya había representado a su país en los Oscar con su anterior film, Drive My Car por el que se quedó con la estatuilla al mejor film internacional además de competir también en los rubros de mejor película, director y guion adaptado. Con la colaboración de Pablo De Vita

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