cine

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Exploramos los largometrajes más importantes como Punto de quiebre, Máxima velocidad y The Matrix

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Urtasun: La asistencia en las salas de cine no ha recuperado aún el nivel prepandemia

José Sacristán recibe el premio 'Toda un vida de cine' del Festival de Cine Social de CLM

José Sacristán fue reconocido en el XXI Festival Internacional de Cine Social de Castilla-La Mancha, donde se entregaron diversos premios a destacados proyectos y talentos del cine y la solidaridad

Rating: el duelo entre Iván de Pineda y Mirtha Legrand quedó atravesado por el cine de El Trece, ¿quién ganó?

Las películas del fin de semana empiezan a pisar fuerte en la TV abierta.El Trece quedó sólo a una décima de Telefe.Los más vistos de cada canal.

"A mí lo que me interesa es la posibilidad del milagro en el cine"

El realizador, guionista y productor vuelve a un terreno familiar en El Jockey, un estreno potente, dueño de un mundo único, entre las carreras de caballo y la alteración del cotidiano. Cuenta el derrotero hasta poder filmar y habla de su estilo. Leer más

Murió Michel Blanc, ícono del cine francés y estrella de "Les Bronzés"

El actor, de 72 años, falleció de un ataque cardíaco

ESCAC, Escuela de Cine de Barcelona y La Casa del Cine gana los premios SGAE Nueva Autoría

Alumnos de ESCAC, ECIB y La Casa del Cine reciben reconocimientos en los Premios SGAE Nueva Autoría 2024 durante el Festival de Cine de Sitges, destacando por dirección y música original

'Apocalipsis Z', el mundo de Manuel Loureiro llevado al cine con zombies a la gallega

Manuel Loureiro ve su novela adaptada al cine en 'Apocalipsis Z: El principio del fin', una historia ambientada en Galicia que presenta la lucha del protagonista contra una enfermedad devastadora

El payaso asesino de 'Terrifier' aterriza en el festival de cine de Sitges

Damien Leone presenta 'Terrifier 3', la entrega más ambiciosa de la franquicia, en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, donde el caos nocturno del payaso Art cautiva al público

Cineteca Nacional de Chapultepec y Netflix forman alianza: ofrecerán cursos gratuitos de cine

Con una inversión de 22 millones de pesos, Netflix y el CCC lanzan un programa para fomentar la diversidad en la industria cinematográfica mexicana

Mega Ofrenda de la UNAM 2024: cuándo, dónde y todo lo que debes saber sobre el altar dedicado al cine mexicano

Los asistentes podrán apreciar ofrendas dedicadas a las grandes obras y personalidades del cine mexicano

Eduardo Casanova: "No creo que mi cine vaya a ser igual después de Al margen"

Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana, del 4 al 6 de octubre: recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis

Viernes, sábado y domingo hay una gran oferta de recitales, obras y películas cine.También, actividades gratuitas y opciones para ver en casa.

Daniel Day-Lewis vuelve del retiro al cine: el ganador de 3 Oscar que vino a filmar a la Argentina

Alejado del cine desde 2017, ya actúa dirigido por su hijo.¿Qué película filmó en la Patagonia?

La colección de la Escuela de Cine de Madrid será Bien de Interés Cultural en 2025

Sabiduría garantizada: el particular vínculo entre un maestro chino del cine y su discípulo filipino

En el Festival de Toronto, Jia Zhang-Ke y Rafael Manuel presentaron su trabajo conjunto surgido del Programa Rolex Mentor y Protegido.El director de "Naturaleza muerta" presentó su nueva película, "Caught by the Tides".Y ayudó al joven cineasta a convertir en largometraje su premiado corto "Filipiñana".

El Joker de Joaquin Phoenix y Lady Gaga encabeza una cartelera de cine con mucho drama

Espanoramas 2024, una mirada retrospectiva del cine español

Habrá dos focos, divididos en dos sedes: Clásicas y modernas en el Malba, y Península Erice en la sala Lugones.

Esta película animada de Disney batió récords en el cine con su segunda parte y ya se puede ver por streaming

Intensamente 2 llegará a Disney+.Después de su exitoso estreno en cines el 13 de junio, la película se podrá ver en los dispositivos móviles de tu casa.

Ortografía y redacción: cinematográfico, mejor que cinemático, para el cine

La forma en la que una persona escribe puede decir mucho de su personalidad y preparación

Ciclos retrospectivos y homenajes al cine argentino, entre los primeros anuncios del Festival de Mar del Plata 2024

Con los primeros anuncios de ciclos retrospectivos y funciones de homenaje, en las que se incluyen algunos títulos destacados de la historia de la pantalla nacional, empieza a configurarse la programación del 39° Festival de Cine de Mar del Plata, que se realizará entre el 21 de noviembre y el 1° de diciembre, y que este año celebra el 70° aniversario de su primera edición.El título de apertura será Emilia Pérez, de Jacques Audiard, con Karla Sofia Gascón, Zoe Saldana, Selena Gomez y Edgar Ramirez. Elegida como representante de Francia para la competencia por el Oscar internacional se perfila ya como la favorita en esa categoría y también aparece como candidata en los pronósticos de algunos de los más importantes rubros de los premios de la Academia de Hollywood, incluyendo el de mejor película. Esta proyección se adelanta a su estreno comercial en los cines de nuestro país, previsto para el 23 de enero.Tres clásicos del cine argentino serán exhibidos en Mar del Plata, a 50 años de sus respectivos estrenos: La tregua, de Sergio Renán; La Patagonia rebelde, de Héctor Olivera (en una copia restaurada que se proyectará por primera vez), y Boquitas pintadas, de Leopoldo Torre Nilsson, cuyo centenario será también objeto de un ciclo especial. El homenaje incluye al documental Mi padre y yo, de Pablo Torre, y otro largometraje por confirmar.El otro ciclo de revisión del cine argentino cuenta con varios títulos que pasaron a lo largo de estas siete décadas por el festival: El jefe (1958), de Fernando Ayala; Los venerables todos (1963), de Manuel Antín (como tributo al cineasta recientemente fallecido); Buenos Aires viceversa (1996), de Alejandro Agresti; Pizza, birra, faso (1997), de Israel Adrián Caetano y Bruno Stagnaro, y El abrazo partido (2004), de Daniel Burman.Invitados internacionalesCon Japón como país invitado, la muestra contará este año con la visita de la directora Milwa Nishikawa, que presentará una selección de sus films, y con un recorrido por la obra del director Sadao Yamanaka (1909-1938), cuya breve obra (murió a los 29 años en el frente de batalla) es considerada una de las cumbres del cine de su país.La programación también incluye una sección completa dedicada a Sergei Parajanov (1924-1990), director armenio (aunque nacido en Georgia) reconocido como una de las grandes figuras del cine soviético, sobre todo del período denominado "de deshielo", que se vivió en los años 60. Se proyectarán su película más famosa, Las sombras de nuestros antepasados (1964), ganadora de dos premios en Mar del Plata el año siguiente, otros dos títulos y el estreno latinoamericano de un documental sobre su obra, I Will Revenge this World with Love, de Zara Jian.El festival marplatense tendrá este año cinco secciones oficiales: una competencia internacional, dos latinoamericanas y dos argentinas (ambas divididas entre largometrajes y cortos), Estados Alterados (cine experimental) y Work in Progress, dedicada al estímulo de proyectos en preproducción. También se incluyó la sección Panorama (con títulos del cine local e internacional reciente) y espacios dedicados al cine infantil, al terror y a los nuevos autores.Los anuncios estuvieron a cargo de uno de los directores artísticos, Jorge Stamadianos (el otro es Gabriel Lerman). Ambos fueron designados hace pocos meses por las autoridades del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, responsable de la realización de esta edición del festival marplatense junto con la Municipalidad de General Pueyrredón. Las sedes del festival serán la sala Piazzolla del Teatro Auditorium, el Teatro Colón y las salas del complejo Paseo Aldrey.Paralelamente, empezó a trascender por ahora de manera inorgánica y sin ningún detalle o confirmación hasta ahora de una suerte de "festival paralelo" del que tomarían parte realizadores y productores que vienen expresando una postura crítica respecto de la política cultural y cinematográfica del gobierno de Javier Milei y que podría realizarse en el cine Ambassador, una de las tradicionales sedes del festival en los últimos años. Prometen más detalles para los próximos días.

Martín Fierro de cine y series: todos los nominados al nuevo premio de Aptra

Anoche, en el programa de Ángel de Brito, LAM, Luis Ventura, presidente de Asociación de Periodistas de la Televisión y la Radiofonía Argentinas (Aptra), anunció junto al conductor los nominados a la primera edición de los Martín Fierro del cine y series. La ceremonia, que se emitirán por la pantalla de América y será conducida por Benjamín Vicuña y Mariana Fabbiani, se realizará el 21 de octubre próximo en La Usina del Arte, en Buenos Aires."Son 26 rubros, 6 homenajes y un Oro. En total son 33 estatuillas", detalló el presidente de Aptra. Y luego agregó: "La verdad nunca esperé hacer el Martín Fierro del cine, pero... Cosas que uno va logrando, puertas que se van abriendo". Para la realización de la lista de nominados, Aptra contó con la colaboración de los miembros de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, quienes ayudaron a organizar la competencia en 26 rubros, que incluyen películas y series estrenadas entre 2023 y 2024, en los cines y en las plataformas digitales.La lista completa de los nominados: MEJOR SONIDO. Roberto Espinosa - Los delincuentes. Fernando Ribero - Puan. Leandro De Loredo - El rapto. Pablo Isola - Cuando acecha la maldadMEJOR GUION. Rodrigo Moreno - Los delincuentes. María Alché Y Benjamín Naishtat - Puan. Daniela Goggi y Andrea Garrote - El rapto. Demián Rugna - Cuando acecha la maldad. Marco Berger - Los amantes astronautas. Zoe Hochbaum Y Gustavo Gersberg - Como el marREVELACIÓN. Maite Aguilar - "Alemania". Mariana Chaud - "Los Delincuentes". Marcelo Michinaux - "Cuando Acecha La Maldad". Camila Peralta - "Puan". Zoe Hochbaum - "Como El Mar". Ignacio Quesada - "Cambio, Cambio"MEJOR ACTOR PROTAGÓNICO COMEDIA. Esteban Bigliardi - "Los Delincuentes". Daniel Elías - "Los Delincuentes". Claudio Rissi - "Los Justos". Marcelo Subiotto - "Puan". Martín Piroyansky - "El Método Tangalanga"MEJOR ACTOR PROTAGÓNICO DRAMA. Alfredo Castro - "El Viento Que Arrasa". Rodrigo De La Serna - "El Rapto". Joaquín Furriel - "Descansar En Paz". Ezequiel Rodríguez - "Cuando Acecha La Maldad"MEJOR ACTOR REPARTO COMEDIA. Alberto Ajaka - "Casi Muerta". Norman Briski - "Un Pájaro Azul". Germán De Silva - "Los Delincuentes". Leonardo Sbaraglia - "Puan". Marco Antonio Caponi - "Asfixiados"MEJOR ACTOR REPARTO DRAMA. Gabriel Goity - "Descansar En Paz". Jorge Marrale - "El Rapto". Pablo Rago - "Goyo". Luis Ziembrowski - "Cuando Acecha La Maldad"MEJOR ACTRIZ PROTAGÓNICA COMEDIA. Margarita Molfino - "Los Delincuentes". Mercedes Morán - "Norma". Carla Peterson - "No Me Rompan". Julieta Zylberberg - "Un Pájaro Azul"MEJOR ACTRIZ PROTAGÓNICA DRAMA. Miranda De La Serna - "Alemania". Nancy Dupláa - "Goyo". Mercedes Morán - "Elena Sabe". Cecilia Roth - "Conversaciones Sobre El Odio". Sofia Gala Castiglione - "Como El Mar"MEJOR ACTRIZ REPARTO COMEDIA. Paola Barrientos - Casi Muerta. Alejandra Flechner - Puan. Eugenia Guerty - No Me Rompan. Laura Paredes - Los DelincuentesMEJOR ACTRIZ REPARTO DRAMA. Virginia Garófalo - Cuando Acecha La Maldad. Andrea Garrote - El rapto. María Ucedo - Alemania. Soledad Villamil - GoyoMEJOR DIRECCIÓN DE ARTE. Julieta Dolinsky - Puan. Sebastián Orgambide - El Rapto. Laura Aguerrebehere - Cuando Acecha La Maldad. Graciela Fraguglia - GoyoMEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA. Inés Duacastella y Alejo Maglio - Los Delincuentes. Agustín Barrutia - Alemania. Mariano Suárez - Cuando Acecha La Maldad. Horacio Maira - Goyo. Germán Nocella - Como El Mar. Ivan Gierasinchuk - El Viento Que ArrasaMEJOR DIRECCIÓN. Rodrigo Moreno - Los delincuentes. María Alché y Benjamín Naishtat - Puan. Daniela Goggi - El Rapto. Demián Rugna - Cuando Acecha La Maldad. Gonzalo Arias Y Martín Méndez - Elijo CreerMEJOR DISEÑO DE VESTUARIO. Mariana Seropian - Puan. Pheonía Veloz - El Rapto y Cuando Acecha La Maldad. Mercedes Gallego - GoyoMEJOR EDICIÓN. Lívia Serpa - Puan. Eliane Katz - El Rapto. Lionel Cornistein - Cuando Acecha La Maldad. Alberto Ponce - GoyoMEJOR MAQUILLAJE. Marisa Amenta - Puan. Emmanuel Miño - Elena Sabe. Paz Albo Y Jorge Palacios - El Rapto. Marcos Berta Y Elizabet Gora - Cuando Acecha La MaldadMEJOR MÚSICA ORIGINAL. Santiago Dolan - Puan. Sergio De La Puente - Alemania. Pablo Fuu - Cuando Acecha La Maldad. Iván Wyszogrod - Goyo. Pedro Irusta - Los Amantes AstronautasMEJOR ÓPERA PRIMA. Adentro Mío Estoy Bailando - Dirección: Leandro Koch Y Paloma Schachmann. Ven A Mi Casa Esta Navidad - Dirección: Sabrina Campos. Alemania - Dirección: María Zanetti. El Agrónomo - Dirección: Martín Turnes. Blondi - Dirección: Dolores FonziMEJOR PELÍCULA CINE. Los Delincuentes - Dirección: Rodrigo Moreno. Puan - Dirección: María Alché Y Benjamín Naishtat. El Rapto - Dirección: Daniela Goggi. Cuando Acecha La Maldad - Dirección: Demián Rugna. Empieza El Baile - Dirección: Marina SereseskMEJOR PELÍCULA estrenada en Plataforma. Doble Discurso - Dirección: Hernán Guerschuny. El Duelo - Dirección: Augusto Tejada. Nahir - Dirección: Hernán Guerschuny. Descansar En Paz - Dirección: Sebastián Borensztein. Elena Sabe - Dirección: Anahí Berneri. Goyo - Dirección: Marcos CarnevaleMEJOR DOCUMENTAL. Traslados - Dirección: Nicolás Gil Lavedra. Un Hombre Que Escribe - Dirección: Liliana Paolinelli. Italpark - Dirección: Juan Carlos Domínguez. Después De Un Buen Día - Dirección: Néstor FrenkelMEJOR SERIE. Nada - Disney+. El Encargado - Disney+. El Reino - Netflix. El Amor Después Del Amor - Netflix. Iosi, El Espía Arrepentido - Prime Video. División Palermo - NetflixMEJOR ACTRIZ DE SERIE. Mercedes Morán - El Reino - Netflix. María Rosa Fugazot - Nada - Disney+. Pochi Ducasse - El Encargado - Disney+. Mina Serrano - Cris Miro (Ella) - Flow Y Max. Natalia Oreiro - Iosi, El Espía Arrepentido - Prime Video. Micaela Riera - El Amor Después Del Amor - Netflix. Pilar Gamboa - División Palermo - NetflixMEJOR ACTOR DE SERIE. Luis Brandoni - Nada - Disney+. Juan Minujín - Coppola, El Representante - Disney+. Guillermo Francella - El Encargado - Disney+. Diego Peretti - El Reino - Netflix. Iván Hochman - El Amor Después Del Amor - Netflix. Gastón Pauls - Barrabrava - Prime Video. Santiago Korovsky - División Palermo - NetflixMEJOR DIRECTOR DE SERIEâ?¢ Mariano Cohn Y Gastón Duprat - El Encargado - Nada - Bellas Artes - Disney+â?¢ Marcelo Piñeyro Y Miguel Cohan - El Reino - Netflixâ?¢ Ariel Winograd - Coppola, El Representante - Disney+. Daniel Burman, Sebastián Borensztein Y Martín Hodara - Iosi, El Espía Arrepentido - Prime Videoâ?¢ Santiago Korovsky - División Palermo - Netflix

Espanoramas 2024: lo mejor del cine español en la Lugones y el Malba

Del 3 al 13 de octubre vuelve la muestra de películas ibéricas, organizada por la Embajada de España y el Centro Cultural de España en Buenos Aires.El ciclo celebra su décimo aniversario con la exhibición de "Península Erice", en la sala del Teatro San Martín, y "Clásicas y Modernas" en el museo latinoamericano.

Que el cine sea una fiesta pública

La nueva edición del Festival de cine de la ciudad, que organiza Punto Audiovisual, propone estrenos, competencias, foros y masterclass de Celina Murga y Néstor Frenkel.

Jorge Cao expuso los pro y los contra de hacer cine para plataformas digitales: "Son la nueva realidad"

El actor cubano que coprotagoniza la segunda entrega de la película Los iniciados, contó a Infobae Colombia lo que sintió al saber que esta cinta no estaría en la pantalla grande: "Es ambiguo. El filme pude llegar a millones de espectadores de manera masiva"

Martel & Labatut, en un duelo cortés sobre literatura, cine y locura

El escritor chileno y la cineasta argentina protagonizaron una de las actividades más convocantes del festival.En una sala colmada, debatieron sobre escritura y creatividad y se entrevistaron mutuamente en un ida y vuelta hechizante.

Héroes con piel de villanos: la historia de cinco personajes del cine que no tienen el don de la bondad

En la televisión, algunos personajes parecen héroes, pero sus acciones revelan una moral ambigua que los convierte en verdaderos villanos.

Con un premio para El jockey y las palabras de Ricardo Darín, el cine argentino tuvo su gran noche en San Sebastián

Con un destacado premio para El jockey, de Luis Ortega, el cine argentino cerró este sábado una de sus presencias más destacadas en toda la historia del Festival de San Sebastián. Además de este reconocimiento, la ceremonia de clausura de la muestra cinematográfica más importante de todo el calendario anual para el mundo de habla hispana dedicó un momento especial a la actualidad del cine argentino y especialmente al acto de apoyo realizado el martes pasado por iniciativa del propio festival, en el que hubo críticas muy fuertes a la política cultural que lleva adelante el gobierno de Javier Milei. Allí se difundió un breve video especialmente grabado por Ricardo Darín.Esos cuestionamientos volvieron al centro de la escena cuando el actor Nahuel Pérez Biscayart, protagonista de El jockey, subió al escenario del Auditorio Kursaal para recibir el premio como la mejor película de Horizontes Latinos, una de las principales secciones paralelas de la muestra. "El gobierno actual de la Argentina está empecinado en llevar a cabo un plan de destrucción del cine nacional y con eso también se lleva puesta a nuestra cultura. Se creen muy pillos y muy militantes de la libertad, pero detrás del engaño en el que viven y el odio que profesan no hay libertad, sino una profunda soledad", dijo el actor argentino."Podrán intentarlo, pero no van a borrar nuestras memorias y nuestro futuro. Sepan que todo el amor que nos produce juntarnos para filmar en nuestro país será mucho más fuerte que todo este desprecio", agregó Pérez Biscayart, quien antes despedirse, dedicó el premio a su compañero de elenco Daniel Fanego, fallecido hace pocos días e hizo una reivindicación explícita a la "Palestina libre, diversa y humana".El premio a El jockey se justificó, entre otros argumentos, "porque no teme a los excesos ni al humor para proponernos un viaje que es una indagación sobre la construcción de la realidad". Así lo afirmó, al anunciar la distinción, el presidente del jurado de Horizontes latinos, el crítico y ensayista argentino Fernando E. Juan Lima, exvicepresidente del Incaa y expresidente del Festival de Cine de Mar del Plata.Noticia en desarrollo

Festival de San Sebastián: premios y ovaciones para el cine argentino

En un video enviado especialmente, Ricardo Darín agradeció el apoyo del festival donostiarra. Y el actor Nahuel Pérez Biscayart, protagonista de "El jockey", afirmó sobre el escenario: "Podrán intentarlo, pero no nos van a destruir, no vamos a borrar ni nuestras memorias ni nuestro futuro".

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Reconocidos cineastas, actores, productores y personalidades de la industria cinematográfica mundial se darán cita en la capital michoacana

¡Nueva edición de la Fiesta del Cine! Cuánto salen las entradas y cómo conseguirlas

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Filmó con los grandes y vino a rodar con María Luisa Bemberg.Escapó de un campo de prisioneros durante la Segunda Guerra Mundial.

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Arranca la Fiesta del Cine, hasta el miércoles 2 de octubre.Se pueden ver estrenos y películas en cartel. Dónde aprovechar la oferta.

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Luis Ortega: sus diferencias con "el cine del algoritmo", su mirada sobre el mundo y el recuerdo conmovedor de Daniel Fanego

"Esta película inaugura para mí una nueva etapa, que es como un punto de no retorno". Para hablar de El jockey, la película argentina de mayor proyección internacional de este año que se estrena este jueves a los cines de nuestro país, Luis Ortega abandona de entrada cualquier intención de referirse a temas específicos del cine.No habrá en el comienzo de una larga conversación con LA NACION menciones al argumento, a los actores o a su propio trabajo como director, sino un ejercicio de introspección desde el cual se plantea unos cuantos interrogantes. En todo caso, profundos descubrimientos creativos que confirmarán algunas respuestas, expresadas a través de una obra de notable coherencia, todavía secreta en su mayor parte para el gran público, junto con varias preguntas nuevas. Y aclaraciones frente a posibles equívocos, como el de creer que El jockey es una película sobre el turf.Ortega responde desde el sillón más grande de su amplio estudio ubicado a pocas cuadras de Parque Centenario. Detrás, ocupando casi toda la pared, hay una inmensa pintura con el rostro de Leonardo Favio en su juventud. Estamos en un piso alto, antiguo y muy bien cuidado, al que se accede por una estrecha escalera y en el que el visitante descubre, por ejemplo, dos enormes bibliotecas, una con libros y otra llena de películas de cine de autor en DVD. Los volúmenes que están sobre el escritorio resumen buena parte del perfil de las búsquedas intelectuales de Ortega: Rimbaud, Lou Reed, Freud y el escritor inglés Denton Welch, cuya breve y atormentada vida podría perfectamente inspirar a uno de los típicos personajes de las ficciones del director."El Hipódromo de Palermo, que es un lugar mágico, tuvo la generosidad de brindarnos una locación que es única en el mundo. No hay otro lugar igual. Y yo les aclaré que no era una película sobre el turf. Después de verla muchas veces, me di cuenta que en realidad habla más de lo que se siente ser un director de cine que un jockey. Y del contraste entre el mundo interior, de donde salen las películas, y la industria y el mundo de los negocios, que en definitiva deciden qué se va hacer y qué no", explica Ortega.La charla transcurrió en el breve lapso que el director encontró para regresar a Buenos Aires después de presentar El jockey en los festivales de Venecia (donde formó parte de la competencia oficial) y Toronto, y antes de viajar a San Sebastián, donde recibió la noticia de que su película había sido elegida por la Academia del Cine de la Argentina para representar al país en la búsqueda del Oscar internacional y del Goya a la mejor película iberoamericana.Asomarse a la historia de Remo (Nahuel Pérez Biscayart) -un jockey obsesionado con mantener su fama pasada, amenazada hoy por distintas adicciones, y de su desaparición después de un accidente, de la cual regresa completamente cambiado, alterando su mundo y el de las personas que forman parte de él- abrió en Ortega preguntas profundas y complejas relacionadas con la identidad, la personalidad, la creatividad. "Yo siempre estuve convencido de la película que iba a hacer, pero a los productores con los que había trabajado hasta ese momento no les pareció lo mismo. Antes, si me animaba a pasar por una sala donde se veían mis películas, lo más probable es que estuviera vacía. Fueron películas hechas con dos pesos, casi sin equipo técnico. Hice un largo recorrido hasta que en un momento las cosas empezaron a funcionar mejor. Pude arreglar esta casa, por ejemplo. La imaginación es gratis, escribir tiene un costo mental y físico, pero para filmar tenés que salir a pedir el dinero y la industria está pendiente de otros asuntos. El desfasaje puede ser muy grande", explica.-Pero estuviste en Venecia y en Toronto, festivales muy grandes y exigentes, donde tu película fue seleccionada y muy bien recibida por la crítica.-Me refiero a la instancia previa a la realización de una película, que es una apuesta a algo que nunca resulta un negocio garantizado. Las productoras repiten a los mismos actores todo el tiempo, el algoritmo, la estructura, el modo de narrar. Y cada vez hay una tendencia más grande entre los productores y las plataformas de eliminar del mapa al director, que pasó a ser un estorbo en el negocio.-¿Cómo es eso?-Dentro de poco, a una película la va dirigir la inteligencia artificial. Estamos en un momento en el que las cosas no sé si son buenas o malas, esa es otra discusión. Pero las cosas que tienen corazón son un incordio para los negocios. Solo están pensando en un actor famoso, en un guion que cumpla la función de lobotomía del día para que un espectador que no piensa, no sufre y no siente pueda volver al trabajo al día siguiente y ser funcional. Yo pienso otra cosa: creo que cualquier expresión artística pone en cuestionamiento muchas cosas y puede generar crisis profundas. Hacer que una persona decida, por ejemplo, que no quiere trabajar más de lo que está haciendo.-¿Es lo que te está pasando a vos con esta película?-Una historia como la de El jockey puede generar incomodidades que perturban un poco el orden y eso genera problemas. De repente, aparece una película como esta, que cuestiona quiénes somos en realidad, si es que somos alguien. Es un riesgo y un dolor de hâ?¦, porque el guion no es convencional, porque un productor no sabe cómo va a salir. La disociación que tiene el personaje principal de El jockey con su métier, digamos, es la representación de lo que significa estar vivo hoy y tener que lidiar con gente que solo está detrás de un negocio redituable.-Vos estás advirtiéndole de alguna manera al espectador que se va a encontrar con una historia que lo pondrá frente a un espejo, lo va a incomodar y le hará cuestionar unas cuantas cosas. Probablemente esta no sea una película para todos.-Ese es un veredicto. Al mismo tiempo, tengo mis dudas sobre quiénes son todos los espectadores. No sé si es un halago o un defecto formar parte de "todo el mundo". Pero hablando del espejo, cuando nos despertamos a la mañana y nos miramos ahí, no tenemos la menor idea de quiénes somos. Esa es la pregunta que se hace El jockey con su propio lenguaje. El relato está hilvanado por esa pregunta: ¿dónde está uno? Sin duda, el cuerpo no es suficiente como respuesta y ahí entra la parte espiritual."Las cosas que tienen corazón son un incordio para los negocios. Solo están pensando en un actor famoso, en un guion que cumpla la función de lobotomía del día para que un espectador que no piensa, no sufre y no siente pueda volver al trabajo al día siguiente y ser funcional"-¿De qué manera?-De ahí surge mi relación con el cine. Todos somos una cámara, nos guste o no. Lo que hacemos es percibir imágenes y sonido permanentemente. La anarquía de la percepción es tan grande y varía tanto entre las personas que, en el fondo, todos tenemos un gran potencial creativo. Pero, por algún motivo, la industria se encargó de colocarlo en una cajita y reducirlo a una expresión muy pobre. El cuentito, el conflicto, los tres actos, lo que tiene que pasar a los 20 minutos. Si mirás hoy una película de Fellini, lo que ves es de una libertad descomunal, abrumadora como la vida. Y pasaron, no sé, 70 años, y el lenguaje se empobreció de una manera desmoralizante. Nadie se atrevería a hacer tres planos de La dolce vita, La Strada. Se lo decís a un productor y te tira el guion por la cabeza.Trucos evidentes-¿Y a qué se debe esa involución?-Dicen que en la época de las cavernas la gente se juntaba alrededor del fuego y uno tenía que contar un cuento. Si los otros se aburrían, le daban un palazo en la cabeza. De allí hasta hoy debería haber una evolución. Y por supuesto, es clave que una película te atrape. Pero, ¿a qué costo? ¿Hacer un truquito de guion evidente cada tres minutos? Sería mucho mejor entrar en un viaje que ponga tu propia vida en perspectiva, porque estamos todos muy aislados y deberíamos unirnos a partir de nuestra fragilidad. Es la soledad y la vulnerabilidad lo que tenemos en común, no la fortaleza. No aceptamos ese factor humano que es común a todos. Y eso trae consecuencias.-¿Cuáles?-Que la inteligencia artificial esté ocupando el lugar que hoy tiene. Como te dije, va a terminar dirigiendo las películas y van a terminar actuando en ellas actores que no existen. Dentro de poco tiempo, Netflix va a dirigir sus películas sin directores. En realidad ya lo está haciendo.-Venís de contar historias de personas reales, como Carlos Robledo Puch en El ángel y los integrantes del clan Puccio. Ahora entrás en un mundo idiosincráticamente porteño, como el del hipódromo, pero sin un anclaje concreto en la realidad. Quienes esperan una continuidad con tus trabajos más recientes seguramente se van a extrañar.-Hay un engaño alrededor de esa realidad. El ángel está inspirado en una persona que existe, pero nadie le conoce la voz o una frase real que haya salido de su boca. No hay una sola entrevista filmada con él. No es la vida de Julio Iglesias. Es una leyenda urbana. Lo que hice en El ángel fue una ficción absoluta. Como a los productores les resulta un negocio más seguro basarse en un caso real, me agarré de eso para conversar con ellos, pero a mí nunca me interesó que fuera un caso real. De hecho, todo lo que pasa en esa película es inventado. Y en El jockey también, solo que con más libertad."Si mirás hoy una película de Fellini, lo que ves es de una libertad descomunal, abrumadora como la vida. Y pasaron, no sé, 70 años, y el lenguaje se empobreció de una manera desmoralizante"-¿No hay nada en El jockey que no haya salido de algún caso o hecho verídico?-El jockey nació igual que mi primera película, con un tipo que caminaba por la calle. Me llamó la atención y lo empecé a seguir. Iba vestido con una cartera y un tapado de piel, mitad hombre y mitad mujer, y entraba en todas las farmacias. Cuando salió de la tercera me dijo: "Peso cero en todas las balanzas, no existo. Pero me persiguen". Me pareció un punto de partida alucinante. Ya tenía la película.-¿Y cómo apareció la temática turfística?-Un amigo muy querido me llevó al hipódromo y me dije: este tipo pudo haber sufrido un shock y se cayó del caballo. Al despertar del coma agarró un tapado de piel, una cartera y salió a la calle. Se le borró el disco rígido.-Y te dijo además que no pesaba nada. En el mundo de los jockeys hay un tema importante con el peso del jinete y con la balanza.-Exacto. El tipo sale del hospital y empieza a mirar al mundo con la pureza de un ser recién nacido. No tiene toda la información que manejamos nosotros. Mira todo a su alrededor como si fuera un milagro, no busca explicaciones ni etiquetas. Entonces, golpearnos en la cabeza puede ser una gran oportunidad.-¿Cómo se relaciona esta expectativa con aquello que comentabas al comienzo sobre encontrarte en un punto de no retorno para tu carrera?-En que hay una mayor confianza en la intuición y en el resultad. Ya no quiero bajar el nivel del lenguaje para complacer a aquella gente que después, en definitiva, va a terminar empobreciendo el resultado de la película. Hoy tengo una visión, la puedo respaldar y garantizar que estoy ahí para que funcione. El mundo ingresó en otra fase y no podemos quedarnos detrás con las propuesta audiovisuales. Percibir hoy imagen y sonido desde una computadora o en la calle es algo muy distinto a lo que ocurría hace 10 años, ni hablar de más lejos. Hay que estar a la altura de la experiencia humana actual en vez de anclarnos.-¿Cuál es tu fórmula para lograrlo?-A mí me encanta el relato clásico. Lo único que veo son películas en DVD de hace mucho tiempo. Hace poco vi La noche, de Antonioni. No sé cómo podría filmarse hoy algo así. El otro día apareció mi hijo hablando de San Martín y Remedios de Escalada. Le conté que su abuela, Evangelina Salazar, había sido Remedios en una película de Torre Nilsson. Cuando la vimos, había una batalla con 200 caballos. Ningún productor hoy consigue eso.-Batallas enormes filmadas sin un solo efecto digital.-Tal cual, pero hace 60 años se hizo tranquilamente. No es Ran, de Kurosawa, pero ves de verdad a esa tropilla yendo al combate, los caballos que ruedan, los jinetes que caen. Ves Nazareno Cruz y el lobo y decís: esto se parece a la vida, aunque uno no sea un lobizón.Dar un paso al costado-No hay un mensaje político en tus películas, pero sí una proclama humana. Seguís el camino de los marginales, de los que están fuera del mundo. ¿Eso es lo que querés decirle al público en este momento?-En realidad no quiero decir nada en particular, pero sí creo en que nosotros, como personas, tenemos el derecho de dar un paso al costado y decir que no vamos a formar parte de un mundo que no ofrece ningún contenido espiritual que pueda ayudar a salvarnos. Todo eso tiene un costo económico y social, pero también un beneficio profundo, que es hacer contacto con lo que uno es en realidad. Si hay algo que propone la película es entrar en contacto con lo desconocido, con el infinito. El viaje no se termina cuando te morís ni empieza cuando nacés.-Es lo que hace el personaje de El jockey. Un viaje a lo desconocido.-Es lo que hace brotar la empatía y el amor entre las personas. Allí es cuando nos miramos y podemos decir que estamos todos perdidos y no nos atrevemos a confesarlo. A veces tiene que ocurrir algo tremendo como morir y nacer de nuevo. Es lo que le pasa al protagonista de la película.-Te vimos hace pocos días en la alfombra roja de Venecia. ¿Sentís alguna contradicción entre tu presencia en un lugar como ese y la postura que tenés frente al mundo en este momento?-Esta película está hecha de la imaginación o la percepción que puede tener un chico de seis años. Es una extensión de tu infancia. Si lo que triunfa es que te reciban con una propuesta que no pasa con hacer un negocio, ganar dinero o prestigio, es un honor para mí estar en esa alfombra roja. También es un momento lisérgico y extrañado. Yo llegué hasta acá como un chico, soñando. No cambió nada para mí, más allá de los cambios en el cuerpo. Sigo siendo una persona sensible que logró un poco de credibilidad en el afuera, porque los chicos siempre son subestimados en su locura, en cómo construyen las frases, en cómo dibujan de manera no convocncional. Hasta que vienen y nos podan las alas, te mandan al colegio, a responder a un nombre, a tus responsabilidades, a empezar a encarrilarte y ser un empleado más de la matriz.-Pero hay socializaciones inevitables. Vos también mandás a tu hijo a la escuela.-Sí, pero después me encargo que él se reafirme en su mundo imaginario.-¿Te cambió la perspectiva como creador el hecho de que tu hijo ya tiene cinco años, entra en uso de razón y podés compartir cosas con él, como ver la película El santo de la espada, en la que actúa su abuela?-Si yo no hubiese tenido un hijo esta película no existiría. El jockey está completamente atravesada por la experiencia de ser padre. Gran parte de la película está marcada por la sensación de ansiedad y pánico que nos genera no saber qué tipo de padre uno puede llegar a ser. Lo mismo le pasa al personaje cuando dice: yo ni siquiera aprendí a amar, no sé cómo se ama. Lo que la película propone es estar a la altura de nuestra percepción. Por eso hice pintar el cuadro de Favio con el rostro que tenía cuando era chico. Siempre me está mirando como si me dijera: no arrugues.-Hablás de tu familia, de tu hijo. Y vos mismo formás parte de una familia con un apellido de peso, con padres y hermanos que han hecho cosas importantes, que dejaron su huella. ¿Hablás con ellos de tus películas? ¿Les mostraste El jockey?-Por supuesto. Y hay muchas cosas que tenemos en común. A los ocho o nueve años mi viejo trabajaba en un cementerio y el otro día me contaba que uno de sus trabajos era sacar los restos de las personas a las que sus familiares ya no iban a visitar y trasladarlos a un osario. "Tanto lío para esto. Haya sido uno lo que haya sido, termina en esto", decía. Y de eso exactamente habla la película. Lo que uno cree que es, al final no es. Cuando tenés un hijo te das cuenta que es imposible que el alma aparezca con el parto. Venimos de más lejos, es evidente. Cuando sos chico te das cuenta.Todo es transitorio¿Y ahora que sos adulto y reconocido por todos? ¿Quién es Luis Ortega?-Yo sé que no soy nadie. Si dicen Luis, por ahí me doy vuelta. Pero eso no quiere decir nada. Este cuerpo es una herramienta para mí. Pero yo sé que el hombre detrás de las películas no existe. Me encargo todos los días de no tomarme muy en serio. Sé que esto es absolutamente transitorio, todo lo es. Pero este personaje que nos tocó hacer en este plano, en este momento, es muy transitorio. ¿Cuánto puede vivir una persona en relación al infinito? No es nada, no es ni un pestañeo en la eternidad.-¿Ya estaba en tu cabeza Nahuel Pérez Biscayart cuando empezaste a pensar en El jockey?-Aquella persona que seguía y entraba a las farmacias era real, un vagabundo de origen ruso, creo que era de Sebastopol. Lo vi vestido de mujer y me dije que el único que puede hacer esto es Nahuel Pérez Biscayart, uno de los mejores actores del mundo. Acá tenemos grandes actores, como Rodrigo de la Serna, pero son muy pocos los que cuentan con esa energía vital que trasciende al personaje.-¿Cómo sigue tu vida después de El jockey?-Toda esta negativa que tienen los productores de financiar cosas que no son obvias o no cumplen con el algoritmo a mí me llevaron a crear mi propia productora. En el fondo, me hicieron un favor. La armé con Rodolfo Palacios, que viene de la escritura y del periodismo, y con Esteban Perroud, que es un tipo de cine. Para hacer esta película nos juntamos con Rei Cine, gente más relacionada con el acto cinematográfico y no tanto con el algoritmo. Me parece que es el momento de pasar al frente. Yo ya no tengo 19 años y estoy estoy dispuesto a pararme en la línea de fuego y hacer lo que tenga que hacer para que mis películas vean la luz. También estoy dispuesto a hacerlo por otros directores.¿Hay alguna idea dando vueltas en ese sentido?-Estamos con un proyecto que va a dirigir un amigo mío toda la vida, Martín Fisner, que encuadró casi todas mis películas. Es una historia totalmente libre sobre el paso por este mundo de Luca Prodan y la va a protagonizar Peter Lanzani.-También adelantaste algo en Venecia de tu próximo proyecto como director en una entrevista con Variety.-Así es. Es la historia de un cura muy abocado a la búsqueda de Dios y al servicio hacia los demás. Y un día se cruza en su camino a una actriz que no duerme hace como 14 días y se empieza a volver loca. Él la contiene y empieza entre los dos un vínculo amoroso. A partir de ese momento, ella lo introduce en un mundo más caótico, con muchos excesos. Él empieza a dar unos sermones brillantes, pero algo excesivos, y la Iglesia decide mandarlo a Bolivia, a Potosí, a trabajar con los mineros. Y se especializa en dinamita, un material que está al alcanza de cualquiera allí, porque hay muchos pueblos mineros.-¿Qué es lo que más te llama la atención de una historia como esta?-Me gustó la idea de mostrar a un cura que anda buscando a Dios y se especializa en dinamita. En un momento, él cruza el salar de Uyuni para visitar a un monje que le dice que el mundo empezó con el suicidio de Dios y eso dio origen al Big Bang. Y esa teoría es un poco la que atraviesa la película, el suicidio de Dios que da origen al Big Bang.-¿Ya tenés decidido hacerla?Sí. Ya estoy buscando locaciones, tengo algunos socios y un protagonista en mente. La película termina en Suiza, en una especie de NASA europea que está a 200 metros bajo tierra donde un grupo de científicos trabaja con la "máquina de Dios", tratando de descubrir la sustancia de la eternidad.-El jockey fue tu último trabajo con Daniel Fanego. ¿Qué recuerdos guardás de tu trabajo junto a él?-En los últimos seis años filmé tres películas con Fanego: El ángel, El jockey y Siempre es de noche, que está ahora en postproducción. Hace unos días le dije que no me imaginaba haciendo una película sin él, y todavía no lo imagino. Dirigió la obra Después del ensayo, que espero siga en cartel porque es una maravilla. Hace brillar a los actores como solo lo puede hacer alguien que ama profundamente. Y a su vez era un estoico. La última vez que lo vi estaba mirando a la muerte de frente. Y no se le movía un pelo. Antes de despedirme rezamos junto a Laura, su mujer. Por suerte nos dejó a su hijo Manuel, que es un santo y un artista de los que no abundan. De cualquier modo, nos volveremos a ver.

La sorprendente evolución de los actores de "How I Met Your Mother": de la televisión al cine y la música

A 19 años de la famosa serie, los protagonistas han continuado ricas carreras personales. Desde dramas históricos hasta el mundo de Marvel y pasando por el folk-pop, han explorado nuevos horizontes

Fiesta del Cine: dónde conseguir entradas a $2500 para todas las películas

Las salas porteñas ofrecerán tickets a un precio promocional para todos los filmes en cartelera. El listado de cines que participan de la movida cultural.

Vuelve la Fiesta del Cine, con entradas a 2500 pesos y otras promociones

Por cuarta vez se realizará en la Argentina la Fiesta del Cine, una iniciativa que promueve a lo largo de toda una semana descuentos y promociones en los precios de las entradas y de los combos, además de otros beneficios, en casi todas las cadenas y complejos cinematográficos del país.El eje de la propuesta es un valor unificado para todas las funciones, sin distinción. Entre el 26 de septiembre y el 4 de octubre, las entradas para ver películas en las salas 2D, 3D, XD y Comfort Plus de los cines participantes tendrán un precio fijo de 2500 pesos. Y para las proyecciones especiales en salas Premium (4D, DBox), de 5000 pesos. A estas promociones se sumarán rebajas en el costo del pochoclo, las bebidas, combos especiales y packs de suscripción que pueden consultarse en los sitios oficiales de Internet y las redes sociales de las principales cadenas multipantalla.Es la segunda vez que la Fiesta del Cine se realiza este año, después de lo ocurrido en la última semana de febrero. Y como en aquella ocasión, el propósito de los exhibidores es estimular el regreso del público a las salas en un escenario bastante alicaído, con números de taquilla ciertamente bajos. El mercado local atraviesa un período de cifras negativas, cuyo último dato significativo fue la baja de un 7 por ciento respecto del año pasado en el número de entradas vendidas durante agosto. Esa tendencia sigue en septiembre, impulsada por el impacto de la crisis económica en el consumo y la escasez de títulos atractivos en la cartelera.También a semejanza de lo ocurrido en esa oportunidad, esta nueva Fiesta del Cine tendrá vigencia durante una semana que no registra estrenos internacionales de peso. En cambio, se presenta muy propicia para descubrir lo mejor del cine argentino actual a precios más accesibles de los habituales. Este jueves se estrena El jockey, de Luis Ortega, la película nacional de mayor proyección en el mundo durante esta temporada, que además acaba de ser elegida como representante oficial del país en la búsqueda del Oscar internacional y del Goya a la mejor película iberoamericana.Y lo mismo ocurre con El hombre que amaba los platos voladores, de Diego Lerman, con Leonardo Sbaraglia, que en este momento participa de la competencia oficial del Festival de San Sebastián, cuyos ganadores se anunciarán el sábado 28. Pero, a diferencia de El jockey, no estará disponible en las cadenas más importantes que se negaron a programarla porque tendrá un lanzamiento global en streaming a través de Netflix muy cercano, el 18 de octubre.A estas dos novedades de producción local se agrega la continuidad en la cartelera de otros dos valiosos largometrajes de producción nacional: Linda y El aroma del pasto recién cortado. En cuanto a los estrenos internacionales, la Fiesta del Cine coincide con la incorporación a la cartelera de Carnada, Hellboy: The Crooked Man, Stella, una vida (recientemente vista en el Festival de Cine Alemán) y Deep Web: show mortal.Para reforzar la campaña promocional se programaron en esta semana de promociones y descuentos varios reestrenos. En los complejos de las cadenas Hoyts y Cinemark podrán verse de nuevo en pantalla grande el Batman de 1989 dirigido por Tim Burton, el Superman de 1978 (con el debut de Christopher Reeve) y la primera película de la trilogía de Volver al futuro (1985). La cadena Showcase, en tanto, volverá a exhibir algunos títulos destacados que llegaron a los cines recientemente: El planeta de los simios: nuevo reino; Garfield: Fuera de casa; Bad Boys: hasta la muerte; Un lugar en silencio: día uno y Tornados.Participan de la iniciativa las cadenas Hoyts, Cinemark, Cinépolis, Showcase, Atlas, Multiplex, Cinemacenter, CPM, Las Tipas, Sunstar, Cinema La Plata y distintas salas y complejos de todo el país.

Pedro Almodóvar cumple 75: el maestro del cine que convierte mentiras en verdades

Pedro Almodóvar celebra mientras presenta 'La habitación de al lado' en el Festival de San Sebastián 2024. Una carrera innovadora que inspiró a Quentin Tarantino y Lucrecia Martel. Cómo explorar su filmografía en Netflix.

Llega la Fiesta del Cine 2024: cómo y dónde conseguir entradas a $2500

Del 26 de septiembre al 2 de octubre habrá descuentos y beneficios exclusivos para los últimos estrenos de la pantalla grande.

Llega la Fiesta del Cine: cómo y dónde conseguir las entradas a $2500

Este jueves 26 de septiembre inicia la cuarta edición de la Fiesta del Cine 2024 que tendrá lugar hasta el 2 de octubre en todo el país. De este modo, se ofrecerán entradas en promoción a $2500 y con ello permitirá que un amplio grupo de personas puedan acceder a un catálogo diverso de películas. Conocé cuáles estarán en cartelera y cómo conseguir los tickets con este descuento.Este festejo tiene como fin convocar a los espectadores a una experiencia inmersiva de ver películas en la pantalla grande, por un precio menor al que se acostumbra a cobrar las entradas -que en muchos casos rondan entre los $5.000 a $10.000-. La promoción será válida para toda la Argentina y la misma contemplará estrenos y versiones en 2D y 3D.¿Qué cines estarán disponibles en la cuarta edición de la fiesta?Algunos de los cines más reconocidos que se encuentran a lo largo y ancho de la Argentina incluirán dicha promoción con entradas a $2.500. Ellos son: Cine Hoyts, Cinema Center, Cinépolis, Atlas Cines, Cinema La Plata, Cinema Adrogué, Cines Holiday, Cines de la Costa, Tu Cine, Ópera 3D, Multiplex, Showcase, Cines de Chivilcoy, CPM Cines, Cine Rex, Cine Sun Star, e-Max Cines, Cine París, Flix Cinema Cine Teatro Renzi, Cinema Devoto, Cine Star, Play Cinema, Cine Barrio/Monumental, Paseo Aldrey Cines, Complejo Cinerama, Sud Cinema, Cine Teatro Antonio Lafalla, Eter Cine 3D, Las Tipas, Cine Belgrano, Cine Recite, Auditorium, Cines Ocean, Nuevo Solar del Cerro, Cines Dino Mall, Cines del Centro, Cine Círculo, Cine Zurro: complejo cultural, Cinema Concept, Cultura Sáenz Peña, Cine Teatro Pila y Cine Río Gallegos.Ya Podés Comprar Tus Entradas Para La #Fiestadelcine¿Cómo acceder a la promoción de $2.500 por entrada?Para no perderte esta oportunidad, podrás ingresar al sitio web oficial www.FiestadelCine.com.ar en donde encontrarás la disponibilidad de salas y los descuentos que se aplicarán. Los valores oscilan entre los $2.500 a los $10.500 y en algunos casos se incluyen combos.Las películas que se proyectarán durante la Fiesta del CineLa cartelera estará compuesta de diferentes filmes, desde algunos que ya se estrenaron y también incluirán nuevos lanzamientos, debido a que la Fiesta del Cine comienza un jueves, jornada de recambio de algunas proyecciones. Por ende, los espectadores tendrán la opción de elegir entre una película que lleva varios días en exposición o una publicada recientemente.Dentro de los títulos, se distinguen: Transformers Uno, Romper el Círculo, Beetlejuice, El Jockey, Hellboy: The Crooked Man, Volver al Futuro (remasterizada), Alice: la gemela del diablo, La Sustancia, Romper el Círculo, Intensamente 2, No Hables con extraños y El Guasón 2: Floie a Deaux.¿Dónde comprar las entradas?Para acceder a los beneficios, podrás adquirir las entradas en el sitio web de cada cine. Allí se te indicarán cuáles están bajo la promoción y con qué combos podrás combinarlas. Cabe remarcar que ya están disponibles a partir de este miércoles 25.Combos y másEn la mencionada promoción se podrá acceder a una serie de beneficios extra como la compra de un combo de pochoclos y gaseosas por un módico precio que, dependiendo el cine de cada localidad, pueden oscilar entre los $5.000 a los $14.000. Los más económicos comprenden salas 2D y 3D, mientras que las más costosas incluyen opciones en 4D y DBOX.

Festival de San Sebastián: nuevas críticas a Milei en una actividad en defensa del cine argentino

En el Festival de San Sebastián, que se desarrolla en el País Vasco, España, ya hubo varios capítulos contra el presidente argentino, Javier Milei. Se sumó uno nuevo y muy ruidoso este martes, cuando se realizó una jornada especial en apoyo del cine argentino y el director del evento, José Luis Rebordinos, arremetió contra las políticas del gobierno argentino, que hizo un fuerte recorte al gasto en cultura.Además de los dardos que Rebordinos ya había girado contra Milei antes de que arrancara el festival y de que durante la apertura los cómicos que actuaron como anfitriones del encuentro también se plegaran contra el libertario, desde el evento decidieron dedicar su "focus on" al cine nacional. La iniciativa normalmente se basa en que un grupo de profesionales procedentes de determinado país, región o territorio va al festival para extender su red de contactos y participar de las actividades.Esta vez se concentraron en el Auditorio Kursaal -que es la sede central de San Sebastián- representantes del festival pero también de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, para un acto de apoyo a la industria "ante el intento de desmantelamiento" que entienden que realiza la gestión de Milei. Según información oficial, en la actividad hubo instituciones, programadores y jurados del festival, que asistieron a la convocatoria "en solidaridad con la situación excepcional que vive el cine argentino independiente, cuyos proyectos fueron paralizados". Se vio entre el grupo a los reconocidos actores Leo Sbaraglia y Daniel Hendler.Los presentes desplegaron una bandera celeste y blanca con la frase en mayúsculas "cine argentino identidad" y en ese marco Rebordinos indicó: "La Dirección del Festival de Cine de San Sebastián quiere mostrar su solidaridad con la industria cinematográfica argentina ante la situación excepcional que vive con la paralización de muchos de sus proyectos, el vaciado de contenido del Incaa, y con las medidas que este gobierno está tomando que ponen en peligro el desarrollo, no solo de su cinematografía, sino también de otras manifestaciones de su cultura". View this post on Instagram A post shared by SSIFF | Festival de San Sebastián (@sansebastianfes)Asimismo, el director del festival dejó en claro que con sus palabras no pretendía "ninguna intromisión" en la política local, pero señaló: "Durante años hemos colaborado con un Incaa que ha tenido diferentes colores políticos, perteneciendo a gobiernos conservadores y liberales o a otros de tipo peronista. Con todos ellos, y con sus características propias que a la ciudadanía argentina corresponde definir, la industria argentina ha conseguido desarrollarse con normalidad y ser una de los más importantes de América Latina, mostrando una imagen positiva del país y siendo un motor económico del mismo".No obstante, contrastó esto con la administración libertaria. "Hoy, el Festival de Cine de San Sebastián, como manifestación cultural que es, no puede permanecer al margen del desmantelamiento de una cinematografía nacional por parte de un gobierno que, además, justifica a una dictadura militar que asesinó a miles de ciudadanos. ¡Aguante el cine argentino!", exclamó Rebordinos, que en su momento también había considerado que las políticas de Milei para el sector "no podían ser más nefastas".Además, en la jornada que se hizo en San Sebastián transmitieron El hombre que amaba los platos voladores, dirigida por el argentino Diego Lerman, y se hizo el estreno internacional de Traslados, que es una no-ficción que indaga en los "vuelos de la muerte" del último proceso militar. Está dirigida por Nicolás Gil Lavedra y producida por Zoe Hochbaum."Es necesario que comprendamos con convicción que con cada obra que hacemos le estamos dando identidad, trabajo y cultura a nuestro amado país", dijo, por su parte, el presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, Hernán Findling.

El actor José Coronado, Premio Ciudad de Huelva del 50 Festival de Cine

Belén Atienza, Premio Elías Querejeta, ve el cine como "un oficio de creación colectiva"

Meryl Streep promovió el uso del cine y la TV para concientizar sobre el cambio climático

La actriz prestó su voz en un anuncio de Sustainable Entertainment Alliance, donde promueve nuevas narrativas para informar sobre el estado del planeta

Leos Carax: "El cine ha perdonado muchísimo a los hombres"

'Hellboy: The Crooked Man', 'El Jockey' y más, lo que llega al cine en la semana del 26 de septiembre

Desde la nueva aventura del icónico personaje de Mike Mignola hasta el estreno de la más reciente producción de Luis Ortega, repasamos los lanzamientos de la semana

David Schwimmer recordó la decisión que podría haber cambiado su carrera: "Me habría convertido en una estrella de cine"

En una reciente entrevista, el actor reflexionó sobre cómo pudo haber cambiado su trayectoria si hubiera aceptado protagonizar uno de los grandes éxitos del cine

La cuarta edición del Día del Cine Español llegará a 300 localidades del mundo rural

La crítica a Milei en el Festival de San Sebastián: "El cine argentino está en peligro y hay un hombre empeñado en silenciarlo"

Los presentadores españoles apuntaron al presidente argentino en la inauguración."Es otro de esos políticos que se ha apoderado de la palabra libertad y la ha despojado de todo significado".

Javier Bardem y Penélope Cruz abrieron San Sebastián donde compite el cine nacional

A pesar de los comentarios que en la última semana dio el economista elegido por Javier Milei para estar al frente de Incaa, el cine argentino vuelve a tener presencia en el Festival de San Sebastián, donde por ejemplo, Norma Aleandro, Graciela Borges y Sofía Gala recibieron respectivos premios como "mejores actrices del certamen". Esta vez, quien aspira a un galardón como mejor actor es Leo Sbaraglia, como protagonista de 'El hombre que amaba los platos voladores'. Es en Horizontes Latinos, donde participan con sus films Luis Ortega, Lola Arias, Luis Federico, Celina Murga e Iair Said. Leer más

El cine llega a 50.000 niños vulnerables de Colombia: de qué se trata la iniciativa

Desde la infancia, las películas pueden influir profundamente en la percepción del mundo, fomentar la empatía y contribuir al desarrollo de habilidades críticas en los más jóvenes

Brad Pitt y George Clooney compartieron cómo la edad ha cambiado sus perspectivas sobre la vida y el cine

Después de tantos años en la industria, la legendaria dupla de actores se enfrentan cada vez a menos retos

Sophia Loren cumple 90: una de las últimas leyendas del cine clásico celebra a lo grande en Roma

MADRID.- Sophia Loren, la diva eterna, mito viviente del cine de la época dorada de Hollywood e icono de belleza y estilo grabado a fuego en el imaginario colectivo, cumple hoy 90 años. En toda Italia, de norte a sur del país transalpino, estos días se están celebrando homenajes con murales, retrospectivas, proyecciones y exposiciones para conmemorar el redondo aniversario de su actriz más universal, que también es, a ojos del mundo, un emblema de la italianidad.La estrella del cine, que desde hace años vive en Ginebra como una reina en el exilio, regresará a Italia para festejar su cumpleaños en familia en Roma. Según apuntan algunos medios, como Il Corriere della Sera, la diva ha elegido para la celebración de tan destacado evento un lujoso hotel del centro de la capital italiana, el Anantara Palazzo Naiadi, en el que suele alojarse cuando viaja a su país natal y que, como regalo de cumpleaños, le ha dedicado una suite personalizada que lleva su nombre. La estancia, de 180 metros cuadrados, es el lugar en el que pernocta Loren cuando está en Roma y que desprende, según el hotel, "las costumbres de la actriz, sus gustos personales menos conocidos y sus recuerdos más preciados". El alojamiento también promete lo siguiente: "Una experiencia con sabor a cine, historia, gastronomía, cultura, moda y, sobre todo, familia". La habitación está decorada con rosas blancas, las flores favoritas de la intérprete, y con imágenes que forman parte de su vida, como un cuadro de Pozzuoli, su amada ciudad de la infancia, donde pasó una infancia humilde marcada por los bombardeos de la guerra y las carencias de la posguerra. En el hilo musical sonarán las canciones favoritas de la diva, que ha dejado allí algunos libros de recetas escritos por ella misma. Por la mañana, se servirá café con dos savoiardi, como ella acostumbra a tomar.La diva soplará las 90 velas en una fiesta con 150 invitados, entre los que estarán sus amigos, familiares y otras personalidades que la han acompañado a lo largo de su carrera y que llegarán a la ciudad eterna desde varias partes del mundo. La velada comenzará con un aperitivo en la azotea del emblemático edificio, situado en la plaza de la República y con vistas a las antiguas Termas de Diocleciano, y continuará con una cena. Loren acudirá vestida por el diseñador Giorgio Armani, amigo íntimo de la actriz y que también ha cumplido 90 años este 2024.Sophia Loren es una leyenda viva del séptimo arte. En su larga y extraordinaria trayectoria ha participado en un centenar de películas durante siete décadas consagradas al cine. Su palmarés alberga medio centenar de premios internacionales, entre los que destacan siete premios David de Donatello a la mejor actriz protagonista â??los galardones cinematográficos más prestigiosos de Italiaâ??, dos Oscar, uno de ellos honorífico; un Bafta, un Oso de Oro Honorífico, un León de Oro de Venecia y un premio Cecil B. DeMille a toda una vida que le otorgó la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood en 1995. El American Film Institute la declaró en 1999 como una de las intérpretes más importantes de la historia y una de las últimas leyendas del cine clásico de Hollywood.Unos inicios difícilesSu vida comenzó el 20 de septiembre de 1934 en el pabellón para madres solteras de la clínica Santa Margherita de Roma, con el estigma que eso suponía en la Italia ultracatólica de la época. Su padre era un joven romano con orígenes aristocráticos que se limitó a darle su apellido, Scicolone, y a visitarla en contadas ocasiones. Romilda, su madre, aspirante a actriz, volvió a su localidad natal, Pozzuoli, en los suburbios de Nápoles, cuando se desvanecieron sus sueños de convertirse en estrella de cine. La propia Loren ha reconocido en numerosas ocasiones que de niña pasó muchas penurias económicas y también que vivió acomplejada al creerse fea porque era demasiado alta, muy delgada y tenía la nariz demasiado prominente para los cánones de la época. A pesar de ello, enseguida despuntó en los concursos de belleza locales y regionales y, en 1951, fue elegida Miss Elegancia en el certamen nacional. Ese reconocimiento supuso un giro en su trayectoria: entre los miembros del jurado se encontraba el productor Carlo Ponti, que más tarde se convertiría en su mentor y guía de su exitosa carrera. También en su marido, hasta la muerte del productor en 2007 a los 94 años.Hoy es difícil imaginar que alguien pudiera rechazar a Loren en una audición, pero en aquel entonces su belleza resultaba rompedora. "Era consciente de que mi atractivo era el resultado de muchas irregularidades mezcladas en un solo rostro, el mío", ha llegado a decir la actriz. Cuando empezó a trabajar en Hollywood, de la mano de Ponti, intentaron retocarle la nariz: "Carlo me dijo: 'El camarógrafo cree que tienes la nariz demasiado larga", relata en sus memorias. Su respuesta refleja su genialidad: "Si tengo que cambiarme la nariz, me vuelvo a Pozzuoli". El diseñador Gianfranco Ferré, que la vistió para la película Prêt-à-porter (1994) de Robert Altman, dijo de ella: "Es la última gran diva, no se la ama porque sea guapa, sino porque es auténtica".La diva italiana por excelencia, con un talento artístico descomunal, con su intensidad dramática, su voluptuosidad, su belleza explosiva y su elevado poder de atracción, se convirtió en un mito erótico para distintas generaciones y en una musa eterna y fuente constante de inspiración para artistas de todas las disciplinas. A los 86 años, después de diez años de retiro, regresó a la pantalla con la película La vida ante sí, de Netflix. Su hijo menor Edoardo Ponti, que ya la había dirigido en otras dos ocasiones, la convenció para ponerse en la piel de Madame Rosa, una superviviente del Holocausto que entabla una emotiva relación con un niño inmigrante.En 2014, publicó sus memorias, Ayer, hoy y mañana: mi vida, dictadas por ella misma para que nadie más osara a interpretar su vida. "La mía es una historia muy bonita, llena de muchas cosas, de muchos recuerdos, buenos, malos, porque la vida a veces es muy dura. Muy violenta, sobre todo cuando yo nací y durante la guerra. Pero, por supuesto, el final es feliz", dejó escrito la actriz.

La mansión de João Félix en Madrid que está a la venta por 12 millones: siete habitaciones, dos piscinas y una sala de cine

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Concierto y cine gratis en Lima para este viernes 20 de septiembre: dirección, horario y más detalles

Los eventos musicales y cinematográficos de este fin de semana serán totalmente gratuitos, permitiendo a los asistentes disfrutar de las actividades culturales impulsadas por las autoridades

Lionel Messi ahora también se dedicará al cine y la TV: presentan "525 Rosario", su nueva productora

Leo presentó su nueva productora de contenidos audiovisuales junto a los creadores de "Messi's World Cup: The Rise of a Legend" y "Messi Meets America".

El lamento de David Schwimmer por rechazar el rol que podría haberlo convertido en estrella de cine: "Me generó un conflicto interno"

David Schwimmer, conocido por su icónico papel como Ross Geller en Friends, reveló recientemente uno de los mayores arrepentimientos de su carrera: haber rechazado un papel para protagonizar una exitosa película que hubiese cambiado el rumbo de su recorrido en el cine.Durante su participación en el podcast Origins with Cush Jumbo, el actor explicó cómo esta decisión tomada en 1997 modificó el curso de su vida profesional de manera rotunda y reflexionó sobre ello. En un momento clave de su trayectoria, justo en la cima de la fama que le otorgaba la sitcom que protagonizó junto a Jennifer Aniston, Matthew Perry y Courteney Cox, Schwimmer fue considerado para interpretar el rol de Jay en la película Hombres de negro, que terminó convirtiéndose en un fenómeno de taquilla mundial. El papel, finalmente, quedó en manos de Will Smith.Sin embargo, debido a compromisos previos y a su enfoque en dirigir su primera película, Since You've Been Gone, el actor decidió rechazar el papel. La oportunidad de trabajar en aquella producción finalmente recayó en Smith y Tommy Lee Jones, quienes incrementaron su estatus de superestrellas gracias a la película, mientras que Schwimmer siguió siendo mayormente reconocido por su trabajo en televisión.El actor de Friends admitió en el podcast que, en retrospectiva, la elección de rechazar el papel fue un paso que probablemente afectó al desarrollo de su carrera. "Acababa de terminar de filmar El funebrero (1996), mi primera película con Gwyneth Paltrow, y había grandes expectativas, aunque luego no se concretaron", explicó. Y detalló: "Fue una especie de fracaso, pero había grandes expectativas y el estudio, que era Miramax, quería cerrarme un contrato de tres películas a un precio fijo y yo dije que lo haría si conseguía dirigir mi primera película".Según el actor, la compañía aceptó que él dirigiera en 1998 Since You've Been Gone a cambio de protagonizar esas tres películas para el estudio. El debut como director de Schwimmer iba a contar con actores de la Lookingglass Theatre Company, con sede en Chicago, de la que él mismo fue cofundador. "Todos estos actores eran desconocidos, pero básicamente los iba a poner en el mapa. Todos mis mejores amigos en mi compañía de teatro renunciaron a sus trabajos para poder estar en la película durante el verano, que iba a ser un rodaje de seis semanas en Chicago", relató.Mientras se preparaba para este proyecto, el intérprete recibió aquella oferta que pudo haber cambiado su vida y que nunca olvidó. "Estábamos en preproducción, contratamos a todo el equipo, todo estaba en marcha, y fue entonces cuando me ofrecieron participar en Hombres de negro", explicó. "Me generó un conflicto interno, porque mis vacaciones de verano con Friends era de cuatro meses. Tuve un paréntesis de cuatro meses y Hombres de negro iba a rodarse exactamente cuando yo iba a dirigir esta película con mi compañía", sumó.A dos décadas de aquel llamado telefónico, Schwimmer dice que todavía no está completamente seguro de haber tomado la decisión correcta, aunque insiste en que priorizó el proyecto que había estado planeando con sus amigos de la compañía teatral. En este sentido, el actor recalcó que considera importante "seguir el propio instinto". Y agregó: "Soy muy consciente de que Hombres de negro me habría convertido en una estrella de cine. Si ves el éxito de esa película y esa franquicia, pienso que mi carrera habría tomado una trayectoria muy diferente", mencionó. View this post on Instagram A post shared by David Schwimmer (@_schwim_)A lo largo de los años, Schwimmer habló en varias ocasiones sobre cómo su fama como Ross Geller afectó a su carrera. Si bien ha tenido papeles en películas y en el teatro, nunca logró la misma transición exitosa al cine que algunos de sus compañeros de Friends.El actor dirigió múltiples proyectos desde que hizo su debut como director en 1998, pero el interrogante respecto a la posibilidad de convertirse en una figura con presencia en el cine fuera de la televisión quedó latente tras rechazar aquel proyecto.

El cine latinoamericano estará presente en más de una veintena de títulos en San Sebastián

Sánchez y Begoña Gómez acuden juntos al cine para ver 'El 47'

Sánchez y Begoña Gómez acuden juntos al cine para ver 'El 47'

Wenders, Kluge y más directores alemanes para descubrir en el tradicional festival de cine de Recoleta

Desde este jueves, el cinéfilo porteño podrá ampliar su mirada al cine del mundo gracias a una nueva edición del Festival de Cine Alemán, cita que -en su 24a. edición- reafirma una constante: "La filosofía que tenemos es la de mostrar un amplio espectro de la cinematografía alemana demostrando que se produce todo tipo de cine aunque este año, como es lógico, hay una preponderancia de los temas que preocupan como Martin lee el Corán, con el debate entre dos personajes sobre si es lícito o no poner una bomba; La caja de cristal, con el surgimiento de los partidos de extrema derecha desde un condominio; o Stella, una vida, con la pesada mochila que fue el nacionalsocialismo con un caso basado en una historia real y que tiene confirmado su estreno comercial junto al film-noir Sin códigos", explica el director del evento, Gustav Wilhelmi.Además, este año enmarca la celebración de las siete décadas de German Films, la oficina alemana de promoción de esta cinematografía en el exterior, hecho que permite el reencuentro con varios clásicos del inmenso capital cultural del cine de aquel país: "German Films se ocupa de promover la industria cinematográfica alemana en todo el mundo. Los organismos propietarios de esta organización son los distintos estados regionales, las productoras alemanas, los distribuidores y agentes de ventas. Este organismo se creó, primero como, The Export Union der Deutschen Filmindustrie en 1954 y desde 2004 se llama German Films, siempre como organismo de promoción cinematográfica. En estos 70 años venimos trabajando para que el cine alemán esté presente a nivel mundial", añadió Wilhelmi sobre este sello que celebra su existencia con la exhibición de varios clásicos: Las alas del deseo, de Wim Wenders; La cinta blanca, de Michael Haneke; y Una muchacha sin historia, de Alexander Kluge, "Quizás la menos conocida de las que estaremos mostrando", aseveró. A continuación, cinco imperdibles más para agendar.AnselmEl legendario Wim Wenders siguió durante dos años al gran artista contemporáneo Anselm Kiefer con sus obras monumentales que, junto con la admiración, también deben buscar una lectura más meditada como es la evocación de las heridas de la Segunda Guerra Mundial. Filmada en una resolución 6K y en formato 3D y habitualmente señalada como una experiencia "inmersiva", nuevamente reafirma la enorme maestría con la cual el realizador alemán concibe al cine en tres dimensiones como parte de su narrativa, no solo un atractivo visual. Se presenta luego de su exhibición especial en el Festival Internacional de Cine de Cannes 2023. El jueves, a las 14; el domingo, a las 19, y el miércoles 25, a las 22.Una muchacha sin historiaTambién conocida como Adiós al ayer o Una mujer sin historia (Anita G), Anita G. -personaje a cargo de Alexandra Kluge, hermana del realizador- es una joven de 22 años que se traslada desde Alemania Oriental a la Occidental en busca de una vida mejor, sin sospechar que su origen judío todavía impide su posibilidad de realización. Eso llevará a Anita a rebelarse. El primer largometraje de Alexander Kluge llevó a una profunda reflexión sobre la identidad y las marcas de la historia, y a sentar las bases del Nuevo Cine Alemán. Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia de 1966. El jueves, a las 21.30 y el lunes 23, a las 16.30.Martin lee el CoránUn joven visita a un profesor especializado en Estudios Islámicos y le confiesa que va a realizar un atentado. La única posibilidad de convencerlo de desistir de esa acción es desde el Corán ¿Es posible para el profesor conseguir este objetivo? La potente ópera prima de Jurijs Saule hace foco en la religión y el sentido de la existencia de una forma inteligente a partir de un notable contrapunto verbal de los dos protagonistas, el estudiante (Zejhun Demirov) y el profesor (el experimentado actor alemán Ulrich Tukur, quien encarnó al Barón de La cinta blanca, también programada en el festival). El jueves, a las 16.30; el viernes, a las 21.30 y el martes 24, a las 14.Stella, una vidaStella Goldschlag fue una joven judía alemana que soñaba con convertirse en cantante de jazz, pero que a partir de 1943 trabajó como informante de la Gestapo buscando salvar a sus padres y a su esposo de una segura deportación. Basado en la investigación de los dos procesos judiciales contra Goldschlag en 1946 y 1957, el film respeta el orden cronológico de los hechos y devuelve a Paula Beer como la espía y delatora que basa su salvoconducto en la traición, la doble cara de la víctima y victimaria. Kilian Riedhof dirigió esta película que obtuvo el premio del público en el último Festival de Málaga. El sábado, a las 19, y el miércoles 25, a las 16.30.IvoSegundo largometraje de la realizadora por el que obtuvo el premio Heiner Carow de la DEFA Film Library en el último Festival de Cine de Berlín con su emotiva, pero no deprimente mirada a una enfermera de cuidados paliativos ¿Cómo hace Ivo para lidiar con sus problemas cotidianos y, a su vez, ser una mano segura sin involucrarse por demás con su trabajo? Minna Wündrich es en la pantalla el rostro de Ivo y también, por qué no, el rostro mismo de un universo de contradicciones. El domingo, a las 14; el lunes 23 y el miércoles 25, a las 19.Para agendarFestival de Cine Alemán, en Cinépolis Recoleta, Vicente López 2050. Del jueves 19 al miércoles 25. Entradas: 6000 pesos.

Murió 'Toto' Schillaci: la increíble vida del desconocido que enamoró al mundo en Italia 90, llegó al cine como capo mafia y vivió un karma con Maradona

El máximo goleador del certamen que tuvo la mejor canción de la historia de los Mundiales pelea por su vida en un hospital de la ciudad de Palermo, Sicilia.Un repaso por una carrera plagada de altibajos y que nunca terminó de disfrutar por completo.

Festejos por el Mes de la Herencia Hispana en Portland, Oregon: festivales, cine y teatro a bajo costo

Cada año, del 15 de septiembre al 15 de octubre, se conmemora el Mes de la Herencia Hispana en EE.UU., una celebración que comenzó como una semana en 1968 por iniciativa del expresidente Lyndon Johnson, pero que fue extendida a un mes completo en 1998. Esta festividad honra la cultura y las contribuciones de la comunidad hispana en Estados Unidos. En Portland y otras localidades de Oregón, la celebración se convirtió en un evento clave, con actividades para todos los gustos y edades.Como informó KGW8, si bien ya se realizaron algunos eventos importantes, como la Fiesta Latina en el Parque, la Celebración del Grito de Hillsboro y La Cueva del Cante, aún queda una amplia variedad de actividades por disfrutar a lo largo del mes. También se realizó el Desayuno y Cumbre de PODER en Salem, que reunió a líderes latinos de todo el estado.Qué eventos siguen vigentes para unirse a esta celebración cultural tan especial.Eventos del Mes de la Herencia Hispana en OregonEl voto hispano, una obra de teatro (hasta el 21 de septiembre)Una opción interesante y en curso es la obra de teatro 'El voto hispano/latino/latina/latinx/latine', que se presenta hasta el 21 de septiembre en el Milagro - Miracle Theatre Group. La obra cuenta la historia de Paola Aguilar, una profesora universitaria que acepta a regañadientes un trabajo para ayudar a un partido político a comprender el voto hispano y sus matices.Nuestra Cultura (12 de octubre)En Wood Village, el evento "Nuestra Cultura" organizado por JUNTOSpdx tendrá su segunda fecha el 12 de octubre, de 13.30 a 18.30 p.m., en Tany's Cafe Con Pan. La actividad ofrece una muestra de arte única, talleres culturales, música y comida típica.Es una excelente oportunidad para disfrutar de un día lleno de cultura y entretenimiento para todas las edades. Las entradas tienen un valor desde US$10, lo que lo convierte en una opción accesible para toda la familia.Celebración de la Herencia Hispana (20 de septiembre)En el sur de Oregón, la segunda edición de la Celebración de la Herencia Hispana tendrá lugar el 20 de septiembre, de 17 a 21, en Twin Creeks Park, Central Point. El evento contará con camiones de comida, música en vivo y juegos infantiles. Idea para disfrutar con los más pequeños, y gratuito.Exposición de Arte de la Herencia Hispana (20 de septiembre)El mismo día, en Hillsboro, se llevará a cabo la Muestra de Arte de la Herencia Hispana en la Biblioteca Pública de la ciudad. Desde las 18 hasta las 21.30, los asistentes podrán disfrutar las obras de artistas locales latinos. Es una excelente oportunidad para conocer cómo el arte hispano influyó en la cultura local.Festivales y cineFestival de Cine Latinoamericano de Portland (desde el 25 de septiembre)Para los amantes del cine, el Festival de Cine Latinoamericano comienza el 25 de septiembre en el Hollywood Theatre de Portland y se extenderá hasta el 24 de noviembre. Esta edición presentará una película por semana, lo que permitirá apreciar la rica variedad cultural de América Latina. Las entradas están disponibles entre US$9 y US$15.Auténtico Flamenco: Ricardo Fernández del Moral (del 27 al 29 de septiembre)En colaboración con la Royal Ópera de Madrid, el teatro Alberta Rose recibirá al guitarrista y cantante de flamenco Ricardo Fernández del Moral. Durante tres noches consecutivas, los asistentes podrán disfrutar del flamenco en su máxima expresión.Festividades comunitarias¡Viva Salem! Todos Unidos (28 de septiembre)En la ciudad de Salem, el festival gratuito ¡Viva Salem! Todos Unidos se realizará el 28 de septiembre en el Salem Riverfront Park, de 12 a 18 horas. Este evento tendrá música en vivo, presentaciones culturales y una variedad de vendedores de comida y artesanías. Buen plan para quienes buscan pasar un día al aire libre y al mismo tiempo disfrutar de la cultura hispana.El Tigre Fest 2024 (5 de octubre)El Tigre Fest 2024 se celebrará el 5 de octubre en Tigard, Oregón. Este evento, que se desarrollará en Cook Family Park de 12 a 21 horas, se orienta a toda la familia y contará con comida típica latinoamericana, música en vivo, actividades para niños y bailes. Es una linda forma de cerrar la celebración del Mes de la Herencia Hispana.Aunque muchos eventos ya tuvieron lugar, estos primeros días del Mes de la Herencia Hispana fueron un excelente arranque para la festividad. Sin embargo, aún queda mucho por ver y experimentar en Portland y otras partes de Oregón. Todavía hay tiempo para conocer, disfrutar y aprender sobre la rica diversidad cultural que la comunidad hispana aportó al estado.

Profesores en el cine: de Severus Snape a Dewey Finn, los docentes que marcaron generaciones

El 17 de septiembre se celebra el Día del Profesor en Argentina, por lo que aprovechamos la ocasión para repasar a los docentes más icónicos del séptimo arte

De Wim Wenders en 3D a Michael Haneke: nueva edición del Festival de Cine Alemán

El programa ofrecerá lo más destacado de la producción reciente, a través de ocho largometrajes y de los cortos del Next Generation Short Tiger 2024. Además brindará la oportunidad de volver a compartir en una sala tres joyas, entre ellas, La cinta blanca.Del 19 al 25 de septiembre, en Cinépolis Recoleta.

'Transformers Uno', 'La sustancia' y más: lo que llega al cine en la semana del 19 de septiembre

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Adolfo Aristarain fue condecorado con la Medalla de Oro del cine español

Como no pudo viajar a España, España viajó a la Argentina; y en la noche del jueves la plana mayor de la Academia de Cine de España con su presidente a la cabeza, el ilustre crítico de cine y gestor cultural Fernando Méndez-Leite, se hizo presente en el auditorio del Malba para otorgarle la Medalla de Oro 2024 al realizador Adolfo Aristarain, quien se convierte así en el primer realizador argentino en recibir esta distinción que reconoció a nombres fundamentales del cine español como Fernando Rey, Carlos Saura, Paco Rabal, Sara Montiel, Fernando Fernán-Gómez, Ana Belén o Antonio Banderas, entre otros y que de esta manera, además, se entrega por primera vez fuera de territorio español. "Algunos os preguntareis por qué un homenaje español a un director argentino. Un buen día de 1967 Mario Camus, a quien no había forma humana de subir a un avión tuvo un momento de debilidad, quien sabe por qué razón, y voló a Buenos Aires para rodar una película con el cantante Raphael, Digan lo que digan. Acá le asignaron un 'primero' de lujo que se llamaba Adolfo Aristarain. Y Mario y Adolfo, un caso extremo de afinidades electivas, se hicieron íntimos desde entonces", rememoraba con su natural erudición el presidente de la Academia española para luego detallar que buena parte de los inicios de la carrera del realizador de La parte del león y Un lugar en el mundo, transcurrieron en España: "Y nosotros nos los apropiamos, y ahora lo añoramos", destacó. Fue un discurso emotivo, marcado por décadas de reconocimiento para un director definido como "un creador clave en la historia común del cine argentino y del español de las últimas décadas". "No se puede entender el estrecho vínculo de nuestras industrias sin pasar por Aristarain, un creador honesto, inspirado, decidido y solvente que lleva toda su vida "saltando el charco" sin perder un ápice de su personalidad y su talento", tal como añadió Méndez-Leite en otro pasaje de su alocución.Desde su butaca, el realizador de películas ya clásicas del cine argentino lo escuchaba con emoción acompañado por su mujer, la guionista Kathy Saavedra, y por referentes de nuestra industria como Cecilia Roth o Héctor Olivera. Entre el público, se mezclaban desde Julieta Cardinali a Peter Lanzani, Sabrina Farji, Diego Sabanés, Fernando Martín Peña, Marcelo Piñeyro, Diego Lerman, Teresa Bulgheroni, presidenta de la Fundación Malba, y el director del BAFICI, Javier Porta Fouz. Y en unos cuidados clips que se proyectaron en la sala los testimonios de Eusebio Poncela, José Sacristán, Alberto Ammann, Aitana Sánchez-Gijón, Achero Mañas, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Solá y Mercedes Sampietro, entre tantos otros, sumaban a ese reconocimiento que en el auditorio del Malba también añadió en la platea a la Academia de Cine de la Argentina y a la oficina cultural de la Embajada de España. Nadie quiso perderse esta celebración que fue conducida por otro nombre reconocido a dos orillas del atlántico como Leonardo Sbaraglia, quien invitó a Héctor Olivera y a Cecilia Roth a brindar sus testimonios sobre la trayectoria del galardonado. Con su prodigiosa memoria, el nonagenario productor y director de La Patagonia rebelde recordó el primer encuentro con Aristarain y como se inició el vínculo que nutrió desde las ligeras La playa del amor y La discoteca del amor a una obra capital como Tiempo de revancha: "Fue un placer hacerla, estrenarla y que hoy sea un clásico del cine nacional. Con Adolfo tuvimos por ahí una cuestiónâ?¦ porque gastaba mucho celuloide", dijo con su fino sarcasmo recordando sus años de productor al frente de Aries Cinematográfica, en un acto dominado por un alegre clima de camaradería, algunas confusiones verbales resueltas con cómplice humor y, sobre todo, mucho afecto."Hace dos semanas entregué el premio de la Academia de Cine Argentina a un Adolfo que no estaba, hoy por suerte está. ¡Me quedé con el premio Adolfo, te lo tengo que dar!", señaló a su turno Cecilia Roth para destacar la importancia de la Medalla de Oro española: "Para mi hablar de él es extraño porque lo mezclo un poco con la vida misma". Destacó su coherencia, generosidad y su "absoluta conciencia de lucha, por haber sido siempre fiel" a sí mismo. "Siento que fue y es mi maestro en el cine", dijo la actriz, y declaró: "Soy tu fan".Aristarain, que desde 2003 tiene la doble nacionalidad argentina y española, se hizo presente en el escenario para recibir, de manos de Fernando Méndez-Leite, la Medalla de Oro de la Academia de Cine que agradeció emocionado aunque sin esquivar los contextos actuales: "Quiero agradecer a la gente de la Academia de Cine de España, a Fernando, a Chusa Monjas, a Juan Morán y Rafael Portela, por haber venido hasta aquí a entregarme la medalla, que tendría que haber sido al revés y haber viajado yo, pero un poco por miedo, y por un problema de salud, no me animé", comenzó el veterano cineasta su discurso en el que agradeció a nombres fundamentales para su trayectoria, leyó un fragmento de su libro El oficio del cine y se plantó nuevamente de frente ante el gobierno actual: "En este país el Gobierno ha manifestado su desprecio por el cine y yo lo que me canso de repetir, además de sentir mucho desprecio por el gobierno que tenemos en este momento, es que no tenemos que defender al cine, es mucho más grave que eso, hay que defender al país. Lo están saqueando y cuando consigamos que este gobierno cambie, que se vayan lo antes que se pueda, el cine va a seguir resurgiendo, al cine no lo van a matar", cerró ante el aplauso de los presentes donde se mezcló la tensión que vive la industria cinematográfica local junto al reconocimiento internacional para uno de sus nombres más importantes a través del tiempo.Otros directores opinan sobre Adolfo Aristarain"Las películas de él, en mi vida, fueron importantes como espectador. Yo recuerdo cuando ví La parte del león, en plena dictadura parecía mentira que se hiciera esa película. Tiempo de revancha y Últimos días de la víctima, lo mismo. Nunca paró, porque después Un lugar en el mundo, te abría la cabeza, Martín (H), Lugares Comunes, Roma o La ley de la frontera, un western divertidísimo, demuestran que Adolfo hizo todas grandes películas y además es una persona de una gran calidez que siempre te alentó. Él y Kathy son enormes".Marcelo Piñeyro"Hay dos rasgos que lo convierten en un lobo solitario en la historia de nuestro cine, que tienen que ver con el momento en que comienza a dirigir. A fines de los '70. Por un lado, ese fuerte clasicismo muy de Hollywood pero también enlazado con algunos directores de la época de oro del cine argentino, como Fregonese o el Ayala de Con gusto a rabia. Él no busca tanto crear un estilo personal como centrarse en los personajes y desde ahí lograr conectar con el público. Por otro lado, en plena dictadura, logra hablar tangencialmente de lo que estaba pasando, sin alegorías, sino exponiendo los resortes que se estaban moviendo y el público reconoce. Esos dos méritos son los que hacen tan singular a su cine".Diego Sabanés"Para mi es uno de nuestros más grandes cineastas, me daría muchas ganas de que siga filmando y que filme pronto una nueva película. Como fan me gustaría eso aunque no se si él quiere. Sus películas nos marcaron un montón. En mi caso, tanto él como Leonardo Favio, José Martínez Suárez, Manuel Antín o Torre Nilsson son grandes referentes. En su caso, La parte del león, Tiempo de revancha, Un lugar en el mundo son grandes clásicos de nuestra historia cinematográfica. Considero que es un gran maestro y por eso quería estar hoy acá y darle un abrazo".Diego Lerman

Con el estreno de La sustancia, el cine de autor tiene su fiesta en Buenos Aires

Con el preestreno en dos funciones de La sustancia, de Coralie Fargeat, se pone en marcha este jueves 12 la edición 2024 del Mubi Fest Buenos Aires, un encuentro impulsado por la plataforma de streaming especializada en cine de autor que se realiza simultáneamente en otras ciudades de América latina.Hasta el 15 de septiembre un total de 20 títulos, más algunas actividades complementarias, ocuparán la totalidad de la cartelera del complejo Cine Arte Cacodelphia, de Diagonal Norte 1150 (a metros del Obelisco). La programación incluye proyecciones en pantalla grande de varios destacados títulos que en algunos casos forman parte del catálogo de la plataforma (o se sumarán a ella próximamente), algunas producciones destacadas del cine argentino reciente y el rescate de clásicos del cine internacional recuperados para ser vistos después de mucho tiempo en pantalla grande.La sustancia, uno de los títulos más comentados del último Festival de Cannes (donde ganó el premio al mejor guion), se proyectará por primera vez este jueves a las 21 y 21.30, como anticipo de su llegada a los cines de la Argentina a partir del jueves 19. Esta muestra de body horror con toques de comedia negra tiene como protagonistas a Demi Moore (mencionada a partir de este papel como potencial protagonista de la próxima temporada de premios de Hollywood), Margaret Qualley y Dennis Quaid.Entre los clásicos que podrán verse en pantalla grande dentro del MUBI Fest de este año aparecen Fallen Angels (1995), de Wong Kar-Wai (el viernes, a las 19.20; el sábado, a las 14.30, y el domingo, a las 20.50), El sacrificio (1986), de Andrei Tarkovski (el sábado, a las 14.30, y el domingo, a las 16.20); Paris, Texas (1984), de Wim Wenders (el domingo, a las 17.50), y Mulholland Drive-El camino de los sueños (2001), de David Lynch (el sábado, a las 19.20, y el domingo, a las 15).En la programación también aparecen producciones nacionales como Los delincuentes, de Rodrigo Moreno; Un movimiento extraño, de Francisco Lezama, y La práctica y El repartidor está en camino (documental inédito), ambas de Martín Rejtman. Los realizadores estarán presentes para debatir con el público. Otra destacada directora argentina, Laura Citarella, ofrecerá una masterclass el viernes, a las 18.Entre las películas que se proyectarán aparecen títulos de Aki Kaurismaki (Ariel, La chica de la fábrica de fósforos), Ryusuke Hamaguchi (Drive My Car, El mal no existe) y Levan Akin (Caminos cruzados). La programación completa puede consultarse en mubifest.com

Cecehachero Film Fest 2024: Fechas y sedes del evento que celebra al cine y los videojuegos

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Una nueva edición del evento "InFocus: Latinx and Hispanic Cinema 2024â?³ se celebrará los días 20 y 21 de septiembre en el South Park Center, ubicado en Los Ángeles. Este evento es organizado por NewFilmmakers Los Ángeles (NFMLA, por sus siglas en inglés), una organización sin fines de lucro.Según el sitio web de los organizadores, el festival exhibirá 25 cortometrajes que incluyen trabajos de narrativa, documental y animación, en representación de casi una docena de países como Brasil, Colombia, Cuba, República Dominicana, El Salvador, Francia, México, Nicaragua, Puerto Rico y Estados Unidos.Presentaciones destacadasDentro del programa destacan cinco nuevos cortometrajes de talentos emergentes, entre ellos el estreno en Los Ángeles de "When Big People Lie" de Gianfranco Fernández-Ruiz, quien fue reconocido como Mejor Nuevo Cineasta de NFMLA en 2024.Además, se presentarán en estreno mundial: "Pétalos" de Nicole Mejía, ganadora del premio Best of Award de NFMLA; "The Mourning Of" de Merced Elizondo, becaria de NewNarratives; y "The Devil's Plot" de Julia Weisberg Cortés."Cooking with Claudia" es uno de los cortometrajes que se presentará el 2 de septiembre en el festival."Estamos muy entusiasmados con lo que promete ser una edición extraordinaria de este evento que esperamos cada año. Es una oportunidad para destacar nuevas historias y dar la bienvenida tanto a cineastas consagrados como a nuevos talentos de todo el mundo". Expresaron desde la dirección del evento, en un comunicado compartido con La Opinión.En esta ocasión, NFMLA convocó a un grupo selecto de profesionales de la industria, ejecutivos y creativos reconocidos, para apoyar a los cineastas y proyectos programados este 2024.Entre los profesionales que participarán se encuentran Diana Mogollón de Dan Lin's Rideback Rise, Fidel Barajas de WME, Georgina González de NBCUniversal, Giulia Cardamone de El Estudio, Gloriana Paz de Latino Public Broadcasting, Graciela García de Cinetic Media, Henry Kittredge de Iconoclast, Jeff Valdez de New Cadence Productions, Joan Wai de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, Julia Iglesias de Focus Features, Leonardo Zimbron de 3pas Studios, Nando Vila de Exile Content Studio, Ramón Campos de Bambú Producciones, Tatiana Castro de Latin World Entertainment de Sofía Vergara, y Yira Vilaro de Fabula.Dónde encontrar la programación del festival de cine latino que se celebrará en Los ÁngelesLa programación del festival comenzará con "InFocus: São Paulo", una colección de películas seleccionadas en colaboración con SPCINE y Kinoforum, que destaca el trabajo de diversos cineastas de São Paulo, Brasil. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida de NewFilmmakers Los Angeles (@nfmla) El evento seguirá con "InFocus: Latinx & Hispanic Cinema I", una selección de cortometrajes que presenta personajes que tienen maneras creativas de resolver problemas. Luego, se presentará "InFocus: Latinx & Hispanic Cinema II", una colección de historias sobre autodeterminación, sanación y la creación de nuestro propio destino.La jornada concluirá con "InFocus: Latinx & Hispanic Cinema III", que sumergirá a las personas en el mundo del realismo mágico, narrativas experimentales y elementos que desafían las apariencias. Toda la programación, entradas y horarios están disponibles en la página web de NewFilmmakers Los Ángeles.

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Un enfrentamiento entre un cliente y la empleada de un cine por el ingreso de alimentos provocó una intensa discusión en Internet sobre las políticas de consumo en salas

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Martín Rejtman, entre las marcas de autor de su cine, el regreso de Silvia Prieto y el estreno de La práctica

Hay más de una celebración en estos días alrededor de Martín Rejtman, uno de los nombres fundamentales del cine argentino de las últimas tres décadas. La llegada a los cines argentinos de su nueva película, La práctica, coincide con un pequeño fenómeno de enorme repercusión creado alrededor del reestreno de uno de los títulos esenciales de su filmografía, Silvia Prieto (1999), con funciones en todos los casos a sala llena en el cine Gaumont. Esa repercusión llevó a que se exhiba desde el jueves 5 de septiembre todos los días, a las 20, en la sala principal de ese complejo.La práctica, mientras tanto, puede verse todos los sábados de septiembre, también a las 20, en el auditorio del Malba, que se suma a las funciones diarias ya en marcha en los complejos Showcase Haedo y Cinépolis Pilar y Mendoza y algunas salas que forman parte de los Espacios Incaa en Tandil, Oberá (Misiones) y Cipoletti (Río Negro). Otros cines se irán sumando en las próximas semanas.¿Cómo hace alguien que no tuvo contacto hasta ahora con el "mundo Rejtman" y el estilo que distingue a este realizador tan apreciado en todo el mundo para asomarse a su obra? "Empezar por mi última película sería una buena manera. Puede ser muy útil en ese sentido viajar de lo último a lo primero. Además, me parece muy aburrido seguir una línea cronológica", responde Rejtman en la conversación que comparte con LA NACION en un bar de Palermo.Dice Rejtman que La práctica condensa toda su obra previa. "Pero lo hace quizás de una manera más veloz que en el resto de mis películas. Y con un poco más de vértigo. Después, si a alguien le interesa, puede ir para atrás. O mejor no. Es la impresión que tengo", dice con una sonrisa.Una distancia de diez años exactos separa a La práctica del estreno de la anterior película de Rejtman, Dos disparos. En ese momento, octubre de 2014, Javier Porta Fouz definió desde estas páginas con precisión la mirada sobre el mundo expresada por este notable autor. "El toque Rejtman quizás consista en hacer un cine de perpetuo movimiento que parece constituirse y regenerarse una y otra vez desde la aparente quietud. Es un cineasta obsesivo y también un escritor obsesivo", señaló allí.La práctica se asoma a un momento de la vida de Gustavo (Esteban Bigliardi), un profesor de yoga argentino que vive y trabaja en Santiago, Chile. Le toca atravesar la separación de su esposa trasandina, por la que asume unas cuantas pérdidas. Entre ellas, junto al estrés acumulado, entran y salen otros personajes: alumnos, exalumnos y hasta su madre (Mirta Busnelli, presencia permanente en las películas del realizador). Todo ocurre en clave de comedia, pero desde la perspectiva singular con la que Rejtman observa el mundo.Rejtman dice que pasó 25 años de su vida practicando yoga y que desde hace tiempo viene pensando en llevar al cine las peripecias de un profesor de esa disciplina. "La práctica tiene que ver con cosas que me sucedieron a mí en todo ese tiempo, aunque no se trata en absoluto de una película autobiográfica. Siempre unos cosas que me pasaron, que atravesó a gente muy cercana o que me contaron. También pasé un tiempo en un retiro del norte chileno, parecido al que se muestra en la película, aunque con una escenografía más árida"."Escribo siempre un mismo tipo de historias -explica-, con personajes que están disponibles a todo lo que pueda pasar y que no tienen tanto control de su destino. Unos se van encontrando con otros y entre todos arman y desarman pequeñas historias. En este caso me tocó filmar en otro lugar, en Chile, algo que no me había tocado nunca hasta ahora porque todas mis películas se hicieron acá".Rejtman dice que sus historias podrían transcurrir en cualquier lugar, pero al mismo tiempo reconoce que hay ciertas cosas que nunca cambian en sus películas. "Cambiarlas de ámbito y llevarlas a otro país le dan un color diferente. Un personaje no se compone solo a partir de su interioridad. El actor que lo interpreta llega con todo su bagaje a cuestas, su propia manera de decir los textos, la ropa que lleva puesta, cómo interacciona con los demás. Eso es para mí mucho más importante que la psicología del personaje o la intencionalidad de sus acciones. Para mí todo lo exterior siempre es más importante", detalla.Otros paisajesFilmar en Chile fue para Rejtman encontrarse con una "cierta novedad": el castellano que hablan los trasandinos, paisajes distintos, actores que interpretan a sus personajes con otra música. "El hecho de que todas las locaciones sean chilenas y que los actores, también chilenos, tengan una forma de hablar tan diferente a la nuestra hace que la historia adquiera una personalidad distinta por más que repitan ciertos temas o conductas de mis películas anteriores", explica.A Rejtman le interesa mucho más lo que comunican sus películas que todo lo que puede llegar a decir de ellas: "Lo que opine de ellas o decir cuál fue mi intención cuando las hice me importa poco. Para que eso tenga sentido yo tendría que estar hablando de la película al lado de ella o antes o después. Lo importante es qué dice la película para las personas que la ven, independientemente de mis opiniones".Quien le pida a Rejtman una definición sobre La práctica recibirá una respuesta muy escueta. "Es una comedia. Punto". Pero al mismo tiempo se encarga de aclarar que no hace comedias puras. "Mis películas en realidad juegan alrededor de la comedia -fundamenta-. Quizás porque hay elementos del género que no terminan de entrar o porque no tienen finales felices. Lo que a mí me gusta es la comedia americana de los años 30 y 40: Lubitsch, Howard Hawks, Preston Sturges. Sobre todo Sturges".Hace poco le preguntaron a Rejtman si La práctica podría ser su última película. "No lo sé todavía. ¿Por qué no? -contesta-. Nunca empiezo una película preguntándome qué voy a contar. Voy encontrando la historia a medida que voy escribiendo. Hacer una película lleva mucho tiempo, mucho trabajo. Y yo no me planteo la necesidad de hacer una por año. Las hago cuando puedo y cuando se dan las circunstancias. Están cambiando mucho las formas de exhibición y de producción, y al dificultarse todo uno nunca va a saber si conseguirá lo que necesita".Rejtman está muy pendiente del camino que recorrerá entre nosotros La práctica, que se estrena a casi un año de su lanzamiento mundial en la competencia oficial del Festival de San Sebastián 2023. Y disfruta al mismo tiempo de la enorme repercusión cosechada alrededor del regreso a los cines de Silvia Prieto. "El cine es dinámico. Que pase eso es algo muy bueno. No es lo mismo ver Silvia Prieto hace 25 años que verla hoy. Y tampoco es lo mismo cuando la ven una persona de 20 años y otra de 60. Que mis películas vuelven a darse con toda esa repercusión es lo mejor que me puede pasar. No podría estar más contento".En medio del entusiasmo abierto por el regreso a los cines de Silvia Prieto algunos se preguntaron si sería posible pensar en un nuevo capítulo de esa historia ambientada en los tiempos actuales. El director vuelve a sonreír ante el comentario y responde: "Lo que sí planeamos en un momento con Vicentico y con Valeria Bertuccelli es una posible segunda parte de Los guantes mágicos. Cuando les pregunté cómo lo imaginaban, Vicentico me dice: bueno, hagamos la misma película con los mismos actores, pero como estamos hoy. No desarrollamos mucho esa idea, pero me pareció genial. No es mía y no la terminé de pensar, pero podría hacerla".¿Tiene algo para decir Rejtman sobre la compleja actualidad y el incierto futuro del cine argentino? "Me resulta muy difícil contestar cualquier pregunta sobre ese tema -concluye-. Es un poco absurdo encontrar una respuesta. Cada uno tiene que hacerse una sola pregunta: ¿hay interés en hacer un cine nacional o no lo hay? No hay nada más que decir".

A los 98 años, murió el director de cine, productor y novelista Manuel Antín

El cine argentino perdió el jueves pasado a uno de sus grandes referentes. Director, guionista y novelista, cuya huella en el séptimo arte es invalorable. Con una carrera que abarcó más de cinco décadas, Antín no solo dejó una impronta profunda con sus films, sino que también fue un mentor inigualable para generaciones de cineastas y un pilar fundamental en la creación de la Universidad del Cine. En 2016 publicó la que hasta ahora es su única novela. Leer más

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Murió Manuel Antín, hombre imprescindible del cine nacional, a los 98 años

El cineasta argentino Manuel Antín murió este jueves, a los 98 años. A lo largo de su extensa trayectoria, no sólo llevó adelante una serie de recordadas películas como La cifra impar (1962), Circe (1964) o Don Segundo Sombra (1969), sino también estuvo al frente del Instituto Nacional de Cinematografía una vez restaurada la democracia y fundó la Universidad del Cine (FUC). Un imprescindible del cine nacional"Existe algo que el tiempo no puede, a pesar de su innegable capacidad destructora, anular: y son los buenos recuerdos, los rostros del pasado, las horas en que uno ha sido feliz", escribía en una de sus cartas en 1939 un jovencísimo Julio Cortázar. Todavía faltaban años para que otra carta fechada en París, un 21 de mayo de 1961, saludara: "la seriedad y sobre todo la sensibilidad con que usted enfoca la idea de hacer una película con mi cuento". Los destinatarios era distintos pero, seguramente, aquella hubiese sido una de las tantas formas en las cuales hoy puede imaginarse una despedida (teñida de reencuentro), entre Julio Cortázar y su más grande exégeta cinematográfico, Manuel Antín. El cineasta, pero también novelista, poeta y dramaturgo, deja con su desaparición física al ambiente del cine en un enorme sentimiento de orfandad. Su fina estampa, su aguda inteligencia, su ingenioso sarcasmo, su charla abierta y su enorme trascendencia en el campo cultural argentino clausuran una etapa iniciada hace siete décadas, cuando emergió como un poderoso exponente de la "Generación del '60â?³, desde donde acuñó una frase que sintetiza su poética: "Yo creo que no hay cine sin literatura", para pasar luego en los '80 a ser el nombre que -frente al Instituto Nacional de Cinematografía en la recién recuperada democracia- le devolvió la libertad al censurado cine nacional. A comienzos de la década siguiente, Antín comenzó a trazar el camino desde el cual se consolidaría buena parte del Nuevo Cine Argentino con la fundación de la Universidad del Cine de la que fue rector hasta su muerte. Su última contribución institucional -porque consejos, ayudas, recomendaciones y apoyos son imposibles de cuantificar- fue la presidencia de la Asociación de Amigos del Museo del Cine, cargo que ejerció hasta hace unos meses con la misma perseverancia desde la cual acompañaba cada estreno de un joven realizador argentino.La de Antín en el campo del cine se inició al amparo de la "Generación del '60â?³ pero también de la mano de sus inquietudes literarias que hicieron que, antes que el cine, para el joven nacido en Las Palmas, Chaco, el 27 de febrero de 1926 (hijo de un empleado de comercio que no llegó a ver su labor en el cine y que vivió en Resistencia, Corrientes), fueran tres libros de poemas, dos novelas y varias obras teatrales los primeros vínculos con la creación artística luego de una educación en el Colegio Nacional de Buenos Aires hasta que, en 1958, escribió el guion de Contracampo, el segundo cortometraje de Rodolfo Kuhn, para un año más tarde realizar igual tarea en Luz, cámara, acción del mismo director, y en 1960 su primera experiencia como director con el cortometraje Biografías hasta que la llegada de su ópera prima, La cifra impar, cambió para siempre el horizonte del cine argentino. "De pronto se apoyaron dos pies al lado mío. Yo levanté la cabeza. Cortázar era muy alto pero desde el lugar en que yo lo miraba era gigantesco. Ese fue nuestro primer encuentro, ahí nos conocimos, ahí empezamos a conversar sobre cine y sobre literatura", recordaba Antín en el sentido documental Cortázar y Antín, cartas iluminadas, de Cinthia Rajschmir, acerca de ese primer encuentro desarrollado en París en plena filmación -cámara casi a ras del piso- de La cifra impar, basada en el cuento "Cartas de mamá", del escritor. En ese mismo documental, Antín cuenta una anécdota conocida, de cuando el autor de Bestiario recibió el original y único ejemplar de una novela escrita por el cineasta que olvidó en una habitación de hotel. "Años después, con un amigo común, a la inversa, él me mandó los originales de Rayuela para que yo se los llevara a Paco Porrúa, que era el editor de Sudamericana. Cuando yo recibí la novela y la leí, lo primero que hice fue escribirle y decirle: 'Julio, yo debería cobrarme la novela que me perdiste y llevar esto a Sudamericana como mía'. Hubiera sido justo. Pero soy el primer lector de Rayuela", rememoraba sonriendo. Estrenada en el Metro, Trocadero y Grand Splendid el 15 de noviembre de 1962, tuvo la automática aclamación de la crítica y el respaldo del público.Aunque las filmografías señalen que continuaron los estrenos comerciales de las dos siguientes obras de Antín basadas en Cortázar como Circe e Intimidad de los parques; la segunda película del realizador fue Los venerables todos, basada en su propia novela inédita, pero que pese a su exhibición en el Festival de Cine de Cannes no consiguió estreno comercial y sólo integró retrospectivas. Recién en agosto de 1984 se exhibe por televisión y en 2014 el hallazgo del negativo original permitió una copia nueva en 35mm y su proyección. Hoy se la considera una de las películas fundamentales del cine argentino e incluso dentro de la labor del realizador. Circe, que protagonizaron Graciela Borges, Alberto Argibay, Walter Vidarte y Sergio Renán, con un guión de Antín y Cortázar escrito en el Festival de Cannes, y que reescribe la historia de la hechicera de La Odisea con el perfil de una chica pretendidamente fría de un barrio de Buenos Aires cambió esa promesa inicial y a su estreno no obtiene la aprobación de la crítica: "Yo estaba atravesando una historia de frustraciones sentimentales, algo parecido a los que le pasaba al personaje. Tendría unos 20 años cuando empecé con ese problema y al leer el cuento sentí, como suele pasar con todos los textos de Cortázar, que él estaba contando cosas personales mías. O que podría haber escrito yo ese cuento y que Cortázar se adelantó", confirmaba en diálogo con LA NACIÓN. Luego Intimidad de los parques tomará dos relatos de Cortázar ("Continuidad de los parques" y "El ídolo de las cícladas"), con un complicado rodaje en Machu-Pichu y el protagónico de Dora Baret, Francisco Rabal y Ricardo Blume: "Ver a Francisco Rabal es ponerme a prueba. Para mi era una persona muy admirada, significaba Buñuel, Viridiana y los años sesenta. Pero era un volcán en erupción y al comienzo de la filmación la pasé muy mal. Fue antes de mi casamiento con Carlos, estuvimos cinco meses separados y en ese momento me fui a filmar a Perú Intimidad de los parques. Yo estaba en pleno dolor, en pleno duelo. Estuvimos filmando una semana en Machu Pichu y al ver una foto siento el frío, el agua helada. Manuel Antín es un señor y me contuvo muchísimo", recordaba la actriz a este cronista.El capítulo La estrella del destino para el film colectivo Psique y sexo, significará en Antín una pausa para dar comienzo a la segunda etapa de su cine dominada por la corriente historicista y sociopolítica que continúa al amparo de la literatura, sucediéndose Castigo al traidor, sobre un cuento de Augusto Roa Bastos; Don Segundo Sombra, sobre la novela de Ricardo Güiraldes, que fue su mayor éxito de público; Juan Manuel de Rosas, con la colaboración del historiador revisionista José María Rosa, y Allá lejos y hace tiempo, sobre el libro de Guillermo Enrique Hudson. Antes de esta última, otro trabajo singular en su filmografía fue La sartén por el mango, sobre la obra teatral de Javier Portales. Hubo varios proyectos que no se concretaron como la adaptación de El Muerto de Borges (que finalmente realizaría Héctor Olivera), o La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada, de García Márquez, que iba a contar con el protagónico de Orson Welles, a quien Antín había conocido en Italia. Figura habitual en los principales festivales internacionales, en nuestro medio también tuvo que soportar calificativos que consideraron a su obra "intelectual", "aburrida", "afrancesada" e incluso "reaccionaria". Reconocido permanente por un sector de la crítica y el público local, desde los años 80 comenzó a ser revalorado por los estudiantes universitarios que convirtieron a su trilogía sobre Cortázar en uno de los objetos de estudio más visitados en congresos y ponencias. Precisamente en este ámbito fue donde recibió su último reconocimiento en julio del año pasado cuando durante el Fic.uba, el festival de cine de la UBA, se le entregó el Doctorado Honoris Causa de esa casa de estudios."El público es un animal salvaje"Si bien su filmografía se cierra tempranamente luego de 12 trabajos con La invitación, estrenada a fines de septiembre de 1982 y clara alegoría a los estertores de la dictadura militar, no será así su labor dentro del cine argentino. Designado por Raúl Alfonsín como director del Instituto de Cine entre 1983 y 1989, consiguió junto al crítico Jorge Miguel Couselo -a la sazón nombrado "interventor liquidador" del temido Ente de Calificación Cinematográfica- terminar con un modelo censor que en la Argentina había condicionado al cine desde mediados de la década del '30. Otro elemento recordado de su gestión fue el de promover a los jóvenes cineastas de entonces: "Alguna vez alguien dijo que mi despacho era un pasillo. Y alguien más dijo que yo le daba créditos a cualquiera", recordaba a LA NACION, para agregar sobre la política de subsidios del INCAA que: "Creo que no hay que discriminar, sino basarse en proyectos concretos y analizar las cosas con prudencia y lucidez. Evaluar la industria cinematográfica exclusivamente desde el punto de vista económico es un error de personas que pretenden ser más de lo que pueden ser. El público es un animal salvaje. Cien personas de la mentalidad de Einstein reunidas frente a una pantalla tienen una edad de doce años", sintetizaba con su habitual mezcla de ironía y erudición.Su estilo le entregó al cine nacional una relación inteligente con el universo literario nutrido de relatos sinuosos y fragmentados, mezclando diversos niveles de ficción a través de un montaje y puestas de cámara complejos pero que permitían indagar en nuevas formas expresivas. Un cine que dialogó con el tiempo del relato rompiendo con el clasicismo imperante, fue parte de una generación que filmó con libertad creativa y abrazó al cine moderno, y que con la partida de Manuel Antín se clausura definitivamente como último testimonio. En el mundo del cine confluyeron primero su mujer, la destacada escenógrafa y vestuarista Ponchi Morpurgo y su suegro, el compositor Adolfo Morpurgo, que hizo la partitura de varias de sus primeras películas. Sus hijos María Marta y Manuel siguieron vinculados a la profesión, la primera a través de la Universidad del Cine y el segundo como un destacado director dentro del campo de la animación. Hasta fines del año pasado estuvo activo, concurriendo a la universidad que creó y almorzando en los mediodías en una conocida parrilla del mismo barrio de San Telmo como una demostración, con 98 años, de trabajo, resistencia, vitalidad y tenacidad unidos a un gran amor por el cine.No pudo sobreponerse a un severo cuadro de anemia que fue deteriorando su salud y obligó a una internación reciente pero, fundamentalmente, a la ausencia de Ponchi Morpurgo, quien falleció hace poco más de dos años y que fue para Manuel Antín la síntesis perfecta de amor y cine.

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