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En fotos: cientos de seguidores de Yeison Jiménez rindieron homenaje al artista en el Campín a la luz de las velas y sus canciones
El cantautor murió en un accidente el 10 de enero de 2026; a pesar del dolor, su legado perdura en las melodías que tocaban el alma de todos sus fanáticos y así lo dejaron ver en el tributo que se hizo en la capital colombiana
Las canciones icónicas de Yeison Jiménez: unieron generaciones en torno a la música popular
La tragedia ocurrió cuando la aeronave en la que viajaba el artista, junto a cinco personas de su equipo y el piloto, se estrelló entre Paipa y Duitama, truncando así una carrera marcada por logros internacionales y legado musical
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La industria del K-Pop representa ganancias de miles de millones de dólares para Corea del Sur y ha catapultado las exportaciones televisivas y musicales
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La segunda generación del K-pop está integrada por grupos como TVXQ, Super Junior, Big Bang, SS501, Girls Generation, KARA, Wonder Girls y más
15 años sin María Elena Walsh: estas son sus canciones más destacadas para recordarla
Se cumplen 15 años del fallecimiento de María Elena Walsh, un día como hoy pero de 2011. Se trató de una escritora, compositora, cantautora, dramaturga y poeta argentina, autora de personajes clásicos como Manuelita, Chaucha y Palito y la Reina Batata. Dejó un legado fundamental para la literatura y cultura infantil de la región.La vida de María Elena WalshMaría Elena Walsh nació el 1° de febrero de 1930 en el barrio de Villa Sarmiento, Buenos Aires. Gracias a la influencia de su padre que tocaba el piano, se sintió atraída por el arte y la música desde temprana edad. Es así que realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, donde también se graduaron otras figuras como Carmen Córdova, Sara Facio y Juan Carlos Distéfano. Su primera obra fue publicada en 1945 en la revista El Hogar: un poema llamado "Elegía". En 1947 lanzó su primer libro, denominado Otoño imperdonable. Cinco años más tarde, viajó junto a Leda Valladares a Europa. Trabajaron juntas en un dúo artístico, actuaron y grabaron discos. En 1958 retornó al país para comenzar a expandir su composición musical, lo que la llevó a publicar más de 20 álbumes durante toda su carrera. Uno de sus mayores éxitos fue la canción "Manuelita, la Tortuga" que obtuvo su adaptación al cine en 1999 con la dirección de Manuel García Ferré. En 1982 fue galardonada con el Premio Konex de Platino.En tanto, también se destacó por sus obras literarias infantiles, tanto por sus cuentos y poemas. Entre sus libros más emblemáticos se encuentran títulos como El reino del revés (1964), con poemas y canciones como "La reina Batata" y "Marcha de Osías"; Dailan Kifki (1966), una novela fantástica; y Zoo loco (1964), lleno de versos juguetones. María Elena Walsh falleció el 10 de enero de 2011 a sus 80 años. Sus restos descansan actualmente en el panteón de la entidad en el Cementerio de la Chacarita. Las canciones más destacadas para recordar a María Elena Walsh"Manuelita, la tortuga"Esta pieza introdujo uno de sus personajes más populares que llegó al cine con su adaptación del año 1999. Su letra cuenta la vida de Manuelita, una curiosa tortuga que vive en el pueblo de Pehuajó, pero que decide extender sus fronteras. A lo largo de esta pieza se narra sus aventuras al irse de su lugar de origen, visitar París y descubrir un nuevo mundo."Como la cigarra"Lanzado en 1973, es uno de sus temas más significativos y representativos. Habla sobre la lucha contra la opresión, el sentido colectivo de la comunidad y la esperanza en momentos difíciles. La recepción del público fue positiva, lo que convirtió a esta pieza en un himno de libertad durante la última dictadura militar argentina. Una de sus versiones más conocidas es la interpretación de Mercedes Sosa. "Canción de tomar el té"Se centra en la costumbre de la merienda o la hora del té. María Elena Walsh da vida a cada elemento de la mesa, convirtiéndolos en objetos fantásticos que adquieren una conducta en particular."El reino del revés"Se trata de un clásico en el mundo infantil, que plantea una realidad alternativa que invita a dejarse llevar por la imaginación. Su letra cuenta acerca de un mundo que va en contra de las leyes de la naturaleza y lo racional. El juego de palabras de la autora es una herramienta clave de esta canción, en la que realiza comparaciones inusuales y graciosas."La reina batata"Es otro de sus clásicos de repertorio infantil, en el que presenta a una reina muy atípica y de gustos excéntricos. Gracias al juego de palabras de Walsh, el público deja volar su imaginación con escenas increíbles.
El "Código Secreto" de María Elena Walsh: cómo sus canciones infantiles ocultaron mensajes políticos y sociales
Las canciones y poemas iban más allá de la diversión infantil y cada obra escondía reflexiones sobre libertad, justicia y crítica social. Al mismo tiempo, la creatividad transformó el mundo de los niños y despertó conciencia en los adultos. Leer más
David Bowie: su camaleónica carrera, sus personajes, las canciones icónicas y el disco con el que se despidió hace diez años
El 10 de enero de 2016 el mundo sucumbía ante la noticia de su fallecimiento, que sucedió dos días después de sacar su último disco. Tras años de estar a la vanguardia, se despidió con un testamento que abría la puerta hacia un nuevo comienzo."Su muerte fue como su vida: una obra de arte". Así describió el final de David Bowie el productor Tony Visconti, que trabajó en buena parte de sus álbumes, tras el fallecimiento del artista, el 10 de enero de 2016, apenas dos días después de haber cumplido 69 años y de haber sacado su último disco, Blackstar, que fue su perfecto canto del cisne, una forma críptica de decir adiós tras haber atravesado un cáncer terminal en el más absoluto hermetismo, y su oportunidad para cerrar el círculo de su magnífica discografía, aunque siempre mirando hacia el futuro, incluso cuando éste, para él, había llegado a su fin.Blackstar no es fácil de digerir. A diferencia de lo que fue The Next Day (2013) -su primer álbum tras una década de silencio, en el que condensó de forma magistral el sonido de sus diferentes etapas artísticas-, aquí optó por incursionar en el free jazz, pero hecho a partir de su propia relectura del género, en el que también fue influenciado por el hip-hop de Kendrick Lamar. La música, en este caso, se puso al servicio de sus canciones y no al revés. De esta manera, Bowie escribió su carta de despedida con un lenguaje sonoro muy diferente al que había desarrollado a lo largo de los años y dejó abierta una nueva paleta para explorar, de esas que adquieren mayor importancia con el correr del tiempo.Parte de esas nuevas canciones nacieron para Lazarus, un musical que escribió junto al dramaturgo Enda Walsh que continúa la historia de Thomas Newton, el alienígena que protagoniza la novela de Walter Tevis, The Man Who Fell To Earth, que el cantante encarnó en la adaptación cinematográfica de 1976. Fue su primer protagónico en un largometraje y el personaje lo marcó tanto que se apoderó de él completamente y lo llevó a crear uno de sus alter egos más famosos y polémicos, el delgado Duque Blanco. Fue una de sus épocas más oscuras, en la que vivía subsumido bajo los efectos de la cocaína y públicamente expresaba su apoyo al fascismo, al punto que fue retratado haciendo el saludo nazi a sus fans en Londres, aunque luego afirmó que la foto era engañosa. En esos años también grabó Station to Station, donde experimentó por primera vez con el krautrock, la variante alemana del rock progresivo, donde predominan los ritmos uniformes y mecánicos y sintetizadores etéreos como en la música electrónica ambient. Bowie popularizó esa música en la trilogía de álbumes que grabó en Berlín a finales de los 70 -Low, Heroes y Lodger-, en los que tomó sus mejores elementos y los hizo más accesibles, en especial en el clásico "Heroes", donde utilizó las guitarras texturadas típicas del rock teutón y las puso al servicio del pop.Además de buscar inspiración, Bowie fue a la capital alemana para alejarse de la fama y de las drogas (aunque en esto último no fue tan exitoso). Lo acompañó su amigo Iggy Pop, a quien le produjo su debut solista, The Idiot, que encaja perfectamente en la obra que compuso David en esa época. Él fue quien reencauzó la carrera de la Iguana, que había quedado tambaleando después de la separación de The Stooges, banda que él mismo intentó rescatar del abismo en 1972 produciendo el álbum Raw Power.Lou Reed fue el otro artista al que el inglés salvó del ostracismo. Luego del fracaso del primer álbum en solitario que grabó tras abandonar The Velvet Underground -grupo que Bowie veneraba-, el autor de "Life on Mars?" y su guitarrista Mick Ronson produjeron Transformer, el disco que le dio su primer hit, "Walk on the Wild Side". Como habitué de los lugares más sórdidos y marginales de Nueva York, Reed quedó fascinado con la estética glam y andrógina que el joven músico había cultivado en The Man Who Sold the World y Hunky Dory, discos en los que todavía estaba buscando su sonido, entre el rock crudo y el folk de sus primeros trabajos, como "Space Oddity", el tema que lo puso en el mapa después de varios años buscando el éxito.David Robert Jones, tal su nombre de nacimiento, empezó a tocar rock and roll en la adolescencia. Formó parte de diferentes bandas que no fueron hacia ningún lado hasta que inició su carrera solista. Su LP homónimo, editado en 1967, con su mezcla de pop, psicodelia y music hall, pasó inadvertido. "Space Oddity" salió con un timing perfecto, apenas unos días antes de la llegada del hombre a la luna, y funcionó como la banda sonora ideal de la misión Apollo 11.Sin embargo, fue en el mismo año en el que elevó las figuras de Iggy Pop y Lou Reed que alcanzó el estrellato mundial. Su personaje Ziggy Stardust estaba inspirado en ellos dos y su presencia magnética sobre el escenario atrajo a un público que lo vio como el nuevo salvador del rock, un concepto que quedó plasmado en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, su primera obra maestra. Enseguida sacó Aladdin Sane, que funcionó como una secuela. Escrito durante una gira por los Estados Unidos e inspirado en su cultura, lo consideró el disco en el que "Ziggy va a América".Bowie finalmente alcanzó la fama que buscaba creando un rockstar con todos los clichés y aprovechando un contexto en el que la imagen y la teatralidad estaban transformando al rock, además de explotar la polémica que provocaba su supuesta bisexualidad. El éxito tuvo consecuencias porque el personaje se apoderó de él y perdió el control de sí mismo. "Toda mi personalidad se vio afectada y la situación se volvió muy peligrosa. Llegué a tener serias dudas sobre mi propia cordura", admitió. Por eso decidió terminar con él y pasar a la etapa siguiente: el "plastic soul", que, según su concepción, era la forma sintética que a los blancos como él les salía tocar esta música que, creía, solo a los afroamericanos les nace de forma genuina.No es solo rock lo que se llevó de su gira norteamericana. El soul y el funk influyeron en sus siguientes trabajos, Diamond Dogs -que en "Rebel Rebel" contiene su último grito de glam-, y Young Americans, que le dio su primer número uno en los Estados Unidos gracias a "Fame", una colaboración con John Lennon con un groove que ningún Beatle llegó a igualar.En los 80 volvió a abrazar la música negra de la mano de Nile Rodgers de Chic, que produjo Let's Dance, uno de sus discos más vendidos. De la mano del tema homónimo y de "Modern Love", David Bowie se aferró al pop más que nunca. Tomó elementos de la new wave, del dance pop y de toda la música que estaba de moda en esa época y la tradujo a su propio idioma. El resultado fue un nuevo pico de popularidad que incluyó una alta rotación en MTV, colaboraciones con Queen ("Under Pressure"), Giorgio Moroder ("Cat People"), Tina Turner ("Tonight") y Mick Jagger (el cover de Martha and The Vandellas "Dancing in the Street"), y una actuación estelar en el mega concierto benéfico Live Aid. También profundizó su carrera actoral como protagonista del musical de Broadway, The Elephant Man y de las películas Absolute Beginners, de Julien Temple; Merry Christmas, Mr. Lawrence, de Nagisa Oshima y Laberinto, de Jim Henson (que hoy es un film de culto), y un cameo estelar en el rol de Poncio Pilatos en La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese. Lejos de caer en la categoría de artista clásico, él siguió marcando tendencia, siempre un paso adelante que los demás.Estaba tan a la vanguardia que a finales de los 80 formó Tin Machine, una banda de hard rock cuyo sonido se anticipó a la explosión del grunge y que estaba alineado con la escena alternativa que se estaba cultivando desde el underground con grupos como Pixies, Mudhoney, Sonic Youth y The Jesus and Mary Chain. El proyecto fue un fracaso comercial, pero le sirvió para revitalizar su carrera. "Para bien o para mal, me ayudó a precisar qué aspectos de ser artista disfrutaba y cuáles no. Siento que ese proceso fue clave para recuperarme creativamente", explicó en su momento.En la década siguiente, mientras el rock volvía a conquistar el mainstream, él optó por volcarse a la música electrónica, desde el clásico house hasta nuevos géneros como el jungle y el drum and bass, que tienen breakbeats acelerados y líneas de bajo profundas, y que estaban revolucionando las raves en Inglaterra.Sus discos Black Tie White Noise, la banda sonora de The Buddha of Suburbia y Earthling fueron en esa dirección, mientras que en Outside experimentó con la música industrial que Nine Inch Nails había popularizado en los 90. De hecho, la banda de Trent Reznor fue ungida por David para acompañarlo en la gira en la que presentó este álbum que es casi un anacronismo dentro de su discografía y que constituye un nexo entre la metálica trilogía de Berlín (comparten la producción de Brian Eno) y Blackstar. En esos años también hizo públicas sus pinturas, una faceta que había mantenido en un perfil bajo. La portada de Outside, de hecho, es un autorretrato.Los últimos capítulosEl nuevo milenio puso a Bowie en una posición más conservadora. Sus últimos discos se volcaron hacia un pop rock más convencional, sin dejar del todo su ambición por probar cosas nuevas. Hoursâ?¦ surgió de la banda sonora que compuso para el videojuego Omikron: The Nomad Soul, en el que él y su esposa, la modelo somalí Iman Abdulmajid, pusieron sus voces. Heathen y Reality, mucho más directos, fueron el camino para actualizar el sonido que había desarrollado en el pasado.Esa nueva música fue concebida para ser tocada en vivo, pero en 2004 una obstrucción arterial lo obligó a abandonar las giras y a disminuir sus apariciones públicas. Pasaron diez años hasta que volvió a grabar de nuevo. Con referencias a su viejo material, en The Next Day logró sintetizar en un solo álbum toda su carrera. Blackstar podría haber sido un nuevo comienzo, pero él decidió que fuera su réquiem personal y su testamento musical. David Bowie fue un creador incansable, que construyó una carrera de vanguardia y asumió riesgos constantemente. Incluso cuando se equivocó, el tiempo siempre le terminó dando la razón: no siempre el mundo estuvo listo para apreciar su arte. Dueño de una capacidad innata para llamar la atención, nunca dejó de sorprender. Ni siquiera cuando abandonó este mundo para convertirse en leyenda.
La banda mexicana que pide bajar todas sus canciones de Spotify por "patrocinar al ICE": la respuesta de la plataforma
Una popular banda mexicana Café Tacvba se posicionó en contra de Spotify y pidió a sus exdisqueras retirar todas las canciones de la agrupación de la plataforma. Acusó que las regalías obtenidas por su música no serían usadas en apoyo al Servicio de Control de Inmigración y Aduanas (ICE, por sus siglas en inglés), ni a patrocinar guerras, por lo que la plataforma respondió con un fuerte comunicado.Café Tacvba pide retirar su música de Spotify porque "apoyan al ICE"Rubén Albarrán, músico y compositor mexicano e integrante de la agrupación Café Tacvba compartió en su cuenta de Instagram que entregó una carta a Warner Music Mexico (WMM) y Universal Music Mexico (UMM) para solicitar que se retire el catálogo de la banda de la plataforma Spotify."Las razones ya las conocen, las inversiones en armamento, la publicidad del ICE, la utilización de un royalty pool (fondo común de regalías) totalmente injusto..." precisó el vocalista.Además de acusar que las regalías que recibe Café Tacvba son una "miseria", Albarrán también se manifestó en contra de la utilización de la inteligencia artificial."La música debe tener significado, apoyar a los pueblos y darles fuerza, no queremos que nuestras regalías, el dinero que nos quitan, sea utilizado para patrocinar guerras y acciones reprobables", sentenció el famoso.La banda aclaró que las disqueras WMM y UMM tienen por contrato el derecho de explotación de su catálogo, por lo que esperan pronta respuesta a su petición.Café Tacvba también solicitó a todos sus seguidores no escuchar su música en Spotify e incluso invitó a boicotear a la plataforma.La respuesta de Spotify a Café TacvbaLa plataforma de música respondió a los rockeros y aseguró que, aunque respeta el legado de la agrupación, lo dicho por su vocalista no es verdad, y explicó todos los puntos mencionados en el video de Albarrán, de acuerdo con Billboard.En primer lugar, negó que exista un financiamiento de guerras, y explicó que Helsing, la empresa relacionada con el suministro de tecnología en defensa de Ucrania, de la que Daniel Ek, CEO de Spotify, es inversionista, es independiente al servicio de streaming.También detalló que actualmente no hay anuncios de ICE en la plataforma, y que la publicidad que existió formaba parte de una campaña de reclutamiento del gobierno de Estados Unidos que se difundió por diversos canales.Respecto a la utilización de inteligencia artificial, la empresa dijo que sus políticas sobre IA buscan proteger a los artistas humanos.Finalmente, revelaron que dan el 70% de regalías a los titulares de los derechos de las canciones y aseguraron que son la plataforma que más paga a los músicos, y ofrecieron a Café Tacvba continuar con su "alianza comercial".Café Tacvba y otras bandas que piden boicot a SpotifyLa agrupación de rockeros mexicanos con una larga trayectoria en la industria cuenta con más de 7 millones de oyentes mensuales, de acuerdo con Spotify.Algunas de sus canciones más escuchadas son "Eres", "Como te extraño mi amor", "Quiero ver", "La ingrata" y "Las Flores", entre otros éxitos.El posicionamiento de la banda formada a principios de la década de los 90 en Ciudad Satélite, México, no es único, ya que otras agrupaciones de diferentes orígenes han solicitado a sus fanáticos no consumir su música a través de la plataforma mencionada.Entre los artistas que se retiraron o invitaron a boicotear a Spotify se encuentra la agrupación inglesa Massive Attack, Björk, Lorde, Deerhoof, King Gizzard & the Lizard Wizard y Godspeed You! Black Emperor, de acuerdo con El Financiero.
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Las canciones que marcaron el episodio final de Stranger Things 5
Stranger Things, una de las apuestas más relevantes del entretenimiento por streaming, llegó a su final el 31 de diciembre con un capítulo que dio por finalizada una historia que se extendió a lo largo de cinco temporadas. La producción de Netflix concluyó su trama en Hawkins, Estados Unidos, con un episodio que combinó acción, despedidas y una cuidada selección musical que acompañó la derrota definitiva del Upside Down, el universo alterno que amenazaba al mundo real.Desde su estreno, la ficción creada por los hermanos Duffer se distinguió por una estética inspirada en la década de los 80 y por el uso estratégico de canciones emblemáticas de la época. A lo largo de los años, el soundtrack se convirtió en uno de los elementos centrales para conectar emocionalmente con la audiencia y reforzar los momentos clave de la narrativa.El papel de la música en el impacto cultural de la serieLa influencia musical de Stranger Things comenzó desde la primera temporada, cuando "Should I stay or should I go" de The Clash adquirió un nuevo significado entre los espectadores más jóvenes. Sin embargo, este impacto se intensificó con la llegada de la cuarta entrega en 2022, cuando "Running Up That Hill" de Kate Bush volvió a liderar las listas de reproducción tras la escena en la que Max es poseída por Vecna.Este antecedente alimentó las expectativas sobre el cierre de la serie. Durante meses, los seguidores especularon sobre la inclusión de temas icónicos con derechos complejos, una posibilidad que finalmente se materializó en el último episodio.Las canciones que marcaron el desenlace de Stranger ThingsEl capítulo final apostó por una selección musical centrada en figuras clave del rock y el pop de los 80. Prince fue uno de los protagonistas sonoros del episodio, cuando "When Doves Cry" acompañó la detonación de una bomba que simbolizó la extinción del Upside Down. Más adelante, "Purple Rain" enmarcó una despedida relevante para los personajes centrales.El rock clásico también tuvo presencia con "The Trooper" de Iron Maiden, en un guiño directo al legado de Eddie Munson, héroe de la cuarta temporada. Tras el enfrentamiento final, la atmósfera cambió con "The Landslide" de Fleetwood Mac, mientras la voz de Stevie Nicks aportaba un tono de calma y reflexión entre los habitantes de Hawkins.Para el cierre definitivo, los creadores reservaron "Heroes" de David Bowie, que sonó durante los créditos finales acompañados por ilustraciones de escenas memorables de toda la serie, lo que selló el final de un ciclo que marcó a más de una generación de espectadores.Por María Camila Salas Valencia
De Gardel a Fandermole: la historia argentina contada a través de canciones
La editorial independiente Mil Campanas desarrolla desde hace siete años una colección dedicada a contar historias a partir de canciones. Historia social de la canción aborda clásicos del repertorio popular argentino desde una mirada cultural, política y social. El eje no está en el artista, sino en la vida múltiple que adquiere cada canción.
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Año Nuevo es una fecha única, en la que las personas despiden un período e inician un nuevo ciclo. La llegada del 2026 representa, para muchos, un comienzo, otra oportunidad o el momento indicado para establecer metas y deseos por cumplir. Además, el comienzo puede despertar alegría para muchos: representa nuevas posibilidades.Es por ello que muchas personas eligen canciones llenas de alegría para poder comenzar el año con buenas energías.10 canciones alegres para arrancar el Año Nuevo"Color esperanza", Diego TorresUn clásico optimista que invita a confiar, animarse y volver a creer. La canción transmite esperanza desde lo emocional, con una letra simple, pero poderosa que funciona como un abrazo cuando todo parece cuesta arriba."Rayando el sol", ManáAunque habla de amor y deseo, su melodía luminosa y su energía contagiosa la convierten en una canción que despierta entusiasmo y ganas de cantar a los gritos."Vivir mi vida", Marc AnthonyEsta es una celebración directa de la vida y del presente. Con ritmo festivo y espíritu caribeño, transmite libertad, disfrute y la decisión de no dejar que nada opaque la alegría."Happy", Pharrell WilliamsEste es un himno moderno a la felicidad. Su ritmo upbeat y su mensaje directo generan una sensación inmediata de buen humor y energía positiva, ideal para empezar el día."La vida bohème", Café TacubaCon una estética lúdica y una mirada libre sobre la vida, la canción transmite creatividad, optimismo y una forma despreocupada de vivir, lejos de las reglas rígidas."Andar conmigo", Julieta VenegasEs dulce, simple y luminosa. La canción habla del amor cotidiano, del disfrute compartido y de la ternura, con una melodía que genera calma y sonrisas."Brillas", León Cordero Una canción que impulsa a confiar en uno mismo. Transmite motivación, autoestima y alegría, con un mensaje claro: cada persona tiene luz propia."Valerie", Mark Ronson feat. Amy WinehouseFresca y bailable, combina soul y pop con una vibra despreocupada. Transmite diversión, ritmo y una sensación constante de movimiento."Dejarte llevar", Conociendo RusiaUna canción que invita a soltar el control y disfrutar del momento. Su tono relajado y optimista transmite libertad emocional y ligereza."Bailando solo", AxelEsta celebra el amor propio y la alegría individual. Transmite la idea de disfrutar sin depender de nadie, con un clima positivo y esperanzador.
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La autora publica una novela sobre la llegada de una migrante a Miami. El libro aborda la burocracia, el trabajo precario y el embarazo desde una narrativa atravesada por canciones de los años 90. Una historia nostálgica en su forma y vigente en su tema.
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"Me salvó la vida": el cantante argentino Daniel Agostini mostró cómo usa IA para escribir canciones
Una confesión hecha por un cantante argentino se volvió viral en los últimos días. El artista reveló que utiliza inteligencia artificial para crear las letras de sus canciones. "La inteligencia artificial me salvó la vida", reveló Daniel Agostini a los 53 minutos de una entrevista en el programa Desinteligencia Artificial en la señal DGO, y explicó que, utilizando estas aplicaciones "hacés un tema en un segundo y medio". Robots que compran, robots que venden. Cómo la IA agéntica se está metiendo en el medio de todo el comercioAl preguntarle por cómo aplica la herramienta para escribir una canción, el artista explicó que usa ChatGPT, y empezó a hacer el proceso en vivo: le pidió a la IA: "¿Me hacés una canción romántica que hable de desamor"? Luego explicó que, de esta forma, la plataforma deja lista la canción. Con esa letra, el proceso es: "copiá, pegá, la metés en otra aplicación y te arma el tema en un segundo", agregó. En el mismo programa, preguntó a los conductores si querían que hiciera una prueba en vivo y, al instante, hizo una demostración. Aunque ellos le aseguraron que era necesario contar con un oído que pudiera juzgar musicalmente lo que la IA produce, el cantante replicó: "No, ¿qué oído? Decime una letra". En el momento, los participantes del programa empezaron a sugerir letra para la canción: "Te soñaba y no sirvió para nada", fue una de las respuestas. "Me encantaría que estés conmigo en esta mañana desolada", fue otra de las sugerencias. "Lo efímero de la vida me hace extrañarte", agregó otro de los conductores del programa. Un estudio reveló cuáles son las patologías que tiene ChatGPT, Gemini y GrokLuego de construir la letra, les consultó por el género musical que querían y les habló de que podían optar por bachata, tango, folklore o cualquier otro. Finalmente, eligieron bachata. Y así, reprodujo la canción con la letra y con el estilo musical sugerido. Explicó que, al lograr esta canción que la inteligencia artificial le construye rápidamente, cuenta con una referencia de base, a la que simplemente tiene que hacer ciertos ajustes para pulirla. Los comentarios en X no tardaron en llegar, algunos de ellos reclamando por los derechos de autor de la canción y otros hablando de que el producto que generó no era bueno. La inteligencia artificial en la músicaHace unos meses, la inteligencia artificial ya había generado controversia en el ámbito musical, con la presentación de Kion, una artista de K-pop generada por IA. "Presentamos Higgsfield Records, el primer sello discográfico con IA, con nuestro PRIMER Ídolo de IA: Kion", con estas palabras, la plataforma de inteligencia artificial Higgsfield presentaba a la artista digital en sus redes sociales, y agregaba: "¡Nuestro primer ídolo de IA creado por Higgsfield Records! El debut donde el escenario no necesita escenario. Desde festivales y bailes hasta mundos digitales completamente nuevos. La apariencia y las actuaciones de Kion te llevarán a cualquier parte".Aunque circularon versiones en redes de que, a las pocas horas de su debut, Kion ya tenía un contrato de US$50 millones, por su parte, Higgsfield se limitó a decir en X que cuenta con "contratos multimillonarios ya en marcha".Hoja de ruta. Qué hace falta para que la transformación de la inteligencia artificial despegue en 2026Las repercusiones no se hicieron esperar y las redes se llenaron de comentarios en relación con el tema. Algunos a favor de la implementación, asegurando: "¡Me alegra mucho que esto esté sucediendo!", "La calidad es la mejor que hemos visto hasta ahora" o "¡Una iniciativa emocionante! Aprovechar la IA en la industria musical abre nuevas posibilidades".Aunque tampoco faltaron los comentarios negativos, como "«No se necesita talento», no hay mejor frase para describir cómo usar la IA de forma incorrecta. ¡Enhorabuena!". Otros sumaban cosas como "Demoníaco", "Sí, aquí es obvio que no se necesita talento. Esto no va a funcionar", o "Nadie quiere esto excepto las corporaciones codiciosas".
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Año Nuevo es una fecha única, en la que las personas despiden un período e inician un nuevo ciclo. La llegada del 2026 representa, para muchos, un comienzo, otra oportunidad o el momento indicado para establecer metas y deseos por cumplir. Es una temporada de esperanza, como también balances y emociones mixtas. Es por ello que muchas personas eligen canciones inspiradoras para poder comenzar el año con buenas energías.10 canciones emotivas para arrancar el Año Nuevo"Happy New Year" - ABBAEl hit de la banda musical sueca fue lanzado en 1980 como parte del álbum Super Trouper. Gracias a su tono melancólico, la canción se convirtió en uno de los himnos más reconocibles para despedir el año. Se diferencia de otros temas festivos por su letra reflexiva que explora el paso del tiempo y los sueños que quedaron atrás."Brand New Day" - StingLa canción aborda la capacidad de renovarse y el renacer espiritual y emocional. Lanzada en 1999, se convirtió en un emblema de la época, ligada al cierre del siglo XX. Con los años, se transformó en una canción asociada a cambios personales y etapas que se inician con optimismo. Su melodía combina el pop con elementos del jazz y la música world. "New Year's Day" - U2Pertenece al álbum War, marcando un cambio en la evolución musical de la banda. Con un claro mensaje político y solidario, la canción emite un mensaje de esperanza por los tiempos por venir. Su icónico riff de bajo la convirtió en una de las piezas más famosas de la banda."Auld Lang Syne" - Rod StewartLa canción es un clásico escocés de la época festiva, que fue interpretada por diferentes cantantes y artistas a lo largo de los años. Representa la despedida del año con un tono nostálgico. La versión de Rod Stewart fue publicada en 2012 dentro de su álbum navideño Merry Christmas, Baby. "New Year's Day" - Taylor SwiftEsta pieza musical pertenece al álbum Reputation de 2017. La cantante estadounidense plantea, con su letra, una mirada íntima y poco convencional sobre el Año Nuevo. Menciona aquellos momentos silenciosos después de la celebración, cuando la euforia termina, lo que destaca la importancia de alcanzar una conexión emocional verdadera en esta época del año."This Is the New Year" - A Great Big WorldEsta obra fue compuesta en 2012 y relanzada en 2013, se convirtió en un himno optimista sobre las segundas oportunidades. Su letra explora la posibilidad de dejar atrás los errores y recuperar la fe, un gesto muy usual en las celebraciones de fin de año."Let's Work Together" - Canned HeatEl hit de 1970 se convirtió en uno de los mayores éxitos de la banda, por su mensaje de cooperación, unidad y el esfuerzo colectivo. Adquirió mayor popularidad gracias a su aparición en la película Forrest Gump, en la escena en la que el protagonista saluda al teniente Dan durante Año Nuevo. "It's the Most Wonderful Time of the Year" - Andy WilliamsSi bien es asociada con la Navidad, es un hit indispensable durante las semanas festivas. Publicada originalmente en 1963, se transformó en uno de los grandes clásicos de Año Nuevo por su mensaje de alegría, reunión y celebración colectiva."Underneath the Tree" - Kelly ClarksonLanzada en 2013 como parte del álbum Wrapped in Red, destaca por su letra y ritmo alegre. La obra señala la importancia de ver al amor como el verdadero regalo durante las fiestas. "Snowman" - SiaIncluida en el álbum Everyday Is Christmas de 2017, es una canción emotiva que utiliza la figura del muñeco de nieve como metáfora del amor frágil. A través de su letra melancólica, expresa el deseo de que lo bello no se derrita con el paso del tiempo.
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Las historias de canciones que más disfrutamos este año: Una trágica carta de despedida, la confesión de Alejandro Lerne
Las mejores canciones pueden ser aquellas que, por los motivos más personales, nos acompañan a lo largo de nuestras vidas porque parecen hechas a medida. Pero también están aquellas universales, que siempre vale la pena descubrir y redescubrir porque traen grandes historias. Estas son algunas de las "Grandes historias de canciones" más elegidas por los lectores de LA NACION durante 2025."Nosotros" En 1943, con apenas 23 años, el pianista y compositor cubano Pedro Junco moría en Cuba, dejando como legado una de los boleros más populares del repertorio latinoamericano y quizás también, el que evoca la leyenda de amor más dolorosa que se ha hecho canción: "Nosotros", una melodía escrita a raíz de una muerte inminente.La historia comienza en Pinar del Río, provincia cubana ubicada en el extremo occidental de la isla, la "tierra del mejor habano del mundo". Cuando tenía apenas seis años, Pedro Buenaventura Jesús del Junco-Redondas, popularmente conocido como Pedro Junco, había comenzado sus estudios de piano, graduándose a los 19 en el conservatorio Orbón de Pinar del Rio con el título de maestro de música.La musa de su famoso bolero fue María Victoria Mora Morales, una joven de la alta sociedad, natural de la localidad de San Juan y Martínez. Fue amor a primera vista. Pero al enterarse sus padres que el pretendiente de la chica era un bohemio con fama de seductor y aventurero, desde el vamos se opusieron al romance. De todas maneras, no pudieron impedir que la historia siguiera adelante. Como amantes en las sombras, sus citas continuaron en secreto mientras el amor prosperaba en cada encuentro. Así las cosas, una pésima noticia ensombreció el romance, cuando de la noche a la mañana, Pedro Junco fue diagnosticado con tuberculosis, una enfermedad que por aquellos años era un pasaje a la muerte.Primero quedó aislado y años después terminó internado. Fue allí, en un arrebato de dolor, cuando escribió, primero, una carta de despedida para María Victoria. Pero consciente de que no llegaría porque sería interceptada por su padre, decidió entonces convertirla en una canción de despedida, seguramente la canción más difícil que le tocó escribir. "Atiéndeme, quiero decirte algo, que quizás no esperes, doloroso tal vez / Escúchame, aunque me duela el alma, yo necesito hablarte, y así lo haré", anotó en un papel los primeros versos del bolero que inmortalizaría su amor.Luego le pidió a su amigo, el trovador Tony Chiroldes que la cantara por primera vez en un programa de radio muy popular que su amada escuchaba cada noche, por la Estación Radial de Pinar del Río CMAB. Fue allí cuando ella y el mundo conocieron esta hermosa y dolorosa confesión hecha canción. Muy angustiada de inmediato fue al hospital para verlo pero llegó demasiado tarde: Pedro había muerto horas antes, el 25 de abril de 1943 pasadas las 10 de la noche. Su certificado de defunción declaraba muerte por anoxemia y bronconeumonía. Tuvo una vida tan breve como apasionada."Love to Love You Baby"Se la puede reconocer por su título o como la canción en la que Donna Summer fingía llegar al clímax. Se convirtió en su primer hit. Entre tantas historias que se pueden encontrar en la carrera de esta cantante, una que se distingue es la de "Love to Love you Baby", esa que tuvo un efecto de rechazo para algunos, pero de adoración para otros. En plena revolución sexual de los 70, muchos miembros de la sociedad, principalmente de la comunidad gay, adoptaron la canción como un himno y como un símbolo de libertad."No la escribí para que fuera una canción. La escribí como un concepto para que alguien más escribiera la letra. Solo inventé una voz e intenté crear una vibra", aseguró Donna décadas atrás. Cuando le entregó la grabación a Giorgio Moroder, el productor le pidió que hiciera un demo con referencias sexuales y letras explícitas. En ese entonces, Summer aceptó la propuesta bajo la condición de que el material final fuera para otro intérprete, ya que ella no se sentía identificada con lo que estaba haciendo. Desobedeciendo las condiciones de Donna, Giorgio decidió transformar lo que ella grabó en una canción. Le pasó el material a Neil Bogart, CEO del sello Casablanca Records, ya que buscaba el éxito que hiciera despegar a Donna en Estados Unidos, y qué mejor que una canción disco, fenómeno que "vendía millones y millones de álbumes", según Bogart.Pero algo salió mal: la prohibieron en las radios debido a su contenido sexual y erótico explícitos. Básicamente, no querían pasar una canción que imitara un orgasmo. Pero Bogart no se dio por vencido. Se le ocurrió poner el tema un día en su casa, durante una fiesta que organizó. Fue bien recibida por sus invitados. La única crítica que recibió fue que era muy corta. "Puse la canción en una fiesta en mi casa y, cuando terminó, alguien me pidió que la vuelva a poner; después, cuando volvió a terminar, me la pidieron de vuelta. Yo dije: 'la canción es muy corta'. Seguían pidiendo más. Llamé a Alemania, donde se produjo el tema y les pedí una versión de 20 minutos", contó Bogart.Tal como lo pidieron, Donna Summer junto con Giorgio Moroder grabaron una nueva versión de "Love to Love you Baby" de 16 minutos y 48 segundos. La idea fue intentar que las radios la pasaran a las 12 de la noche para que la gente "sintonice para 20 minutos de amor".La canción fue un verdadero éxito. La gente se descontrolaba con el nuevo himno de la revolución sexual del momento, a tal punto que en vivo le revoleaban la ropa a Summer. "La gente empezó a arrancarse la ropa y tirarla al escenario, corpiños o ropa interior. No sabía que iba a ser tan lujurioso. La audiencia se ponía totalmente incontrolable y eso era un tanto aterrador", confesó la diva.La bambaNació como sátira, fue grabada por un joven desconocido y se convirtió en un éxito que no tuvo techo. "Para bailar la bamba / Para bailar la bamba / Se necesita una poca de gracia / Una poca de gracia pa' mí, pa' ti / Arriba y arriba.Con una melodía simple y pegadiza, la historia es que en 1958, el productor Bob Keene había descubierto un talentoso joven de apenas 17 años llamado Ricardo Valenzuela. De ascendencia mexicana, el chico se hacía llamar Ritchie Valens, mientras comenzaba una carrera en ascenso fusionando canciones populares mexicanas con el rock and roll. Durante una sesión de grabación, Valens escogió "La bamba" para ponerle su propia voz, le añadió una batería potente y sumó unas guitarras eléctricas. El resultado fueâ?¦ "electrizante", un cóctel explosivo que la popularizó definitivamente, mientras trepaba cada vez más en las listas de éxitos de Estados Unidos. En la cúspide de su corta y vertiginosa carrera, Ritchie Valens se encontraba en medio de una gira por Estados Unidos junto a otros compañeros de ruta, como Buddy Holly y The Big Bopper, cuando entre todos decidieron contratar una avioneta para ir de Clear Lake (Iowa) a su próximo destino. Mala idea. Transcurría la tormentosa noche del 3 de febrero de 1959 cuando, poco después de despegar, el avión donde viajaban se estrelló y todos sus ocupantes murieron en el acto."Mi historia entre tus dedos""Hay una cosa que yo no te he dicho aún..." Mientras que el furor por los lentos en inglés, al final de una noche de boliche, prácticamente terminaba con la década del ochenta, a mediados de la década siguiente nacía un hitazo de esa estirpe, pero en italiano. Y por su éxito masivo, al poco tiempo tuvo una versión en castellano.«La mia storia tra le dita» (Mi historia entre tus dedos"), el gran hit de Gianluca Grignani, cumplió 30 años en 2025 y es todo un clásico que sigue acumulando nuevas versiones. La canción aborda el tema del desamor y la dificultad de dejar ir a un romance que ha llegado definitivamente a su fin. Su letra refleja la perspectiva de alguien que, aún reconociendo el ocaso de la relación, todavía guarda profundos sentimientos por el otro y se debate en la idea de continuar pese a todo. A 30 años de su lanzamiento, "Mi historia entre tus dedos" no sólo se mantiene vigente como un auténtico clásico de la música romántica sino que figura además entre los temas más recurrentemente solicitados por los fanáticos del karaoke alrededor del mundo."Todo a pulmón"Transcurría el año 1978, en plena dictadura militar, cuando dos hechos marcaron a fuego la vida del músico y compositor Alejandro Lerner. El primero, cuando fueron a buscarlo a su casa por averiguación de antecedentes y se lo llevaron detenido a la cárcel de Devoto, porque habían encontrado un "cigarrillo de marihuana". Estuvo un mes preso en el pabellón de mala conducta. El segundo, cuando al poco tiempo de salir de la cárcel murió su padre."Acababa de cumplir 21 y me empezó a agarrar una especie de bronca. De ahí salieron todas mis canciones más irónicas, más ácidas de esa época", recuerda Lerner en diálogo con LA NACIÓN, mientras se dispone a repasar la historia del inolvidable "Todo a pulmón", el hitazo lanzado en 1983 que dio nombre a su segundo álbum y con el que dio el salto más importante de su carrera."La letra estaba ligada al asma que padecía. De chiquitito tenía una gran sensibilidad pulmonar, entonces, por alguna razón, la gente que me rodeaba veía cómo yo venía empujando, me esforzaba para salir adelante, y me decían: 'Che, lo estás haciendo todo a pulmón'. Esa era una frase que me rondaba todo el tiempo. Y como era asmático, me resultaba muy significativa, porque el pulmón estaba muy presente en mi vida. Imaginate que en esa época se fumaba mucho en los pubs donde tocaba, entonces siempre me subía al escenario con una carterita de cuero negro donde tenía mi aparatito para el asma", proclamaba Lerner."Era un día otoñal, yo estaba en un departamento que me había prestado mi suegro, el papá de una novia que tenía, sobre la calle Aguilar. No tenía dinero. Imaginate que hacía un año que había sacado mi primer disco, pero todavía no podía comprarme una casa o un departamento. Entonces me senté como siempre al piano, un piano chiquito que había podido comprarme, con una hoja en blanco y una lapicera, y me puse a confesar. Porque "Todo a pulmón" fue como una confesión, no tuvo otra finalidad que documentar con gran honestidad mi estado de ánimo en ese momento".
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Canciones que hacen llorar
Cuenta Lauren Ambrose, actriz de Six Feet Under, que cada vez que escucha Breathe me, la balada de Sia que musicalizó el final de la serie hace 20 años, siente incontrolables ganas de llorar. Es, según explicó, "pavloviano", y tiene que esconderse para que no la vean. Ya sé, no es muy original. Las canciones despiertan emociones y remueven recuerdos. Nos llevan a momentos de tristeza, alegría, miedo, esperanza. Es su propósito.A veces es la melodía lo que toca alguna fibra íntima que nos desarma; en otras ocasiones, la profundidad de las letras, como la de Esos locos bajitos, de Joan Manuel Serrat. "Nada ni nadie puede impedir que sufran/ Que las agujas avancen en el reloj/ Que decidan por ellos, que se equivoquen/ Que crezcan y que un día nos digan adiós". Qué padre podría no conmoverse con una estrofa como esta.Lo mismo puede decirse de Beautiful boy (Darling boy), la canción que John Lennon compuso para su hijo Sean cuando tenía tres años, y su célebre frase "la vida es lo que te pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes". Esa sola línea sobraría para convertirla en inolvidable, pero el asesinato del ex Beatle, apenas un año después, potenció aún más su carga emotiva.Y si hablamos de contextos dramáticos no podemos olvidar Mother love, la última canción que grabó Freddy Mercury en 1991 antes de morir. Una conmovedora despedida del cantante y líder de Queen. Su debilidad solo le permitió grabar unas estrofas; la última tuvo que completarla Brian May. De todos modos, no siempre es la hondura lo que provoca el llanto. A veces no se necesita una estrofa brillante, una gran melodía ni un nombre destacado detrás. Basta con que la canción nos recuerde a algún ser querido. En mi caso, Rivers of Babylon, un hit liviano de los '70 del grupo Boney M., me trae enseguida la imagen de mi vieja, que adoraba ese tema. Y entonces sí, ante mi propia perplejidad, empiezo a lagrimear. Es pavloviano.¿Y qué hay de los temas instrumentales en los que el llanto brota frente a la belleza en estado puro? Allí donde algunos la hallamos, en temas como Au lait o Daybreak, de Pat Metheny, otros escuchan "música de ascensores". Nos emocionamos con diferentes canciones o melodías, pero seguro que todos tenemos al menos una.La ciencia y la psicología se han interesado por estos sentimientos intensos provocados por el arte. Es lo que también se conoce como "lágrimas estéticas", aunque los especialistas admiten que es poco lo que se sabe sobre ellas. Llorar ya es una respuesta humana compleja; llorar frente a expresiones artísticas lo es aún más y sus causas siguen siendo mayormente un misterio. Es, no obstante, al menos en el caso de la música, algo muy común. En 2017, investigadores de la Universidad de Carolina del Norte hicieron un sondeo entre 900 adultos y casi el 90% dijo haber sentido ganas de llorar con alguna canción.Pero quizás hoy cabría reorientar la pregunta. ¿Hay música actual que genere esas mismas emociones intensas del pasado? La revista Nature publicó en marzo de 2024 una investigación que llegó a la conclusión de que en los últimos 50 años las letras de las canciones pop se hicieron más simples y repetitivas. Podría deberse a la forma en la que las escuchamos, como fondo mientras hacemos otras cosas, o a las enormes bibliotecas digitales actualmente disponibles, que hacen que la escucha sea más rápida, fragmentada y superficial.Este mes también se conoció otro estudio hecho con la ahora omnipresente inteligencia artificial. Tras examinar más de 20.000 canciones del ranking Billboard Hot 100 entre 1973 y 2023, se llegó a la conclusión de que las canciones expresan cada vez más sentimientos negativos y vinculados con el estrés. El arte siempre ha tenido variados propósitos como la provocación, la incomodidad o la sorpresa, pero nunca dejó tan de lado la poesía y la emoción como ahora.
Apple Ecuador: las 10 canciones más sonadas hoy
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20 canciones navideñas: la playlist ideal para pasar en Nochebuena
Ante la cercanía de la Navidad, muchas personas quieren comenzar a consumir contenidos para la fecha, en el que se puedan poner a tono con el espíritu que trae el 25 de diciembre. Es por eso que hay quienes buscan canciones y la playlist para pasar en Nochebuena: la inteligencia artificial (IA) propone 20 opciones que no deben faltar este miércoles a la noche.La IA tiene una amplia capacidad de procesar información, recopilar datos y responder consultas, además de realizar tareas y buscar contenido. Es por ello que tiene la capacidad, imparcial, de alguna forma, de buscar las 20 canciones que deben estar en una playlist navideña para que esté completa. A continuación, las elecciones de la tecnología, de distintos estilos y de épocas misceláneas.20 canciones navideñas: la playlist ideal para pasar en Nochebuena"All I Want for Christmas Is You", Mariah Carey: el hit navideño moderno por excelencia, es ideal para levantar el ánimo desde el primer minuto, según la IA."Last Christmas", Wham!: es un clásico pop de los 80 que mezcla nostalgia, romance y espíritu festivo, de acuerdo a la tecnología."Jingle Bell Rock", Bobby Helms: es una canción alegre y rítmica que nunca falla para ambientar la previa de la cena, concluye la IA."Santa Claus Is Coming to Town", Bruce Springsteen: una versión que la IA define como rockera y descontracturada para sumar energía a la noche."Feliz Navidad", José Feliciano: infaltable en cualquier celebración, para la tecnología, para unir generaciones con su mensaje simple y universal."Rockin' Around the Christmas Tree", Brenda Lee: es perfecta para cuando la reunión ya está en marcha y nadie se queda quieto."White Christmas", Bing Crosby: el clásico más emblemático de la Navidad, cargado de tradición y calidez, según el análisis de la plataforma."It's Beginning to Look a Lot Like Christmas", Michael Bublé: elegante y actual, ideal para acompañar la mesa y la charla."Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!, Frank Sinatra": definida como una joya atemporal que aporta clima hogareño y de sofisticación."Navidad sin ti", Marco Antonio Solís: una balada emotiva para el momento más sensible de la noche."Have Yourself a Merry Little Christmas", Sam Smith: versión moderna y delicada, perfecta para bajar un cambio."Do They Know It's Christmas?", Band Aid: un himno solidario de los 80 con mensaje de conciencia y unión."El burrito sabanero", Hugo Blanco: alegría latina que contagia entusiasmo y espíritu festivo."Santa Tell Me", Ariana Grande: pop navideño actual, fresco y pegadizo."Noche de paz", Andrea Bocelli: una interpretación solemne y emotiva para el brindis."Happy Xmas (War Is Over)", John Lennon & Yoko Ono: un clásico con mensaje de paz que trasciende generaciones."Mistletoe", Justin Bieber: ideal para sumar un toque joven y romántico a la playlist."Los peces en el río", versión flamenca: tradición navideña con ritmo y carácter español."Driving Home for Christmas", Chris Rea: nostalgia perfecta para el cierre de la noche."Wonderful Christmastime", Paul McCartney: un final optimista y luminoso para seguir celebrando.
Tate-nori, el fenómeno que explica por qué algunas canciones disparan tu energía
Una investigación reciente revela cómo determinados patrones, inspirados en la música japonesa, explican el impacto del ritmo sobre el cuerpo y la mente
K-pop: las 10 mejores canciones que no paran de sonar en iTunes España
Grupos como H.O.T, Sechs Kies, S.E.S, Fin.K.L, NRG, Baby VOX, Diva, Shinhwa y g.o.d integraron la primera generación del K-pop
La historia detrás de los villancicos: canciones que pasaron de lo religioso a lo popular y ahora son emblema de la Navidad
La celebración de la Navidad en Perú destaca por la fusión de tradiciones religiosas, costumbres locales y expresiones musicales que han evolucionado a lo largo de los siglos, con los villancicos como uno de los elementos más emblemáticos en la construcción de la identidad navideña peruana
Flea reveló el proceso creativo de las canciones de Red Hot Chili Peppers: "Muchos temas nacieron de ensayos improvisados"
En una entrevista con Rick Beato podcast, el bajista repasó su formación atravesada por el jazz, la dinámica colectiva dentro del grupo y el valor de la espontaneidad como motor artístico, además de reflexionar sobre la autenticidad y la educación musical
Zeca Veloso: las canciones del hijo del medio
En su álbum participaron sus hermanos y Caetano. "Somos una familia de músicos, pero no en el sentido tradicional", señala.
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La segunda generación del K-pop está integrada por grupos como TVXQ, Super Junior, Big Bang, SS501, Girls Generation, KARA, Wonder Girls y más
Cómo la soledad llevó a John Lennon a escribir una de las canciones más sinceras y desgarradoras de The Beatles
La desgarradora sinceridad del tema surgió en el lugar menos esperado. Entre sesiones de meditación y reflexiones profundas, volcó su tormento personal en el estudio junto a sus compañeros
Multan al hotel del aeropuerto con S/431 mil por reproducir canciones de J Balvin y más sin pagar regalías
Indecopi multó. El hotel Costa del Sol Wyndham, del anterior aeropuerto Jorge Chávez, habría incumplido con pago durante tres años
Componía canciones a los 11 años con su hermano y alcanzó el éxito mundial en SoundCloud
La historia de la superestrella de la música que empezó grabando en un cuarto de su casa.
Canciones para poetas admirados
En "Reloj universal (Grandes Poetas)", el músico dialoga con letras de Silvio Rodríguez, Víctor Heredia, Litto Nebbia, Leo Maslíah, Jorge Fandermole y Leopoldo Marechal.
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En el marco del "Malcriado World Tour", el artista venezolano se presentó en el Teatro Gran Rex con un concierto atravesado por canciones románticas, una fuerte participación del público y un momento destacado junto a Yami Safdie. Leer más
Noemí Galera, sobre los derechos de las canciones en 'OT 2025â?²: "Es muy frustrante hacer un programa de música sin poder escuchar música"
La directora de la academia ha hablado con 'Infobae España', al igual que Tinho y Olivia, finalistas de la edición
Alfredo Gutiérrez compartió las canciones que le compuso al Junior de Barranquilla, campeón de la final de la Liga Betplay Dimayor 2025 II
Pese a que muchos considerarían que 'el Monstruo del acordeón' es hincha del equipo rojiblanco, la realidad es que Gutiérrez fue adoptado por parte del Deportivo Independiente Medellín, luego del himno que les hizo
Andy Summers: la vida en familia, por qué ya no tocaría con Sting y Stewart Copeland y su trío actual con canciones de The Police
Con el paso de los años, el guitarrista inglés Andy Summers se convirtió en un pasajero frecuente en los vuelos hacia América Latina. Por la Argentina ha pasado en varias ocasiones. Desde esa primera visita de 1980, con The Police -recordada por su show en el Estadio Obras, aquel día en tiempos de dictadura cuando, desde el escenario, puso un pie sobre el hombro de un policía que hostigaba a una chica que había ido a ver a la banda- hasta sus actuaciones como solista o con su colega Víctor Biglione, y luego el proyecto Call The Police, banda que recorre los grandes éxitos del trío que fundó con Sting y Stewart Copeland.Hay una máxima tanguera y gardeliana que dice: "Y aunque no quise el regreso, siempre se vuelve al primer amor". Andy Summers larga una carcajada al escuchar que esta frase termina con un remate que lo involucra directamente. ¿Acaso las canciones de The Police son como un primer amor? "No. La música es el primera amor -responde a LA NACION de manera rotunda este guitarrista exquisito-. The Police es solo un aspecto de la música que he tocado toda mi vida. Mi propia música es mi primer amor". Por cierto que Summers, a los 82 años, tiene un inventario previo al trío rockero más famoso del mundo y una carrera en solitario posterior que reúne una docena y media de discos, colaboraciones con colegas como Robert Fripp y conciertos que hoy son verdaderos conceptos multimedia, gracias a su vasto trabajo en el campo de la fotografía. Pero también es cierto que le gusta volver sobre aquel repertorio que lo dio a conocer en todo el mundo, entre finales de los setenta y mediados de los ochenta. Y, lejos de buscar a sus viejos compañeros de ruta para esta empresa -el único reencuentro fue la gira mundial 2007/2008- o a músicos británicos que lo acompañen, pone la vista en Sudamérica.De hecho, en 1998 se hizo un compilado de tributo a The Police en español, Outlandos d'Americas, que el mismo comandó y que incluyó a artista latinoamericanos y españoles. En aquellas sesiones que se hicieron en Los Ángeles le hizo una invitación a Gustavo Cerati para una gira que el ex Soda Stereo rechazó porque estaba embarcado en su carrera solista. En cambio, unos quince años más tarde, le propusieron armar el trío con los brasileños João Barone (Paralamas do Sucesso) y Rodrigo Santos (Barão Vermelho). Desde entonces, rearma cada tanto su Call The Police y hace una breve gira de conciertos, como el que tiene agendado para el próximo 27 de febrero, en el ND Teatro. João Barone / Rodrigo Santos) - Synchronicity II (ensaio/rehearsal)">-¿Qué te motivó a formar este grupo que recrea las canciones de The Police?-Llevo muchos años tocando en Sudamérica, particularmente en Brasil. Hicimos diferentes proyectos a lo largo del tiempo. Y el último que se nos ocurrió fue éste, con João y Rodrigo. ¿Cuál es la música más famosa que podemos tocar y que atraiga a más gente? Y obviamente era la de The Police. Comenzamos a hacer este espectáculo y terminamos con la idea de Barone de llamarlo Call The Police, que no es el mejor nombre, pero así es como comenzó casualmente. Tuvo mucho éxito, así que aquí estamos de nuevo. Últimamente nos faltaba volver a Argentina, principalmente por los problemas que hay allí. Es muy difícil entrar.¿Qué ves al momento de hacer retrospectiva de tu vida?-Que he tenido una vida muy buena. He sido muy afortunado. Siempre he tocado música. Siempre he tocado la guitarra, desde los 11 años, y, básicamente, me ha ayudado a superar todo. Creo que soy un tipo afortunado. También tengo la suerte de haber conocido a mi esposa cuando aún teníamos veintipocos años y hemos estado juntos toda la vida. Es una persona maravillosa. Eso ha sido genial. Y luego, por supuesto, entré en una banda, como siempre pensé que debía ser. El resto es historia. Un éxito mundial, por eso seguimos hablando de ello. Soy afortunado. Aunque no creo que exista la suerte. Se trabaja para eso. Desarrollás tu mente para ver adonde está lo correcto. Y debés ser sincero al respecto. Nunca he hecho nada por dinero. Crecí en una época que produjo muchos grandes guitarristas. La idea era unirte a una banda y que un día te volvieras muy famoso. Claro, eso no le pasa a la mayoría de la gente. Y mi historia fue un poco rara porque me llevó un poco más de tiempo. Incluso, me mudé a Estados Unidos y luego regresé al Reino Unido antes de que todo encajara. -Solo por una temporada.-Sí. Regresé a Inglaterra y empecé a tocar en la escena musical de Londres. Era muy bueno. La gente empezó a conocerme rápidamente. Lo extraño fue que estaba empezando a tener bastante éxito por mi cuenta cuando me uní a The Police. No tenía futuro ni dinero, pero había una buena onda. Mi querida esposa me dijo que debería juntarme con estos chicos [Summers es diez años mayor que Copeland y Sting]. -¿Por qué?-Porque pensábamos que lo básico estaba ahí, que el talento estaba ahí.-Volviste a los Estados Unidos pero no perdiste tu acento inglés.-Espero que no. Vivo en Los Ángeles, pero no pierdo mi voz inglesa, y me gusta especialmente mantenerla aquí. -¿Qué se pierde con los años y qué no?-Soy una persona muy pura y sincera. Me mantengo fiel a mis valores. Cuido de mis hijos. Toco la música que quiero tocar. No le he vendido el alma al diablo. No me interesa. No me vendo. Nunca me he unido a una banda comercial ni a nada por dinero. Siempre he tocado como he querido. Lo he demostrado. Me siento como un snob con la música. Siempre me he sentido así.-¿Snob?-Sí, un snob musical [se ríe]. Pero si alguien dice que es un snob musical, más vale que toque muy bien para demostrarlo. No he envejecido en ese sentido. Estoy tocando mejor que nunca. Y justo antes de esta charla estuve improvisando con uno de mis hijos, que toca muy bien la batería. -¿Qué edad tiene?-Tiene 30. Comenzó a los 10 y luego dejó porque se obsesionó con las artes marciales. Él enseña artes marciales. Como tengo un pequeño estudio en casa, al final del jardín, donde hay una batería, durante la pandemia me dijo: "¿Por qué no tocamos juntos?".-Y eso fue muy importante.-No pensé que todavía pudiera interesarle. Se convirtió en algo genial porque tocamos cuatro o cinco veces por semana. Somos como una pequeña banda, tenemos un repertorio de temas. Puede ser un blues, o un cover de Boston o un tema de Coltrane. -¿Hay una perspectiva profesional en eso?-Es solo para pasar el tiempo. Soy yo con mi hijo, creando un vínculo, tocando música. Nunca pensé que esto pasaría. Fue una sorpresa. Disfruto tocando y, además, eso mantiene mis manos ágiles. Lo mismo me pasa cuando toco con Rodrigo y Barone. Son grandes músicos. Rodrigo es un cantante maravilloso. Es muy divertido, nos llevamos muy bien. No hay problemas, simplemente organizamos los conciertos y los hacemos. Espero que podamos llevar un gran espectáculo a Argentina. -Sting estuvo en febrero en Buenos Aires, tocando música de The Police. Copeland vendrá esta semana con su proyecto Deranged para orquesta, también con música de The Police. Si tocan las canciones, ¿por qué no pueden hacer una gira juntos?- No, no es posible. Ya no me interesa tocar con ellos.-Te he visto en redes, cada vez más concentrado en el solo set, con la inclusión de otra de tus pasiones. ¿Cuál es actualmente el lugar de la fotografía?-Bueno, ha sido siempre importante. Empecé a interesarme en los inicios de The Police. Éramos muy populares. Siempre había fotógrafos a nuestro alrededor. Empecé a interesarme por sus cámaras. Fue algo natural. Hoy la gente tiene un celular. Pero en aquella época la gente tenía cámaras y empecé a tomármelo en serio. Recuerdo un día que estábamos en el Hotel Drake de Nueva York cuando me dije: "Voy a ser muy bueno en esto». Y empecé a fotografiar. Salí a las calles de Nueva York a fotografiar y, en cierto modo, a aprender de mis errores. Compré libros, estudié. Conocí a un gran fotógrafo, Ralph Gibson, que me ayudó mucho. Compré una cámara Leica y desde ese momento nunca paré. Nunca me aburrí. He hecho más de 60 exposiciones y muchos libros. Y he tenido una vida muy agradable con esto, porque siempre que viajo, como cuando llego a Argentina, salgo a la calle inmediatamente y empiezo a fotografiar. -Bien entrado ya el siglo XXI, ¿es posible pensar en un concierto solo como un hecho musical y no como un evento multimedia?-Mi espectáculo, que es el que me gusta presentar...-The Cracked Lens + A Missing String...-Ese. Sí, lo he hecho durante los últimos tres años; el último fue en septiembre. Tengo una pantalla gigante y muestro diferentes secuencias de fotografía, y pongo música diferente para cada cosa, y hablo de ello. Hablo mucho con el público. Soy solo yo, sin banda. Es extraño, un poco solitario. Soy solo yo.-"Soy solo yo". ¿Qué se siente en ese momento sobre el escenario? -La verdad que no pienso en eso porque, cuando salgo al escenario, el público tiene más miedo que yo. -¿Por qué? -Porque no están seguros de lo que va a pasar. Por eso les hablo. Les cuento lo que va a pasar. Así se relajan y se dejan llevar. A veces dejo la guitarra y el escenario, camino alrededor. Eso es gracioso. Soy serio con la interpretación, pero es importante también hacer reír al público. Porque eso te une. -Con experiencias así, ¿pensás que la gente necesita más el estímulo visual que el musical?-Quizás necesite más elementos visuales porque vivimos una cultura mucho más visual. Hemos pasado de ser músicos tocando en bandas a todo esto. Todos estamos involucrados en lo multimedia.
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Toto, Christopher Cross y una noche de nostalgia y virtuosismo al servicio de las canciones
La inusitada demanda de localidades para el concierto ofrecido en noviembre del último año en el Movistar Arena, sumada a la falta de disponibilidad de fechas destinada a una segunda función, dejó sin dudas un sabor agridulce en un número importante de fans locales de Toto. Sin embargo, a poco más de un año de aquella última visita y por cierto mucho antes de lo esperado, la agrupación norteamericana regresó a Buenos Aires no sólo para saldar su deuda sino también para redoblar la apuesta mediante un show en un ámbito más amplio y a cielo abierto como lo es el Campo Argentino de Polo. Pero no vinieron solos, esta vez sumaron a Christopher Cross como estelar número de apertura. Que una banda nacida en Los Ángeles en 1977 suscite aún semejante atención por parte del público tanto en Argentina como en el resto del mundo quizás resulte algo sorpresivo para algunos. No obstante, existen datos que avalan y refuerzan dicho interés internacional. Según estadísticas oficiales recientes, Toto no sólo es uno de los artistas más escuchados en Spotify sino que además el 50 por ciento de sus oyentes está por debajo de los 34 años. Eso explica entonces la variedad y amplitud de público que se dio cita en el coqueto predio ubicado en Palermo: familias enteras, parejas, grupos de amigos, seguidores de la primera hora, fanáticos de sus hits ochentosos y, en particular, muchos músicos, algo que respondió al perfil de sus integrantes, todos excepcionales y experimentados sesionistas que colocan su reconocido virtuosismo al servicio de sus logradas composiciones antes que al lucimiento y regodeo personal.Y es precisamente allí donde reside el enorme y distintivo atractivo de Toto. Nadie en la audiencia pone en duda o en tela de juicio su profesionalismo y se festeja con creces cada intervención de sus miembros. Pero ellos tienen muy en claro que todo debe apuntar hacia un mismo y único objetivo: que las canciones sean las verdaderas protagonistas de la noche. Y eso fue lo que sucedió desde un comienzo arrollador con el instrumental "Child's Anthem" (perteneciente a Toto, su álbum debut de 1978), seguido del soplo hard rock de "Carmen" y la volcánica versión de "Rosanna", donde el septeto dio su primera muestra de que se estaría ante una auténtica y super poderosa maquinaria instrumental de pop rock al más alto nivel. Con el típico logo del grupo luciendo como telón de fondo y sin apelar a una puesta en escena fastuosa ni a efectos especiales que pudieran desviar la atención, Toto se dedicó a realizar un recorrido retrospectivo por lo más graneado de su discografía con una versatilidad notable. La natural fluidez que denotó para pasar del pop ("Pamela") al reggae ("Mindfields") y del hard rock ("White Sister") al funk ("Georgy Porgy") y de allí saltar hacia las baladas ("I Won't Hold You Back") fue sinceramente asombrosa. Esta situación no sólo ayudó a edificar un concierto por demás entretenido y rico en climas variados sino que además se potenció con la actitud absolutamente descontracturada de los músicos. Los siete integrantes del combo parecen no tener ningún inconveniente en ocultar su sincero deseo de divertirse y divertir sobre el escenario. Y eso, que podría definirse como "onda", es algo que la multitud notó y festejó en innumerables pasajes del show. Si bien en todo momento se mostraron como un equipo tirando juntos hacia un mismo lado, el bajista John Pierce tuvo su momento destacado a través de la irresistible base funky de "Georgy Porgy"; el joven y pelilargo tecladista Dennis Atlas lució su potente y agudo registro vocal en el pasaje de rock duro de "Angel Don't Cry" mientras que el muy aplaudido Greg Phillinganes (asiduo colaborador en álbumes y shows de Michael Jackson, Quincy Jones, Eric Clapton, Stevie Wonder y muchas otras super estrellas) desplegó toda su maestría sobre los teclados dándole el toque soul y jazzero a la jornada. En tanto, Shannon Forrest desde la batería y el veterano multiinstrumentista Warren Ham (vientos, percusión y coros) completaron la escena aportando todo su oficio.Por su parte, y haciendo las veces de maestros de ceremonias e interactuando seguidamente con el público, Joe Williams lo dio todo como vocalista, al tiempo que el histórico Steve Lukather (que entre sus pergaminos figura haber participado en Thriller de Michael Jackson) no sólo exhibió su inocultable simpatía y buen humor sino también su ductilidad, habilidad y exquisito buen gusto desde la guitarra. El clásico "olé, olé, olé, olé, Toto, Totoooo" que partió desde todos los sectores del Campo Argentino de Polo no sólo fue motivo de sorpresa y emoción para los músicos sino que los envalentonó para un sprint final a puro hit y que no dio respiro. Tras el soplo romántico de "I'll Be Over You" (acompañado por las luces de miles de celulares iluminando la noche), se sucedieron uno tras otro "Stop Loving You", "I'll Supply the Love" y los infaltables y certeros "Hold the Line" y "Africa". Con 48 años de trayectoria y más allá de varios cambios de integrantes que afortunadamente no lograron corroer su esencia, más que una banda Toto se erige como muchas bandas en una; una auténtica y contundente orquesta capaz de encarar sin pruritos cualquier estilo musical que se le cruce por delante y de cerrar una velada que había comenzado en horas de la tarde, primeramente con el contagioso warm up a cargo de Alejandro Pont Lezica desde las bandejas y luego a través de la presencia de un invitado muy especial.El turno de Cristopher Cross Ocho años después de su última escala en el país y acompañado por las primeras sombras del anochecer sumadas a una tenue aunque breve llovizna, Christopher Cross se reencontró con el público local para ofrecer un set basado en sus más grandes éxitos, aquel puñado de hits que fueron furor a comienzos de la década del ochenta y que, sin exagerar, lo convirtieron en el auténtico "amo y señor" de las emisoras de FM de aquella época. Si bien Take me as I am, su último álbum de estudio, data de 2017, Cross aprovechó este nuevo desembarco para estrenar un tema: "You", una composición que se encuadra dentro de su reconocido estilo suave y apacible. De todos modos, los clásicos que todos deseaban escuchar no se hicieron esperar. Y así fueron desfilando uno tras otro "All Right", "Never be the Same", "Sailing" y "Arthur's Theme (Best that you can do)" tiñendo la noche de pura nostalgia romántica. Secundado por un atildado cuarteto de piano, batería, bajo y vientos junto a tres elegantes coristas, a sus 74 años el sobrio cantautor oriundo de Texas parece sentirse muy a gusto en esa zona de confort en la que conviven armoniosamente las baladas, el soft rock y los tiempos medios; estilos todos que giran alrededor de melodías delicadas y de su patentado registro vocal cálido y sugerente. Independientemente de la falta de sorpresas y de que el público se encontró con lo que iba a buscar, fue muy celebrado el gesto que Cross tuvo para con la audiencia local al interpretar "Open up my Window", un tema suyo incluido en el álbum Window de 1994, pero con su letra ahora traducida al castellano y bajo el título de "Abro mi ventana". Cantado a dúo junto a una de sus coristas y con el único acompañamiento de una guitarra acústica, dicho pasaje fue uno de los más emotivos y aplaudidos de su presentación, amén del pedido previo del artista: "Por favor, sean amables con mi español", solicitó con un dejo de humor. Luciendo un saco azul y sombrero al tono, el músico abordó el tramo final de su presentación de la mano de "The Light is on", los aires de jazz de "No Time for Talk" y el popular y más rítmico "Ride Like the Wind". De esta manera, Christopher Cross ofició de inmejorable aperitivo para Toto, el "plato fuerte" que seguiría a continuación.