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Con el paso de los años, el guitarrista inglés Andy Summers se convirtió en un pasajero frecuente en los vuelos hacia América Latina. Por la Argentina ha pasado en varias ocasiones. Desde esa primera visita de 1980, con The Police -recordada por su show en el Estadio Obras, aquel día en tiempos de dictadura cuando, desde el escenario, puso un pie sobre el hombro de un policía que hostigaba a una chica que había ido a ver a la banda- hasta sus actuaciones como solista o con su colega Víctor Biglione, y luego el proyecto Call The Police, banda que recorre los grandes éxitos del trío que fundó con Sting y Stewart Copeland.Hay una máxima tanguera y gardeliana que dice: "Y aunque no quise el regreso, siempre se vuelve al primer amor". Andy Summers larga una carcajada al escuchar que esta frase termina con un remate que lo involucra directamente. ¿Acaso las canciones de The Police son como un primer amor? "No. La música es el primera amor -responde a LA NACION de manera rotunda este guitarrista exquisito-. The Police es solo un aspecto de la música que he tocado toda mi vida. Mi propia música es mi primer amor". Por cierto que Summers, a los 82 años, tiene un inventario previo al trío rockero más famoso del mundo y una carrera en solitario posterior que reúne una docena y media de discos, colaboraciones con colegas como Robert Fripp y conciertos que hoy son verdaderos conceptos multimedia, gracias a su vasto trabajo en el campo de la fotografía. Pero también es cierto que le gusta volver sobre aquel repertorio que lo dio a conocer en todo el mundo, entre finales de los setenta y mediados de los ochenta. Y, lejos de buscar a sus viejos compañeros de ruta para esta empresa -el único reencuentro fue la gira mundial 2007/2008- o a músicos británicos que lo acompañen, pone la vista en Sudamérica.De hecho, en 1998 se hizo un compilado de tributo a The Police en español, Outlandos d'Americas, que el mismo comandó y que incluyó a artista latinoamericanos y españoles. En aquellas sesiones que se hicieron en Los Ángeles le hizo una invitación a Gustavo Cerati para una gira que el ex Soda Stereo rechazó porque estaba embarcado en su carrera solista. En cambio, unos quince años más tarde, le propusieron armar el trío con los brasileños João Barone (Paralamas do Sucesso) y Rodrigo Santos (Barão Vermelho). Desde entonces, rearma cada tanto su Call The Police y hace una breve gira de conciertos, como el que tiene agendado para el próximo 27 de febrero, en el ND Teatro. João Barone / Rodrigo Santos) - Synchronicity II (ensaio/rehearsal)">-¿Qué te motivó a formar este grupo que recrea las canciones de The Police?-Llevo muchos años tocando en Sudamérica, particularmente en Brasil. Hicimos diferentes proyectos a lo largo del tiempo. Y el último que se nos ocurrió fue éste, con João y Rodrigo. ¿Cuál es la música más famosa que podemos tocar y que atraiga a más gente? Y obviamente era la de The Police. Comenzamos a hacer este espectáculo y terminamos con la idea de Barone de llamarlo Call The Police, que no es el mejor nombre, pero así es como comenzó casualmente. Tuvo mucho éxito, así que aquí estamos de nuevo. Últimamente nos faltaba volver a Argentina, principalmente por los problemas que hay allí. Es muy difícil entrar.¿Qué ves al momento de hacer retrospectiva de tu vida?-Que he tenido una vida muy buena. He sido muy afortunado. Siempre he tocado música. Siempre he tocado la guitarra, desde los 11 años, y, básicamente, me ha ayudado a superar todo. Creo que soy un tipo afortunado. También tengo la suerte de haber conocido a mi esposa cuando aún teníamos veintipocos años y hemos estado juntos toda la vida. Es una persona maravillosa. Eso ha sido genial. Y luego, por supuesto, entré en una banda, como siempre pensé que debía ser. El resto es historia. Un éxito mundial, por eso seguimos hablando de ello. Soy afortunado. Aunque no creo que exista la suerte. Se trabaja para eso. Desarrollás tu mente para ver adonde está lo correcto. Y debés ser sincero al respecto. Nunca he hecho nada por dinero. Crecí en una época que produjo muchos grandes guitarristas. La idea era unirte a una banda y que un día te volvieras muy famoso. Claro, eso no le pasa a la mayoría de la gente. Y mi historia fue un poco rara porque me llevó un poco más de tiempo. Incluso, me mudé a Estados Unidos y luego regresé al Reino Unido antes de que todo encajara. -Solo por una temporada.-Sí. Regresé a Inglaterra y empecé a tocar en la escena musical de Londres. Era muy bueno. La gente empezó a conocerme rápidamente. Lo extraño fue que estaba empezando a tener bastante éxito por mi cuenta cuando me uní a The Police. No tenía futuro ni dinero, pero había una buena onda. Mi querida esposa me dijo que debería juntarme con estos chicos [Summers es diez años mayor que Copeland y Sting]. -¿Por qué?-Porque pensábamos que lo básico estaba ahí, que el talento estaba ahí.-Volviste a los Estados Unidos pero no perdiste tu acento inglés.-Espero que no. Vivo en Los Ángeles, pero no pierdo mi voz inglesa, y me gusta especialmente mantenerla aquí. -¿Qué se pierde con los años y qué no?-Soy una persona muy pura y sincera. Me mantengo fiel a mis valores. Cuido de mis hijos. Toco la música que quiero tocar. No le he vendido el alma al diablo. No me interesa. No me vendo. Nunca me he unido a una banda comercial ni a nada por dinero. Siempre he tocado como he querido. Lo he demostrado. Me siento como un snob con la música. Siempre me he sentido así.-¿Snob?-Sí, un snob musical [se ríe]. Pero si alguien dice que es un snob musical, más vale que toque muy bien para demostrarlo. No he envejecido en ese sentido. Estoy tocando mejor que nunca. Y justo antes de esta charla estuve improvisando con uno de mis hijos, que toca muy bien la batería. -¿Qué edad tiene?-Tiene 30. Comenzó a los 10 y luego dejó porque se obsesionó con las artes marciales. Él enseña artes marciales. Como tengo un pequeño estudio en casa, al final del jardín, donde hay una batería, durante la pandemia me dijo: "¿Por qué no tocamos juntos?".-Y eso fue muy importante.-No pensé que todavía pudiera interesarle. Se convirtió en algo genial porque tocamos cuatro o cinco veces por semana. Somos como una pequeña banda, tenemos un repertorio de temas. Puede ser un blues, o un cover de Boston o un tema de Coltrane. -¿Hay una perspectiva profesional en eso?-Es solo para pasar el tiempo. Soy yo con mi hijo, creando un vínculo, tocando música. Nunca pensé que esto pasaría. Fue una sorpresa. Disfruto tocando y, además, eso mantiene mis manos ágiles. Lo mismo me pasa cuando toco con Rodrigo y Barone. Son grandes músicos. Rodrigo es un cantante maravilloso. Es muy divertido, nos llevamos muy bien. No hay problemas, simplemente organizamos los conciertos y los hacemos. Espero que podamos llevar un gran espectáculo a Argentina. -Sting estuvo en febrero en Buenos Aires, tocando música de The Police. Copeland vendrá esta semana con su proyecto Deranged para orquesta, también con música de The Police. Si tocan las canciones, ¿por qué no pueden hacer una gira juntos?- No, no es posible. Ya no me interesa tocar con ellos.-Te he visto en redes, cada vez más concentrado en el solo set, con la inclusión de otra de tus pasiones. ¿Cuál es actualmente el lugar de la fotografía?-Bueno, ha sido siempre importante. Empecé a interesarme en los inicios de The Police. Éramos muy populares. Siempre había fotógrafos a nuestro alrededor. Empecé a interesarme por sus cámaras. Fue algo natural. Hoy la gente tiene un celular. Pero en aquella época la gente tenía cámaras y empecé a tomármelo en serio. Recuerdo un día que estábamos en el Hotel Drake de Nueva York cuando me dije: "Voy a ser muy bueno en esto». Y empecé a fotografiar. Salí a las calles de Nueva York a fotografiar y, en cierto modo, a aprender de mis errores. Compré libros, estudié. Conocí a un gran fotógrafo, Ralph Gibson, que me ayudó mucho. Compré una cámara Leica y desde ese momento nunca paré. Nunca me aburrí. He hecho más de 60 exposiciones y muchos libros. Y he tenido una vida muy agradable con esto, porque siempre que viajo, como cuando llego a Argentina, salgo a la calle inmediatamente y empiezo a fotografiar. -Bien entrado ya el siglo XXI, ¿es posible pensar en un concierto solo como un hecho musical y no como un evento multimedia?-Mi espectáculo, que es el que me gusta presentar...-The Cracked Lens + A Missing String...-Ese. Sí, lo he hecho durante los últimos tres años; el último fue en septiembre. Tengo una pantalla gigante y muestro diferentes secuencias de fotografía, y pongo música diferente para cada cosa, y hablo de ello. Hablo mucho con el público. Soy solo yo, sin banda. Es extraño, un poco solitario. Soy solo yo.-"Soy solo yo". ¿Qué se siente en ese momento sobre el escenario? -La verdad que no pienso en eso porque, cuando salgo al escenario, el público tiene más miedo que yo. -¿Por qué? -Porque no están seguros de lo que va a pasar. Por eso les hablo. Les cuento lo que va a pasar. Así se relajan y se dejan llevar. A veces dejo la guitarra y el escenario, camino alrededor. Eso es gracioso. Soy serio con la interpretación, pero es importante también hacer reír al público. Porque eso te une. -Con experiencias así, ¿pensás que la gente necesita más el estímulo visual que el musical?-Quizás necesite más elementos visuales porque vivimos una cultura mucho más visual. Hemos pasado de ser músicos tocando en bandas a todo esto. Todos estamos involucrados en lo multimedia.
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Toto, Christopher Cross y una noche de nostalgia y virtuosismo al servicio de las canciones
La inusitada demanda de localidades para el concierto ofrecido en noviembre del último año en el Movistar Arena, sumada a la falta de disponibilidad de fechas destinada a una segunda función, dejó sin dudas un sabor agridulce en un número importante de fans locales de Toto. Sin embargo, a poco más de un año de aquella última visita y por cierto mucho antes de lo esperado, la agrupación norteamericana regresó a Buenos Aires no sólo para saldar su deuda sino también para redoblar la apuesta mediante un show en un ámbito más amplio y a cielo abierto como lo es el Campo Argentino de Polo. Pero no vinieron solos, esta vez sumaron a Christopher Cross como estelar número de apertura. Que una banda nacida en Los Ángeles en 1977 suscite aún semejante atención por parte del público tanto en Argentina como en el resto del mundo quizás resulte algo sorpresivo para algunos. No obstante, existen datos que avalan y refuerzan dicho interés internacional. Según estadísticas oficiales recientes, Toto no sólo es uno de los artistas más escuchados en Spotify sino que además el 50 por ciento de sus oyentes está por debajo de los 34 años. Eso explica entonces la variedad y amplitud de público que se dio cita en el coqueto predio ubicado en Palermo: familias enteras, parejas, grupos de amigos, seguidores de la primera hora, fanáticos de sus hits ochentosos y, en particular, muchos músicos, algo que respondió al perfil de sus integrantes, todos excepcionales y experimentados sesionistas que colocan su reconocido virtuosismo al servicio de sus logradas composiciones antes que al lucimiento y regodeo personal.Y es precisamente allí donde reside el enorme y distintivo atractivo de Toto. Nadie en la audiencia pone en duda o en tela de juicio su profesionalismo y se festeja con creces cada intervención de sus miembros. Pero ellos tienen muy en claro que todo debe apuntar hacia un mismo y único objetivo: que las canciones sean las verdaderas protagonistas de la noche. Y eso fue lo que sucedió desde un comienzo arrollador con el instrumental "Child's Anthem" (perteneciente a Toto, su álbum debut de 1978), seguido del soplo hard rock de "Carmen" y la volcánica versión de "Rosanna", donde el septeto dio su primera muestra de que se estaría ante una auténtica y super poderosa maquinaria instrumental de pop rock al más alto nivel. Con el típico logo del grupo luciendo como telón de fondo y sin apelar a una puesta en escena fastuosa ni a efectos especiales que pudieran desviar la atención, Toto se dedicó a realizar un recorrido retrospectivo por lo más graneado de su discografía con una versatilidad notable. La natural fluidez que denotó para pasar del pop ("Pamela") al reggae ("Mindfields") y del hard rock ("White Sister") al funk ("Georgy Porgy") y de allí saltar hacia las baladas ("I Won't Hold You Back") fue sinceramente asombrosa. Esta situación no sólo ayudó a edificar un concierto por demás entretenido y rico en climas variados sino que además se potenció con la actitud absolutamente descontracturada de los músicos. Los siete integrantes del combo parecen no tener ningún inconveniente en ocultar su sincero deseo de divertirse y divertir sobre el escenario. Y eso, que podría definirse como "onda", es algo que la multitud notó y festejó en innumerables pasajes del show. Si bien en todo momento se mostraron como un equipo tirando juntos hacia un mismo lado, el bajista John Pierce tuvo su momento destacado a través de la irresistible base funky de "Georgy Porgy"; el joven y pelilargo tecladista Dennis Atlas lució su potente y agudo registro vocal en el pasaje de rock duro de "Angel Don't Cry" mientras que el muy aplaudido Greg Phillinganes (asiduo colaborador en álbumes y shows de Michael Jackson, Quincy Jones, Eric Clapton, Stevie Wonder y muchas otras super estrellas) desplegó toda su maestría sobre los teclados dándole el toque soul y jazzero a la jornada. En tanto, Shannon Forrest desde la batería y el veterano multiinstrumentista Warren Ham (vientos, percusión y coros) completaron la escena aportando todo su oficio.Por su parte, y haciendo las veces de maestros de ceremonias e interactuando seguidamente con el público, Joe Williams lo dio todo como vocalista, al tiempo que el histórico Steve Lukather (que entre sus pergaminos figura haber participado en Thriller de Michael Jackson) no sólo exhibió su inocultable simpatía y buen humor sino también su ductilidad, habilidad y exquisito buen gusto desde la guitarra. El clásico "olé, olé, olé, olé, Toto, Totoooo" que partió desde todos los sectores del Campo Argentino de Polo no sólo fue motivo de sorpresa y emoción para los músicos sino que los envalentonó para un sprint final a puro hit y que no dio respiro. Tras el soplo romántico de "I'll Be Over You" (acompañado por las luces de miles de celulares iluminando la noche), se sucedieron uno tras otro "Stop Loving You", "I'll Supply the Love" y los infaltables y certeros "Hold the Line" y "Africa". Con 48 años de trayectoria y más allá de varios cambios de integrantes que afortunadamente no lograron corroer su esencia, más que una banda Toto se erige como muchas bandas en una; una auténtica y contundente orquesta capaz de encarar sin pruritos cualquier estilo musical que se le cruce por delante y de cerrar una velada que había comenzado en horas de la tarde, primeramente con el contagioso warm up a cargo de Alejandro Pont Lezica desde las bandejas y luego a través de la presencia de un invitado muy especial.El turno de Cristopher Cross Ocho años después de su última escala en el país y acompañado por las primeras sombras del anochecer sumadas a una tenue aunque breve llovizna, Christopher Cross se reencontró con el público local para ofrecer un set basado en sus más grandes éxitos, aquel puñado de hits que fueron furor a comienzos de la década del ochenta y que, sin exagerar, lo convirtieron en el auténtico "amo y señor" de las emisoras de FM de aquella época. Si bien Take me as I am, su último álbum de estudio, data de 2017, Cross aprovechó este nuevo desembarco para estrenar un tema: "You", una composición que se encuadra dentro de su reconocido estilo suave y apacible. De todos modos, los clásicos que todos deseaban escuchar no se hicieron esperar. Y así fueron desfilando uno tras otro "All Right", "Never be the Same", "Sailing" y "Arthur's Theme (Best that you can do)" tiñendo la noche de pura nostalgia romántica. Secundado por un atildado cuarteto de piano, batería, bajo y vientos junto a tres elegantes coristas, a sus 74 años el sobrio cantautor oriundo de Texas parece sentirse muy a gusto en esa zona de confort en la que conviven armoniosamente las baladas, el soft rock y los tiempos medios; estilos todos que giran alrededor de melodías delicadas y de su patentado registro vocal cálido y sugerente. Independientemente de la falta de sorpresas y de que el público se encontró con lo que iba a buscar, fue muy celebrado el gesto que Cross tuvo para con la audiencia local al interpretar "Open up my Window", un tema suyo incluido en el álbum Window de 1994, pero con su letra ahora traducida al castellano y bajo el título de "Abro mi ventana". Cantado a dúo junto a una de sus coristas y con el único acompañamiento de una guitarra acústica, dicho pasaje fue uno de los más emotivos y aplaudidos de su presentación, amén del pedido previo del artista: "Por favor, sean amables con mi español", solicitó con un dejo de humor. Luciendo un saco azul y sombrero al tono, el músico abordó el tramo final de su presentación de la mano de "The Light is on", los aires de jazz de "No Time for Talk" y el popular y más rítmico "Ride Like the Wind". De esta manera, Christopher Cross ofició de inmejorable aperitivo para Toto, el "plato fuerte" que seguiría a continuación.
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Los "one hit wonders argentinos": de "Radio Venus" a "Héroes anónimos", 9 canciones que recordamos todos
Existen infinidad de bandas y solistas que aún con altibajos logran construir una sólida carrera basada en una discografía de muy buena factura. Y a su vez, todo eso queda cimentado fundamentalmente por un conjunto de canciones que al perdurar en el tiempo y en el espacio se convierten en lo que conocemos como éxitos o clásicos. En tanto, del otro lado de esta historia figuran también aquellos que por diferentes circunstancias y situaciones, y a pesar de su esfuerzo, esmero y dedicación, lamentablemente no alcanzan los objetivos planteados en un principio ni el interés deseado y se pierden en el olvido. Sin embargo, entre ambos extremos emerge una categoría o estadio intermedio en el que se ubican los llamados One Hit Wonders. Esto hace referencia a ciertos grupos y artistas en solitario que tras el contundente impacto provocado por un tema en particular (mayormente al inicio de sus carreras) nunca más llegan a superarlo o al menos igualarlo con otra nueva composición, trayendo muchas veces como consecuencia trayectorias efímeras o abruptas y sorpresivas separaciones. Se trata de canciones aparecidas en el momento y en el lugar indicados, que desde que se dieron a conocer y que por alguna razón en especial (el contenido de su letra, la melodía, el riff de guitarra o un estribillo pegadizo e irresistible) continúan generando en el inconsciente colectivo un sentimiento, una reacción o una sensación única, positiva, inexplicable y quizás nostálgica que perdura hasta el presente y que se reaviva cada vez que se las escucha. Por supuesto, estamos ante la presencia de un fenómeno internacional, que no conoce de fronteras ni de barreras y en el cual Argentina no está exenta. Por tal motivo, y sin pretensiones concluyentes, absolutas ni definitivas, aquí compartimos un listado (incompleto y arbitrario, por cierto) de 9 One Hits Wonders del rock local. "La gente del futuro" (1981), Miguel Cantilo y PunchComo parte de En la jungla, segundo álbum de estudio del grupo lanzado en 1981, este tema rápidamente se convirtió en un gran éxito gracias a su constante difusión radial. Sin embargo, el proyecto liderado por Miguel Cantilo tras varios años de exilio en España claudicó muy rápidamente. Su intento por colocar al rock argentino en sintonía con lo que sucedía en el resto del mundo a través de la new wave no sólo fue rechazado e incomprendido a nivel general sino que no despertó (a excepción de unos pocos) el más mínimo interés por parte de un público en aquel momento más habituado y familiarizado con el folk, el rock sinfónico, el jazz-rock y con propuestas de mayor elaboración como Serú Girán y Spinetta Jade. Poco tiempo después, y ante semejante situación, Cantilo se reencontró con Jorge Durietz para dar nueva vida al dúo Pedro y Pablo, mientras que Punch terminó disolviéndose. No obstante, "La gente del futuro" quedó como su canción insignia y sus ecos perduran hasta hoy."Para tocar rock & roll" (1981), Dulces 16 Efímera aunque contundente agrupación cultora del más puro rock and roll, rock sureño y blues que tuvo su cuarto de hora a través de "Para tocar rock & roll", un gran hit de principios de los ochenta. Con el experimentado guitarrista Gabriel "Conejo" Jolivet entre sus filas y el respaldo inicial de ilustres figuras como Charly García, Luis Alberto Spinetta y David Lebón, el quinteto grabó dos álbumes, Dulces 16 (1981) y En el medio de la ciudad (1983), pero tras problemas internos decidió separarse. "Radio Venus" (1982), Los Helicópteros Pioneros del llamado "rock divertido" (escena musical que poco tiempo después tendría a Los Twist como máximo exponente), Los Helicópteros sacudieron el ámbito local mediante su estilo de pop-rock liviano, bailable y descontracturado. Con el vocalista y guitarrista Uki Goñi al frente y luciendo un atildado look new wave de sacos y corbatas finitas, el cuarteto obtuvo su mayor logro a través de "Radio Venus", un tema muy pegadizo, de alto impacto y dueño de una letra absolutamente delirante que giraba en torno a una supuesta invasión extraterrestre. Primer corte de difusión de Música pep, su ópera prima aparecida en 1982, el tema en cuestión fue apoyado por un recordado e hilarante videoclip con toques humorísticos."Hasta que salga el sol (tocando en una banda de rock 'n' roll)" (1982), Orions Tras una primera etapa comprendida entre los años 1968 y 1977 bajo la denominación de Orion's Beethoven, el grupo retomó su actividad en 1981 rebautizándose simplemente como Orions. Un año después, dejando de lado sus influencias sinfónicas y volcándose hacia un rock más directo, la banda comandada por los hermanos Adrián y Ronan Bar lanzó Volando alto, su tercer álbum. Este trabajo alcanzó una notable repercusión gracias a varios temas aunque en particular por el éxito de "Hasta que salga el sol", una canción con un estribillo muy arengador que no sólo se transformó en una de las más populares del rock argentino de principios de los ochenta sino también en un emblema de la cuarta edición del mítico festival B.A.Rock celebrado a cielo abierto en el club Obras Sanitarias durante noviembre de 1982."Debajo del puente" (1984), Ariel Rot Un año después de la separación del célebre grupo español Tequila, ocurrida en 1983 y en donde se desempeñaba como guitarrista, el cantautor argentino Ariel Rot inició una carrera solista que pronto se vio interrumpida cuando junto a Andrés Calamaro creó Los Rodríguez. Sin embargo, de ese breve período en solitario (que luego retomaría en 1997) cabe destacar la más que aceptable recepción obtenida por "Debajo del puente", un tema incluido en su primer álbum de idéntico nombre y que vio la luz en 1984.Caracterizada por un atmósfera densa y algo misteriosa, la canción en cuestión invitaba al oyente a sumergirse en el lado oscuro, allí donde suceden cosas que uno ni imagina y la vida cobra muy poco valor. "Debajo del puente" le permitió a Rot darse a conocer más en profundidad ante el público argentino gracias a una constante difusión radial y frecuentes apariciones televisivas. En 2013 grabó una nueva versión del tema que apareció en el disco La huesuda, aunque pasó desapercibida para el público en general y con un impacto notablemente menor al generado por la original."Hu na na" (1985), Cosméticos Bajo la producción de Julio Moura (Virus), el quinteto encabezado por el vocalista Julio Breshnev (posteriormente miembro de Vetamadre) debutó discográficamente en 1985 de la mano de Cosméticos. Cultor de estilos como la new wave y el pop rock, la agrupación pronto captó la atención general con un puñado de canciones muy atractivas y un llamativo vestuario. No obstante, fue "Hu na na", una simple pero efectiva balada pop la que logró catapultarla entre las principales animadoras de la movida pop local de mediados de los ochenta. Un año después del lanzamiento de su segundo álbum, Cambios en la imagen (1986), Cosméticos se disolvió."En la cama" (1985), Frappé Dúo pop conformado por Javier Calamaro y Hernán Reyna que en 1985 grabó Frappé, un único álbum de estudio con producción artística del propio grupo junto a Andrés Calamaro. Si bien lograron que "En la cama", un tema con todos los condimentos para convertirse en hit, tuviera una enorme difusión radial, el proyecto no prosperó. Ambos músicos luego probaron suerte con otra banda orientada hacia el dark pero de muy breve vida llamada El Corte. Acto seguido, Reyna inició una carrera solista mientras que Javier Calamaro uniría fuerzas con Daniel "Gitano" Herrera para llevar adelante las riendas de Los Guarros."Héroes anónimos" (1986), Metrópoli Si bien muchos conocen este tema a través de la enérgica versión grabada por Catupecu Machu en su álbum en vivo A morir!!! (1998), lo cierto es que "Héroes anónimos" posee una historia previa que data de 1986. Ese año vio la luz Viaje al más acá, segundo álbum de estudio de Metrópoli, en el que destiló una importante madurez respecto de Cemento de contacto, su debut de 1985, aunque siempre conservando su aura de pop fino y elegante. Entre las ocho canciones que habitaron aquel disco, sin dudas la que sobresalió y llevó a la banda a un momento de gran popularidad fue "Héroes anónimos". Compuesta por Ulises Butrón e Isabel de Sebastián, y con una identificación en el público que se mantiene hasta el presente por la actualidad de su mensaje, la misma asoma como una especie de tributo u homenaje a la fortaleza de muchos hombres y mujeres y a la constante lucha por encontrar sentido y compañía en un mundo a menudo caótico y solitario. Mientras comenzaban a esbozar ideas para su tercer álbum, Butrón fue convocado por Miguel Mateos para sumarse a ZAS como guitarrista. En tanto, poco tiempo después De Sebastián emigró a Estados Unidos con el objeto de dar sus primeros pasos en plan solista, lo que terminó por poner punto final a la historia de Metrópoli. Una historia que en octubre último celebró sus 40 años mediante un emotivo show de reencuentro en el ND Teatro y en el que además se honró la memoria de Ulises Butrón, fallecido en 2019."Final Marruecos" (1987), Duna Navegando entre las aguas de la new wave y el post punk y montado a una estética un tanto oscura en la línea de bandas como La Sobrecarga y Fricción, Duna debutó discográficamente en 1987 con un álbum homónimo y que entre su material contaba con el hit "Final Marruecos". Su amplia difusión radial sumada a la alta rotación de su respectivo y logrado videoclip lo convirtieron en uno de los mejores temas de ese año y le permitió al grupo telonear a los británicos The Bolshoi en el Estadio Obras.Luego de la aparición de su segundo disco, Un grito más (1989), la banda se separó por diferencias personales. A comienzos de la década del noventa, tres de sus exintegrantes volvieron al ruedo como Los Abejorros. En 2014, Duna regresó a los escenarios con un nuevo álbum, Claroscuro, y desde ese momento se mantiene activo.
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Día Nacional del Tango: 10 canciones para celebrarlo
El Día Nacional del Tango se conmemora el 11 de diciembre de cada año. Se trata de una fecha dedicada a celebrar este género musical, patrimonio de la Argentina. Este día destaca el rol de este movimiento artístico en la cultura popular e historia del país, en recuerdo al nacimiento de dos emblemas de esta expresión melódica: Carlos Gardel y Julio de Caro. El tango fue declarado en 2009 como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.¿Por qué se celebra hoy el Día Nacional del Tango?Fue Ben Molar, un reconocido autor, compositor, productor musical y promotor artístico argentino, quien propuso en 1977 crear una jornada para celebrar al tango. La fecha fue elegida en honor a Carlos Gardel y Julio de Caro, quienes por coincidencia cumplían años en el mismo día.Carlos Gardel, bautizado como "El Zorzal Criollo", nació el 11 de diciembre de 1890 en Toulouse, Francia. Sin embargo, vivió gran parte de su vida en la Argentina, donde desarrolló su talento musical. Fue cantante, compositor y actor, con más de 600 canciones en su haber. Murió a los 45 años el 24 de junio de 1935 en un accidente aéreo en Medellín, Colombia. Julio de Caro también nació el 11 de diciembre, pero de 1899 en Buenos Aires. Se dedicó a la música como violinista y director de orquesta. Es por ello que participó en la creación de algunas de las piezas de tango más importantes de la historia, lo que le permitió dejar una impronta personal que destaca por el refinamiento y elegancia del género. Falleció el 11 de mayo de 1980 en Mar del Plata a los 81 años.10 canciones para celebrar el Día del TangoLa Argentina cuenta con grandes piezas de este género musical, que han quedado en la memoria colectiva y poseen un valor histórico y cultural relevante. Se trata de canciones que son recordadas en la actualidad a nivel internacional, muchas de las cuales han sido reversionadas por otros intérpretes:"Por una cabeza"Por Una Cabeza - Carlos GardelEs una obra de Carlos Gardel y Alfredo Le Pera, compuesta en 1935 en Nueva York. Se convirtió en un himno del tango que logró arribar a la pantalla grande, lo que impulsó su fama global."Nostalgias"Compuesta en 1935 por Enrique Cadícamo y Juan Carlos Cobián, su letra aborda el desconsuelo por un amor perdido y el intento desesperado por olvidar. Su melodía melancólica acompaña su trama triste."Mi Buenos Aires querido"Interpretada por Gardel en 1934, esta canción retrata la Ciudad de Buenos Aires como un símbolo cultural al contar las historias entre los inmigrantes y ciudadanos de la Capital Federal. Se convirtió en un símbolo del tango a nivel global."Volver"Carlos Gardel - Volver (Lyric video) HQ Audio (720p).mp4Carlos Gardel y Alfredo Le Pera escribieron esta obra en 1934, que se convirtió en un clásico del género. Explora el retorno a los orígenes, el lugar de pertenencia y la memoria. "Qué me van a hablar de amor"Compuesta por Homero Expósito y Héctor Stamponi e interpretada por Julio Sosa, es un claro ejemplo del estilo melancólico del tango de la época. Su letra habla sobre el amor y la pérdida."El día que me quieras"Carlos Gardel - El Día Que Me Quieras (Letra-lyrics) [Hq]Es sin dudas uno de los tangos más famosos de Gardel, lanzado en 1935. Con la composición de Alfredo Le Pera, posee una melodía sensible y romántica que habla sobre un amor idealizado, el deseo y esperanza."Yira, Yira" Carlos Gardel - Yira Yira (Video Oficial)Compuesto en 1929 por Enrique Santos Discépolo, habla de la desilusión global, el desconsuelo e injusticia. Gardel interpretó este hit en 1930 y se convirtió en un símbolo de desencanto social de ese entonces. "La Cumparsita"Esta pieza de Gerardo Matos Rodríguez y Pascual Contursi fue creada en 1916, con un notable estilo nostálgico. En 2009, fue incluida en el "Cultural Heritage of Humanity" de la UNESCO."Malena"Este famoso tango fue compuesto en 1941, con letra de Homero Manzi y música de Lucio Demare. Se estrenó con la orquesta de Demare en la boite Novelty con la interpretación de Juan Carlos Miranda, y se popularizó cuando apareció en la película El viejo Hucha. Esta canción cuenta con una gran variedad de versiones, como la Roberto Goyeneche con la Orquesta Típica Porteña y las grabaciones de Aníbal Troilo."Caminito"Este clásico fue compuesto en 1926 por Juan de la Cruz e interpretada por Gardel, con quien se popularizó. Bajo un ritmo lúdico que refleja elementos de la milonga, que expresa el sentimiento nostálgico de la cultura de barrioporteño.
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Dolly Parton, la mujer que escribió cientos de canciones de amor pero tuvo que casarse a escondidas
Es, posiblemente, la mujer que más escribió sobre el amor. Sin embargo, a la hora de vivir su propia historia, Dolly Parton tuvo que hacerlo a escondidas. Conocida por ser una de las grandes referentes de la música country, la dueña de hits como "9 to 5", "Jolene" o "I Will Always Love You" (tema que se convirtió en un éxito mundial de la mano de Whitney Houston) se ha caracterizado por compartir con su público cada aspecto de su vida menos uno: su matrimonio con su esposo Carl Dean.Considerada un icono por donde se la mire, no hay mucho que no sepamos sobre la vida de esta mujer, cantante, actriz, escritora y empresaria que supo captar la atención del público a fuerza de talento, belleza y carisma. Sin embargo, detrás de sus pelucas, trajes deslumbrantes y premios Grammy, hay una persona que la conoce más que nadie y ese es su amado esposo, el hombre que le ha servido de inspiración para temas como "From Here to the Moon and Back" y "Forever Love".Silvia Pérez prueba la convivencia con su novio, después de 10 años de parejaDe mundos totalmente opuestos (a ella le fascinaba el glamour, la purpurina y las luces de Hollywood, mientras que él era un chico sencillo y de bajo perfil que huía del foco mediático), los tortolitos se cruzaron de casualidad y se enamoraron perdidamente. Y si bien su historia de amor siempre estuvo catalogada como una de las más románticas del ambiente, lo cierto es que al principio su relación no fue nada fácil: la pareja tuvo que ocultar su romance durante un largo tiempo y hasta casarse en secreto debido a ciertas cláusulas del sello discográfico que manejaba la carrera de la cantante por aquel entonces. Hoy, 57 años después, nada parece haber cambiado. El matrimonio sigue tan enamorado como siempre y, sobre todo, muy lejos de los flashes.Amor a primera vistaNacida el 19 de enero de 1946 en Sevierville, Tennessee, Dolly Rebecca Parton terminó el secundario y se mudó a Nashville para cumplir su sueño de convertirse en una estrella de la música country. "Siempre quise ser una estrella y para una estrella, Nashville era el mundo", le confesó al New York Times allá por 1976. Obnubilada por la gran ciudad, la joven aspirante a cantante nunca imaginó que en ese primer día se lo cruzaría a él: Carl Dean, el hombre que se convertiría en el amor de su vida hasta la actualidad.La manera en que su relación comenzó podría ser perfectamente la letra de cualquier canción romántica. El encuentro se produjo de pura casualidad afuera de la lavandería Wishy Washy. "He venido a Nashville con ropa sucia, tenía tanta prisa por llegar aquí. Después de poner mi ropa en la máquina, empecé a caminar por la calle y este tipo me gritó desde su camioneta. Yo saludé. Al ser del campo, hablaba con todo el mundo", recuerda, entre risas, la compositora de Hello, I'm Dolly sobre el día que se cruzó por primera vez a su marido.El flechazo fue tan fuerte que Parton reconoce haber sentido una conexión instantánea desde un primer momento. "Estaba sorprendida y encantada de que mientras me hablaba, me miraba a la cara, una cosa rara para mí. Parecía estar genuinamente interesado en descubrir quién era yo y de qué iba", confesó sobre qué fue lo que más la atrapó de este misterioso hombre.Y aunque la historia empezó de una manera un tanto extraña, la joven recién llegada del pueblo no quiso perderse la oportunidad de vivirla. "No es frecuente que alguien pueda decir que su vida cambió para siempre en un lugar llamado Wishy Washy. Acababa de graduarme de la secundaria, había dejado dos novios en casa y no tenía intenciones de encontrar otro. Sólo quería trabajar en mi música. No quería que ningún chico, ningún hombre, ni nadie me desviara. Entonces, ¿qué estaba haciendo el primer día?", se cuestionó aunque inmediatamente lo invitó a la casa de sus tíos, donde ella se alojaba. View this post on Instagram "Mi primer pensamiento fue: 'Me voy a casar con esa chica'. El segundo fue: 'Señor, ella es guapa'. Y ese fue el día en que comenzó mi vida. No cambiaría los últimos 50 años por nada en esta tierra", revelo el hombre que -tras visitarla todos los días durante una semana- la invitó a una primera cita oficial. "Él quería llevarme a cenar. Se detuvo en la ventanilla del autocine y compró nuestra comida en Mcdonald's", reveló la actriz con un dejo de nostalgia, en 2018.Poco después de comenzar su relación, Dean se alistó en el ejército, pero ellos se mantuvieron en contacto durante sus dos años de servicio. A su regreso, los enamorados decidieron casarse, a lo que Monument, el sello discográfico que manejaba la carrera de la artista por aquellos años, se opuso rotundamente. Al parecer, los productores temían que su matrimonio afectara negativamente su profesión. "Todos en mi sello habían invertido dinero en mí y en la construcción de mi carrera, por lo que me preguntaron si esperaría un año para casarme (â?¦) Yo no tenía la intención de encontrar a nadie, pero ya sabes cómo va el amor", contó confirmando los rumores.Mujer de armas tomar, Parton desoyó el pedido de los empresarios y se escapó junto a su novio para sellar su amor del otro lado de la frontera. El 30 de mayo de 1966, la pareja se casó en secreto en una capilla de Ringgold, Georgia, a la que solo asistieron la madre de Dolly, Avie Lee, el pastor Don Duvall y su esposa. "Fuimos ese mismo fin de semana a una pequeña iglesia en Ringgold. Tenía un simple vestido blanco y poquitas flores, y mi madre se fue conmigo", recordó la estrella estadounidense sobre uno de los días más importantes de su vida. View this post on Instagram Durante más de un año, la pareja ocultó su nuevo estado sentimental. Evitaban ser vistos en público y propiciar cualquier rumor que los pudiera unir. Será por eso que cuando finalmente hicieron su matrimonio oficial nadie podía creerlo. Contra todos los pronósticos, la carrera de Parton despegó a escalas inimaginables, no sólo convirtiéndose en "la reina del country" sino en una de las actrices más convocadas de la pantalla grande.Un matrimonio bajo perfilA pesar de estar casado con una de las máximas referentes del cine, la música y la televisión de la época, Carl Dean siempre dejó en claro que quería mantenerse alejado del estilo de vida de una celebridad. "Te amo y te apoyaré en tu carrera de cualquier manera que pueda, pero nunca me pidas que vaya a otra de esas malditas cosas otra vez", le advirtió el director de una compañía de pavimentación a su mujer después de asistir a una entrega de premios. A pesar de que los fans pueden reconocerlo por la portada del álbum My Blue Ridge Mountain Boy, el hombre sigue evitando las alfombras rojas y casi nunca se fotografía junto a su esposa.Dicen que "los opuestos se atraen" y en este caso esa premisa encaja a la perfección. "Somos completamente opuestos pero eso es lo que lo hace divertido. Nunca sé lo que va a decir o a hacer. Siempre me sorprende", confesó la protagonista de Cómo eliminar a su jefe dando cuenta de que es lo que más la atrapa de su hombre. En cuanto a cómo toma su sencillez y bajo perfil, la nominada 47 veces a los Grammy expresó: "Mi marido es solitario. Siempre me ha pedido que lo deje fuera de todo esto. No le gusta el alboroto".Es así como, desde el primer día que se conocieron, este matrimonio decidió construir su intimidad lejos de los flashes. "Nos gusta meternos en nuestra pequeña burbuja y ser simples. A mí me encanta leer, cocinar, estar con mi marido. Me pongo mi ropa cómoda (la llamo mi ropa de bebé) y simplemente nos relajamos (â?¦). Me casé con un hombre realmente bueno, un tipo que es completamente diferente a mí. Le encanta escuchar sobre las cosas que hago. Me encanta escuchar sobre las cosas que hace. Así que disfrutamos de la compañía del otro. Nos llevamos bien", aseguró.Al parecer, esta fórmula les ha funcionado a la perfección, ya que no sólo cada uno se ha desarrollado profesionalmente con éxito en lo suyo, sino que ya llevan 55 años juntos. "Él es como un hermano, un padre, un amigo, un marido y un amante para mí (â?¦). Nos gustamos, nos respetamos, siempre lo hemos pasado bien", reconoció durante una aparición en Good Morning Britain.Tal es el amor y cariño que se tienen que, con motivo de su 50 aniversario, la pareja decidió renovar sus votos matrimoniales el 30 de mayo de 2016. "Voy a tener un hermoso vestido de novia porque no tuve uno grande y largo cuando nos casamos y tenemos un traje para él, así que vamos a vestirnos y a tomar un montón de fotos", reveló mientras organizaba una celebración totalmente diferente a la primera boda.Sin hijosA pesar de que este matrimonio ha demostrado ser sólido por donde se lo mire, hay algo que siempre intrigó a la prensa y a los seguidores de la diva estadounidense: la decisión de no tener hijos. Y si bien la actriz y cantante se mostró arrepentida en más de una oportunidad, con el tiempo buscó explotar su faceta maternal a través de su fundación, por la que ha sido homenajeada en más de una oportunidad."Dios tiene un plan para todo", repetía casi como un mantra cada vez que le preguntaban por sus ganas de ampliar la familia. Sin embargo, con el tiempo Parton logró entender el motivo por el cual nunca se convirtió en madre. "Al principio, cuando mi marido y yo estábamos saliendo (y luego cuando nos casamos), supusimos que tendríamos hijos. No estábamos haciendo nada para detenerlo. Incluso hasta teníamos los nombres, pero no resultó. Ahora pienso que Dios no quiso que tuviera hijos para que los hijos de todos pudieran ser míos", reflexionó, quien ha logrado acercarse a los más pequeñitos desde su costado solidario.Lo cierto es que para los niños, esta mujer-que ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo- es más conocida como "book lady" que por su trayectoria. Este apodo se debe a su fundación creada en 1995, la Dolly Parton's Imagination Library, encargada de hacer llegar libros a niños desde su nacimiento hasta los cinco años. "Para cuando van al colegio y aprenden a leer, todos estos niños poseen una pequeña biblioteca infantil en casa para sembrar la afición por la lectura", explicó Parton sobre este programa que comenzó en Sevierville, Tennessee y tuvo un claro inspirador: Robert Lee Parton, su padre. View this post on Instagram "Mi padre nació en una familia de 14 hijos, no pudo ir al colegio, y aunque era muy inteligente, no sabía leer ni escribir", contó sobre quien se involucró en esta iniciativa junto ella. Hoy, 26 años después, este proyecto se extendió al resto de Estados Unidos y acaba de alcanzar los más de 100 millones de libros donados. View this post on Instagram Rumores de infidelidadDicen que "de los cuernos nadie se salva" y, al parecer, ellos tampoco serían la excepción. Si bien son una de las parejas más estables y duraderas de Hollywood, los rumores de infidelidad han rondado el matrimonio en más de una oportunidad, aunque ellos nunca se pronunciaron al respecto.Las primeras especulaciones surgieron en 1973, cuando Dolly lanzó su exitosa canción "Jolene", que fue tan popular que más tarde se convirtió en el título de su decimocuarto álbum de estudio. La letra de la pegadiza melodía -que describe a una hermosa y joven mujer pelirroja llamada Jolene- inmediatamente desató dudas sobre una posible relación extramatrimonial de su esposo Carl.Lejos de desmentir estas versiones, la propia compositora uso este "mito" para jugar en sus shows a través de comentarios como "le prohibí a Carl que fuera al banco donde trabaja Jolene", algo que el público recibía con mucha gracia. Sin embargo, en los últimos años la dueña de Dollywood (un parque temático donde suele hacer sus conciertos) decidió desestimar el rumor y reveló una inspiración mucho menos escandalosa para la famosa canción. Según The Independent, Jolene es en realidad una niña que la artista conoció en uno de sus shows y prometió escribir una canción sobre ella, porque tenía "el nombre más bonito" que había escuchado. No se sabe qué historia es realmente cierta pero al ver el amor y respeto que se tiene esta pareja, la primera versión es difícil de creer.Ahora bien, Dean no fue el único señalado como infiel a lo largo de los años. Luego de que la escritora confesara en su libro Dolly on Dolly: Interviews and Encounters With Dolly Parton que su matrimonio era "totalmente abierto", las especulaciones sobre un affaire que la devastó por completo se pusieron en marcha. "Lloré un océano pero no voy a hablar más de ello. Tengo que mantener un poco de misterio", lanzó sin revelar la identidad del supuesto amante.Aunque este no fue el único hecho en el que estuvo involucrada. Debido a su gran compromiso con los derechos de la comunidad LGBTIQ, también se ha insinuado cierta aventura lésbica con su amiga Judy Ogle, de quien siempre se ha mostrado inseparable. Sin embargo, en este caso, la productora decidió dejar el misterio de lado y negar fervientemente todo tipo de romance. "¿Así que la gente dice eso? ¿Por qué realmente no se puede tener una gran relación con una mujer? No soy gay, pero tengo muchos amigos que sí lo son. Judy y yo hemos sido mejores amigas desde que éramos niñas. Nuestros padres se conocían, crecimos juntas, éramos como hermanas, nos hicimos mejores amigas", aclaró en una entrevista con The Sun.La clave para ser eternosLo cierto es que un matrimonio como el de Parton y Deal es casi inaudito en Hollywood, un lugar donde las relaciones se caracterizan por ser frívolas y efímeras. Ahora bien, ¿cuál es el secreto para seguir juntos en el tiempo y, sobre todo, con la chispa del primer día? Tras reconocer que todo el mundo le pregunta lo mismo, la estrella de los escenarios confesó que "la independencia" y "darse espacio en la pareja" es clave para perdurar en el tiempo. "Siempre bromeo y me río cuando la gente me pregunta cuál es la clave de mi largo matrimonio. Yo siempre digo: '¡no te acerques!' y hay mucha verdad en eso. Yo viajo mucho, pero realmente disfrutamos el uno del otro cuando estamos juntos y las pequeñas cosas que hacemos", señaló quien a causa de sus giras ha estado fuera del hogar con frecuencia."Él está loco y yo estoy loca. Nos reímos mucho y creo que esa ha sido una de las partes más preciosas de nuestra relación (â?¦). Pero, sobre todo, tienes que respetarte y gustarte, perdonar muchas cosas y aceptar muchas otras", le confesó ya con un tono más serio a US Weekly.Lo cierto es que esta pareja está en el top five de los ejemplos a seguir y, día a día, sigue sorprendiendo con sus muestras de cariño y amor incondicional. De hecho, hace poco la actriz que cumplió 75 años decidió hacerle un regalo especial a su esposo, que luego compartió en las redes sociales con todos sus seguidores.En octubre de 1978, Parton protagonizó una de las portadas más recordadas de la revista Playboy en la que se la podía ver con un atuendo de conejita. 43 años después, la rubia volvió a ponerse el disfraz para sorprender a su marido." ¿Recuerdan que en algún momento dije que iba a posar en la revista Playboy cuando tuviera 75 años? Bueno, tengo 75 y ya no existe esa maravillosa revista, pero a mi esposo siempre le gustó la portada original, así que estaba tratando de pensar en algo para hacerlo feliz ", comentó la intérprete en un video que no paraba de acumular likes. View this post on Instagram "Él todavía piensa que soy una chica sexy después de 57 años juntos, y no voy a intentar disuadirlo de eso", bromeó mientras le cantaba. "En la primera, era una especie de porción de mantequilla. Ahora soy queso en tiras, pero probablemente mi marido pensará que soy queso crema, eso espero", remató ante los comentarios cómplices de sus fans.
Rancheras, pasodobles y foxtrots. Glosas de canciones escritas por un "gran olvidado" de las letras argentinas: Enrique González Tuñón
La corta vida de Enrique González Tuñón, hermano mayor de Raúl González Tuñón, estuvo signada por el periodismo. Muchos de sus libros (publicados por el perspicaz editor Manuel Gleizer) son recopilaciones de crónicas escritas para medios gráficos. El primero, Tangos, con glosas y comentarios de composiciones publicadas en una sección fija del diario Crítica, guarda relación con Canciones de moda (La Docta Ignorancia, $ 40.000), que se presentará este miércoles a la tarde en la sede de la Academia Argentina de Letras (Sánchez de Bustamante 2663). Zambas, foxtrots, shimmys, rancheras, pasodobles y valses son algunas de las canciones que inspiraron a González Tuñón -autor de un homenaje a Ricardo Güiraldes y de una de las primeras "novelas de dictadores"- para su original columna semanal. El autor nació en Buenos Aires el 10 de marzo de 1901 y murió (como Roberto Arlt) a los 42 años, el 9 de mayo de 1943, en Cosquín."Rubiecita del Liceo, muchachita carriegana que también como aquella que fue la pálida amante, la primera, de aquel muchacho periodista, llenas con tu pollera corta y tu gracia ingenua bajo la pamela de liquidación las 19 horas aburridas del centro, cuando el crepúsculo insinúa una presencia nocturna y las bocas del subterráneo vomitan la inmensa caravana de los que cansados regresan a sus casas, las lejanas casas de alquiler pobre, después de la jornada cruel y agotadora", se lee en la glosa e interpretación de "Rubiecita del Liceo", canción con letra y música de Armando Ferrett.El comentario sobre el célebre vals porteño "Yo no sé qué me habrán hecho tus ojos", que Francisco Canaro compuso para la actriz y cantante Ada Falcón, su amor prohibido, comienza así: "Desde que apuntaban las primeras claridades del amanecer, el tipo sólo vivía con una preocupación. La preocupación cotidiana de encaminar sus pasos cansados y su eterna desesperanza hacia el mismo rincón humilde del suburbio, donde algún día -¡qué lejos estaba ese día!- había conocido la felicidad a través de la mirada de unos ojos profundos, negros y amorosos".La edición, notas y glosario de lunfardismos de Canciones de moda estuvo a cargo de la profesora e investigadora Daniela Lauria y el escritor y académico Oscar Conde; este último también es autor de la introducción. "Canciones de moda está integrado por cuarenta y una glosas que fueron publicadas por Enrique González Tuñón entre 1925 y 1931 en la página de tango que incluía el vespertino Crítica por aquellos años -dice Conde a LA NACION-. Durante todo ese tiempo, Tuñón publicaba cada semana una nota escrita sobre la base de la letra de una canción, las más de las veces, por obvias razones, un tango. Normalmente ese texto era un relato amplificado de aquello que contaba la letra: el autor les daba nombres a los personajes, les creaba mínimas biografías, los ubicada geográficamente y contaba la historia agregando detalles. Con veintiún textos seleccionados de entre ese material publicó en 1926 su primer libro: Tangos". "Pero de a poco este experimento literario empezó a aplicarlo también para contar en prosa letras de valses, de rancheras, de zambas, de pasodobles -agrega el escritor y académico-. Lo que hicimos con Daniela Lauria en esta ocasión fue reunir todos esos textos que no se refieren a letras de tangos y servirnos de una volanta que Tuñón usó en Crítica más de una vez cuando su glosa no estaba referida a un tango: 'Canciones de moda'. Nos pareció un muy título para 'inventar' un nuevo libro de este gran escritor hoy casi olvidado. El recorte del contenido posibilita que en este volumen se dé cuenta de cuarenta y una canciones que fueron populares en nuestro país un siglo atrás. Aun en una época donde indudablemente reinaba el tango, estos otros géneros de música popular también tenían su lugar en el gusto del público". Conde señala que más de cien glosas de tangos aún no han sido reunidas en libro.La presentación del libro en la sede la AAL estará a cargo de la profesora y académica Dulce Dalbosco y del escritor y académico Eduardo Álvarez Tuñón, sobrino nieto de Enrique. La cantante Denise Sciamarella y la bandoneonista Cindy Harcha pondrán música al encuentro, que interpretarán "canciones de moda" y el único tango que escribió González Tuñón con Nicolás Olivari y que nunca fue grabado: "Tengo apuro"."El libro Canciones de moda tiene algo de milagroso -dice Álvarez Tuñón a este diario-. Conde y Lauria descubren, y el verbo no es injustificado, aquello que muchos de nosotros ignorábamos: las glosas que mi tío abuelo, Enrique González Tuñón, escribió para el diario Crítica, referidas a canciones populares que, en verdad, no son tangos. Desfilan relatos breves inspirados en las letras de los pasodobles, foxtrot, polcas, shymmis e incluso zambas de moda en aquellos días, textos de estructura narrativa que a veces se apartan de las anécdotas que reflejan las letras y a veces las recrean con finales diversos y personajes que se elevan y crecen más allá de la canción".Para Álvarez Tuñón, el libro muestra "una faceta distinta y desconocida" del autor, en general identificado con el tango. "Lo ubica en una suerte de escritor que va más allá del lugar en que se lo encasillaba -concluye-. Ahora se revela en esta obra como un narrador nato que hace una historia de cada 'canción de moda', las que escuchaban todos aquellos que compraban el diario Crítica y luego se convertirían en sus lectores y viajaban desde la música recordada a la palabra".La publicación forma parte de los resultados del proyecto de investigación "Experimentación literaria en los medios de comunicación. Los casos de Enrique González Tuñón y Carlos Warnes (1925-1940)", que Conde codirigió con Laura Cilento en el Departamento de Humanidades y Arte de la Universidad Pedagógica Nacional y fue financiado por el Fondo para la Investigación Científica y Tecnológica (FONCyT) de la Agencia Nacional de Promoción de la Investigación, el Desarrollo Tecnológico y la Innovación Científica y Tecnológica.Para agendarCanciones de moda se presentará este miércoles a la 18 en la Academia Argentina de Letras (Sánchez de Bustamante 2663), con la presencia de Oscar Conde, Daniela Lauria, Dulce Lobosco y Eduardo Álvarez Tuñón. Musicalizarán el evento Denise Sciamarella y Cindy Harcha. Entrada libre y gratuita.
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Por los 20 años de la banda
Babasónicos en Ferro: del juego de seducción de Adrián Dárgelos a una noche de clásicos y nuevas canciones
Artista: Babasónicos. Músicos: Adrián Dárgelos, Diego Rodríguez, Mariano Domínguez, Diego Castellano, Diego Tuñón, Tuta Torres y Carca. Lugar: estadio de Ferro. Calificación: muy bueno"¿Qué más quieren de mí?". Parado ante una multitud y con una media sonrisa en los labios, Adrián Dárgelos interpeló provocadoramente a su público. Había pasado algo más de una hora del show de Babasónicos en el estadio de Ferro y su líder y vocalista proponía en ese intercambio una invitación a un intercambio que no fue tal. Hasta ese momento y en lo que siguió después, la banda nacida en zona sur dio bastante y variado, y lo hizo bajo sus propias reglas, la constante que timonea la gran embarcación babasónica desde su forjamiento en su astillero creativo. En el primer reencuentro con su público porteño tras año y medio de ausencia -y a dos de su último show masivo, en el Campo de Polo a finales de 2023-, Babasónicos aterrizó en Caballito con un doblete de presentaciones sin mayores justificativos que el reencuentro solos y de noche. Entre el anuncio y la formalización, un nuevo volumen de la discografía babasónica (Cuerpos Vol. 1, editado la semana pasada) parecía marcar la agenda del encuentro, pero lo que terminó ocurriendo se asemejó más a un cierre de ciclo que al comienzo de uno nuevo, o al menos a la transición entre una etapa y la otra.Una "Advertencia"Por eso, aunque la apertura con "Advertencia" ofició de ancla en el presente, la tríada de "Mimos son mimos", "Paradoja" y "Mentira nórdica" le dio el protagonismo a las canciones de Trinchera, su anterior disco, un repertorio creado en el encierro pandémico y que a la distancia parece haber vaticinado el presente. Por eso, después de darle carácter de estadios a dos canciones separadas en el tiempo pero unidas por un mismo espíritu oscurantista ("Su ciervo", de 1996 y "Sin mi diablo", de 2003), Babasónicos reflotó de su repertorio "Fiesta popular", un tema nacido como apoyo discreto a la algarabía pública en 2011 y que casi una década y media después es un statement político de toma de posición sin tener que mediar palabra alguna. Esa responsabilidad de tener que aportar un poco de luz entre la oscuridad sin hacerlo de manera explícita es el peso sobre los hombros que Dárgelos parece señalar en "Tiempo off" (Me gustaría estar fumado casi todo el día, me encantaría construir un poco de alegría"), parte de un segmento de estimulación sensorial compartido con "Risa" ("Me le acerqué suspicaz y le tendí un anzuelo / Vamos a fumar un porro ahí, me gusta verte reír") y la oda a la vanidad de "Puesto". En el medio, entre esa nube de estímulo y confusión, el rescate de "Gratis", una de las viñetas más sutiles y melancólicas de Babasónicos y el recordatorio de que así como hay cosas que el dinero no puede comprar, otras directamente no tienen costo alguno. Después de "Los calientes", coronada con llamaradas a los costados del escenario, la tragedia de amor inmortal de "Vampi" sirvió para oficializar el regreso sigiloso al tablado de Carca, asiduo invitado babasónico desde sus inicios y colaborador permanente hace poco menos de dos décadas, que debió guardarse para atender su propia salud y cuyo regreso fue tan calculado como sigiloso. Sin anuncios y apenas perceptible a la distancia por un par de planos en las pantallas laterales, el ex Tía Newton embelleció la sencillez de "El loco" y acompañó el pulso quebradizo de "La lanza" y "Bye bye" para luego hacer mutis por el foro con discreción.Pasado el continuum entre "Carismático" y "Yegua" ( como un fraseo al pasar de la primera puede reformularse como el estribillo edificador de la segunda), para "Putita", Dárgelos decidió romper el hermetismo performático de Babasónicos. Escoltado por empleados de seguridad y asistentes, el vocalista se permitió descender a la fosa y recorrer la profundidad del pasillo que partía al campo en dos para cantarle a los ojos a sus seguidores eso de que el camino a la fama no significa nada si no hay una misión. De regreso en el tablado, el rasgueo de "Desfachatados" y su aire de corrido mexicano pasado de pastillas marcó una línea que recrudeció con "Irresponsables", dos canciones que parecen compartir ADN musical pero cuya filiación puede pasar desapercibida sin la continuidad como hilo.Como ya es costumbre desde su aparición, "La pregunta" funcionó como un show dentro de otro, una matrioshka que condensa en cinco minutos un arco narrativo que va de menos a más, y cuya letra parece adquirir aún más relevancia en un 2025 donde la crueldad se convirtió en moneda de cambio ("La vida es un vaso de gaseosa aguada, como una secuencia de bromas pesadas. Disfrutá de este trago, porque al terminar habrá que pagar, y quizá pagarlo de más"). Así, después de los interrogantes sobre quién está dispuesto a pelear por lo que no vale nada, "La izquierda de la noche" parecía también ser una invitación a adoptar una postura opuesta y dejarse seducir por aquello "donde más es más y todo se paga de más". Sobre el límite de las dos horas de show, "El colmo" ofició su lugar ya transitado de despedida, mientras dos drones convertían a los balcones de los edificios aledaños en protagonistas de las visuales de la canción de la retirada. Sin saberlo, los vecinos de Caballito fueron por un rato los protagonistas de algo que estaba ocurriendo delante suyo, y el recurso sirve también para muchos trucos del universo babasónico, donde sin saberlo todo puede estar ocurriendo frente a nuestras narices.
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Ya está disponible Spotify Wrapped 2025 para los usuarios de la plataforma. Se trata de un conjunto de datos de cada usuario que se pueden ver en el perfil y muestra, de forma muy curiosa, lo que uno escuchó en el año.Spotify es una de las aplicaciones más importantes del mundo en cuanto a lo cultural. Es una plataforma donde se puede escuchar música de cientos de géneros, millones de artistas y música de todas las épocas.Spotify Wrapped 2025: cómo ver tu top de canciones más escuchadas del añoEl paso a paso para ver tu Spotify Wrapped 2025 y descubrir tu top de canciones más escuchadas del año:Abrir la app de Spotify en el teléfono o tablet. En la pantalla principal, debería aparecer un banner que diga la leyenda "Tu Wrapped 2025 ya está disponible" o "Resumen del año". Si no aparece, intentar actualizar la app o buscarlo en las pestañas que se ven en el extremo superior de la pantalla.Tocar el banner para comenzar. Aparecerá una experiencia interactiva con varias pantallas que muestran tu actividad musical del año, como los minutos totales de escucha, tus artistas y canciones más escuchados y los géneros favoritos. Este 2025, hay que hacer scroll hacia abajo, arrastrando el dedo por la pantalla, para pasar de sección.Navegar las historias o diapositivas donde se verá la canción más escuchada, un ranking de las más populares, los artistas top y otros datos curiosos sobre tus hábitos de escucha durante 2025, como cuántos álbumes y artistas.Al final, Spotify genera automáticamente playlists con tus canciones más escuchadas del año. Se pueden guardar estas listas en su biblioteca para seguir disfrutándolas y también compartirlas en redes sociales desde la propia app.Qué se ve en el Wrapped 2025: videos, canciones más escuchadas, álbumes, estilos y horasEl Spotify Wrapped 2025 incluye varios tipos de contenidos para mostrar la actividad musical del año:Canciones más escuchadas: las cinco canciones que más reprodujo el usuario, junto con una playlist generada automáticamente con tus favoritas.Álbumes más escuchados: se podrán ver los discos que más se escucharon en la cuenta durante el año.Artistas más escuchados: un ranking de los músicos preferidos y visualizaciones que muestran cómo fue evolucionando la escucha mes a mes, con videos curiosos donde cada artista corre contra otro una carrera, por ejemplo.Géneros y estilos musicales: los géneros musicales favoritos y una métrica novedosa que compara tus gustos con la edad y devuelve la cantidad de años que parece uno tener de acuerdo a la música que escucha.Podcasts favoritos: las horas que uno pasó escuchando podcasts, con mensajes de algunos creadores.Minutos totales de escucha y estadísticas generales: el total de minutos que uno pasó escuchando audio en Spotify.Clubs de escucha: una herramienta que categoriza el estilo de escucha dentro de seis perfiles diferentes, con características particularesFunción Wrapped Party: que permite comparar tus gustos con los de tus amigos.Mensajes personalizados de artistas y creadores.Experiencia visual interactiva y flexible que permite regresar a momentos puntuales sin empezar de nuevo.Spotify Premium sumará videoclips a su app
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Sabrina Carpenter arremetió contra la Casa Blanca por usar una de sus canciones en un video de deportaciones: "Repugnante"
Este martes, la cantante Sabrina Carpenter expuso su malestar con la Casa Blanca por utilizar una canción suya en un video que muestra redadas migratorias. La artista fue tajante y le pidió al gobierno estadounidense que no la involucre en lo que considera una "agenda inhumana"."Este video es malvado y repugnante", escribió Carpenter en la red social X. "No me involucren nunca a mí ni a mi música en su agenda inhumana", agregó.this video is evil and disgusting. Do not ever involve me or my music to benefit your inhumane agenda.— Sabrina Carpenter (@SabrinaAnnLynn) December 2, 2025El tema que suena de fondo en el video, "Juno", es una de las canciones más populares de la artista, que refiere a una atracción sexual muy intensa hacia otra persona. En el fragmento que la Casa Blanca seleccionó para musicalizar las imágenes de detenciones realizadas por agentes de la Agencia de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) se repite la frase "¿Alguna vez has probado esto? Adiós". No es la primera vez que la Administración de Donald Trump utiliza canciones virales para impulsar sus políticas, ni Carpenter es la primera artista en querer desvincular a sus creaciones de la iniciativa trumpista. A comienzos de noviembre, la cantante Olivia Rodrigo también se hizo eco de una publicación de ICE musicalizada con su tema "All American Bitch", que invitaba a la "autodeportación" de los migrantes en suelo estadounidense. "Márchate ahora y autodepórtate usando la aplicación CBP Home. Si no lo haces, enfrentarás las consecuencias", señalaba el mensaje. "No vuelvan a usar mis canciones para promover su propaganda racista y llena de odio", escribió la cantante en su cuenta de Instagram, y en cuestión de horas la publicación fue republicada sin música.La editorial canadiense de libros infantiles Kids Can Press publicó un mensaje similar después de que el secretario de Guerra, Pete Hegseth, publicara en X una portada modificada de Franklin the Turtle en la que el personaje aparece apuntando con una bazuca a unos barcos. Tras el mensaje de la editorial, Hegseth eliminó la publicación. 'Franklin the Turtle' publisher condemns Defense Secretary Pete Hegseth's post featuring the character "Franklin [has] inspired generations of children and stands for kindness, empathy, and inclusivity""We strongly condemn any denigrating, violent, or unauthorized use ofâ?¦ pic.twitter.com/ce5LtCFOtX— Culture Crave ð??¿ (@CultureCrave) December 2, 2025"Condenamos enérgicamente cualquier uso denigrante, violento o no autorizado del nombre o la imagen de Franklin, que contradice directamente estos valores", afirmó la editorial tras asegurar que la tortuga "representa la amabilidad, la empatía y la inclusión".Las celebridades que pensaron en dejar Estados Unidos tras la victoria de TrumpMuchas celebridades de Hollywood mostraron su fuerte apoyo a Kamala Harris durante la campaña presidencial de los Estados Unidos y con el triunfo de Donald Trump, varias de ellas decidieron incluso cambiar el rumbo de sus vidas en otro país. Por ejemplo, America Ferrera se instaló el año pasado en el Reino Unido en busca de "mejores oportunidades" para sus hijos Sebastián, de seis años, y Lucía, de cuatro."A America la enferma que Donald Trump sea presidente otra vez", le dijo una fuente cercana a la artista al diario inglés Daily Mail sobre la mudanza de la actriz. "Está devastada por la derrota de Kamala. Pensaba que el país en el que vivía era mejor que eso", continuó. Además, agregó que la mudanza no significa que vaya a abandonar Hollywood para siempre, pero lo importante para ella en este momento es priorizar su vida y el futuro de sus hijos."Seguirá teniendo presencia en los Estados Unidos por motivos de trabajo y para luchar por las latinas y las mujeres, pero estará en el extranjero por su familia y para beneficiar la educación de sus hijos. Quiere que tengan las mejores oportunidades posibles y, para ella, estar en el extranjero es lo importante", completó.Minnie Driver también decidió dejar los Estados Unidos. La actriz de 54 años le contó al Times de Londres hace unos meses que regresó al Reino Unido después de casi tres décadas de vivir en Los Ángeles y adelantó que con el triunfo de Trump iba a tener problemas para volver. 'Si viviera en un estado rojo, no podría", expresó en alusión al color que representa al partido republicano. Por su parte, la actriz británica Sophie Turner, quien se instaló en el Reino Unido con sus hijos luego de su divorcio de Joe Jonas, le dijo a Harper's Bazaar que se dio cuenta de que debía dejar los Estados Unidos por la naturalización de la violencia con armas de fuego que atraviesa al país.
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Padre e hijo vivieron unos momentos muy especiales el 28 de noviembre en el primero de sus conciertos en el Palau Sant Jordi
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Desde la primera temporada de Stranger Things quedó en claro que la música sería una pieza clave de la serie. Y efectivamente lo fue. No solo dentro de la historia, sino también entre los fanáticos. Varios desempolvaron los casetes de The Clash para volver a escuchar - y cantar a todo pulmón - "Should I Stay or Should I Go" e incluso la cantante británica Kate Bush rompió tres récords Guinness gracias a su tema "Running Up That Hill (A Deal With God)", el cual se lanzó en 1985 y volvió a sonar luego de aparecer en pantalla. El 26 de noviembre se estrenaron los primeros cuatro episodios de la quinta temporada de la serie y, como no podía ser de otra manera, las canciones fueron especialmente seleccionadas para encajar en la trama y rápidamente causaron sensación entre el público.Después de una espera de tres años y medio, la quinta y última temporada de Stranger Things llegó a Netflix y en una mera cuestión de horas, ya se ubicó como la serie más vista de la plataforma en la Argentina. Y es que el entusiasmo era enorme, no solo por volver a ver en pantalla al elenco protagónico encabezado por Winona Ryder, David Harbour, Millie Bobby Brown, Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp, Sadie Sink, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery y Maya Hawke, sino por volver a introducirse en el universo de Hawkins y el Upside Down.Desde el primer avance de la quinta temporada de Stranger Things, la música tomó un rol protagónico. En uno de los tráileres se pudo escuchar "Who Wants to Live Forever", canción de Queen correspondiente a su álbum A Kind of Magic de 1986. Asimismo, en el primer episodio del "Volumen 1â?³ titulado La misión (The Crawl) suenan "Rockin' Robin" (1972) de Michael Jackson, "Pretty in Pink" (1986) de Psychedelic Furs, "Upside Down" (1980) de Diana Ross y, una vez más "Running Up That Hill (A Deal With God)", un tema íntimamente relacionado con el personaje de Max Mayfield (Sadie Sink).En el segundo episodio, La desaparición de... (The Vanishing Of) se pueden escuchar "Fernando" (1976) de ABBA y "Mr. Sandman" (1954) de The Chordettes, además del tema de Bush. Por otro lado, en el tercero, titulado La trampa de Turnbow (The Turnbow Trap) se reproducen "To Each His Own" (1948) de Freddy Martin & His Orchestra, "I Think We're Alone Now" (1987) de Tiffany y "Oh Yeah" (1985) de Yello.Para cerrar la primera parte, en el episodio cuatro, titulado Hechicero (Sorcerer), eligieron "Premature Plans" (1963) de Elmer Bernstein, "Sh-Boom" (1954) de The Chords y una vez más, "Running Up That Hill" de Kate Bush. Esta última es una canción que probablemente vuelva a sonar en los próximos episodios.Los primeros cuatro episodios de la quinta temporada de Stranger Things ya están disponibles en Netflix. Los siguientes tres, del "Volumen 2â?³, titulados Shock Jock (Choque de Jock), Escape from Camazotz (Fuga de Camazotz) y The Bridge (El Puente) llegan a la plataforma el jueves 25 de diciembre, día de Navidad, a las 22 (hora argentina) mientras que el "Final", titulado The Rightside Up (El lado correcto hacia arriba) se estrenará el 31 de diciembre, en vísperas de Año Nuevo, y se estima que durará alrededor de tres horas.
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La tensión entre los artistas urbanos aumentó cuando colaboradores de Pirlo solicitaron cambiar la música de Blessd durante una celebración La Juntada de Cali
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Más de un millón y medio de discos vendidos y una presencia destacada en escenarios de América y Europa resaltan la carrera de Antonio Orozco, cuyo método y sonido se forjaron gracias a una guitarra adquirida tras un verano de trabajo junto a su padre
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Algunas melodías logran acompañar generaciones, cruzar estilos y volverse imposibles de olvidar. Detrás de cada éxito pegadizo hay elementos únicos que transforman simples temas en recuerdos imborrables
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