El cantante compartió en redes sociales un video donde se pueden ver algunas fallas como: partes del escenario sostenido con piedras, estructura con corrosión entre otros
El evento que forma parte de 'El Mejor Hombre del Mundo Tour' se realizará en la Plaza de Toros de la capital bolivarense, según dio a conocer el propio artista en sus redes sociales
A más de cincuenta años de su realización, sale a la luz The Homeland Concert (El concierto en la ciudad natal), un documento sonoro excepcional de Astor Piazzolla, registrado en julio de 1973 en el Teatro Diagonal de Mar del Plata, su ciudad natal. El material, que permaneció inédito durante más de medio siglo, se edita ahora en una edición limitada en formato doble CD, concebida con el objetivo de preservar y difundir un concierto de enorme valor histórico y artístico.El registro corresponde a una de las últimas presentaciones del Quinteto Nuevo Tango, la formación creada por Piazzolla en 1960 que redefinió el lenguaje del tango y marcó un punto de inflexión en la música popular argentina. Este concierto presenta, además, una integración poco habitual del quinteto, con Astor Piazzolla (bandoneón), Antonio Agri (violín), Horacio Malvicino (guitarra eléctrica), Kicho Díaz (contrabajo) y Osvaldo Tarantino (piano), cuya participación al piano constituye uno de los rasgos distintivos de esta grabación. The Homeland Concert documenta el segundo concierto de una jornada particularmente intensa: Piazzolla ofreció dos funciones en el mismo día, además de realizar grabaciones para la televisión argentina y brasileña. Tal como se señala en el texto incluido en el booklet, "la actividad de Astor y su quinteto fue verdaderamente extenuante ese inolvidable día de invierno", que culminó con una actuación nocturna capturada directamente desde la consola, hoy recuperada con sonido restaurado.El repertorio registrado incluye obras emblemáticas como "Todo Buenos Aires", "Lunfardo", "Los poseídos", "Buenos Aires hora cero", "Adiós Nonino", "Caliente" y la integral de "Las cuatro estaciones porteñas", cerrando con una versión especialmente intensa de "Retrato de Alfredo Gobbi". La edición es una producción conjunta de BoyJah Publishing y la Fundación Astor Piazzolla, institución que celebra este año su 30º aniversario, reafirmando su misión de preservar y proyectar el legado de uno de los grandes compositores del siglo XX.Doblete en el teatro DiagonalEn julio de 1973, en pleno crudo invierno en la ciudad costera del Atlántico Sur, Astor Piazzolla brindó un histórico concierto en su ciudad natal: Mar del Plata. En realidad se trató de dos conciertos en un mismo día, en uno de los lugares emblemáticos de la cultura y el espectáculo de la ciudad durante la década del setenta: el teatro Diagonal. La actividad de Astor y su quinteto fue realmente maratónica esa inolvidable y fría jornada, ya que además de brindar dos conciertos la misma noche en el teatro, filmó un par de temas para la Rede O Globo de la televisión brasileña, además de haber grabado dos temas temprano por la tarde en los estudios del Canal 8 de la TV local. Terminó completamente exhausto pero feliz, tanto es así que ya casi de madrugada, cuando fue a cenar a su restaurant preferido del puerto marplatense con familiares y amigos, dijo: "Nunca he estado tan cansado en mi vida, pero creo que nunca toqué tan bien".El segundo concierto de la noche fue grabado de consola en cinta abierta y es la maravillosa gema que se encuentra en The Homeland Concert. Al comenzar el concierto, Astor tuvo unas palabras muy sentidas para su ciudad natal: "Estamos muy contentos de estar en Mar del Plata, especialmente yo, que quiero tanto a mi ciudad. Y que vengo tan poco además; ojalá pudiera venir siempre. Uno desea a veces quedarse en Mar del Plata pero lamentablemente las cosas se hacen en Buenos Aires. El sueño mío sería que alguna vez Mar del Plata se convirtiera en una pequeña Buenos Aires y uno pudiera hacer todo aquí sin tener que volver allá".Sobre el Quinteto Nuevo TangoLa década del 60 fue la época de oro de Astor Piazzolla como músico, compositor y creador. Fue aquella década donde su talento y creatividad explotaron en su máxima expresión, donde se consolidaron su estilo y obra para siempre. Su genio terminó de florecer definitivamente. Todas las búsquedas, todos los experimentos, los estudios, las noches de vigilia y aprendizaje, los viajes, las incertidumbres, las incomprensiones, tuvieron finalmente su fruto. Astor creará el quinteto. Todos los conjuntos, todas las distintas formaciones, que armará a partir de su creación y hasta el final de su vida serán a partir de él. A él le agregará, a él le cambiará y a él siempre volverá. Hizo cosas verdaderamente maravillosas con otros grupos, pero su creación fundamental y esencial será el Quinteto. Con la creación de esta formación logró armar el mejor tipo de conjunto para expresar su música, con mayor ganancia tímbrica y orquestal. Con el Quinteto su música se hace más personal, más cosmopolita, aún con el agregado de la guitarra eléctrica (algo propio del jazz e inédito en el tango), creando un grupo pleno de lirismo y fuerza que se transformará en su formación instrumental más equilibrada y con la cual compondrá la producción más importante de su carrera. A partir del Quinteto existe un antes y un después definitivo de la música de Buenos Aires. Con el Quinteto tocan en lugares de la ciudad que se convertirían en míticos, al tiempo que salen de gira por las provincias del país. La TV y la prensa lo siguen: notas en portadas e invitaciones a programas contribuyen a hacer de Piazzolla uno de los íconos culturales de esos años. Ante los reproches de que lo suyo no era tango, respondía convencido y algo encendido: "Es más tango que nunca, es música contemporánea de Buenos Aires de hoy".En junio de 1960, Astor regresó a la Argentina después de un período de residencia en Estados Unidos junto a su familia y luego de presentarse en radio y televisión con una orquesta de 16 músicos (donde incorporó el vibráfono como reminiscencia de su experiencia norteamericano), forma un conjunto camarístico donde finalmente puede volcar toda su creatividad y nuevas ideas para el tango: el Quinteto Nuevo Tango (que en sus distintas encarnaciones a través del tiempo se conoció también como Quinteto Tango Nuevo o simplemente Quinteto de Astor Piazzolla). Así hablaba de su idea del Quinteto en una entrevista para Buenos Aires Musical (1962): "Un grupo formado con el criterio que se forma un grupo de cámara: con instrumentistas de una solidez y profunda formación musical y que, al mismo tiempo, no sean ajenos al espíritu que alimenta a la música popular de Buenos Aires." El mismo estaba integrado por bandoneón, violín, contrabajo, piano y guitarra eléctrica, siendo su primer formación la de Astor en bandoneón, Simón Bajour en violín (rápidamente ingresaría Elvino Vardaro en su lugar), Jaime Gosis en piano, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica (luego lo suplantaría Oscar López Ruiz) y Kicho Díaz en contrabajo. Esta formación fue la base del Quinteto Nuevo Tango durante la prolífica y esencial década del sesenta, con el muy importante ingreso (en 1962, reemplazando definitivamente a Vardaro) de Antonio Agri, quien a partir de allí sería el violinista de todos los grupos y proyectos de Astor hasta 1976. Una formación que es pura síntesis: el bandoneón es la tradición, la guitarra eléctrica la modernidad, el violín el lirismo, el contrabajo el anclaje y el piano la amalgama que invita a la improvisación (sobre todo con Gosis), si se necesita o se puede. En 1970, el gran pianista Dante Amicarelli fue miembro durante un breve pero fructífero período.En octubre de 1971 se oficializa la creación del Conjunto 9, una ampliación del Quinteto (Antonio Agri en violín, Oscar López Ruiz en guitarra eléctrica, Kicho Diaz en contrabajo y Osvaldo Manzi en piano) a los que le sumará viejos conocidos como José Bragato en cello, Hugo Baralis en violín, José Corriale en percusión y Néstor Panik en viola. Con el Conjunto 9 graba dos discos para la RCA: "Música Popular Contemporánea de la ciudad de Buenos Aires - Vol I y II (para la grabación del segundo volumen ya se incorpora al noneto en forma definitiva el gran pianista Osvaldo Tarantino en reemplazo de Manzi). La vida de este celebrado noneto dura prácticamente dos años, y con él viaja a Italia donde realiza importantes actuaciones, entre ellas una en la RAI (TV pública italiana), donde acompañan a la célebre cantante Mina en una antológica versión de "Balada para mi muerte", que luego grabarían en estudio (con dos versiones del mismo tema -una en italiano y otra en español) junto a la gran diva de la canción popular italiana.Lamentablemente, en 1973 tiene que disolver el Conjunto 9 al no recibir una subvención prometida por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires (quien ya le había subsidiado el Noneto el año anterior con actuaciones por todo el país), razón por la cual reforma temporariamente al Quinteto. En el invierno de ese año comienza a dar recitales nuevamente con su querido conjunto (Agri, Diaz, Malvicino y Osvaldo Tarantino) y antes de realizar una gira por Brasil, brinda el histórico recital en el Teatro Diagonal de la ciudad de Mar del Plata, el cual finalmente ha podido ver la luz. Este hallazgo ha sido posible gracias al trabajo y esfuerzo de Randal Irwin para BoyJah Publishing, de Oregon, Estados Unidos, en la producción ejecutiva y la Fundación Astor Piazzolla que preside la viuda de Astor, Laura Escalada Piazzolla en la dirección artística. Este doble CD es el maravilloso testimonio del arte y del amor a sus raíces de uno de los más grandes compositores y músicos que ha dado el siglo XX.
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Chuck Redd se encargaba desde 2006 del concierto navideño, pero suspendió la actividad tras el cambio de nombre que rinde homenaje al actual presidente de Estados UnidosLa junta directiva, designada en febrero por el republicano, lo amenaza con una demanda millonaria.
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Afortunadamente, ningún músico resultó herido, pero el accidente generó temor entre los presentes y obligó a suspender temporalmente la celebración.
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Police Derange For Orchestra. Concierto de Stewart Copeland. Con orquesta Sinfónica, Eruca Sativa y las cantantes Sarah-Jane musiq, Alta Gracia y Rachel Melanie. Dirección: Nicolás Sorín. Sala: Teatro Gran Rex. Nuestra opinión: Muy bueno.A Stewart Copeland solo le falta una camiseta de la Selección Argentina de fútbol para armar un compendio completo de gestos de demagogia durante un show en Buenos Aires (claro, no maneja los códigos futboleros porque él al fútbol, como buen norteamericano, le llama soccer). Pero esa aparente demagogia es parte de una exacerbada puesta en escena que utiliza, como breves interludios de sus conciertos. Porque esa manera hilarante que tiene de hablar, que se contrasta con los comentarios más ácidos seguidos de una buena cara de poker hacen a la persona, al personaje y al artista. Ese que es baterista (y fue parte del The Police, el trío de rock más famoso del mundo); ese que es compositor de bandas de sonido y ópera contemporánea; ese es una especie de estandapero cuando toma el micrófono. Y lo hace con frecuencia. En 2023 plasmó en un álbum un proyecto que une dos de sus mundos (la batería y la música académica). Grabó versiones de los clásicos de The Police (o al menos unos cuantos de ellos) bajo un lema que fue Deranged for Orchestra. Y si bien en castellano la traducción literal sería "trastornado", Copeland echó mano a la sonoridad anglófona de la palabra, porque lo cierto es que refiere a "arreglos", que en música comúnmente están relacionados a las orquestaciones. Reemplazó la voz de Sting por la de tres cantantes, se sentó detrás de la batería y puso el funcionamiento armónico (ese que con tanta elegancia desarrolló el guitarrista Andy Summers) en una orquesta. El resultado no tiene que ver con el trastorno porque este término se utiliza para definir estados mentales, generalmente de seres humanos, y tiene una connotación negativa. Tampoco es algo disruptivo porque no interrumpe un proceso para general algo distinto. Es simplemente un arreglo orquesta, poco habitual.Y cuando la música ya está sonando, quienes se sienta en la platea o el pullman de un teatro tiene dos caminos muy claros para enfrentar. Tratar de encontrar fidelidad a The Police en esa familia de arcos, metales, maderas y percusiones (y morir en el intento) o simplemente dejarse llevar por las canciones, reconocerlas en sus letras y melodías y redescubrirlas en nuevos arreglos y texturas. Copeland, apenas pasados unos minutos de concierto preguntará de manera retórica qué es Deranged. Luego, quizás para despejar dudas en alguna mirada de desconcierto (aunque el público ya va alertado de la travesura) dirá que hay mucho de The Police que no terminó grabado en discos pero que lo inspiró para este trabajo. Y no ahorrará momentos para pedir aplausos para Andy y Sting, sus viejos compañeros de banda, para deslizar sus sarcasmos y, sobre todo, para reconciliar desde la música lo que no se reconcilia en una charla de café entre los tres músicos de The Police.Lo hace, incluso, aceptando las diferencias. Porque cuando enfrenta canciones como "Murder by Numbers", un tema escrito por sus ex socios que tiene un toque jazzy al que Copeland nunca adhirió, toma la decisión de llevarlo a su terreno (no al del baterista, al otro, el del compositor y arreglador) y logra el tema más "deranged" del repertorio.Aunque, de algún modo, todos lo son, ya desde el comienzo del programa. "Demolition Man" tiene, en su original, una fanfarria de fondo. "King of pain", aquella que Sting escribió tras su primer divorcio, muestra las pinceladas que solo le puede agregar un organismo sinfónico como este. Vale aclarar que cuando Copeland pensó emprender una gira por México, Chile y la Argentina se encontró ante la imposibilidad de contar con algunos de los músicos que grabaron el disco, por ese motivo convocó al director, compositor y orquestador argentino Nicolás Sorín y al grupo Eruca Sativa. Y la orquesta al mando de Sorín es una versión reducida de los organismos que suelen tocar repertorio sinfónico (pero con la misma paleta de colores) en este caso con mayores acentuaciones en metales y maderas que en cuerdas (dato por demás original).Dentro del programa que elige, la provocación para el público más devoto y puritano de The Police llega con temas como "Spirits in the Material World" y "Roxanne" totalmente fuera de sus cánones. La maestría se pone de manifiesto en temas con "One World (no Three)" donde el pulso reggae queda absolutamente subvertido, pero subyace en medio de la proeza sinfónica que logra Copeland y en la determinación percusiva que aborda en este tema. Y siempre habrá un paso de comedia colado entre las composiciones. Para decir, por ejemplo, que las canciones de Sting son muy refinadas, como preludio de temas como "Walking on The Moon". Pero él le pone un tutti orquestal desde el comienzo (distorsiones que sabe manejar con mucha gracia). Lo cierto es que "Walking..." tiene una estridencia inusitada, a un público cantando el famoso io-io-ioio, pero también muy delicadas reexposiciones temáticas y solos de bajo y batería. "Every Breath You Take" tiene una intro cinematográfica. "The Bed's Too Big Without You" suena en su curso original. "Message in a Bottle" cuanta, además de la potencia rockera, con pequeños detalles como la sutileza para transportar el cuarto dedo de los acordes de la guitarra de Andy summers a la sección de cuerdas.De este modo, el concierto pasa por todos los matices. No solo están Lula Bertoldi y Brenda Martin. Hasta el "eruco" Gabriel Pedernera tiene su turno cuando reemplaza a Copeland en la batería. Son momentos en los que el protagonista toma la batuta o empuña la guitarra. En cuanto a las voces, el trio de cantantes se mueve con fluidez, siempre sobre una misma clave que es una base armónica de soul sisters pero con inflexiones y floreos más actuales, de las estrellas femeninas de la música pop (su sonido empasta muy bien con la orquesta). El resto modula en crescendos que explotan hacia el final del show, mechados con comentarios hilarantes. ("Donde está mi cabaio", es la antesala de un sorbo de mate, al momento de los bises.) En definitiva, The Police está allí, de algún modo; sobre todo sus canciones, revisitadas de una manera muy especial.
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El único ensamble del género de Rosario, que dirige Yamile Baidón, presenta un repertorio con temas clásicos y reversiones.
La propuesta se realizará este miércoles a las 19:30 con entrada libre y gratuita y reunirá a 42 voces en escena. La actividad forma parte de la campaña El Centro está de Fiesta, que busca revalorizar el casco céntrico con eventos culturales abiertos a la comunidad. Leer más
La presentación de la banda Mi Mejor Amigo Scott en un local céntrico terminó con el vocalista inmovilizado y con lesiones, luego de una falla con el equipo de sonido, lo que generó alarma entre los asistentes
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La expareja de Christian Domínguez y el padre de los hijos de Karla Tarazona aparecieron en un mismo escenario el último fin de semana
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La creadora de contenido realizó una publicación en sus redes sociales en la que ironizó el acto del que fue víctima en el espacio en el que estaba con otras celebridades
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El polémico escenario VIP se llenó de celebridades mexicanas que disfrutaron de la música de Benito como cualquier fan
La segunda parada del "Debí Tirar Más Fotos World Tour" en nuestro país tuvo una mejor audiencia, agradecimientos de Benito y un suertudo fan que entró a "La Casita"
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El primer show del puertorriqueño fue todo un éxito
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El cantante aterrizó en la capital y protagonizó momentos virales junto a su equipo, en la previa a un espectáculo que aspira a superar su histórica presentación en Medellín
Bad Bunny llegó a México para seguir con su gira "Debí tirar más fotos World Tour", la cual ha tenido un gran éxito desde su residencia en Puerto Rico. En su primera noche en la Ciudad de México, el cantante sufrió un pequeño accidente, el cual rápidamente se volvió viral después de que los fans compartieran el momento. Bad Bunny se cae en su primer concierto en MéxicoEl Conejo Malo inició con su gira de conciertos en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México este 10 de diciembre.Bad Bunny sufrió una caída durante su primer concierto en la Ciudad de MéxicoAunque parecía que se trataba de una noche tranquila, la lluvia sorprendió al puertorriqueño y a los asistentes, pero todo parecía que transcurría con aparente normalidad, de acuerdo con Milenio.Durante la presentación, Benito Antonio Martínez Ocasio, se subió al techo de su icónica casita, como parte común de su presentación, y en un momento resbala y cae al piso. El cantante terminó de espaldas sobre la plataforma, muy cerca del borde de la estructura.En las imágenes compartidas en plataformas como TikTok e Instagram se puede ver que el puertorriqueño se queda en el suelo por unos segundos y un momento después comienza a reírse por lo ocurrido para después continuar con su espectáculo como si nada hubiese ocurrido. El incidente ocurrió mientras interpretaba su éxito Efecto, cerca de la mitad de su concierto, por lo que los asistentes reaccionaron con gritos de emoción al ver que el cantante siguió con el concierto sin que su accidente tuviera efectos mayores.Cómo es el escenario de La Casita de Bad BunnySi algo caracteriza al "Debí tirar más fotos World Tour" es el escenario de La Casita, ya que es un símbolo de la identidad caribeña y una reinterpretación de cómo luce un hogar en Puerto Rico, de donde es originario Bad Bunny.La primera vez que el público conoció esta pieza de arquitectura fue durante la residencia de Benito en su país, a la cual llamó "No me quiero ir de aquí", de acuerdo con AD Magazine.La estética de colores vibrantes, la marquesina abierta y las sillas de plástico no solo representan a la isla, sino parte importante de América Latina, y se ha convertido en uno de los momentos más esperados de los conciertos del reguetonero.La estructura que viaja en la gira fue diseñada por Mayna Magruder Ortiz y construida por un equipo liderado por el arquitecto Rafael Pérez Rodríguez.Se caracteriza por sus muros rosa pastel, marcos y cornisas amarillas, ventanas típicas de zonas cálidas y dimensiones que permiten capacidad para 30 personas.Cuándo y dónde serán los conciertos de Bad Bunny en MéxicoBad Bunny tendrá una serie de ocho conciertos en la Ciudad de México, todos en el escenario del Estadio GNP Seguros que, de acuerdo con TicketMaster, serán en las siguientes fechas:Viernes 12 de diciembreLunes 15 de diciembreMartes 16 de diciembreViernes 19 de diciembreSábado 20 de diciembreDomingo 21 de diciembreHasta el momento, el artista puertorriqueño solo tiene programadas esas fechas en la capital del país, sin anuncios oficiales sobre presentaciones en otros estados de México.Bad Bunny inició su gira "Debí tirar más fotos World Tour" el pasado 21 de noviembre de 2025 en el Estadio Olímpico de Santo Domingo, República Dominicana, aunque el artista planea visitar 19 países, de acuerdo con TV Azteca.En su gira, el famoso programó 57 conciertos que se llevarán a cabo en diferentes ciudades de América Latina, Europa, Asia y Oceanía, por lo que su tour concluirá hasta julio de 2026, y no programó conciertos en Estados Unidos.
"Lo más difícil es enfrentarte a vos mismo. Es más fácil gritar 'revolución' y 'el poder al pueblo' que mirarte al espejo y tratar de encontrar qué es real dentro de vos y qué no". Las lúcidas palabras de John Lennon irrumpen, indelebles y calmas, a mitad del documental One to One: John & Yoko, codirigido por Kevin MacDonald y Sam Rice-Edwards y de reciente estreno por la plataforma HBO Max.A lo largo de una hora y cuarenta minutos, la nueva película sobre Lennon se concentra en un novedoso foco, poco narrado hasta el momento: los primeros meses de su vida con Yoko Ono en tierra norteamericana. A finales de 1971, John y Yoko dejaron Londres para mudarse a Nueva York. Por dieciocho meses, vivieron en un departamento en Greenwich Village, una zona de artistas, intelectuales y militantes políticos: ese lapso es el elegido por el film. A la vez que se convirtieron en ícono de los años setenta, la famosa pareja se la pasó en su cama, mirando mucha televisión. "Este período de cambio en sus vidas resultó en One to One, el único concierto de John después de los Beatles", reza una placa introductoria hacia un montaje entretenido y de gran calidad sobre imágenes de archivo tamizadas por la digitalización. Así es como aparecen misceláneas de la Nueva York de los 70, con Yoko y John en tomas caseras jugando en los parques y bailando en las veredas. Luego se encuentran con el poeta beat Allen Ginsberg, con la canción "New York City" en el horizonte. Se respira un aire cálido, familiar. "Nueva York tiene todo el ritmo, es una ciudad hermosa", dice John, mientras en el documental surgen grabaciones de conversaciones telefónicas privadas, un pequeño tesoro de archivo que se revitaliza con notable pulso. Poco después, un plano de la pareja en la cama mirando la pantalla chica entre guitarras, mantas, libros y platos.Yendo de la cama al living"La tele es el reemplazo del hogar a leña", le dice Lennon a un periodista y Yoko, gustosa, enfatiza que hay días en que se la pasan tirados en el departamento, viendo tele las 24 horas, y entonces Richard Nixon habla en un acto político. La polarización se siente en la atmósfera: al mismo tiempo que Nixon busca su reelección, antes del estallido del Watergate que lo hará dimitir en 1974, los activistas políticos ganan la calle en manifestaciones radicales, principalmente en contra de la larga guerra de Vietnam. Lennon y Yoko corporizan ese ambiente. Allí están, junto a ellos, David Peel, Jerry Rubin y la artista conceptual que carga con ser "la mujer de Lennon", arrastrando el estigma de haber sido la culpable de la ruptura de The Beatles. En un fragmento, ella cuenta que en Inglaterra tuvo tres abortos, los fans le gritaban "japo fea" y hasta hubo quienes le tiraron del pelo. "Me querían muerta", repetirá. El documental hace justicia con ella y usa el recital One to One como hilo conductor, con cortes musicales de aquella noche, y desfilan temas como "Come Together" y "Power to the People". Entre la chorrera de imágenes se suceden discursos del político racista George Wallace, performances artísticas en museos con Yoko como líder de exposiciones y Ginsberg recitando sus poemas. Todo bajo un montaje a modo de zapping televisivo donde conviven epifanías de la mítica pareja con publicidades de época, noticias de rehenes en un banco, Rubin que les pide por teléfono que toquen por la liberación de John Sinclair, un activista de la marihuana; entonces ellos acceden, John le compone un tema y poco después el gobierno lo libera, en una pequeña muestra del poder social que concentra la figura del Lennon post Beatles.Destellos de la generación hippie y la irrupción de un movimiento revolucionario con la juventud como protagonista, un eco que se expande mundialmente. "¡Paz ahora, paren de bombardear!", es una de las pancartas que se agitan en una multitudinaria marcha, donde Yoko y John aparecen de improviso, en una breve y tímida alocución ante la gente, que apenas los ve se enciende como todo aquel que los cruza en la ciudad que nunca duerme. Hay charlas donde Lennon piensa hacer giras para liberar a presos políticos y quiere sumar a Bob Dylan, pero no sin antes que un conocido suyo le pida disculpas por haberlo ofendido. "Es como ser Jesse James, o mejorâ?¦ ¡Robin Hood!", esboza el músico, aunque la gira debió ser suspendida por el riesgo de que sus enemigos lo atacaran. En otra parte, se habla del reclamo de Yoko por su hija estadounidense, Kyoko, mientras en el siguiente fragmento canta un tema en el concierto One to One. Da sus clásicos alaridos en un desgarro emocional y juega con el micrófono casi en un pequeño trance. Después, consulta por teléfono cómo puede mantener vivas en su casa a centenares de moscas, cuyo objetivo es liberarlas en una instalación en el Museo de Arte Moderno (MoMA) como protesta por la falta de artistas mujeres.La pareja de las mil causas A Lennon le proponen infinidad de shows por causas de las más dispares. "Somos el club de la liberación del rock", bromea en una reunión, donde todos fuman empedernidamente. Lennon estaba en el ojo de la tormenta política y siente que su teléfono podría haber sido pinchado por los servicios de inteligencia, y a un amigo le confiesa que un auto lo sigue por toda la ciudad. En el documental se escuchan más discursos políticos que música, la campaña electoral de Nixon se mezcla con cortes de puro rock and roll del recital, proliferan grupos de jóvenes contra la derecha conservadora. "Los verdaderos héroes de la sociedad no son las estrellas de rock sino los revolucionarios", agita un activista y en una pancarta se lee: "Capitalista: deja de intentar separar a John y Yoko. ¡Ya no es un beatle!". La liberación de Angela Davis se intercala con imágenes de un noticiero que anuncia un viejo proceso judicial contra Lennon por posesión de marihuana, y en la tevé se mezclan cuadros de la familia tipo norteamericana con el consumo de artículos para el hogar y un jingle con bailarinas que promociona el último auto de moda. La dupla responde amablemente a la prensa confirmando que buscan la ciudadanía estadounidense para pelear por la hija de Yoko. Charles Chaplin visita Nueva York después de casi dos décadas, el movimiento feminista organiza convenciones con Yoko participando de las mismas, Lennon se pregunta dónde están las mujeres en un movimiento político de la época que acusa como predominantemente masculino, y en el documental se escuchan los primeros acordes de "Mother", un manto de introspección en medio del caos. Es la era de las terapias primales y, de pronto, el hospital Willobrook, la institución más grande del mundo para enfermos mentales, es denunciado en la prensa por su absoluto estado de abandono. John y Yoko lo miran en la tele desde su cama, se sensibilizan y deciden hacer un concierto de beneficencia. "Estos niños son casi el símbolo de todo el dolor de la tierra", dice Lennon en una entrevista, y ese es el grado cero del recital One to One en el Madison Square Garden, y en el documental hay un montaje paralelo de "Imagine" con una suelta de globos en el Central Park. Contracultura y violencia institucional, polarización ideológica y degradación democrática, la urgencia y la rabia, los sesenta-setenta como una herida abierta y un espejo áspero de resonancias en el presente, la otra cara de Yoko Ono, finalmente retratada por fuera del estereotipo, y Lennon que pone un freno cuando observa la derivación de la insurrección política con una salida de violencia que, paradójicamente, terminará con su muerte a manos de un fan a comienzos de la siguiente década. "Y acaso por eso, más que nunca, necesitamos volver a escuchar a John Lennon. No al Beatle, sino al hombre que creyó que el arte podía ser acción directa, y que la paz era un acto de desobediencia civil", escribió André Didyme-Dôme en Rolling Stone. Entonces la coda con un Stevie Wonder que entra en el proscenio del Madison aullando el himno "Give Peace a Chance". La presencia del joven maravilla negro irradia un sentido de comunidad en un escenario atestado de artistas, un aura de nostalgia domina el documental con Ginsberg bailando ampulosamente y las palmas agitadas del público. El dúo se muda a otra zona más residencial de Nueva York. "John y yo vivimos, amamos y morimos", acota Yoko, y un epígrafe cuenta que John finalmente no fue deportado de Estados Unidos como Nixon deseó, que luego nació Sean Ono Lennon, y que en 1994, catorce años después de la muerte de John, Yoko por fin se encontró con Kyoko, quien había sido criada en una comunidad cristiana. Entre la cama y la calle, entre la comunidad y la introspección, entre el amor con Yoko y la permanente turbulencia política, entre el fresco de época y la vigencia de uno de los líderes contemporáneos más extraordinarios, One to One: John & Yoko se puede disfrutar con la escucha de la reciente colección Power to the People, grabaciones remasterizadas de esa época compiladas por Sean Lennon, con la lectura de la biografía exhaustiva de Philip Norman sobre John Lennon, o revisitando otros films como Imagine o The U.S. vs. John Lennon. Sin embargo y por su propia cuenta, One to One: John & Yoko no sólo luce en el retrato de la pareja y su convulsión íntima y social sino que lanza una interrogación de las ruinas de la utopía y la condición humana, a punto tal que quizás, desde allí, exista una de las tantas claves para entender la reacción conservadora y los atropellos democráticos signados por el vigor ascendente, e impensado para los jóvenes de aquella época, de la ultraderecha en el mundo actual.
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