convirtió

Empezó a pintar con cinco meses y a los diez meses se convirtió en el artista más joven en recibir el premio Guinness

Mientras la mayoría de los bebés de cinco meses comienza a descubrir objetos, colores y movimientos a través del juego, John Christian Caldeira Weibull tuvo su primer acercamiento al dibujo. Todo comenzó cuando su madre le dio una tableta LED para que se entretuviera y observó que el pequeño mostraba un particular interés por realizar trazos sobre la superficie.La reacción llamó la atención de su familia, que decidió registrar mediante fotografías y videos la evolución de aquellas primeras experiencias. Sin embargo, la pantalla fue apenas el primer paso. Cuando tenía alrededor de seis o siete meses, su familia incorporó pinturas y lienzos para que pudiera explorar colores y formas fuera del soporte electrónico.De esta manera, el niño comenzó a realizar obras abstractas mediante la intuición. Sin formación ni conocimientos técnicos, sus movimientos y su interacción con los materiales comenzaron a dar como resultado obras que parecían ser hechas por una eminencia en arte. El momento decisivo llegó el 19 de octubre de 2024. Algunas de las pinturas de John fueron presentadas en una exposición realizada en Marbella y varias de ellas fueron vendidas. Ese mismo día quedó establecida la marca que posteriormente Guinness World Records reconoció. Con tan solo diez meses y siete días, el pequeño se convirtió en el artista masculino más joven registrado por la organización.Dos años después de conseguir el récord, el infante continúa vinculado con la pintura. Su próximo paso será llevar sus obras fuera de España. Entre el 20 y el 22 de noviembre de 2026, sus creaciones serán expuestas en la MIVA Fine Art Gallery de Malmö, Suecia, en una muestra titulada Art: my first language (Arte: mi primer idioma). Según explicó su madre, el título que eligieron buscaba mostrar cómo comenzó su historia. Aunque el pequeño todavía no pueda brindar discursos ni hablar de lo que desarrollan cada una de sus piezas, sus padres reconocen que a través del arte dice mucho más que un adulto. Los colores que utiliza cuando está feliz o enojado, cuando descubre un lugar al que nunca fue o aprende una nueva palabra, varían y van dejando una huella en su mundo que recién da los primeros pasos. Para que más personas lo conozcan, su madre decidió crearle un Instagram personal, donde comparte videos y fotos de sus procesos creativos. Actualmente, cuenta con tres mil seguidores, quienes lo alientan a seguir con su sueño. "Piezas maestras abstractas que solo un niño inocente puede producir sin restricciones"; "Y todo sin móvil. Pura creatividad. Felicidad creando sin límites; la transformación con el lienzo se convierte en diálogo, comunicación. Un abrazo al pequeño artista" y "Soy fan de este pequeño artista, voy a crear su primer club de fans", fueron algunos de los mensajes que se multiplicaron en los posteos. Aunque por el momento se desconoce el valor por el que son comercializados sus cuadros, en algunas publicaciones pudo conocerse que las obras de John ya son parte de los livings de algunas casas y de los consultorios de algunos amigos de la familia.

La compraron por 20 dólares, terminó en un zoológico y se convirtió en "Winnie the Pooh": la historia de la osa que inspiró al famoso personaje de Alan Milne

En 1914, un soldado canadiense compró una pequeña osa cachorra y se la llevó con él como mascota.Luego de dejarla en el Zoo de Londres, se convirtió en la más visitada del lugar y su historia inspiró la narración de uno de los personajes animados más reconocidos del mundo.

Magaly Medina recuerda su amistad con Andrea Montenegro: "La tomé como una protegida, pero se convirtió en una más de la farándula"

La periodista recordó que expuso públicamente algunos episodios de la vida de la actriz y sostuvo que a ella no le agradaba que el programa evidenciara sus romances y conductas

Emigró a EE.UU. hace 19 años, se convirtió en profesional, pero ahora está en un limbo por el TPS: "Tenía mi vida planeada"

El Servicio de Ciudadanía e Inmigración de Estados Unidos (Uscis, por sus siglas en inglés) anunció que el Estatus de Protección Temporal (TPS, por sus siglas en inglés) para los salvadoreños culmina el próximo 9 de septiembre. Esta medida afecta a migrantes como Soledad Miranda, una mujer de 52 años que emigró en 1997 y alquiló su primer apartamento hace tres años. La historia de Soledad Miranda en EE.UU. y cómo consiguió su TPSMiranda tomó la decisión de mudarse a EE.UU. cuando tenía 19 años. Al cruzar la frontera, se estableció en Washington y trabajó bajo estatus irregular hasta 2001, cuando el gobierno estableció el TPS para los salvadoreños tras el devastador terremoto de magnitud 7.7 registrado el 13 de enero en su país país. Al acogerse a este programa, logró estudiar y obtener una licencia como cosmetóloga. Asimismo, comenzó a trabajar con mujeres víctimas de maltrato en una iniciativa de la alcaldía la capital del estado, Olympia, y fue trabajadora esencial durante la pandemia del Covid-19. "Estuvimos frente al Covid. Yo no dejé de trabajar", dijo en diálogo con CNN.Los logros de Soledad Miranda y el limbo migratorio con el TPS La motivación central de Miranda en EE.UU. ha sido su hija de 16 años. Con el fin de ofrecerle mejores condiciones de vida, hace tres años logró mudarse de un estudio pequeño para alquilar un apartamento cómodo para ambas. No obstante, con la suspensión del TPS dictada y anunciada por el Uscis, la salvadoreña se encuentra vencida por no poder ayudar a su hija. "Me siento derrotada. Voy a quedar como esas cucarachas debajo de las piedras", dijo."Yo tenía mi vida planeada y me iba a ir con mi gusto. Pero ahora, no voy a lograr que mi hija logre sus sueños como yo lo logré", agregó.Ante su nuevo panorama migratorio, Miranda arremetió contra la administración Trump. "¿Quién cuida a sus hijos? ¿Quiénes son los que limpian?", expresó entre lágrimas.Qué se sabe de la suspensión del DHS para salvadoreños Según la última actualización del Uscis, la designación del TPS y sus beneficios culminan el 9 de septiembre para todos los salvadoreños. Esta medida incide, en principio, en unas 170 mil personas. Los Documentos de Autorización de Empleo (EAD, por sus siglas en inglés) se extienden hasta la fecha límite del TPS. Para calificar a la prórroga, se deben cumplir los siguientes requisitos: Haber presentado el Formulario I-765Mantenerse como persona elegible para el TPSTener un EAD con los códigos de categoría A-12 o C-19 que venza antes del final del período de designación del TPS (9 de septiembre de 2026). En caso de cumplir con los requisitos, la agencia federal va a enviar notificaciones individuales por medio del correo postal físico o correo electrónico para aquellos usuarios que tengan una cuenta activa en la plataforma myUscis.

VIDEO: el blooper del arquero de Inter con el que Real Madrid convirtió el segundo gol en el duelo de la Champions

Con el inicio de la Champions League y los partidos en simultáneo, sucede de todo. Y en uno de los primeros encuentros apareció uno de los errores más insólitos de la primera jornada de la competencia continental. Real Madrid derrota a Inter, en el Santiago Bernabéu, pero todas las miradas se las llevó Josep Martínez, arquero del equipo italiano.El Merengue se puso 1 a 0, a los 14 minutos, y todo se inició con un error en la salida del equipo italiano. Curtis Jones tocó al medio y Yann Bisseck no pudo controlar. Brahim Díaz lo aprovechó y habilitó a Kylian Mbappé, que puso el 1 a 0. Con su tanto, el francés llegó a los 71 gritos en la Champions League e igualó a Raúl, un emblema de Real Madrid. Además, se ubica quinto en la tabla histórica por detrás de Cristiano Ronaldo (141), Lionel Messi (129), Robert Lewandowski (109) y Karim Benzema (90).El primer gol de Real MadridSólo pasaron algunos minutos para que se diera el blooper de la jornada. Cuando el cronómetro marcaba 23 minutos, Benjamín Pavard tocó con Josep Martínez, que estaba dentro del área que defendía. Cuando recibió, dudó qué hacer y con la presión de Federico Valverde, intentó salir jugando con una gambeta hacia atrás. Pero el uruguayo fue muy rápido: se la punteó con la zurda y anotó el 2 a 0.El insólito 2-0 de Real Madrid Muy frustrado por su error, buscó la pelota al fondo del arco y con mucha fuerza la tiró hacia adelante con su brazo derecho. Con su rostro de enojo, insultaba al aire y quería taparse con la camiseta. De ese modo, el equipo de José Mourinho se adelantó en el marcador en el primer partido de la etapa de liga de la Champions League.Antes del cierre de la primera parte, Martínez pudo redimirse con una doble tapada impresionante, con la que salvó lo que pudo ser el tercer tanto de Real Madrid: en la primera, le sacó el remate a Mbappé y tras el rebote se estiró para sacarle el remate a Bellingham con la mano zurda. De ese modo, el local se fue al descanso 2 a 0 arriba en el marcador.Una buena para Martínez¡ERA EL TERCERO DEL MERENGUE! Josep Martínez se lució con una doble atajada y evitó el 3-0 del Madrid. ð??º Toda la #UCL por #DisneyPlus Plan Premium pic.twitter.com/jKo5FZ4drT— SportsCenter (@SC_ESPN) September 8, 2026En el partido, el argentino Lautaro Martínez es titular y capitán en el equipo italiano, que deberá remontar el resultado adverso como visitante, producto de dos errores propios.

Makena cumple 20: la cantina que se convirtió en uno de los reductos rockeros más visitados por los músicos

"Veinte años no es nada", canta Gardel en "Volver". Pero el soplo que es la vida merece ser celebrado, más aún cuando se trata del nuevo aniversario de un ser querido. O de un lugar. Makena Cantina Club, al 1519 de la calle Fitz Roy, es uno de los puntos de encuentro con más mística en la ciudad de Buenos Aires, recientemente destacado por la Legislatura como Sitio de Interés Cultural. Hace ya una veintena de abriles que Fernando "Pitu" Russo, su esposa Valeria Faccini y su socio y amigo Matías Ramos le abren las puertas a todo el que quiera pasar un buen rato escuchando música en vivo, pidiéndose algo para comer y beber y compartiendo experiencias impredecibles con el resto de los presentes. Esta vez, la fiesta de cumpleaños no será allí mismo -como lo fue en las 19 ediciones anteriores- sino que, por una noche, la del jueves 10 de septiembre, Makena mudará su propuesta al complejo C Art Media de Chacarita (Av. Corrientes 6271), una sala con mayor capacidad para que nadie se quede afuera. Con cita a las 21, las entradas del evento pueden conseguirse a través de Passline. Para saber más sobre lo que se viene y rememorar lo que fueron estas dos décadas de música, LA NACIÓN conversó con Valeria Faccini.-¿Cómo empezó Makena?-Antes de Makena el lugar era una cantina, una cantina real donde se vendía comida. El papá de Mati, Juan Carlos, era el dueño de la cantina y Mati y Pitu, mi marido, son amigos desde hace muchos años. Como Pitu trabajaba en Quilmes y además era manager de bandas, un día Mati le propone armar algo de música en vivo en este lugar. Y bueno, arrancaron una noche que inauguró Willy Crook y a partir de ese momento Makena fue creciendo a lo largo de todos estos 20 años. Ediliciamente tuvimos que ampliar y ya son varias generaciones que vienen y comparten y se unen acá. View this post on Instagram -¡Qué inicio!-Sí, tranquila la inauguración (risas). De hecho, al toque Pipo Lernoud festejó su cumple acá. Ese día estaba [Fernando] Samalea, varios músicos, entre ellos Skay. Y bueno, se subieron a zapar, como siempre ocurre en las noches de Makena, que de repente estás viendo, escuchando, bailando y puede aparecer cualquiera. O sea, Joaquín Levinton se sube, se trepa y empieza a cantar en la zapada. Bueno, esa noche Skay se subió y te imaginás que para nosotros fue una emoción muy grande porque nuestro ídolo de toda la vida estaba tocando acá. Eso fue súper emocionante y a partir de ahí también hizo un show propio en Makena y bueno, así arrancó todo.-Difícil mantener esa vara, ¿no?-Sí. Lo que tiene Makena es que, como te dije antes, los artistas siempre acompañaron y siempre sintieron este lugar como un refugio. Entonces, muchas veces vienen a hacer su after después de los shows o noches que no tienen show, ya que abrimos de miércoles a domingo. Vienen para compartir con otros artistas y estar en comunidad. Y la verdad que el público los acepta bien, pueden convivir, es todo muy ameno. -Dijiste "refugio" y que lo sea depende tanto de que los músicos hagan propio el lugar como de un contexto particular. Un refugio remite a un sitio en el que estar bien, al resguardo del afuera. ¿Este presente conflictuado, digital, enaltece ese rol que le atribuyen a la cantina? -Sí, sobre todo en relación a la distancia, porque las redes acercan y también alejan. Entonces la presencialidad acá la verdad que es muy valiosa. Y bueno, a lo largo de todos los años, Makena se ganó el nombre de "templo" que se lo puso la gente. Como lugar que se construyó durante largos años, tiene el respeto, el sentido de comunidad y de pertenencia. Somos como una gran familia. Y bueno, los artistas fueron evolucionando según la evolución natural de Makena. Antes por ahí venía Chizzo [Nápoli, de La Renga] y se subía a zapar. Ahora quizás una noche viene Dillom y se sube y canta y comparte. Han venido Wos, Lali, artistas de la nueva escena y se encuentran con colegas de distintas generaciones. Hoy en día Makena es eso. -Es interesante eso, porque a veces hay una intención de una generación nueva de querer separarse de la anterior. Una cuestión casi natural, como uno se aleja de sus padres y que acá pareciera que eso no corre. -Bueno, justamente estábamos hablando de eso el otro día, que estaban los chicos de La Renga. El sábado pasado tocaron todos los hijos. Hicieron una zapada hermosa "los renguitos" [risas]. Y lo que hablábamos era eso, que en Makena podemos compartir los papás y los hijos y es una comunión perfecta, es una casa, una familia. -¿Y esa búsqueda de que haya una convivencia fraterna y familiar es algo que desde el principio se buscó o que fue surgiendo más naturalmente? -Se fue dando naturalmente, por suerte, la verdad que todo se fue dando naturalmente y después, como en toda evolución, sin perder la identidad, fuimos buscando que los más jóvenes se fueran acercando y que no sea un lugar que quede en el tiempo como esa nostalgia de gente más grande. Entonces fuimos adoptando público más joven, como que este siempre fue el semillero de bandas desde sus inicios, bandas que ahora tocan en el Movistar Arena o en venues más grandes. -De hecho tienen un ciclo que los trae acá de vuelta, ¿no?-Exactamente. El año pasado empezamos con el ciclo Ediciones Doradas, que es un ciclo hermoso para nosotros, muy emotivo, porque grandes bandas que empezaron en Makena volvieron a este escenario y se contactaron con su público de una forma más íntima. Y están los de ayer y los de hoy. -Debe ser muy particular para ellos subirse al mismo escenario. En el medio les cambió la vida. -Exactamente, el ciclo tiene toda la emoción, el recuerdo y tiene el presente. De hecho, de Ediciones Doradas salió nuestro primer disco en vivo con una selección de grandes artistas, que lo masterizó Álvaro Villagra. Y bueno, se viene en próximos volúmenes. -¿Qué reflexión les merece cumplir los 20 años, a la vez que fueron destacados en la Legislatura? ¿Qué sienten con ambos hechos ocurriendo simultáneamente? -El reconocimiento de Sitio de Interés Cultural para nosotros fue muy importante, porque es un reconocimiento, después de tantos años, a la cultura, a la música, a los artistas argentinos, a los emergentes y a los consagrados y también al público que siempre fue fiel y cada vez es más amplio, tanto que nos tuvimos que mudar para hacer el aniversario al Art Media, que lo elegimos porque queríamos que más gente disfrutara, porque todos los años se quedaba gente afuera. En todos tocan bandas y comparten artistas muy grandes. En el penúltimo tocaron Las Pastillas, Guasones, Catupecu Machu, todos amigos y gente de la casa. Culturalmente eso nos motivó también para, además de cumplir 20 años, hacer algo más grande, que más gente pueda disfrutar. Con el desafío de mantener la identidad del lugar, porque pese al cambio de generaciones, a que se sumó toda la escena más joven y siempre es el semillero, Makena tiene algo que es la identidad que nunca se perdió y que acá conviven generaciones reales. De repente podés ver un papá o una persona de 50, 60 años, bailando con un grupo de 18, o una despedida de soltera. Es muy amplio.Ocho años atrás y motivados por la repercusión de Makena, los dueños de la "Cantina Club" también abrieron Lucille, un espacio con otra fisonomía pero también con el acento puesto en el rock y la música en vivo. "Lucille es más elegante, tiene otro formato, el escenario está abajo, tiene una parte de bar, una de teatro, pasan cosas en la terraza, es como una sala mucho más interesante y van otro tipo de artistas", repasa Valeria. -Es lo que le da valor a que convivan ambos... -Totalmente, conviven, y de hecho pasa mucho que de Lucille vuelven a Makena, de Makena van a Lucille; es acá a la vuelta, literal, sobre Gorriti. A veces lo llamamos la procesión o la peregrinación, que los artistas que terminan de tocar o quienes fueron a verlos en uno de los dos lugares van a hacer el after al otro.-Ya usaste el término templo y ahora peregrinación, es como que hay casi un aura religiosa alrededor del lugar. Me da curiosidad el nombre: ¿qué es Makena? -Makena es el nombre de mi hija. El origen es africano y significa "siempre contenta". Cuando te hablo de que en Makena somos una gran familia es porque nos conocemos desde chiquitos. Con Mariano, el hermano de Mati, íbamos al colegio juntos. Mis hermanos también. Mariano es muy amigo de mi hermana. Y cuando nació mi hija, flasheó con cómo la llamamos y le dio ese nombre místico al bar. Es hermosa la historia.-Qué bueno poder llevar a cabo semejante gesta con gente cercana. Y que salga bien, una alegría doble... -La verdad que como prioridad siempre estuvo Makena, por encima de todo. Teniendo esa premisa, creo que se ha logrado gestionar en pos de eso. Todas las ideas, las innovaciones, mantener el espíritu, como te dije antes, de identidad, cuidar a la gente, todo es en pos de Makena. Y nos divertimos mucho porque somos amigos, además. Somos familia. -¿Qué anécdotas te vienen primero a la cabeza cuando pensás en estas dos décadas?-Hay muchas anécdotas. Muchas se pueden contar, muchas no. Cosas que pasan en Makena y quedan en Makena. Bueno, ya te conté la de Skay. Después, como concepto de casa y refugio, te puedo contar que una vez Bunbury con su banda tocaron en el Luna Park y Copi, que es amigo de Pitu y de los chicos, los trajo a Makena por primera vez y se quedaron en este espacio que estamos ahora [un amplio living con sillones] un día entero. O sea, fue su casa durante todo un día. Hicieron un after, zaparon. Se sintieron a gusto y nada, se quedaron, cenaron y hasta la prueba de sonido del día siguiente que se dieron cuenta que las horas pasaron. Y después te puedo contar que, bueno, muchos artistas internacionales pasaron, de hecho tocó Madness acá. Antes había un ciclo que hacía Dancing Mood y vinieron con ellos. -¡Qué sorpresa!-Hace unos años vino Damon Albarn después de un Primavera Sound. Se sentó arriba en la bola de espejos y ahí vivimos una noche divina junto a él, con su acento hiper inglés. La re flasheó. También los No Te Va Gustar vienen siempre después de sus shows, Emi [Brancciari] viene siempre. Bueno, hablamos de Bunbury pero también tenemos que hablar de Leiva, que de hecho en su documental aparece Makena. Antes venía después del show y ahora le gusta venir antes porque ya se corrió la bola de que cada vez que viene al país nos visita. Mateo [Sujatovich], de Conociendo Rusia, tuvo sus inicios acá. Esos son algunos de los artistas que pueden aparecer. Bueno, vino Charly, íconos del rock. Una noche estaba Chizzo, cayó, entró y justo estaba Baltasar Comotto y se pusieron a zapar juntos. Esa noche fue una zapada eterna que bueno, nos fuimos nosotros [risas] y los dejamos tocando y ellos siguieron y el público extasiado. -Y qué valor que tiene lo espontáneo, ¿no? -Lo más lindo que tiene Makena es eso.

Quién es Ulrich Siegmund, el comerciante de perfumes que se convirtió en el nuevo referente de la ultraderecha alemana

Con un estilo cercano en redes y un discurso radical antiimigración, el líder regional de AFD remeció el escenario político tras su avance en los comicios de Sajonia-Anhalt. Leer más

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Las estaciones del subte como refugio y las 57 noches de bombardeos constantes: cuando Hitler convirtió a Londres en un infierno

El 7 de septiembre de 1940, cientos de bombarderos alemanes se lanzaron sobre la capital inglesa y otras ciudades. Los ataques duraron varios meses. Millones de civiles aprendieron a sobrevivir entre incendios y edificios reducidos a escombros

Natalie Portman se convirtió en madre por tercera vez

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Cien años de Molina Campos: el dandy porteño que se convirtió en el popular artista del campo y los únicos dos lugares donde está su huella en la Ciudad

Se acaba de cumplir un centenario de la exposición en la Sociedad Rural que lanzó su carrera. Con los almanaques de Alpargatas, llegó a todo el país. Hoy, sus personajes camperos están en una estación de subte y lo recuerda un bar en la esquina donde nació.

Tren a las Nubes: la obra imposible que desafió a la cordillera y se convirtió en un ícono argentino

Aunque es difícil elegir el paisaje más impactante de la Argentina, todos coinciden en que el Tren a las Nubes representa una de las expresiones más extraordinarias del encuentro entre la ingeniería y la naturaleza. A lo largo de su recorrido, la inmensidad de la cordillera, los valles profundos y el cielo diáfano de la Puna se combinan con un trazado ferroviario que parece desafiar toda lógica. Cada curva, cada puente y cada túnel son el resultado de una búsqueda obstinada por vencer pendientes extremas y obstáculos geográficos en uno de los territorios más inhóspitos de Sudamérica.Una idea que nació para unir dos paísesUna película documental estrenada en 1970 popularizó el recorrido y le dio el nombre con el que sería conocido para siempre: Tren a las Nubes. Dos años después comenzó a circular el primer servicio turístico oficial y, desde 1978, pasó a tener frecuencia regular. La difusión del tren también se apoyó en los trabajos de escritores e investigadores como Federico Kirbus y Milenco Juan Jurcich, autores de obras fundamentales sobre esta epopeya ferroviaria. Aunque popularmente se lo conoce como Tren a las Nubes, el proyecto nació con un objetivo mucho más ambicioso: establecer una conexión ferroviaria entre la Argentina y Chile a través de los Andes. La iniciativa original recibió el nombre de Ferrocarril Huaytiquina, en referencia al paso cordillerano por el que se pretendía cruzar la frontera.Aquella alternativa fue abandonada definitivamente en 1929 y se optó por el paso de Socompa, más conveniente por su altitud y ubicación estratégica. El desafío era enorme. En 1921, el administrador de los Ferrocarriles del Estado, Domingo Fernández Beschtedt, convocó al ingeniero estadounidense Ricardo Maury para diseñar una línea capaz de atravesar la geografía salteña sin utilizar el sistema de cremallera, habitual en otros ferrocarriles de montaña.La decisión obligó a desarrollar soluciones inéditas para sortear desniveles extremos y convertir al futuro ramal C14 en una de las mayores obras ferroviarias del continente.El ingeniero que domó la montañaMaury y su equipo enfrentaron condiciones que hoy siguen impresionando. La línea debía ascender más de 3.000 metros hasta alcanzar los 4.475 metros sobre el nivel del mar en Abra Chorrillos, atravesando desiertos de altura castigados por nevadas, vientos intensos, amplitudes térmicas extremas y escasez de oxígeno.El trazado avanzó siguiendo la quebrada del río Toro desde Campo Quijano, donde se instaló el principal centro de operaciones. La consigna era simple de formular y complejísima de ejecutar: ganar altura de manera constante y suave, evitando pendientes excesivas que impidieran la circulación de los trenes.Por una cuestión de presupuesto, Maury debía evaluar cada metro de rieles tendidos: ¿convenía extenderse para esquivar alguna quebrada? Cada metro de vía implicó una decisión técnica y económica. Había que evaluar cuándo resultaba inevitable perforar una montaña, levantar un terraplén o construir un puente. Así nació una obra monumental levantada sobre un terreno rocoso, modelado a fuerza de explosivos, trincheras y muros de contención.Construir los túneles a esa altura era un trabajo durísimo. Ronald Hume, que trabajó en la obra, cuenta las dificultades que originaban los desmoronamientos y las filtraciones de agua desde los techos. El personal de las locomotoras a vapor, librada la línea al servicio, también sufría el denso humo que inundaba las cabinas a falta de buenos tirajes. El esfuerzo de tracción agravaba la emisión de humo: las vaporeras patinaban sobre el hielo que se formaba en las vías donde no recibían sol.Hume también testificó sobre la tremenda labor de trasladar los rieles ya doblados en el armador de Campo Quijano, ya que, en ciertos puntos era tan estrecha la distancia entre la ladera de la montaña y el vacío, que no se los podía dar vuelta: si venían cargados con la dirección inversa ¡había que devolverlos hasta la base para rotarlos!Rulos, zigzags y túneles: las soluciones de una obra únicaLa grandeza del Tren a las Nubes se entiende mejor al observar sus números. Para completar los 570 kilómetros entre Salta y la frontera chilena fue necesario construir 21 túneles, 14 viaductos, más de 30 puentes y diseñar 1.279 curvas.Como no podía emplearse cremallera, los ingenieros recurrieron a ingeniosas maniobras ferroviarias. Dos zigzags permiten que el tren cambie de sentido para ganar altura en espacios reducidos, mientras que dos rulos hacen que las vías pasen sobre sí mismas aprovechando al máximo la topografía.Uno de los primeros desafíos aparece cerca de Campo Quijano, donde el tren atraviesa el río Toro y comienza su ascenso mediante un espectacular sistema de retrocesos y cambios de vía. Más adelante, el recorrido alcanza parajes que parecen suspendidos en el aire, con puentes metálicos, túneles curvos y viaductos que se integran de manera sorprendente al paisaje andino.Entre ellos sobresale El Muñal, elevado 46 metros sobre el lecho del río, una obra que genera la sensación de flotar entre montañas.Cómo funciona el Tren a las Nubes en la actualidadLamentablemente, en la actualidad el servicio ferroviario turístico solo opera entre San Antonio de los Cobres y el viaducto La Polvorilla, con regreso al punto de partida. Esto implica que se pierden buena parte de los paisajes y sensaciones que hicieron célebre al recorrido original.A medida que el tren gana altura, la vegetación comienza a desaparecer y el entorno adquiere los rasgos característicos de la Puna. Tras dejar atrás la estación Diego de Almagro, donde años atrás el servicio turístico corto finalizaba durante el verano debido a las lluvias que impedían continuar, aparecen dos protagonistas del paisaje: el imponente cerro Acay y la serpenteante ruta nacional 51.Hoy, esa ruta es la alternativa elegida por el concesionario turístico para trasladar en bus a los pasajeros entre la ciudad de Salta y San Antonio de los Cobres, antes de abordar el tren.Recuerdo haber viajado una vez con una colega que se había impresionado por las pendientes y los abismos que acompañan el trayecto ferroviario. Convencida de que sería más seguro regresar por carretera, decidió volver en micro.Sin embargo, el viaje terminó resultando bastante más inquietante de lo esperado. En plena ruta, un camión había quedado atravesado contra la montaña y ocupaba media calzada. El ómnibus tuvo que sortear el obstáculo prácticamente al borde del precipicio. Para colmo, llovía intensamente y no era aconsejable descender del vehículo. Aquella experiencia sirvió para relativizar los temores que le había provocado el tren.La Polvorilla, el símbolo de una hazaña ferroviariaA la altura de Mina Concordia, la locomotora pasa a empujar el tren. Poco después, tras atravesar San Antonio de los Cobres, llega el momento más esperado del recorrido: el viaducto La Polvorilla, solución de ingeniería para cruzar la profunda quebrada de un arroyo tributario del río San Antonio de los Cobres sin perder ni un centímetro de los ganados con tanto esfuerzo.San Antonio de los Cobres es la única población importante del recorrido, ya que fue capital del Territorio de los Andes, gobernación que existió entre 1900 y 1943, cuando su amplia y desértica área fue repartida entre las provincias de Salta, Jujuy y Catamarca. El C14 quedó dentro de la primera.En 1924, una enorme deuda y sospechas sobre el manejo de fondos determinaron la renuncia de Fernández Beschtedt. Entonces se paralizaron las obras. Pero, en 1930, se inició la construcción del que se convirtió en el tramo más icónico de este ramal, el viaducto La Polvorilla, hasta donde llega el tren turístico desde que empezó a correr, con paréntesis, en 1963.Ninguna estructura resume mejor la epopeya del Tren a las Nubes que este viaducto. Construido a más de 4.200 metros de altura, es la postal más famosa del recorrido y uno de los grandes íconos ferroviarios de América Latina.Su construcción comenzó en 1930 bajo la dirección de la Compañía Industrial Cosulich Argentina. Para instalar este "mecano" llegado desde la fábrica Monfalcone, en Trieste, Italia, designó a un personaje increíble, el ingeniero Tillius Daniel Hannecke; además de encabezar la labor de tan impresionante obra, dejó decenas de fotos, algunas premiadas en concursos, que registran la labor desde cada ángulo. Sin embargo, en septiembre de ese año, el golpe de estado contra el presidente Hipólito Yrigoyen detuvo la obra y Maury fue removido de su cargo.El viaducto, de casi 1.600 toneladas, destila creatividad: el estribo oeste es cuatro metros y medio más alto que su par oriental, y la vía describe una curva con su peralte o inclinación exterior correspondiente mientras va subiendo hacia el oeste. Nada es simétrico. Y quizá por ello resulte tan bello.Son 223,5 metros que apoyan sobre 6 pilas: la más alta alcanza 63 metros, es decir, cuatro metros menos que el Obelisco porteño. Para colocar los remaches en caliente debían acelerar el proceso desde la fragua hasta el agujero correspondiente. Además tenían que calcular que el intenso frío contrae los elementos y el calor los dilata, de modo que era necesario dejar un juego para evitar desastres. Incluso estaban sujetos a errores humanos: en el armado de la pila 1, una estaca de alineación fue puesta unos centímetros fuera de línea y obligó a malabares en el encastre del puente.Entre problemas laborales y dificultades propias de este trabajo, el primer tren carguero atravesó el viaducto La Polvorilla recién en 1939. Sin embargo, faltaba construir mucho hasta la unión con el tramo chileno en la frontera.Después de 27 años de trabajo y 10 mandatos presidenciales de la Nación, haciendo coincidir la fecha con la Batalla de Salta, el 20 de febrero de 1948 se inauguró el C14. A la ceremonia no asistió ninguno de los mandatarios de los países ligados. El 25 de agosto de ese año se produjo, en la provincia de Salta, el último terremoto importante del Noroeste Argentino con 7 puntos en la escala de Richter. Las obras ferroviarias pasaron la prueba.El primer horario, aún condicional por obras, mostraba un tren mixto (carga y pasajeros) los jueves y un tren de pasajeros los domingos, que, en todos los casos, salía de Salta a las 11.05 y llegaba a San Antonio de los Cobres a las 21.20: el segundo proseguía hasta Socompa donde arribaba los lunes a las 15.45. Una hora y 20 minutos después, tras las revisaciones del material, emprendía la vuelta. A las 11.20 pasaba por San Antonio. En la ingeniería ferroviaria se llama "obra de arte" a una construcción que permite que la vía salve un obstáculo. En escultura y pintura, "obra de arte" es una creación artística concreta. En el Tren a las Nubes ambas definiciones coinciden.

Se convirtió en la heroína de una madre y su hija en Piura: mujer enfrentó a pedradas a delincuentes armados y evitó que las asaltaran

El intento de asalto, en el que uno de los delincuentes realizó un disparo durante la fuga, generó temor entre los vecinos de Castilla, quienes pidieron mayor presencia policial en la zona

Alice Weidel: anatomía de la mujer que convirtió a la ultraderecha prorrusa en una opción de poder en Alemania

Ante una elección regional clave, la líder de AfD busca transformar el descontento por la inmigración, la energía cara y la injerencia de Bruselas en una mayoría capaz de gobernar

La foto acertijo: ¿Quién es esta niña que tuvo una infancia difícil y se convirtió en una sex symbol de Hollywood?

Fue criada bajo una estricta disciplina, sufrió bullying durante la adolescencia y comenzó a trabajar como modelo a los 13 años. A los 21, una película de Hollywood la lanzó a la fama y la convirtió en una de las mujeres más deseadas del mundo, aunque ella siempre cuestionó el lugar que la industria le había asignado

Las claves de cómo Adrián Suar se convirtió en un emprendedor serial

Pelito, La banda del Golden Rocket, Poliladron, Verdad consecuencia, Vulnerables, Tratame bien, La noche del 10. La lista podría seguir. Adrián Suar lleva más de cuatro décadas construyendo algunos de los mayores éxitos de la televisión argentina, primero como actor y después también como productor y gerente de programación. Un emprendedor serial que creó Polka, estuvo detrás de ficciones que marcaron época y sobre todo un gran descubridor de talento. Si tuviera que resumir los resultados de todos esos años, él mismo ensaya una estadística: "Creo que fueron 30% fracasos y 70% éxitos". Pero después de tantos años de estar acostumbrado a encontrar la fórmula, también hubo un momento en el que dejó de hacerlo. Suar habla sin demasiadas vueltas de los últimos años difíciles de la televisión abierta, del final de una etapa para Polka y de sus propios errores. "El barco hacía agua por todos lados", reconoce. Hoy siente que algo cambió: asegura haberse "reenamorado" de la televisión y quiere volver a apostar por aquello que mejor conoce, la ficción. A los 58 años, lo explica con una comparación deportiva: "Ya me siento como Rafa Nadal en el retiro: quiero jugar mi último Grand Slam". En esta nueva edición de Conversaciones, Suar recorre los grandes momentos de su carrera, pero también se detiene en lo que ocurrió cuando el éxito dejó de acompañarlo. Habla de la competencia, el ego, el talento y el costo de mantenerse vigente, de su relación con sus hijos, del presente del cine y el teatro, y de una Argentina sobre la que todavía tiene "un signo de pregunta". Y revela un proyecto que quiere concretar antes de cerrar su recorrido profesional: crear una escuela de producción para transmitir lo que aprendió después de una vida entera haciendo televisión. -Adrián, tu tarjeta dice actor, director, productor, gerente de programación. Vas a Aduana, ¿y qué decís? -Siempre digo actor. Podría decir productor, pero digo actor cuando me preguntan. -Te llevo a los 13 años. Arrancaste con El papá de los domingos, con Guillermo Bredeston y Nora Cárpena. ¿Cómo llegás ahí? -Por un casting. Había ido a Canal 9, me tomaron una prueba. Hice ese programa y, la verdad, debuté muy bien. Mi ingreso al mundo del espectáculo y a la televisión fue de la mano de ellos. Muy cálido, muy lindo, muy familiar. -Y después explotás con Pelitoâ?¦ -A los seis meses, ocho meses, con Martín en Pelito, en el 13, en el año final del 82, más o menos. -Pero era otro contexto. La popularidad era mucho más fuerte cuando alguien explotaba en la tele. ¿Cambió eso? -Sí. Al no haber tanta competencia ni estar todo tan fragmentado, el espectador tenía muchas menos opciones. Veías cuatro canales o ibas al cine. Entonces todo explotaba mucho más. -¿Y lo tomabas como un juego en esa época o como un laburo? -Como un laburo, como siempre. Aunque también es un juego porque trabajar de actor es una profesión, es un trabajo, pero al mismo tiempo tiene algo de lúdico: interpretar, actuar. Ahora me río, ahora soy gracioso, ahora hago una escena más triste, interactúo con el otro. Nos miramos, termina una escena y nos podemos tentar, aunque haya sido dramática. -Sigue la carrera de actor, todavía no llegamos al productor. Más adelante aparece La banda del Golden Rocket. ¿Qué fue de la vida de ese auto? -El otro día una persona me dijo: "Yo tengo el auto de La banda". Ya varios me lo dijeron. Se ve que se lo fueron comprando unos a otros. -¿Pero es real que alguien lo tiene? -Sí, es verdad. -¿Y tenés ganas de volver a hacer algo de eso? Por ejemplo, ahora Cris Morena volvió con Erreway y demás. ¿Te gustaría hacer algo así tantos años después? -A veces lo hablamos de modo lúdico: "¿Y qué tal si...?". Pero no sé. No es que me vuelva loco por volver a hacer La banda del Golden Rocket. -¿Qué te genera esa época? -Mucha felicidad. Fue un momento muy importante de mi carrera como actor, un salto enorme de popularidad. Yo tendría 22, 23 años. Éramos un grupo enorme, con Diego Torres, Fabián Vena, Araceli González, Gloria Carrá, Marisa Mondino. Me trae mucha alegría. -¿Y se hicieron amigos en ese momento? -Sí, quedó mucho cariño. La verdad es que recuerdo La banda con una sonrisa. -¿La gente cuando te ve te trae todo el tiempo recuerdos de distintas épocas? -Sí. Me pasa con los programas en los que actué y también con muchos de los que produje. Porque, en proporción, produje mucho más de lo que actué. -Me decías que el 20% de tus producciones fueron fracasos y el 80%, más o menos, éxitos. -Voy a resetear eso: creo que fueron 30% fracasos y 70% éxitos. -Gustavo Yankelevich tiene una frase respecto de los éxitos: el puchero puede ser el mismo, los ingredientes son los mismos, pero no todos salen buenos, no todos son exitosos. ¿Qué definición tenés del éxito? -Coincido con lo que dice Gustavo. Yo a veces uso el ejemplo de una receta: querés hacer un bizcochuelo, tenés la manera de hacerlo, tenés los ingredientes, y a veces te sale alto y está buenísimo; otras veces se pincha. Hay algo de azar. A veces digo: "Esto está muy bien, tiene un porcentaje muy alto de ser un éxito", y me doy cuenta. Pero la profesión es tan democrática que, cuando creés que lo tenés todo, te falta lo más difícil: el público. Podés pensar que tenés todo para que funcione y después no lo tenés. -Pasó mucho tiempo desde ese origen. Si hoy pudieras volver atrás y encontrarte con ese chico de 13 años, ¿le dirías que tendría que haber hecho algún cambio en su camino? -No. Obviamente cometí algunos errores, pero fueron parte del aprendizaje. Ese chico no podría creer el camino ni los logros. Si le dijera: "Vas a hacer todo esto", no lo podría creer. De verdad diría: "No puede ser". -¿Tenés gratitud con alguien, además de Bredeston? -Con Hugo Di Guglielmo, que me dio la posibilidad en Canal 13. Con toda la gente del canal, sus directivos, que siempre me trataron muy bien, demasiado bien. Y con los actores, porque ayudaron a enriquecer los personajes que les dimos junto con los autores. A veces enganchás a un buen actor y decís: "Esto estaba bien, pero él lo llevó a otro nivel". Y ahí decís: "Gracias". -Ya habías disparado tu popularidad con La banda del Golden Rocket. Llega 1994 y decidís tocar la puerta para convertirte en productor con algo muy disruptivo, Poliladron. Cambiaste la imagen de la televisión, hiciste una producción con tiros y demás. ¿Cómo fue pasar de actor a emprendedor? -Fue muy movilizante para mí, muy disruptivo. En realidad, yo siempre intenté ser productor. Desde La banda del Golden Rocket, incluso desde Pelito. Siempre lo digo: tenía una parte que quería estar adelante de cámara, pero también otra que quería estar atrás, hablando con los productores, con los directores, con los autores. Eso ya lo tenía. Después estuvo el impulso de la juventud, las ganas y tener una idea. Y también necesitás que alguien te abra la puerta. Porque podés tener muchas ideas, pero si no te dan el puntapié para arrancar, es muy difícil. -Pero ese puntapié también tenía, por un lado, una inversión bastante más grande que la del resto y, por otro, un salto en la imagen que fue el principio de una etapa. -Ese fue el upgrade, el salto. En ese sentido, siento que le saqué 2000 kilómetros al resto porque la imagen fue disruptiva. Y la gente que veía televisión lo aceptó, aunque podría haber pasado algo distinto porque no sabían bien qué era. Se parecía un poco más al cine. No teníamos la cuarta pared, los decorados eran reales. También estaban la edición, la música y, por supuesto, la suerte. -Muchas veces se habla del actor o del talento, que tiene una mirada creativa muy fuerte, pero después hay que bajarla al mundo de los negocios: que cierren los costos, que cierren los ingresos. ¿Cómo convivían esos dos hemisferios? -Al principio fue difícil para mí porque no vengo del palo financiero ni lo estudié. Lo fui aprendiendo, también a partir de los errores. Tenía gente al lado, tenía un socio que me ayudaba. Me habrá llevado siete u ocho años aprender bien esa parte. -¿Y Polka, en su momento, se inspiraba en alguien? Entre tus referentes mencionás a Romay, a quien respetabas, o a Alberto Migré, que te gustaba. ¿Cuáles fueron tus fuentes de inspiración? -Los ciclos que hacían ellos: Alberto Migré, Abel Santa Cruz, Hugo Moser y tantos otros. Uno se va nutriendo porque uno también es lo que ve. No cerrás los ojos y la inspiración viene de la nada. Seguramente como periodista te habrá pasado: tenés referentes y, aunque no te guste todo lo que hacen, decís: "Esto de él me gusta". Lo vas mamando y después vas cocinando lo tuyo. Es muy difícil copiar. No es: "Quiero ser como Alberto Migré". No me gusta eso. Es una manera de decir que algo te inspira para después reversionarlo. Y yo lo reversioné con mi naturaleza, con mi estilo. -Después de ese salto de imagen y calidad que fue Poliladron, otro salto fue Verdad consecuencia, cuando apostaste por actores muy consagrados, muchos provenientes del teatro, de esos que hacen la diferencia. ¿Cómo fue ese camino? -Fue una decisión mía porque forma parte de mi naturaleza como productor: mezclar lo popular con lo prestigioso. Siempre quise hacer eso a lo largo de mi carrera. Ese es el estilo que intenté construir. Hacer cosas prestigiosas y cosas populares, y tratar de que convivan. Muchas veces me salió y muchas otras no. Verdad consecuencia, Vulnerables, Tratame bien fueron ciclos muy buenos. -Vos solés decir que no querés hablar de fracasos para no estigmatizar a las personas que trabajaron en esos proyectos. Pero ¿cuál fue el mejor fracaso? Ese del que decís: "De esto saqué una lección". -Tengo varios. Por ejemplo, hice una novela, Lobo, que me gustaba mucho y no funcionó bien. Yo pensaba que iba a funcionar. Pero tengo muchos. -¿Y con Primicias en el que te metiste en el mundo del periodismo? ¿No funcionó como querías? -No explotó, pero funcionó muy bien. -¿Qué te había llevado a contar esa historia? -A la hora de elegir, vos tenés un universo determinado: puede ser una gomería, un colectivo, un periodista, boxeadores, jugadores de fútbol... Vas mezclando mundos de la sociedad. Uno refleja lo que conoce. Generalmente echás mano a esos universos. No vas a contar de un tipo que vive en Marte, se levanta y toma un cohete, porque ¿a quién le vas a contar esa historia? Podrías hacerlo, por supuesto, si fuera ciencia ficción, para el cine o para una serie. Se han hecho cosas como Alf: hay una convención, aceptás que hablan con un muñeco y seguís la historia. -Cuando mirás toda esa carrera como productor, ¿qué fue lo más difícil? -Lo más difícil es mantenerse. Como productor, como actor, en todo. Para mí es lo más difícil porque es una competencia con uno mismo y con el resto. Siempre hay un examen nuevo y también está tu propia vara, el desafío de seguir. Eso también tiene un morbo lindo: los nuevos desafíos. ¿Podré hacerlo otra vez? Pero después de tantos años ahora lo disfruto más, estoy más tranquilo. También está la responsabilidad. Cuando estás manejando un canal y llevás una idea, pensás: "Confían en mí, van a poner tanta plata, ¿esto va a funcionar?". Y después puede no funcionar. Son las reglas del mundo del espectáculo. Si hiciste seis programas y embocaste tres, date por satisfecho. En general, embocás un 30%. -¿Y cuánto necesitás ser competitivo? En su momento estaban siempre los números, el rating, el minuto a minuto. ¿Cuán competitivo tenés que ser? -Yo soy competitivo, pero también trato de regularme porque hay veces que te pasás y empezás a tener un grado de toxicidad que no le hace bien a nadie. Competir, sí, pero hay un momento en el que tenés que regularte. Yo nunca saco los pies del plato: entiendo las reglas del juego. Competir, sí; asesinar y matar al otro, no. -El ego es un factor que cuesta. ¿Es algo que tenés bien manejado? -Yo creo que sí. Hay veces que menos, pero siempre trabajé mucho eso, sobre todo porque creo que te permite sacar ventaja. -¿Por qué? -Porque creo que cuando tenés el ego más domado le sacás ventaja al resto. -¿Y cómo gestionás el talento? Porque los grandes actores y las grandes actrices son brillantes en muchas cosas, pero también hay que saber llevar ese talento. -Conozco muy bien la profesión. Yo siempre digo que soy un productor que se mete en la jaula con los animales y les puede gritar, les puede decir las cosas, porque formo parte de la fauna. Yo sé cómo hablarles a mis colegas. -¿Y a veces cuesta? En el mundo de las empresas también pasa: cuando pasás de colega a jefe, la relación cambia. -A mí me costó. Habrá sido difícil para todos, pero fundamentalmente para mí durante los primeros años. Hay una regla natural: ya no te ven de la misma manera. Con los amigos es distinto, pero alguien con quien tenías buena onda de repente te ve como el jefe, se cuida. Con el tiempo entendí que es así y que los roles hay que separarlos. Está bien que cuando llega el productor se callen porque quizá estaban hablando de cosas de las que el productor no tiene que enterarse. -Es como estar o no estar en un grupo de WhatsApp. -Totalmente. Me han limpiado de grupos y al principio me dolía. Pensaba: "Pero soy yo, ustedes me conocen". Pero después lo trabajé en terapia y entendí que son cosas lógicas. También tenés que hacerte cargo del rol. Yo me armé mi propio librito sobre qué tipo de productor quería ser: respetuoso, pero con cierta distancia; hablar claro, mirar a los ojos y decir lo que pienso. Y cumplir. -En los 90 explotan las productoras. Arrancás vos creciendo de manera exponencial, empieza la venta de formatos al exterior, después aparecen Sebastián Ortega, Underground. En ese momento de boom, donde todos te pedían ser parte, ¿cómo lo viviste? -Con mucha felicidad. Había muchísimo estímulo creativo. Además, yo no soy un productor económico, de los que ponen la plata y se quedan mirando. Soy un productor creativo, soy un hacedor, con lo bueno y con lo malo que eso implica. Eso es una droga. Es una droga linda, pero, como todo, cuando se lleva a una medida excesiva también tiene su costo. -Se habla muchas veces del estrés positivo: te gusta tanto lo que hacés que te subís a esa dinámica y no te das cuenta. ¿Lo viviste así? -Sí. -¿Y cuándo te diste cuenta? -En algún momento te das cuenta solo. Va llegando la madurez y el paso del tiempo también te va colocando. Si estás atento, llega un momento en el que el cuerpo y la cabeza te dicen: "Hasta acá". -¿Quiénes son los mejores para bajarte a tierra? -Tengo dos o tres amigos que me bajan. No tengo un gran entorno, tengo poca gente, cinco o seis personas que me pueden decir las cosas y me hablan con sinceridad. Pero yo también siempre fui bastante tranquilo. Los que me conocen saben que nunca voy a gritar ni un gol, no soy arengador. Odio ese tipo de cosas, soy lo opuesto. Siempre trato de mantenerme tranquilo porque creo que tiene que ser así. Tampoco me gusta verme demasiado arriba. Cuando me veo así digo: "Ay, Dios santo". -Después de esa etapa del boom vino el cambio de paradigma: las plataformas, las redes, la audiencia de la televisión masiva empezó a migrar y llegó también la caída de muchas productoras. ¿Te costó esa etapa? -Sí, me costó. Además, lo de Polka y la pandemia fue muy abrupto. Pero yo ya venía viendo desde hacía cinco años que algo estaba cambiando. En 2015, 2016, ya decía: "Esto está cambiando". Teníamos 200, 230 personas trabajando entre Polka y el Grupo Clarín, y yo ya veía que la cosa iba mal. Era un poco como el Titanic: estaba la orquesta tocando y yo decía: "Paren un poquito de cantar porque esto se está hundiendo". Después la realidad fue mucho más abrupta y eso movilizó mucho. Pero, en algún sentido, también me hizo bien. Porque si no hubiese sucedido así, a lo mejor yo hubiera querido seguir con ese barco. Esto me obligó a parar, me colocó en otro lugar y me dio una nueva oportunidad para reinventarme. Y estoy muy agradecido por todo lo que me ayudó el Grupo Clarín con Polka, que fue tremendo. Por lo que hice yo por el canal y por todo lo que el canal hizo por mí. -Además, arrancaste en el 13 como número uno de programación en 2001. Un año tranquilo para empezar... Ahora, con el 13, ¿cuál es tu desafío de cara a lo que viene? -Volví a estar bien después de varios años en los que me fue mal en el 13. -¿Te reenamoraste un poco? -Sí, me volví a enamorar. Son muchos años. Tengo una relación muy particular con el canal, de mucho amor y mucho cariño mutuo. Me siento respetado. Tengo un vínculo muy fuerte con el 13, tengo amistades, vínculos personales. No sé si me iré algún día. A veces amago con irme porque, por una cuestión lógica, sentís que se terminó un ciclo, como les pasa a los técnicos de fútbol. Pero me volví a enamorar porque la televisión me está dando una nueva oportunidad. Hubo un momento en el que sentía que no la podía agarrar, como cuando en el fútbol te están volviendo loco y no tocás una pelota. Me estaba pasando eso. -Ahí tenés dos espadas: Coco Fernández por un lado y Pablo Codevilla por el otro. ¿Hace cuánto forman ese triángulo? -Desde que entré, en 2001. -¿Se entienden sin hablar? -Sí. Pero en televisión te podés entender muy bien y después hay que gestionar. Y hubo momentos en los que no la agarramos. Por varios factores: errores nuestros, virtudes y mejoras del otro. No todo son errores propios. A veces simplemente no se te arma. Es como un equipo de fútbol: de golpe encontraste un buen cinco, un dos, un arquero y decís: "Mirá cómo se me armó el equipo". Lo mismo pasa en la tele. -Empezaste a encender la mañana con Moriaâ?¦ -¿Cómo sabés que Moria puede venir todos los días a la mañana y funcionar? Vino y le fue bien. Después vino Mario, que cuando lo llamé decía: "La tele no existe más". Más allá de que lo dijera jocosamente, lo pensaba. Pero tenía ganas. Porque el veneno de la tele no te abandona jamás. -¿Cuál es el veneno de la tele? -Que a la tele, por ahora, todavía no le ganó nadie. Lo que genera la televisión no lo puede generar el streaming. El streaming es un nicho, está fragmentado. La tele, aunque haga seis puntos, después replica en las redes, en otros medios. Salís a la calle y te das cuenta. -Y eso sigue pasandoâ?¦ -Seguro que no es como antes. Pero cuando dicen: "La televisión está muerta, esto le va a ganar", no. Todavía no. Y a veces se te da encontrar un equipo y la tele vuelve a funcionar. El problema es que el televidente hoy tiene tantas opciones que, si no le das algo que realmente le interese, se va. Para el programador es mucho más difícil: tenés que pegar fuerte para llamar su atención. Si no, next. ¿Pero no pasa lo mismo en las plataformas? -Dicen que le dedicamos 17 segundos a elegir. -Sí. En las plataformas también: next, next, next. "No me gustó", next. Mirá cómo cambió. Las plataformas tienen el mismo problema porque el ser humano se acostumbra rápido. Dicen que son 20 segundos. Y eso que estamos hablando de las grandes. Imaginate Netflix, que estrena a lo loco, y también tiene ese problema. Imaginate entonces lo que significa para un programador de televisión.Pero yo le encontré de nuevo la vuelta. Estoy feliz. Siento que la televisión está viva. -¿Cómo se piensa la programación? ¿Pensás, por ejemplo, "hay que ganar la mañana"? ¿Es como un TEG en el que vas diciendo "vamos a jugar acá" o no? -No. Yo sé mis debilidades, sé dónde tengo que mejorar. Lo que pasa es que venía de cuatro años en los que el barco hacía agua por todos lados. -¿Y por qué se daba eso? -Por errores míos, por virtudes del otro, porque otros canales también crecieron y porque yo no encontraba la fórmula. A veces ves un programa comparado con el de la competencia y decís: "Son parecidos". Pero la televisión tiene algo muy democrático: a uno le dice que sí y al otro le dice que no. Y es tan democrática que, cuando te vas de boca y creés que sos campeón del mundo, la tele te chifla y te dice: "Ahora vas a ver". -¿La gente se enoja cuando un artista se la cree? -El público te pica el boleto. Y eso es lo más lindo que hay. -¿Lo viste muchas veces? -Sí. Por eso siempre aconsejo, y también me lo digo a mí mismo: "Cuidado". Primero está la naturaleza real de cada uno y, si no te sale naturalmente, actuá con cuidado. Siempre digo que no podés ser soberbio cuando te va bien en todos los órdenes, porque después todo vuelve. -¿Y quién te gustaría tener en el canal que no tenés hoy? -Hay varias cosas. Me gustaría tener una ficción en el canal, que hoy no tengo. -¿Puede volver? -Sí, puede volver. Estoy haciendo todo lo posible, ojalá. -¿Una historia de qué estilo? -Lo que le gusta a la gente: una historia costumbrista, una novela, una historia que pueda conectar. Es difícil volver a pegar con ficción en la tele, pero lo quiero volver a intentar. Ya me siento como Rafa Nadal en el retiro: quiero jugar mi último Grand Slam. -Hablando de ese Grand Slam, te llevo por algunos éxitos. La noche del 10, ¿qué lugar ocupa en tu carrera? -Desde el punto de vista emocional está fuera de la lista. Porque yo hago ficción, tengo mis diez ficciones favoritas. No me dedico al entretenimiento, no soy un productor de entretenimiento, no es mi palo. Pero ahí me tiré de palomita. Estaban Pablo y Coco. Para mí fue un momento increíble de los tres, por hacer un programa con Diego, por lo que me generaba a mí el fanatismo y el amor por el Gordo. Fue tremendo. Nos salió todo bien. -Seguimos con otra etapa. Vino la pandemia y te convertiste también en productor de teatro. ¿Qué importancia tiene el teatro en estos últimos años? -Muchísima. Está ocupando un lugar muy importante. Le encontré la vuelta. Así como hago series para plataformas, como Envidiosa, cuando tengo la posibilidad de entrar y les gusta una historia mía, con el teatro me pasó algo parecido. Algunas obras se compran, pero muchas de las que hice las fui armando como armaba mis unitarios para televisión. Me ha ido muy bien y me gusta. Hay muchos autores nacionales que escriben sus obras. Eso se da mucho en el mundo off, en el circuito independiente, que ahora se está acercando más al circuito comercial. Para mí es un romance nuevo. -¿Y cómo es ese proceso creativo? Por ejemplo, Sottovoce, que ahora estás protagonizando. -Sottovoce la dirige Mariano Pensotti. Ya habíamos hecho con Mariano Felicidades, que también surgió de un proceso creativo. Nos juntamos, la armamos y la dirigió él junto con Daniel Veronese. Nos fue fantásticamente bien. Antes había hecho Inmaduros, con Juan Vera y Diego Peretti, que fue una idea original nuestra y también la armamos.La dupla con Diego funciona muy bien. -¿Cómo es ese proceso creativo? -Generalmente llevo una idea y ahí empieza la parte más linda. Digo: "Tengo esta idea" y empezamos a debatir, a hablar. Al principio pensás libremente, hacés asociaciones de ideas. Podés estar 40 días viendo si lo que tenés sirve y descartando cosas. Después se escribe durante tres o cuatro meses. De todo eso, por ahí sirve la mitad y volvés a empezar. A veces llegás a una obra y a veces no llegás a nada. Después vienen los ensayos. Me pasó con Felicidades y también con Las hijas, que hicimos con Florencia Peña, Soledad Villamil y Pilar Gamboa; primero estuvo Julieta Díaz. Con la dramaturgia de Ariadna Asturzzi , que es actriz y dramaturga, nos juntamos y ella escribió Las hijas. Fue un éxito tremendo. Nos vamos a Mar del Plata ahora; fue un éxito el año pasado y también este año. Esa experiencia con el teatro la estoy teniendo también ahora con Con la nuestra, que fue otro proceso. -¿Esa es política? -No. Bueno, el nombre remite un poco a "con la nuestra", "con la tuya", pero en realidad es la historia de un tipo que los estafó. Los hizo entrar en un circuito de préstamos de plata en negro, donde les prometían un porcentaje mayor: en lugar de darte un 5%, te decían: "Ponela un año y te voy a dar el 12%". Y se quedó con la plata. A partir de ahí se arma un lío tremendo. Es muy graciosa. -Últimamente aparecen mucho las familias en las historias. En Las hijas y también ahora en Sottovoce, donde hay una familia un poco disfuncional que quiere vender una empresa. Por otro lado, en esta nueva obra aparece la economía. ¿Se cruzan las historias? -No necesariamente, pero vuelvo a lo que hablábamos antes: también en el teatro trato de hacer historias nacionales. En Sottovoce, por ejemplo, hay una empresa familiar que heredaron de sus padres y los primos empiezan a pelearse por la plata porque se la van a vender a unos norteamericanos. Empieza el "yo merezco más que vos". Son historias nuestras, aunque podrían pasar en otro país. Las hijas, por ejemplo, tiene un tema universal: una madre con un principio de Alzheimer. Después te podés equivocar o no, pero yo voy buscando por ese lado. Me gusta apoyar y hacer teatro nacional con autores nacionales. -¿Y qué ves desde el escenario cuando estás actuando en medio de una obra? ¿Qué mirás? -No miro. Sentís la energía de la gente, que es hermosa. La risa, los remates. En este caso, con Sottovoce, es muy absorbente. Dura una hora, una hora y cuarto, una hora veinte, y es a mucha velocidad. Nada te cansa más que hacer teatro porque la energía que se produce entre lo que vos actuás y el público absorbe muchísimo. Terminás con poca energía. -¿Y te pasa que hay días en los que decís "estos espectadores no fluyen" y te lo llevás al cuerpo? -Sí. Tenés que hacer un esfuerzo mayor porque a veces no funciona. Son 900, 1000 personas y puede pasar que esa energía colectiva no fluya. Pero yo siempre tiendo a pensar que, si eso sucede, el problema está en los actores que estamos arriba del escenario. -Seguimos por el camino del cine. Muchos también dicen: "El cine ya no va". Es cierto que cayeron los espectadores a nivel mundial y también local, pero cuando uno mira hoy la taquilla aparece tu película como la argentina más vista, lejos. ¿Por qué se da? -Porque el cine empezó a levantar. Hace tres años parecía que las plataformas iban a cambiar definitivamente los usos y costumbres, que salir de tu casa era cada vez más difícil. Pero todo cambia, nada es definitivo. El mundo del espectáculo va girando y dentro de diez años seguramente vamos a tener otros modelos. Yo creo que ver cine en el cine es algo histórico, es un espacio único. A mí me gusta: la pantalla gigante, el espacio colectivo, la risa, el llanto, la emoción. Eso es extraordinario. Volvió también porque aparecieron algunos tanques que lo volvieron a mover. El año pasado Homo Argentum la sacó de la cancha. Guillermo hizo un exitazo total. Este año me fue muy bien a mí. Creo que lo que está más difícil en el cine argentino es otro tipo de películas. Yo hago una película popular, una comedia para determinado público: vas, pasás un buen rato, te reís â??o espero que síâ??, que no es poca cosa. Después hay un cine independiente muy bueno que la Argentina tuvo siempre y que nos ha dado muchísimo. A ese cine hoy le está costando un poco más. Pero, por ahora, porque yo creo que todo vuelve. -¿Y vas como una especie de cliente fantasma? Más allá de lo que hicieron ahora con Natalia Oreiro, de aparecer en una función, ¿te sentás atrás sin que nadie te vea para observar las reacciones? -Me vuelvo loco. Es muy lindo ver esa energía del cine en un espacio colectivo y escuchar al público. Y además aprendés: dónde se rieron, dónde no. -El narcisismo como eje de un argumento, ¿por qué te tentó? -Porque sabía que había una historia, que había un personaje. Y porque dialoga mucho con la realidad: es algo que está en las oficinas, en las empresas, en la calle. A veces se confunde egocentrismo con narcisismo y no es lo mismo. Un narcisista patológico, en un vínculo con una mujer, te puede arruinar la vida. -Pero también me dijiste que es una historia de amor no tradicional. No vamos a spoilear nada porque la gente tiene que verla, pero como espectador te sorprende la evolución de la historia. -Sí, esa fue una decisión. Pero me parece que acertamos porque es algo que la gente rescata mucho: "Ah, pensé que iba para un lado y fue para el otro". -La película tiene un impacto directo, pero ¿es rentable hacer cine? -Mirá, yo creo que si el INCAA no ayuda â??y debería ayudarâ??, para muchos es muy difícil. Si no tenés una major o una plataforma que te ayude, en este caso Disney, con la taquilla sola tenés que meter muchísima gente para recuperar el costo de la película. Después va a la plataforma y a lo mejor se termina de armar el negocio. Si no, no tenés industria. De diez películas, en dos te salvaste económicamente, en cinco empataste y en tres perdiste. Esa es, en general, la dinámica de la industria del cine. También pasa en Estados Unidos. -¿Lo mismo ocurre con el teatro? -Sí, lo mismo. Pero creo que esos espacios culturales hay que apoyarlos por la sinergia que generan en todos los sentidos. Generan gente trabajando en blanco, se pagan impuestos. A veces se interpreta mal lo que significa apoyar al cine. Tampoco nadie te salva. El INCAA te ayuda, pero su aporte en el costo de una película no debe representar más del 12%. Por eso, cuando te dicen: "La hacés con la plata del INCAA...", no es así. En una película grande, que necesita superar los 350.000 espectadores para llegar al punto de equilibrio, el costo mayor lo tiene que poner un privado. Todo ayuda, pero la inversión grande viene por otro lado. -¿Cómo te va en el rol de padre? Digo, con Margarita y con Toto, que están en edades muy distintas. ¿Qué lugar ocupa ese rol en tu vida? -Es muy importante. Es un rol que amo y también una responsabilidad. Lo llevo con mucho amor y mucha felicidad. -¿Lo llevás sin estrés? Viste que hay padres que somos más estresados. -A lo mejor soy más irresponsable. -¿Pero lo disfrutás más? -Sí. Tanto Araceli, la mamá de Toto, como Griselda, la mamá de Marga, son madres que llevan muy bien su rol con sus hijos, y yo también trato de hacerlo desde mi lugar de padre. Siento que nunca fui un padre demasiado estresado, salvo en algunos momentos. También creo que cuando los padres son muy neuróticos terminan transmitiéndoselo a los chicos. -Y a nivel de exposición, Toto eligió un camino similar al tuyo. Distinto, pero dentro de la actuación. ¿Te gusta? ¿Lo esperabas? -Sí, me gusta. Cuando tenés un hijo que es actor, lo primero que pensás es: "¿Cómo lo va a hacer?". Y cuando vi que es un fenómeno, que está muy bien en lo que hace, me dio mucha tranquilidad. Dije: "Este actúa, este es actor. -Además, eligió un camino de menos a más. -Y no se cambió el apellido. Mi apellido es Kirzner y él se quedó con el suyo. Yo le decía: "Te tenés que llamar Tomás Suar", y no quiso. -¿Eso te enorgulleció? -Sí, me gusta por la personalidad que demuestra. Yo le decía: "Dale, Toto", pero no quiso. Además, durante muchos años no quiso trabajar conmigo. Hizo su propio camino, cosa que me da mucha alegría. Ahora lo tuve que convencer para que venga a Con la nuestra. -¿Y ves en ellos, en Toto y en Margarita, algo tuyo? -Sí, en los dos. En Toto veo lo histriónico y en Margarita también. Pero también lo tienen de sus madres: Araceli es histriónica y Griselda también. Son dos madres fuertes. -¿Y cuál es tu kriptonita? ¿Qué decís "esto es mi debilidad"? -La injusticia, a veces en los vínculos o en la vida. La mala intención, hacer daño por hacer daño. El poco fair play. Eso, en algunos casos, me deja mal. -Hablando de eso, cuando buscás talento, cuando identificás a alguien, ¿cómo te das cuenta de que hay algo que traspasa? -El talento fuerte lo ve todo el mundo. -¿Y el talento es método o es natural? -Para mí es natural, aunque se puede mejorar. El que es un fenómeno tiene algo natural, pero también tiene que mejorar y seguir trabajando. El que no es tan bueno puede mejorar mucho: puede practicar, ensayar, estudiar. Aunque no todo pasa por el estudio. Hay gente que puede estudiar muchísimo y no necesariamente tiene ese talento. -¿Viste más casos de gente con un don que lo desperdicia por ego o de gente que no tiene tanto ese don, pero lo trabaja, se esfuerza y llega? -Las dos cosas. Quizás vi menos casos del que lo desperdicia por ego, aunque también los hay. Hay gente a la que el talento le sobra, que tiene un gran instrumento y va bien. Pero también es lindo ver el crecimiento de una actriz o un actor. Y hay otra cosa: depende mucho de dónde ponés a un actor. Podés tener a un buen actor en un lugar que no le funciona y preguntarte: "¿Es bueno o no es tan bueno?". Y también hay actores que se refugian en los lugares donde se sienten cómodos y ahí decís: "Este es buenísimo". Pero lo corrés un poquito de ahí y quizás no funciona igual. También puede pasar al revés: estás poniendo a alguien en un lugar en el que sabés que no va a rendir. -¿Cuántas conversaciones difíciles tuviste de ese estilo? Que alguien te diga: "Adrián, la estoy rompiendo, soy el mejor", y tener que responderle: "Mirá, no es tan así". -Varias. Me recibí de productor. Empecé a producir cuando tenía 24 años y al principio me costaba mucho hablar con alguien mayor que yo o incluso con un par. Me daba vergüenza, miedo. Pero cuando encontré mi estilo pude atravesar todas esas situaciones. Pude mirar a alguien a la cara y decirle: "Esto no es así, no sos el mejor", y también felicitar cuando correspondía. Pasé por todas las escenas que atraviesa un productor, las buenas y las malas. -Antes te daba la máquina del tiempo para volver a los 13 años. Ahora te la doy hacia adelante: nos encontramos acá dentro de diez años. ¿Qué querés haber logrado que todavía no lograste? -Yo ya no le pido nada a la profesión en ese sentido, porque me dio todo. Tengo sueños, pero tienen más que ver con seguir haciendo cosas distintas o parecidas dentro del marco de lo que hago. Me gustaría seguir hasta el final de mi carrera produciendo y actuando. Actuar siempre, aunque sea para despuntar el vicio. Eso lo haría hasta el final. -¿Y siempre te gustó más hacer reír? Hay mucho menos drama en tu carrera como actor. -Soy menos dramático. Tengo más facilidad para la comedia. Mejoré mucho y me preparé mucho para ser comediante, con lo bueno y lo malo que eso implica. Pero siempre digo lo mismo. -Dicen que es más difícil hacer reír que hacer llorar. ¿Vos creés que sí? -Yo creo que sí. Igual nada es fácil. Emocionar y traspasar la pantalla tampoco es fácil, eso también es un don. Pero, si me preguntás a mí, al buen actor que no es comediante se le nota enseguida cuando hace comedia. En cambio, agarrás a un buen comediante, lo pasás al drama y decís: "Ah, lo puede hacer". -Ya tenés grabada la película para 2027 con Guillermo Francella. ¿Por dónde va? -Va muy bien. Es Muerte en un funeral, aquella película francesa. La verdad es que es una película extraordinaria. Y está esta dupla de Guillermo y yo. Tenía muchas ganas de trabajar con él porque siempre le decía: "Guille, me parece que en esta vida no nos vamos a encontrar nunca en cine". Habíamos hecho teatro dos veces. Además, se suma Pablo Codevilla en el elenco. Para mí, una razón fundamental para hacer la película fue tener un recuerdo con Guillermo y con Pablo, los tres juntos en pantalla. Eso me pasa ahora. Estoy en un momento de mi vida en el que digo: "Bueno, me quiero dar algunos gustos". Seguiré filmando, pero llegás a una edad en la que empezás a pensar: "¿Con quién me gustaría hacer una película para tener ese recuerdo, para disfrutarlo?". Guillermo es uno. Y después hay otro también. -¿Y cómo te llevás con la finitud? Digo, esta película arranca con el fin de una vida. ¿Cómo te llevás con la finitud? -No, todavía no tengo la finitud tan presente en mi cabeza. Pero cuando tengo un drama fuerte recurro a pensar: "Adrián, un día es tres, dos, uno... y se termina". Cuando ponés las cosas en esa perspectiva, el drama me baja un 90%. A veces uno discute o se preocupa por determinadas cosas y, de golpe, te llega una noticia dura y la vida te dice: "¿Querés ver lo que realmente es difícil? Abrí este sobre". Y no tardás más de 12 segundos en pensar: "¿Y yo me preocupaba por esto?". Eso lo tengo muy presente en mi vida. He visto situaciones en otras casas y digo: "Esto sí es un drama". -¿Sos de los que sienten que la vida se les pasa rápido? -Muy rápido. Y yo me divierto mucho. Hago lo que me gusta. ¿Sabés lo que significa eso para la salud mental? Por eso siempre digo lo mismo. En los últimos años parezco una especie de pastor, pero pienso: "¿Vos te das cuenta de que elegiste una profesión que te gusta, te pagan por hacerla, sos feliz, la gente te saluda por la calle, te invitan a comer a un restaurante?". No podés ser tan estúpido de no decir gracias. Además, para mí es un milagro. A veces me miro al espejo y pienso: "Es un milagro que los haya convencido". Ahora ya no tanto, pero durante mucho tiempo pensaba: "Es un milagro que haya convencido a todos". Me dicen: "Qué buen comediante" o "Qué buenas producciones", y yo pienso que es un milagro. Lo digo en chiste, pero nunca lo tomé como algo natural. Tampoco lo vivo como si Dios me hubiera dado un don y listo. Podría haber sido otro. Y no me quito méritos: aprendí a reconocer mis atributos y sé lo que hice. Pero tampoco es para volverse loco. -Te llevo a un zapping final, con preguntas y respuestas más cortas. ¿Qué es Susana Giménez para el mundo del espectáculo? -Susana no solo es una grande. Mirás su trayectoria, lo que generó en el país, su magnetismo, su estilo. Es una de esas figuras que van a ser recordadas durante muchos años. Por su carisma, por su manera de conducir, por su estilo. Yo le tengo mucho cariño a Susana. -¿Y Mirtha Legrand? -Es única. Llegar a la edad que tiene y seguir conduciendo un programa es impresionante. Vos estás conduciendo ahora, me estás haciendo una entrevista: no es fácil llevar una conversación. Y ella lo sigue haciendo a una edad increíble. Es extraordinaria, es distinta. Y también mejoró mucho. Si ves la carrera de Mirtha desde su etapa cinematográfica hasta convertirse en entrevistadora, tuvo todo un proceso. Además, se fue ganando el cariño de la gente. -¿Y a qué atribuís el éxito de Moria Casán a esta altura de su vida? -A que viene trabajando para el éxito desde que es Moria Casán. Y lo fue logrando siempre, con altas y bajas, como todos los artistas. Pero es una marca argentina. Moria Casán, Susana Giménez, Mirtha Legrand forman parte de una época. Moria, además, se hizo a sí misma. Tiene otra genética. Ana María Casanova, para mí, sí. -La historia mostraba que al teatro llegaban los éxitos de la televisión y, a partir de ahí, se iban formando nuevos talentos. Hoy hay muy poca ficción y la mayoría de las obras en cartel tienen a las figuras de siempre. ¿Quién va a cortar tickets en el teatro del futuro? -Es un tema que venimos hablando con Carlos Rottemberg, que es empresario. Estoy de acuerdo con esa inquietud, pero también creo que es una foto del momento. La vida te da sorpresas y el teatro va a seguir existiendo. Yo digo: esperemos, no nos adelantemos. La televisión abierta va a volver a hacer ficción y, si no, estarán las plataformas. Y si no, se armarán grupos en otros espacios que irán acumulando público. A lo mejor ya no será alrededor de una gran figura como nos pasó a mí, a Darín, a Guillermo y a muchos actores y actrices que tuvimos el privilegio de estar muy cerca de la gente. Yo estoy feliz de haber vivido esa época de la televisión. Para la gente soy "el Chueco". -¿Quién te puso el apodo? -En Pelito. -La escena por la que más te preguntaron en las últimas entrevistas que vi es la de "Gachi Pachi", con Valeria Bertuccelli. Pero nadie te preguntó por el detrás de escena. ¿Se tentaron? ¿Se rieron? ¿Cómo fue? -Sí, me acuerdo de que me reí con Vale porque eso lo inventó ella. -¿Fue de ella? -Sí, eso lo inventó Vale. "Gachi Pachi"... Creo que se cambiaron los nombres. La escena estaba escrita, obviamente, pero después está el aporte de los actores. A veces tenés un buen libro y el actor lo lleva de un seis a un ocho. Vale, además, estaba iluminada en ese momento. Tenía una sensibilidad enorme para la comedia y volaba. -¿Te imaginabas en ese momento que esa escena iba a quedar para siempre? -No. -Tres últimas. ¿Qué te gustaría que tus hijos tomen de vos y qué les dirías que eviten? -Me gustaría que tomen algo que yo también tomé de mi padre: que la palabra vale. La honestidad, hablar con frontalidad, ser buena persona, hacer todo lo posible por serlo. Y no lo digo desde romantizar la idea de ser buena persona, sino desde tener buena leche, ser empático, no juzgar. También tener mucho cuidado al hablar. Y, elijan la profesión que elijan, honrarla y llevarla adelante con seriedad y amor. Yo fui a veces un poco neurótico y obsesivo en mi manera de ser. Eso no lo aconsejo. Pero estoy feliz con el camino que hice. Cuando ves a alguien en el deporte, en la ciencia, en el arte o, en mi caso, como productor popular de televisión, cine y teatro masivo, siempre hay algo de la pasión que te lleva puesto. Y no me arrepiento de nada. Si miro cosas individualmente, puedo decir: "Esto no lo haría así, esto tampoco". Pero cuando miro la foto general digo: "Es así. Este soy yo". -¿Y cómo te llevás con el prejuicio hacia lo popular? Con ese juicio sobre las cosas que, en definitiva, son masivas. -A mí me gusta lo popular. Nunca me disfracé de algo que no soy. Soy un productor que siente de esa manera. Cuando hice un unitario prestigioso, dirigido a otro tipo de espectador o que tenía otra recepción en la prensa, entendía por qué llegaban determinados elogios. Y cuando hago algo popular, que tiene otras características y busca abarcar a otro público, también entiendo lo que estoy haciendo. Cuando me critican, a veces digo: "Tienen razón, esto no me salió tan bien". No hay que ser botón. -¿Y a la Argentina hoy cómo la ves? -La veo en un momento de ebullición, de cambio respecto del gobierno anterior. Hace tres años que está Milei y yo todavía tengo un signo de pregunta. A mi país le deseo lo mejor. Siempre fui un ciudadano que trata de ser crítico. Nunca tuve un partido político. No me enamoro de todo lo que hace alguien y tengo la capacidad de decir: "Esto me gusta, esto no me gusta". Nunca entré en esa lógica que, para mí, te lobotomiza. Además, no me lo permito. Invertí mucha plata en terapia, más de un departamento... dos departamentos. No me voy a permitir no tener una mirada crítica y seguir repensando las cosas. Si me repienso a mí mismo, ¿cómo no voy a repensar el país en el que vivo? Hubo cosas que me gustaron del gobierno anterior y otras que no. Con este me pasa lo mismo: hay cosas que digo "esto está bien" y otras que no me gustan nada. Lo que pasa es que dejé de hablar públicamente porque siento que no están dadas las condiciones para que un ciudadano o un artista pueda expresarse sin que se interprete que hay mala leche o que está operado. Yo creo que el artista, como tiene llegada, también puede señalar lo que no le gusta, sin hacer lobby. Hay cosas que no te gustan y hay que poder decirlas. Pero hoy siento que no se está dando porque te salen a matar, y a mí eso me hace mucho daño. Las veces que intenté hablar me encontré con eso. En privado sí hablo, pero en televisión me cuesta porque no tengo el cuero tan grande para bancármelo. A veces, del otro lado, hay gente con poco don de gente: si pensás distinto, sale a matarte. Entonces digo: "A este juego no juego. Nos vemos en la próxima". Porque todo cambia, como cambia la vida. -¿Ese es quizás tu costado más de actor, la sensibilidad? Porque después de tantos años de carrera y con tu trayectoria, uno imaginaría que tenés el cuero más duro. -A veces lo tengo, pero cuando te pasa vivís situaciones feas, horribles. Yo estoy dispuesto a debatir. Puedo decir: "En esto no estoy de acuerdo" y aceptar que me respondan. Pero tiene que existir la posibilidad de hablar y expresarse. Los que trabajamos en la cultura y tenemos la posibilidad de llegar a mucha gente tenemos que hacerlo. Repito: sin hacer un lobby extremo. Tener una mirada crítica, reconocer lo que te gusta y poder decir con respeto lo que no te gusta. Yo hoy tengo un signo de pregunta sobre la Argentina. Me pregunto: "¿Cómo será? ¿Será un país para muchos? ¿Será un país para pocos? ¿Qué país vamos a tener?". Y entiendo que eso no es algo que se resuelva en tres años. Lo que no puedo creer es que hace años no podamos ponernos de acuerdo en diez o doce temas básicos: salud, educación, bajar la inflación, que el sueldo alcance para vivir, las jubilaciones. Latinoamérica es difícil, pero no puede ser que no podamos acordar diez puntos fundamentales para el bien de la gente, esté quien esté, sea más de derecha o más de izquierda. Pero se ve que no conviene porque siempre aparece la pelea por la caja. -La última. ¿Tenés algo pendiente que digas: "Esto lo quiero hacer y lo voy a hacer"? -Mi escuela de producción. Eso sí es lo que viene. -¿Cómo la soñás? -La sueño federal. Quiero poder transmitir mi experiencia y hacer algo relativamente grande, que abarque dramaturgia, dirección, televisión, todos los espacios que fui ocupando. Obviamente, con gente, con un equipo. Y quiero poder dar clases de producción en algún momento. Quiero comunicar lo que aprendí, tanto lo bueno como lo malo. Tengo una experiencia enorme de haber hecho, como digo siempre, cosas que cociné muy mal y otras que cociné muy bien. -¿Es para 2027? -No sé si 2027, pero estoy buscando el espacio y la gente. Ya lo tengo más o menos pensado. Además, es algo que quiero dejar. No sé si llamarlo un legado, pero me gustaría dejar algo de todo lo que aprendí.

El penoso cambio de la playa Venecia en Villa El Salvador: balneario se convirtió en un botadero de toneladas de basura y desmonte

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La historia detrás del imperio Guinness que Netflix convirtió en un drama familiar

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María Cher convirtió sus 25 años de moda en una performance sobre la cultura y la memoria

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La flor de origen mexicano que se convirtió en símbolo en California y sirve como planta medicinal

La dalia es una planta originaria de México que adquirió una presencia particular en Estados Unidos. San Francisco la incorporó como emblema de la ciudad en 1926, después de que durante las primeras décadas del siglo XX se consolidara como un lugar favorable para su cultivo. Su diversidad de formas y colores contribuyó a su expansión entre los aficionados a la jardinería.Por qué la dalia es la flor oficial de San FranciscoSegún el gobierno de México, los aztecas la conocían como acocoxóchitl y aprovechaban distintas partes de la especie. Con el paso del tiempo, también se empleó en la alimentación y en prácticas medicinales, además de convertirse en una planta utilizada con fines ornamentales.Su adaptación a San Francisco estuvo relacionada con las características del clima del Área de la Bahía. Las dalias no toleran períodos prolongados de heladas ni temperaturas superiores a unos 85°F (29°C), mientras que el ambiente templado y la influencia de la niebla marina ofrecen condiciones apropiadas para su desarrollo."Mucha gente piensa que San Francisco es un lugar muy agradable para vivir, y muchas plantas también", dijo a The New York Times Isaac Lichter Marck, un ecólogo vegetal que estudia la familia del girasol en la Academia de Ciencias de California. "Las dalias alcanzan su máximo esplendor en agosto y septiembre y no se marchitan hasta finales de otoño", explicó.En 1926, la Junta de Supervisores de San Francisco eligió a esta planta como flor de la ciudad debido a sus aspectos como su resistencia, variedad y presencia. Ocupa un lugar en la vida pública de la ciudad, más precisamente en el Dahlia Dell, ubicado en Golden Gate Park, donde pueden observarse distintas variedades durante los meses de mayor floración.La diversidad constituye una de sus características principales. El género reúne más de 30 especies distribuidas principalmente en territorio mexicano, además de numerosas variedades desarrolladas mediante cultivo. Sus diferencias en tamaño, estructura y tonalidades explican parte de su presencia tanto en jardines como en exposiciones. "En cuanto a dalias, no hay nada igual en el mundo", aseguró Kevin Woodson, un pintor que divide su tiempo entre Taiwán y Oakland, California.Las propiedades beneficiosas de la daliaAdemás de su uso ornamental, la dalia contiene sustancias que despertaron interés por sus posibles aplicaciones nutricionales y medicinales. De acuerdo con el gobierno de México, sus tubérculos contienen inulina, un tipo de fibra con función prebiótica que puede favorecer el funcionamiento del sistema digestivo y la composición de la microbiota intestinal.Los tubérculos y pétalos también aportan diferentes nutrientes, entre ellos potasio, calcio, vitamina B6 y vitamina C. Los pétalos contienen compuestos fenólicos y flavonoides como luteolina, apigenina, buteína y eriodictiol, sustancias estudiadas por su actividad antioxidante, según un estudio publicado en Journal of Biological Chemistry.La raíz también fue utilizada tradicionalmente en distintas regiones de México y Centroamérica. Algunas investigaciones sobre su composición analizaron su posible relación con el metabolismo de la glucosa y señalaron efectos sobre los niveles de glucosa y hemoglobina en personas con diabetes tipo 2, además de analizar el papel de la inulina.¿Puede la dalia aportar propiedades curativas?La investigación publicada en Journal of Biological Chemistry se concentró en las dalias de tonalidades amarillas y naranjas. El trabajo fue realizado por investigadores de la Universidad de Salud y Ciencias de Oregón y la Universidad de Portland, quienes identificaron en estas plantas un flavonoide denominado sulfuretina.Los investigadores profundizaron en su capacidad para bloquear la actividad de la enzima Cemip, relacionada con la degradación del ácido hialurónico durante procesos inflamatorios. En modelos experimentales, la inhibición de esta enzima estuvo vinculada con procesos relacionados con la maduración de células que participan en la reparación de la mielina, la capa protectora de grasa y proteínas que rodea las fibras nerviosas del cerebro, la médula espinal y los nervios ópticos.Este mecanismo despertó interés para futuras investigaciones sobre enfermedades desmielinizantes y procesos asociados con el cáncer. También se plantearon posibles líneas de estudio relacionadas con enfermedades neurodegenerativas y lesiones cerebrales. Sin embargo, estos resultados experimentales no significan que consumir dalias permita tratar esas enfermedades.

Un refugio en los Valles Calchaquíes se convirtió en un emprendimiento familiar vitivinícola

Una bodega que nació desde el seno familiar con la idea de un predio para disfrutar los fines de semana del paisaje salteño pero que en poco tiempo plantaron las primeras vides para desarrollar el negocio de la producción de vinos y ya piensan establecer un punto de alta atracción turística.

Maroon 5 volvió a la Argentina y convirtió el Movistar Arena en una fiesta de hits

A las 21 de este jueves 3 de septiembre, las luces del Movistar Arena se apagaron y Maroon 5 no necesitó demasiado tiempo para demostrar por qué había vuelto a agotar un estadio en Buenos Aires. Después de cuatro años de espera, Adam Levine y el resto de la banda salieron a escena y pusieron en marcha un show que durante una hora y cuarenta minutos prácticamente no tuvo respiro.El comienzo fue a pura energía. "Harder to Breathe" abrió el recorrido y "Lucky Strike" terminó de encender al público: en el campo aparecieron los primeros saltos y desde las plateas llegaron aplausos que acompañaron el ritmo de la canción.ð???ð??? pic.twitter.com/aY2hog4o1P— DF Entertainment (@dfallaccess) September 4, 2026Pero el primer gran estallido de la noche llegó inmediatamente después. Los acordes iniciales de "This Love" provocaron uno de esos gritos que permiten reconocer cuáles son las canciones que el público llevaba toda la noche esperando. Muchos de los que hasta ese momento seguían el recital desde sus asientos se pusieron de pie y el Movistar Arena se transformó por primera vez en un coro multitudinario. En un momento, Levine dejó de cantar y permitió que fueran las miles de voces frente a él las que completaran la canción.Era apenas el comienzo, pero la escena ya dejaba en claro una de las características que atravesaría todo el concierto: Maroon 5 tiene un repertorio capaz de reunir generaciones muy diferentes alrededor de los mismos estribillos.Con capacidad máxima para 15.000 espectadores, el arena estaba repleto. En las tribunas convivían grupos de adolescentes, familias enteras, parejas y amigos. Había chicos de alrededor de 10 años y también espectadores que superaban los 60 y 70. Algunos probablemente descubrieron a la banda con Songs About Jane a comienzos de los 2000; otros nacieron cuando "This Love" ya era un clásico. Pero cada nuevo estribillo borraba cualquier diferencia generacional."Tienen que cantar muy fuerte""Buenas noches. ¿Cómo están?", gritó Levine para saludar al público argentino. A continuación llegó "Stereo Hearts" y el cantante puso una condición: "Tienen que cantar muy fuerte". Y así lo hicieron.Mientras avanzaba por el escenario, Levine arengaba con constantes "Oh, sí" y jugaba con sus fans. "Animals" mantuvo el pulso arriba, con el público cantando el estribillo a todo pulmón, y "One More Night" sostuvo la sucesión de éxitos antes de que "Misery" regalara una de las primeras situaciones inesperadas.Maroon 5 hizo estallar el Movistar ArenaDesde el público voló una campera hacia el escenario. Levine la recogió, la miró y descubrió que parecía haber sido intervenida a mano especialmente para él. En lugar de dejarla a un costado, se la puso. "Gracias por mi nueva chaqueta", bromeó.Después buscó entre las primeras filas a quien se la había arrojado. "¿Esta es tu chaqueta? ¿Es para mí? ¿Estás segura?", preguntó antes de hacer una promesa: "Te la voy a devolver al final del concierto. Voy a tratar de no transpirar demasiado".El intercambio provocó risas y aplausos y la prenda siguió puesta mientras sonaban los primeros acordes de "Sunday Morning", uno de los temas más queridos de los primeros años del grupo. Fue también el momento elegido para presentar a quienes lo acompañaban sobre el escenario: Jesse Carmichael en guitarras y teclados; James Valentine en guitarra; Matt Flynn en batería; PJ Morton en teclados; y Sam Farrar en bajo y otros instrumentos. Del funk al momento más emotivo de la nocheEl recital cambió de textura con "Heavy", la canción de PJ Morton. Con un sonido más cercano al funk y los teclados en primer plano, el pasaje permitió correr por unos minutos el eje puramente pop del concierto.Después llegó una sorpresa. "En Argentina probablemente no tocamos esta canción desde hace 10 años. Así que estoy entusiasmado", adelantó Levine. "Muchos de ustedes conocen esta canción. Muchos quisieron escucharla durante muchos años. ¿Saben cuál es? ¿Quién puede adivinar? Les voy a dar una pista".En cuanto comenzaron a reconocerse las primeras melodías, buena parte de las plateas volvió a ponerse de pie, emocionada, y sonó "Won't Go Home With Out You", acompañada por los flashes de todo el estadio.Maroon 5 volvió a la Argentina con un show repleto de hitsLa atmósfera quedó preparada para "Memories", uno de los momentos más emotivos de la noche. Levine se tomó entonces unos minutos para hablar sobre el vínculo que el público había construido con la canción y sobre todo lo que podía representar para quienes habían atravesado una pérdida. "Esta es una canción muy triste dedicada a los que ya no están. Les agradecemos por haber hecho que esta canción sea todavía más especial de lo que ya era para nosotros. Significa muchísimo para muchísima gente, y eso nos encanta".Antes de empezar, cerró: "Es un momento hermoso para compartir. Así que muchas gracias a todos. Hagámoslo". También pidió que durante esos minutos cada persona pensara en alguien a quien hubiera perdido o extrañara y le cantara la canción. Mientras sonaba, en las pantallas aparecieron imágenes asociadas a recuerdos y las luces de los teléfonos cubrieron el estadio. Por unos minutos desaparecieron los saltos y el baile que habían dominado el comienzo.La emoción continuó con "She Will Be Loved" y la respuesta fue inmediata. Levine pidió nuevamente que el público cantara fuerte y llegó un punto en el que la banda prácticamente se retiró del primer plano: miles de personas tomaron el estribillo y lo continuaron a capela. Sin romper el clima con discursos ni pausas largas, el grupo enlazó directamente con "Maps". El empalme funcionó como una descarga y devolvió inmediatamente energía al concierto.Una sucesión de canciones conocidasEntre aplausos apareció "Love Somebody", otro de los temas más celebrados de la noche. Para entonces, el funcionamiento del recital estaba completamente establecido: Maroon 5 podía pasar de una etapa de su discografía a otra sin demasiado contexto porque el reconocimiento del público hacía el resto.Aunque en agosto de 2025 sacaron Love Is Like, su octavo disco de estudio, la noche porteña estuvo sostenida fundamentalmente por los hits que acumularon desde comienzos de los 2000."Don't Wanna Know" mantuvo la dinámica y "What Lovers Do" fue seguida por una transición instrumental que desembocó naturalmente en "Makes Me Wonder".La banda mostró además por qué el concierto podía sostenerse sin una puesta excesivamente cargada. Levine alternó la voz con distintas guitarras eléctricas, James Valentine tuvo varios momentos para lucirse con el instrumento y los solos funcionaron como pequeños puentes entre canciones. La precisión del grupo, la química entre sus integrantes y el diálogo permanente con el público hicieron buena parte del trabajo.La recta final comenzó desde la oscuridad, cuando apareció la voz de Cardi B en la introducción de "Girls Like You".Mientras sonaba, las pantallas mostraban a diferentes mujeres de Hollywood como: Jennifer Lopez, Millie Bobby Brown, Rita Ora y Ellen DeGeneres. La canción fue uno de los mayores éxitos de la banda y permaneció siete semanas en el número uno del Billboard Hot 100. Sin remera y con todo el estadio de pieUnos minutos más tarde, Levine caminó por el escenario y, antes de la siguiente canción, se sacó la remera. Su torso completamente tatuado quedó a la vista y la reacción fue inmediata: una catarata de gritos. Entonces empezaron los acordes de "Moves Like Jagger".Fue el gran golpe del tramo final. El campo comenzó a saltar, las plateas abandonaron las butacas y en pocos segundos prácticamente todo el Movistar Arena estaba de pie, bailando y cantando uno de los mayores éxitos de la banda.Después, los músicos desaparecieron. Durante unos instantes pareció que el recital había terminado. Las luces seguían apagadas y el escenario había quedado vacío. Hasta que en la oscuridad comenzó a sonar un teléfono.Era "Payphone", otra de las grandes favoritas. La falsa despedida abrió el bis y dejó preparado el camino para la última canción de la noche, "Sugar": movimiento permanente, gente saltando y un estadio entero entregado a una canción que prácticamente todos podían cantar.Ya sin demasiados momentos para bajar la intensidad, Levine y la banda encararon la despedida definitiva mientras el público acompañaba. En el escenario también apareció un guiño local: uno de los guitarristas salió con una camiseta de la Argentina.Los aplausos se extendieron mientras los músicos saludaban. Antes de irse, Levine dejó un último mensaje para el estadio: "¡Los amamos mucho!". La respuesta fue otra ovación.A las 22.40, una hora y cuarenta minutos después de haber comenzado, Maroon 5 terminó su regreso a Buenos Aires. Fueron 21 canciones y un recorrido de más de dos décadas. No hubo invitados ni grandes sorpresas. Su principal recurso estaba ahí desde el comienzo: un repertorio capaz de hacer que chicos, adolescentes y adultos cantaran las mismas canciones con la misma intensidad.

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Maldivas se convirtió en una ruta secreta para que Rusia burle las sanciones

MALÉ.- Detrás de la fama de Maldivas, conocido por la belleza natural y el lujo, hay una actividad menos visible que se ha estado consolidando en el último tiempo: el archipiélago se convirtió en una vía para que Rusia acceda a productos occidentales alcanzados por las sanciones impuestas tras la invasión de Ucrania, según una investigación publicada por The Wall Street Journal.El diario reconstruyó un circuito por el que cientos de millones de dólares en bienes restringidos pasan por el aeropuerto de Malé rumbo a Moscú. Entre ellos figuran piezas de aviones, componentes electrónicos y productos de doble uso, aptos tanto para aplicaciones civiles como militares.El mecanismo, según el Wall Street Journal, aprovecha los vuelos diarios de Aeroflot. Mercadería de Estados Unidos, Europa y China llega primero a Maldivas y, poco después, vuelve a despegar hacia Moscú en los aviones de la aerolínea rusa.La investigación identifica a firmas como Freight Care y Go Investment. Cuando la carga llega a Malé, la guía aérea contiene el nombre de la empresa que vendió los productos y del comprador declarado. Allí, sin embargo, se emite una nueva documentación para el trayecto hasta Moscú que ya no incluye al vendedor original. Como los bienes permanecen dentro del aeropuerto, tampoco son registrados formalmente como importaciones y atraviesan controles mínimos.Entre los productos figuran microchips utilizables en equipos civiles o sistemas de guiado de misiles, instrumentos ópticos para satélites y piezas aeroespaciales de alta resistencia, según el WSJ.Las cifras comerciales muestran una anomalía. Datos rusos recopilados por Import Genius y citados por el diario norteamericano señalan que las importaciones rusas declaradas desde Maldivas saltaron de menos de siete millones de dólares en 2021 a más de 630 millones en 2022. En 2024 alcanzaron unos 160 millones de dólares, pese a que Maldivas tiene una base industrial muy reducida.La ruta, sin embargo, no era completamente desconocida para Washington. En mayo de 2023, la Oficina de Industria y Seguridad (BIS) del Departamento de Comercio de Estados Unidos suspendió los privilegios de exportación de Intermodal Maldives, una empresa de logística del archipiélago, por su participación en el desvío de repuestos para aviones civiles hacia Rusia.El expediente oficial determinó que la firma había recibido unos 212 envíos desde Estados Unidos entre mayo y octubre de 2022, en su mayoría aparentes piezas aeronáuticas. El BIS también documentó casos en los que productos estadounidenses llegaron a Rusia a través de Intermodal Maldives sin que los papeles de exportación indicaran a ese país como destino final.Meses después, en diciembre de 2023, el Departamento del Tesoro estadounidense incluyó a Intermodal Maldives en su lista de sanciones. La cartera afirmó que la empresa había enviado repuestos de aviación, componentes de maquinaria y otros productos a compañías rusas, un antecedente que refuerza el cuadro descripto ahora por el Journal.El movimiento de carga continúa en expansión. Maldives Airports Company informó en julio que Velana International Airport procesó 7928 toneladas durante el primer semestre de 2026, un 15% más que un año antes. Medios locales como MMTV y One Online señalaron que Aeroflot concentró el 12% de la carga de transbordo saliente.El WSJ aclara que el volumen que pasa por Maldivas sigue siendo pequeño frente a canales como China, Turquía y Emiratos Árabes Unidos. Aun así, el caso expone hasta qué punto Moscú extendió su red para encontrar huecos en las sanciones.Hussain Waheed, director gerente de Freight Care, reconoció que su compañía gestiona mercadería en tránsito hacia Rusia, pero aseguró que nunca ayudó de forma consciente a transportar productos utilizables para fabricar armas. "No apoyamos ninguna guerra", dijo.Según funcionarios occidentales consultados por el WSJ, Estados Unidos y Europa aumentaron la presión sobre las autoridades maldivas para cerrar esta vía. La aduana local, indicaron, cuenta con personal limitado y la carga en tránsito rara vez pasa por inspecciones físicas. En un país muy dependiente del turismo y donde los rusos figuran entre los principales visitantes extranjeros, la trama suma una dimensión inesperada a la relación económica con Moscú.

Sean Ono Lennon se convirtió en padre: el nombre del bebé y la reacción de los famosos

Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon y Yoko Ono, se convirtió en padre por primera vez junto a su pareja, Charlotte Kemp Muhl. El músico y la modelo compartieron la llegada de su hijo a través de las redes sociales, donde recibieron una ola de felicitaciones de distintas figuras del espectáculo. "Bueno... Charlotte y yo queremos anunciar que ¡hemos creado un ser humano!", escribió el artista de 50 años en un posteo con el que presentó oficialmente a su bebé. "¡Se llama Aurelius! ¡Gracias!", expresó junto a una imagen en la que se puede ver a los flamantes padres con el recién nacido en brazos. La postal familiar provocó numerosas reacciones entre sus colegas y amigos, entre ellos varias estrellas de la música, el cine y la actuación. Patti Smith manifestó su alegría con las cariñosas palabras: "Oh, Sean, estoy tan feliz por ustedes dos", mientras que Willow Smith reaccionó con emojis de corazón. View this post on Instagram Entre los comentarios también destaca un mensaje de Lindsay Lohan, quien se dirigió a ambos con un afectuoso saludo: "Felicitaciones a esta hermosa pareja", apuntó, mientras que Paris Hilton también celebró la llegada del pequeño con un "felicitaciones por el bebé".Jim Jarmusch, reconocido director de cine y colaborador habitual de distintos músicos, expresó: "Hermoso", y Flea, bajista de la banda Red Hot Chili Peppers, escribió: "¡Guau! ¡Felicidades, magia magia! El amor es fantástico". Beck también se hizo presente para felicitar a los nuevos padres: "Increíble, muy feliz por ustedes", apuntó. Sean Lennon publicó, además, otras imágenes relacionadas con el nacimiento de Aurelius. En una de ellas se lo puede ver con su primogénito en brazos envuelto en una manta blanca, mientras que en otra aparece Kemp Muhl en la habitación del hospital después del parto, sosteniendo a la criatura. "¡Mamá del bebé!", sumó el músico junto a la postal. View this post on Instagram Por su parte, la mamá del recién nacido también mostró a través de las redes sociales distintas escenas de los primeros momentos de la familia ampliada. Entre las fotografías compartidas aparecen imágenes de la modelo con Aurelius mientras caminan por lo que parece un lago, una foto del pequeño durmiendo y otra de ella con el niño en brazos. "¡Hemos creado un ser humano! Estoy convencida de que el ADN es un código cuaternario alienígena", escribió divertida la modelo. "La falta de sueño solo aumenta el surrealismoâ?¦ Se agradecen consejos sobre técnicas para eructar, le estuve poniendo Aphex Twin y Stravinsky. El meconio es una locura", expresó la mamá. View this post on Instagram Lennon y Kemp Muhl están en pareja desde 2007, después de conocerse dos años antes en el festival Coachella. A lo largo de su vínculo compartieron distintos proyectos artísticos, entre ellos The ghost of a saber tooth tiger, una propuesta que combinó música, poesía y literatura. View this post on Instagram Sean siguió los pasos de su padre en el terreno musical y desarrolló una carrera como compositor, intérprete y productor. Publicó trabajos en solitario y proyectos con la banda Claypool Lennon Delirium. Además de su propia discografía, Sean participó como productor en trabajos de otros artistas, como Lana Del Rey.El hijo de la leyenda de los Beatles también asumió un rol en los proyectos musicales de su famosa madre. En 2010, se convirtió en director musical de la nueva formación de Plastic Ono Band y continuó desarrollando su trayectoria como solista, con los álbumes Into the Sun (1998) y Friendly Fire (2006). Sean también trabajó en bandas sonoras, participó en la creación de un libro infantil y emprendió una gira junto al actor y músico Vincent Gallo. Además, incursionó en el mundo de la moda con producciones fotográficas realizadas junto a la madre de su hijo.

137 llamados en tres episodios: cómo es la nueva serie de Netflix sobre el hombre que convirtió el crimen en espectáculo

Charles Manson no fue uno de los ejecutores materiales de los asesinatos que convirtieron su apellido en sinónimo del crimen. Pero distaba mucho de ser un simple ideólogo que permanecía al margen de la violencia. En julio de 1969 disparó contra el traficante Bernard "Lotsapoppa" Crowe y creyó haberlo matado (finalmente, Crowe sobrevivió) y poco después participó en el cautiverio de Gary Hinman, a quien hirió en la cara con una espada antes de que Bobby Beausoleil lo asesinara. Para entonces, Manson, exconvicto, músico frustrado y líder de la comunidad que sería conocida como la Familia Manson, había construido alrededor de sí un pequeño universo de obediencia, drogas, sexo y manipulación psicológica. Beausoleil, quien era músico y ocasionalmente actor, le contó a Truman Capote que había conocido a Manson en un local nocturno donde los dos estaban acompañados por un nutrido grupo de mujeres. Se pusieron a charlar y unos días después empezaron a juntarse para tocar. En ese momento el apellido Manson no tenía la dimensión que ganaría muy pronto. En la noche del 8 de agosto de 1969, cuatro de sus "seguidores" entraron en el 10050 de Cielo Drive, la casa que compartían Sharon Tate y el célebre cineasta Roman Polanski, entonces ausente, y asesinaron a Tate (embarazada de ocho meses y medio) y a sus amigos Jay Sebring, Abigail Folger, Wojciech Frykowski y Steven Parent.La noche siguiente fueron asesinados Leno y Rosemary LaBianca, un matrimonio de muy buen pasar económico que podía darse el lujo de vivir en el lujoso barrio de Los Feliz , uno de los más exclusivos de Los Ángeles. Manson no mató personalmente a ninguna de esas siete víctimas, pero dirigió a la tropa y participó en la preparación de los crímenes. Incluso entró en la casa de los LaBianca y los ató antes de retirarse y dejar la ejecución en manos de otros miembros de la Familia. Fue condenado en 1971 por asesinato y conspiración. Murió en prisión en 2017, a los 83 años.La repercusión de aquellos crímenes excedió rápidamente el expediente policial. Manson terminó personificando el reverso siniestro de la utopía hippie: drogas psicodélicas, comunas, sexo libre y rechazo de las convenciones podían ser reinterpretados, bajo esa nueva luz, como ingredientes de una pesadilla. La exquisita escritora Joan Didion formuló mejor que nadie aquella sensación en su ensayo The White Album, donde sostiene que muchos empezaron a pensar, a partir de aquellos hechos macabros, que los años sesenta habían terminado abruptamente en ese preciso momento. "La tensión se quebró aquel día. La paranoia se hizo realidad", escribió Didion. Lo cierto es que la contracultura californiana ya mostraba síntomas de descomposición antes de los asesinatos del clan Manson. En un notable artículo publicado en The Atlantic en el que analizó el legado de Manson tras su muerte en 2017, la crítica cultural británica Sophie Gilbert sostuvo que "el Summer of Love ya se había transformado en un clima de paranoia y degradación antes de la matanza". Los crímenes de agosto de 1969 no provocaron por sí solos ese derrumbe, pero sí dibujaron una imagen brutalmente eficaz para simbolizarlo: Sharon Tate, embarazada de ocho meses y medio, asesinada en su casa por jóvenes surgidos de la misma contracultura que pocos años antes había prometido paz, amor y liberación. El hombre que convirtió el crimen en espectáculoManson entendió muy bien algo que luego aprenderían muchos criminales: la cámara podía convertirlo en un personaje. Y ser un personaje popular era para él algo muy importante, evidentemente a cualquier costo. Durante el juicio, fue una fábrica de titulares polémicos, actuó deliberadamente frente a la prensa y hasta transformó su aspecto físico hasta convertirlo en una especie de ícono pop. Joe Berlinger, director de la nueva miniserie que acaba de estrenar Netflix Conversaciones con asesinos: Las cintas de Charles Manson, lo definió en una entrevista publicada por Rolling Stone como "el big bang del true crime", no sin argumentos. Esa mitología quedó fijada definitivamente en 1974 con Helter Skelter: The True Story of the Manson Murders, libro escrito por el fiscal Vincent Bugliosi junto con Curt Gentry. No fue un suceso editorial más: con más de siete millones de ejemplares vendidos se posicionó como el libro de true crime más exitoso de la historia.Bugliosi construyó allí la explicación que durante décadas dominó el caso: Manson esperaba una guerra racial apocalíptica provocada por la comunidad negra que él había identificado con el nombre de una canción de The Beatles, "Helter Skelter", y pretendía precipitarla mediante asesinatos que pudieran atribuirse a los afroamericanos. Pensaba que eso podría desviar la atención sobre él y su grupo después de los crímenes de Cielo Drive y Los Feliz, una teoría delirante que sin embargo funcionó más de lo esperable. Berlinger no niega cierta obsesión racial de Manson, pero cuestiona que esa teoría explique por sí sola la cadena de asesinatos. Su reconstrucción concede mayor importancia al asesinato previo de Gary Hinman y a los posteriores intentos de la Familia por crear crímenes similares que pudieran hacer creer a la policía que Beausoleil estaba encarcelado injustamente. El propio director sostiene que la historia real resulta menos grandiosa y bastante más absurda que la mitología posterior. Observada desde este presente tan convulsionado, esa capacidad de convertir una narración delirante en una realidad compartida por sus seguidores adquiere una resonancia inesperada. Manson operaba en un mundo anterior a Internet, pero algunos de sus mecanismos de manipulación resultan reconocibles en la era de las redes sociales: el aislamiento dentro de una comunidad, la repetición de una misma interpretación de los hechos, la identificación de enemigos, la explotación del miedo y la construcción de un líder que se presenta como poseedor de una verdad que el resto de la sociedad no puede o no quiere ver.Manson dirigía una pequeña secta criminal. Trasladar mecánicamente su historia a la política contemporánea puede sonar a simplificación, claro. Pero el crecimiento en las redes sociales de movimientos extremistas -sobre todo de sectores de la nueva derecha radical- ha vuelto especialmente actual una de las preguntas que plantea su historia: cómo personas aparentemente comunes pueden terminar aceptando explicaciones conspirativas y visiones cada vez más extremas cuando pertenecen a un grupo que las confirma permanentemente. En ese sentido, Manson usó muchos de los mecanismos de persuasión que hoy son moneda corriente en las campañas de trolls. Las 137 llamadas telefónicas desde prisión Es legítimo preguntarse qué puede agregarse a una historia sobre la que existen decenas de libros, películas, podcasts y documentales. La respuesta está en el título de este documental de Netflix. Durante los últimos nueve años de su vida, Manson realizó 137 llamadas telefónicas desde prisión al detective retirado Paul Dostie, conversaciones que no se habían difundido públicamente hasta ahora. Berlinger las utiliza como columna vertebral de tres episodios que suman aproximadamente 172 minutos y completan su saga Conversaciones con asesinos, en las que aparecieron famosos criminales como Ted Bundy, Jeffrey Dahmer, John Wayne Gacy y David Berkowitz.Las cintas no contienen una confesión definitiva ni una revelación capaz de reescribir el caso, pero permiten comprobar que muchos años después de los asesinatos del '69 Charles Manson seguía con su plan de interpretar un personaje: habla estableciendo asociaciones inesperadas, usando evasivas, incurriendo en contradicciones y amenazas veladas y lanzando curiosos aforismos. Su estrategia siempre fue confundir a quien tenía enfrente.La serie acierta especialmente cuando contrapone esa inquietante voz narrativa con las de quienes estuvieron sometidos a sus prescripciones. Aparecen antiguas integrantes de la Familia como Dianne Lake y Catherine Share, además de Stephanie Schram, última novia de Manson y la que suena más arrepentida. Bobby Beausoleil participa desde prisión. También intervienen el fiscal Stephen Kay, el biógrafo Jeff Guinn y Linda Deutsch, periodista que cubrió integralmente el juicio. Con ese abanico de testimonios la película se propone averiguar por qué Manson tenía tanto predicamento sobre sus acólitos sin forzar teorías extravagantes, aunque no dude en apelar a algunos recursos trillados como las recreaciones dramáticas (que distraen y aportan muy poco) y ciertas fórmulas narrativas habituales en los relatos del true crime.De Errol Morris a TarantinoNetflix ofrece en Argentina un complemento interesante para esta película de Berlinger: Caos: los crímenes de Manson (2025), otro documental, pero dirigido por Errol Morris, el mismo de La delgada línea azul y Rumores de guerra, premiada con un Oscar. Está basado en el exitoso libro CHAOS, de Tom O'Neill, que revisa las inconsistencias de la investigación y las conecta con el LSD, los experimentos de control mental de la CIA y el programa MKUltra. Morris trabaja precisamente sobre aquello que Berlinger prefiere evitar: las zonas oscuras, las contradicciones y las posibilidades conspirativas. Es más provocadora y menos prudente que Las cintas de Charles Manson.También en Netflix, Mindhunter, muy buena serie producida por David Fincher, cuenta con la aparición, en la segunda temporada, de un Manson ficticio interpretado por Damon Herriman en una escena que reconstruye la memorable entrevista con los agentes Holden Ford y Bill Tench. Herriman volvería a interpretar al personaje en Érase una vez en... Hollywood, donde Quentin Tarantino reescribe la historia a través de una fantasía alternativa en la que en lugar de asesinar a Tate el clan termina masacrado por Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y Cliff Booth (Brad Pitt), dos personajes que son representación cabal del Hollywood de los años 60, al que Manson asociaba con una industria del espectáculo que le había dado la espalda al no reconocer su supuesto talento musical.Por más de una razón, la figura de Charles Manson sigue generando controversia y provocando interpretaciones y resignificaciones. El propio artífice del mito estaría muy feliz si pudiera enterarse hoy de su inapelable persistencia.

De las barrancas a los palacetes: la historia de cómo Recoleta se convirtió en una de las zonas más elegantes

Su denominación alude a una vida apartada del mundo y sus vanidades, pero el destino, que suele desentenderse de etimologías y topónimos, tenía otros planes para el barrio de Recoleta. Nada hacía suponer a comienzos del siglo XX que aquellos terrenos altos frente al Río de la Plata se convertirían en uno de los escenarios más caros y visibles de la ciudad. Antes de los palacios y el metro cuadrado por la nubes- la medida de la prosperidad contemporánea- el barrio era un descampado pleno de zanjas, mataderos y basurales. Hizo falta una epidemia para que ese paisaje rural definiera, sin proponérselo, la futura geografía social de Buenos Aires.Barrancas con vista al ríoLa historia de Recoleta está atravesada por esa y otras tantas paradojas. Tras la segunda fundación de Buenos Aires, en 1580, Juan de Garay repartió las tierras situadas al norte de la incipiente urbanización, entonces asentada en Plaza de Mayo, San Telmo y alrededores. Entre los beneficiados estaba Rodrigo Ortiz de Zárate, a quien le correspondió una chacra conocida como "Los Ombúes", comprendida entre las actuales avenidas del Libertador y calles Ayacucho, Arenales y Azcuénaga. Las barrancas inhóspitas tenían una ventaja que por entonces nadie consideraba: la vista al río. El nombre definitivo llegó a comienzos del siglo XVIII cuando se instalaron los frailes recoletos de la Congregación Franciscana, una rama de la orden cuyo propósito eran la austeridad y la vida contemplativa. Con ayuda de la caridad levantaron su convento y la iglesia de Nuestra Señora del Pilar, inaugurada en 1732, y con el tiempo la gente comenzó a llamar la Recoleta a todo ese paraje. Era natural en esos tiempos, cuentan las crónicas, que en las afueras de la "ciudad" hubiera espacios religiosos donde ir a calmar los demonios espirituales, distancia ahora abreviada por las líneas de colectivos que en quince minutos conectan la zona. Hacia fines del siglo XVIII, las antiguas chacras comenzaron a subdividirse en quintas y terrenos de recreo. En las partes altas había casas de propietarios y comerciantes; más abajo en los arrabales convivían ranchos, pulperías y población humilde. El paisaje incluía su costado insalubre: el Matadero del Norte arrojaba restos de animales en el área de la actual Plaza Vicente López y Planes, tan coqueta hoy con el césped cortado y los bancos de diseño. En esa saga aparece una de las anécdotas más singulares acerca del valor de la tierra donde surgió el barrio. Ortiz de Zárate tuvo varios hijos y el mayor, Juan, heredó la chacra que luego malvendió al general Francés y Navarra a cambio de un traje de hombre "compuesto por calzón, ropilla con mangas, jubón y capa", un precio irrisorio tres siglos después. La ciudad cambia de dirección La gran epidemia de 1871 hizo estragos en la población y espontáneamente reconfiguró el mapa de la ciudad, pero ese desplazamiento de las familias acaudaladas que huyeron del cólera y la fiebre amarilla, dejando sus mansiones abandonadas en el sur, fue gradual, coinciden las crónicas. El proceso tuvo escalas: primero se consolidaron sectores al norte de la Plaza de Mayo y sobre Florida, donde quedan en pie una cantidad de residencias de imponente arquitectura, ejemplo es la de la familia Peña restaurada meses atrás y abierta al público. Luego avanzaron sobre Retiro y más tarde, hacia Recoleta, donde la inmensidad disponible ofrecía ventilación y terrenos en altura considerados una alternativa saludable frente a las condiciones que habían favorecido la catástrofe sanitaria en el sur. La transformación del área fue acelerada también por las primeras obras de infraestructura. La llegada del ferrocarril y las nuevas líneas de tranvías mejoraron la conexión de Recoleta con el centro, y a esto se sumaron los proyectos impulsados durante la intendencia de Torcuato de Alvear, como la apertura de calles y avenidas sobre antiguas propiedades de veraneo que generaron la postal parisina tan añorada por la ya consolidada aristocracia local. Los palacios y lo que todavía queda A fines del siglo XIX y comienzos del XX florecieron esas arquitecturas espectaculares que conforman el landscape de una época de vacas gordas y viajes transatlánticos. Alrededor de la Plaza San Martín y a lo largo de Avenida Alvear se multiplicaron palacios y hoteles particulares inspirados en el mandato aspiracional de la época: había que imitar a Europa. Muchos palacetes llegaron al siglo XXI convertidos en hoteles, embajadas y otros siguen algo venidos a menos pero en manos de herederos que los mantienen, aunque no viven en el país. Buena parte de ese patrimonio desapareció con la especulación inmobiliaria y los distintos proyectos del trazado urbano, recuérdese la cantidad de casas derribadas para abrir la Avenida 9 de Julio. Pero dos residencias ubicadas al 1600 de la avenida Alvear permiten todavía entender la escala original del barrio: la Nunciatura Apostólica y la Residencia Duhau, también la mansión Maguire, la última del siglo XIX que sigue habitada como vivienda familiar en la esquina de Alvear y Rodríguez Peña. Sus jardines fueron diseñados por el paisajista Carlos Thays. El conjunto de propiedades conserva parte de sus terrenos y jardines, una excepción entre los palacios vecinos cuyos lotes fueron en muchos casos subdivididos y ocupados por edificios de altura. La Residencia Duhau proyectada por León Dourge e inaugurada en la década de 1930, ocupa el lote donde antes se levantaba la casa de Teodoro de Bary. Su existencia deja ver algo que la ciudad vertical fue borrando: la relación entre la vivienda, el jardín y la extensión completa de la parcela. Otro vestigio es la Residencia Madero Unzué que hoy pertenece a la embajada británica, construida sobre terrenos de la antigua Quinta Hale, una extensa propiedad sobre las barrancas hoy conocidas como La Isla. Parte de esa quinta fue urbanizada por la municipalidad a comienzos del siglo XX; el remanente conservó su arboleda y quedó integrado a la casa. Queda, al cabo, la historia de una transformación urbana que nadie en el pasado habría podido prever, mucho menos el heredero que cambió una chacra por un conjunto de saco y pantalón. No sabemos cuánto costaba el traje; sí sabemos cuánto cuesta hoy el metro cuadrado en Recoleta. Fuentes: Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires: historia de los barrios de Recoleta y Retiro; Museo Roca - Instituto de Investigaciones Históricas; Comisión Nacional de Monumentos, de Lugares y de Bienes Históricos; Archivo Histórico de la Ciudad y publicaciones de la Legislatura porteña; La Nación, con la investigación histórica de Susy Harrington y Adolfo Brodaric basada, entre otras fuentes, en el trabajo de Maxine Hanon.

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Murió el sastre excéntrico y jovial, que se convirtió en meme al votar: "Qué los jóvenes elijan una profesión que los divierta"

Su estilo al recorrer las calles de Palermo, muy cerca de la plaza Las Heras donde vivió mientras ejercía su profesión, despertaba las miradas y sonrisas cómplices de los vecinos. Siempre impecable, con colores llamativos y diseños atrevidos, su ausencia se hizo evidente desde que se retiró y decidió vivir en Mar de Ajo por temas de cuidados, hasta la tarde del martes cuando falleció, a los 84. Fue sastre durante 73 años y en los últimos tenía la costumbre de vestirse con los colores de la bandera argentina para ir a votar. El excéntrico look era su marca registrada y en más de una oportunidad ese patriotismo se volvió viral en redes sociales.En las elecciones legislativas eligió para lucir un pantalón rayado albiceleste, saco de la misma tela (que una de las solapas tiene el escudo de Racing, su club), camisa blanca, chaleco, moño, una alargada capa (en la misma gama de colores), sombrero y el infaltable barbijo. El hombre de 80 años, alto, esbelto, con estilo jovial y fino bigote, nunca pasaba inadvertido.Cada vez que se acercaba a emitir su voto en la escuela ubicada en la calle Juncal (entre Bulnes y Coronel Díaz) era un clásico que la gente quisiera sacarse una foto con él. Jorge, estaba acostumbrado: siempre suele llamar la atención cuando sale de paseo por el barrio con sus llamativos atuendos. "Muchos se dan vuelta para mirarme porque tengo estilo propio. Todas mis creaciones son obras de arte únicas. Hoy tenía ganas de vestirme así", aseguraba este sastre modelista internacional con siete décadas en el oficio.A fines del 2021 Williams habló con el diario LA NACION y así contaba cómo era su vida.Mate con banana, huevo duro y nueces a las 6 de la mañanaWilliams suele levantarse temprano. A las seis de la mañana prepara su mate con banana, huevo duro y cinco nueces y luego se va caminando al Parque Las Heras. Allí medita y lee metafísica. También hace gimnasia. "Subo y bajo los escalones, unas cuantas veces, así no me duele la rodilla", cuenta. Otras tardes hace jueguitos con la pelota contra la pared. Tras sus rituales matutinos elige qué vestimenta va a acompañarlo ese día. "Siempre me pongo un traje diferente, el que se me da la gana", reconoce con picardía. Tiene más de 200. Todos son de creación propia y súper originales. Antes de las nueve de la mañana está firme en su local ubicado en la calle Jerónimo Salguero 2139, en el barrio de Palermo. Si cruza miradas con algún curioso lo saluda, sonríe y vuelve a concentrarse en su labor junto a la preciada máquina de coser Necchi. "Es mi novia, nunca me falló. Me la compré cuando salí del servicio militar. Tenía 21 años y estuvo conmigo siempre", cuenta y señala su herramienta de trabajo.Jorge nació un 6 de enero de 1942 en Trelew, Chubut. El joven tuvo una infancia feliz, pero jamás pudo olvidar las fuertes palabras de una maestra del primario. "Ella me dejó un trauma. Me dijo que era un burro y que tenía aserrín en la cabeza por ser zurdo. Yo era obediente. En ese momento me puse mal, porque nos habían enseñado que las maestras eran como una segunda mamá", rememora. El joven siguió adelante y logró superarse. A los once años su padre lo incentivó a entrar en el mundo de los hilos y las telas. "Habló con un amigo que tenía una sastrería y arranqué. Al principio hacía los mandados y limpieza. A los meses empecé a coser. No me costó nada, aprendí tomando mate y escuchando la radio. Tengo voluntad desde pequeño. Siempre me divertí", admite. A los 15 años ya hacía diseños propios y cuatro años más tarde se convirtió en maestro sastre. "Me daba maña con todo. De solo mirar a los clientes ya sabía su talla y qué modelo le quedaría mejor", afirma.Los 60 en la Patagonia y los 90 en Buenos AiresEn la década del 60 Williams abrió su propio local de confección de ropa y trajes a medida en la Patagonia. Allí su estilo y creaciones resultaron un éxito. Sin embargo, a los veintisiete años lo estafaron. "Presté la chequera, la firma y me fundieron", cuenta. Tuvo que volver a empezar. Fue a principios de los 90 cuando se instaló en Buenos Aires. "Arranqué en un salón que conseguí por recomendación en la zona del Botánico", detalla. En esa época conoció a la modista Sandra Paiz. "Yo vivía en el mismo lugar donde él fue a alquilar, teníamos muchas coincidencias, a los dos nos gustaba lo mismo. Empecé a hacer arreglos y al tiempo nos hicimos socios", rememora Paiz, mientras cose una blusa con lentejuelas para una clienta. Primero estaban en la calle Lafinur y desde el 2010 se mudaron a su ubicación actual.En el perchero del local Jorge tiene cientos de diseños: sacos de animal print, otro de retazos de siete trajes diferentes al que llama "Príncipe venido a menos", con tela hindú o Gobelino, blazers con estampados desde Maradona hasta Elvis Presley y variedad de diseños con motivos navideños. "No vendo ninguno de estos trajes, son únicos y me los hice para mí", admite. "Esta capa está hecha con 46 corbatas que me regalaron diferentes clientes", dice. Y cuenta que siempre le gustó coleccionar y guardar etiquetas de las prendas. Con ellas hizo una creación exclusiva de saco, pantalón y capa. "¿Sabés cuántas lleva la capa?", consulta. "Tiene 1614 diferentes, las conté", responde, orgulloso. "Lo más difícil fue conseguirlas, pero lo logré. Son pocos los hombres vestidos de etiqueta, yo voy vestido de etiqueta", agrega, entre risas. Al instante, se acerca al probador y se cambia el look. Sale con un saco violeta que diseñó a fines de la década del 70 en México. "Cuando veo una tela que me gusta la compro, después me viene un flash y hago la prenda. La inspiración me llega del cielo, es un regalo de Dios. Lo que más me gusta de este oficio es hacerme ropa para mí", confiesa y se acerca a contemplar sus creaciones. Ahora, desea diseñar un pantalón camuflado.Según él hay que ir bien vestido vayas a donde vayas. "Es importante la presencia. Cómo va a estar el gerente del banco con pulóver y sin traje, por favor. Para mí es una vergüenza. Antes la gente se vestía mejor con sombrero y moño. Cambiaron las épocas, pero para mal", opina y recuerda cuando por semana le encargaban varios trajes a medida. "Soy uno de los pocos sastres que va quedando de la vieja escuela", afirma mientras achica y arregla un saco de un cliente. De fondo suena la radio, su fiel compañera en las tardes de costura.Publicidades, cortos, películas y sus ACVHubo una época en la que Jorge participó en distintos castings y apareció en publicidades, cortos y películas. Desde marcas de cerveza, de un importante shopping (en el que posó vestido de maitre de hotel), fotografías en el Teatro Colón y hasta un personaje en la película "Sin hijos" con Diego Peretti y Maribel Verdú.En 2010 Williams sufrió su primer ACV. "Me quedó la mano izquierda dura. Poco a poco pude recuperar la movilidad. El 18 de febrero de 2021 tuvo el segundo. "Llegué al local en silla de ruedas, pensé que no iba poder volver a caminar. Gracias a Dios estoy bien", admite y plancha el saco. "Antes me resultaba más fácil porque esta mano la movía bien", ejemplifica.Se oye el timbre del local e ingresa Don Elías, un habitué. "Buenas tardes", dice el hombre. Jorge lo saluda y se acerca para entregarle las prendas (saco y pantalones) que le arregló. "Tenemos tradición con los clientes. Vienen muchos que nos acompañan desde hace años. Gente mayor con sus hijos o nietos. Ahí nos damos cuenta del paso del tiempo. El que viene siempre termina como amigo, eso es lo lindo de la sastrería", afirma Sandra."Me gusta cuando la gente me dice que soy excéntrico porque me están alabando. No me molesta que me digan que me visto como un payaso, porque es un tipo especial, divertido y hace reir a la gente. Debo admitir que soy presumido. Yo me amo", confiesa, entre risas. Uno de sus grandes sueños es vestir a Messi. "Le haría un traje loco con los colores de nuestro país. También me encantaría diseñarle una capa albiceleste a toda la que la Selección Argentina. Sería un orgullo", confiesa."Un buen sastre primero tiene que amar lo que hace. Siempre le digo a los más jóvenes que elijan una profesión que les divierta. "¿Es bonito no?", dice sobre el saco que lleva puesto. "A mi me gustan todas mis prendas", concluye y se sienta frente a su tesoro: la máquina de coser.

Tiene 71 años y convirtió su camioneta en una casa para recorrer Latinoamérica: "Tengo una cama de 1.90, calentador, wifi y lo necesario para la ruta"

Vive en Córdoba, pero viajó por todo el país con un vehículo adaptado por él mismo. También hizo la Carretera Austral de Chile y seguirá viaje.

Cuándo se inventó el código postal y cómo se convirtió en un sistema global

El método moderno apareció en territorio ucraniano dentro de la Unión Soviética, se extendió a otras naciones y luego pasó a usarse también en logística, registros y comercio electrónico

Fue ícono de la argentinidad y hasta se convirtió en meme: murió Jorge Williams, el excéntrico sastre viral que quería vestir a Messi

El creador, que se volvió conocido por asistir a los comicios con trajes inspirados en la bandera nacional, se había mudado a la Costa Atlántica para recibir cuidados de un familiar

La lluvia que traicionó a El Chapo: cómo el drenaje de Los Mochis se convirtió en su trampa

La tercera y última captura de Joaquín Guzmán Loera no ocurrió en un enfrentamiento directo. Fue la lluvia, un auto robado y dos agentes incorruptibles lo que puso fin a seis meses de fuga tras su escape del penal del Altiplano

RDEsc: Martín Urruty convirtió un accidente en una obra sobre el cuerpo y la caída

El dramaturgo contó en Ronda de Escritores (RDEsc) cómo un accidente sufrido en 2023 dio origen a un proceso de escritura, dibujo y escultura que terminó convertido en una obra teatral. Leer más

En 1933, Estados Unidos completó una vía fluvial de 549 kilómetros a través de Illinois para transportar carga entre los Grandes Lagos y el río Misisipi; décadas después, se convirtió en una ruta para la carpa invasora

Una obra de ingeniería transformó el transporte de mercancías en el centro de Estados Unidos, pero provocó que una especie invasora empezara a expandirse sin control.

Ivanka Trump volvió a Costa Rica: el destino que convirtió en uno de sus refugios favoritos para surfear y vacacionar

La hija del presidente de Estados Unidos fue fotografiada nuevamente sobre una tabla de surf durante una escapada familiar. Desde 2022, sus viajes al país se han vuelto recurrentes y han incluido estadías en Santa Teresa, Playa Hermosa y Nosara.

Los científicos advierten que las altas temperaturas ponen en riesgo a la colorida mariposa tropical que se convirtió en emoji

La mariposa Morpho se caracteriza por su intenso color azul.Paso a paso, cómo fue el estudio y por qué el aumento del calor atentaría contra su vida.

El emprendimiento de Tandil que convirtió un brownie en un negocio

La convivencia marcada por la pandemia en 2020 y la convicción de buscar una salida creativa ante el aislamiento: ese fue el motor que empujó a Emmanuel Zamora y a Gabriela López a salir de la rutina para dar un salto de escala e incursionar con marca propia en el competitivo mundo alfajorero.Zamora y López eran pareja y comenzaron a convivir durante la pandemia en Tandil. Ella, repostera, ya elaboraba desde su casa budines, panes dulces y productos para fechas especiales. Él, ingeniero en sistemas, trabajaba como desarrollador de software y la ayudaba en la administración y la organización del negocio.Durante el aislamiento, preparaban desayunos y distintas propuestas para fechas especiales. El brownie empezó a ganar protagonismo y decidieron probar distintas combinaciones: dulce de leche, galletitas, frutos secos y otros rellenos. De esa búsqueda surgió la idea de darle una nueva forma al producto, con una identidad propia: Alfabrownie.Hoy, la marca ya produce 15.000 unidades mensuales, sumó un nuevo espacio para la producción e incorporó un socio especializado en ingeniería industrial. Este año, además, participó por primera vez en el Mundial del Alfajor â??realizado en La Rural de Buenos Airesâ?? y se alzó con la medalla de bronce a la mejor textura en el Campeonato Provincial del Alfajor en Lanús.En diálogo con LA NACION, Zamora analiza las cinco decisiones estratégicas que le permitieron a esta marca tandilense crecer en el mercado.1. Validación temprana y flexibilidad regulatoriaCuando la pandemia obligó a Emmanuel a hacer teletrabajo y frenó las ventas particulares de repostería de Gabriela, ambos unieron fuerzas bajo una marca de delivery hogareño llamada "Feliziano". Rápidamente, lograron la formalización e institucionalización en un contexto de altísima informalidad. La pareja aprovechó el programa municipal "Plan Codo" de Tandil, que habilitaba "cocinas domiciliarias" con inspecciones de Bromatología para fijar estándares mínimos de elaboración. Esto les permitió registrarse formalmente en la plataforma PedidosYa de manera legal y segura desde el día uno.En ese marco, al reversionar el brownie clásico añadiendo ingredientes como dulce de leche o galletitas, nació el alfajor de brownie y la demanda lo validó. Tras las insistencias de familiares sobre la identidad única del producto, decidieron darle su propio vuelo comercial.2. El testeo y la venta inesperadaLa verdadera prueba para Alfabrownie ocurrió en la feria de Semana Santa de Tandil de 2021. Sin experiencia previa en eventos masivos, elaboraron 500 unidades estimando que serían suficientes para los cuatro días. Y para ellos, el resultado fue inesperado: al segundo día habían vendido todas las unidades."Gabi se quedó en la casa elaborando alfajores el resto de los días. Ella elaboraba y cuando había stock yo iba a la feria, los ponía y al rato se vendían. Terminamos vendiendo tres veces lo que calculamos. Habíamos comprado cajas y mandamos a hacer calcos. Metíamos los alfajores uno por uno en bolsitas y las sellábamos. Había realmente mucho trabajo manual detrás de cada alfajor", explicó Zamora.3. Estrategia B2B de cercaníaCon el producto validado, el desafío era la distribución. Zamora aplicó una lección de su infancia, cuando vendía especias puerta a puerta y descubrió que era mucho más eficiente vender en cantidad a comercios que ir casa por casa. La estrategia comercial de Alfabrownie se basó en el B2B de cercanía: recorrían almacenes, kioscos y locales de productos regionales entregando muestras gratis. "Nuestra principal estrategia siempre fue llevarle un producto. Le dábamos uno y le decíamos: 'Probalo y cualquier cosa te comunicás'. Cuando lo probaban, veían la calidad que había atrás del producto", señaló.Para sostener los márgenes frente a competidores industriales sin bajar la calidad, ellos mismos viajaban en su auto a Mar del Plata para comprar insumos directamente y en volumen al proveedor mayorista. Decidieron "jugar" con su propia rentabilidad antes que cambiar la receta original o aceptar materias primas de menor costo.4. Incorporar el "saber hacer" que faltaA medida que el volumen crecía, el emprendimiento se topó con el cuello de botella del espacio físico. "La fábrica absorbió la casa; pasamos de tener la fábrica en casa a vivir adentro de la fábrica. Ahí fue cuando nos mudamos, en un principio con las mismas herramientas que teníamos", recordó.En ese marco, sumaron un socio de perfil técnico: Claudio. "Nos conocimos en una feria en Tandil. Él buscaba incorporarse a algo que pudiera sentir propio. Estuvo entre dos opciones: sacar su propia línea de alfajores o sumarse a un proyecto que ya venía evolucionando. Claudio es ingeniero industrial y trabajaba en la puesta en marcha de plantas, justo lo que necesitábamos. Trajo mucho conocimiento de lo que era ya el siguiente escalón: nos ayudó a dar ese paso de emprendimiento a una pyme", indicó.5. Madurez societariaOtro pilar de Alfabrownie fue la capacidad de profesionalizar la sociedad, más allá de la vida personal. Durante el proceso de expansión, la relación de pareja entre Gabriela y Emmanuel llegó a su fin. Pero, en lugar de arrastrar el negocio al cierre, ambos siguieron adelante."Pudimos ver que lo nuestro quizás no iba más, pero que acá había algo que sí tenía un futuro. Nuestra relación pudo evolucionar a algo más profesional y hoy somos socios", señaló.

El Hospital 12 de Octubre privatiza las ecografías y pagará unas 1.000 al mes tras gastarse 320 millones en una remodelación que lo convirtió en "un prodigio de la tecnología"

Del hospital dependen 475.000 vecinos. El objetivo es priorizar las ecografías de los hospitalizados y como no hay medios suficientes externalizar las que se ordenan desde los 19 centros de salud adscritos. Sanidad quiere pagar un máximo de 22 euros por prueba

Construyó un castillo con chatarra, botellas y motocicletas viejas y 20 años después se convirtió en un complejo de 2.000 m2 con una torre reloj de 22,5 metros de altura

Michael Rubel comenzó en 1968 el proyecto en una antigua finca de cítricos de California.Sin planos y con ayuda de voluntarios levantó un complejo del que todos hablan.

¿Quién fue Santa Rosa de Lima y por qué se convirtió en la primera santa de América?

Cada 30 de agosto, miles de personas peregrinan al Santuario de Santa Rosa para participar en misas, procesiones y rituales que mantienen viva su devoción

El auto clásico que se convirtió en el más caro de la historia en su categoría

El Shelby Cobra Daytona Coupe de 1964 con chasis CSX2300, uno de los seis ejemplares originales creados para derrotar al Ferrari 250 GTO, se vendió por US$42.905.000 y se convirtió en el auto estadounidense más caro adjudicado en una subasta pública.La operación se realizó el viernes 14 de agosto durante las subastas de Gooding Christie's en Pebble Beach, California. La puja terminó con un precio de martillo de US$39 millones y, al sumar la comisión correspondiente al comprador, el valor final ascendió a casi US$43 millones.Una automotriz china lanzó un sedán que busca competir con el Toyota CorollaEl resultado superó ampliamente la estimación previa, que había sido establecida en más de US$25 millones. También dejó atrás el récord que pertenecía a un Duesenberg SSJ de 1935, vendido por la misma casa de subastas en 2018 por US$22 millones.El CSX2300 estableció además un nuevo máximo para Shelby. Hasta ahora, el vehículo más caro de la marca vendido públicamente era el Cobra CSX2000, primer ejemplar construido del modelo, que había alcanzado los US$13,75 millones en 2016.La identidad del nuevo propietario no fue informada. Quien haya realizado la oferta ganadora se llevó una pieza que concentra buena parte de la historia deportiva de Shelby American, ya que participó en la campaña que le permitió a la compañía conquistar el Campeonato Mundial de Constructores de la FIA para autos GT en 1965, fue el único de los seis Daytona Coupe que siguió compitiendo después del cierre del programa oficial y, una década más tarde, se transformó en el único que perteneció personalmente a Carroll Shelby.El auto que nació para derrotar al 250 GTOLa historia del Daytona Coupe surgió de una limitación. El Cobra original combinaba el chasis liviano del británico AC Ace con un potente motor Ford V8 y había demostrado ser competitivo en los circuitos estadounidenses. Sin embargo, su carrocería abierta generaba demasiada resistencia aerodinámica en las largas rectas europeas.Allí dominaba el Ferrari 250 GTO, principal referencia de las carreras de gran turismo a comienzos de la década de 1960. Shelby necesitaba conservar la potencia y sencillez mecánica del Cobra, pero dentro de una carrocería capaz de alcanzar mayor velocidad.Peter Brock encontró la respuesta en un diseño cerrado, con techo bajo y una característica cola truncada. El primer prototipo fue construido en California, mientras que los otros cinco ejemplares recibieron carrocerías de aluminio fabricadas por Carrozzeria Grandsport, en Módena. El auto creado para desafiar a Ferrari terminó de tomar forma en Módena, dentro de la misma provincia italiana donde la marca de Maranello tenía su sede.El CSX2300 fue el tercero de los seis Cobra Daytona Coupe completados. Debutó en el Tour de France Automobile de 1964 con Bob Bondurant y Jochen Neerpasch. Ganó las primeras dos etapas y llegó a liderar frente a las Ferrari, pero una serie de inconvenientes mecánicos, culminada por la rotura del cigüeñal, provocó su abandono.Su temporada decisiva llegó en 1965. En Daytona fue el Cobra mejor clasificado y terminó tercero en su categoría pese a sufrir problemas de embrague. En Sebring recibió un golpe poco después de la largada, regresó a la pista luego de ser reparado y volvió a terminar tercero en su clase.La campaña continuó en Nürburgring y concluyó en las 12 Horas de Reims. Allí, una biela rota obligó a los mecánicos a improvisar una reparación y el CSX2300 completó la competencia funcionando con siete cilindros. Pese al desperfecto, terminó segundo en su categoría y aportó puntos para asegurar el título mundial de Shelby American.Ese campeonato cumplió el objetivo que había dado origen al proyecto, donde un pequeño fabricante estadounidense consiguió terminar con el dominio de Ferrari en la categoría. También marcó el final de la participación oficial de los Daytona Coupe, porque los cambios reglamentarios y el avance del programa Ford GT40 desplazaron el interés hacia otros vehículos.De las pistas japonesas al garaje de ShelbyEl CSX2300 fue vendido en 1966 y trasladado a Japón, donde continuó compitiendo hasta 1968. Logró victorias en Suzuka y Fuji y se convirtió en el único de los seis Daytona Coupe que prolongó su campaña deportiva después del cierre del equipo oficial.Más adelante recibió un motor Ford V8 convencional y fue registrado para circular por las calles de Tokio. En 1975 fue adquirido por el propio Carroll Shelby, quien lo conservó durante 23 años. Durante ese período encargó una restauración para devolverlo a su configuración de competición de 1965, con un motor Ford 289 V8 y una caja manual T10.El vehículo volvió a cambiar de manos en 1998 y posteriormente atravesó otro proceso de restauración orientado a preservar su autenticidad. Aún conserva rastros de su trayectoria, entre ellos marcas asociadas con el golpe sufrido en Sebring e identificaciones correspondientes a sus años en Japón.

Así vivió Emma Coronel la captura de "El Chapo" Guzmán que Netflix convirtió en película

Netflix reconstruye en La Captura el día que El Chapo Guzmán fue detenido por última vez en Los Mochis, vista desde los ojos de los policías que lo interceptaron

Arthur Fils ganó el Masters 1000 de Cincinnati y se convirtió en el francés más joven en lograrlo

Con 22 años, el tenista derrotó a Frances Tiafoe por 6-3, 1-6 y 6-0 en la final y le devolvió al tenis galo un título de esta categoría después de 12 años.

El polémico penal para Barracas Central contra Platense que convirtió el hijo de Chiqui Tapia en el Torneo Clausura 2026

El Guapo se puso en ventaja gracias a una infracción por una sujeción milimétrica desde fuera del área.El árbitro Mastrángelo revisó la jugada a instancias del VAR y derivó en el tanto de Iván Tapia.Mirá el video.

Convirtió su pequeño auto Smart en una pizzería móvil en Nueva York y factura unos US$ 12.000 por mes: "No se necesita el espacio perfecto para empezar"

Bradley Alvelo (38) dejó décadas de trabajo en cocinas para lanzar su emprendimiento.Su objetivo es probar el producto antes de asumir el costo de un local en la ciudad.

"Álvaro" se convirtió en el toro más caro de la Argentina: la cifra récord que pagaron por la mitad de un Angus campeón

El reproductor de la Cabaña Santa Rosa fue adquirido por un consorcio de criadores y cabañeros de La Pampa. Los total abonado corresponde solo al 50% del animal

Guatemala comenzó a vender gasolina E10 con etanol y se convirtió en el tercer mercado de Centroamérica en adoptar esta mezcla de combustible

La llegada de seis buques de etanol respalda el arranque del programa de mezcla en los puertos. El sexto cargamento estaba en descarga en Puerto Santo Tomás de Castilla, en Izabal, a cargo de Chevron Guatemala Inc., mientras las autoridades afirman que el inventario acumulado garantiza el suministro desde la fecha fijada

Clima de Negocios: la mora se convirtió en el primer tema de la campaña, mientras bancos y fintech se "matan" por el efecto arrastre

El Banco Central informó que el incumplimiento bancario en junio se mantuvo en 12,8%, mientras Javier Milei lo atribuyó a un "ataque de la política" y descartó un problema cuantitativo

La abogada que convirtió su propia transformación en un método que siguen miles de mujeres

Carolina Winograd no cree en las cremas que prometen borrar el tiempo, ni en las rutinas de estilo de vida que se viralizan idénticas para todos. Desconfía de lo despersonalizado, de la fórmula genérica. Y en plena era del scrolling, confiesa que no está pendiente de los algoritmos ni de la estética de las redes sociales. Ella prefiere hablar de ritmos circadianos, de epigenética, de un cuerpo que hay que escuchar y acompañar antes que corregir. Será por eso que asegura sentirse más plena ahora, a los 48 años, que a los 20: "¡Mucho más!", remarca. Ahora también cantante de tango y speaker, Winograd recopiló en un libro (Vivir sin fecha de vencimiento, Editorial Planeta) un itinerario de sus propios aprendizajes, "para tener a mano en la mesita de luz" y que funcionen de guía para atravesar el camino de regreso a uno mismo. Pensado sobre todo para las mujeres -cuyo cuerpo varía según ciclos hormonales que atraviesa a lo largo de la vida-, cruza ciencia dura con trabajo emocional, técnicas de respiración, masajes y ejercicios para pensar el envejecimiento como proceso de maduración y no como condena. De niña fue histriónica, ocurrente y desenvuelta. Cantaba, bailaba, pintaba todo lo que se le cruzaba, ganaba premios en el colegio, escribía poesía, prosa, diarios. En algún momento de la vida adulta dejó eso de lado para enfocarse en una carrera que prometía un "futuro asegurado". Fue abogada en el ámbito corporativo durante once años, entre litigios y contratos, llegó a dar clases como titular de cátedra en la Facultad de Derecho en la Universidad Torcuato Di Tella y a ejercer la profesión con mucha pasión, entrega y resultados. Sin embargo, un impulso la llevó a anotarse en un concurso de canto de tango, que ella ubica como su modo de regresar a sí misma. "Fue una manera de permitirme volver a ser, de grande, la nena que había sido. En el escenario me sentí viva", recuerda. Y comenzó a, en sus propias palabras, "tirar de ese hilo; a ver qué había del otro lado". Un año antes de sentarse a escribir, ya lo tenía en la cabeza. Fue Mary Sánchez, su mentora, quien la empujó a animarse. Una noche, en la misma mesa desde donde hoy cuenta esta historia, se lo prometió a sí misma: "Mañana empiezo". Esa noche no durmió. "Fue como una catarata de ideas que me venían apareciendo, escenas que me marcaron, estaba como subrayando mentalmente mi vida", recuerda. Envió el manuscrito de unos pocos capítulos a una sola editorial, la que luego lo publicó. El libro salió hace casi un año, y este verano subió al escenario de TEDx Plaza Francia Women con una charla, "El tiempo de decidir", sobre los arrepentimientos que nacen de las decisiones que nunca se toman, que ya suma 1500 visualizaciones en apenas tres meses. Y sigue sorprendida cuando mujeres de todas las edades, y del mundo, le escriben: madres que se lo compran a sus hijas, hermanas que se lo regalan entre ellas, personas con experiencias similares que conectaron con algún tramo que las conectó con otra forma de ver y nuevas oportunidades. Por supuesto, su propio camino no sería ni fácil ni inmediato. "Cuando comencé con el tango, quería volcarme a lo bohemio, era casi opuesto a lo que hacía, y mucho más cuando me dediqué al bienestar integral", cuenta. Durante un tiempo sostuvo las dos vidas, en una transición que terminó volviéndose insostenible. Dejar el estudio fue un momento liberador. Y, a la vez, el instante en el que se liberaron tensiones de un burnout contenido: aparecieron con más fuerza todas las patologías que ya tenía, dolores que la hacían dormir sentada, entre otras. El cuerpo "pasó factura". Por eso remarca tanto que fue un proceso y que nada ocurrió de un día para el otro. Bastantes años después, ya embarazada de su hija Paloma y a un mes de cumplir 36, tuvo un último episodio que la marcó, una isquemia transitoria. Aunque no dejó secuelas visibles, fue más de lo que había soportado. "El aprendizaje es mirarse hacia adentro. No se trata de sumar más herramientas, técnicas o terapias, sino de vaciar lo que ya no sirve, hasta encontrarse con una misma, al desnudo". Esa brújula interna la llevó a estudiar, y a formarse con la seriedad académica a la que estaba habituada, pero en otras áreas: yoga facial, medicina tradicional china, trabajo miofascial y de suelo pélvico -este último con Piti Pinsach, referente español del método-, con certificaciones que fue a buscar afuera, sin quedarse con la versión liviana de nada. "Cuando algo me funciona, me pongo a estudiarlo a fondo", cuenta. Winograd elige la técnica más atinada, la profundiza y la integra a las demás; busca su sinergia y perfecciona sus aplicaciones. Así, todos esos conocimientos se fusionaron de una manera tan natural que cuando abrió la cuenta Kaliope Glow en Instagram -un espacio que armó, como lugar inicial y previo al libro- el crecimiento fue inmediato. Pronto superó los 600 mil seguidores. Del yoga facial online nació un programa de ocho semanas, pensado también para el cuerpo entero, que se multiplicó en ediciones, hasta que llegó el libro y más recientemente una línea entera de productos: Oh The Sea, la marca de cosmética natural que lanzó como el siguiente paso de la misma búsqueda. Su relato cruza papers de universidades con las enseñanzas de la pionera Louise Hay, la comunicación de Oprah Winfrey o las lecciones de Un curso de milagros, y Winograd no pide disculpas por esa convivencia. Se trata de todos los elementos que la ayudaron a conectar. Eso sí, años después, el tango también la llevó a conocer a un gran amor y hoy convive con un científico -su marido, bioquímico- así que todo pasa antes por contrastes científicos en los que él colabora. La idea, siempre es escapar de la fórmula cerrada, y en cambio, que en sus palabras "cada una encuentre su traje a medida". View this post on Instagram Este año planea escribir un segundo libro. Entre tanto, Oh The Sea responde a la misma lógica que todo lo anterior: nada de prometer una juventud eterna e inalcanzable, sino honrar un ritual de bienestar. Es una colección pensada para simplificar, en vez de acumular productos: el Dúo Glorioso -Hydra Boost, una esencia facial que prepara e hidrata, y Glorious Elixir, un sérum antioxidante que nutre y refuerza la barrera cutánea-, diseñado para usarse en dos pasos. A eso se suma el Glorious Lip Balm para tratar la fina piel de los labios, y una línea de barra sólida para lavado de cabello y cuerpo, a base de plantas y sin crueldad animal, sin siliconas ni fragancias sintéticas. "Tengo una piel muy sensible y siempre me costó encontrar productos que realmente me hicieran bien. Quise crear una línea con ingredientes de calidad, efectiva y amable con la piel". El segundo libro, mientras tanto, espera con tres capítulos escritos. Hablará de vínculos, de niñez, de neurociencia y del corazón; no solo del músculo, sino también de las emociones, relevando de manera simple las últimas investigaciones en el área de bienestar aplicado. Lejos del marketing y con el sello de lo auténtico, es claro el motivo por el cual Winograd no habla de reinvención. Prefiere pensar en cada etapa vivida como una herramienta que todavía se usa. "Me permito equivocarme, creo que incluso en lo que hago hoy aplico a mi abogada, la traigo y la vuelco en todo lo que hago, invito a todos a pensar en integrar o en todo caso, evolucionar, ver que lo que no elegimos también nos formó, nos hizo ser quienes somos", garantiza. "No importa en qué etapa estés si lo pensás así". Winograd no se siente perseguida por un reloj ajeno, y eso la ayuda a vivir más libre. "Hoy en día eso tiene un poder enorme. Ser uno mismo siendo distinto, y aprovechando esas diferencias, lo que te hace único o única, tiene un valor clave en una época en la que todo es copia, todo está estandarizado". Por eso el libro, para ella, no es para la biblioteca, sino uno "para la mesa de luz", porque es bueno tenerlo a mano, asegura, como una soga rápida para que el lector se pueda reencontrar.

El Gobierno reorganizó el Renar y lo convirtió en un organismo desconcentrado de Seguridad

El decreto 770/2026 establece una nueva estructura y amplía las atribuciones del Registro Nacional de Armas para registrar, autorizar, controlar y fiscalizar actividades vinculadas con armas, municiones y explosivos.

El ciclo Cine y Libros cierra con "El amante", la novela erótica que convirtió una pasión prohibida en un clásico

Publicada en 1984 y llevada al cine por Jean-Jacques Annaud, la obra más célebre de Marguerite Duras transformó un episodio de su adolescencia en uno de los relatos fundamentales de la literatura francesa del siglo XX.El film se proyectará como corolario del ciclo Cine y Libros, organizado por Revista Ñ, el miércoles 26 de agosto, a las 19, en CineArte Cacodelphia.

Cómo Suecia se convirtió en un país de libertarios partidarios de un gran Estado

Un test de Rorschach con albóndigas de acompañamiento

Adolescente de 15 años se convirtió en sicario al matar a hombre tras perseguirlo en moto en Iztapalapa, en CDMX

Este crimen su suma a la creciente ola de asesinatos entre y de menores de edad, algunos inmiscuidos en bandas criminales como La Unión Tepito y la Anti Unión

En un pueblo de 150 habitantes, el restaurante de campo que se convirtió en un clásico y solo recibe con reserva

En los alrededores de Villa Elisa, en Entre Ríos, hay un Camino de los Colonos en honor a los inmigrantes que llegaron de los Alpes. Es una ruta que atraviesa el campo entre cardenales en busca de semillas y tranqueras que ostentan, con orgullo, sus escudos de familia. Pasamos por lo de Treboux, Sautier, Bagneaux y Bonnin hasta llegar a lo de Pralong, dueños de Almacén Don Leandro, en Colonia Hocker, a unos 20 minutos del centro de la localidad. Con 150 habitantes permanentes, Hocker tiene cinco cuadras por cinco. El almacén es, en realidad, un restaurante donde se come muy bien. Carina Pralong, "pradera larga, en suizo", recibe a los comensales como hasta hace un par de años lo hacían sus padres, Leandro Pralong y Graciela Cutei. El lugar ganó fama por los asados que hacía don Leandro y ahora revalida el éxito con platos de impronta alpina, como la raclette y la bourguignon. Al frente de la cocina está Federico Blanc, su pareja."Mi abuela paterna venía del valle de Maurienne. En la familia muchos tenemos rulos mota porque los moros estuvieron en esta zona durante años", comenta. Suena totalmente embebida en la cultura de esos saboyanos, valesanos y piamonteses que arribaron a nuestro país a mediados del siglo XIX. "Mi abuelo, Juan Pedro Pralong, llegó de niño con la inmigración que trajo Urquiza en 1857 y, de joven, vino a probar suerte a Hocker. Era hijo de esos primeros alpinos que llegaron a San José, a unos kilómetros de acá, se hicieron mayores de edad y se independizaron. Algunos también fueron a Villa Elisa, que creció más por la llegada del tren. Crecieron sin mirar atrás y no nos transmitieron el idioma ni recetas alpinas", comenta Carina en el salón principal de Almacén Don Leandro. Aunque acota que, de chiquita, su abuelo cada tanto le hablaba en patuá, un dialecto de los Alpes que suena más rústico que el francés. Su papá abrió este almacén hace 60 años, que siempre fue de comestibles y bar de copas; no de ramos generales. En la década de 1990, cuando muchos se habían ido del pueblo, estuvo a punto de cerrar. De hecho, en 1998 Hocker salió en un Atlas de Argentina como uno de los pueblitos en peligro de extinción. "Fue entonces que empezamos el rescate cultural", asegura. Carina cuenta que creció en la colonia, pero estudió en Villa Elisa y, gracias a los festejos por el centenario de la ciudad, fundada en 1890, aprendió francés para recibir a aquellos 300 "primos" que vinieron desde los Alpes para conocer a sus parientes emigrados. "Fue todo un fenómeno. Tejimos nuevos lazos", cuenta. E, inquieta, fue por más. Cuando tenía 20 años viajó a los Alpes, se instaló un tiempo, se convirtió en profesora de francés y vislumbró en el turismo rural una oportunidad para convertir el negocio de sus padres en un restaurante que desde entonces no deja de recibir comensales. Datos útilesAlmacén Don Leandro. Platos suculentos de impronta francesa, suiza e italiana. Sábados, domingos y feriados, al mediodía. Calle Los Cardenales, Colonia Hocker. T: (3447) 56-7248. IG: @almacendonleandroHotel Quinto Elemento. Desde 2012, funciona dentro del complejo Termas Villa Elisa, a pasos de las piletas. Son 80 habitaciones con acceso al spa y muy buen restaurante. Desde $260.000 la doble con desayuno. RN 130 Km 20, Villa Elisa. T: (3447) 50-3188. IG: @hqe_hotelquintoelementoOficina de Turismo de Villa Elisa. Asesoran en relación a las termas y actividades en la zona. Lunes a viernes de 8 a 20; sábados de 9 a 20; y domingos de 9 a 13 y de 15 a 19. Av. Urquiza 1798, Villa Elisa. T: (3447) 48-1717. IG: @turismovillaelisa

Cumplió 100 años Ricardo Bello Mato, el sacerdote gallego que a los 91 se convirtió en novelista

Ya publicó cuatro libros, pero el último fue su primera novela, "Así es el amor", agotada a poco de llegar a librerías. Acaba de soplar las 100 velitas en plenitud de sus facultades. Le preguntaron qué es el cielo y dio una sencilla y conmovedora respuesta

Un ingeniero estadounidense y un profesor alemán se plantearon una pregunta diferente: ¿por qué construir represas gigantes cuando miles de canales ya transportan agua a diario? La respuesta se convirtió en un sistema modular que acelera el flujo, alimenta turbinas verticales y genera energía limpia cerca de los puntos de consumo

Emily Morris y Thorsten Stoesser desarrollaron un sistema que aprovecha canales de riego y otras infraestructuras hidráulicas existentes para producir electricidad.La tecnología utiliza turbinas verticales y módulos que pueden instalarse de manera gradual, sin necesidad de construir grandes represas o embalses.

Florida reemplazará un puente de casi un siglo que se convirtió en un cuello de botella para trenes y embarcaciones

Stuart recibirá USD 78,9 millones del Gobierno federal para modernizar una estructura clave sobre el río St. Lucie, aliviando el tráfico de ferrocarriles y barcos en la región

Quién es Nathalie Harp, la "impresora humana" que se convirtió en la mano derecha de Donald Trump

En "Ronda de corresponsales", Norman Powell, periodista desde Estados Unidos, habló sobre Nathalie Harp y por qué su vínculo con Donald Trump comenzó a ocupar las primeras planas. Leer más

Niu Lai: la película china que convirtió las burlas en un éxito de taquilla

El filme asiaticó que comenzó como una producción prácticamente desconocida, pero las burlas y los videos compartidos en redes sociales la transformaron en un inesperado éxito en taquilla. Leer más

A 220 años de las Invasiones Inglesas: el día que Liniers desembarcó en el pueblo que se convirtió en Tigre

En el Museo de la Reconquista hicieron un acto para recordar el episodio ocurrido en agosto de 1806, cuando el militar llegó desde Montevideo al entonces llamado pueblo de Las Conchas. Desde allí inició la marcha para recuperar Buenos Aires de manos de los británicos.

Compraron un pantano de 18 hectáreas para evitar un desarrollo inmobiliario y 15 años después se convirtió en un ecosistema de vida silvestre con 275 cigüeñas y otras especies

Jim Stevenson y Tara Tanaka adquirieron 18 hectáreas de humedales en Florida, Estados Unidos. Cómo logró transformarse en refugio de cientos de aves y otras especies silvestres.

Video: el espectacular gol de mitad de cancha en la Liga Marplatense que se convirtió en el más rápido de la historia del fútbol argentino

Aitxuri Isasmendi, delantero de Cañón, necesitó apenas tres segundos para convertir ante Nación y registró el gol más precoz en la historia del fútbol argentino.Su tanto desplazó al de Carlos Danton Seppaquercia, quien en 1979 convirtió para Gimnasia y Esgrima La Plata frente a Huracán cuando apenas habían transcurrido cinco segundos.

"Maté a 17 delincuentes": la historia del jubilado que se convirtió en el "justiciero" de Villa Madero

Un comerciante afirmó haber participado en múltiples episodios armados desde 1992 y sostuvo que siempre actuó en defensa propia. Sus declaraciones reavivan el debate sobre la violencia urbana.

Un joven llegó a Estados Unidos a los 15 años sin hablar inglés, comenzó limpiando habitaciones de hospital, pasillos y baños para ayudar a su familia, se convirtió en el primer estudiante universitario de su hogar. Regresó a la misma institución a los 29 años, graduándose en Enfermería por la Universidad de Nueva York (NYU) tras completar un curso acelerado en tan solo 15 meses

Es dominicano y siempre trabajó y estudió para salir adelante.Sus compañeros y profesores destacaron su trato amable con los pacientes.

Está en casi todas las cocinas del mundo: el magnate que convirtió una quiebra en una fortuna de u$s10.000 millones

Compró una empresa en crisis durante la Gran Depresión, creó un gigante alimenticio y después potenció su riqueza con negocios y obras de arte.

Por qué el primer modelo de PlayStation se convirtió en un objeto de culto para audiófilos

La versión SCPH-1001 destacó entre los entusiastas del sonido por contar con conectores de audio dedicados, una característica poco común en consolas de la década de 1990

En 1954, Montana convirtió un pueblo abandonado de la fiebre del oro en un parque estatal: hoy en día, Bannack tiene más de 50 edificios que los visitantes pueden explorar

Bannack nació en 1862 después de un importante descubrimiento de oro y llegó a convertirse en la primera capital del territorio de Montana.Cuando la actividad minera desapareció, el pueblo quedó prácticamente abandonado, pero sus construcciones fueron preservadas y hoy forman uno de los pueblos fantasma mejor conservados del oeste de Estados Unidos.

Murió uno de los heridos en la emboscada con una ametralladora y el ataque a vecinos se convirtió en un doble crimen

Murió hoy en el hospital uno de los dos heridos por la emboscada contra vecinos en el barrio San Luis, en Florencio Varela, y de esa manera el ataque con una ametralladora realizado en la noche del pasado jueves se convirtió en un doble crimen. En el lugar del hecho, Ariel Macchi había fallecido al ser acribillado por los disparos efectuados desde un vehículo en movimiento. Un amigo de las dos víctimas mortales sigue internado en grave estado. Todo fue en un ataque para intimidar a vecinos en el conurbano.En la noche del jueves pasado, Machi, de 28 años y Franco Herrera, de 23, se convirtieron en esas víctimas inocentes de la estrategia de miedo aplicada por los integrantes de una banda narcocriminal.Ni Machi ni Herrera tienen vínculos con el narcomenudeo. Minutos después de las 22.20 estaban junto a otro amigo, en la puerta de la casa de uno de ellos. Esperaban que les trajeran unas herramientas para un trabajo de albañilería que debían realizar al día siguiente.A las 22.23 pasó el mismo Volkswagen Suran gris señalado por los vecinos como el vehículo usado por la banda de los Paisa. Iban cuatro integrantes de ese grupo. Uno de ellos abrió fuego contra los tres amigos con una ametralladora FMK 3. Fueron varias ráfagas. Tanto el paso del vehículo como el estruendo de los disparos quedaron registrados por la cámara de seguridad de un vecino,Herrera fue herido de tres balazos, mientras que su amigo fue alcanzado por cinco proyectiles. El padre de Herrera que estaba dentro de la vivienda trasladó en su automóvil a ambos jóvenes. Mientras que Machi fue llevado en otro vehículo al mismo nosocomio de Florencio Varela. Macchi, falleció en el acto. Había sido herido de cuatro balazos. Mientras que Herrera falleció hoy. El otro amigo está internado en estado delicado en la sala de terapia intensiva.Ninguno de los tres heridos tiene lazos con la venta de drogas. Según los vecinos, les dispararon para instalar el miedo entre los otros habitantes del barrio. El Volkswagen Suran gris desde el que dispararon varias ráfagas de ametralladora contra los tres amigos que estaban en la puerta de la vivienda situada en la calle 1325 entre 1344 y 1348, en el barrio San Luis, de Florencio Varela, es conocido por la mayoría de los vecinos.Saben los habitantes de esa zona que ese vehículo es utilizado por integrantes de la banda de los Paisa, un grupo de narcotraficantes que, a fuerza de sangre y balas, se apoderó del territorio para vender droga.Y los Paisa no aceptan competidores. Cuando algún vendedor de una banda rival se atreve a vender droga en la zona no van a matarlo. Eligen a los vecinos inocentes como blancos de sus ataques y les disparan. El objetivo de esa estrategia, según los vecinos con los que conversó este cronista, apunta a que los propios habitantes del barrio expulsen a los vendedores rivales ante la posibilidad de que los Paisa maten a otro inocente.Debido al temor de una posible represalia los vecinos no quieren hablar o si aportan su testimonio es con la seguridad que sus identidades se mantendrán en reserva. Según los habitantes del barrio, entre los ocupantes de la Volkswagen Suran estaría Nelson, uno de los integrantes más sanguinarios de la banda de los Paisa.Nelson fue señalado por los vecinos como el jefe del grupo narco que el 16 de junio pasado asesinó al sargento de la policía bonaerense Facundo Giménez.El homicidio de Giménez durante un operativo en un búnker de venta de drogas, situado en la esquina de Ginebra y La Haya. El uniformado irrumpió con colegas de las comisarías 6ta. y 1ra, de Florencio Varela. Había sido convocado a participar del operativo debido a que se desempeñaba en el servicio externo de la seccional 5ta. Cuando los efectivos ingresaron en el inmueble, los narcos abrieron fuego y uno de los balazos hirió en la cabeza al sargento Giménez.Al verlo herido, los compañeros de Giménez lo trasladaron a un hospital de Florencio Varela, donde llegó sin vida.Al mismo tiempo que los policías llevaron a su compañero herido al hospital, otros uniformados detuvieron a los narcos que balearon al sargento y que estaban en el búnker de venta de drogas.Se trata de tres sospechosos, de 26, 28 y 15 años, que quedaron detenidos a disposición del fiscal de turno de Florencio Varela. Según los vecinos del barrio San Luis, Nelson y otros tres integrantes de la banda de los Paisa aprovecharon la conmoción provocada por el enfrentamiento entre narcos y policías para huir. En la noche del pasado jueves, Nelson habría sido visto en el automóvil desde el que dispararon contra los tres inocentes.El ataque contra los tres amigos en el barrio San Luis, ocurrió en la misma zona, donde, hace casi tres años, el 29 de septiembre de 2023, fue asesinado Ever Alarcón, otra víctima inocente de esta guerra narco. Debido a que había efectivos de la policía bonaerense involucrados, la investigación del homicidio quedó a cargo de los peritos de la Sección Criminalística y Estudios Forenses Sur de la Gendarmería. Al revisar la escena del crimen, los técnicos hallaron 53 vainas y proyectiles. Tanta fue la cantidad de balazos que le dispararon contra Alarcón que su cara fue destrozada. El cuerpo fue hallado en posición decúbito dorsal derecho rodeado por decenas de vainas servidas. A partir de las declaraciones de los testigos, la fiscalía abonó la sospecha que un grupo de policías asesinó a Ever, de 20 años, que trabajaba como pintor de obra, al confundirlo con supuesto soldadito narco, rival de la banda de traficantes de droga que instaló sus puestos de venta de estupefacientes a lo largo de la calle 1335, en los pasillos que chocan contra el mencionado paredón.Esa banda de traficantes sería la misma que manejaba el puesto de venta de drogas que allanó el grupo de policías que integraba el sargento Giménez. La sospecha es que dichos narcos tendrían protección de un sector de la policía que mató a Alarcón por cuenta y orden de los traficantes que alertaron sobre la presencia de un grupo de vendedores de una banda rival. Pero los efectivos dispararon una andanada de balazos contra la víctima equivocada.También estaba en jurisdicción de la seccional 1° de Florencio Varela, la casa en la que fueron asesinadas Brenda del Castillo, Lara Gutiérrez y Morena Verdi, las tres jóvenes que fueron secuestradas el 20 de septiembre pasado en La Tablada, luego trasladadas a la casa situada en el cruce de Chañar y Río Jáchal, donde las asesinaron.Las tres jóvenes fueron víctimas de una venganza perpetrada por una banda de narcos peruanos que opera en Florencio Varela y La Matanza. Este grupo delictivo comparte el territorio para acopiar y vender droga con la banda de los Paisa, integrada, en su mayoría, por narcos paraguayos.

La tormenta Lala se convirtió en huracán y avanza hacia Hawái con vientos de hasta 120 kilómetros por hora

El ciclón activa alertas en varias islas del archipiélago, con pronósticos de lluvias intensas, oleaje peligroso, inundaciones y posibles deslizamientos de tierra

Ricardo Arjona despertó cientos de gritos y convirtió su regreso a Costa Rica en una noche de cercanía con sus seguidores

Los asistentes iluminaron el recinto con sus celulares y cantaron al unísono el pedido final, tras una noche marcada por el aguacero, una escenografía móvil y varios temas a solicitud en el Estadio Nacional.

La foto acertijo: ¿quién es esta joven actriz que convirtió la elegancia y la frialdad inglesa en un arte?

Nació en una familia sin antecedentes artísticos, abandonó la escuela a los 16 años para estudiar actuación y construyó una carrera de más de seis décadas, con dos Oscar y siete premios BAFTA

Lo deportaron, adoptó una identidad falsa y se convirtió en ciudadano americano: el Uscis busca su desnaturalización

Un hombre nacido en India enfrenta ahora un proceso de desnaturalización que podría hacerle perder la ciudadanía estadounidense que obtuvo después de haber utilizado otra identidad y ocultado sus antecedentes migratorios. Años antes, una autoridad migratoria había ordenado su deportación, pero el gobierno sostiene que nunca abandonó el país norteamericano y que posteriormente consiguió avanzar en el sistema con un nombre, una fecha de nacimiento y otros datos diferentes.Harinder Singh: la demanda de desnaturalización por una supuesta identidad falsa en EE.UU.El gobierno de Estados Unidos presentó una demanda civil contra Harinder Singh, también identificado como Harinder Singh Sanghera y Rushpal Singh, residente de Olathe, Kansas, para revocar la ciudadanía que obtuvo mediante un proceso que las autoridades consideran ilegal. De qué tratan la entrevista y el examen de naturalización para EE.UU.El caso fue presentado el 7 de agosto de 2026 ante el Tribunal de Distrito de Kansas y apunta a dejar sin efecto su naturalización y cancelar el certificado que acredita su condición de ciudadano americano.Según el comunicado de la Fiscalía Federal del Distrito de Kansas, Singh habría ocultado deliberadamente información relevante de su historial migratorio y utilizado una identidad diferente para acceder a beneficios que finalmente le permitieron convertirse en ciudadano estadounidense. La acusación sostiene que las modificaciones no se limitaron a su nombre, sino que incluyeron otros elementos fundamentales de sus antecedentes migratorios.El caso también contó con el apoyo del Servicio de Ciudadanía e Inmigración (Uscis, por sus siglas en inglés) que aportó elementos considerados relevantes para la investigación que desembocó en la acción de desnaturalización. El organismo señaló en un comunicado que colaboró en la investigación sobre la forma en que Singh obtuvo su ciudadanía.De acuerdo con el comunicado del Distrito de Kansas, la legislación migratoria estadounidense permite revocar la ciudadanía de una persona naturalizada cuando esta fue obtenida de manera ilegal o cuando el procedimiento estuvo basado en la ocultación de un hecho material o en una declaración falsa realizada deliberadamente.Harinder Singh y la orden de deportación que recibió en EE.UU. en 1995La historia se remonta a 1991, cuando el entonces Servicio de Inmigración y Naturalización, conocido como INS, tomó contacto por primera vez con Singh en el aeropuerto JFK de Nueva York. En aquella oportunidad, el hombre se presentó ante las autoridades bajo el nombre de Rushpal Singh.Ese dato adquiere una importancia central en el proceso actual porque, según el gobierno, esa identidad y los antecedentes asociados a ella fueron posteriormente omitidos cuando Singh volvió a solicitar beneficios migratorios utilizando otro nombre.En agosto de 1995, un juez de inmigración ordenó su deportación. La decisión fue posteriormente confirmada por la Junta de Apelaciones de Inmigración. Sin embargo, las autoridades estadounidenses no tienen registros que demuestren que Singh haya abandonado el país norteamericano en cumplimiento de aquella orden.Cómo Harinder Singh obtuvo la residencia permanente tras usar otra identidad, según EE.UU.En junio de 1996, menos de un año después de la orden de deportación, Singh presentó ante el INS una solicitud para obtener un beneficio migratorio bajo el nombre Harinder Singh. Según la acusación del Gobierno, no solo modificó su identidad nominal, sino también distintos datos de su historia personal y migratoria.Entre los elementos que habría cambiado se encuentran:El nombre, al pasar de Rushpal Singh a Harinder SinghLa fecha de nacimientoLa fecha en la que había ingresado a Estados UnidosLa base fáctica de su solicitud migratoriaLos antecedentes migratorios previos bajo una identidad diferenteEl INS aprobó aquella solicitud. Posteriormente, en octubre de 2000, la agencia aprobó su solicitud para ajustar su estatus y convertirse en residente permanente legal bajo la identidad de Harinder Singh.Cómo llegó Harinder Singh a la ciudadanía estadounidense en 2008 y por qué buscan revocarlaEl proceso no terminó con la obtención de la residencia permanente. Ocho años después de la aprobación de su ajuste de estatus, Singh se naturalizó como ciudadano estadounidense bajo la identidad y el historial migratorio correspondientes a Harinder Singh.Ceremonia de naturalización para obtener la ciudadanía americanaSegún la demanda presentada por el gobierno, durante ese procedimiento no informó a las autoridades sobre su historial migratorio anterior bajo otro nombre. La acusación del gobierno se concentra precisamente en esa supuesta ocultación. No se trata únicamente de que Singh hubiera utilizado un nombre distinto en el pasado, sino de que, según la demanda, habría construido posteriormente un historial migratorio bajo otra identidad y habría llegado a la naturalización sin revelar los antecedentes que podían afectar su elegibilidad.Por esa razón, las autoridades buscan que un tribunal revoque la admisión de Singh como ciudadano americano y deje sin efecto el certificado de naturalización que recibió.

De exóticos a pioneros: la historia de Koko, la marca que convirtió los baos en un boom

Nació en 2017, cuando los baos todavía eran una rareza en Buenos Aires, y hoy cuenta con cinco locales, un centro de producción propio y una comunidad que sigue creciendo. Esta vez, Koko Bao Bar amplía su propuesta con Bao café/bar, una sección que suma panadería de inspiración asiática, chocolate caliente y café.

Canta ópera en el tren, pero una soprano desconocida lo convirtió en viral: la historia del dúo que paralizó las redes

Pablo Lallana hacía lo de siempre cuando Gloria Mabel Mariucci se sumó sin avisar a su interpretación de La Traviata y el video del encuentro espontáneo acumuló miles de reacciones en pocas horas

Messi, Paredes y la Selección: las imágenes del Mundial que Sofía Wiñazki convirtió en acuarelas

La artista Sofía Wiñazki convirtió en acuarelas más de 60 imágenes de Messi y la Selección durante el Mundial. Ahora, 34 de esas obras integran una muestra en Buenos Aires. La exposición inaugura este viernes en Barrakesh, con entrada libre y gratuita.

La historia del asesino serial que mataba pedófilos y se convirtió en caníbal para salvarse de la pena de muerte

Alexander Maslich planeó junto a otro preso comerse a un compañero de celda para ser trasladado a una clínica psiquiátrica. Los detalles de la escena del horror dentro de la celda

Madre a los 62 años: una mujer de San Nicolás se convirtió en el embarazo récord del país

"Fue un embarazo maravilloso" contó Mabel, visiblemente emocionada por el suceso "del que todavía me cuesta tomar conciencia". El bebé, que se llama David, está muy bien y pesó 2,7 kilos. Leer más

Un aeropuerto de Incheon desplazó a los grandes hubs y se convirtió en el más transitado del mundo

SEÚL.- El aeropuerto internacional de Incheon, principal puerta de entrada a Corea del Sur, se convirtió por primera vez en el aeropuerto con mayor tráfico internacional de pasajeros del mundo, en medio de una transformación de las rutas aéreas globales que tuvo entre sus causas a la guerra entre Estados Unidos e Irán y las dificultades que atraviesan los grandes centros de conexión de Medio Oriente.Incheon recibió 38,39 millones de pasajeros internacionales durante el primer semestre de 2026, según datos preliminares del Airports Council International (ACI), la organización mundial que representa a los aeropuertos. El aeropuerto londinense de Heathrow quedó segundo, con 37,79 millones, mientras que Changi, en Singapur, ocupó el tercer puesto con 34,53 millones, informaron The Guardian y la BBC.El ascenso representa un hito para Incheon, inaugurado en 2001 a unos 48 kilómetros al oeste de Seúl, la capital del país. Nunca antes había encabezado este ranking. Según The Guardian, ocupaba el décimo puesto en 2002, alcanzó el quinto en 2018 y llegó al tercero en 2024 y 2025.Detrás del cambio aparece el impacto de la guerra entre Estados Unidos e Irán sobre la aviación en Medio Oriente. La Corporación del Aeropuerto Internacional de Incheon atribuyó parte del crecimiento a las disrupciones que debilitaron el papel de centros regionales como Dubái y desviaron pasajeros hacia rutas alternativas a través de Asia oriental.La magnitud de ese movimiento aparece con mayor claridad en los datos citados por la BBC. La cantidad de pasajeros en conexión por Incheon aumentó un 18% frente al mismo período del año pasado, después de que algunos viajeros que antes utilizaban Dubái como escala en sus viajes hacia Europa cambiaran sus itinerarios. Entre quienes tenían como destino final Europa, el crecimiento fue todavía mayor: el número de pasajeros en tránsito aumentó 63,2%, hasta alcanzar los 210.000.El conflicto amenaza además con alterar las posiciones de otros hubs. Dubái, segundo aeropuerto del mundo en 2024 y 2025 según las estadísticas anuales citadas por la BBC, podría quedar ahora fuera de los primeros cinco puestos. Y Heathrow, por su parte, registró 40 millones de pasajeros totales durante el primer semestre, su mejor marca histórica para ese período, pero su tráfico hacia Medio Oriente cayó 16,5%, de acuerdo con The Guardian.El crecimiento de Incheon, sin embargo, no se explica únicamente por la guerra. Su tráfico internacional aumentó 6,3% interanual y Corea del Sur recibió más visitantes extranjeros, especialmente procedentes de China y Japón. Los extranjeros representaron 39,3% de los pasajeros durante el primer semestre, frente al 35,2% de todo 2025, y alcanzaron un récord del 44,4% durante el segundo trimestre.El aeropuerto también estaba preparado para absorber ese incremento. Una expansión en cuatro etapas, completada a fines de 2024, elevó su capacidad hasta 106 millones de pasajeros anuales. Incheon presta servicio a 101 aerolíneas con vuelos hacia 183 ciudades y cuenta con 158 destinos internacionales de pasajeros. La BBC comparó esa red con los 139 destinos internacionales de Hong Kong, los 92 de Shanghai Pudong y los 86 de Tokyo Narita."Estamos agradecidos por el apoyo del gobierno, el aliento del público y el duro trabajo de todos los que trabajan en el aeropuerto", afirmó Kim Beom-ho, presidente interino de la Corporación del Aeropuerto Internacional de Incheon. El ejecutivo aseguró que Incheon buscará ahora reforzar su competitividad con foco en la comodidad de los pasajeros.El liderazgo corona además el particular peso de la aviación surcoreana. El país ya cuenta con la ruta aérea más transitada del planeta: el corredor doméstico entre Gimpo, en Seúl, y la isla de Jeju tuvo 14,4 millones de asientos programados durante 2025, más que cualquier otra ruta del mundo, según datos de OAG citados por The Guardian.

El salto a la libertad, la imagen que se convirtió en símbolo de la Guerra Fría y marcó para siempre a su protagonista

Peter Leibing llevaba varias horas esperando. Mantenía su cámara enfocaba una maraña de alambre de púas que separaba Berlín Oriental de Berlín Occidental.Del otro lado, un joven guardia caminaba nervioso. Fumaba un cigarrillo detrás de otro y miraba de reojo hacia Berlín Occidental. Algunos curiosos lo habían visto acercarse varias veces al alambre y probar su resistencia con la bota. Empezaban a sospechar que quería escapar.Leibing entonces tenía 20 años y había viajado desde Hamburgo para cubrir el cierre de la frontera. No sabía cómo terminaría la escena ni cuánto tendría que esperar. Su cámara, contaría después, no tenía motor y no permitía disparar en ráfaga, es decir que solo tenía una oportunidad para capturar el momento. Por eso la dejó enfocada sobre el lugar por el que imaginaba que pasaría el guardia y mantuvo el dedo sobre el obturador.Eran las 15.40 del 15 de agosto de 1961. Dos días antes, las autoridades de Alemania Oriental habían comenzado a bloquear las calles que comunicaban ambos sectores de Berlín. Todavía no existía el muro de hormigón que durante 28 años dividiría la ciudad. En la esquina de Bernauer Strasse y Ruppiner Strasse la frontera era apenas un rollo de alambre custodiado por jóvenes policías armados. Uno de ellos era Hans Conrad Schumann. Tenía 19 años.De pronto, el policía tiró el cigarrillo, se alejó de sus compañeros y echó a correr. Al llegar a la barrera, saltó el alambre y soltó el subfusil que llevaba al hombro. En ese mismo instante, Leibing apretó el disparador. La fotografía se convertiría en una de las imágenes más representativas de la Guerra Fría.Dos días antes del saltoPara entender por qué Schumann custodiaba una barrera improvisada en medio de Berlín hay que retroceder dos días. En la madrugada del domingo 13 de agosto de 1961, policías y soldados de Alemania Oriental comenzaron a cerrar los accesos al sector occidental. Levantaron adoquines, cortaron calles, interrumpieron transportes y tendieron kilómetros de alambre de púas. Al despertar, los berlineses encontraron la ciudad partida en dos. El régimen llamó a la barrera "Muro de Protección Antifascista" y aseguró que serviría para frenar el ingreso de espías y agentes occidentales. En los hechos, buscaba impedir que sus propios ciudadanos escaparan hacia el Oeste. Desde la creación de la República Democrática Alemana (RDA), en 1949, alrededor de 2,8 millones de personas habían huido hacia Alemania Occidental. Una parte importante eran jóvenes y trabajadores calificados. Para el gobierno comunista, esa pérdida de población se había vuelto insostenible. La división de Berlín había empezado en 1945, después de la derrota de la Alemania nazi. Las potencias vencedoras se repartieron el país y también la ciudad en cuatro sectores. Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia controlaron Berlín Occidental. La Unión Soviética quedó a cargo de Berlín Oriental, que desde 1949 pasó a ser la capital de Alemania Oriental. Así, Berlín Occidental quedó rodeada por territorio comunista y se convirtió en una vía de escape hacia Occidente.La operación del 13 de agosto se preparó en secreto. Apenas dos meses antes, Walter Ulbricht, el líder de Alemania Oriental, había afirmado que nadie tenía intención de construir un muro. Sin embargo, en cuestión de horas, calles y barrios quedaron atravesados por barreras. Familias y amigos que hasta el día anterior cruzaban de un lado a otro descubrieron que ya no podían hacerlo.En esos primeros días, la frontera era todavía una sucesión precaria de postes, rollos de alambre y guardias armados. El muro de hormigón llegó después. Mientras la barrera siguiera siendo de alambre, todavía quedaban puntos por donde intentar una fuga. Algunos escaparon por las ventanas de sus casas; otros atravesaron las calles corriendo. También hubo hombres enviados a vigilar la frontera que empezaron a preguntarse de qué lado querían quedarse. Schumann fue uno de ellos.El joven del otro ladoConrad Schumann nació el 28 de marzo de 1942 en Zschochau, un pequeño pueblo rural de Sajonia. Era hijo de un pastor de ovejas y aprendió el mismo oficio. A los 18 años, en busca de un trabajo mejor, se incorporó voluntariamente a la policía militarizada de Alemania Oriental. Después de unos meses de entrenamiento, fue enviado a Berlín. Cuando recibió la orden de custodiar la nueva frontera, llevaba menos de seis meses en la fuerza.El día de la fuga, cuando alcanzó el lado occidental, Schumann corrió hacia un patrullero que lo esperaba con las puertas abiertas y fue trasladado a una comisaría del barrio de Wedding. Allí pidió un sándwich de paté de hígado y declaró que no había planeado escapar, que la decisión había surgido durante la guardia. Explicó que llevaba varios días trabajando casi sin descanso, que había dormido y comido muy poco. Y que mientras vigilaba la frontera, advirtió que muchas de las cosas que les habían dicho sobre Berlín Occidental no coincidían con lo que veía. Con el paso de las horas, empezó a desconfiar de la versión oficial y la idea de huir fue tomando fuerza.Según el libro Wall: The Inside Story of Divided Berlin, de Peter Wyden, durante la guardia Schumann vio a una joven pasarle un ramo de flores a su madre por encima de la barrera improvisada. La mujer lo señaló y dijo: "Esos de ahí ya no me dejan pasar".Años después, Leibing contó que Schumann le había confesado que no quería encontrarse en una situación en la que lo obligaran a disparar contra otras personas. Esas escenas, sumadas a las dudas que ya tenía sobre lo que le habían contado acerca de Berlín Occidental, terminaron de empujarlo a escapar."Había mucha gente alrededor, y eso fue bueno porque distrajeron a mis compañeros. Tenía los nervios al límite. Sentía mucho miedo. Eché a correr, salté y entré en el vehículo. En tres o cuatro segundos, todo había terminado", recordó Schumann en una declaración reproducida por The Independent en 1998.Después de la fuga, Schumann se instaló en Baviera. Allí consiguió trabajo en una fábrica, se casó y tuvo un hijo. Pero había dejado del otro lado a la mayoría de sus afectos: sus padres, sus amigos y el pueblo en el que había crecido. Además vivió con miedo. Temía que agentes de Alemania Oriental intentaran secuestrarlo o que su familia sufriera represalias. Desde su pueblo natal le llegaban cartas en las que le pedían que regresara. Mucho tiempo después supo que algunas habían sido escritas bajo la presión de la Stasi, la policía secreta de la RDA.Mientras él intentaba empezar de nuevo, la fotografía de su salto comenzaba a recorrer el mundo.Una sola oportunidadLa experiencia de Peter Leibing fotografiando concursos de salto ecuestre terminó siendo decisiva. Allí había aprendido a anticipar el movimiento y a disparar antes de que el caballo quedara suspendido sobre el obstáculo."Había aprendido a fotografiar a un caballo en pleno salto para que apareciera justo encima del obstáculo. Eso me resultó muy útil. Schumann saltó y apreté el obturador en el momento preciso", recordó en una entrevista publicada por el semanario alemán Junge Freiheit en 2001.Leibing usaba una cámara Exakta fabricada, irónicamente, en Alemania Oriental. Como no tenía motor y no podía registrar una secuencia, debía acertar el instante exacto. "Yo tenía una sola oportunidad, y por eso existe un solo negativo", explicó.No era el único que observaba la escena. Cerca de él estaba el fotógrafo Klaus Lehnartz, quien registró el salto desde otro ángulo, y a pocos metros un camarógrafo filmaba para un noticiero.No comprendió enseguida que había registrado una imagen histórica. Sabía que había conseguido una buena foto, pero primero tenía que comprobar que el negativo hubiera salido bien. Un fotógrafo del diario Bild, que había quedado mal ubicado y no había logrado capturar el salto, lo convenció de acompañarlo hasta la redacción.La imagen apareció publicada el 16 de agosto. "Recién en el avión empecé a darme cuenta de que quizás había tomado una fotografía realmente importante", contó.Con el tiempo, algunos fotogramas de la filmación comenzaron a circular como si fueran la fotografía original. Leibing insistía en marcar la diferencia. "La fotografía famosa es mía", dijo. En su imagen, Schumann aparece suspendido sobre el alambre, con las piernas abiertas y el cuerpo inclinado hacia adelante. En la película, el movimiento quedó registrado desde otro ángulo y en una fracción de segundo diferente.La fotografía pasó a ser conocida como "El salto a la libertad" (Sprung in die Freiheit, en alemán) y fue reproducida en diarios y revistas de todo el mundo. Para Alemania Occidental era una imagen poderosa: un joven policía abandonaba el arma, cruzaba la barrera y escapaba hacia el sector oeste.En 2011, el negativo original y una copia en papel fueron incorporados al registro Memoria del Mundo de la Unesco como parte de una colección documental sobre la construcción y la caída del Muro de Berlín.Volver no era regresarSchumann y Leibing volvieron a encontrarse en Berlín en 1986, durante una sesión fotográfica por el 25º aniversario de la construcción del Muro. Después coincidieron en distintos actos y sus familias comenzaron a relacionarse. "Nuestras esposas se hicieron amigas: mientras nosotros hablábamos con la prensa, ellas conversaban detrás de escena. Surgió una pequeña amistad", recordó Leibing en la entrevista para Junge Freiheit.Después de la caída del Muro, el 9 de noviembre de 1989, Schumann viajó a Sajonia. Pero el fin de la RDA no borró las consecuencias del salto. Algunos familiares y amigos lo seguían viendo como un desertor y se negaron a hablar con él.Schumann murió el 20 de junio de 1998. Se suicidó. Lo encontraron cerca de su casa en Baviera. Tenía 56 años. Nunca se conocieron con certeza las razones que lo llevaron a esa decisión. Algunos medios hablaron de una depresión. Otros señalaron que nunca había logrado dejar atrás el miedo a la Stasi o que lo había afectado el rechazo de parte de su familia después de la caída del Muro. Ninguna de esas versiones, sin embargo, pudo confirmarse como una causa única. Leibing fue prudente: "La última vez que lo vimos no notamos nada extraño".Para el mundo fue un salto hacia la libertad, para Schumann una decisión que marcó su vida.Conrad Schumann, el guardia de Alemania Oriental que saltó sobre el alambre de púas

Guillermo Pino, creador de Plim Plim: los años de incertidumbre, la crisis que casi lo dejó sin nada y cómo convirtió una idea en un fenómeno global

En La Fórmula Podcast, el productor audiovisual repasó el camino de una idea que tardó cinco años en hacerse realidad hasta convertirse en un fenómeno infantil global. Cómo la crisis económica y el salto a YouTube fueron claves para reinventar el negocio. Además, reflexionó sobre la espiritualidad, el autoconocimiento y el liderazgo, y compartió cómo aprendió a construir un mejor diálogo interno. Explicó por qué hoy entiende el éxito a partir del impacto en los demás y la importancia de rodearse de equipos talentosos y humanos

La obsesión con Peter Pan que convirtió a una mujer en un fenómeno viral de TikTok

La creadora de contenido publica desde hace años sus interacciones con Peter Pan, mientras algunos usuarios cuestionan la naturaleza de sus encuentros