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Benito Cerati: la cuenta pendiente que pudo saldar en su nuevo disco, su canción más "catártica" y los músicos que más lo marcaron
Cae la tarde de un intenso día laboral y Benito Cerati deleita a los presentes con un intenso DJ set disparado desde la cabina de un coqueto y pequeño boliche de Villa Crespo. El pretexto de ese concurrido encuentro devenido en fiesta no es otro que el de escuchar el material que da vida a En el ciber, el flamante segundo volumen de la trilogía futurista iniciada el último año con ¡Viva la devolución! En ese primer capítulo que despertó elogiosos comentarios tanto de los medios especializados como del público y en donde evidenció además una notoria evolución musical, el exlíder de Zero Kill había posado su mirada sobre el uso excesivo e indiscriminado de las redes sociales, el poder de la tecnología dominándolo todo y el individualismo extremo que ello genera. Algunas semanas después de aquel evento, la escena se traslada a la sede que la discográfica Sony posee en Palermo. Es allí donde, distendido, seguro y plenamente satisfecho con su nuevo álbum, el músico recibe a LA NACION."Esta vez me interesó indagar en cómo sobreviven el amor y el afecto en esta era tan poco personal y en la que todo pasa por WhatsApp. El disco anterior tenía un perfil más social y global. Aquí la mirada es mucho más personal, apunta al uno a uno, al individualismo, al hedonismo como forma de escapismo y a esa cosa de considerar al otro más como una pieza de ajedrez que como un ser humano", detalla Benito Cerati para luego completar: "De todas maneras, ninguno de los dos álbumes es tan explícito en sus letras; más bien, todo es muy ambiguo y sugiere situaciones. No así los videos, donde todo aparece como más obvio. Quizás 'Artificial' sea el tema más claro en ese sentido, que habla de las relaciones utilitarias, de esa sensación de 'me usás pero yo también te uso'. Y por otro lado, está 'Ultrademente', que apunta a la toxicidad, al placer inconsciente que a veces encontramos en ese tipo de relaciones masoquistas. Igualmente, y más allá del tenor oscuro y denso de este disco, siempre trato de evitar la solemnidad y de no perder el humor". - ¿El disparador de todas estas cuestiones partió de experiencias propias, de terceros o son sólo simples observaciones tuyas al respecto? - Excepto "Artificial", que es la más ficticia y caricaturesca, cada una de las canciones de este disco partieron de todas esas opciones, tanto de historias de terceros como de situaciones muy íntimas y personales.-Y en ese contexto aparece "Beni", una canción autorreferencial y en la que te exponés de un modo muy vulnerable. - Sí, fue algo muy catártico. Necesitaba hacerlo porque, en cierto punto, creo que escribir sobre capítulos que uno precisa cerrar ayuda mucho a aliviarse. Al menos, eso fue lo que me pasó a mí. Recién después de componer el tema sentí que por fin había cerrado esa relación de una vez y para siempre. Me parece que fue un muy buen ejercicio bajar al papel y convertir en música algo tan íntimo y personal. A medida que avanzaba con la letra, en la que incluí una conversación textual que tuve con alguien y en la que no maquillé ni disimulé nada, sentí que no había otra opción que titularla con mi nombre. Nunca me abrí tanto ni fui tan directo en una canción como en "Beni". -Por eso la cantás solo...-Por eso, en lugar de cantarla con alguien más decidí ponerme en modo actor y terminó siendo un diálogo entre dos pero con una sola voz. Colocarse en la piel de la otra persona y ver lo que realmente sintió, dejando de lado las razones propias, fue algo sano y que se conecta con el concepto al que me refería antes sobre la superficialidad de las relaciones en la actualidad. Ya nadie se pone en el lugar del otro y eso es lo que quise reflejar. A mí me nace hablar de lo que creo que hace falta: el afecto, el amor, la empatía y el entender al otro en estos tiempos de tanta ansiedad. El pulso por momentos bailable y la preponderancia de pop electrónico que caracterizaron a ¡Viva la devolución! permanecen presentes en esta continuación discográfica. Sin embargo, bajo una atmósfera un tanto más oscura y opresiva, la propuesta musical se expande ahora hacia los territorios del ambient y del drum & bass, combinando bases rítmicas de cortes abruptos con profundas y densas líneas de bajo, saxos deformes, orquestaciones de cuerdas y guitarras saturadas al máximo, que le aportan un tinte rockero en la senda de The Prodigy (particularmente en "La ley de la selva"). A lo largo de 21 minutos repartidos entre siete temas de variados climas y con pasajes de alto vuelo como "Artificial", "Ultrademente" y "Caras conocidas", el artista de 32 años logró plasmar una obra atractiva, contundente y que a la vez lo consolida definitivamente dentro de la escena local. "Siempre tuve una cuenta pendiente que recién ahora pude saldar y era la de producir mis propias canciones. Ya trabajé con otros productores que me entendieron y me bancaron mucho pero llegó un momento en que quería ir para otro lado e intentarlo por mi cuenta. Antes solía pasarme que tenía en la cabeza lo que exactamente quería decir pero no podía plasmarlo o comunicárselo a la gente que sabía cómo llevarlo a cabo. Entonces, una vez terminada la cuarentena armé mi propio estudio, me metí a estudiar producción y comencé a hacer mis temas solo y sin productores asociados", explica Cerati."Lo que quería plasmar musicalmente para este álbum era ese péndulo entre lo frenético, lo agresivo y lo atmosférico: pasar de algo al estilo Massive Attack hacia Nine Inch Nails y viceversa. A mí me gusta mucho el drum & bass antiguo, el jungle de los comienzos y toda esa movida UK. Yo era muy fan de Goldie, de The Prodigy y de Portishead que, a pesar de sus diferencias, todos tenían en común unos graves muy profundos y pesados. Siempre fui muy nostálgico de ese sonido de los noventa. Y si bien yo ya había tenido algún approach con Zero Kill ahora intenté llevarlo al extremo. Y creo que en este disco lo logré". -¿Te sentís más cerca o más identificado con los artistas emergentes antes que con los consagrados dadas las colaboraciones de BB Asul y Dante Bruni en este álbum como de Blair y G.U.R.I.S.E. en el anterior? -Tiene que ver más con lo que me pide cada canción antes que con el origen o la procedencia del invitado. Me di cuenta de ello especialmente desde que asumí el rol de productor: escucho un tema y siento que no lo tengo que cantar yo o que mi voz no encaja. Eso es lo que pasó con "Ultrademente"; hay fragmentos en los que canto yo pero BB Asul tiene una gran participación porque sentí que la canción era mucho más delicada y que precisaba de una voz más aguda y femenina. Además, ella en sus propias composiciones suele abordar temas tóxicos. Así que, un poco en serio y otro poco en broma, no dudé un segundo en convocarla y decirle que esa canción era ideal para ella. En líneas generales, me voy moviendo por sensaciones. De todos modos, en el pasado también trabajé con nombres más conocidos como Marilina Bertoldi o Hilda Lizarazu. Nunca descarto nada. Todo depende de la canción. - ¿En qué momento de tu carrera llega En el ciber considerando las favorables críticas surgidas alrededor de ¡Viva la devolución!, el álbum anterior? -Siento que En el ciber es todo un riesgo, justamente porque toma más de mi parte artística en lugar de la estructura habitual donde te queda el estribillo dando vueltas en la cabeza como ocurrió con algunas canciones del disco anterior. Este álbum no es tan directo, es más complejo, elaborado, experimental, sentimental y sin concesiones. - ¿Creés que a partir de Shasei, tu primer álbum solista lanzado en 2022, encontraste tu propio espacio como artista y a su vez eso hizo que muchos dejaran de lado las comparaciones, los parentescos y los legados para concentrarse por fin en tu figura y en tu música? - Algunas personas sí. Pero sé que muchas otras nunca van a poder separarme o quitarme de ese lugar. Y está bien. Lo entiendo perfectamente porque el contexto es así y la realidad es esa. Pero jamás compuse un tema especulando con esa situación. Creo que con ¡Viva la devolución! finalmente encontré mi propio lugar, pero tampoco quiero quedarme solo en eso porque sé que en algún momento me voy a aburrir del drum & bass y apuntaré hacia otro lado. De lo que sí estoy seguro es que al fin logré plasmar mi propio sonido, mi manera de producir, de trabajar y ahora sé cómo armar mis canciones sin ser tan barroco, ornamentado o tan volado. Me di cuenta que antes le escapaba a las estructuras del pop, a los estribillos pegadizos y las buenas ideas se desvanecían o se perdían en un mar de arreglos complicados. Todo era muy intuitivo y puro experimento. Pero a la vez siempre me gustaron las canciones. Es más, me fascina Madonna, entonces por qué no incurrir en ese costado pop que sé que lo tengo. ¿Dónde estaba escondido? Así fue que decidí apuntar hacia algo más accesible. -David Bowie marcó un antes y un después en tu formación musical, pero a juzgar por la remera que llevás puesta, Michael Jackson también sigue siendo uno de tus grandes referentes. ¿Conservás aún el mismo fanatismo por él como cuando eras un niño? -Absolutamente. Michael Jackson me parece un genio. De todos modos, yo no lo descubrí con Thriller ni con Bad sino con Dangerous. Ese disco me voló la cabeza durante toda mi adolescencia. Tenía un sonido impresionante, casi industrial y siempre gravité alrededor de esos detalles ruidosos y metálicos. Es su álbum más sucio, agresivo y por momentos sentía que tenía cosas de Ministry. Recuerdo que me preguntaba: "¿de dónde saca todos esos sonidos tan raros?". Sinceramente, estaba muy flasheado con su búsqueda en ese disco. Y lo mismo me pasa aún con Bowie. Lo que más me gusta de él es cuando camina por esa delgada línea entre ser pop y ser avant garde y esa cosa de reinventarse constantemente. Creo que Madonna o incluso Primal Scream también lograron cambiar y evolucionar sin dejar nunca de ser ellos mismos. De todos modos, nadie lo hizo como Bowie. Gracias a él conocí a Nine Inch Nails y a Trent Reznor, que hoy en día es mi máximo referente. - Volviendo a tu música ¿Ya tenés alguna idea de por dónde va a transitar el álbum que completará esta trilogía? - Sí. Ya hay varias canciones terminadas pero quizás se sumen otras a último momento. Va a ser el álbum más largo, el de mayor cantidad de temas y a nivel sonoro seguirá la línea de los dos anteriores, pero mucho más power todavía.
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Zoe Gotusso: "'Lara' la escribí con ella al lado, separándome, me destripé en esa canción"
Es elegante y muy suave cuando canta. Le decían "la viejita" porque desde chica le gusta estar con gente más grande. No le interesa socializar y sus amigos dicen que es una bomba de humo. Lo que nadie sabe de la canción que le escribió a su ex novia, Lara. A sus 28 años sus canciones llegaron a los Latin Grammys, fue la telonera elegida de Paul Mc Cartney y de Coldplay en Argentina y es también la elegida de grupos como El Kuelgue y No te va a gustar
Martín Demichelis le dedicó una canción muy emotiva a Facundo, su hijo mayor, y sorprendió a todos
Este 20 de diciembre, Martín Demichelis cumplió 45 años y los recibió rodeado del cariño de su círculo íntimo, especialmente de sus cuatro hijos, Bastián, Lola y Emma, frutos de su matrimonio con Evangelina Anderson, y Facundo Bono, el mayor, fruto de una relación anterior. En medio del festejo, el ex DT de River Plate se tomó el tiempo de responder mensajes y hay uno en particular que causó emoción entre los fanáticos. Su primogénito recurrió a sus stories de Instagram para compartir dos imágenes que retratan el buen vínculo que tienen. En la parte superior, el joven tatuador oriundo de Justiniano Posse eligió una fotografía en la que se los vio montar a caballo; mientras que en la inferior, una instantánea de los dos relajados, en la que sonrien frente a cámara y con el mar de fondo."Feliz cumpleaños @martindemichelisoficial", escribió Facundo junto a varios emojis: un abrazo, uno de fuerza y el corazón rojo rodeado de fuego. Minutos después, el exfutbolista replicó el posteo desde su perfil oficial y, aunque se limitó a escribir, eligió una significativa canción que habló por sí sola. "Live Set", de Milo J, es la melodía que Martín eligió, la misma que en una de sus estrofas dice: "No sé qué hice para merecerte, pero estoy agradecido. Tal vez fue más cuestión de suerte que se crucen tu alma con la mía, y cuando esté mal sé que tu mirada hará que sonría". Cabe recordar que Demichelis se enteró de que Facundo era su hijo en 2019, cuando el joven ya era mayor de edad. Aunque la relación con su madre, Patricia del Bianco, ocurrió durante su adolescencia en Justiniano Posse, mucho antes de que él saltara a la fama, la verdad salió a la luz décadas después.Fue la propia madre del joven quien decidió revelarle su identidad tras años de incertidumbre. Una vez que la noticia llegó a oídos del exfutbolista, ambos iniciaron un vínculo que comenzó a distancia debido a la pandemia.En ese sentido es que Demichelis reconoció a Facundo legalmente y, con el tiempo, lo integró plenamente a su familia. Un factor clave en este proceso fue el apoyo de Evangelina Anderson, quien aceptó la situación con naturalidad y calidez, y facilitó que Facundo construyera una relación cercana con sus tres hermanos menores. Actualmente, el joven mantiene un perfil bajo, pero acompaña a su padre en momentos importantes, como ocurrió en su paso por River Plate y en sus festejos personales. La noticia de un hijo extramatrimonial de Demichelis se confirmó recién el año pasado. Fue él mismo quien ante el murmullo mediático decidió contar la verdad. "Sí, soy el fucking bastardo primogénito de Martín Demichelis. Desde 2012 que aparece la verdadera duda de mi identidad (...) Hasta noviembre de 2019 se me blanquea la verdad y todo empezó a aclarar. Aparece mi vieja, a la que amo profundamente, aunque toda la vida cargué con un inconsciente enojo muy grande por mentirme en la cara tanto tiempo mientras yo le pedía de rodillas saber la verdad", expresó en octubre del año pasado mediante un mensaje en su cuenta de X."Con Martín, hoy por hoy, está la mejor. No quiero tener que darle bola a los medios, ni envenenarme por todas las mentiras (...) Odio al periodismo porque no les importa arruinar una familia entera por un chisme mal contado. Si hubiese querido, hubiera hecho todo muy diferente. Ni la plata ni la fama me importaron más que las cosas que salen del corazón y de todo lo humano que hay alrededor de esto", sentenció.
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Qatar 2022: la canción oficial del Mundial que no se escuchó en la Argentina y presagió el título de Messi
El contenido abstracto de la poesía musical permite interpretaciones libres. Por momentos o estados de ánimo. Esa es una aclaración que siempre debe tenerse en cuenta. Durante todo el recorrido rumbo a Qatar 2022 se hicieron búsquedas sobre señales y presagios que pudieran conducir a una coronación argentina. Se revisaron datos, coincidencias, historias similares en los Mundiales de 1978 y 1986. Todo tipo de referencias se exploraron para intentar conectar el presente de Lionel Messi con aquellos pasados gloriosos. De un modo gracioso y hasta exagerado, fueron mecanismos para encontrar seguridad en medio de la ansiedad y la incertidumbre que se vivió durante toda la Copa del Mundo.Hubo, sin embargo, una canción que pasó casi inadvertida y que en el contenido de su lírica permite vincular varios pasajes con los sentimientos que Lionel Messi atravesó en su carrera. ¿Cómo se pasó por alto? Tal vez porque pese a que formó parte de las piezas oficiales que se utilizaron en Doha, no se escuchaba en las transmisiones de TV en nuestro país.La canción "The Business", de Tiësto, era lo último que sonaba en todos los estadios en Doha antes de cada partido. Justo antes del puntapié inicial.Esconde frases que podrían encajar en el desafío al que se enfrentaron varios jugadores en el último Mundial, pero si se presta atención a los detalles, curiosa y específicamente parecen coincidir con Messi. La canción comienza diciendo: "Ya hemos tenido un millón de noches como esta. Te doy una más para conseguirlo".La canción en la final del MundialPresente en la ceremonia inaugural del torneo, DJ Tiësto recibió críticas por aceptar el trabajo cuando muchos artistas se habían negado, para protestar por el accionar del gobierno qatarí, denunciado por violaciones a los derechos humanos y los duros convenios laborales.Entre los cantantes que supuestamente rechazaron ofertas de la organización estuvieron Shakira, Dua Lipa, Rod Stewart y J Balvin, entre otros.Stewart lo reconoció oficialmente. Hasta comentó que le ofrecieron una fortuna para presentarse en la ceremonia inaugural. "¿Un millón de dólares?", le preguntó un periodista. Y contestó: "Mucho más. Pero lo rechacé. No hubiera sido correcto ir.En el caso de Dua Lipa, desmintió negociaciones, pero no por eso dejó de ser crítica con las autoridades qataríes: "Hay muchas especulaciones sobre mi presentación en la ceremonia inaugural -dijo unos meses antes del torneo-. No voy a presentarme. No he tenido negociaciones. Animaré a Inglaterra desde lejos y deseo visitar Qatar cuando haya cumplido con todos lo que prometió respecto de los derechos humanos cuando le asignaron la organización del Mundial".Maluma, que llegó a anunciar que iba a participar de los shows en la Copa del Mundo 2022, se retiró a último momento luego de una polémica con la comunidad LGTBIQ+.El agradecimiento de la FIFA para con Tiësto quedó en evidencia cuando se realizó este año el Mundial de Clubes en los Estados Unidos, en los que la canción también se escuchó justo antes del comienzo de cada encuentro.The Bussines, en la final de Qatar 2022Melodías de pandemiaCreada en 2020, en medio de la pandemia, la letra de The Bussines no tiene nada que ver con el fútbol y sólo el autor conoce su real motivación. En Qatar, esa canción pareció ajustarse al momento culminante de la carrera de Messi, después de tanto sufrimiento con la selección. "Mis amigos me dicen que deje esto", "Mamá, por favor, no te preocupes. Estoy por dejar que mi corazón hable por mí", "Es una noche más para conseguirlo", son algunos de los pasajes.En el final, el mensaje es más esperanzador. "Los sueños que tenemos nunca desaparecen. No podemos dejarlos. Y no hay otro día más para hacerlo. Así que pongamos las manos en este asunto".Fue la última canción que se escuchó en el estadio Lusail el 18 de diciembre de 2022, antes de la final entre la Argentina y Francia, de la que este viernes se cumplen tres años.El video oficial de la canción
Beéle y Elvis Crespo rindieron homenaje a Jorge Barón con nueva canción de Navidad: "La patadita de la buena suerte"
El videoclip recrea el emblemático formato de televisión nacional para acompañar un tema que reúne a dos figuras de la música tropical en un contexto de récords y homenajes
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Una canción de la Rosalía
Antes que su voz, lo primero que se escuchan son los instrumentos de la orquesta. Precisos, impiadosos. Lo que tocan se mide en caballos de fuerza. Violines, contrabajos, trompetas, flautas, una tuba, montañas que se forman y desploman, se forman y desploman. Antes que su voz, después suena el coro. Sopranos, contraltos, tenores, bajos, alemán, alemán, alemán. Así arranca Berghain, la primera canción del nuevo disco de Rosalía, que le da la palabra a este grupo de mujeres y hombres para que alerte, afinado: "Su miedo es mi miedo, su ira es mi ira, su amor es mi amor". Después sí se la escucha a ella, que llega a un lugar tan alto, tan de precipicio, es un cristal delgado y delicado con la fuerza de lo irrompible porque ni siquiera desde esas alturas al suelo podría estallar. Para hablar de amor hay que hacerlo así, en los límites. Ella, que conserva el filo, que puede cortar, que busca la sangre, desde ese lugar, escudada por las cuerdas que ya más lentas tejen su refugio, dice en ese idioma que no es suyo que nunca olvida, que su cuerpo no es capaz de eso. El amor, un amor, este amor. Una cadena perpetua. Entonces su voz baja y canta en español para que ahora la sigan, para que en un recital el público la acompañe y no se quede sola en el cielo. Eso tiene también esta catalana, sabe estar arriba y puede estar abajo. Reguetón, pop, Grammys, música clásica. Y queda bien al lado de Björk. Esta artista de 60 años nacida en Islandia se suma en la segunda parte del tema para cantar en inglés con calma pero con trauma que la única salvación posible es la intervención divina. Otra condena. Aguda también ella, desde sus alturas, entra en la música en modo fantasía y como si estuviera rodeada de algodones o enmarcada en alas para llevarla más lejos. Luego, en el final, quien canta es el estadounidense Yves Tumor, que le da nueva forma a la violencia del amor por el que la española ya había avisado ("Cuando tú vienes es cuando me voy") a base de ecos y golpes de tambores y una repetición insoportable que iguala placer y amenaza. Ese dúo.Todo esto hace Rosalía, 33 años; todo esto y lo consigue. Es la mujer que puede ser pop y sonar de madrugada para bailar con una copa en la mano y que puede escribir un tema de dos minutos y cincuenta y nueve segundos sin rumbo esperable que mezcla tres idiomas, que mezcla a tres artistas, que mezcla idilio y lucha y cielo y muerte y pasión y angustia y dulzura y vida. Berghain es esto, es la aceptación del amor como un desencuentro inevitable. Esa fuerza, irradiada por la sinfónica de Londres. Y Rosalía, la edad de Jesús al morir, es una respuesta a los descreídos. A los que se quedaron sin fe o se quedaron en Queen. Vestida de blanco en la tapa de este nuevo disco, con una cofia de monja en la cabeza y una camisa de fuerza en el pecho, la religión, la locura, se tapa el cuerpo con el gesto como quien dice acá no hay nada para ver aunque sea lo contrario. De ese blanco a todos los colores. Rosalía está abierta. Es partitura, es motomami, toca el piano, baila flamenco, baila en una coreografía como en los 90 los hacían los Backstreet Boys, se muestra desnuda, se oculta toda, es la morocha del pelo a contramano y la boca maquillada de rojo, la productora, la compositora, la que canta sola porque sola alcanza, la que canta con Daddy Yankee, canta con Billie Eilish, canta en japonés, dice cosas como "golpea mi cuerpo, me comeré todo mi orgullo", dice cosas como "hoy salgo con mi baby de la disco coroná". Hace unos días, mientras presentaba este nuevo trabajo, dijo: "Si hubiera podido, hubiera puesto todo el mundo en este disco". Eso. La totalidad entera. Incómoda, dura, dulce, brava, generosa, creyente, confusa, universal.
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Con el tallo de una flor entre los dientes fue que salió a tocar Charly García en el Teatro Astengo de Rosario, una noche de 1976, mientras presentaba su disco La Máquina de Hacer Pájaros. Del otro lado del escenario, un niño de trece años conocido como Fito Páez, creía haber descubierto "qué era la libertad". Lo que ninguno de los dos sabía en ese momento, mientras Charly interpretaba el tema "Rock and Roll" con ambas patas subidas a su teclado, era que la carrera de ambos terminaría estrechamente entrenlazada con el tiempo. El primer encuentro entre el rosarino y García se dio años más tarde, tras bambalinas del Teatro Coliseo, en el marco de la presentación del disco "Actuar para vivir" de Baglietto y su trova. Más adelante, Charly reclutó a Fito para que forme parte, junto a los miembros del grupo GIT, de las grabaciones de Piano Bar; un punto de inflexión en la carrera de Páez, quien luego de esa grabación lanzaría su carrera solista con los discos Del 63 y Giros.Los próximos lanzamientos de Colecciones LA NACION incluirán discos tanto de Charly García y Serú Girán, como también de Fito Páez y otros artistas. Algunas canciones de esos álbumes serán reproducidas por la nueva emisora de LA NACION, LN 104.9 + Música, que puede ser sintonizada desde el dial 104.9, masmusica.lanacion.com.ar, Youtube o la app del diario. En esta ocasión, se tratará de los discos Clics Modernos, Peperina y Giros.Algunos ejemplares de los vinilos serán sorteados por la radio. Para participar, tenés que elegir tu canción favorita de la selección y dejar tus datos de contacto. Hay tiempo hasta el martes 23 de diciembre a las 23:59. Los ganadores serán notificados por correo electrónico y en la radio el 26 de diciembre a las 12hs.Peperina (1981) es el cierre de la primera etapa de Serú Girán. En este disco, García, Aznar, Lebón y Moro; aplacan la euforia progresiva de los comienzos de la banda, y se centran en canciones más breves y tranquilas como "Salir de la melancolía" y "Cinema Verité". Podrá ser un guiño o casualidad, pero en el tema "Esperando nacer" de Peperina, cuando Fito Páez recién empezaba a darse a conocer al mundo, Lebón dijo "¿Qué esperas ahí al costado del camino? No escuchaste esta canción, todo el mundo te quiere ver"; pregunta a la que Fito pareciera contestar muchos años después, con los versos "Me gusta estar al lado del camino/fumando el humo mientras todo pasa" de su disco Abre.Luego de la disolución de Serú Girán, Charly emprendió su carrera como solista con Yendo de la cama al living (1982) y Clics modernos (1983). Este último, tan hitero como novedoso, estableció un nuevo hito en su obra; introduciendo a un público masivo las máquinas de ritmo como una alternativa o complemento a las tradicionales baterías analógicas.Otro concepto que atraviesa al disco, no tan protagonista como las máquinas rítmicas, pero sí presente en temas como "No soy un extraño", es el tango. La posta de teñir esa masa indefinida que era el rock en ese momento, con tintes de tango y folclore, la tomaría Fito Páez al año siguiente con su álbum Giros (1984). Este fue precedido por Piano Bar (disco de Charly donde se encargó de los teclados) y Del 63 (su debut como solista), también lanzados en 1984. Pero fue con Giros, que Fito dió inicio formal a su carrera consagratoria como participe del actual cancionero popular argentino. "11 y 6", "Yo vengo a ofrecer mi corazón" y "Cable a tierra" son algunos de los temas que pueden inscribirse en esta categoría.Los vinilos de Colecciones LA NACION son una oportunidad para recorrer algunos de los puntos más altos de la música argentina. Podés hacer click acá para ver la colección, o bien, hacer click acá para sintonizar LN 104.9 + Música y enterarte de nuevos sorteos de vinilos.
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En una entrevista para el podcast de Apple Music, la cantante de K-pop reflexionó sobre su proceso creativo, el impacto de su álbum solista y cómo aprendió a equilibrar la vida con el regreso a BLACKPINK
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La noticia la dio su hijo Sergio Dawi, ex saxo de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.
Cuál es la letra completa de la canción de cumpleaños venezolana que dura casi tres minutos
Las canciones de cumpleaños tienen una gran variedad de versos y musicalidades propias de cada región del mundo. La mezcla cultural, producto de la inmigración, hizo que el clásico "Happy Birthday" en Estados Unidos se sumara a otros temas. Entre ellos, uno de origen venezolano mantiene la peculiaridad de que su letra completa dura casi tres minutos.El origen de "Ay, qué noche tan preciosa", la canción venezolana de cumpleañosSe conoce como "Ay, qué noche tan preciosa", pero su título original es "Cumpleaños feliz". Esta canción, que suena en los hogares venezolanos cuando se celebra esa fecha especial de algún miembro de la familia, tiene su origen en un vecindario de Caracas en 1953.La letra completa del cumpleaños feliz venezolanoEl cantante, guitarrista y compositor oriundo de Venezuela Luis Cruz tenía 23 años cuando escribió la letra. Según remarcó BBC News, el artista compuso ese tema en el salón de su casa en Los Chorros, con 24 versos, sin contar el estribillo. En conjunto, dio lugar a una composición histórica para su comunidad.Todo comenzó cuando la novia de uno de sus amigos, Rebeca, le pidió la composición de una canción como regalo para su cumpleaños. "No podía hacer nada amoroso, porque era la novia de un amigo", recordó el autor en declaraciones detalladas por el medio citado.Así, escribió la letra de "Ay, qué noche tan preciosa", que después se extendió hasta formar parte de la identidad de la comunidad y estar presente en todas las festividades familiares.Letra completa del cumpleaños feliz venezolano: 'Ay, qué noche tan preciosa'La difusión y fama de este tema llegaron pocos años después, aunque no de inmediato. Algunos ciudadanos de Venezuela le incluyeron ciertos toques de humor al final de varios versos que, según BBC, no fueron aprobados por el artista.La letra original y completa de "Ay, qué noche tan preciosa" o "Cumpleaños feliz" venezolano, que culmina con el estribillo tradicional de la canción universal típica, es:¡Ay, qué noche tan preciosa!Es la noche de tu día,todo lleno de alegríaen esta fecha natal.Tus más íntimos amigosesta noche te acompañan,te saludan y desean un mundo de felicidad.Yo por mi parte deseolleno de luz este día,todo lleno de alegría en esta fecha natal.Y que esta luna plateadabrille su luz para ti,y ruego a Dios porque pasesun cumpleaños feliz.Cumpleaños feliz.El éxito de la canción de cumpleaños venezolana en EE.UU. y en el resto del mundoCon la migración de venezolanos en Estados Unidos, esta popular canción se extendió en los diferentes hogares del territorio norteamericano, así como en otros países donde conformaron su nueva vida.Según el medio citado, ese tema se situó entre las 30 mejores canciones de cumpleaños en español de la revista Billboard de 2024. El liderazgo de la lista lo obtuvo la versión de Alejandro Fernández de "Las Mañanitas", procedente de México.
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Tras el fallido anuncio de un regreso triunfal a un estadio porteño, Pity Álvarez ya tiene casi todas las entradas vendidas para el show que lo devolverá a los escenarios. Y eso será el 20 de diciembre, en el Kempes de Córdoba. Como aperitivo de esa previa, su productora anunció que ya está en marcha (también) su regreso a las bateas virtuales con un nuevo álbum y para eso anticipó una canción, que fue bautizada "No sé cuánto". "No sé cuanto", la nueva canción de Pity ÁlvarezEl estreno del tema tema vino acompañado por un video en el que se ve a Pity más delgado que en los últimos tiempos. "Pity presenta su nueva canción, un punk rock fresco y desfachatado que celebra la vuelta de este emblema del rock barrial", dicen desde su productora.Y lo cierto que es que el pulso de su canción, con una letra muy breve, no va por el lado del rock barrial sino en la línea de ese punk rock setentista, con cierto halo "clashero". En el video se lo ve, simplemente, frente a la cámara, en medio de una edificación abandonada (parece la torre de una iglesia), rodeado por los integrantes de su banda. Esas secuencias se mezclan con imágenes de archivo; convulsión social de principios de siglo. Seguramente también llamará la atención la voz de Pity, fuera del registro que habitualmente se tiene de su garganta, en los discos que grabó con Intoxicados y Viejas Locas, entre 1993 y 2011.La canción fue grabada por Gabriel Prajnar (bajo y coros), Hernán Salas (guitarra y coros), Juan Manuel Colonna (batería y coros), Matías Mango (teclado y coros), además de Pity en guitarra y voz. Fue registrada por el ingeniero Esteban Kahayan y mezclada por Eduardo Bergallo. Natalia Marinelli se encargó del arte de tapa y la dirección del videclip estuvo a cargo de Dr. Álvarez.En el video, quizá no sea casual que uno de los outfits para este video sea una remera que luce Pity y que dice: "La gente manda". Sin duda sus fans lo esperan con ansias, en plataformas digitales y en vivo. Además, no hubo condena social tras el asesinado que cometió hace el 12 de julio de 2018; y si bien hubo un procesamiento por el crimen, debido a su salud mental no hubo juicio. Eso le permite embarcarse en proyectos como un disco o el recital que tiene por delante. Más allá de algunas apariciones informales, su vida sobre los escenarios quedó interrumpida hace casi siete años y medio, cuando le disparó a su vecino Cristian Díaz, en el barrio porteño Cardenal Samoré. La de Córdoba será la primera ficha importante que se juega. A propósito de este regreso, en un informe para LA NACION de Daniel Barjarlía, publicado en octubre pasado, el tecladista Matías Mago, que es integrante del actual grupo de Pity, dio detalles de los preparativos: "Él está bárbaro, con muchas pilas, ensayando mucho y sin dejar nada librado al azar. Es muy profesional y se encarga personalmente de todo", contó.Además, el padre César (conocido como el cura rockero) hizo una puesta al día de la salud de Pity y de su situación general: "Lo importante es que se está recuperando de una gran infección que tuvo en la cadera tras una operación y que prácticamente se está yendo". En 2023, el Tribunal Oral en lo Criminal N° 29 que integran los jueces Juan Martín Ramos Padilla, Gustavo Goerner y Hugo Navarro decidió, tras analizar las pericias forenses y siguiendo la recomendación de la fiscalía, que Cristian Álvarez carece de la capacidad de enfrentar un juicio oral y público porque presenta, entre otros cuadros, "trastorno cognitivo mayor, trastorno depresivo, trastorno adictivo de consumo de sustancias crónico y diversos factores de riesgo". Así, bajo determinadas condiciones, el proceso quedó suspendido y él fue excarcelado, tras dos años y medio detenido. Sin embargo, una junta médica debe evaluar cada tres meses si esa situación cambia y si es posible retomarlo. "Está ajustado a derecho todo el tiempo y hace cada cosa que se le pide. Nosotros lo acompañamos para que no esté solo", contó el sacerdote.
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"Desire", canción del Mundial 2026, desata ola de memes en redes sociales
Robbie Williams interpretó el tema junto a la cantante estadounidense Nicole Scherzinger durante la ceremonia del sorteo
La canción del Mundial 2026: "Desire", el primer tema de la banda sonora de la Copa del Mundo
Oficialmente, comenzó la cuenta regresiva para el Mundial Estados Unidos-México-Canadá 2026. Este viernes 5 de diciembre a las 14 (hora argentina) empezó en el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas de Washington D. C., Estados Unidos, el sorteo de la etapa de grupos. El evento contó con una apertura a cargo de Andrea Bocelli y una interpretación en vivo de "Desire", la canción de Robbie Williams elegida como el nuevo himno de la FIFA.Además de una mascota y una pelota, cada Copa del Mundo cuenta con una canción oficial. Las últimas cinco fueron "Hayya Hayya" (Mejor juntos) de Trinidad Cardona, Aisha y Davido en 2022, "Live It Up" de Will Smith, Nicky Jam y Era Istrefi en 2018, "We Are One" (Ole Ola) de Pitbull, Jennifer López y Claudia Leitte en 2014, "Waka Waka" de Shakira en 2010 y "The Time of Our Lives" de Il Divo y Toni Braxton en 2006. Estos temas se instalaron en la memoria colectiva y cada vez que suenan, las personas se trasladan directamente a los distintos mundiales. A raíz de lo significativas que son las canciones para este evento, había una gran expectativa por conocer a la elegida para sonar durante el Mundial 2026. El 11 de julio Robbie Williams anunció que su tema "Desire" fue elegido como "el himno oficial de la FIFA para todos los torneos a nivel mundial y sonará antes de cada partido, mientras los jugadores se alinean antes del saque inicial". Originalmente, el tema se presentó como un dúo junto a Laura Pausini. Sin embargo, durante el sorteo de este viernes, el británico la interpretó con la ganadora del Tony y exintegrante de The Pussycat Dolls, Nicole Scherzinger.La Copa Mundial de la FIFA 2026, que tendrá como sedes a los Estados Unidos, México y Canadá, se disputará del 11 de junio de 2026 al 19 de julio. La final se disputará en el MetLife Stadium de Nueva Jersey. Competirán 48 selecciones y se disputarán 104 partidos en 38 días.
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"Cancionera, no dejes de sorprenderme (...)Cancionera, canta siempre tu verdad", se recuerda Natalia Lafourcade a sí misma en una poética declaración de intenciones, desdoblada en un alter ego que encapsula su faceta de intérprete: la cancionera, que le viene a recordar que no se mortifique si se le apagan las luces o si las delicias de la fama traicionan su amor, porque la flor que representa su autenticidad y su verdad siempre estará ahí para recibirla y darle belleza. Si hace 23 años atrás se preguntaba "A ver, a ver ¿Qué pasa en el siguiente día?" cuando lanzó "En el 2000", uno de sus primeros hits, la llegada de sus cuarenta años hizo que la cantautora se pregunte "¿Y ahora qué sigue? ¿Para dónde va la siguiente década y la probable mitad de mi vida?". Fue ahí precisamente cuando se manifestó la idea de Cancionera, que comenzó como el deseo de una gira íntima de conciertos a guitarra y voz y se transformó en canción, manifiesto y la semilla de su décimo álbum de estudio, lanzado en abril de este año. Un relato musical, visual y emocional grabado en cinta analógica a lo largo de tres semanas, junto a 18 músicos y bajo la coproducción de Adán Jodorowsky, quien trabajó con ella en su material anterior, De todas las flores.Junto a artistas como los Hermanos Gutiérrez, Israel Fernández, Diego del Morao, El David Aguilar, y el diseño sonoro a cargo de Soundwalk Collective, este álbum de máxima intimidad tomó también forma de creación colectiva, navegando entre lo tradicional y lo contemporáneo, entre el bolero, el son jarocho, ecos tropicales y guiños al flamenco, donde Natalia invoca a una trovadora que canta para sanar y agradecer, y que honra la canción como acto de fe y conversación con la vida. "Creo que siempre cada inicio de década, cada cierre y apertura de ciclo generan mucha reflexión y mucho recapitular y revisitar la memoria y también el por qué y el para qué de cosas en la vida de uno, a nivel profesional y personal. Sabía que quería poder crear una pieza musical que representara ese momento y me encontré con 'Cancionera', que es un himno a la vida, a mi camino y al camino de cancioneros y cancioneras que me han inspirado. Fue una canción que me permitió darme cuenta de que mi quehacer y mi servicio para el mundo es algo que amo y disfruto enormemente y es la canción. De ahí nace la intención de celebrarla y encontrar en ella ese valor, esos mensajes, esa compañera", relata en conversación con LA NACION la artista latinoamericana femenina con más Latin Grammys de la historia. En la edición 2025 de los premios, el material obtuvo ocho nominaciones en varias categorías, incluyendo Álbum y Grabación del Año, de las cuales resultó ganador en las de Mejor Álbum y Canción Cantautor e Ingeniería de Grabación. A su vez, también competirá en los Grammy 2026, consolidándose como una de las voces más trascendentes de la música latinoamericana contemporánea.Buenos Aires en el mapaPara cumplir el cometido inicial que fue el punto de partida, la cantautora empezó este año el "Cancionera Tour", que comenzó con localidades agotadas en México, pasó por Europa y contará con un recorrido por los Estados Unidos, Canadá y varios países de Sudamérica el año próximo. Antes de su parada en Buenos Aires el 29 de mayo de 2026 en el Gran Rex, habla sobre el desarrollo de su nuevo trabajo, que marca una nueva etapa en su vida y en su arte, donde la búsqueda interior, la libertad creativa y la celebración de la canción se entrelazan con su experiencia personal y su presente de transformación.- ¿Cómo fue el proceso de crear el espíritu de Cancionera?-Empezó a tejerse un disco con canciones que hablan del amor, el desamor, los encuentros, los desencuentros, que se vuelven maestras, que confrontan, que hablan de verdad, que me hablan a mí. Poco a poco comenzó a surgir el alterego de este disco, el personaje de la cancionera, donde encuentro una dualidad muy interesante entre la cancionera de traje negro y la de vestido rojo, que encuentra la flor en ese jardín interior, esa flor que representa la autenticidad y la verdad de uno mismo, la belleza del camino y la transformación. El cómo constantemente vivimos ciclos de transformación, de muerte y de renacimiento en nuestras personas, en nuestras historias y nuestras relaciones. Eso me permitió empezar a elaborar un mundo paralelo quizás hasta surrealista a lo que es Natalia Lafourcade y emprender un viaje de mucha exploración y juego con cada uno de los colaboradores de este disco que comencé a invitar. Generar un mundo paralelo al mío, que es la historia de la cancionera. Ahí yo me encontré con que hay un personaje que tiene mucho de mí, mucho de lo que probablemente yo no he mostrado de mí y mucho que no es de mí, es un personaje con una historia, con un pasado, con un por qué de cómo es y cómo se comporta. Creo que Cancionera me trajo el mensaje de jugar, de no olvidar que en mi camino debe haber juego, mucho amor, mucha libertad creativa y esta conexión de corazón, de alma y de autenticidad que se tiene en la infancia libre. -¿En qué lugar sentís que se encuentra la figura del cancionero y de la cancionera hoy, en un contexto en el que lideran los algoritmos y el valor se suelen medir en cantidad de reproducciones?-Creo que cada cancionero y cancionera se reinventan a su manera y que cada quien defiende su causa. En lo personal, la cancionera me invita a revisitar constantemente mi verdad como creadora. Aunque yo me ponga y me quite una máscara y un disfraz, ella me dice: 'En realidad, aquí nadie tiene por qué juzgar ese jugar contigo mismo y con tu mundo creativo'. Más bien creo que existe una valentía enorme en que uno pueda renovarse y aventarse constantemente al vacío, donde no sabes dónde vas a caer, pero sabes que algo te va a recibir y que habrá una experiencia que te enseñe cosas. Nunca fui una artista de moda ni de tendencia, realmente creo que siempre busqué mi propio ritmo en las cosas que he hecho. Quizás a veces hasta un ritmo lento a mi parecer, pero contundente y a paso firme, de confiar en las ideas que van apareciendo y tener esa perseverancia que logra materializarlas, sin una intención ni de encajar en una era ni en una moda, y no es que esté mal querer encajar tampoco. Creo que las músicas de tendencia y las que marcan una moda también tienen un valor enorme porque forman parte de una historia que se queda ahí en un momento y eso muchas veces se convierte en referencias que acompañan en la creación de nuevos universos. Entonces, en realidad se vale de todo en el mundo de la creatividad. -¿Cuáles fueron esos cancioneros y cancioneras que aparecieron en el proceso?-En el disco hay dos canciones que son covers, una de Lorenzo Barcelata, que es como un equivalente a un Agustín Lara: música muy de antes, del pasado, con composiciones espectaculares. Encontramos "El Coconito" y quisimos coverearla. También hay un tema tradicional mexicano que se llama 'La bruja' del Istmo de Tehuantepec, en Oaxaca, que se volvió muy famosa en el mundo del son jarocho. Siempre me gustó mucho y creo que el personaje de cancionera tiene mucho esta conexión con ese 'duende' o esa energía, esa misma que tenían las grandes musas, intérpretes y compositoras de la canción como Chavela Vargas, Mercedes Sosa, Violeta Parra, o inclusive Billie Holiday, Edith Piaf. Cancioneras de antes y de ahora. También colegas que admiro mucho. Nosotras evocamos esa fuerza, ese algo que se empodera de nuestra energía para poder cantar, compartir e inspirarnos. Una parte de este disco era poder homenajear el arquetipo del cancionero o de la cancionera, entonces a 'La bruja' para mí era muy importante darle una resignificación hacia la canción y hacia ese algo que te agarra en el spot, en donde pega la luz de la escena. Así sea un escenario enorme, un cantobar o en la calle, porque también este disco le rinde homenaje a las cancioneras y cancioneros callejeros, aquellos a los que muchas veces nadie escucha, pero que están ahí. En México tenemos muchos personajes increíbles en la calle y a veces me asombra que las personas no se detengan a observarlos de alguna manera. Un concierto, una revelaciónCon la gira ya planificada e iniciada llegó una noticia que resignificó todo: la sorpresa de su primer embarazo. "Sé mujer, sé la bella musa, sé la estrella de una vida que al ver tus pasos se ilumina encendiendo un corazón". La artista revela que fue en un concierto en España, casi al final del tour europeo que se emocionó al darse cuenta de que aquella frase de la canción que da nombre al disco evoca la maternidad sin que ella lo haya pensado de manera consciente, como si lo hubiera pronosticado de alguna forma. -Estás en un momento especial, en la recta final de tu embarazo, ¿Cómo lo viviste en medio de una gira planificada y con qué expectativas vivís este próximo capítulo de tu vida? -Lo he vivido principalmente con mucha humildad, paciencia y calma porque cuando nos enteramos de que venía el bebé, yo ya me iba de gira y fue una sorpresa hermosísima. Tuve que llevarlo con mucha suavidad porque no sabía cómo se iba a presentar el proceso del embarazo a través de mi tour por diferentes lugares de México, los Estados Unidos y Europa. Tuvimos que alterar la gira, cambiar algunas fechas para el próximo año y cruzar los dedos de que podríamos realizar el mayor número de conciertos posibles dentro de lo que ya habíamos planificado. Ya una vez arreglando los temas logísticos vivir la experiencia de dar absolutamente todos esos shows con el proceso de gestación ha sido una experiencia maravillosa, super empoderadora y de mucho amor sobre todo. Y de sentir cosas que nunca en mi vida sentí, obviamente, y que nunca imaginé que se sentirían de esta manera. Ahora dándome la oportunidad de cerrar un ciclo no solo de una parte de la gira, sino un ciclo de vida. No volverá a ser igual a partir del próximo año que vuelvo a los escenarios. El atravesar esta experiencia a todas las mujeres nos transforma de maneras inesperadas e increíbles y me siento agradecida con la vida de esta gran oportunidad de evolución. Yo pensé que no me iba a tocar y ha sido hermosísimo poder vivirlo.-Este año se cumplieron diez años de "Hasta la Raíz", uno de los mayores himnos de tu carrera. ¿Cómo sentís, en retrospectiva, el hecho de haber compuesto una canción que conecta con tantas personas, que atraviesa el tiempo y que se volvió, de alguna forma, universal?-Yo nunca hubiera imaginado todo lo que ha ocurrido con "Hasta la raíz". Nunca hubiera pensado en las cosas que pasarían y cuántas vidas acompañaría esta canción. Se me hace hermoso, mágico y también ha sido una gran maestra para mí, así como supongo que para otras personas también. La veo como una canción que es como esas cosas que ya no te pertenecen, que ya no puedo decir que es mía. Ha trascendido y se ha convertido en un canto colectivo. Siempre me recuerda lo que yo quería que me recordara cuando la escribí y también su significado ha tomado diferentes formas, dependiendo de cada momento, dónde estoy, cómo me siento. Y veo que eso pasa con las personas también. Eso me hace desear seguir buscando la canción. Nunca hago una pensando en reemplazar otra, siento que 'Hasta la raíz' nunca va a pasar de su tiempo y no todas las canciones tienen esa particularidad de ser así, para siempre, para todo momento. Pero también me ha enseñado que yo no controlo ese tipo de cosas con la música. Yo no puedo hacer una canción pensando en que va a ser un hit para siempre, jamás podría yo plantar ese desde dónde para hacer una canción y eso me lo enseñó 'Hasta la raíz'. -¿Qué te ha dejado hasta ahora la primera parte del "Cancionera Tour" y que esperas para la del próximo año, que te trae de nuevo a Latinoamérica? -Por supuesto el cariño de la gente que me encanta recibir, el cariño de tantas personas lindas y toda la complicidad que se ha construido con el paso del tiempo. Una intimidad muy profunda y muy bonita que se da en esta gira y en estos conciertos que se han diseñado en el teatro de la canción, que también ha sido toda una nueva sala de exploración creativa para mí y me hace muy feliz poderla compartir con tantas personas. Y yo también quiero ver cómo va a ser. Por lo general, en las giras que me había tocado vivir no había tenido tanto tiempo de reposo entre una parte y la otra. Ahora me toca volver en otra etapa de mi camino que ni conozco ni sé cómo va a ser, pero que seguramente va a ser hermosa porque todo se ha dado de una manera super bonita. Eso me da mucha paz y tranquilidad de que va a venir algo muy especial, potente y distinto también dentro de esta misma transformación.
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Qué significa "Veneka", el término venezolano que le dio nombre a la canción que ganó el Latin Grammy: "Nunca nos rendimos"
La noche del jueves 13 de noviembre, Akapellah y la banda Rawayana recibieron el Latin Grammy a Mejor interpretación de música electrónica latina por su canción "Veneka". ¿Qué significa este término que se utiliza para referirse a los venezolanos y cómo evolucionó?Qué significa "Veneka", el título de la canción ganadora de un Latin GrammyLos Latin Grammy se celebraron en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas, en Nevada, la noche de este jueves. Los artistas Akapellah y Rawayana fueron homenajeados con el premio por "Veneka", una canción que acuña un término venezolano y que dio la vuelta al mundo. Muchos se preguntaron el origen y significado de esta expresión.La Asociación de Academias de la Lengua Española definió "veneco/a" como "relativo a Venezuela", pero su origen denota un significado más profundo. Según DW, este concepto se remonta a la década de 1970, cuando el país latino se encontraba en auge económico.Venezuela consagró un destino popular de migración proveniente de Colombia en la segunda mitad del siglo XX y el término de "veneco" surgió para designar a los hijos de ciudadanos colombianos que nacían en el país vecino, dado que representa una combinación de ambos gentilicios."Veneka": un giro en el concepto de veneco, de discriminatorio a símbolo de orgulloCasi 7,9 millones de venezolanos dejaron su país en busca de protección y oportunidades en regiones de todo el mundo, según registros del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), en medio de la situación que afronta el territorio. Según los propios artistas de "Veneka", este término se utiliza con frecuencia con "un tono discriminatorio".Pero, además del tema que fue honrado en los Latin Grammy 2025, el concepto adquirió un símbolo de orgullo y señal de identidad para los venezolanos que migraron de su país.El sentido mensaje de Erika de la Vega por el Latin Grammy a "Veneka"La comunicadora venezolana Erika de la Vega pronunció unas profundas palabras tras la recepción del galardón en la noche en Las Vegas. La locutora se refirió a un concepto que se empleó en tono despectivo y que la comunidad logró modificar."En esta canción, transformaron con mucha magia una palabra peyorativa en un símbolo de resiliencia y de fortaleza", expresó sobre el escenario la también comediante venezolana, sobre el tema liderado por Rawayana y Akapellah. View this post on Instagram En ese sentido, Erika de la Vega recordó la situación de millones de personas de Venezuela que dejaron su país en busca de mejores oportunidades, tanto laborales como de calidad de vida, en otras regiones. "Esta noche, no venimos a celebrar una canción, sino un sentimiento profundo que nació de la valentía, la pasión, la determinación y el amor de las mujeres venezolanas", señaló."Sabemos que las palabras pueden dividir y pueden sanar. Y nosotros, hoy, elegimos sanar, elegimos amar y elegimos honrar lo que somos. Gracias a las mujeres venezolanas que, con su ejemplo, nos enseñan que la dignidad no se negocia y que nunca, nunca, nos rendimos"."Este premio es de ustedes. ¡Qué viva Venezuela y qué viva la mujer venezolana!", cerró la presentadora.
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