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¿Cine en un prompt?: la nueva era audiovisual que impulsa la inteligencia artificial

La semana pasada, la empresa de tecnología china Kuaishou revolucionó las redes sociales con el lanzamiento de Kling 2.0, una actualización de su herramienta de video potenciada con inteligencia artificial (IA). Esta nueva versión permite crear contenidos de alta resolución, con personajes hiperrealistas y movimientos de cámara que sorprenden hasta a los propios usuarios. A pesar de que la tecnología aún tiene un largo camino por recorrer, el horizonte es claro: publicidades o secuencias de película con un nivel de profesionalismo casi como el de los humanos. "La calidad del video con IA se multiplicó por diez de la noche a la mañana. Me quedé sin palabras", comentó el artista especializado en IA PJ Ace sobre la plataforma en un posteo en X. Y agregó que jamás vio "un movimiento tan fluido ni indicaciones tan precisas".En esta línea, Jamian Gerard, quien también se dedica al arte digital, dijo: "Es como llevar un director de Hollywood en el bolsillo". Para ilustrar la capacidad de la herramienta, Gerard publicó una serie de videos en X. En su mayoría, se tratan de escenas de acción, como una batalla de vikingos o una mujer que salta de un edificio al estilo Tom Cruise en la saga de Misión imposible.AI video quality just 10x'd overnight. I'm speechless.Kling 2.0 just dropped and I've already burned through $1,250 in credits testing its limits.I've never seen motion this fluid or prompts this accurate.Here's exactly how I made this video, step-by-step ð???ð?§µ pic.twitter.com/F54EfvLczj— PJ Ace (@PJaccetturo) April 15, 2025Para crear videos con Kling 2.0, basta con escribir un prompt detallado. Sin embargo, hasta el momento la plataforma genera resultados de máximo dos minutos. Kling 2.0 compite con otras herramientas en el mercado, como Veo 2, el nuevo modelo de generación de videos de Google que permite crear contenidos con IA mediante indicaciones de texto, y Runway, compañía que en septiembre de 2024 anunció una alianza con el estudio Lionsgate para integrar tecnología de vanguardia a producciones audiovisuales.La asociación tiene como objetivo crear un modelo de generación de videos personalizado para ayudar a "cineastas, directores y otros talentos creativos a ampliar su trabajo", según comunicaron ambas empresas. "La historia del arte es la historia de la tecnología, y estos nuevos modelos forman parte de nuestro esfuerzo continuo por construir medios transformadores para la expresión artística y creativa", señaló Cristóbal Valenzuela, cofundador y director ejecutivo de Runway. IA, ¿la nueva promesa del cine?El rápido avance y democratización de estas herramientas abren cientos de preguntas y debates en torno al futuro del sector audiovisual: ¿Estamos ante una nueva era del cine? ¿Será posible distinguir una obra "artificial" de una ideada por humanos? ¿Cuándo podremos ver películas hechas completamente con IA? Fredi Vivas, ingeniero y docente de IA en la Universidad de San Andrés, explicó a LA NACION que ya es posible crear largometrajes 100% con esta tecnología, pero los resultados están lejos de alcanzar el nivel del arte humano. "Todavía ninguna de estas herramientas consigue todo lo que pasa en un set de grabación. Ni la interacción de los actores, ni los escenarios naturales, ni probablemente la calidad de las cámaras y micrófonos que se usan profesionalmente", detalló. Además, para generar contenido audiovisual es necesario utilizar múltiples plataformas. "En ChatGPT trabajas el guión; en MidJourney, las imágenes; y en Zuno o Udio, la música", ilustró Vivas. En esta línea, remarcó que su rol debe ser complementar a los artistas, en lugar de reemplazarlos: "La IA sola no produce nada. Hay un humano ahí escribiendo, prompteando y dándole ideas para que genere". A pesar de las resistencias, la IA ya no es una novedad en Hollywood. En 2019, el cineasta Martin Scorsese utilizó esta tecnología para rejuvenecer los rostros de los personajes de Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci en The Irishman, película que recibió diez nominaciones a los premios Oscar.En tanto, en el episodio final de la segunda temporada de The Mandalorian, serie del universo de Star Wars, se utilizó Respeecher -una herramienta de clonación de voz- para recrear la voz joven de Luke Skywalker, interpretado por Mark Hamill. El director de The Brutalist, Brady Corbet, hizo uso de esta misma plataforma para mejorar el acento húngaro de los actores Adrien Brody y Felicity Jones. Para Rodrigo H. Vila, fundador y socio de la productora Cinema 7 Films, y director de las películas de The letter y The last man, se trata de un momento de "replanteo" para la industria. "La evolución de la IA es exponencial. Sin dudas, abarata costos y con muy poco dinero se pueden generar imágenes de niveles de producción enormes", opinó. Actualmente, Vila trabaja en un documental y decidió implementar IA para la creación de imágenes del siglo XVIII y XIX. "Los resultados son asombrosos", confesó a LA NACION. En este sentido, Charly Lizarralde, cofundador y CEO de 7Puentes -empresa especializada en IA y machine learning-, señaló que la IA puede convertirse en un factor de impulso para productoras pequeñas o locales. "Quizás permita que se concentren en aspectos artísticos y no tanto en los efectos especiales mainstream", profundizó. A su vez, indicó que esta tecnología tiene una gran oportunidad de mercado en el rubro publicitario o en los contenidos de corta duración.Sin embargo, Vila no pasó por alto la importancia de la regulación. "La IA está evolucionando mucho más rápido de lo que quizás las personas pueden controlarla", advirtió. Y se refirió a los roles que podrían verse afectados por el avance de esta tecnología, en especial aquellos vinculados al rodaje. "Lo que se puede ahorrar es increíble", reconoció. "Creo que en unos años vamos a tener un panorama más claro de hacia dónde o hasta qué punto la industria del cine puede ser revolucionada por este tipo de tecnologías. Pero si el humano se limita a hacer creaciones repetitivas y de alguna manera reproducibles, ahí es donde la IA tiene mucho terreno", reflexionó Lizarralde.

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Cuando todavía los ecos muy exitosos del Bafici y de la Semana del Cine Italiano resuenan recientes, la cantera fílmica parece inagotable en derredor de los festivales. Así sucederá desde el próximo mañana y hasta el miércoles cuando comience en Cinépolis Recoleta una nueva edición del Festival de Cine Francés, organizado por dicho complejo cinematográfico, la Embajada de Francia y el Institut Francais en la Argentina: "Tenemos muchas novedades, lo que tratamos de presentar con el festival es una fotografía de la diversidad del cine francés de hoy en día y en esta edición se podrán encontrar películas de autores muy reconocidos, como Alain Guiraudie, pero también descubrir la visión de una nueva generación de cineastas como Agathe Riedinger que hizo Diamante salvaje y también siempre tratamos de incluir un guiño a nuestro pasado, a la historia de nuestro cine, y es por eso que proyectamos Possession, la película de Andrzej Zulawski, que es un director polaco y filmada en Berlín pero que es una película francesa y muy importante de los años ochenta", confirma Antoine Sebire, agregado audiovisual francés de la Embajada de Francia sobre esta edición. El diplomático así destaca también la presencia en Buenos Aires de Alain Guiraudie, el director de la controvertida, celebrada y exitosa El desconocido del lago (el martes 22 a las 19 se proyectará en la Sala Leopoldo Lugones y luego tendrá lugar una charla con el realizador), que acompaña también la proyección de la película inaugural del festival y su última realización, Misericordia que luego de su paso por este encuentro el sello Lat-E ha confirmado en su estreno comercial para el 1 de mayo en los cines argentinos. Con respecto a Misericordia, su director ha señalado que lo que pretende es: "Contar una historia, ni más ni menos siempre de eso se trata, en este caso con la idea de poner en cuestión la moral judeocristiana y, de alguna manera, sorprenderme a mí mismo y de la misma manera esperamos sorprender a los espectadores. Hay un proyecto estético de filmar la campiña francesa de otra manera y desarrollar allí un cuento moderno y erotizar el campo y a los campesinos", declaró. A diferencia de El desconocido del lago, lo explícito del sexo de aquel film dejó paso en Misericordia a "una película erótica sin sexo", añadió.Los cinco imperdibles para agendar: 1. MisericordiaJérémie regresa a su pueblo para asistir al funeral de un panadero que significó demasiado en su vida. Al llegar se instala en la casa de la viuda y pasa a ser el centro de atención (en una mezcla de atracción, odio y deseo), por parte de los habitantes de este pequeño enclave rural hasta que uno de ellos desaparece. Conjugando humor negro y misterio, el siempre mordaz Alain Guiraudie realiza una mirada a la opresión y al deseo reprimido que le valió dos premios en la Semana Internacional de Cine de Valladolid luego de su premiere en el Festival de Cannes, además es una oportunidad de reencontrar a la enorme Catherine Frot (presente en el cine francés desde Mi tío de América y recordada por Inseparables, El reencuentro y Marguerite, entre otras). "En algún momento dije que era una película con parte de mis fantasías de adolescente donde pasamos más tiempo en el desear que en el amar. Y mi experiencia, y creo -que de otra gente- las cosas no pasan como uno desearía con el otro. Tanto el amor como el deseo no se concretizan todos sexualmente", señaló el director. Mañana a las 19, sábado 26 a las 16.30 y martes 29 a las 21.40.2. La carga más preciadaEn su deportación al campo de exterminio de Auschwitz, una familia judía se ve obligada a abordar los trenes que conducían al horror y a la muerte. Desesperado, al darse cuenta de la situación, el padre de familia arroja a una de sus hijas desde la formación en un paraje cubierto de nieve. Allí es rescatada por una pareja de leñadores que la crían como propia. Pero el fascismo no anida solo en los ejércitos que hacían gala de su uniforme. Sensible drama animado realizado por Michel Hazanavicius (El artista), basado en la novela de Jean-Claude Grumberg, es además la última oportunidad de escuchar la voz del gran Jean-Louis Trintignant, como el narrador. Compitió en el Festival de Cannes y ganó 2 premios en la última edición del Festival de Cine de Mar del Plata. Domingo 30 a las 16.30 y martes 29 a las 19. 3. Tres amigas Un día Joan le cuenta a su amiga que ya no está enamorada de su esposo. Alice encuentra la conversación normal y también le confiesa que no siente atracción ya por su pareja. En esa vida sin sorpresas, lo que desconoce Alice es que Eric tiene una intensa relación romántica con Rebecca, la tercera amiga en cuestión. ¿Qué es más importante la emoción o el afecto? ¿El amor volcánico o la sincera amistad? Con estas premisas el notable Emmanuel Mouret (Las cosas que decimos, las cosas que hacemos; Crónica de un affair), vuelve al núcleo de la problemática del amor, que lo hizo reconocido, y a los grandes trabajos actorales añadiendo aquí a Sara Forestier como la tercera amiga ¿en discordia? Integró la Selección Oficial del Festival Internacional de Cine de Venecia. Domingo 27 a las 19.00 y Martes 29 a las 16.30.4. El cuadro perdidoLa prestigiosa casa de subastas Scotie's tiene en André Masson a uno de sus grandes especialistas. El mismo es consultado por la autenticidad de una obra de Egon Schiele, de la cual no se tenían certezas desde la Segunda Guerra Mundial, y había aparecido en la casa de un trabajador en Mulhouse en la Alsacia francesa. André desconfía pero la autenticidad de la obra puede significar su triunfo y también desconocidas rivalidades. Pascal Bonitzer, que comenzó su carrera como crítico cinematográfico de la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma, se basó en la historia real del hallazgo de la obra Los girasoles de Schiele en 2005 para escribir esta divertida historia que hace foco en la trastienda del mundo del arte. Sábado 26 a las 16.30 y lunes 28 a las 19.5. POSSESSIONEstrenada en la Argentina como Una mujer poseída, es una de las películas más intensas del notable realizador polaco Andrzej Zulawski, en buena medida gracias a la volcánica interpretación de Isabelle Adjani como Anna, la mujer de un espía que al regreso de este, pide el divorcio. Ella comienza a tener extraños comportamientos luego de la separación y él conoce a la maestra del hijo de ambos que es idéntica a su esposa. Pero ese será solo el comienzo de un relato cada vez más perturbado y, para el espectador, cada vez más perturbador. Sam Neil acompaña a una increíble Adjani, que recibiera el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes por esta labor. En su momento ignorada es hoy un film de culto y uno de los grandes trabajos de su director. Sábado 26 a las 21.40 y miércoles 30 a las 16.30.

Murió a los 32 años Damien Stone, estrella del cine para adultos y campeón de fisicoculturismo

Desde Moldavia hasta Pensilvania, su camino estuvo lleno de reconocimientos, trofeos y un vínculo fuerte con sus seguidores

Liniers: detuvieron a un hombre de 45 años por abusar de una nena de 12 en un cine

El agresor fue descubierto dentro de la sala. Era amigo de la familia de la víctima y no tenía antecedentes penales. Leer más

Detienen a un hombre cuando abusaba de una chica de 12 años en una sala de cine de un shopping porteño

In fraganti, y con absoluta impunidad, un hombre de nacionalidad boliviana abusaba sexualmente de una menor de 12 años dentro de una sala de cine en un shopping porteño. Por suerte para la víctima, uno de los empleados del complejo se dio cuenta de la situación y alertó a la policía que detuvo al hombre de 45 años.Según el parte policial, efectivos de la División de Investigaciones Comunales N° 9 concurrió al paseo comercial, situado en Ramón Falcón al 7100, en el barrio de Liniers, luego de testigos denunciaron haber visto al extranjero mientras manoseaba a la chica.El personal del cine advirtió que el abuso se desarrollaba en el interior de una de las salas, por lo que los efectivos se dirigieron hacia allí y observaron que el hombre tenía el pantalón desabrochado y la menor se encontraba sobre el cuerpo del atacante con sus prendas bajas por lo que procedieron inmediatamente redujeron al hombre y lo retiraron de la sala.En tanto, agentes femeninas alejaron y contuvieron a la chica, activaron el protocolo para víctimas de violencia sexual y la acompañaron en una ambulancia del Sistema de Atención Médica de Emergencia (SAME) que trasladó a la menor hasta el Hospital Santojanni. Por su parte, la Justicia ordenó la detención del implicado de 45 años, la incautación de su ropa y comunicarse con la familia de la chica. La causa quedó a cargo del Juzgado Criminal y Correccional N°37, a cargo Darío Bonanno.Un Hombre De 45 Años Detenido Por Abusar Sexualmente De Una Menor En Un Cine De Liniers #2025 0291

La inteligencia artificial en el cine: la Academia abre las puertas a una nueva era cinematográfica

La inclusión de películas con IA en los premios Oscar ha generado un intenso debate sobre el futuro del cine y el papel del talento humano en la industria

Vuelve "Cine por la Identidad"

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La programación cultural de Córdoba del 21 al 27 de abril ofrece una variedad de propuestas para todos los públicos. Entre los destacados se encuentran el estreno del documental argentino El agujerito, una versión coreográfica de El Mesías y la quinta edición de La Noche de los Pianos. Leer más

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John Cena ha trascendido las cuerdas del ring para convertirse en una figura central en el mundo del entretenimiento cinematográfico.

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Murió el papa Francisco | Bergoglio y el cine, el arte que fue para él "una catequesis de la mirada"

Francisco siempre creyó en el cine como una expresión artística asociada a la belleza. Y lo definió alguna vez como "una gran herramienta para unir a la gente". El cine siempre estuvo cerca del Papa argentino y ese vínculo encontró varias formas de manifestarse, desde las evocaciones personales hasta los encuentros mano a mano con reconocidas figuras de fama y predicamento mundial. A la vez, la figura de Jorge Mario Bergoglio, vista desde el primer día por los artistas como "el Papa que llegó a Roma desde el fin del mundo", encontró más de una ocasión para ser representada en la pantalla. Y no hizo falta ningún gesto explícito de su parte para dejar en claro que a todos los actores que lo personificaron, les llegó su bendición.Fueron varios los rostros famosos que llevaron al cine la vida del Papa en distintos momentos. Entre ellos aparecen grandes actores argentinos (Rodrigo de la Serna, Darío Grandinetti, Juan Minujín) y figuras internacionales, como el galés Jonathan Pryce, cuyo parecido físico con Bergoglio sigue llamando la atención, y el chileno Sergio Hernández. Directores prestigiosos, como el alemán Wim Wenders y el italiano Gianfranco Rosi, dedicaron al Papa sendos largometrajes documentales con importante repercusión.Hasta el final, quiso Francisco mantener ese vínculo. No pudo convertirse en el primer Papa en visitar los estudios Cinecittá, todo un símbolo de la historia y la identidad del cine italiano. Iba a hacerlo el lunes 17 de febrero pasado, en la ceremonia más importante del Jubileo de los Artistas. Allí estaba todo organizado para que lo recibieran los nombres más importantes del cine italiano actual y algunas figuras internacionales: Monica Bellucci, Marco Bellocchio, Giuseppe Tornatore, Pierfrancesco Favino, Toni Servillo, Sergio Castellitto (memorable como el conservador cardenal Tedesco en la película Cónclave), junto a Tim Burton y Abel Ferrara, entre otros.Ninguna de ellas pudo sumarse a la amplia lista de estrellas que pasó por el Vaticano a lo largo del pontificado de Francisco, en audiencias privadas u ocupando lugares preferenciales en la audiencia general de los miércoles. Por allí pasaron, entre muchos otros, Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Richard Gere, George Clooney, Leonardo DiCaprio, Russell Crowe e incontables artistas argentinos. Martin Scorsese lo visitó unas cuantas veces y compartió con el Papa más de un diálogo sobre religión y arte. Y una década atrás, Angelina Jolie logró que Francisco participara junto con ella de una proyección exclusiva en el Vaticano de Inquebrantable, su ópera prima como directora.A algunos de sus famosos interlocutores, Francisco les contaba sus recuerdos de infancia conectados con el cine. Sobre todo las obras del neorrealismo italiano que lo marcaron desde la infancia. "Cuando éramos niños, nuestros padres nos llevaban a ver esas películas y ellas formaban nuestro corazón", dijo en 2019 durante un encuentro con representantes de la Asociación Católica de Operadores Cinematográficos. Allí dijo que las tres tareas fundamentales a las que debía comprometerse toda persona vinculada al cine son la comunión, la creatividad y la visión."La Strada, de Fellini, es quizás la película que más me gustó. Creo que vi todas las películas de Anna Magnani y Aldo Fabrizi cuando tenía entre 10 y 12 años. Otra película que me encantó fue Roma, ciudad abierta", recordó en 2013, durante una conversación con el jesuita italiano Antonio Spadaro."Qué bello sería redescubrir a través del cine la importancia de la educación en la mirada pura, tal como lo hizo en neorrealismo", dijo en una conversación específicamente dedicada a ese arte con otro religioso, monseñor Dario Viganó. Allí habló del cine como un arte equivalente a la "catequesis de la mirada". En su mejor expresión, el cine también era para Francisco "una pedagogía para los ojos que cambia nuestra mirada miope, acercándola a la mirada de Dios mismo".Desde esta perspectiva, no sorprendió a nadie que a la salida de uno de sus encuentros con Francisco, Scorsese anunciara su intención de rodar una nueva película sobre Jesucrito, todavía pendiente de realización. "Cuando pienso en el papa Francisco la primera palabra que me viene a la cabeza es compasión", dijo el realizador de Taxi Driver al director de L'Osservatore Romano, Andrea Monda.Roberto Benigni entendió como nadie a Bergoglio cuando hablaba de cine como arte promotor de alegría. Le arrancó una amplia sonrisa al Papa cuando le dijo en el festejo del Día Mundial del Niño, en 2024: "¡Sos argentino, podemos bailar un tango!". Ya se habían encontrado en diciembre de 2022, en este caso para hablar de un programa especial sobre la vida de San Francisco de Asís producido por el actor de La vida es bella.Francisco llevó el espíritu con el que había recibido a Benigni a una escala universal. El 14 de junio de 2024 recibió en el Vaticano a un centenar de grandes comediantes de todo el mundo. Jimmy Fallon, Stephen Colbert, Conan O'Brien, Whoopi Goldberg, Chris Rock y nuestra compatriota Malena Guinzburg acudieron entre otros a una convocatoria que tuvo como objetivo destacar la importancia de hacer reír en tiempos complicados. "Me gusta rezar cada día, desde hace más de cuarenta años, con las palabras de Santo Tomás Moro: 'Dame, Señor, sentido del humor'. Es una gracia que pido todos los días, porque me hace tomarme las cosas con el espíritu adecuado", dijo el Pontífice a sus invitados.Protagonista en la pantalla grandeDe testigo, observador o simple espectador de un cine de recomendaba desde los valores (La fiesta de Babette, Rapsodia en agosto y Andrei Rublev también aparecen entre sus títulos predilectos), Francisco pasó a ser protagonista en la pantalla de su propia historia como Papa a través de varios documentales muy destacados. En 2014, el documentalista argentino Miguel Rodríguez Arias recorrió los testimonios de algunas personas que lo conocieron muy bien en su suelo natal y acompañaron desde el principio su camino hacia el papado en Francisco de Buenos Aires, la revolución de la igualdad.En el terreno del largometraje documental, mucho más ambicioso y complejo es Francisco: un hombre de palabra (2018, disponible en Max), dirigido por Wim Wenders luego de un trabajo de dos años a través de encuentros, investigación documental, conversaciones y viñetas de las que surge el ideario y el pensamiento del Papa frente a los grandes dilemas globales. En 2022, el laureado realizador italiano Gianfranco Rosi elaboró In Viaggio, un largometraje documental inédito en la Argentina a partir de imágenes y testimonios registrados durante los viajes del Pontífice por el mundo. Y en 2023 llegó directamente al streaming Amén, Francisco responde, de los catalanes Jordi Évole y Marius Sánchez. En esta producción, disponible en Disney+, vemos a diez jóvenes de otros tanto países conversando con el Papa sobre las principales inquietudes de su generación: migraciones, sexualidad, libertad religiosa, identidad de género.La primera vez que Jorge Mario Bergoglio, ya convertido en Papa, fue personificado por un actor fue en 2015. Le tocó a nuestro compatriota Rodrigo de la Serna encarnarlo en su juventud como protagonista de Llámame Francisco, una producción italiana que solo se estrenó en los cines en su país de origen y recorrió el resto del mundo en forma de miniserie (cuatro episodios en total). En 2016 llegó a la Argentina y a buena parte del mundo de la mano de Netflix, pero al día de hoy no aparece en ninguna plataforma de streaming.Los productores se inspiraron en el libro Francisco, el Papa de la gente, escrito por la periodista de LA NACION Evangelina Himitián, y firmaron un contrato con ella para utilizarlo como base del guion. Pero más tarde ese acuerdo fue incumplido, lo cual llevó a la autora a hacer la correspondiente denuncia por plagio. Al día de hoy, los responsables de la serie siguen sin hacerse cargo del pago de los derechos de autor. Llámame Francisco fue dirigida por el italiano Daniele Luchetti y contó, además de De la Serna, con un elenco internacional integrado por el chileno Sergio Hernández (que personifica a Bergoglio en su madurez), el español Alex Brendemühl y el alemán Maximilian Dirr.Casi al mismo tiempo, otro libro sobre Francisco escrito por una periodista de LA NACION, en este caso Elisabetta Piqué, corresponsal en Italia del diario, fue el punto de partida de un largometraje sobre el Papa, en este caso una coproducción entre la Argentina, España e Italia. El texto original de Piqué, Francisco, vida y revolución, se transformó en la película Francisco, el padre Jorge, protagonizada por Darío Grandinetti.Dirigida por Beda Docampo Feijóo, la película es un acercamiento a la vida personal y religiosa de Bergoglio, desde sus tiempos como sacerdote en la Argentina hasta el momento en que se convierte en líder de todos los católicos del mundo, a través de los ojos de una periodista española (Silvia Abascal). "Enseguida acepté el desafío de convertirme en "script and shooting consultant" (consultora de guión y rodaje) de una película que para muchos, y sobre todo fuera de la Argentina, servirá para entender mejor qué hay detrás de esa figura enorme", escribió en su momento Piqué.La más importante, ambiciosa y notoria producción cinematográfica relacionada con Francisco se estrenó en 2019 y obtuvo tres nominaciones al Oscar. Es Los dos papas, dirigida por el brasileño Fernando Meirelles, crónica dramatizada del encuentro y el diálogo que Joseph Ratzinger, el entonces papa Benedicto XVI (Anthony Hopkins), mantiene con el cardenal Bergoglio (Jonathan Pryce), a quien empieza a vislumbrar como su sucesor. La trama incluye viñetas de la vida juvenil del futuro Papa, personificado en esos tramos por el actor argentino Juan Minujín.Producida por Netflix, la película está disponible en esa plataforma. Tuvo un destacado recorrido por algunos de los principales festivales internacionales, tras el cual la Academia de Hollywood nominó al Oscar a Pryce como mejor actor protagónico, a Hopkins como mejor actor de reparto y a Anthony McCarten como mejor guionista. Ninguno de ellos obtuvo el premio.Los dos papas fue la segunda película que Pryce filmó en la Argentina. La primera se produjo en 1996, cuando personificó a Juan Domingo Perón en el musical Evita, de Alan Parker, junto a Madonna. Le tocó rodar en distintos exteriores de Buenos Aires la película de Meirelles en 2018 y regresar al año siguiente, en diciembre, esta vez como figura más destacada de la avant premiere mundial de la película. "Creo que me parezco un poco a él. Conté con una cierta ventaja", reconoció a LA NACION sobre sus coincidencias fisonómicas con Francisco. "Su prédica va más allá del ámbito de la Iglesia Católica. Dice cosas que me hubiese gustado escuchar de boca de los políticos en temas como el medio ambiente, los refugiados y las diferentes crisis que enfrenta el mundo de hoy", agregó.También habló del episodio más conmovedor que le tocó vivir durante la filmación: una secuencia en la que Bergoglio, todavía como arzobispo de Buenos Aires, preside una misa en una villa de emergencia. "Cuando estaba por subir al auto que me llevaba al aeropuerto, el sacerdote con el que había trabajado en ese lugar me saludó y me bendijo. Nadie había hecho algo parecido conmigo en toda mi vida. Fue algo emocionalmente profundo y abrumador", dijo Pryce.

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El audiovisual se grabó en el desierto de la Tatacoa y fue dirigido por el francés Aurélien Vernhes-Lermusiaux, lo que demuestra que las productoras cada vez confían más en la industria cafetera

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"What a feeling". Esas tres palabras que, traducidas al español significan "qué sentimiento", tienen un significado muy especial para los fanáticos del cine, pero sobre todo para los amantes de los musicales. Es el resumen de una película que marcó a toda una generación, Flashdance, de 1983, que hizo que las bailarinas quisieran usar las mismas polainas negras y el buzo gris de Alex Owens y se aprendieran de memoria la icónica coreografía que hizo en su audición con el tema de Irene Cara de fondo, el cual ganó el Premio Oscar a la mejor canción original. Si bien el film pasó a considerarse un clásico del cine de la década del ochenta, su protagonista Jennifer Beals tuvo un destino completamente diferente. Así como a los 18 años brillaba en la pantalla grande, hoy, a los 61, se desarrolla en el mundo de la literatura y acaba de publicar su primer libro. Flashdance fue una de esas películas que generó opiniones divididas. La crítica le bajó el pulgar y el público la aclamó. La historia dirigida por Adrian Lyne (Atracción fatal) tuvo en vista a varias candidatas para el papel de la joven bailarina de la ciudad Pittsburgh, Alex Owens: Demi Moore, Leslie Wing y Jennifer Beals. Según Vanity Fair, también fueron consideradas Melanie Griffith, Jamie Lee Curtis y Daryl Hannah. Con 18 años y con una escasa experiencia (solo tuvo una pequeña aparición en Mi guardaespaldas protagonizada por Adam Baldwin y Matt Dillom) Beals fue seleccionada para el rol protagónico junto a Michael Nouri, quien interpretó a su jefe Nick Hurley.Aunque Beals inspiró a muchos artistas con su interpretación, lo cierto es que se vio envuelta en serias controversias por un particular motivo: las escenas de danza que encantaron al público no fueron realizadas por ella. Fue la actriz francesa Mariane Jahan quien se hizo cargo de las coreografías, mientras que, para grabar la escena de "What A Feeling" se utilizaron a cuatro personas. Las críticas no tardaron en llegar y a pesar de que fue nominada al Globo de Oro a mejor actriz de comedia o musical y ganó el Premio NAACP Image a la mejor actriz, tras filmar la película, decidió seguir con su plan original: ser una estudiante universitaria."Filmé Flashdance cuando ya me habían aceptado en Yale; continuar mi educación en la universidad parecía el siguiente paso lógico. Ni siquiera dudé un segundo. Por el contrario, estaba emocionada porque quería volver a estudiar", sostuvo Jennifer en una entrevista años atrás. Estudió literatura americana en la mencionada casa de estudios, en New Haven, Connecticut, donde coincidió con los actores Jodie Foster y David Duchovny, y se graduó en 1987. Aunque volvió a tener algunos proyectos en el cine como La prometida (The Bride) de 1986 y Besos de vampiro (Vampire's Kiss) de 1990, no logró recuperar el éxito que tuvo a principios de la década y abocó parte de su tiempo a su vida académica. Si bien participó de algunos proyectos tanto en cine como en televisión, en 2004 volvió al mundo del espectáculo en la piel de Bette Porter en la serie The L Word, que se emitió hasta 2009. Una década después retomó el personaje para la secuela de la historia The L Word: Generation Q, que estuvo al aire hasta 2023. En diciembre de 2024, el sitio Deadline anunció que la actriz terminó de grabar Hello Out There, una película dramática de Otis Blum sobre extraterrestres ambientada en Nueva México, junto a Chloe Bennet y Phil Dunster.Actualmente, con 61 años, Jennifer Beals desarrolla a pleno su costado literario. Este mes presentó The L Word: A Photographic Journal al que definió como "un diario fotográfico repleto de recuerdos en forma de fotos analógicas, entrevistas y recuerdos preciados del L Word original". El libro incluye más de 400 fotos que Beals tomó durante las grabaciones de las seis temporadas de la serie, además de sus recuerdos y comentarios del elenco original.Originalmente, armó el libro como un recuerdo personal y después decidió regalárselo a sus compañeros de la serie. Pero, tras participar de una convención de fans de The L Word, impulsada por sus coprotagonistas Kate Moenning y Leisha, decidió hacer público el material. "Soy bastante tímida, pero me dijeron 'tenés que ir, es una experiencia increíble'. Así que fui y los fans fueron increíbles. Estaban muy interesados â??â??en cada aspecto del programa. Fueron muy amables y entusiasmados. Y pensé 'creo que probablemente les interesaría algo así'", le contó Beals a la revista People. Habilitó la venta del libro por un tiempo hasta que, a partir de la insistencia de sus fans (es muy activa en Instagram y tiene más de medio millón de seguidores), encontró una editorial y amplió sus escritos. Este 15 de abril finalmente abrió la venta para todo el mundo.

El cine argentino en la era Milei: cero producciones en 2024 y 2025

Desde la Asociación de Productores Independientes de Medios Audiovisuales (APIMA) apuntaron contra la gestión del titular del INCAA, Carlos Pirovano. "Todas las películas, que son muy pocas, fueron aprobadas por la gestión anterior. Nunca jamás pasó eso", sentenciaron.

Ingreso gratuito al Festival de Cine Coreano 2025 en Lima: películas, fechas y horarios de los films

La programación incluye títulos que abarcan diversos géneros, desde dramas hasta comedias y películas familiares, reflejando la diversidad temática que caracteriza al cine surcoreano

Despedida inminente: esta joya del cine desaparecerá de Max en dos días

Es una de las grandes películas bélicas de los últimos años.Ganó tres premios Oscar.

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¿Por qué ver el episodio más oscuro de Star Wars en el cine a 20 años de su estreno original?

La preventa de boletos para 'Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith' comenzó el día de hoy y cientos de warsies mexicanos ya compraron sus boletos

Stephen King vuelve al cine, pero esta vez sin su clásica etiqueta "una película de terror"

"La vida de Chuck", dirigida por Mike Flanagan, conocido por su enfoque en el horror psicológico, sorprende con una narrativa que explora la vida y el tiempo, alejándose de los elementos tradicionales del género de King, destaca SensaCine

Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana, del viernes 18 al domingo 20 de abril: recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis

Viernes, sábado y domingo hay una gran oferta de recitales, obras y películas.También opciones para ver en casa.

Últimas horas para ver en Max la película que revolucionó el cine

Todavía sigue descubierta por el público masivo. Fue dirigida por Martin Scorsese.

Sandro, eterno: un ciclo de cine gratis y una muestra de objetos personales para celebrar los 80 años del Gitano

El martes 22 de abril, Buenos Aires se vestirá de rojo y terciopelo para homenajear al Gitano. En el día en que Sandro cumpliría 80 años y a 55 de su histórica presentación en el Madison Square Garden de Nueva York, la Ciudad prepara un tributo que combina anécdotas, cine y objetos de colección. El fuego de su figura sigue vivo y esta vez se enciende en el corazón cultural porteño.Organizado por el Ministerio de Cultura porteño, el evento invita a redescubrir al artista total: cantante, actor, ídolo popular y pionero del rock en español. El homenaje propone una mirada íntima y colectiva sobre su legado artístico, su impacto en el imaginario argentino y su influencia en la música y el cine nacional.Encuentro con su historiaLa primera cita será el martes 22 de abril a las 18.00, en el Hall Alfredo Alcón del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). La propuesta: un encuentro abierto al público con personas cercanas a su vida y carrera, que compartirán recuerdos, anécdotas y reflexiones. Un espacio emotivo para hablar de Roberto Sánchez más allá del escenario, del artista y del hombre.Ese mismo día, a las 20.30, se proyectará en la Sala Manuel Antín del Centro Cultural San Martín una de sus películas más recordadas: Muchacho (1970), dirigida por Leo Fleider. La entrada es gratuita y podrá retirarse desde las 17.30 en el hall del Teatro San Martín, por orden de llegada.Sandro en pantalla grande: ciclo de cine gratuitoDel miércoles 23 al viernes 25 de abril, el Centro Cultural San Martín será la sede de un ciclo especial con seis películas protagonizadas por Sandro, una selección que repasa su faceta como actor, donde la música, el amor y el suspenso se entrecruzan en tramas que definieron una época.Programación completa:Miércoles 23 de abrilOperación Rosa Rosa (1974) - 17 - Dir. Leo FleiderEmbrujo de amor (1971) - 19 - Dir. Leo FleiderJueves 24 de abrilGitano (1970) - 17 - Dir. Emilio VieyraSubí que te llevo (1980) - 19.00 - Dir. Rubén W. CavallotiViernes 25 de abrilSiempre te amaré (1971) - 17 - Dir. Leo FleiderMuchacho (segunda función) - 19 - Dir. Leo FleiderUna muestra con su universo personalDurante los tres días del ciclo, también se podrá recorrer una muestra especial con materiales originales de su carrera: vestuario utilizado en películas y recitales, bijouterie de Embrujo de amor, guiones, fotografías inéditas, recortes de prensa y objetos personales. Un viaje directo al universo de Sandro, donde cada pieza revive su presencia magnética.Más que un homenaje: una experiencia colectivaEste tributo no es solo un repaso nostálgico, sino una forma de volver a conectar con lo que Sandro representó â??y sigue representandoâ?? para millones. Con su campera de cuero, sus ojos delineados y su voz inconfundible, supo enamorar a varias generaciones. Hoy, su legado encuentra nuevas formas de decir "te amo".La propuesta es gratuita y organizada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, a través de la Buenos Aires Film Commission, en colaboración con el Complejo Teatral de Buenos Aires, el Centro Cultural San Martín y el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, con el apoyo de Sandro Producciones y 3C Films Group.Sandro, el gran showComo parte de los homenajes a Sandro, en el Teatro Coliseo se presenta Sandro, el gran show, un espectáculo de estatus internacional concebido por Ana Sans y Julio Panno, con dirección musical de José Luis Pagán y producción de Torneos. Con el aval de la familia del artista, es el primer musical oficial dedicado a su figura. La propuesta combina música en vivo, coreografías, imágenes de archivo y una banda en escena para rendir tributo al Gitano sin caer en la biopic clásica.El elenco está encabezado por Alan Madanes, Nacho Pérez Cortés, Sofía Val y Malena Rossi, quienes interpretan los distintos momentos del universo sandrista. Más que una historia con arco narrativo, la obra se construye como una sucesión de potentes cuadros musicales. Funciona como una experiencia visual y sonora que evoca el carisma de Sandro desde el escenario, y ofrece un espectáculo de gran producción que emociona tanto a sus fanáticos históricos como al público más joven.Sandro, el gran show tiene una duración de 75 minutos y despliega un repertorio de más de veinte canciones, incluyendo clásicos como "Rosa, Rosa", "Dame fuego" y "Porque yo te amo". El foco está puesto en la potencia de lo visual y lo sensorial, con una puesta ambiciosa que combina pantallas LED, iluminación escénica, vestuario de época y un trabajo coreográfico que rinde homenaje a su estilo arrollador. El resultado es un show que no intenta imitar, sino capturar la esencia de Sandro y su magnetismo irrepetible. Se presenta de jueves a domingos en el Teatro Coliseo, con localidades a la venta a través de Ticketek.

Ben-Hur regresa al cine por Semana Santa: dónde ver la película y en qué horarios

La icónica película regresa a las salas de cine peruanas, disfruta de este clásico en CinePlanet y Cinemark durante los días 17 y 18 de abril.

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Festival de Cine de Mar del Plata 2025: los cambios previstos para la nueva edición

Tres nuevas secciones se sumarán este año a la programación del Festival de Cine de Mar del Plata, según adelantaron a LA NACION sus directores artísticos, Jorge Stamadianos y Gabriel Lerman, ratificados en esa función después de una primera experiencia en 2024 que ambos consideraron "muy positiva". Otro cambio que se instrumentará tiene que ver con las fechas, con un adelanto respecto de lo ocurrido en años anteriores. La edición número 40 de la historia del festival marplatense se hará entre el 6 y el 16 de noviembre de 2025.Las novedades incluyen una competencia internacional de cortometrajes, una sección integrada exclusivamente con series y un espacio dedicado a la proyección de películas históricas restauradas que llevará el nombre de Mar del Plata Classics. "Mar del Plata no es un festival político o de un partido. Es el festival del país. Mucha gente no fue a Mar del Plata por el debate político que se planteó en las instancias previas y se perdió un gran festival de cine", señaló Lerman. La edición 2024 quedó marcada por el distanciamiento público que tomaron varias entidades respecto de la muestra en disconformidad con las políticas del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, organizadora junto con la Municipalidad de General Pueyrredón. De ese diferendo surgió Contracampo, una muestra que se hizo en Mar del Plata en paralelo con el festival 2024. Allí se proyectaron varias películas argentinas, acompañadas por foros y espacios de debate en donde se plantearon posturas muy críticas hacia la política cultural del gobierno nacional. "Es siempre muy bienvenida la discusión con todas las propuestas ideológicas, vengan de donde vinieran. Pero este es un festival de cine con un espíritu superpluralista. El año pasado la sección Work In Progress la ganó 76 89 23, un documental con una mirada muy crítica del oficialismo actual que acaba de verse en el Bafici. Sus directores nos llamaron y no dejan de agradecernos porque gracias a Mar del Plata la pudieron terminar", destacó Stamadianos. La competencia internacional de cortometrajes, una de las novedades, tendrá un jurado propio, separado del que evaluará los largometrajes de esa misma sección. Las competencias latinoamericana y argentina, en cambio, seguirán contando con un mismo jurado para los largometrajes y los cortos. La sección Mar del Plata Series debutará en 2025 y no será competitiva en su primer año. Su programa incluirá un total de 10 pilotos de otras tantas series internacionales, latinoamericanas y/o argentinas que se proyectarán por primera vez en nuestro país. En cuanto a Mar del Plata Classics, el programa está muy lejos de ser definido porque, según los directores artísticos, es la sección más difícil de armar en cualquier festival. "Se hace cada vez más difícil encontrar películas antiguas en condiciones de ser proyectadas. En 2024 quisimos pasar La fiaca, dirigida en 1969 por Fernando Ayala, para homenajear a Jorge Rivera López, y no pudimos conseguir una copia digital de calidad", destacó Lerman. Junto a estos cambios, la dirección artística del festival decidió al mismo tiempo que la sección Estados alterados dejará a partir de este año de ser competitiva. "Seguirá en el festival con un programa propio, pero sin premios", explicaron. La convocatoria para los títulos que quieran postularse para participar de las distintas secciones de Mar del Plata 2025 estará abierta entre el 5 de mayo y el 30 de junio, según anticiparon los directores artísticos. La decisión de adelantar en 2025 las fechas del festival respecto de lo que ocurrió en años anteriores responde a un criterio que se extenderá al resto de la programación. "Parece una tontería -explicó Lerman- pero el calendario tradicional de Mar del Plata coincidía con el Día de Acción de Gracias, algo que impidió el año pasado el deseo de mucha gente de Estados Unidos de estar presente en el festival". En vez de hacerse en el último tramo de noviembre, como ocurrió hasta el año pasado, la muestra ahora se abrirá a comienzos del mismo mes. Los directores artísticos parten de la idea de considerar que la primera quincena de noviembre es clave en la carrera por el Oscar y los premios más importantes de Hollywood. "Si logramos que los grandes jugadores se enteren del brillo internacional que supo tener Mar del Plata vamos a conseguir que tos las buenas películas que luchan por conseguir atención en ese momento vengan y traigan a sus figuras. Eso nos va a beneficiar a todos", señaló Lerman. "No hay que olvidar -agregó Stamadianos- que en 2024 la competencia internacional incluyó dos películas argentinas, y una de ellas, El casero, se llevó el premio al mejor director. Ya la invitaron a Italia y a Australia. Cuando traés figuras internacionales de mucho peso y se cruzan acá con creadores y artistas argentinos empiezan a pasar cosas muy interesantes. El cine argentino se ganó un lugar muy importante en el mundo y queremos seguir con esa línea en el festival porque va a beneficiar mucho a la industria local". El objetivo de la ratificada conducción artística de Mar del Plata es ir hacia arriba. Lo explicó Lerman: "Una década atrás había 300 películas en el festival. Cuando llegamos el año pasado nos encontramos con que la edición 2023 tuvo la menor cantidad de títulos de toda la historia, 115 en total. Nosotros la subimos a 125 y este año queremos más títulos y traer más figuras. Pero al mismo tiempo estamos con un presupuesto muy acotado para un festival de esa magnitud. Hicimos casi un acto de magia, pero nos entusiasma la idea de hacer crecer a Mar del Plata y llevarlo de nuevo al lugar en donde alguna vez estuvo". Lerman admitió que la apuesta que llevaron adelante él y Stamadianos "pudo haber salido pésima" pero finalmente cumplió con las expectativas. "Lo nuestro -detalló- fue un salto de acrobacia. Empezamos el 1° de agosto y a fines de octubre teníamos que tener la programación terminada para llegar bien a noviembre. Y conseguimos armar una muy buena programación internacional, que incluyó títulos como Emilia Pérez, Las vidas de Sing Sing y Flow". Stamadianos destacó que hubo doce películas proyectadas en Mar del Plata luego fueron candidatas al Globo de Oro y otras ocho nominadas al Oscar. Quienes pasaron por Mar del Plata en 2024 se encontraron con algunas proyecciones a sala llena de películas a priori muy convocantes, pero hubo unas cuantas más de menor cartel, que pese a su interés artístico pasaron inadvertidas y se exhibieron casi sin público. Hubo quejas por el elevado costo de las entradas y la falta de algunos incentivos y promociones para convocar público (descuentos para jubilados y estudiantes, sobre todo) que eran habituales en ediciones anteriores. Los directores artísticos señalaron que su responsabilidad pasa por la selección de las películas y de los jurados y que no tienen incumbencia ni poder de decisión en cuestiones tan sensibles como el precio de las entradas. "Igual lo consideramos y lo conversamos. El descuento para jubilados se aplicó en medio del festival y esperemos que este año se tenga en cuenta desde el comienzo. También hablamos de la posibilidad de lanzar a la venta paquetes de entradas. Nosotros no podemos accionar sobre eso, solo sugerir y proponer", explicó Stamadianos. Lerman lamentó la falta de convocatoria que tuvieron algunas actividades paralelas organizadas el año pasado. "Fue una falla grave que debemos corregir. Tuvimos una mesa sobre cine español con Emma Suárez, Adriana Ugarte y otros panelistas importantes y había 30 personas en el salón. Pasó algo parecido en una mesa sobre cine israelí. Tenemos que trabajar en ese punto, aunque tampoco nos compete directamente. Ojalá este año las salas estén llenas y que haya muchas actividades especiales. El Bafici en ese sentido hace un gran trabajo. Nosotros no estuvimos a esa altura y tenemos que hacer lo mismo o mejor". Hubo una nota autocrítica más, ligada al lugar que ocupa Mar del Plata en el calendario anual de festivales internacionales de cine. "Este es el único festival competitivo de primera línea de la región -cerró Lerman- que está en el mismo grupo de Cannes, Berlín, Venecia, San Sebastián, Tokio. Defenderlo es algo que debe valorar la sociedad y toda la gente de la cultura. El año pasado nos faltó algo: que llegues a Mar del Plata y te des cuenta de inmediato que ahí está en pleno desarrollo un festival de cine clase A".

Andrés Revo, ganador a Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Morelia, habla de su papel en 'Hombres Íntegros'

En entrevista para Infobae México, el actor de 22 años de edad compartió lo que fue interpretar a 'Olaf', los retos, complicaciones y emociones

Mario Vargas Llosa en el cine: las obras del Nobel que llegaron a la pantalla grande

El escritor peruano será recordado por sus decenas de novelas, algunas incluso llegaron a las salas de proyección. Aquí te mostramos cuáles inspiraron a cineastas peruanos y extranjeros

Día Internacional del Beso: por qué se celebra hoy y cuáles son los más recordados del cine

El Día Internacional del Beso se conmemora el 13 de abril, una fecha destinada a destacar la importancia de este gesto afectivo que utilizan las sociedades de gran parte del planeta. La iniciativa se inspiró en lo que se consideró como el beso más largo del mundo, que logró obtener una distinción del Récord Guinness por su duración. La jornada, además, tiene como objetivo destacar los beneficios de este simple gesto para las personas y sus seres queridos.¿Por qué se celebra hoy el Día Internacional del Beso?Fue en 2011 cuando se realizó un concurso en la ciudad de Pattaya, en Tailandia. La jornada buscaba celebrar el Día de San Valentín local, por lo que disputaron una competencia inusual. Nueve parejas llevaron a cabo la consigna de sostener un beso durante horas sin interrupciones. Los ganadores fueron Ekkachi y Laksana Tiranarat, un guardia de seguridad y su esposa. La dupla obtuvo una duración de 46 horas, 24 minutos y 9 segundos. El hito se consolidó como el beso más largo de la historia y dos años más tarde, la pareja rompió su propio récord, con una extensión de 58 horas, 35 minutos y 58 segundos, lo que los hizo ingresar al libro Guinness de los récords.Para celebrar el Día Internacional del Beso, algunos de los más recordados del cine.Ghost, la sombra del amor Esta película de 1990 cuenta con varias escenas de besos entre Demi Moore y Patrick Swayze. Una de las más recordadas es, sin dudas, la que tiene lugar mientras el personaje de Molly se encuentra trabajando con arcilla y Sam la ayuda, mientras suena la canción Unchained Melody, que se convirtió en un hit musical.Mi primer besoMacaulay Culkin y Anna Chlumsky interpretan a dos niños que experimentan con inocencia su primer romance. La escena muestra a Tom, quien practica con su mano para luego consolidar este gesto de cariño.El guardaespaldasEs otro clásico del cine, recordado por la banda de sonido y la icónica canción "I Will Always Love You" interpretada por Whitney Houston. Junto a Kevin Costner juegan con una katana para luego darse su primer beso, en el inicio de esta historia de amor.Spider-ManToby Maguire y Kirsten Dunst protagonizan uno de los besos más originales del cine, que no deja de ser romántico. Bajo la lluvia Spider-Man se encuentra colgado boca abajo y Mary Jane decide besarlo.Casablanca Esta película de 1942 es un clásico del cine, que trata sobre una historia de amor que no pudo llegar a ser. Humphrey Bogart e Ingrid Bergman se despiden con el famoso "siempre tendremos París", una frase que ha quedado en la historia del séptimo arte.El Rey LeónEn la película de Disney, los personajes de Simba y Nala consolidan su amor luego de cantar la canción "Can You Feel The Love Tonight", interpretada por Elton John. Se trata de un beso simbólico del mundo animal, que da inicio a su romance.Diario de una pasiónRyan Gosling interpreta a Noa, quien se enamora del personaje de Rachel McAdams, Allie. La pareja tiene desencuentros y enfrentan dramas, pero su historia cobra sentido cuando se besan en una de las escenas bajo la lluvia más recordadas del cine.Cinema ParadisoLa película de 1988 dirigida por Giuseppe Tornatore posee una escena final en la que el personaje de Jacques Perrin ve por primera vez un montaje prohibido por la censura, que recopila muchos besos que conmocionan al actor. Grease La película de 1978 comienza de manera atípica, al mostrar un beso de los protagonistas. Un joven John Travolta y Olivia Newton-John quedarían en la historia con uno de los musicales más populares de la época.La Dama y el VagabundoGolfo y Reina son el centro de esta historia infantil de Disney, que ha quedado en la memoria de generaciones. La escena ilustra a estos personajes comiendo espagueti en una velada romántica, que desencadena en un tierno beso accidental.

Adrián Suar: los vínculos, el cine y la madurez; "este es un punto de inflexión en mi carrera"

Es toda una rareza, al menos a primera vista, escuchar a Adrián Suar hablando de una nueva etapa en su ya larga, prolífica y multifacética trayectoria artística. "Mazel Tov es un punto de inflexión en mi carrera", revela en medio de un extenso mano a mano con LA NACION pocos días antes del estreno en los cines argentinos de su segunda película como director.Estamos muy habituados a ver a un Suar perseverante en varios terrenos simultáneos: la producción teatral y televisiva, la actuación, la creación de ideas audiovisuales, el manejo artístico de un canal de TV abierta. En agosto de 2022 sumó una nueva faceta, la de realizador cinematográfico, con su ópera prima detrás de las cámaras, 30 noches con mi ex. Cada una de esas facetas permanece ante nuestros ojos casi inalterable más allá del paso del tiempo. No estamos frente a una figura dispuesta al cambio abrupto o a la vuelta de página inesperada. Suar está cambiando, pero a su manera. Por eso ahora dice que "no se cierra una etapa, se abre otra". Y dice que quiere mostrar a partir del jueves 17 de abril, cuando llegue a los cines su film, esa expansión a través de Mazel Tov más que nada desde el aspecto emocional. A través de un largometraje que se apoya, según el guión escrito por Pablo Solarz, en el reencuentro de cuatro hermanos encarnados por el propio Suar, Fernán Mirás, Natalie Pérez y Benjamín Rojas. La historia comienza cuando Darío Roitman (Suar) decide extender su permanencia en Buenos Aires, ciudad a la que regresa desde los Estados Unidos, donde vive, para afrontar junto a sus hermanos una nueva etapa marcada por una sucesión de contrastes (hay un fallecimiento crucial, nacimientos y bodas en el horizonte cercano) relacionados con esos vínculos fraternales, las culpas, los perdones, las reconciliaciones y la mortalidad. Suar llega puntual a la cita en el cuartel general de una de las empresas de postproducción audiovisual más importantes del medio, en el barrio porteño de Chacarita. "Haber hecho la primera película en 2022 fue una experiencia hermosa. Quería volver al tema de los vínculos, pasando de una historia alrededor de una ex con alusiones a la salud mental a otra más cercana a la familia, más específicamente a los hermanos. Las ideas a veces tardan dos o tres años en madurar y a partir de esa base empecé a armarla junto a Pablo Solarz", explica Suar. -¿Qué aprendizajes te dejó aquella primera experiencia como director?-El vínculo con la gente, los tiempos del cine. Ahora sé mucho más lo que voy a filmar y qué busco en una escena, porque también sé mucho más lo que voy a hacer después en el montaje. -En Mazel Tov repetís la experiencia de estar al mismo tiempo delante y detrás de las cámaras. -Por ahora. En algún momento eso va a cambiarâ?¦-¿Cuánto hay de autobiográfico en esta película?-Poco. Conozco bien el mundo que muestro en la película. El haber vivido casamientos, entierros, nacimientos y fiestas como hechos tradicionales que transcurren dentro de una familia. Eso lo transitamos todos. Pero hechos concretos como los que se cuentan allí, no. -Nada que hayas vivido personalmente. -Nada. Pero así como no hay nada, también hay todoâ?¦ En la película hay cuatro hermanos y en mi vida personal también. Tradiciones sí, las recorrí todas. Pero las situaciones de la película no tienen nada que ver con mi vida. Es una película de familia judía, pero con ceremonias universales. Un casamiento siempre es un casamiento. Lo mismo pasa con la muerte de un padre. -Hablando de tradiciones, por primera vez representás en la pantalla aspectos de tu identidad judía, tus orígenes, tus raíces. Y tu personaje, Darío Roitman, honra la memoria de tus antepasados y sigue sus rituales. -Sí, está toda esa tradición expuesta. Pero esa misma historia también podría aplicarse a una familia española o italiana. Lo más importante pasa por los vínculos humanos, algo que excede a cualquier identidad o religión, aunque incorporo lo pintoresco del casamiento judío, por ejemplo. -Cada personaje tiene su momento propio, que permite el lucimiento individual de los actores. -Eso fue deliberadamente pensado desde el guion y apoyado por el formidable trabajo en el casting de Iair Said. Está Benjamín Rojas, el hermano más desapegado. La única mujer de la familia, Natalie Pérez, muy apegada a mí y al resto. Y el personaje de Fernán Mirás, el hermano mayor, con sus problemas y su personalidad. -Hay un momento muy especial, que tiene a Rodolfo Ranni como protagonista excluyente. -El Tano es como un Falcon. Imbatible. Estoy feliz porque la rompió con un personaje hermoso. Tiene una escena larga, muy especial, que dura unos 12 minutos y es la que más tiempo me llevó hacer, casi cinco días le dediqué exclusivamente a ella. Ahí, en una cena, Ranni me dice unas cuantas verdades y nos gritamos bastante. Hizo dos tomas y después de la segunda todo el set lo aplaudió. Sostuvo esos 12 minutos él solo, como si fuese una obra de microteatro. -¿Qué les pedís como director a tus actores? ¿Les das libertad para improvisar?-No hay improvisación, porque el libro ya estaba consensuado desde el vamos y es lo que siempre quisimos filmar. Metimos muchos ensayos, unos diez antes de las siete semanas de rodaje. Generalmente voy al set con la idea clara de lo que trabajamos previamente con Pablo Solarz, pero siempre aparecen en el día de rodaje inspiraciones propias de cada actor. Puede surgir algo distinto y algo nuevo, que a lo mejor no se percibe hasta que el actor le pone la voz y el cuerpo a un personaje. -Como en 30 noches con mi ex, apostás de nuevo a un estreno importante en pantalla grande en un tiempo en el que la mayoría de los títulos más fuertes del cine argentino se inclinan por los estrenos directos en las plataformas de streaming. -Sigo creyendo mucho en el cine, sobre todo después de todo lo que hice y a pesar de que esté atravesando un momento difícil en la Argentina. Ir al cine es una gran ceremonia social que me gusta particularmente. Yo la practico mucho. Me encanta organizar esa salida, elegir el día, el lugar. No es lo mismo ver una película en tu casa que hacerlo en un cine, donde todos vibran al mismo tiempo alrededor de la risa o de alguna situación incómoda. -¿Y por qué el cine argentino parece haber tomado distancia de la pantalla grande, sobre todo en cuanto a sus grandes estrellas?-No es tan así. En los últimos años llegaron primero al cine 30 noches con mi ex, también Argentina, 1985, con Ricardo Darín, y La extorsión, con Guillermo Francella. Admito que está más difícil y se perdió un poco entre nosotros la idea de estrenar en cines. Necesitamos recuperar ese hábito y es lo que trato de hacer. -¿El cine pensado por vos detrás de las cámaras va a ocupar cada vez más lugar en tus planes artísticos?-De a poco sí. Va a ir pasando eso. De aquí en más en algunas películas estaré como actor y en otras no. Llevo hechas unas 15 y todavía tengo mucho para dar. Lo que veo con Mazel Tov es el puntapié inicial de una serie de ideas vinculadas a un cine más emocional, identificado con el espectador. La ficción tiene sus matices, pero las buenas películas copian la vida. -¿Empieza entonces una nueva etapa para vos?-Voy a seguir con la comedia en la medida que pueda. Amo el género y quiero seguir allí, pero hay un proceso lógico de mi carrera como actor y ahora como director que me lleva a explorar otras cosas. Con Mazel Tov la idea es que la gente pueda reírse y también emocionarse al sentir que le pasó algo parecido a lo que viven los personajes. ¿Qué nos pasa al perder a un ser querido? ¿Qué lugar ocupa en la cabeza un padre? ¿Y un hermano? Son situaciones que interpelan y emocionan. -¿Qué dijeron tus hermanos al verla?-Solamente uno la vio. Faltan los otros dos. Me imagino que de cada diez personas que vean Mazel Tov, por lo menos siete se van a sentir identificadas con lo que cuento. De cal y de arena-El año pasado, Jaque mate fue el primer gran fracaso de tu carrera en el cine. ¿Cómo lo asimilaste?-Lo viví como toca en las películas. A veces te va bien y a veces te va mal. El éxito te calma y el fracaso también. -¿Te dejó calmado el hecho de que haya sido tan poca la gente que vio esa película, a diferencia de las demás, casi todos éxitos de boletería?-Hubiese preferido que fuese un éxito, claro, pero igual estoy muy contento del trabajo que hicimos allí con Amazon. A veces no entendés por qué se llega a un gran éxito y lo mismo pasa con un gran fracaso. -¿Y qué falló en Jaque Mate, según tu criterio?-La gente falló porque no vino. Pero el resto lo hicimos con el mismo cariño y el mismo amor. No te podría decir qué funcionó y qué no, porque lo mismo vale para el éxito. A veces pasa. -En 2024 también se estrenó tu primera película hecha en España, No puedo vivir sin ti, que hiciste solo como actor. -Fue una experiencia muy buena. Me gustó tanto que estoy con ganas de volver a España para filmar de nuevo. Lo viví hace poco en el Festival de Málaga, donde presentamos Mazel Tov. Estoy pensando en hacer más cosas allá, por ahora más que nada como productor. -¿Te vas a tomar otros dos o tres años para hacer tu próxima película como director?-A lo mejor filmo a fin de año otra vez. Si me gusta algo me meto de inmediato, pero por mis otras tareas con una película por año estoy bien. Hace mucho que no me dedico las 24 horas a hacer una misma cosa.-Aunque hayan cambiado el enfoque o los vínculos, pasa el tiempo y seguimos reconociendo en la pantalla al Adrián Suar de siempre. Nunca hiciste un click como el de Francella para salir de lo conocido y buscar otros caminos, otro rango de actuación. Todavía no te vimos en el cine con otra cara. Siempre sos Adrián. -Ojo, depende de cuál sea el personaje. Los personajes de mis películas no son Adrián. Son versiones de lo que vos creés que es Adrián. Y Adrián no es ninguno de ellos. ¿Vos hablás del aspecto?-Sí. -Yo no creo tanto en la metamorfosis física. Mi personaje no es el mismo en El fútbol o yo, en Dos más dos, en Me casé con un boludo, en Un novio para mi mujer o en 30 noches con mi ex. Son totalmente distintos, lo ves en la energía de cada uno. El desarrollo y el arco dramático cambian. Uno es más envidioso, otro más ingenuo o más pícaro. Hay varios renglones diferentes que vengo explorando. -¿Sos intuitivo para filmar?-No soy de quedarme con la primera o la segunda toma, pero tampoco hago 27. Aunque a veces se complica todo y no queda otra que hacer tomas de más. Todo rodaje tiene sus días difíciles y trato de no trasladar mi neurosis a los actores. Para ellos, a veces hacer 17 tomas de una misma escena puede ser algo difícil. -¿Cómo manejás esa neurosis?-Tengo siempre buen ánimo y en general consigo que el rodaje se haga en un clima agradable. Un director debe además contemplar y manejar las neurosis de todos, porque es el que lleva adelante el proyecto. Un director que se ganó el título de neurótico es muy fácil que termine intoxicando al resto de las áreas. -¿Cómo se resuelve esto? ¿Con terapia?-Fundamentalmente con empatía hacia el otro. Y con entender que la otra persona también puede sufrir en el set. Nunca hay que abusar del poder que uno tiene como director. -Hablando de psicología, no es difícil encontrar similitudes entre el personaje que interpreta Lorena Vega en Mazel Tov y el que le permite lucirse tanto en la serie Envidiosa. -Es posible, pero acá estamos ante una especie de "lado B" de Envidiosa. El personaje de Lorena tiene acá a un marido. A un exmarido, que soy yo. Lorena es una actriz de muchísimos recursos y está muy graciosa en la película. -¿Te imaginás dirigiéndola en una película protagonizada por ella?-Sí, la recontraveo. Pero no solo en el caso de Lorena. Hay muchas actrices en las mismas condiciones. La coyuntura del cine argentino-Cómo vive hoy alguien tan comprometido como vos desde hace tantos años con la creación y la producción audiovisual este tiempo de crisis, que puede resumirse con la frase "no hay plata"?-Está difícil. Espero que la situación mejore. Lo que pienso es bien conocido, lo vengo expresando desde hace tiempo. Tengo entendido que el Incaa está empezando a tomar medidas y a ordenar el tema de los rodajes. Yo soy pro-industria, todos lo saben. Me gustaría que el Incaa vuelva a ser una fuente para los creadores, como lo fue siempre. Pero también dije, y lo sostengo, que debe haber una autocrítica en relación con todo lo que hizo el Incaa en los últimos años. También debemos sacarnos de encima eso de que se hace cine en la Argentina para ganar dinero y que no ve nadie. Tenemos películas poco vistas que a la vez pasaron con éxito por grandes festivales y funcionan como marca país. Necesitamos una mirada industrial sin perder de vista al cine independiente. Siempre estuve a favor de las camadas jóvenes, que necesitan un espacio para poder dirigir. Si no empiezan a filmar, nunca va a haber industria. Con incentivos y un buen apoyo se puede saltar del cine independiente al industrial. -Hoy los proyectos audiovisuales más grandes dependen cada vez más de las plataformas de streaming. ¿Qué tipo de formato vislumbrás para los próximos años como el que va a predominar en la producción audiovisual argentina?-Todo está modificándose todo el tiempo y a toda velocidad. Las plataformas llegaron para quedarse e hicieron muchísimo en los últimos tres años. Quiero destacar que también están abiertas a lo que hace gente nueva como Santiago Korovsky en División Palermo o Martín Piroyansky. Creo que van a convivir dos modelos, uno de estrenos que primero pasan por los cines y llegan al streaming después de tres meses, y otro con lanzamientos originales de cine y series directamente en las plataformas. -Envidiosa es un proyecto que trabajaste como productor junto a Netflix y se convirtió en un éxito. ¿Lo ves como expresión de una nueva fase dentro del modelo de ficción que en su momento impuso Polka?-Es así. Envidiosa es Pol-ka 2.0. Y no tengo dudas de que si lo hubiese puesto en el aire en un canal abierto estaríamos hablando de uno de los grandes tanques de Polka. -Polka dejó de producir ficciones para TV a principios de 2024 y esa inactividad sigue hasta hoy, pero la marca nunca desapareció. -Sigue el final abierto. Mi camino como productor desde ese lugar nunca se cerró. Más adelante puede ser que Adrián y Polka vuelvan a amigarse. Eso es lo que espero. -¿De qué depende?-De las condiciones de una industria televisiva más sana que permita sostener los altos costos exigidos hoy para hacer una ficción en un canal abierto. No pierdo las esperanzas. El Trece es un canal muy pro-industria audiovisual y pro-ficción. Lo demuestra su historia de toda la vida, desde los años 60 hasta ahora. Que estemos ahora en un impasse no significa que las puertas para la ficción estén cerradas. Para nada. Siempre están latentes de nuestro lado las ganas de volver a tener actores en la pantalla. Será en cualquier momento, cuando se pueda y de la manera en que se pueda. -Dijiste al comienzo que Mazel Tov es el punto de partida de una nueva etapa, pero tus ciclos siempre parecen tener plazos mucho más largos de lo habitual. -No se cierra una etapa, se abre otra. Mazel Tov es un punto de inflexión en mi carrera. Por el tipo de película, por tocar temas más acordes con mi edad. Volveré a la comedia, pero las edades están cambiando y a veces estoy más grande para esas cosas. Aunque si fuera por mí seguiría haciendo comedias como Me casé con un boludo. -¿Algún director te tentó para explorar otro lugar como actor, a salir de tu espacio más conocido?-Sí, me tentaron para hacer otras cosas que no pudieron darse más que nada por los tiempos. Estoy abierto a hacer cosas distintas que signifiquen un desafío para mí. Eso va a llegar. -¿Hay deudas que quieras saldar en este momento, proyectos que pasen por tu cabeza y te lleven a decir: este es el momento adecuado para llevarlos a cabo?-Mazel Tov es algo que quería hacer. Una película que hace mucho no se ve en el cine argentino y que genera tanta identificación desde lo emocional. Es un mundo que conozco muy bien desde que encaramos los unitarios de Polka como Tratame bien, Locas de amor, Tiempos compulsivos. Son los vínculos esenciales de la vida llevados al cine. Ese es el aporte que puedo hacer hoy. Estoy maduro para eso.

De Luchino Visconti a una historia inspirada en la Cicciolina, el cine italiano se muda a Buenos Aires

Hubo un tiempo feliz, en el que el cine italiano tenía una presencia constante en las salas argentinas. Por idiosincrasia, por familiaridad con un idioma que en la pantalla se disfrutaba a través de la comedia o el retrato de costumbres y por el magnetismo de un puñado de nombres de extraordinario carisma, Italia era una compañía habitual de los argentinos en la pantalla grande. Y no solo en las salas especializadas de películas de autor. El cine italiano supo expresarse entre nosotros a través de un fortísimo arraigo popular. Buenos Aires está hoy atravesada por una reminiscencia de aquellos días. La undécima Semana de Cine Italiano, que concluye el miércoles 16 de abril, nos acerca como nunca en los últimos años una avanzada del modelo de películas que mejor representa a la producción cinematográfica actual de la península. Y conviven por unos días más en la cartelera local con uno de esos clásicos que mantiene intacta su vigencia y sobre todo la idea de un legado perdurable, intacto a lo largo del tiempo. Una línea invisible a la vista y de una claridad meridiana cuando la observamos desde la dimensión simbólica conecta a ese clásico imperecedero, Rocco y sus hermanos (1960), de Luchino Visconti, con el mejor título programado en esta Semana del Cine Italiano, Diamanti (2024), de Ferzan Ozpetek, cuya última función tendrá lugar el domingo 12 de abril, a las 14, en el complejo Cinépolis Recoleta. "Ojalá lo fuera, pero no me corresponde a mí decirlo", señala con pudor Ozpetek cuando LA NACION le pregunta si se considera como heredero del estilo viscontiano, como viene señalando en los últimos años un sector de la crítica italiana. Es la primera vez que el aplaudido director nacido en Estambul e instalado desde los 17 años en Italia visita la Argentina, país que recibió con mucho interés algunos de los títulos de su cine preciso y sensible a todos los avatares posibles de la relación amorosa, especialmente alrededor de los vínculos homosexuales. Visconti estuvo siempre presente en la memoria y en la vida de Ozpetek sobre todo a través de Piero Tosi, uno de los más grandes vestuaristas del cine europeo y protagonista desde ese lugar de algunas obras cumbres de la pantalla italiana, entre ellas El gatopardo y Rocco y sus hermanos. "Piero fue durante muchos años mi guía y mi consejero. Hablábamos casi siempre a medianoche. Me decía que el mío era un toque distinto al de cualquier otro director italiano. ¿Cuál es? No lo sé. Me da vergüenza decirlo", confiesa Ozpetek. A través de Tosi y de muchos otros vestuaristas con los que trabajó durante una década y media como asistente de dirección, Ozpetek descubrió y capturó todos los detalles de luz y color que son parte esencial del cine. Diamanti es un tributo a ese mundo y a esa manera de entender el arte, representada a través de una historia que comienza como una especie de reality show y luego se transforma en un extraordinario homenaje al modo en que los italianos hablan del amor en el cine con la ligereza de una comedia y el apasionamiento del melodrama. Diamanti arranca con el propio Ozpetek reuniendo a un elenco de 18 actrices, la élite femenina del cine italiano actual (Luisa Ranieri, Jasmine Trinca y Elena Sofia Ricci, entre muchas otras) para hablarles de la idea que tiene de hacer una película junto a ellas. Cuando todo pasa a la ficción estamos a comienzos de los años 70 en una sastrería especializada en la confección de ropa para el cine y el teatro. Ambiciones, conflictos, sueños, traiciones, sueños románticos y amores frustrados se van desplegando allí mientras cada personaje vive su peripecia con distintas perspectivas en un mundo personal o familiar. "Yo vivo de emociones, y en ese sentido Diamanti es la película que llegó más lejos de todo lo que hice. Allí encuentro lo que podría definir como la magia del cine, que en mi caso tiene que ver mucho con lo que significa compartir emociones. Esa magia es lo que te conmueve cuando una película permanece en tu cabeza de un modo inexplicable cuando volvés a tu casa", explica Ozpetek. Dice también que el título original iba a ser otro, Mezza Veritá (media verdad), porque quería jugar con eso de estar al mismo tiempo en la vida real y en la ficción. Pero bastó un consejo de Mina, la más grande cantante italiana de la historia de la música popular, para que cambiara de opinión. "Mi amadísima Mina, que me escribe todos los días y ocupa desde hace 15 años el lugar de Tosi, me dijo que una película titulada Mezza Veritá no la iba a ver nadie. Ella me sigue todo el tiempo, es la primera en leer todos mis guiones y mis novelas. Allí surgió Diamanti", agrega. Ese título es el plural de una palabra que define, según Ozpetek, a un objeto resistente a todo, indestructible. "Los diamantes son las mujeres", agrega sin vueltas. Se emociona al decir que no esperaba tanto éxito para una película que se estrenó en Italia en la última Navidad y ya fue vendida a 40 países. "¿Cuál es el secreto? -se pregunta-. Me di cuenta que la gente se metía de verdad en esta historia porque, según supe después, cada uno de nosotros tiene más lejos o más cerca algún pariente que se dedica a la costura". Un segundo film de Ozpetek, Tengo algo que decirles (Mine Vaganti, 2010) forma parte de la actual Semana del Cine Italiano. Fue otro de los grandes éxitos del realizador de origen turco, que cuenta en clave de una típica commedia all'italiana, pero en tiempos actuales, lo que vive una prototípica familia tradicional del sur de la península cuando aparecen en la nueva generación inesperadas revelaciones como el reconocimiento de una identidad homosexual que hasta ese momento permanecía oculta. ProgramaciónEs el único reestreno de una programación armada a partir de algunas de las creaciones más destacadas del cine italiano reciente. Entre ellas aparecen Gloria!, de Margherita Vicario (otra de las visitas de esta Semana), un relato sobre el descubrimiento del arte y del talento musical en un convento veneciano cerrado al mundo durante los albores del siglo XIX; Diva futura, de Giulia Louise Steigerwalt, basada en la historia de Ricardo Schicchi, el descubridor de la Cicciolina, Moana Pozzi y otras figuras del cine condicionado italiano en los años 80; y Vermiglio, de Maura Delpero, atípico relato sobre el impacto de la Segunda Guerra Mundial en un aislado pueblo de montaña. Esta última película, dirigida por una joven realizadora cinematográficamente formada en la Argentina, donde vive parte del año, fue la representante oficial de Italia al Oscar internacional 2025. Gloria! (8 de mayo) y Vermiglio (5 de junio) ya tienen fecha confirmada de estreno en los cines de nuestro país. Lo mismo podría ocurrir con Another End, un drama romántico futurista hablado en inglés y protagonizado por el mexicano Gael García Bernal, la argentina Berenice Béjo y la noruega Renate Reinsve curiosamente programado dentro de este ciclo por contar con un director (Piero Messina) y un equipo técnico y de producción casi íntegramente italiano. También podría sumarse a la cartelera de estrenos locales del futuro cercano algún otro título de una programación que incluyó este año los trabajos más recientes de directores tan prestigiosos y experimentados como Gianni Amelio (Campo di Battaglia), Marco Tullio Giordana (La Vita Accanto) y Pupi Avati (El huerto americano). "El cine no morirá nunca. No puede morir. En vez de cenar solo es como hacerlo junto a varias personas más, compartiendo todo con ellas. Después del Covid reconozco que me encontré con algunas complicaciones para volver como espectador a un cine, pero cuando lo pude hacer me dí cuenta de todo lo que me estaba perdiendo. Hoy trato de ir todas las veces que puedo", dice Ozpetek, que también celebra la confirmación del estreno en los cines locales de Diamanti, previsto para el jueves 24 de abril. Mientras tanto, todavía puede verse en pantalla grande la maravillosa copia restaurada de Rocco y sus hermanos. Quedan funciones en el Atlas Patio Bullrich, Cine Arte Cacodelphia y Lorca. No quiere anticipar mucho ("por cábala") al respecto, pero Ozpetek tiene bajo la manga el proyecto (más bien un sueño que quiere hacer realidad) de rescatar una vieja sala inactiva en el centro de Roma y ponerla de nuevo en funcionamiento con una programación de cine de autor. "Hay tantos cines que se cierran en estos momentos que emprender la idea de renovar una de ellas es un lindo desafío. Veremos si es posible lograrlo", dice antes de despedirse. Ozpetek es uno de los grandes protagonistas de este momento feliz que vive el cine italiano en Buenos Aires.

Jueves y domingos de cine en el Museo MAR

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Bafici: películas basadas en ficciones y documentales sobre artistas, en la recta final del festival de cine independiente

La vigesimosexta edición del Bafici, festival de cine independiente que se desarrolla hasta el domingo en varias salas de cine porteñas, tiene un amplio menú de películas relacionadas con el arte y la literatura. Adaptaciones de novelas y cuentos, así como documentales sobre personalidades de las artes visuales, la historieta, el teatro y la fotografía, fueron seleccionados por el equipo de uno de los festivales porteños con mayor convocatoria, donde se habrán proyectado casi trescientas películas de 44 países. Las entradas cuestan $ 3000; estudiantes y jubilados pagan $ 2000 por función.Toda la verdad sobre la riña de borrachos de Scott Fitzgerald en Roma"El Bafici tiene sus secciones específicas de música y una de cine sobre cine, que considera esas artes y la autorreflexión, pero además de eso están las secciones de artes y oficios donde hay películas sobre literatura y fotografía -dice el director del festival, Javier Porta Fouz, a LA NACION-. Y repartidas en otras secciones hay películas que orbitan alrededor de estos temas: en las noches especiales y en las competencias. El Bafici es un festival de espectro muy amplio en materia de temáticas y de estilos. Un dato anecdótico es que la primera película en agotarse en esta edición es una adaptación, una trasposición al cine de dos cuentos de Mariana Enriquez, La Virgen de la tosquera, de Laura Casabé".La Virgen de la tosquera, basada en dos cuentos de Los peligros de fumar en la cama, de Enriquez, y con guion de Benjamín Naishtat, se proyecta hoy jueves, a las 14.10, y el sábado, a las 15.30, en Cinépolis. También ya se proyectó Nadie dijo nada, del director chileno Raúl Ruiz, basada en el célebre cuento "Enoch Soames" (incluido por Borges, Bioy Casares y Ocampo en Antología de la literatura fantástica), del británico Max Beerbohm.Hay otras películas de arte y cultura en la profusa grilla baficiense. Quinografía, de Mariano Donoso y Federico Cardone, traza un recorrido por el lugar donde Quino forjó su creatividad. Con testimonios inéditos y guion de Mariana Guzzante, se iluminan el trabajo, los vínculos y los espacios significativos de la vida del Messi de la historieta en la Argentina. Se puede ver el domingo en el Cine Teatro Alvear, a las 16.15 y a las 18.50.En Cacodelphia se proyectó LS83, de Herman Szwarcbart con guion del director y Fernando Krapp, que entrelaza los recuerdos de infancia del escritor Martín Kohan reunidos en su libro Me acuerdo con imágenes inéditas del archivo del noticiero de Canal 9 entre 1973 y 1980.En el documental Buscando a Shakespeare, el actor y director Gustavo Garzón y la directora teatral Mariana Sagasti se interrogan sobre el enigma de una de las figuras más importantes de la literatura universal: William Shakespeare. ¿Trabajaba solo? ¿Tenía socios? ¿Realmente existió? Para responder estas y otras preguntas, hay funciones hoy, jueves, a las 19.30, y el viernes, a las 22.45, en Cinépolis y el domingo a las 15.25, en Cacodelphia.Una carta para mí, cortometraje de Lara Dubcovsky, reconstruye la historia de su abuelo paterno, el psicoanalista y escritor Santiago Dubcovsky. Se proyecta el viernes, a las 14.30, en el Centro Cultural General San Martín. En I Accidentally Wrote a Book, que se puede ver el domingo, a las 16.15, en la Sala Lugones, la húngara Nóra Lakos cuenta la historia de Nina, una adolescente que acaba de perder a su madre y descubre el poder de la escritura.Atín Aya. Retrato del silencio, de Hugo Cabezas y Fernando Toro, compone una semblanza del fotógrafo documentalista español fallecido en 2007. Se recorre su vida y obra, se exploran sus influencias y sus contemporáneos, con imágenes de los años 90 hasta sus fotografías inéditas. Queda una función para este sábado, a las 19.55, en el Centro Cultural San Martín. También se presentó en el Bafici el documental Yo y la que fui, retrato de la fotógrafa y escritora Adriana Lestido, de Constanza Niscovolos.El niño que sueña, de Andrés Varela, cuenta la historia del titiritero y director teatral francés Philippe Genty, uno de los máximos exponentes del teatro y las artes visuales de la actualidad. A los 83 años, Genty abre las puertas de su estudio en un bosque de Bretaña para compartir sus métodos y experiencias. Todavía le queda una función para esta noche, a las 21.25, en el Centro Cultural San Martín y el sábado, a las 16.10, en Cacodelphia.En Otras formas. Artistas visuales que hacen música, la artista y música Florencia "Hana" Ciliberti sigue la pista de artistas músicos locales como Jorge De la Vega, Federico Manuel Peralta Ramos, Roberto Jacoby, Benito Laren, Dani Umpi y Matías Duville. Con humor, videoclips, material de archivo y performances, construye un relato sobre la música en el arte visual en la Argentina. Se la puede ver en Cinépolis el viernes, a las 18.50, y el domingo, a las 15.45, en Cacodelphia.Cartas telepáticas, de Edgar Pêra, plantea una correspondencia visual e imaginaria entre el portugués Fernando Pessoa y el estadounidense H. P. Lovecraft a través de sus textos. Con inteligencia artificial, el director portugués concibe imágenes monstruosas, cruza de cosas imposibles y aleaciones terroríficas sin el "aura" de la referencia verdadera. Queda una función el domingo, a las 15.05, en Cacodelphia.Ariel, del director español Lois Patiño, es una obra dentro de otra sobre una actriz argentina que llega a una isla misteriosa donde sus habitantes se han vuelto personajes shakesperianos. En su universo, el personaje de Agustina Muñoz se sube al ascensor con las brujas de Macbeth o acude a una estación de servicio atendida por el fantasma de Hamlet. Se la puede ver hoy jueves, a las 20, y el viernes, a las 14, en Cinépolis y el domingo, a las 13.15, en Cacodelphia.Basada en la novela homónima de Camila Sosa Villada, Tesis sobre una domesticación, dirigida por Javier van de Couter, narra la historia de una adinerada y prestigiosa actriz travesti (protagonizada por Sosa Villada) que decide adoptar con su pareja, un abogado gay, a un niño diagnosticado con VIH. Hot Milk, de la británica Rebecca Lenkiewicz, cuenta la historia de dos inglesas, Rose y su hija Sofía, que, en el verano español, viajan a la ciudad de Almería para consultar con un enigmático curandero sobre la enfermedad de Rose. La película es la adaptación de la novela Leche caliente, de la británica Deborah Levy (publicada por Anagrama). Se la puede ver el sábado, a las 21.30, en la Sala Leopoldo Lugones.Y Paying for It, de la canadiense Sook-Yin Lee, es una adaptación de la novela gráfica homónima del canadiense Chester Brown. En los años 90, Chester y Sonny son pareja, pero cuando ella quiere redefinir la relación, él comienza a ver trabajadoras sexuales y descubre otra forma de intimidad. Hay una función el viernes, a las 21.40 en el Cine Teatro Alvear.El Colectivo de Cineastas alertaEn un comunicado dado a conocer durante el Bafici, el Colectivo de Cineastas alerta que el Incaa, durante la actual gestión, no apoyó la realización de ninguna película. "El 26° BAFICI nos encuentra sumergidos en una maraña de sentimientos. Celebramos fuerte cada estreno y cada proyección de las películas nacionales que fueron programadas, felicitamos fuerte a cada equipo que participó en cada una de ellas, aplaudimos fuerte cada historia compartida. Sin embargo, la perspectiva del presente se torna cruel. El Instituto Nacional de Cine se transformó en una pesadilla: en el tiempo que lleva la actual gestión, ninguna película recibió apoyos nacionales. Los escasísimos concursos abiertos para nuevos proyectos no están cumpliendo sus propios calendarios, y la incapacidad de las autoridades de formar siquiera un jurado, no hacen más que reafirmar la desidia en la que se ve envuelto el INCAA. Los pasillos del edificio de la calle Lima están vacíos, se ve concretamente la desfinanciación de programas y áreas que acercaban el cine a las personas. Los despidos llegan a 500 familias. No hay respuestas claras para las películas que quedaron varadas. Sin adelantos de subsidios ni reglas claras para asumir coproducciones internacionales, las películas se están quedando en el camino", se lee al inicio.Se recuerda que existe una ley de cine y un Instituto con recursos propios "que hoy no están siendo puestos para fomentar al cine, tampoco hay proyectos en el corto y mediano plazo para apoyar e incentivar a toda la diversidad del cine que se produce en todo el país". "Seguimos bregando por recursos públicos para sostener una cadena de valor que es económica y también simbólica. Porque el cine argentino existe, aunque quieran negarlo", concluye.

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En su décima edición, comienza este jueves 10 de abril, en el Cinépolis Recoleta.Y entrevistamos a Ferzan Özpetek, el director de "Diamanti", que abre la Semana.

El Rey de Reyes, cine religioso que sortea con astucia el equilibrio entre la fe y la estética

El Rey de Reyes, una historia contada por Charles Dickens (The King of Kings, Corea del Sur, Estados Unidos/2025) Dirección: Seong-Ho Jang, Guion: Seong-Ho Jang, Hoseok Sung. Fotografía (animación): Kim Woo-hyung. Edición: Seong-Ho Jang. Música: Taeseong Kim. En copias subtituladas con las voces originales de: Kenneth Branagh, Uma Thurman, Oscar Isaac, Pierce Brosnan, Sir Ben Kingsley, Mark Hamill, Forest Whitaker, Roman Griffin Davis. Calificación: apta para todo público. Distribuidora: Lupino Films. Duración: 104 minutos. Nuestra opinión: buena.Con experiencia en el área de efectos visuales, Seong-Ho Jang aquilata casi un centenar de producciones en ese rol (gran parte en su Corea del Sur natal), y aquí con esta película de animación concreta su debut como director. Lo curioso es que antes de que su trabajo se aprecie en la pantalla grande, una placa advierte que "el film fue aprobado por The Angel Guild, una comunidad con más de un millón de miembros". El inicio de este sello se remonta a 2014, cuando un grupo de mormones lanzó un servicio de filtrado para películas que causó una demanda de los grandes estudios por violación de derechos. Acuerdo judicial mediante, los involucrados decidieron fundar su propia productora que, luego de varias idas y venidas, se convirtió en la Angel Studios que concreta producciones por el método de crownfunding. Por lo tanto, amén del hecho artístico, existe en este trabajo un basamento de intención evangelizadora.¿Pero de qué tipo de cine religioso estamos hablando, entonces? La historia del cine da cuenta de abordajes del fenómeno religioso que pueden circunscribirse al estudio teológico, al punto de vista metafísico o desde el propio sentir de la fe. El mayor problema es el equilibrio entre el valor de la enseñanza que desean promulgar sus realizadores y lo místico tratado desde el componente estético, sin olvidar el principio eminentemente artístico que debe primar en la materia aunque esta deba conseguirse sin traicionar su objeto de origen. ¿Dificil? Demasiado. Por eso muchas películas rodadas con fines religiosos sucumben ante el proyecto artístico o viceversa. ¿Cómo sortea esta El Rey de Reyes ese conflicto inicial? Con enorme astucia, porque los realizadores recurren a La vida de nuestro Señor, un relato corto, sencillo y dirigido en origen a los hijos de su autor -Charles Dickens- para inspirarse y guiar a los espectadores en un recorrido donde el también autor de Un cuento de Navidad (con la que da inicio el film desde la escena teatral) se sumerge junto a su hijo menor Walter y su gata en la historia de Jesús y sus enseñanzas, transportándose a tiempos de Jerusalén casi como los fantasmas de la Navidad de uno de sus más famosos relatos. Así los Dickens son testigos del devenir de la narración que el mismo Charles Dickens hace del Nuevo Testamento hasta la crucifixión.Con el objetivo de concretar una animación familiar, El Rey de Reyes seguramente sea demasiado larga para sus pequeños espectadores y la concreción de todos los personajes animados no del todo evolucionada. Si se tiene en cuenta que el relato que aborda es conocido desde hace dos mil años, su resultado tiene poca imaginación pero El evangelio de Lucas, que es su basamento principal, transmite su intención pastoral y el texto de Dickens es tomado desde un aspecto mucho más luminoso que el original, lo que se consigue además con fondos visuales bellamente realizados y, paradojalmente, seguramente gracias al enorme elenco de voces originales permite que sea mucho más disfrutable por el público adulto que el más pequeño en su versión doblada. Aunque tenga algunos problemas formales, clásicos de buena parte del cine religioso que se debate como se ha indicado, entre tema y forma; El Rey de Reyes concreta su mirada desde los ojos de un niño para los niños, profundiza el vínculo entre padres e hijos y resulta un feliz pasatiempo con momentos bellamente logrados ocupando, además, el clásico sitial de películas pascuales habituales en la cartelera de otros tiempos.

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La cantante de 66 años confesó que no se sintió atraída por el personaje

El mal momento de J Balvin en su propio show de Boston: "Ni Marvel tiene tanto cine"

El artista colombiano J Balvin vivió un momento insólito en Boston, Massachusetts, durante su gira por Estados Unidos. El artista colombiano llegó al lugar de su propio concierto disfrazado de Spiderman, pero los encargados de seguridad no lo reconocieron y le impidieron el paso. El episodio quedó registrado en un video que rápidamente se volvió viral en redes sociales.J Balvin se disfrazó para sorprender a sus fanáticos en BostonDurante su presentación en Boston, J Balvin decidió hacerle una broma a sus seguidores. Se vistió como Spiderman, y le agregó un toque colombiano a su atuendo: un poncho de arriero y un sombrero aguadeño en los colores de la bandera de Colombia.J Balvin quiso ingresar disfrazado de SpidermanLa intención del artista era ingresar de manera anónima y sorprender al público. Sin embargo, el plan no resultó como esperaba. El equipo de logística del evento, al no identificarlo, consideró que podía ser una amenaza, por lo que intentó detenerlo en la entrada.Ante la insistencia del personal de seguridad, el reguetonero se quitó la máscara para revelar su verdadera identidad, lo que inevitablemente desató la euforia de los presentes.La sorpresa de los organizadores fue inmediata. Hasta ese momento, nadie había sospechado que quien estaba disfrazado era el propio protagonista del show. Algunos fanáticos, al reconocerlo, comenzaron a acercarse para pedirle fotos y autógrafos. Sin embargo, J Balvin, acompañado por su equipo, se retiró rápidamente por una puerta lateral para evitar aglomeraciones y prepararse para el espectáculo.El video viral del Spiderman colombianoEl video del incidente fue compartido en la cuenta oficial de Instagram del artista y replicado por cientos de usuarios en otras plataformas. Las imágenes muestran el instante exacto en que J Balvin revela su rostro, y filma con detalle la sorpresa de los asistentes.Las redes sociales no tardaron en llenarse de reacciones. Muchos usuarios celebraron el sentido del humor del cantante, mientras otros criticaron la falta de reconocimiento por parte del equipo de seguridad.Algunos seguidores destacaron la creatividad de la escena con frases como: "Humor, drama, chisme y acción. Me dieron todo. Ni Marvel tiene tanto cine", en referencia al despliegue de emociones que provocó el episodio.El disfraz también generó bromas entre los usuarios, quienes comentaron: "Miguel decía que no debía quitarse la máscara porque podían verlo los villanos, pero el de seguridad lo miraba sin entender nada" y "Se quita la máscara y todos descubren que era J Balvin, qué sorpresa".Desde su cuenta oficial, el propio artista se refirió al episodio de forma divertida: "Intentando entrar a Spiderman al concierto. Esto de ser superhéroe tiene su ciencia. Gracias Boston, sold out", escribió junto al video.La gira de J Balvin por Estados UnidosJ Balvin sigue su tour por varias ciudades de Estados Unidos, donde lleva su música a miles de fanáticos. Con éxitos como Mi gente, Río y Ginza, el artista colombiano se consolida como uno de los principales referentes del reguetón a nivel mundial. A pesar del malentendido en Boston, el show no tuvo inconvenientes y fue un éxito en convocatoria.Según su sitio oficial, la gira continuará con las siguientes fechas: El 10 de abril en el Prudential Center de Newark, Nueva Jersey.El 13 de abril, se presentará en el United Center de Chicago, Illinois.El 17 de abril, en el Toyota Center de Houston, Texas.El 19 de abril en el Payne Arena de Hidalgo, Texas.El 23 de abril en el Dickies Arena de Fort Worth, Texas.El 24 de abril en el Moody Center de Austin, Texas.El 26 de abril en el Don Haskins Center de El Paso, Texas.El 1° de mayo en el Footprint Center de Phoenix, Arizona.El 3 de mayo en el Michelob ULTRA Arena de Las Vegas, Nevada. El 4 de mayo en el Pechanga Arena de San Diego, California.El 8 de mayo en el Toyota Arena de Ontario, California.El 9 de mayo en el Kia Forum de Inglewood, California.El 10 de mayo en el SAP Center de San José, California.El 11 de mayo en el Golden 1 Center de Sacramento, California.El 16 de mayo en el Climate Pledge Arena de Seattle, Washington.El 17 de mayo en el Moda Center de Portland, Oregon.

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Lo que se viene en cine: lluvia de estrellas, adelantos de grandes estrenos y un sentido homenaje de Tom Cruise a Val Kilmer

El gran encuentro que la industria de Hollywood organiza cada año para hacer la mayor demostración de su poderío se cerró con una nota emotiva. Tom Cruise, sin dudas la máxima estrella de cine de los últimos tiempos, rindió en persona un tributo a la memoria de Val Kilmer. Lo hizo antes de revelar por primera vez imágenes de Misión imposible: sentencia final, la octava (y para muchos la última) aventura que protagoniza en la pantalla grande como Ethan Hunt, con estreno confirmado en los cines argentinos para el próximo 22 de mayo."Quiero honrar a un querido amigo mío, Val Kilmer", dijo Cruise al pedir un minuto de silencio desde el gigantesco escenario del salón principal del hotel-casino Caesars Palace, de Las Vegas. Allí se desarrolló la edición 2025 de CinemaCon, la convención en la que los propietarios de las principales cadenas de cines de los Estados Unidos reciben a los ejecutivos de los principales estudios de Hollywood y a las estrellas de sus futuras grandes apuestas para anticipar cómo será la próxima temporada de estrenos."No tengo palabras para expresar cuánto admiro su trabajo, lo agradecido y honrado que me sentí cuando se unió a Top Gun, y más tarde con su regreso en Top Gun: Maverick. Creo que sería genial compartir un momento junto a él porque le encantaba el cine y nos dio mucho a todos. Piensen en los momentos maravillosos que pasamos con él. Val, te deseo lo mejor en el próximo viaje", dijo Cruise.Los dos se conocieron durante el rodaje de Top Gun en 1986, donde encarnaron a dos pilotos de combate que de a poco empezaron a rivalizar. Iceman, el personaje de Kilmer, regresó con una breve aparición en Top Gun: Maverick, cuando el actor ya estaba enfermo y el cáncer de garganta le impedía hablar. Su voz fue recreada en la pantalla a través de la inteligencia artificial.Después de ese homenaje, Cruise presentó un anticipo de Misión imposible: sentencia final en el que se ve al actor, como es habitual interpretando sus propias escenas de riesgo, aferrado como puede al ala de un avión biplano que vuela boca abajo. En otro momento, Cruise aparece saltando al océano desde la cubierta de un barco. La película es una continuación directa de la séptima película de la serie, Misión imposible: Sentencia Mortal, parte 1.La aparición estelar de Cruise cerró un ciclo de cuatro días en el que Hollywood anticipó a través de CinemaCon el menú con el que la industria (y sobre todo los exhibidores estadounidenses) se propone volver a llenar los cines en medio de una preocupante sequía de público y el fracaso comprobado de buena parte de los estrenos fuertes que se conocieron en los primeros meses del año.Una de las grandes curiosidades de este CinemaCon apareció con el primer anticipo de ¿Y dónde está el policía?, que retoma y actualiza el modelo (trama y personajes) de la celebrada trilogía de La pistola desnuda entre 1988 y 1994. En un tráiler de poco más de 60 segundos se presenta en sociedad Frank Drebin Jr., el hijo del formidable personaje que encarnó Leslie Nielsen en las películas originales. El heredero es nada menos que Liam Neeson, resuelto a parodiar al héroe de acción que viene interpretando con gran éxito en esta última etapa de su carrera.Lo vemos en el tráiler desbaratando de la manera más insólita el cruento asalto a un banco, junto a otros chistes que se proponen recrear el estilo de la serie original. No aparece en este primer adelanto Pamela Anderson, la principal figura femenina del elenco. El estreno en la Argentina está previsto para el 31 de julio. El productor de ¿Y dónde está el policía? es Seth MacFarlane, que una década atrás convocó a Neeson para participar de otra parodia, en este caso a las películas del Oeste: A Million Ways to Die in the West, estrenada en algunos países de la región como Pueblo chico, pistolas grandes.A propósito de éxitos de la década del 80, también llegaron a CinemaCon las primeras imágenes de la remake de The Running Man, uno de los primeros éxitos en el cine de Arnold Schwarzenegger (conocido en la Argentina en 1987 como Carrera contra la muerte). Dirigida por Edgar Wright (Baby, el aprendiz del crimen, El misterio del Soho), esta nueva versión tiene como protagonista a Glen Powell como un padre de familia que decide participar en un juego mortal. "Es la película más difícil que hice. Me golpearon y me destrozaron el cuerpo", dijo una de las nuevas estrellas de Hollywood sobre un personaje que se la pasa corriendo, saltando obstáculos y atravesando ventanas.El encuentro tuvo un comienzo de altísimo perfil con la presentación en la primera jornada de la tetralogía beatle, cuatro biopics dirigidas por Sam Mendes, una por cada miembro de la histórica banda. Los protagonistas serán Harris Dickinson (John Lennon), Paul Mescal (Paul McCartney), Joseph Quinn (George Harrison) y Barry Keoghan (Ringo Starr). El estreno simultáneo en los cines se programó para abril de 2028. Y tuvo otro momento de mucho interés entre la audiencia cuando Leonardo DiCaprio subió al escenario para compartir los primeros detalles de Una batalla tras otra (25 de septiembre), la nueva película de Paul Thomas Anderson.En CinemaCon también reapareció Ryan Gosling como figura central de una odisea espacial dirigida por Phil Lord y Christopher Miller (Comando especial, La gran aventura Lego). En Project Hail Mary, Gosling es un maestro de escuela que encabeza una misión casi suicida para evitar la explosión del Sol. Hubo expectativas también cuando Halle Berry y Chris Hemsworth adelantaron detalles del thriller Crime 101, también protagonizado por Mark Ruffalo. Ambos films se estrenarán en 2026.La convención incluyó una avalancha de secuela, precuelas y relanzamientos de títulos conocidos que están cerca de estrenarse o bien en distintas fases de producción. A la cabeza aparecen la versión con personajes de carne y hueso de Cómo entrenar a tu dragón (estreno en la Argentina, 12 de junio); Jurassic World: Rebirth, con Mahershala Ali, Jonathan Bailey y Scarlett Johansson (3 de julio); la animada Los tipos malos 2 (31 de julio), y la continuación de tres éxitos recientes del cine de terror: M3gan 2.0 (26 de junio), El teléfono negro 2 (16 de octubre) y Five Nights at Freddy's 2 (4 de diciembre). También se conocieron las primeras imágenes de la segunda parte de Wicked (20 de noviembre), presentada por Ariana Grande y Cynthia Erivo.James Gunn, máximo responsable actual de las películas de DC, salió a escena con las primeras imágenes de la nueva película de Superman (10 de julio), que tiene a David Corenswet como el Hombre de Acero y a Nicholas Hoult como Lex Luthor. El anticipo visto en CinemaCon muestra un protagonismo visible del "superperro" Krypto, que empieza a mencionarse como el personaje potencialmente más prometedor de este renacimiento.Poco antes, el 26 de junio, llegará a los cines F1, la película sobre la máxima categoría del automovilismo deportivo, tal vez la más esperada de la temporada por la envergadura de su producción (300 millones de dólares, según varios trascendidos) y las promesas de una experiencia immersiva al máximo, con cámaras en el cockpit de los autos en plena competencia.Los primeros 10 minutos del film fueron exhibidos durante la convención y su director, Joseph Kosinski (el mismo de Top Gun: Maverick), dijo que estamos ante "la experiencia cinematográfica definitiva". También elogió a Brad Pitt, protagonista de la película como un piloto retirado que vuelve a las pistas, por "manejar un auto de carrera a 290 kilómetros por hora".Otros dos títulos muy esperados estuvieron muy presentes en CinemaCon, aunque sin imágenes o anticipos. Amazon MGM confirmó que los productores Amy Pascal y David Heyman ya están instalados en Londres avanzando en el desarrollo y la preproducción de la película número 26 de James Bond, aunque todavía no se sabe nada sobre quién será el director y sobre todo qué actor se convertirá en el séptimo 007 de la pantalla.El otro es Michael, la ambiciosa biopic de Michael Jackson dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por el sobrino del fallecido cantante, Jaafar Jackson, más el respaldo de toda su familia. Sin imágenes a la vista, se supo que dura cerca de cuatro horas y trascendió que podría dividirse para su estreno en dos partes. Por ahora, el estreno de la primera de ellas en los cines argentinos tiene fecha para el 4 de octubre.

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La esperada adaptación de Edgar Wright del clásico de Stephen King (titulada El fugitivo en su versión en español) ya ha terminado su rodaje. Con un elenco estelar, la película promete ser fiel a la narrativa original del libro, a diferencia de la adaptación de 1987.

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Los Beatles llegarán al cine en 2028 con cuatro películas a cargo de cuatro reconocidos actores

Es una de las aventuras cinematográficas más sorprendentes en mucho tiempo. Pero quizás una banda tan legendaria como The Beatles merecían ser única también en el cine. Porque los de Liverpool no se conformarán con tener una película para contar su historia, sino que el director Sam Mendes dividirá su relato en cuatro largometrajes, una para cada miembro. La tetralogía se estrenará completa en abril de 2028, como un maratón en salas, y contará con algunos de los actores británicos que más pasión levantan en redes, reunidos en un escenario por primera vez el último lunes.The Beatles - A Four-Film Cinematic Event, dirigida por Sam Mendes.Harris Dickinson (John Lennon)Paul Mescal (Paul McCartney)Barry Keoghan (Ringo Starr)Joseph Quinn (George Harrison) Exclusivamente en cines 2028. pic.twitter.com/1MrRsVWM83— Sony Pictures España (@sonypictures_es) April 1, 2025Después de Gladiador II, Paul Mescal, niño bonito del cine independiente gracias a Aftersun y Normal People, será Paul McCartney. Tras ser la Antorcha Humana de Los cuatro fantásticos (y en pleno rodaje de Avengers: Doomsday), Joseph Quinn se pondrá en la piel de George Harrison. Barry Keoghan, el irlandés nominado al Oscar por Los espíritus de la isla, dará vida a Ringo Starr. Y Harris Dickinson, recientemente visto en Babygirl, tendrá el papel más interesante: el de John Lennon. Su primera presentación en sociedad ha sido la de toda una banda de rock, durante la exposición de Sony en la convención para las salas cinematográficas de Estados Unidos, la CinemaCon, en Las Vegas. El cuarteto, de entre 28 y 32 años, hizo su entrada principal caminando como en la portada del disco Abbey Road, con reverencia incluida.Las cuatro películas se llamarán oficialmente The Beatles-A Four Film Cinematic Event (Un evento cinematográfico de cuatro películas) y Sony lo describe así: "Cada hombre tiene su propia historia, pero unidos son legendarios". Mendes, responsable de Belleza americana y de 1917, anunció durante el evento que será la primera "experiencia maratoniana en cines", aunque sin anunciar si se estrenarán el mismo día o una cada semana. "Necesitamos un gran evento cinematográfico para sacar al público de su casa", anticipó el director ante un auditorio lleno de propietarios de salas que ven como cada año la recaudación no mejora, antes de explicar que no quería rodar una miniserie, pero que la historia era demasiado grande para una película. La saga, que tardará un año en rodarse y se ha comparado con Avatar, tendrá los derechos para usar las canciones de la banda más famosa de la historia.Este evento vuelve a confirmar a las biografías sobre músicos como uno de los subgéneros más boyantes del Hollywood actual. Este 2025 se estrenará una película sobre la vida de Michael Jackson, protagonizada por su sobrino Jaafar Jackson; a la que seguirá Deliver Me From Nowhere, con Jeremy Allen White como Bruce Springsteen, o Piano Man, sobre la carrera de Billy Joel. Siguen así los pasos de Freddie Mercury, Elton John, Bob Dylan, James Brown, Amy Winehouse, Whitney Houston, Bob Marley o Elvis. Dada su abundancia en la cartelera, los cantantes son casi los nuevos superhéroes de un cine deseoso de experiencias únicas. Los Beatles se han convertido en toda una marca para Disney, que en los últimos años ha estrenado documentales como Get Back, de Peter Jackson; Beatles '64, y ha remasterizado el disco Let it be.

Todd Haynes recibirá la Carroza de Oro en Cannes: figura de la contracultura estadounidense y el cine queer

El director de "Aguas Oscuras", "Carol" y "Secretos de un escándalo" es un invitado habitual de Cannes, regularmente en competición por la Palma de Oro. Leer más

Del de Carrie Bradshaw al de Monica Geller: los diez vestidos de novia más icónicos del cine y la televisión

Blanco, marfil o celeste. Con velo, tiara o tocado. Encaje, piedras o estampa. A lo largo de las últimas décadas, Hollywood representó en la pantalla varias bodas que marcaron momentos icónicos y extremadamente esperados para los fanáticos. Pero, no todo gira en torno al "vivieron felices para siempre", o a la torta de dos pisos o a los dramas de la fiesta, sino también a un detalle muy importante: el look de la novia. Porque no es solo por el vestido en sí mismo, sino lo que representa para la historia y cómo logra capturar la esencia del personaje. Carolina Herrera una vez dijo que un vestido de novia es "un detalle íntimo y personal para la mujer" que debe "reflejar la personalidad y el estilo de la novia". Fue así como hubo varias piezas "de la ficción" que se convirtieron en sinónimo de moda e inspiraron a novias "de la vida real" para sus propias uniones maritales. A continuación una selección de diez icónicos vestidos de novia del cine y la televisión. 1) Carrie Bradshaw en Sex and The CityEs indiscutible que Carrie Bradshaw es un verdadero ícono de la moda. El personaje que interpretó Sarah Jessica Parker en Sex and the City lució algunos de los looks más memorables de la historia de la televisión y, como no podía ser de otra manera, su vestido de novia no fue uno más del montón.Para su boda fallida con Mr. Big (Chris Noth), en Sex and the City: la película (Sex and the City: The Movie), su personaje usó un diseño strapless escote corazón con corset y falda amplia en color marfil de Vivienne Westwood. Quince años después del estreno de la película, se recuperó la pieza para que Parker volviera a usarlo en la segunda temporada de And Just Like That, el reboot de la serie que se estrenó en Max en 2020.2) Mia Thermopolis en El diario de la princesa 2Si hay una película que marcó a toda una generación, esa, sin dudas, fue El diario de la princesa (The Princess Diaries). En la segunda parte de la historia, que se estrenó en 2004, la princesa Mía, interpretada por Anne Hathaway, estuvo a punto de casarse con Andrew (Callum Blue) y lució un diseño off shoulder con manga francesa, encaje, cola y tul. Si bien el casamiento de la película tuvo un giro inesperado, el vestido de novia se convirtió en un look inolvidable.Aparentemente, el vestido que diseñaron para la película pudo haber estado inspirado en una verdadera princesa. ¿En quién? En Clara de Bélgica, quien el 12 de abril de 2003, para su casamiento con el príncipe Lorenzo de Bélgica, usó un vestido muy similar al que eligieron para el personaje de Hathaway.3) Monica Geller en FriendsEn el último episodio de la séptima temporada de Friends, Monica Geller (Courteney Cox) y Chandler Bing (Matthew Perry) se convierten en marido y mujer en una boda oficiada por Joey Tribbiani (Matt LeBlanc). ¿El vestido de la novia? Un clásico diseño con escote en V, ceñido a la cintura y con cola. Usó el cabello suelto, un velo blanco largo y llevó un ramo de rosas rojas.La diseñadora de vestuario de Friends, Debra McGuire, contó en una entrevista con Racked que el vestido de novia de Monica fue un "suplicio" para ella. ¿El motivo? Aunque tenía muchas ganas de diseñarlo, disponía de poco tiempo para que quedara perfecto y afirmó que las actrices odiaban las pruebas de vestuario: "Courteney se probó mi vestido de novia [que yo había hecho], intenté subirle el cierre y no le quedaba. Así que lo saqué y le puse el de repuesto y le quedó como anillo al dedo. Ella dijo: "¡Es perfecto!". Y yo dije 'mie***'!".4) Jo Stockton en Funny FaceEn esta lista no podía faltar un ícono de la moda como Audrey Hepburn. Para interpretar a Jo Stockton en la película de 1957 Funny Face, la cual coprotagonizó con Fred Astaire, la actriz usó un vestido de novia de cuello bote y falda amplia hasta la rodilla diseñado por Hubert de Givenchy.Según British Vogue, este diseño inspiró a la cantante Ariana Grande para su boda con Dalton Gómez en 2021, 64 años después del estreno de la película. La intérprete de "Thank u, Next", usó un vestido de Vera Wang con un velo blanco de tul con un moño en la parte superior, extremadamente parecido al que lució Hepburn en Funny Face.5) Blair Waldorf en Gossip GirlEn el último episodio de la serie Gossip Girl, tuvo lugar una de las bodas más recordadas de la televisión. Blair Waldorf (Leighton Meester) y Chuck Bass (Ed Westwick) se casaron en la terraza Bethesda de Central Park, en Nueva York, en medio de una persecución policial. La "Queen B" usó un vestido celeste de Elie Saab de manga larga, con un cinturón y completamente bordado de piedras. En la cabeza usó una vincha con hojas de plata, un accesorio característico del personaje.En diálogo con InStyle, Eric Daman, el diseñador de vestuario de la serie, dijo que cuando vio el vestido elegido pensó que era "absolutamente perfecto" para Blair Waldorf. "Tenía que transmitir la sensación de que el glamour del viejo mundo se fusionaba con la alta costura contemporánea", señaló. A su vez, dijo que el tono de la pieza le recordó al que usó Wallis Simpson en su casamiento con Eduardo, el duque de Windsor en 1937.6) Shelby Eatenton Latcherie en Magnolias de aceroUn personaje interpretado por Julia Roberts tampoco podía faltar en esta lista. Cuando interpretó a Shelby Eatenton Latcherie en la película de 1989 Magnolias de acero (Steel Magnolias) su personaje se casó con Jackson Latcherie (Dylan McDermott) y usó un vestido de novia clásico de la época.Lució un voluminoso vestido off shoulder con flores y lazos rosados, ceñido a la cintura y con una hilera de botones forrados en la espalda. Tenía una falda amplia de varias capas y como toque final un moño gigante en la parte trasera de la pieza. Llevó el cabello semi recogido con un tocado blanco y un imponente velo.7) Bella Swan en Amanecer Parte 1Un vestuario de libro recreado en la pantalla grande. Carolina Herrera fue la encargada de confeccionar el vestido de novia para que Bella Swan (Kristen Stewart) se casara con el vampiro Eduard Cullen (Robert Pattinson) en la cuarta película de la saga Crepúsculo, Amanecer parte 1 (The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 1). La diseñadora se inspiró en la descripción que la autora Stephenie Meyer hizo en el libro, pero tuvo en cuenta la personalidad, la novia y el estilo de su marca. ¿El resultado después de seis meses de trabajo? Una prenda en crepé, satén y encaje con 152 botones forrados en la espalda y 17 botones en cada una de las mangas."Me encanta ese vestido. Me acuerdo cuando me lo puse. Me sentí como si me pusieran un vestido de novia de verdad, porque estaba escondida en una habitación con calefacción y pensaba 'hace demasiado calor acá y se me está derritiendo el maquillaje'", comentó Stewart en una entrevista para Who What Wear. Si bien comentó que en la vida real no lo usaría, reconoció que si alguna vez tuviera que usar un vestido de novia clásico "ese sería el indicado".8) Fran Fine en La niñeraOtra boda memorable de la ficción fue la de Fran Fine (Fran Drescher) y Maxwell Sheffield (Charles Shaughnessy) en La niñera (The Nanny). La novia usó un vestido off shoulder de manga larga con un bordado de flores en el torso y una falda amplia estampada. Llevó el cabello recogido en el conocido estilo "colmena" con una tiara y un velo blanco.¿Quién fue la encargada del vestido de novia de Fran Fine? Según detalló Vogue México, fue hecho por la diseñadora argentina Norma LeNain, quien en esa época tenía su propia tienda de vestidos de alta costura en Beverly Hills, Los Ángeles, llamada Celeste Bridal Boutique.9) Lorelei Lee y Dorothy Shaw en Los caballeros las prefieren rubiasEn Los caballeros las prefieren rubias (Gentleman Prefere Blondes) de 1953, las cantantes Lorelei Lee y Dorothy Shaw, interpretadas por Marilyn Monroe y Jane Russell, respectivamente, utilizaron dos vestidos de novia idénticos que fueron furor en la década del cincuenta.Se trató de un diseño de encaje blanco con cuello alto y mangas amplias, cintura ceñida y una falda amplia de varias capas hasta debajo de la rodilla. El vestido tenía botones en la parte trasera y una sutil abertura en la parte alta de la espalda que dejaba un poco de piel al descubierto. En lugar de velo, usaron tocados blancos y en línea con la icónica canción de la película "Diamonds Are a Girl's Best Friend", incluyeron unas cuantas piezas de joyería.10) Padmé Amidala en Star WarsEn Star Wars: Episodio II: El Ataque de los Clones (Star Wars: Episode II - Attack of the Clones) tuvo lugar la boda de Padmé Amidala (Natalie Portman) y Anakin Skywalker (Hayden Christensen). Fue en el planeta Naboo, aunque en realidad se grabó en la Villa del Balbianello, en la localidad italiana de Lenno, junto al Lago de Como.Padmé usó un vestido de manga larga escote en V con cola y bordado de encaje en tonos tierra. Además, tenía un velo con encaje, flores y piedras. El atuendo fue confeccionado por Trisha Biggar la diseñadora de vestuario de los tres episodios de la saga de George Lucas.

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Marcela López Rey: creció en una familia muy pobre, trabajó desde chica y llegó a ser la villana favorita de las novelas después de brillar en el cine

Marcela López Rey vive en un pequeño y coqueto departamento, en el corazón de Palermo, y junto a sus gatos Platón y Miou Miou. En el lugar, muy acogedor, predominan diferentes tonos de lila y rosa, y hay fotos de sus trabajos y de obras de diversos dibujantes argentinos, desde Quino a Sendra y Caloi. Es su refugio.Nació como Ema Ucha y es el nombre que usó como autora de telenovelas como 90-60-90 Modelos, La hermana mayor, Alta comedia. Pero cuando debutó como actriz, con apenas 16 años, eligió ser Marcela López Rey. En una charla íntima con LA NACIÓN recuerda su adolescencia, dice que fue criada para ser esposa y madre, pero que se reveló. Habla de su vida en México, de sus películas, de las villanas encantadoras que interpretó en muchas novelas y de sus amores.-En la vida, ¿sos Ema o Marcela?-Para todos los días soy Marcela porque la gente me identifica así y yo también. Y Ema, mi nombre verdadero, lo asocio a la escritura. Ema no era un nombre lindo en ese momento y decidí cambiármelo por Marcela, que siempre me gustó.-¿Fue cuando empezaste a trabajar como actriz?-Sí. Tenía 16 años y empecé protagonizando una fotonovela con Leonardo Favio, Claudia Sánchez y Emilio Alfaro. En Burzaco, donde crecí, hacía teatro experimental. No hice la escuela secundaria porque mis padres consideraban que las mujeres no tenían que estudiar. Confieso que me rebelé contra el mandato paterno y sigo rebelde. Ligué muchas cachetadas de la vida también, pero se aprende. Trabajo desde chica, venía a la Capital y trabajaba en una casa de fotografía retocando fotos. Después fui vendedora en una tienda de Lomas de Zamora que todavía existe y se llama Los cinco hermanos. Yo no soñaba exactamente con ser actriz sino con ser alguien, porque crecí en una familia muy pobre. Me acuerdo de que era amiga de una chica vecina del lugar en el que trabajaba y tenía una hermana que era productora de Editorial Abril, que hacía las fotonovelas. Así empecé y todo se fue dando hasta que un director de cine, Alfredo Bettanin, me citó para decirme que quería que estuviera en su película Libertad bajo palabra, con Lautaro Murúa. Me dijo: "La quiero así, no cambie nada". Tuve suerte porque trabajé con directores muy buenos, pacientes, educados y tenían amor por lo que hacían. Y yo, aunque no me había formado, era muy observadora y una esponja.-Fuiste la villana favorita de muchas novelas, ¿lo disfrutabas?-Eso fue después porque antes hice mucho cine de la nouvelle vague y filmé con Torre Nilson, Rodolfo Khun, Manuel Antín. A la televisión entonces llegué con muchas películas hechas. Y en ese momento no estaba tan bien visto hacer televisión, porque era como algo menor. Pero pagaban muy bien y era muy popular. Hice algunas cosas, pero trabajé bastante más en televisión en la segunda parte de mi vida, cuando volví de México.-¿Por qué te fuiste a México?-Me contrataron cuando compraron dos películas mías, Los neuróticos, de Héctor Olivera, y Humo de marihuana, de Lucas Demare. Me fui por una temporada y me quedé siete años. Trabajé muchísimo en televisión y en cine, con directores muy importantes. Tuve mucha suerte. Creo que gustaba mi tipo y eso era muy irónico porque de chica pensaba que era fea.-¿Pensabas que eras fea?-Porque escuchaba que la gente le decía a mi mamá que yo era muy bonita, y mi mamá decía: "Pero cómo va a ser linda si es flaquita, y tiene el pelo negro y lacio". Ella me hacía rulos. Para mi mamá yo no era linda y yo también creía eso. Y con los años, todo lo que parecía defecto se volvió virtud (risas). Y en México gustaba mi tipo, con pelo largo y lacio, con poco maquillaje.-Y decías que a tu vuelta explotaste en televisión, además de seguir haciendo cine.-Sí, y era la villana porque la heroína era una nena un poco tonta y melancólica y ya no tenía edad para eso (risas). Me divirtió mucho hacer villanas, esas cínicas que hablaban despacio y con voz grave. De todo guardo lindos recuerdos. En general amo lo que hice porque he vivido de mi trabajo toda mi vida y mis padres me lo inculcaron. Siempre fui muy seria, profesional y agradecida también porque pude criar a mi hija. Yo me separé muy rápido del padre de mi hija, Aníbal Uset. Nos casamos muy jóvenes.-¿Cómo se conocieron?-Haciendo fotonovelas, porque él era el director. Y después dirigió cine. Y tuvimos a nuestra hija Marcela, que es abogada; tengo nietos y bisnietas.-¿Tuviste otros amores?-Tuve otros sí, pero no tuve relaciones muy largas y nunca más me casé porque no quise. En ese momento era muy complicado el divorcio y me quedó el trauma de que casarse era un poco un castigo (risas). Nunca me enamoré de actores. Y hace ya muchos años que estoy sola.-¿De qué compañeros guardás lindos recuerdos?-De muchos. Hice dos películas con Tita Merello y me emociona porque era un gran personaje del cine argentino. Yo era chica, y en una de las películas hizo de mi madre. Nos llevamos muy bien, seguía siendo coqueta, le gustaban los hombres y era muy cabrona. Había que seguir su onda. Y recuerdo que cuando el director decía "cámara", ella se transformaba en una leona y sabía cómo entrar en situaciones dificilísimas. El ambiente es muy agradable y se filma de una manera muy tranquila, entonces el cine permite una amistad. Y fui muy amiga de Sandro. -Hiciste cine con él...-Hicimos Quiero llenarme de ti, que es la película que más regalías me da. Era un duque. Me acuerdo que cuando llegó a la filmación dijo que no era actor y que nos respetaba mucho. Cuando fui a México también fue él porque empezaba a ser conocido allí. Y siempre me invitaba a sus recitales y después tomábamos champagne en su camarín y estaba con su bata y sus soquetes rojos. La última vez que lo vi fue cuando le dieron un título honorífico en la ciudad de Buenos Aires y ya estaba bastante mal, aunque tenía muy bien la voz. Me acuerdo que me dijo: "Vos estas igual, ¿cómo haces?". Y le respondí que yo había dejado de fumar hacía mucho tiempo ya. Y tengo una profunda admiración por Niní Marshall, una actriz extraordinaria y una autora maravillosa. Una genia, creativa como pocas. Trabajé con ella en lo único que hizo en televisión, un especial que produjo Lino Patalano. Yo hice un sketch con ella en el que estábamos en un palco del Teatro Colón, con Carlos Perciavale y en vez de ver la función chusmeábamos. La traté bastante gracias a mi amistad con Lino, que era también muy amigo de ella. Era brillante Niní.-Hace varios años que no trabajás, ¿te retiraste?-No, nunca me retiré. No trabajo porque no hay trabajo. Pero si me llamaran, estoy lista. Creo que los actores y actrices nunca nos retiramos, somos eternos. Además, en nuestro país no hay personajes para actrices grandes. En cambio, las actrices inglesas o francesas trabajan hasta los 90 años, con sus arrugas. Y no veo ninguna película argentina que yo diga: "Qué lindo ese personaje, lo quiero para mí". Porque no hay.-Intercalaste tu trabajo como actriz con el de autora, ¿cómo se dio?-Siempre quise escribir, de muy jovencita. Todavía guardo una libreta negra con anotaciones de mi adolescencia, y leía muchísimo. Y ser escritora me salvó económicamente. Un día conocí a Mario Bovcon, que era la mano derecha de Alejandro Romay, y le di un guion para Alta comedia, que firmé como Ema Ucha. Ya había escrito sinopsis para México y me las habían pagado. Al día siguiente me llamó para decirme que le había interesado y quería saber quién era Ema Ucha. En ese momento no me animé a decirle que era yo, y le respondí que era una amiga mía que estaba viviendo en México. Me dijo que si la localizaba le avisara porque estaba interesado. Recuerdo que pasé toda la noche pensando que era una tonta, cómo no le había dicho la verdad; cómo le decía que le había mentido. Finalmente le dije que era yo y se puso contento, me compró el guion y seguí escribiendo hasta que Romay vendió el canal. Hice 90-60-90 Modelos, La hermana mayor, algunos unitarios. Mi vínculo con Romay fue curioso porque como actriz casi nunca trabajé con él y como escritora casi siempre. Durante un tiempo la actriz quedó postergada por la escritora. Me fue muy bien, gané premios, estuve en la comisión de cultura de Argentores, hice ciclos muy interesantes.-¿Y hoy estás trabajando?-No, estoy viviendo la vida (risas). Hice un crucero a fin de año y me gusta viajar. Voy a nadar al Club de Amigos, voy a caminar, a pasear, es una ciudad que tiene mucha cultura. Tengo amigas y amigos, pero novio no, estoy retirada (risas).-Si mirás para atrás, ¿qué pensás del recorrido de tu vida?-He vivido una vida muy interesante y lo digo sin vanidad. Viví en México, hice 45 películas, me ha ido bien como autora. No le debo nada a nadie. Y además siempre digo que me parezco a mi misma (risas). Creo que es genética y actitud. Nunca gasté en cremas, uso una que es la más barata. La lectura de mi vida es que se puede llegar a esta edad y estar bien. No hay que autocompadecerse y tampoco castigarse. La vida vale la pena ser vivida. Hay que honrar la vida, como decía Eladia Blázquez.Agradecimiento. Peinado: Wilma Benitez @wbsalondebelleza

Creó un podcast, un club y organiza viajes con el cine como eje principal: la historia detrás de Bárbara Miranda

El arte, la moda y los viajes son su fuente de inspiración para llevar a cabo su pasión: el periodismo y crear contenido. Su último proyecto posiciona al cine como el eje central de sus motivaciones, "Cinetrola" es su propio medio producto de "sus ganas de hablar con alguien más que sus padres". Leer más

UPA!: la saga paródica que imaginó el cierre del Instituto del Cine y que abrirá el Bafici con su cuarto film

La creatividad, muchas veces, es un impulso inconsciente. Pero detrás de lo que puede parecer caprichoso, hay una intuición: la sensación de que esa expresión podrá cobrar otro sentido, más adelante.Algo así fue lo que les pasó a Tamae Garateguy, Sant Giralt y Camila Toker cuando hicieron UPA! Una película argentina, en 2007, dedicada a retratar con humor la trastienda del Nuevo Cine Argentino. No podían imaginar que 18 años después estarían estrenando la cuarta entrega de la serie de films, como película de apertura del Bafici, que comienza el martes 1, además de presentar las otras tres durante el festival.UPA! Una primavera en Atenas, la cuarta película en conjunto del trío, lleva a los personajes del director Fernando, ahora Pina (Giralt); la productora Ailén (Garateguy) y la actriz Nina Weiss (Toker), a Grecia. Allí, en medio de paisajes fabulosos y desnudando sus almas en canciones, cada uno buscará la sanación personal y perseguirá el objetivo que cada vez parece más difícil de alcanzar: conseguir dinero para hacer una nueva película."UPA! no es una película sola, no es una saga, es una experiencia", dice Garateguy, en una charla con La Nación, compartida con Giralt y Toker, en la que hablaron sobre el recorrido que trazaron con estas películas.Las ganas de filmar y la observación puesta en sus propias experiencias como cineastas noveles fueron suficientes para impulsarlos a realizar ese primer retrato del Nuevo Cine Argentino (surgido a finales de los 90), repleto de exageraciones cómicas, pero certero en la presentación de las idiosincracias propias de la comunidad del cine independiente de esa época.La explosión de esa primera película ameritó un reencuentro, en 2015, con UPA! 2 El regreso, una segunda parte que encontraba a los personajes, a los propios cineastas y al ámbito en el que se movían, en un estado de mayor consolidación, con más experiencia y otras perspectivas, incluidas la posibilidad de contar con una actriz famosa de la TV, como Nancy Dupláa, interpretando a una versión paródica de sí misma.Sin embargo, el trío continuaba teniendo mil problemas, tanto personales como inherentes a la producción de cine en la Argentina. "Era un momento donde, mal que mal y con todas las dificultades que siempre tuvimos en el cine argentino para producir, nosotros y nuestros colegas estábamos produciendo películas, que se estaban viendo en el mundo y siendo premiadas -dice Toker-. Trabajábamos con un presente, sin darnos mucho cuenta de lo que teníamos; como la salud, se valora cuando se pierde. Hoy vemos que eso que era tan pop, en realidad, estaba hablando de un momento de auge del cine argentino y de la producción nacional, más allá de que siempre fue difícil, nunca fue un sistema perfecto, por supuesto, pero sí teníamos una gran base donde nosotros y nuestros colegas estábamos haciendo películas".Fue recién en la tercera entrega, UPA! Una pandemia argentina, lado A+B, que Garateguy, Giralt y Toker tomaron conciencia de que estaban construyendo, en formato de ficción, una crónica de la historia del Nuevo Cine Argentino.El Nuevo Cine Argentino"Cada película ha terminado siendo una foto de un momento del cine argentino -dice Giralt-. El pasaje del fílmico al digital en la primera; en la entrada de los actores de televisión en la segunda; la pandemia como imposibilidad en la tercera. Íbamos a terminar la tercera con el cierre del Incaa".Aunque decidieron no volcarse por ese final, que entonces parecía distópico, la realidad de los recortes de financiación del cine por parte del Estado, los llevó a pensar en una cuarta parte que se ocupara de este momento."Tuvimos la emergencia de lo que sucede hoy en día en nuestro país, lamentablemente, el desfinanciamiento total de la cultura y del cine, y dijimos, eso también tenemos que contarlo -explica Toker-. Hay algo en nuestro sistema que tiene que ver con la improvisación, y en la improvisación uno trabaja con lo que tiene en el presente. De esa manera, la crónica surge no solamente de una idea metacinematográfica o de una idea a priori, sino también de lo que los personajes están viviendo en ese momento y cómo nosotros usamos el presente para improvisar".Según Giralt, la cuarta película de UPA! es una respuesta también a otros temas que van más allá de lo que está sucediendo con el cine nacional: "Nuestros personajes son queer, artistas, son trabajadores de la cultura y mujeres -dice Giralt-. Creo que fue la primera vez donde el fósforo que prendió el fuego fue el discurso agresivo del poder contra nosotros, y vamos a contestar con una película".Claro que esa respuesta en forma de film, no se manifiesta como un panfleto o un documento didáctico. La protesta es bien al estilo Upa!: con mucho humor, una capacidad de observación aguda y amor por sus personajes y por el cine.El humor como estrategia"El humor, como nosotros lo entendemos, es un dispositivo que genera muchas preguntas y cuestionamientos -dice Garateguy-. Inclusive nosotros nos autocuestionamos, nos ponemos en jaque, nos reímos de los otros, de nosotros, nos reímos de todo. Entonces, el humor es una herramienta que para nosotros es clave, para poder enfrentarnos y cuestionar".La crítica a ciertas actitudes y situaciones que se dan en el ámbito del cine independiente, que el grupo conoce más que bien, ya que los tres tienen sus propias filmografías prolíficas por separado, entre las que suman 25 largometrajes, está atravesada por ese humor.Uno de los aspectos más sobresalientes de las películas de UPA! es la agudeza de la observación de los tipos de personajes, las situaciones que se dan entre ellos y, sobre todo, la forma de hablar que los caracteriza, algo que llama especialmente la atención al tratarse de un trabajo de improvisación."A los personajes, a esta altura, los dejamos jugar solos un poco -dice Toker-. Porque cada personaje, así como en la primera estaban pegados más a nuestras propias biografías, fueron ficcionalizándose de película a película, y alejándose un poco de nuestras propias experiencias. Pero sí nos sirven nuestras propias experiencias para tomar ciertas cosas. Hoy nos pasa que cuando estamos los tres juntos, los personajes ya suenan, viven y tienen una manera de pensar por sí mismos, de la que no somos completamente conscientes como directores en ese momento"."Somos como Dogma 95 meets Richard Linklater", apunta Garateguy, apelando a una clásica forma de la industria para vender el concepto de una película, casi como si estuviera canalizando al espíritu de su personaje de productora en Upa!Reírse de sí mismos y de sus pares, no implica, en este caso, que no haya espacio para mostrar el costado más puro del afecto que une a los personajes.Amigos y familia"Nos interesa contar que son familia y que pueden ir a rescatar a su amiga que está en una, autodestructiva, pero también contar que pueden estar rondando la hipocresía de esos abrazos demasiado exagerados -dice Garateguy-. Nos interesa todo el arco de la percepción. Por eso UPA! tiene tanto filo, porque vamos desde algo que puede ser de verdad cariñoso y con una mirada compasiva, pero también filosa y mordaz".A pesar de que la crítica desde el humor está presente en las cuatro películas, no hay una mirada cínica sobre quienes hacen cine en la Argentina. Por más que digan cosas como "la salud mental está de moda" e intenten de todo para poder vender su película, detrás se revela la pasión de un grupo de personas que no pueden no hacer cine."La pasión y la desesperación", apunta Garateguy. Ambos aparecen en todas las UPA!, pero toman otra relevancia en la tercera entrega, que tiene dos partes, y fue realizada durante la pandemia del Covid-19. Lo que parece un giro cómico del guion, el hecho de que el trío estaba por irse a Hollywood, pero el viaje debe cancelarse por la pandemia, fue impuesto por la realidad.Siempre acostumbrados a adaptarse, una habilidad que debe adquirir quien quiera sobrevivir en la producción de cine argentino, los directores optaron por hacer una película que, de nuevo, representara ese momento.Lo hicieron con entrevistas por zoom con actores como Juan Minujín y Martín Slipak, haciendo una versión paródica de ellos mismos; y productores y directores como Axel Kuchevatsky y Ariel Winograd, también prestándose al juego. También incluyeron lives de Instagram y, por supuesto, escenas en las que el trío intenta filmar una película, como pueden, en la casa de Nina.Otra idea que surgió en ese momento fue la de incluir a una nueva generación de aspirantes a cineastas en el mundo de UPA! "En principio nos gustaba esta idea del coro griego juvenil, que va opinando sobre lo que ellos van haciendo y entonces aparece esta generación nueva -explica Giralt-. Al final, son los que se llevan la historia con la pasión de filmar y filman como nuestros personajes lo hacían en la primera, pero con barbijos. Fue una idea que vino del personaje del hijo de Ailén, que es el hijo verdadero de Tammy, su generación de amigos y amigas, su grupo particular de cine. A partir de ahí fue darles la libertad de que improvisaran y nos mandaban bloques de 40 minutos improvisados, donde criticaban a los personajes".La posta a la nueva generaciónPara Garateguy, se trata de hacer un lugar para esa nueva generación: "El cine es una rueda y hay que colaborar, depende de donde estés en la rueda, para pasar la posta". Toker explica que también la pandemia les hizo reflexionar sobre el paso del tiempo: "¿Quiénes son los chicos del cine hoy? Quisimos darles la palabra, en este sentido de pasar la posta, pero también con cierta curiosidad nuestra de cómo se mueven y cómo piensan el cine. Hay un momento donde hablan de Tarantino como un viejo, y para nosotros es un contemporáneo. Aparecen cosas que nos sorprendían de la opinión de ellos, más allá de que también era paródica, pero nos daba curiosidad ver qué pensaba esta nueva generación".En la nueva película, el trío vuelve a concentrarse, a través de las vivencias particulares de sus personajes, en el lugar en el que están los cineastas de su generación en la actualidad. "Con UPA! 4 realmente queríamos levantar la onda, con lo que se dice como resistencia, que también nos podemos reír de eso; pero, de verdad, es un acto de resistencia la película: hacerla rápido, que tenga humor, ritmo, energía y que nos sigamos divirtiendo, porque creo que ahí está su poder", dice Garateguy.La elección de jugar con el musical, algo que Giralt dice que estaba en la lista de los cineastas como "cosas para hacer antes de morir", es una de las formas en las que exorcizan los problemas que aquejan a los protagonistas.Uno de ellos, como siempre, es el dinero. La posible solución aparece en la forma de una de las protagonistas de la primera UPA!, el personaje que interpreta la actriz noruega Hildegunn Wærness.El regreso de "la noruega" estuvo marcado por un encuentro fortuito. Lo que sucede es que Garateguy, Giralt y Toker siempre están filmando UPA!, aun cuando todavía no saben si van a hacer la próxima película."Nos encontramos en el medio de unas vacaciones, les digo: 'Filmemos una escena, filmemos ya para dejar como alguna semillita para el futuro' -explica Giralt-. Y esa escena se filmó un año antes que todo el resto del proyecto, por si acaso, por si llegaba a darse. Siempre estamos filmando y hasta a veces vamos a archivos personales a sacar pedacitos que sirvan para unir, porque si, más o menos, el look del personaje coincide con el material que tenemos. Incluso si no coincide, porque Tammy en China está con el pelo negro", agrega, riéndose, Toker, refiriéndose a los planos de su compañera tomados en festivales, que desafían la continuidad capilar del personaje.Nada de eso importa, porque, como ellos explican, lo que vale es que hicieron estas cuatro películas. En el camino, en ese impulso de hacer, se convirtieron en cronistas de su propio universo. A través de esta crónica, ficticia, humorística, crítica y apasionada, pudieron expresar parte del por qué, más allá de las dificultades incesantes que enfrentan, sigue valiendo la pena hacer cine en la Argentina.Una función social"El cine es colectivo, es una práctica, un arte que te permite conectar con los demás, sentir que estás en comunión para hacer algo juntos, para contar algo juntos, para transmitir y comunicarte con otros", dice Garateguy, sobre lo que significa hacer cine, a pesar de todo.La función social e histórica del cine también es importante para Toker: "Una película del mismo año, sea en China, Estados Unidos, Francia, o Argentina, va a describir un poco la cosmovisión o la vida de esa sociedad, en un momento determinado. Eso a la larga, va quedando como registro histórico identitario de una sociedad. Entonces, no es que uno hace una película pensando en 'esto es historia y esto es identidad', pero finalmente sí lo es". Ese valor secundario en el momento de la creación, puede convertirse en clave para la posteridad."Los cineastas dejamos registro -dice Giralt-. Por ejemplo, veo hoy Días de odio, de Torre Nilsson, y me fijo que había tranvías en Buenos Aires. O sea, no es solo la película, el cine deja registro de un momento. Siento que los artistas construimos fragmentos de memoria colectiva, en nuestra obra queda impregnado nuestro tiempo, nuestro lugar y esa es la función simbólica que le sigo encontrando al cine. Más allá de la pasión y la compulsión de hacer, que eso ya es una pasión injustificable".Entre la pasión incomprensible para quienes no la sienten y la función histórico-social, de la que el público no siempre es consciente, en algún lugar, se ubican los creadores de Upa!, que junto con sus colegas, insisten en seguir construyendo un futuro para el cine argentino.

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Algunas lograron sobresalir, mientras que otras fueron un fiasco, dejando insatisfechos a los espectadores e incluso al propio literato arequipeño. Infobae Perú conversó con Luis Llosa Urquidi, director y productor que, en 2006, adaptó al cine La fiesta del Chivo

Lady Gaga cumple 39 años: la evolución de la artista que supo forjar una carrera en la música y el cine

Este 28 de marzo, Stefani Joanne Angelina Germanotta, la 'Mother Monster' o simplemente Lady Gaga, cumple 39 años. Aterrizó hace 17 años con su hit "Just Dance" y generó una revolución con su poderosa voz y sus excéntricos looks (como el recordado vestido de carne), sus impresionantemente altos zapatos y sus pelucas, tocados y recargados maquillajes. Si bien la música siempre fue el bastión de su carrera, en los últimos años pegó el volantazo para abrirse camino como actriz, lo que la llevó a protagonizar películas como Nace una estrella (A Star is Born), La casa Gucci (House of Gucci) y Guasón 2: Folie à Deux (Joker: Folie à Deux). Cantautora, bailarina, actriz, referente de la comunidad LGTBQ+, dueña de una impresionante fortuna y artífice de un legado aferrado al cambio, la rotura de esquemas y la reinvención constante.Germanotta irrumpió en la industria del entretenimiento en 2008, como cantante solista bajo el nombre artístico de Lady Gaga, en honor a la canción de Queen "Radio Ga Ga". Su primer single, "Just Dance", se estrenó ese mismo año y literalmente le cambió la vida. "Estaba en un lugar muy oscuro en Nueva York. Estaba muy deprimida, siempre en un bar. Tomé un avión a Los Ángeles para hacer música y me dieron una oportunidad de escribir la canción que cambiaría mi vida, y lo hice. Nunca regresé. Dejé atrás a mi novio, mi departamento. Todavía no volví. Mi madre entró y me lo limpió", le contó la cantante a The Guardian. El hit, el cual fue co-escrito por Gaga, Akon y RedOne, encabezó la Billboard Hot 100 y fue incluido en el primer álbum de estudio de la cantante The Fame, que también incluyó "Poker Face", "LoveGame" y "Paparazzi", y por el cual ganó el premio Grammy al mejor álbum dance/electrónica, el primero de catorce. A partir de ahí, su carrera fue en un constante ascenso: lanzó más discos, revolucionó la industria musical con temas que se volvieron himnos, como "Born This Way" y "Million Reasons", y colaboró con artistas como Tony Bennett, Ariana Grande, Beyoncé y Bruno Mars. Los álbumes, las giras, los premios, su marca de maquillajes, sus excéntricos y alocados vestuarios, su lucha contra los prejuicios y el acoso, su organización benéfica, Born This Way, y su inolvidable show en el Super Bowl la convirtieron en todo un ícono.Un rol protagónico, un Oscar y el despegue de una carrera en el cinePero, el ascenso meteórico de su carrera dio un giro de 180 grados en 2018, cuando combinó el estudio de grabación con el set de filmación. Bradley Cooper la eligió para coprotagonizar con él Nace una estrella, un remake de la película homónima de 1937. Gaga interpretó a Ally Campana, una joven artista con sueños de triunfar en la música que se enamora del consagrado músico Jackson Maine (Cooper). El proyecto presentó a una Gaga diferente, sin maquillajes ni pelucas ni recargados vestuarios. Su voz y su talento la acercaron al público de una manera diferente y fue, indiscutidamente, una de las grandes revelaciones del año.Nace una estrella, se convirtió en una de las películas románticas más aclamadas de la última década. Gaga levantó su primer Oscar a mejor canción original por "Shallow", el hit del film, y además consiguió una nominación a mejor actriz principal. Ya ganó el premio de la Academia y el Globo de Oro, y con un Tony y un Emmy (ya estuvo nominada) pasará a formar parte de la categoría EGOT, la cual la conforman aquellos que ganaron los cuatro premios, como Audrey Hepburn, Elton John, John Legend y Andrew Lloyd Webber. Y puede que esté cerca de este logro, puesto que hace unos días reveló que le gustaría escribir un musical de Broadway. Será cuestión de tiempo para ver qué pasa, pero de lo que hay certezas es que le sobra talento. Un acaudalado patrimonio, cosecha de giras, álbumes y películas No obstante, los discos, las giras y las películas no solo se tradujeron en aplausos y galardones, sino también en millones. Según el sitio Celebrity Net Worth, la artista tiene una fortuna de 300 millones de dólares. Por año suele ganar alrededor de 40 millones de dólares, aunque en 2012, por la venta de álbumes, giras y patrocinios, ganó 80 millones de dólares; y su gira Joanne World Tour (2019 y 2020) le significó 95 millones de dólares. Con su último tour, Chromatica Ball, el cual se encuentra disponible para ver en la plataforma de streaming Max, cosechó 112,4 millones de dólares; y por su trabajo en Guasón 2 le pagaron 12 millones de dólares. Lady Gaga supo convertirse en un emblema de la comunidad LGQBQ+ y en un ejemplo de reinvención, resiliencia, superación y aceptación frente a los nuevos desafíos. Pasó a ser conocida como la "Mother Monster" y sus fans asumieron orgullosos el nombre de "Little Monsters" (pequeños monstruos). En una reciente entrevista con The New York Times, la artista hizo un balance a corazón abierto sobre sus casi 20 años en la industria y lo difícil que fue abrirse paso en la música como mujer."Puedo decir con toda honestidad que, habiendo estado en la industria musical desde la adolescencia, parte de ello se debe a cuánto estás dispuesta a dar. Cosas como comer en la mesa con tu familia, nunca pasan. Estar sola en una habitación nunca pasa. Que te lleven de un lado a otro, que te digan adónde ir. Seguro que a la gente le debe sonar raro, porque te ven en la cima del mundo y creen que mandás, pero como mujer en la música, diría que me llevó 20 años convertirme en la jefa. Ahora lo soy, y es gracias a tener gente maravillosa a mi alrededor, incluyendo a mi pareja, Michael [Polansky]. Me cuesta saber cómo hablar de esto. Porque quiero reconocer todas las bendiciones de mi vida y, al mismo tiempo, defender a las mujeres en esta industria. No hay leyes sobre quién puede ser productor, y nadie las evalúa (...)", sostuvoLady Gaga enamorada En cuanto a su vida sentimental, la intérprete de "Abracadabra" está felizmente en pareja con el empresario Michael Polansky, a quien conoció en diciembre de 2019, durante una fiesta. "Mi madre lo conoció y me dijo: 'creo que acabo de conocer a tu marido'. Y yo le dije: '¡no estoy preparada para conocer a mi marido!'. Nunca podría haber imaginado que mi madreâ?¦ ¿encontraría a la persona más perfecta para mí?", le reveló en octubre a la revista Vogue. En julio comenzaron a surgir rumores de que la pareja estaba comprometida. Lady Gaga participó de la apertura de los Juegos Olímpicos de París y, junto a Polansky, se quedaron en Francia para asistir a algunas de las competencias. En un video del evento que se viralizó en las redes sociales, se pudo ver al primer ministro francés, Gabriel Attal, acercarse a saludar a la cantante, momento en que ella le presentó a su pareja como "mi prometido". Esta es la tercera vez que la intérprete de "Judas" se compromete. Estuvo a punto de casarse con el actor Taylor Kinney, su novio durante cuatro años, y con el agente de talentos Christian Carino.¿Y ahora? Gaga viene de ganar su décimo cuarto Grammy por "Die With a Smile", tema que hizo con Bruno Mars, y esta semana lanzó su nuevo disco, Mayhem, el cual ya está disponible en las plataformas de música. Tiene en agenda varias presentaciones en vivo: el 26 de abril una cita con Ciudad de México, el 3 de mayo con Río de Janeiro y posteriormente con Singapur. Asimismo, ya anunció que en julio arranca su tour The Mayhem Ball y ya tiene confirmadas presentaciones en Las Vegas, Seattle, Nueva York, Miami, Toronto, Chicago, Londres, Manchester, Milán, Barcelona, Berlín, Ámsterdam, Amberes, Lyon y París. El gran interrogante es, ¿volverá a Buenos Aires por segunda vez?